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VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: Stereo, komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von
den Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing),
wattierte Innenhülle.
Erstmals in audiophilem Glanz: ”Baker’s Holiday”, Chet Bakers swingende Hommage an Billie Holiday
von 1965. Das Album enthält eine Reihe von Songs, die Baker noch nie zuvor eingespielt hatte und präsentiert seine unverkennbare Trompete und auf vier Titeln auch seinen charakteristischen Gesang. Unterstützt
wird er von einer Saxofon-Sektion und einer vierköpfigen Rhythmusgruppe, zu der auch Pianist Hank Jones
gehört. Die farbenfrohen Arrangements stammen von Jimmy Mundy.

Memorial Waterslides" ist das Debütalbum von MEMORIALS, dem Duo bestehend aus Verity Susman und Matthew Simms (zuvor bei Electrelane und Wire). Es handelt sich um ein surrealistisches Pop-Album, das sowohl zeitlos als auch zeitgemäß ist und eine seltene Mischung aus klassischem Songwriting und Avantgarde-Attitüde aufweist. MEMORIALS kreieren einen Panorama-Pop, der auf Vertrautes und Fremdes zurückgreift, aber bekannte Pfade aber auch neue Wege beschreitet. Mit ihrem verspielten und experimentellen Stil, kombiniert mit einer Liebe zu Melodien, stehen sie in einer Reihe mit Broadcast, Portishead, Arthur Russell, The Velvet Underground, Yo La Tengo und Tortoise. Das Album ist voll von Bildern, die eine verlorene Zukunft, eine verschleierte Gegenwart und eine tagträumerische Vergangenheit heraufbeschwören, wobei jeder Song eine Rolle bei der Schaffung einer wirbelnden Breitwandatmosphäre spielt und den Hörer mit auf die Reise nimmt. Der Sound des Albums, das die beiden komplett selbst produziert haben, wurde von den Experimenten mit Tonbändern inspiriert, mit denen sie zunächst auf der Bühne herumspielten, als sie begannen, ihre vielschichtigen Aufnahmen für Live-Auftritte als Duo zu entwickeln. Nach ihren gefeierten 2023-Soundtracks "Women Against The Bomb" und "Tramps!", einer Europatournee mit Stereolab (sie wurden als "Stereolabs böser Zwilling" bezeichnet) und einem neuen Musikauftrag des Centre Pompidou in Paris kamen Verity und Matthew auf MEMORIALS in umgekehrter Richtung an, indem sie ihren Soundtrack-Alltagsjobs entflohen, um kosmische Reisen durch den Gartenschuppen in psychedelischen Rock, abgefahrenen Folk und wilde analoge Elektronik zu unternehmen. "Exciting and unpredictable" The Guardian. "Everything you'd expect from a duo adept in the strange and esoteric, while also in thrall to pop music's melodic bent." The Quietus. (Limitiertes) Pink farbenes Vinyl mit DLC sowie Digisleeve-CD!

Die umjubelelten, schrill-bunten Rockerinnen von The Hot Damn! sind mit einem Paukenschlag zurück und veröffentlichen ihre elektrisierende neue Single Can You Hear Me Now? zusammen mit der Ankündigung ihres mit Spannung erwarteten Debütalbums Dancing on the Milky Way, das am Freitag, den 27. September 2024, über Fat Earth Records erscheinen wird. Die vierköpfige britische Rockband wird als das ,farbenfrohe Chaos" des Rock bezeichnet und bringt mit jedem Song, jedem Video und einer energischen Live-Show nach der anderen wieder Farbe in die Musikszene. Mit knackigen Riffs und wilden Harmonien bringen The Hot Damn! dich zum Tanzen, bevor du es merkst. Die vier temperamentvollen Damen, die unter anderem von Kerrang!, Planet Rock und BBC Radio 2, BBC Radio 6 und Radio BOB gelobt wurden, sind keine Unbekannten in der Musikszene. entstand die Band u.a. aus der Asche von The Amorettes und Tequila Mockingbyrd und besteht aus den Talenten von Gill Montgomery (The Amorettes), Josie O'Toole (Tequila Mockingbyrd), Laurie Buchanan (Aaron Buchanan and the Cult Classics) und Lzi Hayes (New Device/Sophie Lloyd Band).The Hot Damn! aus Marlow, Buckinghamshire, mögen es laut, aber sie machen nicht nur mit ihrer Musik auf sich aufmerksam, sondern auch auf ein Thema, das ihnen am Herzen liegt - den Gehörschutz. Da die Band erkannt hat, wie wichtig die Gesundheit des Gehörs sowohl für das Publikum als auch für die Musiker ist, hat sie sich dazu verpflichtet, bei all ihren Konzerten Einweg-Ohrstöpsel anzubieten. Neben einzelnen Headline-Gigs reisen The Hot Damn! im November 2024 als Support von D-A-D durch Deutschland um ihr hart rockendes Werk zu präsentieren. CD mit zwei Akustik-Bonustracks, LP als Sunshine Yellow Vinyl!

Wir wissen nicht wie oft wir in den letzten Jahren gefragt wurden, wann denn endlich die OXO86 Discografie komplett wieder auf Vinyl verfügbar wäre und warum eine Veröffentlichung immer dabei vergessen wird....Bitteschön, jetzt aber: Hier sind die "Stories of Suburbia" endlich und da Gut Ding Weile hat, gibt's auch etwas ganz Besonderes als Release: Ursprünglich 2010 als Split-LP (mit Mona Reloaded) veröffentlicht, gibt es die 7 ,vergessenen" OXO86 Songs jetzt erstmals auf einer zweiseitig bespielten ,Punched-Cut out 12inch"Vinyl. Was das ist? Während shape Vinyls von außen mit der Flex bearbeitet wird, um eine spezielle Form zu bekommen, ist dies hier eine klassisch-runde Sache, die aber mit ausgestanzten Formen in dem Vinyl eingearbeitet wurden. Ganz und gar nicht alltäglich, sehr aufwendig im Pressverfahren und auch Neuland für unser Presswerk! Bei dem Ergebnnis haben wir aber heimlich ein Freudentränchenen rausgedrückt, aber seht selbst! Limtitiert in 3 Farben (natürlich 180gr. Vinyl) vom Original-Cover und Inlay adaptiert, erblicken die trink- und feierfreudigen Lieder der Bernauer endlich wieder den Plattenteller. Da gehören Sie auch hin!

Wir wissen nicht wie oft wir in den letzten Jahren gefragt wurden, wann denn endlich die OXO86 Discografie komplett wieder auf Vinyl verfügbar wäre und warum eine Veröffentlichung immer dabei vergessen wird....Bitteschön, jetzt aber: Hier sind die "Stories of Suburbia" endlich und da Gut Ding Weile hat, gibt's auch etwas ganz Besonderes als Release: Ursprünglich 2010 als Split-LP (mit Mona Reloaded) veröffentlicht, gibt es die 7 ,vergessenen" OXO86 Songs jetzt erstmals auf einer zweiseitig bespielten ,Punched-Cut out 12inch"Vinyl. Was das ist? Während shape Vinyls von außen mit der Flex bearbeitet wird, um eine spezielle Form zu bekommen, ist dies hier eine klassisch-runde Sache, die aber mit ausgestanzten Formen in dem Vinyl eingearbeitet wurden. Ganz und gar nicht alltäglich, sehr aufwendig im Pressverfahren und auch Neuland für unser Presswerk! Bei dem Ergebnnis haben wir aber heimlich ein Freudentränchenen rausgedrückt, aber seht selbst! Limtitiert in 3 Farben (natürlich 180gr. Vinyl) vom Original-Cover und Inlay adaptiert, erblicken die trink- und feierfreudigen Lieder der Bernauer endlich wieder den Plattenteller. Da gehören Sie auch hin!

