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Shiken Hanzo is an artist not easily forgotten. His sound splices the fractious traditions of jungle with more ambient touches and this hybridisation has us incredibly excited to bring you his first full length album - ‘Fate Worlds’. In doing so, his boundless creativity is brandished through complete artistic freedom. The result is a special blend of foreboding atmospherics and tightly-bound percussive force, an odyssey of an album which takes influences from across the jungle spectrum and twists them into a unique musical journey. Hanzo's record on label's like Samurai Music and Cylon Recordings is clearly audible, a palpable legacy that has given breadth to his current creative purpose: to make ever-evolving music with no respect for conventions or boundaries.

»Ich denke immer wieder aufs Neue darüber nach, wie ich mich als Schlagzeug-spielender Bandleader so positionieren kann, dass das Instrument eine tragende Funktion einnimmt, dies aber auf eine musikalische Weise geschieht und auf keinen Fall als Zurschaustellung von Virtuosität«, sagt Wolfgang Haffner. Diese Haltung zieht sich als roter Faden durch seine gesamte Karriere - und auch durch »Life Rhythm«, sein zehntes Album auf ACT.

Und obwohl Haffners Musik gängigen Vorstellungen virtuoser Schlagzeug-Leader ganz bewusst widerspricht, steht das Instrument diesmal besonders im Fokus. Ausgangspunkt dafür war Wolfgang Haffners allererstes Solokonzert im Jahr 2022 auf Schloss Elmau. Er erinnert sich: »Das war eine Wahnsinns-Herausforderung bei der ich auch vor der Entscheidung stand: Spiele ich jetzt eine Stunde Schlagzeugsolo? Natürlich nicht! Also habe ich habe eine Menge melodisch klingender Perkussionsinstrumente eingebaut, Passagen live geloopt, mit Echos und Delays gearbeitet – im Grunde wie im Studio, nur eben auf der Bühne.« All dies brachte Haffner dazu, sich noch einmal auf ganz intensive Art mit dem Thema mit dem Instrument zu beschäftigen, welches ihn sein Leben lang begleitet. Und so haben alle Stücke auf »Life Rhythm« diesmal ihren Ursprung, nicht wie sonst bei Haffner, am Piano, sondern am Schlagzeug.

Das Ergebnis dieses Prozesses kann man gleich zum Auftakt von »Life Rhythm« auf dem Titeltrack erleben: Das Stück basiert auf einem hypnotischen Groove, bei dem nicht die Becken, wie sonst im Jazz üblich, die Time angeben, sondern vor allem die Trommeln. Das dieser Groove direkt Phil Collins und besonders an dessen Stück »Take Me Home« erinnert, ist kein Zufall: Collins' Art, Drum-Parts zu elementaren Teilen des Songwritings zu machen, ist bis heute eine von Haffners größten Inspirationen. Und auch jedes weitere der elf sehr kompakten, Song-haften Stücke auf »Life Rhythm« öffnet eine eigene Welt des musikalischen Schlagzeugspiels: Mal mal trocken-reduziert mit Besen wie auf »Balance«, poppig bei »Joy of Life«, mit filigranen Becken-Grooves, dezenter Elektronik und Percussion auf »Eternity« oder minimalis-tisch bis kurz vor der Stille in »Silence and Sound«.

Das aus all diesen Stilistiken ein so stimmiges Ganzes ent-steht liegt daran, das Wolfgang Haffner diese im Laufe seiner Karriere bis in die Tiefe durchdrungen hat - an der Seite von stilbildenden Charakteren wie Al Jarreau, Chaka Khan, Pat Metheny, Jan Garbarek, Esbjörn Svensson, Nils Petter Molvaer, Albert Mangelsdorff, Ricardo Villalobos und vielen, vielen mehr. All diese Kollaborationen haben Wolfgang Haffners Voka-bular am Instrument und auch als Komponist geprägt und die da-mit verbundenen, unterschiedlichsten Stile sind gleichermaßen Teil seiner musikalischen Persönlichkeit.

Vielseitigkeit und höchste Musikalität sind auch die Eigen-schaften, die Wolfgang Haffner und seine Mitmusiker auf »Life Rhythm« verbinden. Die Basis bildet ein bestens einges-pieltes Trio zusammen mit Keyboarder Simon Oslender, selbst auch Drummer und Bandleader, und Thomas Stieger, einem der gefragtesten deutschen Bassisten in Pop wie Jazz. Dazu kommen Trompeter Sebastian Studnitzky, Mitstreiter Haffners seit seinem ACT-Debüt »Shapes« und der Finne Arto Mikälä, eine echte Entdeckung in Sachen Klangvielfalt an der Gitarre. Diese Band herausragender Allrounder erweitert Haffner um eine Reihe musikalischer Charaktere, die der Musik ihre ganz eigene Farbe verleihen: Nils Landgren, Freund und Weggefährte seit mehr als 20 Jahren, Saxofon-Ikone Bill Evans, Sting-Gitarrist Dominic Miller, Balkan-Beat-Star Shantel, Bass-Feingeist Nicolas Fiszman, Oud-Virtuose Thomas Konstantinou und Bruno Müller, einer der besten deutschen Jazzgitarristen.

»Life Rhythm«, sagt Wolfgang Haffner, »ist für mich eine Fortsetzung, keine Wiederholung«. Die Musik trägt mit ihrer Wärme, Kraft und Klarheit die charakteristische Handschrift, die Haffner mit seinen Alben und auf tausenden von Konzerten in mehr als 100 Ländern zum wohl populärsten Schlagzeug-spielenden Leader Europas gemacht hat. Und gleichzeitig ist es eine Evolution seiner Musik. Gut möglich, dass Haffners Erfolg genau darin begründet ist, dass seine Musik immer etwas Ver-trautes und etwas Neues beinhaltet und dass Haffner sein Publikum so immer »mitnimmt« im Fluss seiner Ideen - und in einem gemeinsamen »Lebensrhythmus«

handsigniert & nummeriert

Wir schreiben das Jahr 2025 und FEINE SAHNE FISCHFILET kündigen ihr neues Album „WIR KOMMEN IN FRIEDEN“ an:„Alle gegen alle, im Krieg mit sich und untereinander und natürlich immer exklusiv mit der alleinseligmachenden Offenbarung im Gepäck.

