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Die französische Alternative Art-Rock-Band Klone kehrt mit ihrem 10. Album "The Unseen" zurück und treibt ihren ohnehin schon üppigen Sound in schwindelerregende, magische Höhen. "The Unseen" ist eine kühne neue Reise durch eine einzigartige und doch kontrastreiche Klanglandschaft, eine immersive, traumhafte Erfahrung, die von der Bedeutung von Dingen spricht, die auf den ersten Blick keine Bedeutung zu haben scheinen. Emotional wie konzeptionell haben Klone wieder einmal neue klangliche Wege beschritten und ihren charakteristischen doch weiten Sound ausgebaut. Seit der Veröffentlichung von "Le Grand Voyage" im Jahr 2019 sind die französischen Post-Prog-Metal-Art-Rocker Klone weltweit zu neuen Höhen aufgestiegen, tourten in Europa, den USA, Australien und Mexiko an der Seite von Bands wie Devin Townsend, Leprous, Riverside, Pain of Salvation und Gojira und begeisterten die Festivalbesucher beim Hellfest 2024, Prog Power USA, Midsummer Prog und Cruise to the Edge. Nach ihrem phänomenalen Album "Meanwhile" aus dem Jahr 2023 ist das Album ein neues Meisterwerk in Sachen Performance und Produktion, bei dem Klone ihre jahrelange Erfahrung voll auspielen. Mit jedem Mitglied und jedem Instrument, das bis an seine Ausdrucksgrenze getrieben wird, hat das Album eine Kraft und Intensität, die sich, obwohl sie manchmal rau ist, gleichzeitig natürlich, kohärent und einheitlich anfühlt, da sich die Band von Motiv und Melodie als Einheit bewegt, Wie immer geleitet von der unverwechselbaren Stimme und Vision von Yann Ligner. Mit 25 Jahren Musik im Rücken scheint es passend, dass "The Unseen" auch die 10. vollständige Veröffentlichung von Klone ist. Das Album ist ein Meilenstein, welches Reflexionen über die Vergangenheit als Mittel nutzt, um die Schönheit der Gegenwart zu würdigen, wobei die Band ihre gemeinsame jahrzehntelange Kreativität und Zusammenarbeit nutzt, um aufschlussreiche neue Perspektiven für das Hier und Jetzt zu bieten.

In the heart of Offenbach, where the city's pulse synchronizes with the beat of the night, stands the illustrious Robert Johnson Club. For a quarter of a century, it has stood as a bastion of sonic exploration, a sanctuary for those who seek solace in the rhythm, and a beacon of inspiration for the global electronic music community. As it proudly raises its glass to toast 25 years of unrivaled musical excellence, the echoes of countless memories reverberate through its storied halls. To honor this landmark anniversary, „Live at Robert Johnson“ presents a kinda like masters blueprint of sound: "Tell Me Something Good - 25 Years of Famous When Dead!" This compilation, aptly named after the club's mantra, serves not only as a celebration of its rich history but also as a testament to the enduring legacy of the artists who have graced its stage. Crafted with meticulous attention to detail, each track on the compilation is a sonic journey unto itself—a symphony of beats and melodies that weave together to tell the story of Robert Johnson's evolution over the past quarter-century. From the pulsating rhythms of underground techno to the ethereal melodies of deep house, the compilation encapsulates the club's eclectic spirit and unwavering commitment to pushing the boundaries of electronic music. But beyond the music lies something deeper—an intangible energy that permeates every aspect of Robert Johnson's existence. It's the sense of camaraderie that binds together the club's patrons and artists alike, the shared experience of losing oneself in the music, and the profound sense of belonging that transcends language and culture. As the compilation reverberates through the speakers, it serves as a rallying cry—a call to arms for all who have ever felt the transformative power of music. It's a reminder that, even in the darkest of times, there is beauty to be found in the simple act of coming together and losing oneself in the rhythm of the night. So let us raise our voices in celebration of Robert Johnson Club and the indelible mark it has left on the world of electronic music. Here's to 25 years of passion, of creativity, and of "something good" that will echo through the ages for generations to come.

Eine weitverbreitete Utopie ist die Ewigkeit. Eine andere ist das Glück. Man spielt mit dem Leben - wie gehabt und wie immer ohne Gewähr!

Manche tragen ihre Hoffnungen an die Börse, andere zur Glücksspielannahmestelle. Die Berliner Band Milliarden befindet sich auf ihrer neuen Studioeinspielung 'Lotto' in der Transitzone zwischen Kommen und Gehen. Dort, wo der Puls rauscht und Dasein Ankunft und Abschied bedeutet. Milliarden sind Ben Hartmann und Johannes Aue aus Berlin.

- Ltd. Col. LP: (Clear Vinyl+ Poster)

Eine weitverbreitete Utopie ist die Ewigkeit. Eine andere ist das Glück. Man spielt mit dem Leben - wie gehabt und wie immer ohne Gewähr!

Manche tragen ihre Hoffnungen an die Börse, andere zur Glücksspielannahmestelle. Die Berliner Band Milliarden befindet sich auf ihrer neuen Studioeinspielung 'Lotto' in der Transitzone zwischen Kommen und Gehen. Dort, wo der Puls rauscht und Dasein Ankunft und Abschied bedeutet. Milliarden sind Ben Hartmann und Johannes Aue aus Berlin.

- Ltd. Col. LP: (Clear Vinyl+ Poster)

Auf dieser Tribute-Compilation finden sich Interpretationen von Margo-Guryan-Songs von TOPS, Rahill, Clairo, June McDoom, MUNYA und Kainalu, Frankie Cosmos und Good Morning, Kate Bollinger, Pearl & The Oysters, Bedouine und Sylvie, Empress Of, Barrie, und Margo Price. Die meisten unserer Geschichten über Kultmusiker, die ein oder zwei Alben machen und dann zu verschwinden scheinen, sind von Trauer, Verzweiflung und ausgefranstem Ehrgeiz umrahmt. Nicht so bei Margo Guryan, einer begeisterten Jazz-Ausnahmeerscheinung, die Popmusik verachtete, bis sie 1966 „God Only Knows“ hörte, das ihr ein Fenster zu den Wundern öffnete, die diese Musik-Form enthalten konnte. Nur zwei Jahre später veröffentlichte sie auf dem Album „Take a Picture“ ihre eigenen kleinen Popsinfonien und erntete dafür großes Lob und hohe Erwartungen. Aber da sie sich bereits von dem Posaunisten Bob Brookmeyer hatte scheiden lassen, lehnte sie es ab, ein Musikerleben zu führen und auf Tournee zu gehen oder auch nur darüber zu sprechen. Ihre Zurückhaltung führte dazu, dass „Take a Picture“ bald in den Regalen der Discounter und letztlich in den Mülleimern landete. Sie schrieb weiterhin Songs und nahm noch jahrelang auf, arbeitete sogar mit der Band von Neil Diamond zusammen, aber meistens schien sie mit ihrem relativ privaten Leben zufrieden zu sein. Wie es sich für eine so atemberaubende und subtile Musik gehört, erlebte die 2021 verstorbene Guryan in den letzten sechs Jahrzehnten mehrere Wiederauferstehungen. Und jetzt geschieht es wieder: Kurz nachdem ihre fast geflüsterte und liebeskranke Hymne „Why Do I Cry“ sie 2021, im selben Jahr, in dem sie starb, zum TikTok-Star machte, startete die Numero Group eine Wiederveröffentlichungskampagne, aus der 2024 das hochgelobte Set „Words and Music“ hervorging. Und jetzt haben ein Dutzend Künstler - von denen keiner geboren war, als „Take a Picture“ entstand - das gesamte Album (plus einen Bonustrack) für „Like Someone I Know: A Celebration of Margo Guryan“ neu interpretiert. Empress Of, Margo Price, Clairo, June McDoom: Sie alle bestätigen Guryans Schärfe als Songwriterin und die Brillanz eines Albums, das den Werbezyklus, den Guryan vor so langer Zeit ablehnte, bei weitem übertroffen hat. Guryan wurde in einer weitläufigen Familie in Far Rockaway geboren, als der Ort noch größtenteils von Bäumen umrahmt war. Während ihres Kompositionsstudiums an der Boston University stolperte Guryan in einen Auftritt als Pianistin zwischen den Konzerten des Miles Davis Quintet, unterschrieb einen Vertrag als Songwriterin bei Atlantic Records und verpatzte eine Session mit Nesuhi Ertegun. Aber sie war nicht darauf aus, ein Gesangsstar zu werden. 1959 ging sie an die Lenox School of Jazz in den Berkshires, um für Ornette Coleman und Don Cherry zu schreiben, die Aufmerksamkeit des Dozenten Max Roach zu gewinnen und in Gunther Schuller einen langjährigen Mentor und Freund zu finden. Sie wurde eine versierte Texterin und schrieb nicht nur für Coleman und Nancy Harrow, sondern auch für Harry Belafonte und Gary MacFarland. Aber es war die spätere Begegnung mit den Beach Boys, die Guryan die Tür zu „Take a Picture“ und einer Reihe anderer großartiger Songs öffnete, von denen viele auf „Words and Music“ erschienen sind. „Take a Picture“ ist eine ausgefeilte Bestandsaufnahme der Romantik und Unentschlossenheit der Mittzwanziger, vom koketten Treiben in „Sunday Morning“ und der Verliebtheit in „Can You Tell“ bis zur verzweifelten Hilflosigkeit in „What Can I Give You“. Ihre ewig weiche Stimme, ihre kühne Songkunst und ihre völlige Offenheit: Guryan machte 1968 und darüber hinaus gewagte Musik, egal wie sanft sich diese Klänge zu bewegen schienen. „Like Someone I Know: A Celebration of Margo Guryan“ unterstreicht die Stärke von Guryans Liedern, indem es einem Dutzend verschiedener Künstler erlaubt, sie auf ihre eigene Reise mitzunehmen. Im Laufe der letzten Jahrzehnte ist immer deutlicher geworden, wie gut Guryan war, wie stabil ihre Lieder inmitten der wechselnden Geschmacksrichtungen. „Like Someone I Know: A Celebration of Margo Guryan“ ist eine absolute Bestätigung, ein Zeugnis für die anhaltende Relevanz und Brillanz von Guryans Arbeit. Ein Teil des Erlöses dieses Albums wird für die Bereitstellung von und den Einsatz für erschwingliche reproduktive Gesundheitsdienste gespendet.