Wir wissen nicht wie oft wir in den letzten Jahren gefragt wurden, wann denn endlich die OXO86 Discografie komplett wieder auf Vinyl verfügbar wäre und warum eine Veröffentlichung immer dabei vergessen wird....Bitteschön, jetzt aber: Hier sind die "Stories of Suburbia" endlich und da Gut Ding Weile hat, gibt's auch etwas ganz Besonderes als Release: Ursprünglich 2010 als Split-LP (mit Mona Reloaded) veröffentlicht, gibt es die 7 ,vergessenen" OXO86 Songs jetzt erstmals auf einer zweiseitig bespielten ,Punched-Cut out 12inch"Vinyl. Was das ist? Während shape Vinyls von außen mit der Flex bearbeitet wird, um eine spezielle Form zu bekommen, ist dies hier eine klassisch-runde Sache, die aber mit ausgestanzten Formen in dem Vinyl eingearbeitet wurden. Ganz und gar nicht alltäglich, sehr aufwendig im Pressverfahren und auch Neuland für unser Presswerk! Bei dem Ergebnnis haben wir aber heimlich ein Freudentränchenen rausgedrückt, aber seht selbst! Limtitiert in 3 Farben (natürlich 180gr. Vinyl) vom Original-Cover und Inlay adaptiert, erblicken die trink- und feierfreudigen Lieder der Bernauer endlich wieder den Plattenteller. Da gehören Sie auch hin!

Hätte Ivo Martins Genre einen Namen, er könnte "Humble Pop" lauten. In seinen Liedern trifft bildhaftes Storytelling auf detailverliebte Soundwelten - Fesselnde Emotionalität und die großen Fragen des Lebens, verpackt in moderne, zugängliche Popmusik, von Hand gemacht. Mit dem Debut-Album "Puls" gibt es nun erstmalig Ivo's Musik auch als handliche CD und als 12-inch Vinyl in der besonderen Citrus Farbe der Schallplatte inklusive einer hand-signierten Autogrammkarte sowie eines Posters in DinA1. Das Artwork des finalen Produkts wird von der Abbildung abweichen. Die Vinyl besteht aus 100% recycleten Farben.Die als Beispiel verwendeten Farben stellen nicht das tatsächliche Aussehen des bei der Produktion verwendeten ECO Mixed dar.

Zusammen mit Bands wie Hans-A-Plast und Der Moderne Man gehören Rotzkotz Anfang der 80er zum Umfeld von No Fun Records, einem hannoverschen Label aus der linksalternativen Szene. Zunächst spielen sie klassischen Punk-Sound, den sie auf ihrem zweiten Album um elektronische Sounds und teils dadaistisch anmutende Texte ergänzen: Mit Lebensfroh + Farbenfroh veröffentlichen sie so 1981 eines der spannendsten Alben der alternativen deutschsprachigen Musik der 80er Jahre. Gute 40 Jahre später wird das Album jetzt inklusive der zwei Songs der "Kein Problem"-Single (ein kurzer Ausflug zum Major EMI) wiederveröffentlicht - neu gemastert und ergänzt um ausführliche Linernotes sowie bisher unveröffentlichtes Bildmaterial. Zwischen Punk und Avantgarde, zwischen elektronischen Sounds und digitaler Dystopie, zwischen Majorlabel-Deal und No Fun Records, zwischen 70ern und 80ern - Rotzkotz sitzen zwischen allen denkbaren Stühlen und schaffen es dabei, mit Farbenfroh + Lebensfroh ihre Nische auf eine auch heute noch außergewöhnliche Art zu besetzen.

Gilligan Moss - das aus Brooklyn stammende Duo, bestehend aus den Kindesfreunden Ben und Evan - ist mit seinem neuen Album “Speak Across Time” zurück auf ODESZA’s Foreign Family Collective!

Auf „Speaking Across Time“ kapselt jeder der zwölf Tracks des Albums persönliche Momente durch eine Linse der Zeitlosigkeit ein. 90er-Jahre-Rave, Old Country, 70er-Jahre-Soul, Honky-Tonk-Piano-House und sogar ein Sample des Dichters und langjährigen Mentors, David Mason, kollidieren unter Gilligan Moss' gekonnter Einbindung von Samples und moderner Tanzmusikproduktion.
Die Band arbeitete mit der bildenden Künstlerin, Orly Anan, in Mexiko-Stadt zusammen, um farbenfrohe Kostüme und Masken für das Single- und Album-Artwork zu kreieren. Das Kunstwerk ist eine Erkundung von Dualität, Spaltung, Zwillingsschaft und Zusammengehörigkeit. Orly war von entscheidender Bedeutung für diese Aufgabe.
Das Duo trat bereits auf namhaften Festivals wie Coachella, Pitchfork Paris und Electric Forest auf und spielte im Vorprogramm von u.a. Glass Animals, Toro Y Moi, Tourist, Chromeo, ODESZA, Elderbrook und vielen mehr.

Der deutsche Literat, Kritiker und ehemaliges Mitglied der Fernsehsendung "Das Literarische Quartet", Maxim Biller, hat mit der Unterstützung des Berliner Multiinstrumentalisten Malakoff Kowalski zwölf von ihm selbst komponierte Lieder aufgenommen. Das Ergebnis ihre Kollaboration heißt "Studio" und ist ein beeindruckendes, zeitloses Werk, das sich musikalisch - man kann diese illustren Namen durchaus zum Vergleich heranziehen - an Größen wie Leonard Cohen, Serge Gainsbourg oder Paolo Conte anlehnt. Die "Studio"-Songs sind politisch, melancholisch, romantisch, vor allem aber sehr außergewöhnlich. Einen singenden Schriftsteller im deutschsprachigen Raum - das hat es schon Jahrzehnte nicht mehr gegeben!

BONA DISH waren eine lottrige Pop Punk Band aus den Dörfern von Hertfordshire, die die Liebe zu den VELVETS, den SUPREMES und zueinander vereinte. Sie waren cool, gutaussehnend und farbenprächtig. Die Songs sind einfach und zur gleichen Zeit komplex. Das Line-Up aus zwei Mädchen und zwei Jungs brachte eine Spannung ins Spiel, die sowohl sexuell aufgeladen und musikalisch zerbrechlich daherkam. Man hatte immer das Gefühl, dass alles innerhalb von Sekunden wie ein Kartenhaus zusammenfallen könnte, was es aber nur sehr selten tat. Nachdem ihre ,Kassette in einem Rohr"-Taktik bei John Peel Wirkung zeigte, veröffentlichte die Band eine Kassette auf InPhaze und löste sich kurz darauf auf. Hier ist dieses wiederentdeckte Juwel, das eine Lebensfreude und eine Spontaneität zeigt, die die DIY-Szene in Großbritannien aufrüttelte und sich nicht hinter Zeitgenossen wie TELEVISION PERSONALITIES, THE HOMOSEXUALS und MARINE GIRLS verstecken muss. Diese Veröffentlichung ist der einzige LP und CD Release für BONA DISH; die kompletten gesammelten Aufnahmen neu gemastert.