Jeden Tag passiert so viel, so viel Scheiße, so viel Dummes, aber auch immer die guten Sachen mit den Freundinnen und Freunden, der Familie, mit all denen, die noch nicht komplett im Arsch sind. Zeiten, in denen man sich nur umdrehen muss und einem die Idee für das nächste Lied an den Kopf geworfen wird. Und so erscheint am 30. Mai unser neues Album mit einer Menge neuer Songs. Wir kommen in Frieden. Das ist unsere letzte Warnung.“

Angetrieben durch ihren ureigenen Signature Sound - High Energy Melody-PunkRock mit Trompete – gelingt den fünf Musikern mit ihrem neuen Werk eine hinreißende Bestandsaufnahme und gleichzeitig Ausblick auf eine der ungewöhnlichsten Band-Karrieren der letzten Jahrzehnte dieses Landes, ein wilder Trip, der sie aus der vorpommerschen Provinz durch viele Irrungen und Wirrungen bis an die Spitze der deutschsprachigen Musikszene geführt hat.

Produziert wurde der Longplayer erneut von Philipp »Philsen« Hoppen, der auch schon bei Alben von Die Ärzte, Kraftklub, Deichkind und K.I.Z. seine versierten Finger im Spiel hatte.

Fünf Jahre nach ihrem gefeierten Album 'forevher' meldet sich die britische Sängerin Shura mit ihrem dritten Studioalbum 'I Got Too Sad For My Friends' zurück. Eine Mischung aus Kammerpop, 60er-Jahre-Folk und Lagerfeuer-Americana, die Shuras introspektives Songwriting in eine weite Landschaft ausdehnt - ruhiger als der gefühlvolle Schwung von 'forevher' und rustikaler als der grüblerische Synthie-Pop ihres Debüts 'Nothing’s Real' aus dem Jahr 2016.

Obwohl das Album Themen wie Isolation, Traurigkeit und Depression bearbeitet, klingt es aber alles andere als niedergeschlagen - Shuras kristallklarer Gesang trifft auf eine warme, erdige Produktion. Shura dazu ganz selbst-ironisch: „Auch wenn es nicht unbedingt eine maximalistische Platte ist, was den Sound angeht, war der Ansatz für mich, die Platte mit maximaler Freude aufzunehmen - was urkomisch ist, denn es geht darum, unglücklich zu sein!“

Angegangen wie eine „Old-School-Platte“, die eher eine Performance als eine Produktion einfängt, wurde ein Großteil des Albums live aufgenommen, wobei Keys, Bass, Gitarre und Schlagzeug in einem Rutsch aufgenommen wurden. Nur der Gesang wurde separat aufgenommen - mit Ausnahme des sanften Funk-Tracks Ringpull.

"In 2020, Chick Corea—27-time GRAMMY® winner, National Endowment for the Arts Jazz Master, and one of the most iconic figures in jazz—hit the road with his powerhouse trio of Christian McBride and Brian Blade, and embarked on what would be his final tour. Candid Records and Chick Corea Productions proudly present the recordings from that tour as Trilogy 3, the third installment from this extraordinary group. This unforgettable double live album showcases their unparalleled chemistry and cements their legacy in contemporary jazz history.

With years of collaboration to draw from, 9-time GRAMMY®-winning bassist Christian McBride and 4-time GRAMMY®-winning drummer Brian Blade bring a profound musical connection to their work with Corea. Their longstanding partnership fuels a dynamic, ever-evolving soundscape that elevates the art of the jazz trio to new heights.

Following the critically acclaimed Trilogy (2013) and Trilogy 2 (2018) albums, which each earned two GRAMMY Awards® including Best Jazz Instrumental Album, Trilogy 3 marks yet another milestone for this celebrated ensemble. The release brings together live performances from their February-March 2020 tour, cut short by the onset of the pandemic, capturing the trio’s extraordinary interplay and artistic brilliance. The album features fresh interpretations of jazz standards and Chick Corea originals, including the first trio recording of Corea’s iconic composition ""Windows"" since its appearance on the album Now He Sings, Now He Sobs, nearly six decades ago.

Widely regarded as one of Chick’s most acclaimed ensembles, this trio has consistently pushed the boundaries of jazz with technical brilliance, playful camaraderie, and deep emotional resonance. Trilogy 3 invites listeners to join these masters on a journey through music that is both timeless and groundbreaking."

With releases on Brooklyn’s Major Records and UK imprints Non Stop Rhythm and Indulgence, DJ Split is a breakthrough producer putting his own stamp on the classic Chicago house sound. For his Shadow Pressings debut he has conjured up five original club cuts that will work their magic on any dance-floor worth it’s salt.

Last Night Baby sets the tone with taught 909 beats, punchy bassline stuttering vocal hits. Piano chords and a smattering of melodic chimes and just the right amount of musicality without taking away any of the raw energy and turbo-charged grunt. Treading a similar path but upping the BPM’s, XNXX goes for the jugular with gnarly FM bassline and frenetic groove.

Flip over for Can I Tell You? which goes a little deeper with a rolling bassline, filtering Detroit pads and strings whilst Step For brings touches of acid, banging 909 toms and vocal chops. Closing out the EP we have One In A Life Time which turns up the jack factor with snappy 808 snares, mechanical bass line and deep stabs. DJ Split is a man on a mission to bang the party and has come prepared with his piñata fully loaded with big, fat beats n basslines.

In dark and difficult times, the music of Barney Lister and Kojo Degraft-Johnson lifts us up. As MRCY, the production and vocal duo are confronting the many crises of modern life with a fresh sound full of punchy instrumentation, enveloping orchestration and lyrical honesty. On their latest project, VOLUME 2, Barney and Kojo deliver emotive music that surprises as much as it comforts, referencing timeless sounds as much as a sense of the cutting edge. Channeling soulful vocal melody alongside afrobeat polyrhythms, jazz soloing and driving, distorted grooves, tracks like "Man" address the challenges of modern masculinity, while standout number "Fear" drives a message that encourages us to fight the terror we might feel about the state of the world with optimism. Following the acclaimed release of their 2024 debut project VOLUME 1, which saw the duo nominated as Rising Stars at the Rolling Stone Awards and named as one of DIY's Class of 2025, MRCY returns with vital music that addresses the complexities of being alive today. "We're trying to extinguish fear with optimism and worry with love," Barney says. "VOLUME 2 breaks the mould to present a bigger picture of who we are - something with angst, surprises and more guts. The main feeling of the project is that the world is fucked but let's dance through it."

Gerade erst hat Ole Luk mit seiner Hauptband Solbrud den renommierten Gaffa-Pris für das Metalalbum des Jahres abgeräumt und eine Nominierung für den nicht minder renomierten Nordic Musik Price erhalten.