The Rills haben sicherlich ein oder zwei Häute abgestreift, um diesen Punkt am Vorabend ihres spritzigen Debütalbums zu erreichen. Produziert von Dave McCracken (Indie-Mastermind hinter Ian Brown, dEUS, The Rifles), nehmen diese drei jungen Freunde auf "Don't Be A Stranger" die ungenutzte Energie, die sie zu viralen Sensationen und Lieblingen der Grassroots-Szene gemacht hat, und verwandeln sie in etwas Überlegteres, Vollständigeres und Herzlicheres.

- "The Rills sind eine Mischung aus einer Northern Oasis inspirierten und einer trendy Post-Punk-Band aus London. Damit schafften sie es nicht nur mit ihrer Musik, sondern auch über Tiktok zu begeistern." - Budde Talent Agency (Tourveranstalter)

Two-Piers bringt mit "Come To My World" eine kurze Geschichte und Tauchgang in die Welt des Indie-Pop, von seinen bescheidenen Anfängen in den 1980ern bis zu den vielen grossartigen Bands, die heute die Flagge hochhalten.

"Come To My World" beginnt mit coolen Bands wie Talulah Gosh, The Flatmates, Blueboy, Primal Scream, McCarthy, 14 Iced Bears und The Springfields auf bahnbrechenden DIY-Labels wie Sarah Records, The Subway Organization und Creation. Über die einflussreichen C86-Kassettenjahre gelangen wir zu den kommerzielleren Spät-1980er-Sounds von The Primitives, The Soup Dragons und The Darling Buds. Wir navigieren durch die 1990er mit der unterschätzten Brillianz von Heavenly, der florierenden schottischen Szene mit Acts wie BMX Bandits und The Vaselines, bis zum Durchbruch der Indie-Pop-Sounds von Velocity Girl und Blake Babies in den USA. In den 2000ern brachte die US-Szene exzellente Bands wie Dum Dum Girls und The Pains Of Being Pure At Heart hervor, neben Underground-Acts wie Joanna Gruesome, The Spook School und Veronica Falls. Die Zusammenstellung endet mit einem Blick in die glänzende Zukunft des Indie-Pop mit Künstlern wie The Goon Sax, The Lost Days und Ribbon Stage.

Für Indie-Pop-Liebhaber ist diese Underground-Musik seit fast 40 Jahren eine ständige Quelle der Freude. 2LP mit 34 Tracks. 2CD mit 40 Tracks.

Diese wegweisende Zusammenstellung setzt die Entfaltung teuflisch obskurer, aber kulturell und künstlerisch wichtiger Aufnahmen fort, die verborgen waren und am Rande des Verfalls schwebten. Zum ersten Mal präsentiert Tramp Records eine "rein deutsche" Version der Peace Chant-Reihe mit Linernotes in deutscher Sprache und einem Download-Link zur englischen Übersetzung.

Ende der 1960er begannen viele deutsche Musiker damit zu experimentieren, Jazz, Rock, Pop, elektronische und Weltmusik mit einem härteren, aggressiveren Sound zu verschmelzen. Ursprünglich "kosmische Musik" genannt, sollte die Bewegung dem Kaleidoskop von Klängen weichen, das heute als Krautrock bekannt ist. Insbesondere die Phase zwischen den Mitt-70ern bis Mitt-80ern war eine äusserst fruchtbare Zeit. Obwohl sich die Peace Chant-Reihe hauptsächlich auf Amateurbands, Privatpressungen und verschollene Acetatplatten konzentriert, haben viele der vertretenen Künstler ihre Spuren in der deutschen und internationalen Musikszene hinterlassen und mit vielen der Giganten der Bewegung gespielt. - Joel Ricci, August 2024

Sämtliche Titel erscheinen zum ersten Mal auf LP-Vinyl. Schwarzes Vinyl im Gatefold mit detaillierten Linernotes, unveröffentlichten Fotos und Download-Code.

‚Himmel‘ sind am Ende nur eine menschliche Erfindung - genau wie die ‚Hölle‘. Alle Definitionen beruhen auf dem Wunsch der Menschheit, der
Realität zu entfliehen und eine Form der Sicherheit zu finden, die als Gegenstück zu dem höllischen Leben, das wir führen müssen, fungiert. Aber
schauen wir uns einmal selbst in die Augen: „Down The Heavens“.
11 Jahre nach ihrem letzten Album „And Babylon Fell“ melden sich DISPARAGED mit einem neuen Death Metal Magnum-Opus zurück. „Down The
Heavens“ beginnt mit einem leisen Atmen, bevor ‚Among The Chosen Ones‘ mit seinen brutalen Drums und schnellen Gitarrenstrokes alles in Schutt
und Asche legt, aber das ist nur eine Facette von DISPARAGEDs Songwriting. ‚The Throne‘ macht seinem Namen mit einem mächtigen Gitarrensolo
alle Ehre, und ‚Drown In Madness‘ hält das Brutalitätsniveau weiter hoch, fügt aber einen unwiderstehlichen Groove hinzu. Während sich der Sturm
mit ‚The Bridge‘ durch akustische Gitarren und Keyboard-Soundscapes für einen Moment beruhigt, wirkt das folgende ‚Sole Survivor Of The Flames‘
nur noch eindringlicher und epischer. Auf dem Album sind auch zwei illustre Gäste zu hören: Andy LaRocque (King Diamond) und Damir
Eskic (Destruction) fügen 'Another Day' und dem Titeltrack ihre ganz eigene Note hinzu. „Down The Heavens“ zeigt, dass Death Metal unerbittlich und
vielseitig zugleich sein kann. Ralph Beier (Gitarren), Tom Kuzmic (Gitarren und Gesang), Heinz Imhof (Drums) und Reto Hardmeier (Bass) haben ein
Muss für alle Extrem-Metaller geschaffen.
TERRITORY: Deutschland, Österreich, Belgien, Schweiz, Tschechische Republik, Frankreich, England, Italien, Irland, Niederlande, Polen

The beats on Capital Punishment, from RZA, Rockwilder, Domingo, and other A-list maestros, are grimy, radio- friendly, yet low-ley cutting-edge, affirming its status as an undisputed classic. Big Pun was as much a visionary — conceptualizing every song — as a consummate pro in the booth. Citing Picasso and Baby Jesus while purporting to “twist your temples into pretzels,” Pun made Minute Rice out of multi-syllables. There’s no way to describe Pun’s febrile liberties with the king’s English. He doesn’t really breathe; when he does, it’s a sharp gasp for air that almost mimics his Ginsu-like wordplay. Pun’s habit of sucking wind before spitting an ill verse mimics the effect of a lit grenade about to land and decimate entire sections of the population. If Pun’s dense rhymes invoke mixed metaphors, that’s likely because he’s an impossible amalgam of wanton wooer and lyrical hitman, an overweight lover with a murderous mouthpiece.