Mit ihrem neuen Album Megafauna in Sichtweite und seit fast 20 Jahren dabei, haben die irischen Experimentierfreaks And So I Watch You From immer wieder neue Ideen aufgenommen und die Grenzen ihrer komplizierten und ekstatischen gitarrenbasierten Posteverything-Kompositionen erweitert. Aber nichts in ihrem Repertoire kommt an den Ehrgeiz und das Ausmaß ihres 2022 entstandenen multimedialen Langform-Ensembleprojekts Jettison heran. Jettison wurde von Rory Friers, dem Gitarristen von And So I Watch You From Afar, konzipiert und von der Band, dem Orchestrator Connor O'Boyle, dem Arco String Quartet und dem bildenden Künstler Sam Wiehl zum Leben erweckt. Jettison ist eine Verschmelzung von ASIWYFAs lebensbejahender musikalischer Akrobatik, der mitreißenden Größe von Filmmusik und den surrealen und erhabenen Möglichkeiten von bewegten Bildern. Die Bühne für Jettison wird mit den friedlichen Klavierakkorden und den orchestralen Klängen von ,Dive Pt1" eröffnet, bevor es mit ,Dive Pt2" richtig losgeht, wo Friers und Kennedy von ihren Landsleuten Chris Wee am Schlagzeug und Johnny Adger am Bass unterstützt werden. Von da an durchläuft die 40-minütige, neunteilige Reise von Jettison die verschiedenen Schattierungen der euphorischen Instrumentalstücke von ASIWYFA, die von der ätherischen Eleganz des Arco String Quartet durchdrungen sind. Kurze Schnipsel kryptischer Dialoge von Emma Ruth Rundle und Neil Fallon sind über das ganze Album verstreut und weisen dem Hörer den Weg wie Wegweiser, die eine größere Geschichte andeuten und das Erlebnis weiter färben, während sie der Komposition insgesamt ein Gefühl des Geheimnisses verleihen. Ob es die Stakkato-Gitarren und Pedalboard-Manipulationen von ,Lung", der dubbige Bass und die spärlichen Folk-Melodien von ,In Air", der hymnische Geist von ,Emerge" oder die perfekte Symbiose aus klassischem ASIWYFA-Elektrojubel und der zarten Anmut des Arco String Quartetts sind, die verschiedenen Kapitel von Jettison bewahren den Geist und die Klangfarbe von ASIWYFA, während sie die Möglichkeiten ihres Sounds erweitern und die Sinne durch zusätzliche Instrumentierung übersättigen.Jettison ist auf keinen Fall ein gewöhnliches ASIWYFA-Album. Vielmehr handelt es sich um eine sehr bewusste Abkehr und nicht um einen evolutionären Schritt hin zu einem immer komplexeren und konzeptionelleren Werk. Die ehemals nur begrenzt verfügbare Veröffentlichung wird nun neu aufgelegt!

Mit ihrem neuen Album Megafauna in Sichtweite und seit fast 20 Jahren dabei, haben die irischen Experimentierfreaks And So I Watch You From immer wieder neue Ideen aufgenommen und die Grenzen ihrer komplizierten und ekstatischen gitarrenbasierten Posteverything-Kompositionen erweitert. Aber nichts in ihrem Repertoire kommt an den Ehrgeiz und das Ausmaß ihres 2022 entstandenen multimedialen Langform-Ensembleprojekts Jettison heran. Jettison wurde von Rory Friers, dem Gitarristen von And So I Watch You From Afar, konzipiert und von der Band, dem Orchestrator Connor O'Boyle, dem Arco String Quartet und dem bildenden Künstler Sam Wiehl zum Leben erweckt. Jettison ist eine Verschmelzung von ASIWYFAs lebensbejahender musikalischer Akrobatik, der mitreißenden Größe von Filmmusik und den surrealen und erhabenen Möglichkeiten von bewegten Bildern. Die Bühne für Jettison wird mit den friedlichen Klavierakkorden und den orchestralen Klängen von ,Dive Pt1" eröffnet, bevor es mit ,Dive Pt2" richtig losgeht, wo Friers und Kennedy von ihren Landsleuten Chris Wee am Schlagzeug und Johnny Adger am Bass unterstützt werden. Von da an durchläuft die 40-minütige, neunteilige Reise von Jettison die verschiedenen Schattierungen der euphorischen Instrumentalstücke von ASIWYFA, die von der ätherischen Eleganz des Arco String Quartet durchdrungen sind. Kurze Schnipsel kryptischer Dialoge von Emma Ruth Rundle und Neil Fallon sind über das ganze Album verstreut und weisen dem Hörer den Weg wie Wegweiser, die eine größere Geschichte andeuten und das Erlebnis weiter färben, während sie der Komposition insgesamt ein Gefühl des Geheimnisses verleihen. Ob es die Stakkato-Gitarren und Pedalboard-Manipulationen von ,Lung", der dubbige Bass und die spärlichen Folk-Melodien von ,In Air", der hymnische Geist von ,Emerge" oder die perfekte Symbiose aus klassischem ASIWYFA-Elektrojubel und der zarten Anmut des Arco String Quartetts sind, die verschiedenen Kapitel von Jettison bewahren den Geist und die Klangfarbe von ASIWYFA, während sie die Möglichkeiten ihres Sounds erweitern und die Sinne durch zusätzliche Instrumentierung übersättigen.Jettison ist auf keinen Fall ein gewöhnliches ASIWYFA-Album. Vielmehr handelt es sich um eine sehr bewusste Abkehr und nicht um einen evolutionären Schritt hin zu einem immer komplexeren und konzeptionelleren Werk. Die ehemals nur begrenzt verfügbare Veröffentlichung wird nun neu aufgelegt!

60 Jahre nach Luciano Pavarottis erster Aufnahme für Decca veröffentlicht das Label zwei der beliebtesten
Alben des Jahrhundert-Tenors neu auf CD und farbigem Vinyl: „O Sole Mio“ und ”Arias by Verdi and
Donizetti”.

Arias by Verdi and Donizetti
Das 1968 aufgenommene Album „Arias by Verdi and Donizetti“ beginnt mit einer Auswahl von Arien
aus vier Verdi-Opern: „Luisa Miller“, „I due Foscari“, „Un ballo in maschera“ und „Macbeth“. Es folgen
Arien aus vier Opern von Donizetti: “Lucia di Lammermoor”, “Il duca d’Alba”, “La favorita” und “Don
Sebastiano”. Kaum je war Pavarottis Gesang natürlicher und vollendeter zu erleben als auf diesem Album,
gepresst auf gelbem Vinyl, in dem sich die Farben des prägnanten Covers widerspiegeln.