2025 schüttelt der kreative Musiker mit seinem Soloprojekt Afsky ein Debütalbum aus dem Ärmel, das definitiv seine Spuren im Blackmetal hinterlassen wird. Luk setzt auf Bewährtes: Depressiv-raue Prügelparts reihen sich aneinander und erzeugen eine frostige Atmosphäre, aber er scheut auch nicht davor zurück, Melodie (wohl dosiert), Postrock, Doom und nordische Folkelemente einzubauen. Auch das ist nicht neu und wurde schon das eine oder andere Mal in diesem Genre praktiziert, aber Luk setzt es mit einer Entschlossenheit um, dass diese Parts nicht wie Fremdkörper, sondern als vollständig integrierte Teile der Songs wirken. Bemerkenswert ist der Gastauftritt von Amalie Bruun (Myrkur), die für den Song »Oh Månelose Nat« ihre Nyckelharpa sowie Gesang beisteuert.

During the course of his career, the legendary creator of Afrobeat Fela Kuti used his music to lament social injustices and political corruption in his native Nigeria. His music, a compelling blend of American funk and West African highlife, often locked into spellbinding grooves that seemed to go on forever. Yet that was the point: to fall deep into the rhythm and dance away the hardship. While this impacted Nigeria and the entire world, it also affected Fela’s son Femi and his son Made, both of whom carry his legacy as torchbearers for change. On February 5th 2021, Partisan Records, home to Fela’s catalog, will release two albums from Femi and Made — both very much in the tradition of Fela’s music, but with different scopes. Femi’s album, Stop The Hate, radiates the unique Afrobeat sound that he has forged throughout his long career, affirming the sharply political conviction that his father would’ve claimed in the 1960s, ‘70s and ‘80s. Made’s album, For(e)ward, is a modern and progressive freedom manifesto, pushing boundaries of the subgenre even further. Made also performs every instrument on the album. Together they will be packaged into a double album called Legacy + that, when taken as a whole, bolsters the rich musical heritage of the Kuti name. Yet this isn’t just about honoring Fela, it’s also personal for Femi and Made, a father and son with deep creative synergy. Most importantly, the project finds these men coming together in the name of family. “This is probably the most important part of my life right now,” Femi says. “I’m happy because he’s not copying me. He has found his voice. What other joy could a father want than to experience this in his lifetime?”

The cassette format SPCS1680 features "With Trampled by Turtles" on the A Side and last years 'White Roses, My God' SP1655 on the B Side! No one can help you build something beautiful quite like those who know you best. Alan Sparhawk knows this well. In his years in Low, he built decades of stirring music with his wife and lifelong creative partner Mimi Parker. In recent years, he has performed around Minnesota with his son Cyrus in DERECHO Rhythm Section, a funk band that also frequently features his daughter Hollis on vocals. There's an irreplaceable naturalism that comes with this kind of dynamic. Those who know you understand you. They love you. They want to help you bring your greatest passions to fruition. So it made sense that Sparhawk would turn to fellow Duluth musicians Trampled by Turtles to realize his latest record. As friends and mentees of Low's, taken under Sparhawk and Parker's wing from their earliest days as a bar band, Trampled by Turtles have performed with Sparhawk countless times over the years. The Duluth ties run deep: "There's a certain vibe that has to do with underdog syndrome, coming from a small town," Sparhawk muses. "Some of it is the weird grind and slackness that being at the mercy of Mother Nature puts in you. It humbles you." The two artists hold the kind of ironclad bond. Following Parker's passing in 2022, Trampled by Turtles invited Sparhawk to join them on tour to give him a space to be surrounded by friends. Occasionally, he would join them onstage. The outpouring of love was palpable every time they played together, a surge of warmth. When playing together is that powerful, why stop there? In winter, 2024, Sparhawk and Trampled by Turtles created With Trampled by Turtles, a record exactly as its name implies: Collective. Communal. Fraternal. Empathetic. A vessel for comfort, a reminder of the harmony that can exist when surrounded by those closest to you. Where White Roses, My God, Sparhawk's last album, plunged headfirst into electronica and radical vocal modulation, With Trampled by Turtles leans into the folk and bluegrass stylings of its backing band, Sparhawk's voice now completely unvarnished. With Trampled by Turtles is far more than just Alan Sparhawk and Trampled by Turtles. It's an affirmation of all the people who have been vital in Sparhawk's life and music, and an opportunity to hold each of their gifts into the light. It's producer Nat Harvie, who has been collaborating and performing with him for years. It's Sparhawk's daughter Hollis, who duets with her father on "Not Broken." And it's Mimi Parker, too: "Too High," "Princess Road Surgery," and "Not Broken" were all tracks she and Sparhawk had been working on in the last few years. These songs finally found a setting that stirringly commemorates them, bolstered by a full ensemble to make every note sing. Their presence is a kind of eternal connection to Parker, a way her musical grace will keep flourishing.

This project started in 2022 in the basement of Graham Jonson's (Quickly, Quickly)'s home in Portland, Oregon. They made `Scared (To Admit It)' in a day, and let it sit for a long time. Ava's song `From Me' blew up online, which led to new creative friendships. Ava started to work with Acrophase Records, it all felt very new and unreal. What followed was a writing frenzy, going through old voice memos looking for promising song ideas, and working with four different producers that each allowed Ava to tell a different story with their incredible help and talents. Ava spent a month in Nashville recording the majority of the project with Josef Kuhn. She felt free to experiment, ask questions, change her mind, and they ate so many epic sandwiches on lunch breaks. "Dragonfly" feels like a patchwork quilt of post-college. Surviving sexual harassment and assault, and allowing herself to speak about it freely after spending almost a decade being ashamed. It's kinda all over the place, but so is she. Ava feels no longer afraid to say everything on her mind since working on this project.