Bandkopf Wintherr hat auf dem dritten regulären PAYSAGE D'HIVER Album "Die Berge" die dunkle Seite seiner alpinen Heimat perfekt eingefangen. Abseits der kitschigen Postkartenlandschaften herrschen zerklüftete Gipfel, die unfassbare tektonische Kräfte aus der dünnen, kalten Kruste dieses Planeten herausgezwungen haben. Diese grauen Riesen erzeugen eine harsche, menschenfeindliche Umgebung, die im rauen Black Metal des Schweizers ein musikalisches Echo findet. Note für Note entfaltet sich die majestätische Kraft der Berge, die bedrohlich und gefährlich wirkt, aber zugleich auch eine wilde Schönheit ausstrahlt. Die gewaltigen Song-Brocken auf "Die Berge", die sich zu einer Spielzeit von über 100 Minuten auftürmen, erinnern allein schon durch ihre epische Länge an die gebirgigen Quellen ihrer Inspiration. Mit jeder Veröffentlichung erzählen PAYSAGE D'HIVER ein neues Kapitel ihrer fortlaufenden Geschichte über einen mysteriösen Protagonisten namens 'Der Wanderer'. "Die Berge" führen den Wanderer zu seinem 14. Kapitel, welches vielleicht auch sein letztes sein könnte. Denn das Hauptthema von "Die Berge" ist der Tod. Diese Reise des rätselhaften Wanderers lässt sich mit der eines Zen-Mönchs vergleichen, der sein Ende nahen fühlt und zum Sterben auf den Gipfel eines Berges steigt. PAYSAGE D'HIVER wurden im Jahr 1997 in der Schweizer Region Bern gegründet. Das Soloprojekt blieb zunächst ein reines Underground-Phänomen. Wintherr veröffentlichte 10 sogenannte "Demos" in Albumlänge sowie 4 Split-EPs, die seinem Projekt einen exzellenten Ruf verschafften. Derweil wuchs eine beeindruckende Fangemeinde vor allem durch Mundpropaganda heran. Als der Schweizer im Jahr 2020 mit "Im Wald" gewissermaßen "aus dem Versteck" kam, stieg das erste "reguläre" Album sogar in die deutschen Charts ein - obwohl PAYSAGE D'HIVER mit beiden Beinen weiterhin fest im Untergrund ihres Genres verwurzelt sind. Mit "Die Berge" erweitern PAYSAGE D'HIVER erneut den Horizont ihres nordisch geprägten Black Metal, ohne das schwarze Ziel aus den Augen zu verlieren.

Cass McCombs ist zurück bei Domino. Sammlung bislang unveröffentlichter Songs erscheint am 08.11.2024.

Cass McCombs veröffentlicht mit "Seed Cake On Leap Year" eine Sammlung früher, bisher unveröffentlichter Musik, die in Jason Quevers Wohnung in der 924 Fulton Street in San Francisco aufgenommen wurde, während McCombs zwischen 1999 und 2000 in Berkeley lebte. Alles, was Cass McCombs‘ Fans lieben gelernt haben, ist auf "Seed Cake On Leap Year" zu hören. Bereits zu dieser Zeit beherrschte er die anmutigen, schwebenden Melodien, die wirken, als stammten sie aus zeitlosen Liedern von Jukeboxes und Transistorradios in ganz Amerika; ebenso seine tiefgründige, verschlungene Art mit alltäglicher Sprache umzugehen, die aufrichtige Wahrheiten in Rätsel verwandeln kann. „Songs are sung every day/So what can I say to find my own way?“, verkündet er in der ersten Zeile von „I’ve Played This Song Before“. Und mit diesen Worten schlägt er seinen eigenen Weg ein, immer verwurzelt in Tradition, aber dem Unbekannten zugewandt. Das Bemerkenswerte an "Seed Cake On Leap Year" ist, wie lebendig und roh diese Songs geblieben sind, voller Einsicht und Wunder, im Dialog mit allem, was noch kommen wird. Es gibt eine ungeschönte Ehrlichkeit in dieser Jugend, und obwohl dies vielleicht die ungeschönteste Ehrlichkeit ist, die sich Cass McCombs je auf einem Album zugestand, verstärken und vertiefen diese Songs nur das Mysterium.

Heute, genau 10 Jahre nach dem ursprünglichen Release, veröffentlicht Matador Records ein Re-Issue des populären achten Studioalbums von Spoon, "They Want My Soul". Es ist ab sofort auf allen digitalen Plattformen verfügbar und erscheint am 08. November auch als Doppel-LP und Doppel-CD. Neben den zehn Originaltracks - inklusive der Band-Klassiker "Inside Out", "Do You" und "Rent I Pay" enthält die Deluxe-Version elf Demos und Alternate Versions, die bislang fast alle unveröffentlicht sind. Die Wiederveröffentlichung unterstreicht den herausragenden Platz des Albums in einer beeindruckenden Diskographie und bietet Einblick in eine der prägenden Phasen der Spoon-Geschichte. "They Want My Soul" folgte 2014 auf "Transference", ein von der Band selbst produziertes Album, nach deren Veröffentlichung sich die Band erschöpft fühlte. Als "Transference" herauskam, waren sieben Alben in 14 Jahren erschienen und Spoon hatten sich beständig auf Tour befunden. Der ungewohnte Sound des Albums machte es dem Publikum zudem schwer und obwohl es ihre bis dahin erfolgreichste Platte wurde, blieb es um die Veröffentlichung insgesamt relativ ruhig. Es folgte eine Bandpause. Und 2014 dann schließlich die Rückkehr mit "They Want My Soul", das sie mit Joe Chiccarelli (Strokes, White Stripes) aufnahmen - und mit Dave Fridmann, dem visionären Produzenten von Flaming Lips, MGMT oder Low. Die Arbeit mit Fridmann, der für seine maximalistisch-psychedelische Herangehensweise bekannt ist, scheint erst mal keine allzu offensichtliche Wahl, erwies sich dann aber schnell als außerordentlich fruchtbar. Nicht zuletzt entstand so "Inside Out, der heute meistgestreamte Song der Band überhaupt. Aus klanglicher Sicht ist "They Want My Soul", das vielleicht das strahlendste Album, das Spoon je gemacht haben. Umso interessanter ist es, nun ergänzend die Demos hören zu können, die zu diesem Album führten und die in dieser Deluxe-Edition enthalten sind.

Der norwegische Black Metal-Klassiker „Soulblight“ von 1998 neu aufgelegt! „Soulblight“ ist ein würdiger Anwärter auf eines der besten Black
Metal-Alben der 90er Jahre!1997 war ‚Witchcraft‘ ein schwieriges Album, das aufgrund seiner komplexen Kompositionen und aufwendigen
Orchestrierung seinen Kultstatus als eine der größten Black Metal-Veröffentlichungen verteidigen musste. Doch Obtained Enslavement haben genau
das geschafft, denn „Soulblight“ ist eine ganz andere Veröffentlichung, die jedoch die Qualität und das musikalische Können beibehält, für die die
Band mit „Witchcraft“ bekannt geworden ist. Die Offenheit und Mystik der orchestralen Arrangements wurde zugunsten eines eher gitarren- und
schlagzeugorientierten Sounds aufgegeben, was aber dem viel dunkleren und aggressiveren Sound von „Soulblight“ zugute kommt, denn die Struktur
des Albums ist ein Highlight im Vergleich zu seinem Vorgänger, da es sich als Ganzes konzeptioneller und vollständiger anfühlt als eine bloße
Sammlung von Songs. Das macht Sinn, denn die Texte erzählen eine epische Geschichte über einen großen Krieg gegen das „Soulblight“, eine
Geschichte, die auch durch die Musik selbst verfolgt werden kann, was es in vielerlei Hinsicht zu einem Konzeptalbum macht.