Dabei sein ist alles ist 100 Prozent Oxo 86 pur. Wenn es eine Band schafft auch bei Frust und schlechten Zeiten aus der Seele zu sprechen und zeitgleich ein Lächeln ins Gesicht zaubert, dann die Bernauer mit ihrem bissig-verschmitzte Humor. Das 2022er-Album nun wieder auf Vinyl in neuen Farben erhältlich. "Dabei sein ist Alles!" ist schlichtweg ein Bernauer-Meisterstück geworden....wer hätte auch ernsthaft daran gezweifelt? Auch in konzertlosen Pandemiezeiten und nach über 24 Monaten Corona-Scheisse hat sich die Band ihren spritzigen Charme und wohl einmaliges Händchen für sofort zündende Lieder bewahrt, wenngleich auch an OXO86 diese Zeiten in ihren Texten nicht spurlos vorbeigegangen sind! Aber keine Sorge: Von der ersten Note bis zum letzten Akkord gibt es 100 Prozent OXO86 pur! Und wenn es eine Band schafft Dir auch bei Frust und schlechten Zeiten aus der Seele zu sprechen und Dir zeitgleich ein Lächeln ins Gesicht zaubert, während Deine Füsse unmerklich anfangen zu wippen, dann wohl die Bernauer, oder? Natürlich kommt auch der bissig-verschmitzte Humor mit hundsgemeinen Ohrwürmern im unvergleichlichen OXO-Stil nicht zu kurz und so gibts auf "Dabei sein ist Alles" eigentlich alles in den 13 neuen Songs, was die Band schon immer ausmachte..."

Dabei sein ist alles ist 100 Prozent Oxo 86 pur. Wenn es eine Band schafft auch bei Frust und schlechten Zeiten aus der Seele zu sprechen und zeitgleich ein Lächeln ins Gesicht zaubert, dann die Bernauer mit ihrem bissig-verschmitzte Humor. Das 2022er-Album nun wieder auf Vinyl in neuen Farben erhältlich. "Dabei sein ist Alles!" ist schlichtweg ein Bernauer-Meisterstück geworden....wer hätte auch ernsthaft daran gezweifelt? Auch in konzertlosen Pandemiezeiten und nach über 24 Monaten Corona-Scheisse hat sich die Band ihren spritzigen Charme und wohl einmaliges Händchen für sofort zündende Lieder bewahrt, wenngleich auch an OXO86 diese Zeiten in ihren Texten nicht spurlos vorbeigegangen sind! Aber keine Sorge: Von der ersten Note bis zum letzten Akkord gibt es 100 Prozent OXO86 pur! Und wenn es eine Band schafft Dir auch bei Frust und schlechten Zeiten aus der Seele zu sprechen und Dir zeitgleich ein Lächeln ins Gesicht zaubert, während Deine Füsse unmerklich anfangen zu wippen, dann wohl die Bernauer, oder? Natürlich kommt auch der bissig-verschmitzte Humor mit hundsgemeinen Ohrwürmern im unvergleichlichen OXO-Stil nicht zu kurz und so gibts auf "Dabei sein ist Alles" eigentlich alles in den 13 neuen Songs, was die Band schon immer ausmachte..."

Ltd Edition! Das Darkwave Elektronik-Duo BOY HARSHER aus Northampton, Massachusetts veröffentlichen nochmals ihre Katalog-Klassiker in verschiedenen Farben!

"Daylight" ist eine exzellente Kooperation des britischen Dance-Produzenten Hifi Sean mit dem Top-Vokalisten David McAlmont. Ihre berauschende Reise zelebriert und erforscht auf 12 Tracks die Farben und das Gefühl des Sommers. Es wird das erste von zwei Alben des Duos dieses Jahr sein, zusammen mit dem Schwesteralbum "Twilight", das am ersten Wintertag, dem 1. Dezember, folgt.

- Format: Neon-gelbes LP-Vinyl mit downloadbarem Booklet samt Lyrics & Fotos.

"Daylight" ist eine exzellente Kooperation des britischen Dance-Produzenten Hifi Sean mit dem Top-Vokalisten David McAlmont. Ihre berauschende Reise zelebriert und erforscht auf 12 Tracks die Farben und das Gefühl des Sommers. Es wird das erste von zwei Alben des Duos dieses Jahr sein, zusammen mit dem Schwesteralbum "Twilight", das am ersten Wintertag, dem 1. Dezember, folgt.

- Format: Neon-gelbes LP-Vinyl mit downloadbarem Booklet samt Lyrics & Fotos.

Eivør, die oft als eine der produktivsten und einzigartigsten nordischen Künstlerinnen ihrer Generation angesehen wird, hat bis heute 11 Studioalben veröffentlicht, wobei sie musikalische Genres und immer wieder die Grenzen des Erwarteten überschreitet. Eivørs musikalische Reise, die 2021 mit dem Musikpreis des Nordischen Rates ausgezeichnet wurde, fasziniert weltweit - von den größten Festivalbühnen Europas bis hin zum Soundtrack für die Netflix-Hitserie The Last Kingdom und das Videospiel God of War: Ragnarök.

Ihr kommendes neues Album 'Enn' knüpft an Eivørs nordische Wurzeln an. Die meisten der Texte, die komplett auf Färöisch gesungen werden, entstanden in Zusammenarbeit mit dem färöischen Dichter Marjun Syderbø Kjelnæs. Eivør bezeichnet den Text des Titeltracks als besonders "hardcore". Der Song handelt vom Krieg - "von den Kriegen, die in der Welt vor allem in letzter Zeit stattfinden, die es aber schon immer gegeben hat", sagt Eivør, "und davon, wie man in dieser überwältigenden Dunkelheit einen Lichtblick findet." Der gutturale vorletzte Track, "Upp Úr Øskuni", ist ein aufregender Ausreißer, der knurrendes Beatboxing mit viszeralem Kehlkopfgesang mischt (sicherlich Eivørs metallischster Moment).

'Enn' sticht aus Eivørs Diskografie als kühnes neues Projekt heraus. Ihr Debütalbum für Season of Mist lehnt sich stärker an dunkle Elektronik an - der neuer Prophet-5-Synthesizer hat es kaum aus der Verpackung geschafft, bevor sie "Hugsi Bert Um Teg" anstimmt, ein schwelgerisches Stück Dream-Pop, das wie die Farben der Milchstraße tanzt.

Im Großen und Ganzen folgt 'Enn' einem kosmischen Bogen. Der Titeltrack ist eine symphonische, vom Krieg zerrissene Weltraum-Odyssee. Aber das Album widmet sich auch irdischeren Themen. Die Leadsingle "Jardartra" wird aus der Perspektive einer verletzten Mutter Erde erzählt, mit einer stetig pochenden Basslinie, die so dunkel und warm ist wie der geschmolzene Kern unseres Planeten ist. "Komm und leg dich in meine blaue Umarmung", singt Eivør und entfesselt dabei in ihr opernhaftes Register, als wolle sie uns ins Licht locken.