Als Watchtower im Jahre 1985 ihr Debütalbum "Energetic Disassembly" veröffentlichen, stellen sie die Metal-Welt auf den Kopf. Das Material setzt völlig neue Maßstäbe. Innovativer (und extremer) geht zu dieser Zeit niemand zu Werke. Unbeholfene Stilbeschreibungen wie "Jazz Metal" oder "Techno Thrash" werden kreiert. Ursprünglich werden Watchtower im Mai 1982 in Austin, Texas, aus der Taufe gehoben. In jenem Monat schließt sich Sänger Jason McMaster Bassist Doug Keyser, Schlagzeuger Rick Colaluca sowie Gitarrist Billy White an. In ihrem frühen Stadium zeigen sich Watchtower stark von der NWOBHM inspiriert und spielen Songs von Iron Maiden, Angel Witch und Raven nach - dazu natürlich etliche Nummern der kanadischen Prog-Götter Rush. In der Folge entwickelt die Band sukzessive ihren individuellen Stil und nimmt Demos mit eigenen Stücken auf. Aber die Plattenfirmen wollen nicht anbeißen. Aus diesem Grunde entschließt man sich dazu, auf dem eigenen Label Zombo Records das wegweisende Album "Energetic Disassembly" zu veröffentlichen (gepresst werden 3.500 LPs und 1.000 Kassetten).
"Ich kann mich noch lebhaft daran erinnern, wie ich Demokassetten an Fanzines verschickt habe und nahezu täglich Briefe mit Tapetradern ausgetauscht wurden," erinnert sich Sänger Jason Mc Master heute. "Ich erhielt u.a. Briefe von Gene Hoglan, Mike Portnoy, Jason Newsted und sogar Alan Tecchio Die Reaktionen waren fantastisch, aber wir klangen einfach so andersartig. Die Labels wussten nicht, wie sie uns seinerzeit hätten vermarkten sollen. Waren wir zu extrem? Ich denke schon." Pünktlich zum 40. Jubiläum von "Energetic Disassembly" erscheint über High Roller Records nicht nur eine De-Luxe-Edition des originalen Albums, sondern auch eine neue Abmischung. Die Re-Mixes wurden im Jahre 2009 von Jared Tuten, einem engen Freund von JasonMcMaster, in den Top Hat Studios angefertigt. Als Sahnehäubchen gesellen sich dazu vier Bonus-Stücke: eine Art Drum-Soundcheck namens "Rick On Parade", das kurze Gitarren-Instrumental "BW115" sowie frühe Fassungen von zwei Songs, die später auf dem zweiten Watchtower-Album landen sollten, hier aber noch mit Jason McMaster am Gesang - "Instruments Of Random Murder" und "The Eldritch". Jason McMaster verließ Watchtower im Jahre 1988 in Richtung Dangerous Toys. Sein Nachfolger war Alan Tecchio (von Hades). Zusammen mit ihm wurde 1989 in West-Berlin das zweite Album "Control And Resistance" für Noise Records aufgenommen.

Als Watchtower im Jahre 1985 ihr Debütalbum "Energetic Disassembly" veröffentlichen, stellen sie die Metal-Welt auf den Kopf. Das Material setzt völlig neue Maßstäbe. Innovativer (und extremer) geht zu dieser Zeit niemand zu Werke. Unbeholfene Stilbeschreibungen wie "Jazz Metal" oder "Techno Thrash" werden kreiert. Ursprünglich werden Watchtower im Mai 1982 in Austin, Texas, aus der Taufe gehoben. In jenem Monat schließt sich Sänger Jason McMaster Bassist Doug Keyser, Schlagzeuger Rick Colaluca sowie Gitarrist Billy White an. In ihrem frühen Stadium zeigen sich Watchtower stark von der NWOBHM inspiriert und spielen Songs von Iron Maiden, Angel Witch und Raven nach - dazu natürlich etliche Nummern der kanadischen Prog-Götter Rush. In der Folge entwickelt die Band sukzessive ihren individuellen Stil und nimmt Demos mit eigenen Stücken auf. Aber die Plattenfirmen wollen nicht anbeißen. Aus diesem Grunde entschließt man sich dazu, auf dem eigenen Label Zombo Records das wegweisende Album "Energetic Disassembly" zu veröffentlichen (gepresst werden 3.500 LPs und 1.000 Kassetten).
"Ich kann mich noch lebhaft daran erinnern, wie ich Demokassetten an Fanzines verschickt habe und nahezu täglich Briefe mit Tapetradern ausgetauscht wurden," erinnert sich Sänger Jason Mc Master heute. "Ich erhielt u.a. Briefe von Gene Hoglan, Mike Portnoy, Jason Newsted und sogar Alan Tecchio Die Reaktionen waren fantastisch, aber wir klangen einfach so andersartig. Die Labels wussten nicht, wie sie uns seinerzeit hätten vermarkten sollen. Waren wir zu extrem? Ich denke schon." Pünktlich zum 40. Jubiläum von "Energetic Disassembly" erscheint über High Roller Records nicht nur eine De-Luxe-Edition des originalen Albums, sondern auch eine neue Abmischung. Die Re-Mixes wurden im Jahre 2009 von Jared Tuten, einem engen Freund von JasonMcMaster, in den Top Hat Studios angefertigt. Als Sahnehäubchen gesellen sich dazu vier Bonus-Stücke: eine Art Drum-Soundcheck namens "Rick On Parade", das kurze Gitarren-Instrumental "BW115" sowie frühe Fassungen von zwei Songs, die später auf dem zweiten Watchtower-Album landen sollten, hier aber noch mit Jason McMaster am Gesang - "Instruments Of Random Murder" und "The Eldritch". Jason McMaster verließ Watchtower im Jahre 1988 in Richtung Dangerous Toys. Sein Nachfolger war Alan Tecchio (von Hades). Zusammen mit ihm wurde 1989 in West-Berlin das zweite Album "Control And Resistance" für Noise Records aufgenommen.

Als Watchtower im Jahre 1985 ihr Debütalbum "Energetic Disassembly" veröffentlichen, stellen sie die Metal-Welt auf den Kopf. Das Material setzt völlig neue Maßstäbe. Innovativer (und extremer) geht zu dieser Zeit niemand zu Werke. Unbeholfene Stilbeschreibungen wie "Jazz Metal" oder "Techno Thrash" werden kreiert. Ursprünglich werden Watchtower im Mai 1982 in Austin, Texas, aus der Taufe gehoben. In jenem Monat schließt sich Sänger Jason McMaster Bassist Doug Keyser, Schlagzeuger Rick Colaluca sowie Gitarrist Billy White an. In ihrem frühen Stadium zeigen sich Watchtower stark von der NWOBHM inspiriert und spielen Songs von Iron Maiden, Angel Witch und Raven nach - dazu natürlich etliche Nummern der kanadischen Prog-Götter Rush. In der Folge entwickelt die Band sukzessive ihren individuellen Stil und nimmt Demos mit eigenen Stücken auf. Aber die Plattenfirmen wollen nicht anbeißen. Aus diesem Grunde entschließt man sich dazu, auf dem eigenen Label Zombo Records das wegweisende Album "Energetic Disassembly" zu veröffentlichen (gepresst werden 3.500 LPs und 1.000 Kassetten).
"Ich kann mich noch lebhaft daran erinnern, wie ich Demokassetten an Fanzines verschickt habe und nahezu täglich Briefe mit Tapetradern ausgetauscht wurden," erinnert sich Sänger Jason Mc Master heute. "Ich erhielt u.a. Briefe von Gene Hoglan, Mike Portnoy, Jason Newsted und sogar Alan Tecchio Die Reaktionen waren fantastisch, aber wir klangen einfach so andersartig. Die Labels wussten nicht, wie sie uns seinerzeit hätten vermarkten sollen. Waren wir zu extrem? Ich denke schon." Pünktlich zum 40. Jubiläum von "Energetic Disassembly" erscheint über High Roller Records nicht nur eine De-Luxe-Edition des originalen Albums, sondern auch eine neue Abmischung. Die Re-Mixes wurden im Jahre 2009 von Jared Tuten, einem engen Freund von JasonMcMaster, in den Top Hat Studios angefertigt. Als Sahnehäubchen gesellen sich dazu vier Bonus-Stücke: eine Art Drum-Soundcheck namens "Rick On Parade", das kurze Gitarren-Instrumental "BW115" sowie frühe Fassungen von zwei Songs, die später auf dem zweiten Watchtower-Album landen sollten, hier aber noch mit Jason McMaster am Gesang - "Instruments Of Random Murder" und "The Eldritch". Jason McMaster verließ Watchtower im Jahre 1988 in Richtung Dangerous Toys. Sein Nachfolger war Alan Tecchio (von Hades). Zusammen mit ihm wurde 1989 in West-Berlin das zweite Album "Control And Resistance" für Noise Records aufgenommen.