Zur Feier des 30-jährigen Jubiläums von The Charlatans drittem Album "Up To Our Hips" gibt es ab dem 08.11.2024 eine erweiterte Neuauflage der Platte. Das Set wird als 2LP, 2CD und digital erhältlich sein und neben dem Originalalbum zehn Bonus-Songs enthalten, darunter Live-Tracks und seltene Mixe. Das Album kommt mit einem neuen von Nik Void gestalteten Artwork und wird als petrolblaues Bio-Vinyl gepresst. Mit dem Album "Up To Our Hips", das 1994 erschien, schlug die Band eine neue Richtung ein. Es grenzt sich von den beiden Vorgängeralben ab, die wesentlich poppiger waren, klingt dunkler, schwerer und bedient sich vermehrt an Orgelklängen. Die Band hörte zur Zeit der Entstehung viel Musik von Künstlern wie Small Faces, The Beatles und Dylan und schaute David-Lynch-Filme. Zur gleichen Zeit gab es einige interne Schwierigkeiten. Viele Lyrics spiegeln diese Unruhe wider. The Charlatans, bekannt für ihre markante Mischung aus Hammond-Orgeln und Northern UK Soul, treibenden Gitarren und Tim Burgess" sehnsüchtiger Stimme, bleiben eine der prägenden Brit-Pop Bands der letzten Dekaden. Seit 1989 veröffentlicht die Band regelmäßig Alben, von denen drei die Spitze der britischen Charts erreichten. Trotz zahlreicher Herausforderungen - Nervenzusammenbrüche, Suchtprobleme, damit einhergehende Geldprobleme und der tragische Verlust zweier Gründungsmitglieder - haben The Charlatans sich immer wieder neu erfunden und erfolgreich Musik veröffentlicht.

Ein Livealbum (nochmal) ist eine recht offensichtliche und doch für Talco passende Idee zum Jubiläum. Im Jahr 2022 hatten Talco beschlossen, ein Mischpult für die "Videogame"-Tour zu mieten. Die Möglichkeit, jedes Konzert mitzuschneiden, verlockte, und am Ende der Tournee gab es etwa 35 Sets, aus denen ein echtes Live-Album werden konnte. Und genau um "echt" geht es. Es durfte nichts gefälscht, neu aufgenommen oder überspielt werden, nichts bereinigt werden. Das moralische Diktat, live darzustellen, wer Talco ist, mit der Musik, Entschlossenheit, den Witzen, dem goliardischem Unsinn, der Herzlichkeit der Menschen, all das musste erhalten bleiben und daher "wahr" sein, nicht perfekt oder künstlich, sondern wahr. Ein echtes DIY-Projekt, an dem die gesamte Talco-Familie mitgewirkt hat: von Tontechnikern Matteo "Houdini" Piccolo - der alle Live-Auftritte der Tournee aufgenommen hat - und Edoardo "Dodi" Pellizzari (Overdrive Recording Studio), der das Album abgemischt hat, bis hin zu den Beiträgen der gesamten Band, die während einer anderthalbjährigen Europa-Tournee aufgenommen wurden. Talco in eigenen Worten: "Wir hätten nie gedacht, dass wir noch einmal ein Live-Album machen würden, aber vielleicht haben wir es nach weiteren 10 Jahren nötig. Viele Bands erreichen ein Ziel, und feiern es mit einer Best Of-Compilation, aber die Greatest Hits einer Live-Band kann nur ein Live-Album sein." Und hier sind nun die essentiellen Songs der bisherigen 20 Jahre-TALCO-Karriere, aufgenommen zwischen 2022 und 2024 in unterschiedlichen Städten, eine traumhafte Set-List vor den besten Fans der Welt. Immer daran denkend, dass ein Ziel nicht das Ende ist, sondern ein neuer Weg, der zu gehen ist. 2LP klassich schwarz oder Jewelcase-CD!

Ein Livealbum (nochmal) ist eine recht offensichtliche und doch für Talco passende Idee zum Jubiläum. Im Jahr 2022 hatten Talco beschlossen, ein Mischpult für die "Videogame"-Tour zu mieten. Die Möglichkeit, jedes Konzert mitzuschneiden, verlockte, und am Ende der Tournee gab es etwa 35 Sets, aus denen ein echtes Live-Album werden konnte. Und genau um "echt" geht es. Es durfte nichts gefälscht, neu aufgenommen oder überspielt werden, nichts bereinigt werden. Das moralische Diktat, live darzustellen, wer Talco ist, mit der Musik, Entschlossenheit, den Witzen, dem goliardischem Unsinn, der Herzlichkeit der Menschen, all das musste erhalten bleiben und daher "wahr" sein, nicht perfekt oder künstlich, sondern wahr. Ein echtes DIY-Projekt, an dem die gesamte Talco-Familie mitgewirkt hat: von Tontechnikern Matteo "Houdini" Piccolo - der alle Live-Auftritte der Tournee aufgenommen hat - und Edoardo "Dodi" Pellizzari (Overdrive Recording Studio), der das Album abgemischt hat, bis hin zu den Beiträgen der gesamten Band, die während einer anderthalbjährigen Europa-Tournee aufgenommen wurden. Talco in eigenen Worten: "Wir hätten nie gedacht, dass wir noch einmal ein Live-Album machen würden, aber vielleicht haben wir es nach weiteren 10 Jahren nötig. Viele Bands erreichen ein Ziel, und feiern es mit einer Best Of-Compilation, aber die Greatest Hits einer Live-Band kann nur ein Live-Album sein." Und hier sind nun die essentiellen Songs der bisherigen 20 Jahre-TALCO-Karriere, aufgenommen zwischen 2022 und 2024 in unterschiedlichen Städten, eine traumhafte Set-List vor den besten Fans der Welt. Immer daran denkend, dass ein Ziel nicht das Ende ist, sondern ein neuer Weg, der zu gehen ist. 2LP klassich schwarz oder Jewelcase-CD!

Mit der neuen Doppel-LP 'Long Distance Love - A Sweet Relief Tribute to Lowell George' hat Sweet Relief, die Organisation, die alle Arten von Berufsmusikern und Beschäftigten der Musikindustrie finanziell unterstützt, die mit körperlichen oder geistigen Problemen, Behinderungen oder altersbedingten Problemen zu kämpfen haben, ein Juwel vorgelegt.

Lowell George war der Gitarrenvirtuose, Sänger und Songschreiber von Little Feat. In dieser Sammlung von 25 Liedern interpretieren und spielen Künstler wie Elvis Costello, Ben Harper und Dave Alvin seinen vielfältigen Katalog. Der in Hollywood, Kalifornien, geborene George war Mitglied von Frank Zappas Mothers of Inventions, bevor er diese Band verließ und mit Bill Payne Little Feat gründete. Lowell gehörte der Band 7 Jahre lang bis zu seinem Tod an und veröffentlichte in dieser Zeit acht Alben. Obwohl George 1979 starb, lebt sein Vermächtnis durch dieses Album weiter.

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. Birdbrain ist das zweite Album der Band, das mit Hilfe von J Mascis produziert wurde. Die Songs von "Birdbrain" sind zu Live-Favoriten geworden, darunter der epische Titelsong und "Enemy". Bill Janovitz sprach über den Songwriting-Prozess für dieses Album und sagte: "Ich denke, das Interessante an Birdbrain ist, dass sich das Songwriting verändert hat. Ich hatte alles auf der ersten Platte geschrieben. "Birdbrain" ist eine Art melancholischer Track, aber das meiste davon, wie "Fortune Teller" oder "Directive", das sind in vielerlei Hinsicht sehr wütende Songs. Für mich war das viel punkrockiger, aber wir haben uns in diese Richtung bewegt, und ich weiß nicht, warum. Aber Chris hat angefangen zu schreiben. Chris singt und schrieb "Baby" und die Art und Weise, wie wir schrieben - wir schrieben nicht im selben Raum zusammen - aber wir brachten diese Ideen zueinander und trieben sie herum."

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. 1992 nahm die Band ihr drittes Album "Let Me Come Over" auf, auf dem sie eine Reihe von Songs, die sie zu Hause und unterwegs entwickelt hatten, mit ihrem Live-Power-Trio-Sound und einigen akustischeren Gitarrenballaden mischte. Die Single "Taillights Fade" aus diesem Album wurde zu ihrem Markenzeichen. Auf ihren ersten beiden Alben bauten Buffalo Tom gewaltige Gitarrenlandschaften und beherrschten eine naturalistische Version der Dynamik von leise zu laut. Für ihr drittes Album haben Buffalo Tom ihre Haut ein wenig, aber nicht vollständig abgestreift und ihren Charme stärker in den Vordergrund gestellt. "Let Me Come Over" ist der Sound des Trios, das sich aus dem insularen Underground in die weite Welt des "alternativen" Rocks begibt - und dabei mehr oder weniger seine besten Moves mitbringt.