"Kindred Spirits" versammelt elf Coverversionen, allesamt im Alleingang eingespielt, eingesungen und aufgenommen von Ronny Moorings. Und was für eine Auswahl uns hier erwartet: "Blue Monday" von NEW ORDER, "Question Of Time" von DEPECHE MODE, "Decades" von JOY DIVISION, "A Forest" von THE CURE oder "Alice" von THE SISTERS OF MERCY mögen Stücke sein, die man in der ewigen Playlist eines Ronny Moorings vielleicht schon immer vermutet hätte; die Art und Weise, wie er diese Songs zu neuem CLAN OF XYMOX-Leben erweckt, erstaunt und begeistert dennoch mehr als man das jemals erwartet hätte. Warm, organisch, irgendwo zwischen waviger Elektronik und nebelumwalltem Goth Rock geben sich diese Respektbekundungen, zeigen eine gänzlich neue Seite von CLAN OF XYMOX und lassen ganz nebenbei unsterbliche Klassiker wieder aufleben.

Dass "Kindred Spirits" kein herkömmliches Coveralbum ist, zeigt neben der Songauswahl auch der beinahe sakrale Charakter, mit dem Ronny Moorings an diesem Album gearbeitet hat. Es sind allesamt Songs, die ihm viel bedeuten, die ihn geprägt haben und ihm zweifellos über die eine oder andere besonders dunkle Stunde hinweggeholfen haben - genau, wie es die Musik von CLAN OF XYMOX bereits für unzählige Menschen getan hat. "Kindred Spirits" ist ein Album, so persönlich wie ein gemeinsamer Abend mit Ronny Moorings und seiner Plattensammlung. Eine Lehrstunde in Sachen seelenvoller Musik - gesehen durch die Augen eines hoffnungslosen Musikliebhabers.

Mehrfarbiges Vinyl, Blau, Schwarz und Weiß, Farben viskos ineinanderlaufend und gesprenkelt, Individuell von Hand gefertigt, Jede Schallplatte ist ein Unikat, Deutsche Pressung, 180 Gramm, Überarbeitetes Artwork, Stabile Kastentasche, Mehrfarbig bedruckte Innenhüllen, Mehrfarbig bedruckte Vinyletiketten, Limitiert auf 500 Exemplare weltweit

Es gibt nur einige wenige große Bands auf unserem Planeten, die man innerhalb weniger Sekunden unfehlbar identifizieren kann. Das einzigartige
Melodieverständnis, die geschmackvolle Instrumentierung, die richtige Balance aus Tiefe und Eingängigkeit, und dann natürlich diese charismatische
Stimme: Magnum sind Magnum!
Dies gilt auch für ihr neuestes Studioalbum ‚Here Comes The Rain‘, das am 12. Januar 2024 über Steamhammer/SPV als CD+DVD, Doppel-Vinyl-LP, als
Boxset und als Digitalversion veröffentlicht wird und einmal mehr beweist: Stimmungsvoller kann klassische Rockmusik kaum klingen.
Das fantasievolle Artwork stammt wie gewohnt aus der Feder des großartigen Rodney Matthews, der bereits für zahlreiche Magnum-Scheiben das
äußere Erscheinungsbild an die atmosphärisch dichte Musik der Band perfekt angeglichen hat.
Kein Zweifel: Mit ‚Here Comes The Rain‘ ist Magnum in der Besetzung Catley, Clarkin, Keyboarder Rick Benton, Bassist Dennis Ward und Schlagzeuger
Lee Morris erneut ein farbenfrohes, abwechslungsreiches und in jeder Sekunde inspiriertes neues Studioalbum gelungen.

"Du reitest über die Zwickauer Hügel nach Nordosten. Die Lederzügel schneiden sich in deine gefrorenen Hände, während sich heiss-saurer Sod nach oben brennt. Metaphysischer Katerschweiss sticht sich Pore für Pore durch deine Haut, durch ein verblasstes Sargtattoo auf dem Unterarm. Die müden Füße in den NVA-Stiefeln deines Vaters umklammern die Flanken eines dampfenden, grauen Appaloosa, oder ist es doch nur die frisierte Simson S51? Egal, denn eigentlich ist es deine ur-eigene Mind-Machine, in der du dem Ruf der Leere folgend durch die Ruinen der Selbsterkenntnis irrst. Nach Chemnitz - dem San Francisco des ganz kleinen Mannes. Erwarten wird dich dort allerdings nicht Bernd Spier's einfältige Flowertime, sondern Asbest, Eternit und vor allem die Risse, die sich durch ebendiesen ziehen. Genau da verdichten sich die Songs auf L'Appel du Vide's erstem Full-Length "Metro" jedem Leerstand trotzend zu einem 9 Stories hohen Monolithen aus Post-Punk, Death-Rock, Synth- und Darkwave, der einen - einmal erklommen - über jene Genregrenzen hinwegschauen lässt. Ein schwarz-schimmernder Jengaturm aus (East-)German Angst und kompromissloser Innenschau. So viel aufrichtiger wankend, als ein Campino im einstudierten Seitwärts-Taumeltanz der Mitte der Gesellschaft weismachen will, führt er dich weg von den tief hängenden Früchten des epigonalen (Post-)Punkswindles. Hin zu den aufgehenden Blüten echter Musikliebhaberei. Man hat sich festgebissen und ist drangeblieben, hat geschürft und sortiert, die Linernotes gelesen und vor allem eins: den vielen Platten zugehört. Die Schubladen aufgemacht und offen gelassen. Sänger René klagt sich ohne Allüren, zeigefingerfrei und immun gegen jedes Zeitgeistgeheische ins zunächst eigene Herz. Die Gitarre sägt, klirrt und kreischt vor Hunger und ist doch satt. Die Rhythm-Section knurrt und scheppert und bumst sich geradeaus in den Abyss, aus dem auch analoge Synths hier und da auftauchen um kurz Luft zu schnappen. Überhaupt kann man die Instrumente atmen hören, so ehrlich ist der Sound. Gitarrist Flatty hat die Band Anfang 2023 im Studio Gloom, Chemnitz aufgenommen. Doch da ist nicht nur Sachsen und die zu oft beschworenen, modrigen Wurzeln der Hängengebliebenen. Da ist Detroit, Frisco und Los Angeles. Manchester, New York und Portland. Und genau so wie Poison Idea's "Feel the Darkness" (um dann doch mal eine Reminiszenz zu bemühen) beginnt, endet "Metro" nach 37 Minuten Spielzeit - mit nacktem Piano. Dazwischen: eine Verwandtschaft in Wucht und Haltung, nur ohne Metal- und Gepose. Just Power and Void. Und in der Satteltasche ein altes Foto vom Meer, körnig, schwarz weiss und doch alle Farben widerspiegelnd.

Jinte Deprez aka J. Bernardt, eine Hälfte und Co-Frontmann der belgischen Band Balthazar, veröffentlicht sein zweites Solo-Album. 'Contigo' greift auf eine Vielzahl von Einflüssen zurück, darunter Pop, Soul, Funk und Spaghetti-Western-Soundtracks, und spiegelt Deprez' Liebe zu Künstlern wie Serge Gainsbourg oder Ennio Morricone wider. Das Album dient als Soundtrack für verlorene und verwundete Liebende, ist eine emotionale Achterbahnfahrt und fängt Deprez' persönliche Reise mit einer Mischung aus Melancholie und Humor ein. 'Contigo' ist ein dramatisches, fesselndes und farbenfrohes Werkund beweist J.Bernardts außergewöhnlichen Fähigkeiten als Sänger, Songwriter, Instrumentalist und Produzent.