Fall in love with the sound of Paris on Valentine’s Day through Parisian Romance, a romantic lofi collection that captures the city’s timeless charm and bittersweet beauty.



On this special day of celebrating love and appreciating loved ones, each track transports you to quiet Parisian streets beneath soft, evening skies, where love and loss intertwine. With the heartbeat of the city echoing through cozy cafes and twinkling lights, this collection offers the perfect soundtrack for embracing the delicate emotions that define the City of Lights.

Ty hits the big sky trail of our good ol" frontier empire, discovering non-stop bangers and inspired new sonics around every bend. With lyrics co-written by long-time collaborator, filmmaker Matt Yoka, Ty"s glittering rhythm arrangements move with fresh scansion, inviting in sweeps of strings and horns to further the charge righteously. You"re invited too! Don"t miss the trip - the country inspires awe from up on Ty"s high-octane ride.

Ty hits the big sky trail of our good ol" frontier empire, discovering non-stop bangers and inspired new sonics around every bend. With lyrics co-written by long-time collaborator, filmmaker Matt Yoka, Ty"s glittering rhythm arrangements move with fresh scansion, inviting in sweeps of strings and horns to further the charge righteously. You"re invited too! Don"t miss the trip - the country inspires awe from up on Ty"s high-octane ride.

Dark Blue Vinyl. Nina Nastasia's rare gift of a voice is an intimate, winged presence that is able to either freeze or melt your heart; that can powerfully soar and twist, or brush ultra-gently against you, suddenly summoning goose bumps. Released in 2003 by Touch and Go Records (and out of print for almost two decades), Run to Ruin is the third album by Nina Nastasia. It was recorded by Steve Albini at Black Box studio in Noyant-la-Gravoyère, France and at Looking Glass studio in New York. Combined with the prodigious talents of her backing band and the sparse but lush arrangements of the instruments, the songs on Run to Ruin evoke haunting scenes of heartache, passion and a slightly seedy world. Nina's voice is at once delicate and intense, neither sweet nor harsh, i conveys an array of emotion moving between joy and sadness with just a moment's pause.

"How do I know if my cat likes me?" ist die erste Zusammenarbeit der Organisten Ellen Arkbro und Hampus Lindwall mit der bildenden Künstlerin Hanne Lippard, eine existenzielle Meditation über die leeren Weiten unseres automatisierten Alltags. Das Stück entstand während Arkbro und Lippards Residenz 2023 im La Becque in La Tour-de-Peilz, Schweiz, Das Album persifliert die lähmende Ästhetik des Geschäftslebens, von der Warteschleifenmusik bis zum Onlinebanking. "How do I know if my cat likes me?" führt die Linie von Roberts Ashley von Roberts Ashley und Barry fort und hämmert auf die Klänge der Sprache ein, bis sie alle Bedeutungen durch angenehm betäubende Wiederholungen verdrängen. Die Platte zu hören ist, als würde man ein Captcha wieder und wieder lösen bis alle Zeichen zu Hieroglyphen verschwimmen, oder man findet sich in einem tautologischen Kundendienst-Argument verstrickt, nur dass man, nachdem man in der Sackgasse des Unsinns gelandet ist, eine unerwartete transzendente Schönheit findet, in der die Sprache von der reinen Funktion zur reinen Ästhetik umschlägt und vor Möglichkeiten schimmert. Selbst subtile Brüche in lyrischen oder musikalischen Mustern können eine grundlegende Veränderung in der Welt des Songs auslösen. Auf der gesamten Platte begründen strenger Formalismus und Minimalismus eine Erzählung. ,The Long Goodbye" stellt sich einen quälenden Dialog zwischen Bekannten vor, die sich nicht höflich voneinander lösen können: ,It's my pleasure!", stöhnt Lippard, die sich selbst antwortet: "Pleasure is all mine! / See you soon! / See you next time! / See you then!". Obwohl die Zeilen immer wieder dieselben wenigen Abschiedsworte wiederholen, akkumuliert sich eine geheimnisvolle Kausalität in den winzigen Variationen, die einen erzählerischen Bogen kreieren, weniger für die Figuren des Liedes, sondern für den Zuhörer, der sich mit Verzweiflung, nihilistischem Humor oder tiefer Dankbarkeit über die Fähigkeit der Kunst konfrontiert sieht. An anderer Stelle, als ,Modern Spanking" sich frei assoziierend von der Phrase "Online-Banking" in Richtung "breathing down your neck banking" und ,sexy but bankrupt banking" wandelt, wird eine ganze Welt oberflächlicher Vergnügungen ins Blickfeld gerückt. Während minimalistische Bewegungen in der Musik und der bildenden Kunst eine gewisse Situiertheit des Blicks fördern, erinnert ,Modern Spanking" an den glatten, reibungslosen Minimalismus eines gehobenen Einkaufszentrums: eine Menge wahlloser Passanten, die sich zwischen Sex und Geld, Fantasie und Realität, zerstreuter Aufmerksamkeit und intensiver Ablenkung befinden. In einer Welt wie dieser ist der Unterschied zwischen Bankgeschäften und Prügelstrafe zu vernachlässigen.

With the album Resonant Behaviour, URI pushes his sound into new territory, blendingbouncy Hard Trance, rolling Psy, and driving Hard Techno. In this 11 track story the 303Acid sounds play a leading role. On this album he brings his own style together withsounds from multiple collaborations. The balance between euphoric synths, bouncybasslines and trancey arrangements will bring together different genres into one story.
More than just a collection of tracks, Resonant Behaviour is about connection-movingtogether, feeling together. You Are I.