Zum ersten Mal auf Vinyl erscheint diese beeindruckende Sammlung von Sessions, die Dusty zwischen 1962
und 1970 für die BBC aufgenommen hat und die ursprünglich 2007 auf CD veröffentlicht wurde.
Die 22 Tracks sind die Session-Aufnahmen, die überlebt haben (die BBC nahm in der Vergangenheit
aus Kostengründen viele Sessions auf) und in guter Klangqualität erhalten geblieben sind. Das Set enthält
drei Titel, die im Juli 1962 als Teil von The Springfields in einem anderen, folkigeren Stil aufgenommen
wurden als ihre späteren Aufnahmen.
Zu den Highlights gehört eine Auswahl ihrer stets makellosen Coverversionen, darunter Stevie Wonders Uptight (Everything’s Alright), The Rascals’ Good Lovin’, Jackie Wilsons R&B-Stomper Higher and Higher
(Your Love Keeps Lifting Me) und der Bee Gees-Klassiker To Love Somebody. Zu den anderen Titeln
gehören BBC-Interpretationen einiger ihrer größten Hits - Wishin’ and Hopin’, Little by Little, You Don’t
Have to Say You Love Me, Son of a Preacher Man und I Just Don’t Know What to with Myself.
Die 2 LPs sind am 8. November auf allen Plattformen erhältlich.

Up To Here ist das diamantene Debütalbum von The Tragically Hip, das ursprünglich am 8. August 1989
veröffentlicht wurde.
Es enthält einige der beliebtesten Songs der Band: „Blow At High Dough“ und „New Orleans Is Sinking“
- beides Nummer-1-Radio-Singles in Kanada sowie die Fan-Favoriten „Boots Or Hearts“ und „38 Years Old“.
Die erweiterte Neuauflage von Up To Here ist ein Muss für Sammler. Sie wird in Form von vier Doppel-LPSets auf 180g-Vinyl sowie einem Vier-CD-Set und einem Buch, das die Geschichte des Debütalbums dokumentiert, präsentiert. Die Neuauflage enthält ein 2024-Remastering des Originalalbums, eine Aufnahme
von Live at The Misty Moon, dem 1990 für MuchMusic gedrehten Special aus dem The Misty Moon in
Halifax mit begleitendem einstündigen Konzertfilm auf Bluray, sowie die Demos der ursprünglichen Aufnahmesession von 1988. Vier bisher unveröffentlichte Songs, die es nicht auf das Original-Album Up To
Here geschafft haben - „She’s Got What It Takes“, „Get Back Again“, „Rain, Hearts And Fire“ - sind Teil
dieses erweiterten Pakets, das in Atmos neu gemastert wurde.
Erhältlich ab dem 8. November!

Der Ausdruck von hart erkämpftem Optimismus umschließt The Good Kind, ein Album, das Themen wie Sexualität, Beziehungen, Gemeinschaft und Krankheit erforscht. Die für Our Girl typische Dynamik durchdringt das Album, von schweren Gitarren und aufsteigenden Lead-Linien bis hin zu ohrwurmartigen Refrains und intimen gesanglichen Momenten. Voller Wärme und Ehrlichkeit ist The Good Kind eine Feier der Entschlossenheit – der Entscheidung, sich gegen alle Widerstände dem zu widmen, was zählt.
The Good Kind wurde in den Rockfield Studios aufegenommen und produziert von der Alt-Rock-Legende John Parish (PJ Harvey, Sparklehorse), Fern Ford (The Big Moon, Prima Queen) und Soph Nathan selbst. Für Our Girl spiegelt es den langen und kurvenreichen Weg zu ihrem zweiten Album wider, und die dauerhafte Belohnung für das Vertrauen in den Prozess.

Während des Entstehungsprozesses von The Good Kind haben Our Girl gelernt, sich selbst zu vertrauen, den schwierigeren Weg durchzuhalten und ihn als den einzigen zu erkennen, der es wert ist, gegangen zu werden. Die Entscheidung, dem Sound nachzujagen, den sie wollten, war der ermutigendste Moment ihrer bisherigen Karriere, und es hat sich ausgezahlt: The Good Kind ist ihr bisher selbstbewusstestes, bewegendstes und am besten umgesetztes Werk.

Come Ahead ist das 12. Album von Primal Scream. 11 neue Songs, mit denen Bobby Gillespie sich darauf
vorbereitet, einige der persönlichsten Songs der Bandkarriere zu veröffentlichen.
Der Songwriting-Prozess für Come Ahead begann 2019. Zu diesem Zeitpunkt hatte Bobby Gillespie noch
keine Ahnung, ob er noch einmal ein Album von Primal Scream machen würde. Zum ersten Mal kamen
die Texte vor der Musik. Die Geschichte kam zuerst. Bobby schrieb allein, mit einer Akustikgitarre. Die
Ideen flossen schnell, in langen Inspirationsschüben. Dieser Prozess, zusammen mit der Ermutigung durch
Produzent David Holmes, bot einen neuen Einstieg. In Zusammenarbeit mit Holmes und Primal ScreamGitarrist Andrew Innes wurden die Come Ahead-Sessions in Belfast, London und Los Angeles durchgeführt.
„Ich bin sehr aufgeregt über dieses Album, so als würde man seine erste Platte machen. Wenn es ein
Gesamtthema für Come Ahead gäbe, wäre es vielleicht ein Konflikt, ob innerlich oder äußerlich. Der Titel
ist ein Begriff aus Glasgow. Wenn jemand droht, mit dir zu kämpfen, sagst du: ‚Komm schon!‘ Es erinnert
an den unbezwingbaren Geist der Glasgower, und das Album selbst vermittelt diese aggressive Haltung und
Zuversicht. Sie haben da oben ein Wort dafür: gallus. ‚Come Ahead‘ ist auch ein ziemlich frecher Titel.“
Bobby Gillespie

Two-Piers bringt mit "Come To My World" eine kurze Geschichte und Tauchgang in die Welt des Indie-Pop, von seinen bescheidenen Anfängen in den 1980ern bis zu den vielen grossartigen Bands, die heute die Flagge hochhalten.

"Come To My World" beginnt mit coolen Bands wie Talulah Gosh, The Flatmates, Blueboy, Primal Scream, McCarthy, 14 Iced Bears und The Springfields auf bahnbrechenden DIY-Labels wie Sarah Records, The Subway Organization und Creation. Über die einflussreichen C86-Kassettenjahre gelangen wir zu den kommerzielleren Spät-1980er-Sounds von The Primitives, The Soup Dragons und The Darling Buds. Wir navigieren durch die 1990er mit der unterschätzten Brillianz von Heavenly, der florierenden schottischen Szene mit Acts wie BMX Bandits und The Vaselines, bis zum Durchbruch der Indie-Pop-Sounds von Velocity Girl und Blake Babies in den USA. In den 2000ern brachte die US-Szene exzellente Bands wie Dum Dum Girls und The Pains Of Being Pure At Heart hervor, neben Underground-Acts wie Joanna Gruesome, The Spook School und Veronica Falls. Die Zusammenstellung endet mit einem Blick in die glänzende Zukunft des Indie-Pop mit Künstlern wie The Goon Sax, The Lost Days und Ribbon Stage.

Für Indie-Pop-Liebhaber ist diese Underground-Musik seit fast 40 Jahren eine ständige Quelle der Freude. 2LP mit 34 Tracks. 2CD mit 40 Tracks.

Sie haben die Toten geweckt. Wurden verehrt und angespien. Sind als Sünder ohne Zügel mit ihrem rasend
Herz in den Sængerkrieg gezogen. Und sie folgten nach dem Kunstraub ihrem Kompass zur Sonne: Mit
ihrem packenden Signature-Sound aus modernem Rock und jahrhundertealten Einflüssen haben In Extremo
nicht nur ein eigenes Musikgenre geprägt, sondern sich auch zur wohl bekanntesten und erfolgreichsten
Mittelalter-Rockband der Welt entwickelt, die seit fast drei turbulenten Dekaden ein globales Millionenpublikum in ihren Bann zieht. Nach sieben mit Edelmetall ausgezeichneten Alben (von denen nicht weniger als
vier den 1. Platz der deutschen Longplay-Charts enterten) haben sich die fest aufeinander eingeschworenen
Spielleute nun wieder zusammengefunden, um dunkle Gedanken in ungewissen Zeiten zu vertreiben und
mit „Wolkenschieber“ wieder für neuen Mut, Hoffnung und jede Menge guter Laune zu sorgen!
Der Longplayer präsentiert eine schnell ins Blut gehende Mixtur aus packenden Party- und Trinkliedern,
kämpferischen Freiheitssongs und berührenden Balladen, mit der die Band nun das nächste Kapitel in ihrem
Schaffen aufschlägt. Das neue Album transportiert das, was In Extremo im Jahr 2024 ausgemacht und
wofür sie seit jeher stehen: Für Zusammenhalt, für deutliche Worte und natürlich für jede Menge Energie.