Der amerikanische Roots-Sänger und Songwriter aus Mid-Coast Maine - Pokey Lafarge - präsentiert sein 10. Album "Rhumba Country". Für dieses neue Werk entwickelte LaFarge einen kaleidoskopischen Sound, der Mambo, Tropicália, Rocksteady und amerikanischen Rock'n'Roll aus der Mitte des Jahrhunderts umfasst. Das Album, produziert von Chris Seefried und Elliot Bergman und in L.A. aufgenommen, lädt dazu ein, das Leben und die Liebe zu feiern. Nachdem er im letzten halben Jahrzehnt auf der Suche nach einem Zuhause durch das ganze Land gezogen war, fand Pokey LaFarge seine Heimat in Mid-Coast Maine. Nach seiner Ankunft vollzog der in Illinois geborene Sänger, Songwriter und Schauspieler eine grundlegende Veränderung in seinem Leben, indem er 12 Stunden am Tag auf einer örtlichen Farm arbeitete - eine Wendung, die einen außergewöhnlichen Kreativitätsschub auslöste und seinen Sinn als Künstler neu definierte. "Rhumba Country" wurde ursprünglich aus Material geformt, das entstand, während LaFarge in die Arbeit auf der Farm vertieft war. "Ich schob einen Pflug oder streute Saatgut aus, und die Lieder kamen einfach zu mir", erinnert er sich. "Das war ungeheuer inspirierend und machte mir klar, dass die Landwirtschaft neben dem Singen vielleicht die älteste menschliche Kunstform ist". Während seiner Arbeit als Landwirt begann LaFarge, einen kaleidoskopischen Sound zu entwickeln, der von seiner Liebe zu Musik aus den verschiedensten Epochen und Ecken der Welt geprägt ist, darunter Mambo, Tropicália, Rocksteady und amerikanischer Rock'n'Roll aus der Mitte des Jahrhunderts. "Die Lieder, die mir in den Sinn kommen, sind beschwingt und laden zum Tanzen oder zumindest zum Mitwippen ein - sie sind alle sehr farbenfroh", sagt LaFarge. "Früher habe ich meine Musik in Dunkelblau gesehen, aber jetzt sehe ich sie in Technicolor". Das gemeinsam mit Chris Seefried und Elliot Bergman produzierte und in L.A. aufgenommene Album Rhumba Country ist eine Einladung, zusammenzukommen und das Leben und die Liebe zu feiern.

Die britische Instrumentalband MAYBESHEWILL feiert das 10-jährige Jubiläum ihres vierten Studioalbums "Fair Youth" mit einer brandneuen Vinyl-Edition. Neu abgemischt und remastered von Jamie Ward erscheint diese Ausgabe in einer limitierten pink-schwarz marmorierten Edition (180g Vinyl), die auch digital erhältlich sein wird. Wie Jamie erklärt: "Fair Youth ist ein ziemlich ehrgeiziges Album. Die Arrangements sind maximalistisch, und mit der Instrumentierung haben wir Neuland betreten. Für diese Wiederveröffentlichung zum 10-jährigen Jubiläum hatte ich das Gefühl, dass ich mit einem kompletten Remix mehr aus dem Album herausholen kann als mit einem einfachen Remaster. Mit 10 Jahren mehr Erfahrung beim Abmischen fühle ich mich nun besser in der Lage, die Klangwand zu überwinden und die Instrumente etwas besser voneinander zu trennen, um die Details der Arrangements wirklich zur Geltung zu bringen. Generell habe ich mich bemüht, die Dinge ein wenig härter zu machen und ein bisschen lebendiger und farbenfroher zu sein." Bei der ursprünglichen Veröffentlichung im Jahr 2014 sagte das DIY Magazine, dass die Band "nie besser geklungen hat", während Rocksound das Album als "ein unbestreitbar fesselndes Hörerlebnis" bezeichnete. Und diese neue Version bietet jetzt eine neue Möglichkeit, die Musik zu erleben.

"Blood On Canvas" ist das bislang wütendste Album der Essener Thrasher DARKNESS. Die Songs sind aggressiver und härter als alles, was bisher in der DARKNESS Diskographie zu finden ist.

Obwohl es sich nicht um ein Konzeptalbum handelt, ist "Blood On Canvas" nicht eine bloße Kollektion von neun Songs, die in einer Epoche entstanden sind, sondern ein facettenreiches Klanggemälde, gemalt mit den Farben des Zorns.

Musikalisch liefern DARKNESS den kompromisslosen und schnellen Thrash Metal, für den sie seit ihrem Debutalbum "Death Squad" (1987) bekannt sind. Die Kompositionen auf diesem Album sind jedoch komplexer und detailreicher als bisher gewohnt, ohne dabei an Aggression, Härte und Authentizität zu verlieren.
Die Texte sind nicht mehr nur eine Beschreibung des Irrsinns, der den Lauf dieser Welt bestimmt, sondern bringen ohne Umschweife und kompromisslos die Dinge auf den Punkt.

"Blood On Canvas" ist das bislang wütendste Album der Essener Thrasher DARKNESS. Die Songs sind aggressiver und härter als alles, was bisher in der DARKNESS Diskographie zu finden ist.

Obwohl es sich nicht um ein Konzeptalbum handelt, ist "Blood On Canvas" nicht eine bloße Kollektion von neun Songs, die in einer Epoche entstanden sind, sondern ein facettenreiches Klanggemälde, gemalt mit den Farben des Zorns.

Musikalisch liefern DARKNESS den kompromisslosen und schnellen Thrash Metal, für den sie seit ihrem Debutalbum "Death Squad" (1987) bekannt sind. Die Kompositionen auf diesem Album sind jedoch komplexer und detailreicher als bisher gewohnt, ohne dabei an Aggression, Härte und Authentizität zu verlieren.
Die Texte sind nicht mehr nur eine Beschreibung des Irrsinns, der den Lauf dieser Welt bestimmt, sondern bringen ohne Umschweife und kompromisslos die Dinge auf den Punkt.

"Blood On Canvas" ist das bislang wütendste Album der Essener Thrasher DARKNESS. Die Songs sind aggressiver und härter als alles, was bisher in der DARKNESS Diskographie zu finden ist.

Obwohl es sich nicht um ein Konzeptalbum handelt, ist "Blood On Canvas" nicht eine bloße Kollektion von neun Songs, die in einer Epoche entstanden sind, sondern ein facettenreiches Klanggemälde, gemalt mit den Farben des Zorns.

Musikalisch liefern DARKNESS den kompromisslosen und schnellen Thrash Metal, für den sie seit ihrem Debutalbum "Death Squad" (1987) bekannt sind. Die Kompositionen auf diesem Album sind jedoch komplexer und detailreicher als bisher gewohnt, ohne dabei an Aggression, Härte und Authentizität zu verlieren.
Die Texte sind nicht mehr nur eine Beschreibung des Irrsinns, der den Lauf dieser Welt bestimmt, sondern bringen ohne Umschweife und kompromisslos die Dinge auf den Punkt.