An artist whose reputation has long been forged by his engagement and musical exchange with local scenes and cultures from across the world. Quantic"s vast discography of electronic releases spans two decades, ranging from focused solo productions and intimate collaborations to expansive ensemble projects. Now, the multi-instrumentalist, DJ, composer and producer Will Holland delivers his DJ-Kicks compilation, which fittingly radiates friends and family energy. The mix bursts with unreleased exclusives and places the art of curation at its core, giving the listeners space to go and dig more of the songs and sonics which resonate the most. Will Holland includes a glistening breadth of new material, including new music from Quantic alongside another of his aliases Sobredosis, creating a mix teeming with vitality.

SoiSong ist das helle, atemberaubende und kurzlebige Projekt, das 2007 von Ivan Pavlov (CoH) und Peter ,Sleazy" Christopherson (von Coil) gegründet wurde. Das Duo kombinierte Pavlovs kompromisslos visuelle digitale Ästhetik mit Sleazys dekadenter, düsterer und skurriler Herangehensweise an die Kreation. Die beiden benannten das Projekt nach dem thailändischen Wort für `zwei' (Song) sowie nach den schäbigen Rotlichtvierteln ("düstere Soi / Gasse") von Bangkok. Gemeinsam entwickelten sie eine einzigartige, elegante, aber eher kryptische Musiksprache. Das Debütalbum "xAj3z" von SoiSong ist eine digitale Referenz an den Jazz: scheinbar akustische, überschäumende, Grenzen sprengende, digitale Unterhaltung, in der Lichtstrahlen und tropische Hitze mit Nullen und Einsen unterlegt sind. Das Album ist ein definierendes Statement und ein Wegweiser für die Möglichkeiten in der (damals) entstehenden Musiklandschaft der späten 2000er. Ohne den Wunsch, kommerziell zu sein, war SoiSong nicht an die Konventionen einer einfach zu definierenden Verschlagwortung verpflichtet, und in ihrem eigenen, ,neuen, noch nicht kategorisierbaren Genre", wobei "xAj3z" ein Meisterwerk ist. "xAj3z" mischt frei Musikstile und kombiniert verschiedene Ansätze des Musizierens: Künstliche Vokalisten werden von echten Drums begleitet, Jazz-Noir-Arrangements treffen auf die zarte Melodik der Südsee, und Computer werden warm und organisch zum Klingen gebracht. Das Album zeigt keine offensichtliche Genre-Definition und zielt darauf ab, mit dem Hörer auf höchster emotionaler Intensität zu kommunizieren, oft lyrisch, manchmal dunkel, manchmal amüsant und sogar erhebend.

SoiSong ist das helle, atemberaubende und kurzlebige Projekt, das 2007 von Ivan Pavlov (CoH) und Peter ,Sleazy" Christopherson (von Coil) gegründet wurde. Das Duo kombinierte Pavlovs kompromisslos visuelle digitale Ästhetik mit Sleazys dekadenter, düsterer und skurriler Herangehensweise an die Kreation. Die beiden benannten das Projekt nach dem thailändischen Wort für `zwei' (Song) sowie nach den schäbigen Rotlichtvierteln ("düstere Soi / Gasse") von Bangkok. Gemeinsam entwickelten sie eine einzigartige, elegante, aber eher kryptische Musiksprache. Das Debütalbum "xAj3z" von SoiSong ist eine digitale Referenz an den Jazz: scheinbar akustische, überschäumende, Grenzen sprengende, digitale Unterhaltung, in der Lichtstrahlen und tropische Hitze mit Nullen und Einsen unterlegt sind. Das Album ist ein definierendes Statement und ein Wegweiser für die Möglichkeiten in der (damals) entstehenden Musiklandschaft der späten 2000er. Ohne den Wunsch, kommerziell zu sein, war SoiSong nicht an die Konventionen einer einfach zu definierenden Verschlagwortung verpflichtet, und in ihrem eigenen, ,neuen, noch nicht kategorisierbaren Genre", wobei "xAj3z" ein Meisterwerk ist. "xAj3z" mischt frei Musikstile und kombiniert verschiedene Ansätze des Musizierens: Künstliche Vokalisten werden von echten Drums begleitet, Jazz-Noir-Arrangements treffen auf die zarte Melodik der Südsee, und Computer werden warm und organisch zum Klingen gebracht. Das Album zeigt keine offensichtliche Genre-Definition und zielt darauf ab, mit dem Hörer auf höchster emotionaler Intensität zu kommunizieren, oft lyrisch, manchmal dunkel, manchmal amüsant und sogar erhebend.

Originally released in 1996 on Quarterstick Records, Music for Egon Schiele is the soundtrack to a piece of dance and theater that was debuted by the Itinerant Theater Guild, May 18, 1995, in Chicago. Based on the life of the romantic and controversial Viennese painter, Egon Schiele was written and directed by Stephan Mazurek, who headed the group of performing artists. Rachel Grimes composed this music and performed it with two string musicians during the run of the performance. The Rachel's began recording in April of 1991 in Baltimore, MD, under the direction of Christian Frederickson and Jason Noble (Rodan, Shipping News). Subsequently, they met and became close friends with Rachel Grimes. In September of 1994 after a few more city moves, band break-ups, and general melancholy they decided to become a full time band and complete their first record for Quarterstick Records, Handwriting. Music for Egon Schiele is their second LP and contains a more stripped down and immediate musical focus. These songs are not sparse, they're beautiful. They build, they crash, and they make you wish you knew more about life and they mysteries its holds.

Doppel LP, "Blooming Swamp" und "Anemonen im Meer" - limitiert auf 500 Exemplare. Erstmals auf Vinyl erhältlich - das zweite Album der deutschen Metalcore Band.

After a three year hiatus, Mutual Response returns for its long awaited second release, by talented artist and close friend of the label, Dockett Eddy.
Moving through fresh yet familiar combinations of drum patterns and melodies, his first EP displays the beginnings of a unique, honed style.

Calling on a varied palette of reference from the last 30 years of electronic music, the atmosphere of the release is established somewhere between the skipping, dream-like rhythms of ’00:04’ and the rough, driving drums of ‘Delayed Response’. The gritty awkwardness of the title track, Monofly, builds to an unexpected, ethereal moment, in what is the worthy climax of all four tracks.

The record sets an ominous tone, consolidating itself as a recognisable contribution to the label’s evolving output, but at the same time demonstrating a sound which is entirely the producers own.

3volution in the recent past, Divide is like a bridge between old generations and new ones. Its sounds range from Sci-Fi techno to 90's techno, characterized by minimal sequences, heavy drum patterns, and an accurate sound design.
Third and last chapter for the VA vinyl trilogy on R3volution Records called

This edition includes exclusive tracks by the following artists:

- UVALL, from Tbilisi, Georgia. Born there and at the age of 23, he is no longer at the beginning of his musical journey and the refinement of his taste and style. Always on the cutting edge, he has been impressing with productions and releases on labels such as Semantica, WSNWG with Rohad, Float Records, Hayes, MALoR, and many many more. Already well known in our roster thanks to a previous collaboration for a remix, the talented young music producer delivers deep, muscular rhythms in his portfolio and translates this energy into a raw, dancefloor oriented session.