Keshavara tragen prächtige Schnurrbärte, verwegene Kopfbedeckungen und sprechen ein abenteuerliches Patois aus Englisch, Hindi, Deutsch und Gibberish. Auf ihrem neuen Album "III" kreieren die Kölner um den deutsch-indischen Musiker Keshav Purushotham Klänge, wie andere Leute Drinks mixen, nachdem sie schon drei genossen haben: Verwaschener Kraut-Pop und diasporische Dub-not-Dub-Exkursionen werden nach Augenmaß miteinander kombiniert und wild geschüttelt. Zuckersüß mäandernde Melodien, entlehnt einem fantastischen Niemandsland in der Grenzregion zwischen exotischen Library-Kompositionen und psychedelischen Soundtracks, verschmelzen mit den Grooves einer Rhythmusgruppe, die sich auch in den Tonstudios des funky Beirut der Mittsiebziger Zuhause gefühlt hätte. Das Ergebnis sind mit surrealistischem Zuckerrand gekrönte Cocktails mit der Wirkung einer halluzinogenen Götterspeise. Musik, die schillert und flirrt, wie eine Fata Morgana in der Wüste. Keshavara klingen in einem Moment, als hätte Ennio Morricone einen Bollywood-Film vertont, und im nächsten wie ein von Curt Boettcher produzierter Eden-Ahbez-Song, oder - nicht ganz so spinös aber nichts desto weniger fantastisch - als hätten Khruangbin und Sven Wunder endlich ein gemeinsames Album aufgenommen. In den glanzvollsten Momenten fügt sich das alles wie von magischer Hand zusammen und kulminiert dann in Songs wie "Spiegelmann" und "Tableau Vivant" - fantasmorgiastischen Partys voller transkultureller Clashes, die uns Hörer dazu einladen, sie in farbenprächtige Gruppenchoreografien zu überführen.
War das Debüt von Keshavara noch ein Solo- und der Nachfolger "Kabinett der Fantasie" im Kern ein Duo-Album, so sind Keshav Purushotham, Niklas Schneider, Benedikt Filleböck und Christopher Martin mit ihrem selbstproduzierten, schlicht "III" betitelten dritten Album endgültig zu einer vierköpfigen Band zusammengewachsen … und zwar um eine alte Farfisa-Orgel herum, die eines Tages als Geschenk im Proberaum gelandet ist: Ein, auf sämtlichen Songs mal mehr, mal weniger präsentes UFO aus einer Zeit der Slow-Jams, Live-Takes und des exzessiven Space-Echo-Einsatzes. Sein analoges Blubbern und sein wabernder Funk rollt dem warmen, organischen Bandsound den roten Teppich aus, und verpasst ihm einen zärtlichen Schubs Richtung 70er. Erfrischenderweise kommt er dort niemals so richtig an, sondern bleibt immer im Fluss. Denn das eigentliche Ziel der halldurchtränkten Korridore dieses Albums ist stets der Weg, genau genommen der kunstvoll gezimmerte Holzweg, der phantastische Irrpfad. "III" ist eine Reise, auf der Zeiten und Orte keine Fixpunkte sind, sondern austauschbare Koordinaten eines augenzwinkernden Vexierspiels. Da ist es nur folgerichtig über "Indische Götter im Sauerland" zu singen. Dass ungeachtet der Nostalgie, die alle neun Songs durchweht wie ein warmer Mittelmeerwind, niemals Sentimentalität aufkommt, ist nicht zuletzt diesem Humor geschuldet.
Die ätherischen Drones, sanft nuschelnden Akkorde und geisterhaft seufzenden Soundschwaden, die Keyboarder Benedikt Filleböck seiner altersschwachen Farfisa bevorzugt in den ruhigeren Momenten und den Instrumentalnummern des Albums entlockt, bilden einen stimmungsvollen Kontrast zu den beiden anderen Säulen des Keshavara-Sounds: Christopher Martins leichtfüßig hüpfenden Bass-Dreiecken und Keshavs sonnendurchfluteten Gitarren-Ornamenten. Im Zusammenspiel mit Niklas Schneiders crispen Drumbeats entsteht ein Fundament, mit dem die kaleidoskopischen Texturen und Melodien vollständig verschmelzen.
Das Ergebnis ist das bisher homogenste Album des Quartetts. Mit "III" erweisen sich Keshavara als gewiefte Soundalchemisten und Weltenwanderer, als eine softe Macht, deren Stärke sich aus ihrer enormen Musikalität, ihrer Fabulierlust und ihrem surrealistischen Witz speist.

Auf seinem Sony Classical Debut-Album "Human Universe" zeigt der außergewöhnliche japanische Pianist und Komponist Hayato Sumino seine facettenreichen musikalischen Einflüsse in einer vielfältigen Auswahl an Stücken klassischer Komponisten wie Bach, Händel, Purcell, Chopin, Fauré und Debussy, ikonischer Filmmusik von Hans Zimmer und Ryūichi Sakamoto sowie seinen eigenen Kompositionen und Arrangements.Die Besonderheit an Hayato Suminos Klavierspiel ist sein einzigartiger, souverän-virtuoser Stil, bei dem er eine präzise klassische Technik mit dem feinen Gespür eines Arrangeurs und ausgeprägten Improvisationsfähigkeiten verbindet. So lässt er beständig Eindrücke aus Genres wie dem Jazz oder der Popmusik, in denen er ebenso aktiv ist, in seine fundierten klassischen Interpretationen einfließen."Für `Human Univers' habe ich mich von den antiken Vorstellungen des Universums und dem Zusammenhang zwischen Kunst und Wissenschaft inspirieren lassen. Die alten Griechen glaubten, dass Himmelskörper im Universum Töne aussenden und dass das gesamte Universum Harmonie und Musik erzeugt, die sogenannte 'Musik der Sphären'."Hayato Sumino ist ein außergewöhnliches Phänomen: Bereits als Teenager begeisterte der 1995 in Tokio geborene Pianist und Komponist unter dem Namen "Cateen" mit virtuosen Videos klassischer Klavierdarbietungen und emotionalen Klavierarrangements von Anime- und Games-Soundtracks ein Millionen Publikum bei YouTube. Bis heute hat über 200 Millionen Aufrufe erzielt und über 1,5 Millionen Follower bei YouTube und Instagram gewonnen. Wenngleich Hayato Sumino bereits seit seinem 2. Lebensjahr Klavier spielte und Unterricht erhielt, studierte er bis zu seinem ausgezeichneten Master-Abschluss im Jahr 2020 Informationswissenschaft und -technologie an der Universität Tokio. Noch vor Abschluss seines Studiums gewann er 2018 als Außenseiter völlig überraschend den Grand Prix bei einem der wichtigsten Klavierwettbewerbe Japan - dem PTNA-Wettbewerb. Der Gewinn war der Startpunkt seiner Karriere als professioneller Pianist. Im Anschluss nahm er für ein halbes Jahr Klavierunterricht bei Jean-Marc Luisada in Paris und avancierte seitdem auf einer Welle der Begeisterung zum Klavier-Superstar in Japan. So spielt er am 14. Juli 2024, seinem 29. Geburtstag, ein Klavierrecital vor 14.000 Menschen in der ausverkauften Tokioter Konzerthalle Nippon Budōkan.Internationale Aufmerksamkeit erregte er 2021 beim Internationalen Chopin-Wettbewerb, wo er mit seiner hervorstechenden Interpretationen das Halbfinale erreichte. Im April 2024 feierte Hayato Sumino sein spektakuläres Debüt in der Royal Albert Hall mit seiner Aufführung von Gershwins "Rhapsody in Blue", die sowohl online als auch im Konzertsaal für Aufsehen sorgte. Als Solist tritt er mit zahlreichen Orchestern auf der ganzen Welt auf, darunter die Hamburger Symphoniker, das NHK Symphony Orchestra, das Boston Pops Orchestra, das Chicago Symphony Orchestra, das Baltimore Symphony Orchestra, das Tokyo Philharmonic Orchestra, das Japan Philharmonic Orchestra und das Polish National Radio Symphony Orchestra. Sein Debüt in der Elbphilharmonie gibt Hayato Sumino im Januar 2025.