Die renommierte irische Singer-Songwriterin Wallis Bird & Spark, die klassische Band – eine der führenden Formationen der jungen kreativen Klassikszene in Deutschland - bündeln ihre Kräfte für ein genreübergreifendes Konzerterlebnis, das ein ganzes Jahrtausend weiblicher Klangkunst umfasst. Die sechs Musikerinnen und Musiker bieten einen 360-Grad-Blick auf das reiche und farbenfrohe Universum, das von visionären Frauen vom Mittelalter bis heute geschaffen wurde.

Mit ihrer bisher offenherzigsten, direktesten und intimsten Sammlung von Material stellt sie ihre einzigartige Reise durch die britische Musiklandschaft neu auf. Love In Constant Spectacle beschwört spektakuläre Bilder herauf und destilliert die Vision der Künstlerin in ihrer reinsten Form, wodurch ihr unnachahmlicher Sound und ihre poetische Vision zu neuen Höhen aufsteigen. Sie fängt die Melancholie ihrer frühen Arbeiten ein und treibt sie gleichzeitig voran. Sie skizziert Szenen, während wir beobachten, wie neue Farben, Formen und Sprachen auftauchen und den Rahmen füllen. Mit Love In Constant Spectacle geht sie gemessene Schritte in Richtung eines lebendigen, traumhaften Albums, das im Angesicht der Unvermeidlichkeit des Lebens Entschlossenheit bietet. Die Grundlagen von Weavers Sound sind immer noch offensichtlich - üppige motorische Drums, pulsierende Bässe, speziell modifizierte Synthesizer und exotische Fuzz-Pedale - aber der Strom ist überschwemmt mit Scrabble-Poetry und Letraset-Wiegenliedern, die zu üppigem Eskapismus führen, der freien Hingabe, die man mit Free Jazz und der Avantgarde assoziieren würde. Doch so entschlossen und visionär Weaver auch sein mag, Love In Constant Spectacle wurde nicht ohne Hilfe umgesetzt. Hier finden wir eine lange diskutierte Zusammenarbeit mit Janes erstem Produzenten, John Parish (PJ Harvey, Aldous Harding), der Weavers Prozess in der Umgebung der Rockfield Studios und Geoff Barrows Invada-Studio begleitet hat. Love In Constant Spectacle ist jenseitig, intim und doch distanziert, eine surrealistische Interpretation der Grundlagen, die uns menschlich machen - die Geschichten und Landschaften, die es malt, sind eigene Lebensräume. Es ist eine Reise in unbekannte Gefilde, ein von Herzen kommendes Manifest einer Künstlerin, die sich mit jedem Kapitel ihrer Karriere grenzenlos weiterentwickelt. Klassisch schwarzes Vinyl, reverse die cut sleeve artwork, DLC mit dabei!

Mit ihrer bisher offenherzigsten, direktesten und intimsten Sammlung von Material stellt sie ihre einzigartige Reise durch die britische Musiklandschaft neu auf. Love In Constant Spectacle beschwört spektakuläre Bilder herauf und destilliert die Vision der Künstlerin in ihrer reinsten Form, wodurch ihr unnachahmlicher Sound und ihre poetische Vision zu neuen Höhen aufsteigen. Sie fängt die Melancholie ihrer frühen Arbeiten ein und treibt sie gleichzeitig voran. Sie skizziert Szenen, während wir beobachten, wie neue Farben, Formen und Sprachen auftauchen und den Rahmen füllen. Mit Love In Constant Spectacle geht sie gemessene Schritte in Richtung eines lebendigen, traumhaften Albums, das im Angesicht der Unvermeidlichkeit des Lebens Entschlossenheit bietet. Die Grundlagen von Weavers Sound sind immer noch offensichtlich - üppige motorische Drums, pulsierende Bässe, speziell modifizierte Synthesizer und exotische Fuzz-Pedale - aber der Strom ist überschwemmt mit Scrabble-Poetry und Letraset-Wiegenliedern, die zu üppigem Eskapismus führen, der freien Hingabe, die man mit Free Jazz und der Avantgarde assoziieren würde. Doch so entschlossen und visionär Weaver auch sein mag, Love In Constant Spectacle wurde nicht ohne Hilfe umgesetzt. Hier finden wir eine lange diskutierte Zusammenarbeit mit Janes erstem Produzenten, John Parish (PJ Harvey, Aldous Harding), der Weavers Prozess in der Umgebung der Rockfield Studios und Geoff Barrows Invada-Studio begleitet hat. Love In Constant Spectacle ist jenseitig, intim und doch distanziert, eine surrealistische Interpretation der Grundlagen, die uns menschlich machen - die Geschichten und Landschaften, die es malt, sind eigene Lebensräume. Es ist eine Reise in unbekannte Gefilde, ein von Herzen kommendes Manifest einer Künstlerin, die sich mit jedem Kapitel ihrer Karriere grenzenlos weiterentwickelt. Klassisch schwarzes Vinyl, reverse die cut sleeve artwork, DLC mit dabei!

Für das fünfte Album der Band haben sich KMPFSPRT zum zweiten Mal mit dem Produzenten-Duo Kurt Ebelhäuser und Michel Wern (u.a. Pascow, Donots) zusammengetan. Die Songs sind kürzer, kommen schneller zum Punkt und werfen jeglichen Ballast aus alten Tagen über Bord. Trotzdem - oder gerade deshalb - klingen die Songs zu 100% nach KMPFSPRT. Punk? Pop? Indie? Post-Hardcore? Einfach einmal alles, bitte. Mission accomplished. "Aus gegebenem Anlass" ist das erste Album der Band auf dem Hamburger Label Rookie. Denn auch wenn die Welt vor die Hunde geht - auf eins kann man sich verlassen: KMPFSPRT liefern den Soundtrack dazu. Hittig, listig, bissig. Und dann das Ganze auf Repeat.

"The True North" ist das zweite Soloalbum von Peter Garrett, dem Sänger von Midnight Oil und Vorreiter des weltweiten Umweltkampfes. Es bezieht seine Inspiration und Kraft aus den lebendigen Farben der australischen Natur und Landschaften. Die Band, die an seiner Entstehung beteiligt war, besteht aus Martin Rotsey (Midnight Oil) an der Gitarre, Heather Shannon (The Jezabels) an den Keyboards, Evan Mannell am Schlagzeug und Rowan Lane am Bass. Freya Schack-Arnott am Cello und Ollie Thorpe an der Pedal Steel schlossen sich ihnen an, ebenso wie 2 von Peters Töchtern May und Grace, die bei den Key-Tracks sangen. "The True North" wurde von Tony Buchen (Smashing Pumpkins, Montaigne, G-Flip, Tim Finn) produziert

Nächstes Jahr feiern Ipecac ihr 25-jähriges Bestehen. Um die Feierlichkeiten einzuläuten, veröffentlicht das Künstlerfreundliche Label das 2005er Album General Patton vs. The X-Ecutioners zum ersten Mal auf Vinyl..., in einer limitierten Silver Streak-Ausgabe.

Die Veröffentlichung bringt Mike Patton, den legendären Frontmann von Faith No More, Mr. Bungle, Tomahawk und vielen anderen, mit einer der angesehensten DJ-Crews des Hip-Hop, The X-Ecutioners, zusammen. Die Zusammenarbeit kam zustande, nachdem die beiden Gruppen einige improvisierte Live-Shows zusammen gespielt hatten. Der süße Duft der Chemie wehte schon bald durch die Luft, und so beschloss man, einen Schritt weiter zu gehen und gemeinsam an einem kompletten Album zu arbeiten. Das Ergebnis sind 23 Tracks, die einen direkten Zusammenprall zwischen Hip-Hop und der wilden und verrückten Welt von Ipecac darstellen.