- Operator, there is no need to spend many words to describe one of the most talented and innovative British artists on the scene for a long time, recently appearing on

- Divide co-owner of EvodMusic and South Berlin Studio, with recent appearances on all the top labels on the planet (WarmUp, Semantica, MindTrip, Tremsix, Hayes, to name a few), and several collaborations and remixes for

- PTTRNRCRRNT aka Dave Brody from Antwerpen - Belgium. Characterized by efficiently percussion tunnelling through juggled textures, PTTRNRCRRNT's technical know-how and conceptual intentions can be masked by the efficiency and singularity of his music. Taking techno's tendency to constantly reinvent itself as a priority and researches between experimentalism and futurism. He is one of the artists with the most collaborations within our roster (some of his remixes are memorable), he alternates his productions on our label with frequent appearances on highly referenced labels in the scene, such as Soma, Materia and Devotion among others.

After two years, Bekkler returns to the BKHS Catalog with his debut album, Utopie. The vinyl features five tracks that radiate dreamy melancholy while delivering finely tuned bass frequencies to the dancefloor-ranging from the heavy and pounding Hauptsache Nicht Anhalten to the smooth and warm Kakerlaken Komitee. The record was cut by Bekkler himself, aiming for the highest-quality vinyl sound and maximum volume on the disc.

Spectral Bounce’s fifth instalment comes courtesy of L.A.’s rave archivist and dancefloor operative Dreams, A.K.A. Jesse Pimenta. Throughout his decade-long career the California native has inspected, dissected and concocted all manner of dance musics, leaving his mark with drops on Apron Records, Pinkman, BANK NYC and his own imprint Dance Data. On SPEC05 — Dangerous When Wet — he hijacks the synapses with 4 accomplished productions, plotting a high BPM course through manifold styles using the raw aesthetic that characterises his output.

“Losing Control” is a frenetic dancefloor invitation, immediately locking into a pacing groove. Beneath wild hand drums, Dreams plays with an insistent 303 bassline alternating between rasping buzz and oily squelch, while stern vocals are layered on top of breaks that have been processed to a viscerally satisfying end.

Taking things from delirious dance circle to underwater biosphere, the EP’s eponymous track explores a submerged 1980s Miami. Weighty & enveloping, “Dangerous When Wet” is pure aquatic pop-n-lock — hydraulic electro for a drowned world. Ocean floor caustics are transmuted into auditory form: arpeggios bubble up; drones shimmer mystically; hi-hats hiss like air from an open valve. Amongst the sonar bleeps, a barrage of pummeling low-end is sure to give subwoofers a workout.

“XTC Messenger” delivers an infectious paranoid dispatch, astutely balancing the sensual with the deranged. A slow-mo dial tone unfolds languidly, running counter to nervously twitching high frequencies. Its punchy percussion is tuned for maximum dopamine release; the track’s abrupt vocal chops and mechanical kick-snare pulsation evoke the leather jackets and jagged edges of 1980s industrial discotheque.

“Pressure Points” closes the EP on a heady and mesmerising polymetric trip. The parting track is a lithe yet spacious number, propelled by a rattling break. Here Dreams follows from track 2, creating an immersive environment in which sounds tightly twist and twirl. Shifting oscillators call out like tiny creatures as the bass throbs and wriggles further into your brain, long after the needle hits the runout groove.

Limited 100 copies pressed on 7” vinyl, featuring a custom stamp & centre label design by Ciaran Birch.

Belinda Zhawi aka MA.MOYO is a Zimbabwean born author and literary & sound artist, based in London, her work explores the African diaspora and deepening the connection between education and art. Also apart of the group BZDB, whose LP on AD93 received critical acclaim last year.

The record is produced by Nova Varnrable, who has frequented on imprints like Escho, 5 Gate Temple, Scenic Route & Kulør. Viva Voce Vol. 1 releases on the UK label Accidental Meetings, who constantly explore a wide variation of sonics.

David Lowery (Cracker, Camper Van Beethoven) to release his new 28-track solo album. "Fathers, Sons and Brothers" is David"s musical autobiography, celebrating his youth, family, friends and the highs and lows of his lengthy 40-year career in the music business. The album combines three of David"s previously online-only released autobiographical solo albums "In The Shadow of the Bull", "Leaving Key Member Clause", and "Vending Machine", and also includes four new previously unreleased songs, as well as four newly re-recorded tracks: He"s been writing songs about people on the fringe for damn near a lifetime. 40+ years of detailing the idiosyncrasies of outcasts, losers, freaks and outliers in society in his two acclaimed, if not totally different, bands - Cracker and Camper Van Beethoven.

EARTHGANG are a unique rap duo that have been making an impact on the Hip-Hop soundscape since their formation in 2008. Comprised of members Olu and WowGr8, the pair met as freshmen at Mays High School in Southwest Atlanta and were deeply influenced by their surroundings. Their music as EARTHGANG is a fusion of various genres, including R&B, Jazz, Gospel, and Funk, which they use to create innovative albums, experimental EPs, and masterful mixtapes. With a name rooted in the idea of bringing people together, EARTHGANG have gained a massive following, with more than 3 Million monthly listeners on Spotify and over 155 Million views on YouTube. After signing with J. Cole's Dreamville Records in 2017, EARTHGANG's popularity grew even further, with their 2019 album Mirrorland debuting at #40 on the US Billboard 200 Chart and #22 on the US Top R&B/Hip-Hop Albums Chart. EARTHGANG's commitment to community activism, supporting emerging artists, and dedication to pushing boundaries in their music have earned them critical acclaim and a devoted fanbase. Their sound continues to evolve, with each project showcasing their eclectic rhythm that cannot be placed in a box or attached to any one genre. With the latest examples of this being their new EP ROBOPHOBIA, as well as their recent Snakehips collab project SNAKEGANG, EARTHGANG are continuing to push the sonic boundaries of Hip-Hop while simultaneously delivering outside-of-the-box concepts infused with an experimental sound.

The Rose (더로즈) is a Korean alt-pop indie band made up of four talented members: vocalist and guitarist Woosung,vocalist/multi-instrumentalist Dojoon, bassist Jaehyeong, and drummer Hajoon. Their upcoming album, WRLD, promises to blend familiar early sounds with fresh sonic landscapes and genres. Fans can look forward to country-inspired melodies and themes of reflection and coming of age.