The Smile haben ihr neues Album "Cutouts" für den 04.10.2024 angekündigt. Mit "Foreign Spies" und "Zero Sum" sind zugleich zwei neue Tracks erschienen, wobei der Künstler Weirdcore zu letzterem auch ein Video kreiert hat. Bereits erschienen sind "Don"t Get Me Started" und "The Slip", zwei Stücke, die Anfang des Monats als limitierte 12"-Single kurzzeitig weltweit in Plattenläden auftauchten. Thom Yorke, Jonny Greenwood und Tom Skinner haben einige der Songs von "Cutouts" erstmals auf der März-Tour in UK gespielt. Insgesamt enthält das von Sam Petts-Davies produzierte Album, das auf "Wall of Eyes" aus dem Januar und das 2022er-Debüt "A Light For Attracting Attention" folgt, zehn neue Tracks. "Cutouts" wurde zur gleichen Phase wie "Wall Of Eyes" in Oxford und den Abbey Road Studios aufgenommen und enthält String-Arrangements vom London Contemporary Orchestra. Das Artwork von Stanley Donwood und Thom Yorke entstand während der Aufnahmen. "Cutouts" ist bereits das zweite Studioalbum der Band in weniger als einem Jahr. Sein Vorgänger erreichte Platz 4 der deutschen Albumcharts und die Nummer 3 in UK. Thom Yorke veröffentlichte im April außerdem den Score zu Daniele Luchettis Film "Confidenza" und kündigte eine Solotour für Neuseeland, Australien, Singapur und Japan an. Jonny Greenwood arbeitet aktuell am Score zu Paul Thomas Andersons kommenden Film "The Battle of Baktan Cross". Tom Skinner hat das Album "Voices of Bishara Live at mu" veröffentlicht und tourt mit seinen Soloarbeiten im Rahmen internationaler Jazz-Festivals.

Water ripples all around, and echoing sounds stretch out into a shady sub aquatic habitat. Its dark corners slowly burst into view as cresting noises reveal fresh caverns teeming with liquid life. This is Sueños acuáticos, the latest sonic exploration from Lamina, a musical project by French artist, Clarice Calvo-Pinsolle. Built from years of carefully gathered field recordings, the album constructs immersive, detailed soundscapes where watery environments, caves, and forests intertwine with digital manipulations.

Rooted in the myth of the ‘Lamina’, a creature from Basque folklore, the project blends this oral tradition with technology to build a geological myth. The Lamina’s world—a nocturnal ecosystem of water and stone—serves as the foundation for the album’s sound design. Lamina reshapes these natural recordings into something new: stretching, pitching, and layering them to build intricate sound environments that feel simultaneously organic and synthetic. “I transform these sounds much like I would sculpt in ceramics,” explains Calvo-Pinsolle, “by adding, removing material, and imagining landscapes.

Drawing from hydrofeminist and posthuman ideas, particularly those in Astrida Neimanis’ Bodies of Water, the album treats sound like water—shifting, flowing, connecting, and buoying life. Tracks flow into one another without clear boundaries, much like the natural currents they represent. The result is a continuous listening experience, inviting deep focus on texture above melody.

Lamina is exploring the potential of the field recording as a compositional tool. Natural sounds, like trickling water or wind through trees, are processed out of recognition—or cliché. A sense of weightless immersion takes hold as Lamins’a music unfolds, and listeners float freely and choose their own adventure in the Lamina’s home. Less a set of songs than its own evolving environment, Sueños acuáticos (‘Aquatic Dreams’ in English) is a meticulously constructed work in which we can freely float.

Das Geheimnis ist schon seit einer Weile gelüftet: Nach fast neun Jahren Pause sind die schwedischen Prog-Rock-Legenden Beardfish zurück. "Songs For Beating Hearts" ist die erste brandneue Musik von Beardfish seit neun Jahren, aber während sich die vielen magischen Momente entfalten, erscheint es, als wäre die Band nie weg gewesen. "Songs For Beating Hearts" ist ein leuchtendes Zeugnis für die Magie, die entsteht, wenn sich diese vier Musiker zusammentun - mit starken Anklängen an vergangenen Ruhm, aber auch mit einer ganz neuen, wehmütigen Stimmung. Von der verträumten Melancholie des Eröffnungsstücks "Ecotone" und der vertrackten Opulenz des fünfstimmigen "Out In The Open" über den prog-freundlichen Pastoralismus des bittersüßen 11-Minuten-Epos "Beating Hearts" bis hin zum ernüchternden Prog-Noir des abschließenden "Torrential Downpour" haben Beardfish nicht nur ihr bisher stärkstes Werk geschaffen, sondern auch ihr emotionalstes. "Songs For Beating Hearts" wird von Gedanken über Liebe, Verlust, Freundschaft und Endgültigkeit zusammengehalten und ist der Sound von vier Gleichgesinnten, die ihr Herz ausschütten. Ein triumphales Comeback, das niemand hat kommen sehen. "Songs For Beating Hearts" wird als limitiertes CD-Digipak (inkl. Bonustrack), Gatefold 140g LP und als digitales Album erhältlich sein.

Wer die turbulente Karriere von Blake Judd und seiner bahnbrechenden Band verfolgt hat, dürfte von harschem Gegenwind kaum überrascht sein. Davon unbeirrt legen NACHTMYSTIUM mit ihrem neunten Studioalbum "Blight Privilege" erneut ein Meisterwerk vor. "Blight Privilege" kann es sogar mit der großen Trilogie von Alben aufnehmen, die Kritiker und Anhänger der amerikanischen Black Metal (USBM) Vorreiter nach wie vor als den Höhepunkt der frühen Karriere betrachten: "Instinct: Decay" (2006), "Assassins: Black Meddle Pt. I" (2008), und "Addicts: Black Meddle Pt. II" (2010). Wie ein infernalischer Scharfschütze trifft jeder Song auf "Blight Privilege" voll ins Schwarze. Die ersehnten und unentbehrlichen finsteren Elemente sind vollzählig vorhanden: Kehlig-raue Gesänge, das aggressive Surren der Gitarren, die in einem eiskalten Feuer brennen, und jene Momente ebenso ekstatischer wie erhabener Schönheit in den ansonsten höllischen Klangwelten. Doch auch jene feinen, aber großartigen Details, die der musikalisch äußerst versierte Judd stets geschickt in seinen schwarzen Klanggewittern versteckt hat, wie etwa Elemente aus Post-Punk und Wave finden sich auf "Blight Privilege". Sogar eine Messerspitze Outlaw Country ist neu hinzugekommen. Auch wenn "Blight Privilege" an die glorreichen Zeiten von NACHTMYSTIUM anknüpft - ist es dennoch kein Schwelgen in Nostalgie, sondern eine zukunftsweisende Fortsetzung und die nächste musikalische Evolutionsstufe der Band. Dieses neunte Album des Amerikaners ist von einer Reife geprägt, die aus harten Erfahrungen und einem brutalen Lernprozess resultiert. Judds ebenso charakteristische wie diabolisch eingängige Melodien sind scharfkantiger als je zuvor und haben nichts von ihrem Biss verloren. Das mag auch damit zu tun haben, dass es das erste Album der USBM-Speerspitze ist, das von Judd in einem rauschfreien Zustand komponiert wurde. "Blight Privilege" ist eine Kampfansage, mit der NACHTMYSTIUM den USBM-Thron vehement einfordern. Dieses Album hat wieder die musikalische Kraft und lyrische Kühnheit, um diesem Anspruch gerecht zu werden. Liebt oder hasst das Album, aber NACHTMYSTIUM errichten mit "Blight Privilege" zweifellos einen massiven Meilenstein!

Wer die turbulente Karriere von Blake Judd und seiner bahnbrechenden Band verfolgt hat, dürfte von harschem Gegenwind kaum überrascht sein. Davon unbeirrt legen NACHTMYSTIUM mit ihrem neunten Studioalbum "Blight Privilege" erneut ein Meisterwerk vor. "Blight Privilege" kann es sogar mit der großen Trilogie von Alben aufnehmen, die Kritiker und Anhänger der amerikanischen Black Metal (USBM) Vorreiter nach wie vor als den Höhepunkt der frühen Karriere betrachten: "Instinct: Decay" (2006), "Assassins: Black Meddle Pt. I" (2008), und "Addicts: Black Meddle Pt. II" (2010). Wie ein infernalischer Scharfschütze trifft jeder Song auf "Blight Privilege" voll ins Schwarze. Die ersehnten und unentbehrlichen finsteren Elemente sind vollzählig vorhanden: Kehlig-raue Gesänge, das aggressive Surren der Gitarren, die in einem eiskalten Feuer brennen, und jene Momente ebenso ekstatischer wie erhabener Schönheit in den ansonsten höllischen Klangwelten. Doch auch jene feinen, aber großartigen Details, die der musikalisch äußerst versierte Judd stets geschickt in seinen schwarzen Klanggewittern versteckt hat, wie etwa Elemente aus Post-Punk und Wave finden sich auf "Blight Privilege". Sogar eine Messerspitze Outlaw Country ist neu hinzugekommen. Auch wenn "Blight Privilege" an die glorreichen Zeiten von NACHTMYSTIUM anknüpft - ist es dennoch kein Schwelgen in Nostalgie, sondern eine zukunftsweisende Fortsetzung und die nächste musikalische Evolutionsstufe der Band. Dieses neunte Album des Amerikaners ist von einer Reife geprägt, die aus harten Erfahrungen und einem brutalen Lernprozess resultiert. Judds ebenso charakteristische wie diabolisch eingängige Melodien sind scharfkantiger als je zuvor und haben nichts von ihrem Biss verloren. Das mag auch damit zu tun haben, dass es das erste Album der USBM-Speerspitze ist, das von Judd in einem rauschfreien Zustand komponiert wurde. "Blight Privilege" ist eine Kampfansage, mit der NACHTMYSTIUM den USBM-Thron vehement einfordern. Dieses Album hat wieder die musikalische Kraft und lyrische Kühnheit, um diesem Anspruch gerecht zu werden. Liebt oder hasst das Album, aber NACHTMYSTIUM errichten mit "Blight Privilege" zweifellos einen massiven Meilenstein!