- Ltd. Col. LP: (Silver Streak Vinyl; zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich; mit einem 24x36 ausklappbaren Poster und einigen metallischen PMS Farben)

Ein Sinfonieorchester. Komponisten aus der Welt des Metal. Ein wilder Dirigent. Ein wirklich einzigartiger Solist. Attitüde und Talent. Ein Album und eine Live-Show. Das ist Bright & Black mit Eicca Toppinen, Kristjan Järvi und Baltic Sea Philharmonic.

Metal und Orchestermusik, zwei parallel existierende Welten, prallen endlich aufeinander und ein noch nie gehörter Sound entsteht. In einem beispiellosen Schritt verschmelzen die Welt des Metal mit der Welt des Orchesters, indem die in der Metal-Szene verwurzelten Autoren direkt für das Orchester komponieren, was diesem ein völlig neues Set an Farben gibt, um eine Serie von neuen Klängen zu erzeugen. Mit einem Knall. Die vom Baltic Sea Philharmonic unter der Leitung von Kristjan Järvi und der Solistin Eicca Toppinen aufgeführten Kompositionen stammen von Eicca Toppinen (Apocalyptica), Fredrik Åkesson (Opeth), Erik Danielsson (Watain), Nico Elgstrand (Entombed AD), Tomas Haake/Dick Lövgren (Meshuggah), Jacob Hellner und Kristjan Järvi.

Die vollständige Dolby Atmos-Produktion des Albumprojekts wurde im Herbst 2022 im Studio des Estnischen Nationalradios in Tallinn aufgenommen. Produziert von Jacob Hellner. Aufgeführt von Baltic Sea Philharmonic. Dirigent: Kristjan Järvi. Orchestrierungen von Jonny Abraham. Abgemischt in Stockholm von Jacob Hellner und Stefan Glaumann.

Ein Sinfonieorchester. Komponisten aus der Welt des Metal. Ein wilder Dirigent. Ein wirklich einzigartiger Solist. Attitüde und Talent. Ein Album und eine Live-Show. Das ist Bright & Black mit Eicca Toppinen, Kristjan Järvi und Baltic Sea Philharmonic.

Metal und Orchestermusik, zwei parallel existierende Welten, prallen endlich aufeinander und ein noch nie gehörter Sound entsteht. In einem beispiellosen Schritt verschmelzen die Welt des Metal mit der Welt des Orchesters, indem die in der Metal-Szene verwurzelten Autoren direkt für das Orchester komponieren, was diesem ein völlig neues Set an Farben gibt, um eine Serie von neuen Klängen zu erzeugen. Mit einem Knall. Die vom Baltic Sea Philharmonic unter der Leitung von Kristjan Järvi und der Solistin Eicca Toppinen aufgeführten Kompositionen stammen von Eicca Toppinen (Apocalyptica), Fredrik Åkesson (Opeth), Erik Danielsson (Watain), Nico Elgstrand (Entombed AD), Tomas Haake/Dick Lövgren (Meshuggah), Jacob Hellner und Kristjan Järvi.

Die vollständige Dolby Atmos-Produktion des Albumprojekts wurde im Herbst 2022 im Studio des Estnischen Nationalradios in Tallinn aufgenommen. Produziert von Jacob Hellner. Aufgeführt von Baltic Sea Philharmonic. Dirigent: Kristjan Järvi. Orchestrierungen von Jonny Abraham. Abgemischt in Stockholm von Jacob Hellner und Stefan Glaumann.

Doggyland ist eine 3D-Animationsserie von Snoop Dogg. Die Show zeigt farbenfrohe Hunde in einer lebendigen Welt, in der sie zu lustigen und lehrreichen Liedern singen, rappen und tanzen, die Kindern auf der ganzen Welt die Grundlagen des Lernens und der Kognition vermitteln.

Wir sind mit Groove-Jazz groß geworden, mit Marcus Miller, David Sanborn oder den Brecker Brothers, das ist unsere DNA“ sagt der Altsaxofonist Jakob Manz „aber wir wollten für das zweite Album von The Jakob Manz Project auch neue Inspirationen, die uns herausfordern und weiterbringen.“ Diese lieferten vor allem ein Aufritt beim Papjazz Festival auf Haiti. Die Lebensumstände und die Musik des Landes, sowie die dortige Begegnung dem Pianisten Meddy Gerville aus La Réunion bewegten die Band zutiefst. So hören wir auf „The Answer“ wieder Jakob Manz atemberaubende Virtuosität, die jedoch immer im Dienst der Musik steht. Wir hören von amerikanischem Soul- und Pop-Jazz geprägte Grooves und Melodien. Aber auch neue Farben und Schattierungen, welche die Beschäftigung mit Musiken jenseits der westlichen Welt mit sich gebracht hat. Diese neuen, erweiterten Klangräume erobert sich Manz mit seiner Band bestehend aus Hannes Stollsteimer am Piano, Frieder Klein am Bass und Paul Albrecht am Schlagzeug, nun erweitert um Perkussionisten Karl Degenhardt. Dazu kommen Gäste aus den unterschiedlichsten Richtungen: Lionel Loueke steuert mit Gesang und Gitarre eine faszinierende westafrikanische Note bei, Alexandra Stollsteimer einen klassischen Geigenklang und Matthias Schriefl Trompete und Alphorn - letzteres sicher ein Novum im Groove-Jazz-Genre. Wie so oft ist Jazz auch auf „The Answer“ vor allem ein Vokabular, mit dem Musiker:innen auf der ganzen Welt ausdrücken, was sie bewegt und beeinflusst und ihr Publikum dies miterleben lassen.

Es gibt nur einige wenige große Bands auf unserem Planeten, die man innerhalb weniger Sekunden unfehlbar identifizieren kann. Das einzigartige
Melodieverständnis, die geschmackvolle Instrumentierung, die richtige Balance aus Tiefe und Eingängigkeit, und dann natürlich diese charismatische
Stimme: Magnum sind Magnum!
Dies gilt auch für ihr neuestes Studioalbum ‚Here Comes The Rain‘, das am 12. Januar 2024 über Steamhammer/SPV als CD+DVD, Doppel-Vinyl-LP, als
Boxset und als Digitalversion veröffentlicht wird und einmal mehr beweist: Stimmungsvoller kann klassische Rockmusik kaum klingen.
Das fantasievolle Artwork stammt wie gewohnt aus der Feder des großartigen Rodney Matthews, der bereits für zahlreiche Magnum-Scheiben das
äußere Erscheinungsbild an die atmosphärisch dichte Musik der Band perfekt angeglichen hat.
Kein Zweifel: Mit ‚Here Comes The Rain‘ ist Magnum in der Besetzung Catley, Clarkin, Keyboarder Rick Benton, Bassist Dennis Ward und Schlagzeuger
Lee Morris erneut ein farbenfrohes, abwechslungsreiches und in jeder Sekunde inspiriertes neues Studioalbum gelungen.