Second Horizon is the follow up album of his very successful debut album "Heartware", that has been voted as album of the year by more than 23.000 readers of FAZE Magazine. The twelve tracks are inspired by 80s music styles EBM, Italo, Acid, Electro and Dark Wave and produced with a lot of original equipment from that era transferred into 2025. The album is also inspired by his relocation to Berlin, and the music reflects this shift, balancing gritty, industrial influences with shimmering, retro-futuristic tones.

Thrash metal's new Swedish hope Sarcator, further cement their status as one of metal's most exciting young bands, with their stunning second
album. By mixing fresh thrash metal with touches of old-school Scandinavian death metal, these Swedish prodigies sound at least as good as
veterans three times their age. The future is sure to hold great things for Sarcator as they continue to create their awesome metal.

Sound Like: Megadeath, Morbid angel, Dissection, Possessed, Kreator,
Sodom, Exodus, In Solitude, The Devil's Blood

French singer, songwriter and producer Léa Sen’s debut album Levels, is a deeply immersive journey through memory, self-discovery, and emotional growth—imagined as a surreal, liminal hotel where each room holds a different chapter of her life.

Created in collaboration with her brother, Florian Fourlin, and inspired by Léa's own coming-of-age, Levels blends experimental pop with slinky R&B, woozy trip-hop, and warm, smudged guitars. The album plays with the tension between reality and dreamlike abstraction, examining the mysterious ups and downs of existence.

Die malische Ethnie der Dogon sind für ihre Tier-Masken und rituellen Tänze weltweit berüchtigt. Auch ihr unglaubliches astronomisches Wissen - wichtige Feste orientieren sich an der Laufbahn von Sirius B, einem mit bloßem Auge nicht zu erkennenden Planeten - lassen westliche Forscher seit über hundert Jahren rätseln. Aber hat man schon jemals von der Musik dieses Mythen-umrankten Volkes gehört? Petit Goro hat als erster Musiker die traditionellen Dogon-Rhythmen für ein junges, modernes Publikum aufbereitet, ja er ist der erste Popstar der Dogon überhaupt. Wenn er sich auf einer der Freiluftbühnen von Bamako seine Gitarre umhängt, dann wirbeln tausende von Tänzern den Staub auf. Es ist ein Sound, der bisweilen so klingt, als hätte es Junior Kimbrough, R.L. Burnside und die One-Chord-Vamps des Mississippi Hill Country Blues an den Niger verschlagen. Pentatonische Akkorde. Dogon-Chants. Und der Sog seiner Band - die mit Bass, Gitarre und traditioneller Perkussion Richtung Trance reitet. Petit Goro besingt dabei den Kampf um die eigene Kultur und Identität. Der Popstar ist das Aushängeschild einer neuen Bewegung : Die jungen Dogon haben angesichts der Bedrohung, - fast jede Woche wird ein Dogondorf von Dschihadisten attackiert - ihre gefährdeten animistischen Traditionen wiederentdeckt. Überall in Bamako sieht man Jugendliche stolz ihre Dogon-Tracht tragen. Petit Goro aber trägt ihre Botschaft in die Welt hinaus, rockt archaische Traditionen mit einem nie gehörten Dogon-Blues

Get Sunk ist eine Ode an das Unendliche. Es bringt mit dem Pinsel gestrichene, verschwommene Erinnerungen an die Oberfläche, die sich zu einem Haufen von Farben und Verbindungen anhäufen, der sich über
die Individualität hinaus in eine endlose Veränderung erstreckt. Unter Wasser bewegt sich alles in Zeitlupe,
und Matt Berninger sah seine kreative Stimme mit der Strömung entgleiten. Aber manchmal müssen wir
ertrinken, um uns daran zu erinnern, wie man atmet. Get Sunk ist das reinigende Einatmen. Es ist der
Anblick des wogenden Spiegelbilds im Wasser und die Erkenntnis, dass man nicht man selbst ist ohne
tausend andere: Eltern, Freunde, Geschwister, Ehepartner und Ex-Freunde, College-Mitbewohner, beste
Freunde aus der Kindheit, Cousins und Cousinen, sogar Fremde - all das macht den Geist des Erzählers von
Get Sunkaus. Berninger wollte herausfinden, warum er liebt, was er tut, und es ist der kollaborative Geist
des Albums und die lockere, sich entfaltende Haltung, die Berninger aufblicken und die Wärme in seinem
Gesicht spüren ließ. Wenn wir in uns selbst versinken, stellen wir oft fest, dass wir eigentlich mit anderen
schwimmen.

Wer glaubt, über die Diskografie des legendären Pianisten Sviatoslav Richter sei bereits alles gesagt, der
irrt. 60 Jahre lang schlummerten die Aufnahmen, die die Deutsche Grammophon 1965 bei den Festivals in
Tours und Luzern mitgeschnitten hatte, in den Archiven. Sie werden nun erstmals veröffentlicht, sorgfältig
restauriert von den renommierten Emil Berliner Studios. Wie viele Künstler hatte auch Richter das Gefühl,
im Konzert besser und freier zu spielen als im Studio. Diese ungeheuren Aufnahmen zeigen den Pianisten
auf dem Höhepunkt seines pianistischen Könnens. Und in der Tat erinnern sie an Van Cliburns Ausspruch:
„Das ist das gewaltigste Klavierspiel, das ich je gehört habe“. Richters Beethoven-Interpretationen sind
phänomenal. Die Deutungen der Sonaten Nr. 18, 27, 28 und 31 zeigen einen frappierenden, einen modernen
Ansatz, der kein Risiko scheut und den musikalischen Ausdruck in jeder Hinsicht auf die Spitze treibt. Die
Pianistin Elisabeth Leonskaja, eine Vertraute Richters, zeigte sich begeistert von der künstlerischen Freiheit,
der spieltechnischen Brillanz und der Liebe zur Musik, die sich in diesen Aufnahmen vermitteln. Das Album
ist digital, als CD und Doppel-LP erhältlich und enthält ein aktuelles Interview mit Elisabeth Leonskaja,
einen Essay von Jed Distler sowie editorische Anmerkungen von Markus Kettner. Zahlreiche, zum Teil
unveröffentlichte Fotos ergänzen die Edition.

Interplay ist ein Album des legendären Jazzpianisten Bill Evans aus dem Jahr 1963, das ursprünglich auf dem
Label Riverside erschien. An der Seite von Evans spielen Freddie Hubbard (Trompete), Jim Hall (Gitarre),
Percy Heath (Bass) und Philly Joe Jones (Schlagzeug). Diese Neuauflage des Albums erscheint als Teil
der Original Jazz Classics Series auf 180-Gramm-Vinyl, das bei RTI gepresst und von den Originalbändern
bei Cohearent Audio analog gemastert wurde, und mit einem Stoughton Tip-On Jacket.