Kenner von Richard Swift wissen, dass sein Katalog umfangreich und phantasievoll ist, vollgepackt mit ebenso vielen ausgefeilten, eiskalten Klassikern wie verrückten Ein-Take-Experimenten. Diese Kleinode kommen in allen Formen und Größen, und während das den Eingefleischten nichts ausmacht, ist der Einstieg in die Musik von Swift für den Neuling schwierig: Wo soll man anfangen? Was kommt in die engere Wahl? Wie viele Crooner? Wie viele wilde Lieder? Vor diesem Hintergrund präsentiert Secretly Canadian "4 Hits & A Miss - The Essential Richard Swift", einen bescheidenen Versuch, die siebenundvierzig Minuten und vierzehn Songs zusammenzutragen, die die Uneingeweihten einführen können. Wenn Sie Richard Swift nicht kennen, lassen Sie sich von dem unvergleichlichen Kevin Morby aufklären: "Es gibt einen alten Pfadfindermythos, von dem ich als Kind gehört habe, dass man eine Kapelle bauen kann, wenn man die richtige Person mitten in den Wald setzt, bewaffnet nur mit einem Schweizer Taschenmesser. Wenn ich an diesen Mythos zurückdenke, denke ich an Richard Swift, der, wenn man ihn mitten im Wald mit einem 10-Dollar-Radio-Shack-Mikrofon absetzte, irgendwie ein Studio bauen konnte und in diesem Studio eine Kapelle des Klangs errichtete. Tatsächlich hat er genau das in seinem eigenen National Freedom Studio mitten in den Wäldern von Oregon getan, in einer Stadt namens Cottage Grove, wo er unzählige Stunden seiner eigenen Musik und der anderer Leute aufgenommen hat. Diese Kapellen des Klangs werden - und ich habe es bereits erlebt - kommende Generationen in Ehrfurcht versetzen und inspirieren, so wie es die Steinkapellen im frühen Europa tun. Beide lassen die Menschen verblüfft zurück und fragen sich: Wie konnte etwas so Massives und Schönes mit so minimalen und archaischen Mitteln gebaut werden - und in Richards Fall so schnell? Nach ihrem Tod scheinen die meisten Künstler endgültig zu ruhen, ihre Kataloge ruhen für immer neben ihnen. Aber Richard scheint aus dem Jenseits rastlos zu sein, und die Arbeit, die er hier unten auf der Erde begonnen hat, geht weiter. Sein letztes Album, The Hex, wurde nur wenige Monate nach seinem frühen Tod im Jahr 2018 veröffentlicht, und jetzt haben wir mit 4 Hits and A Miss eine Sammlung seiner beliebtesten Songs sowie einen neuen, noch nie zuvor gehörten Track "Common Law", aufgenommen um 2012. Ob Gelegenheitsfan oder Swift-Purist, 4 Hits & A Miss ist entweder ein perfekter Startpunkt oder ein Ziel für uns eingefleischte Fans, um wieder einmal etwas Neues zu finden, das uns beeindruckt und inspiriert. Wie ein versteckter Raum in seiner bereits beeindruckenden Kapelle gibt es immer etwas Neues von unserem geliebten Freund und Helden, dem verstorbenen großen Richard Swift, zu entdecken." Viel Spaß!

We welcome Habgud back on Warg Records after his release on our various artists compilation.
The rumbling and driving low end combined with the rhythmic hats in each of the tracks brings out a lively energy. Dominics use of stylistic and funky vocals is
distinctive, adding a sense of ambience to such a powerful style of production.

Die schwedischen Power-Metal Schwergewichte BROTHERS OF METAL sind mit ihrem neuen Album „Fimbulvinter“ zurück.
Diese Naturgewalt von einem Album ist vollgepackt mit feurigen & facettenreichen neuen Hits. Auf den 13 brandneuen Songs verschmelzen epische Power-Metal Hymnen mit kernigen Gitarrenriffs, donnernden Schlagzeugsounds & fantastischen Stimmen, die bis nach Valhalla klingen.

4 Jahre sind seit der Veröffentlichung von „Emblas Saga“ vergangen und nun hat das Warten endlich ein Ende, denn ihr neustes Werk „Fimbulvinter“ wird am 01.11.2024 über AFM Records veröffentlicht und führt den steilen Aufstieg der BROTHERS OF METAL unaufhaltsam weiter.
Seit ihrem Debütalbum „Prophecy of Ragnarök“ haben sich BROTHERS OF METAL von einem Geheimtipp zu einer festen Größe entwickelt. Mit „Fimbulvinter“ soll diese einzigartige Power-Metal Saga nun weitergeschrieben werden und wird auf der Release Tour im Winter 2024 gebührend gefeiert.

Die schwedischen Power-Metal Schwergewichte BROTHERS OF METAL sind mit ihrem neuen Album „Fimbulvinter“ zurück.
Diese Naturgewalt von einem Album ist vollgepackt mit feurigen & facettenreichen neuen Hits. Auf den 13 brandneuen Songs verschmelzen epische Power-Metal Hymnen mit kernigen Gitarrenriffs, donnernden Schlagzeugsounds & fantastischen Stimmen, die bis nach Valhalla klingen.

4 Jahre sind seit der Veröffentlichung von „Emblas Saga“ vergangen und nun hat das Warten endlich ein Ende, denn ihr neustes Werk „Fimbulvinter“ wird am 01.11.2024 über AFM Records veröffentlicht und führt den steilen Aufstieg der BROTHERS OF METAL unaufhaltsam weiter.
Seit ihrem Debütalbum „Prophecy of Ragnarök“ haben sich BROTHERS OF METAL von einem Geheimtipp zu einer festen Größe entwickelt. Mit „Fimbulvinter“ soll diese einzigartige Power-Metal Saga nun weitergeschrieben werden und wird auf der Release Tour im Winter 2024 gebührend gefeiert.

US Heavy Music Act CANE HILL melden sich endlich mit ihrer neuen, lang ersehnten LP “a piece of n ihrer nunmehr 13-jährigen Karriere haben Cane Hill immer wieder gezeigt, wie musikalisch divers sie sein können. Von Metalcore, über Nu-Metal, Industrial Metal und Alt-Rock ist alles dabei und nun beschenkt das Alt-Metal Quartett um Frontmann Elijah Witt uns mit ihrem neuen Longplayer aus 11 neuen Tracks, darunter die neuesten Singles “The Midnight Sun” und “Fade”.

“Ich habe diesen Song geschrieben, als ich wahnsinnig verliebt in jemanden war. Mittlerweile sind wir uns Fremde, aber ich glaube, hätten wir uns nie getroffen, wäre dieser Song nicht das geworden, was er nun ist. Musik kann so schön ironisch sein”. — Elijah Barnett über “Fade”

Al Jarreau hat immer gesagt, dass er Al Jarreau-Musik singt, und er war wirklich einzigartig: Seine sechs Grammy-Awards und neunzehn Nominierungen als "Bester Sänger" decken nicht weniger als drei Kategorien ab – Jazz, Pop und R&B – mit anderen Worten, musikalische Genres interessierten ihn nicht wirklich. "Musik mag für andere Leute in Kategorien fallen, und ich verstehe das", sagte er, "aber für mich gilt: Wenn ich einen Song mag, muss ich ihn machen, und das war's. Wenn du zu meinen Konzerten kommst, setze ich mich auf deine Schulter und flüstere dir etwas ins Ohr. Ich öffne den Geist und gehe durch viele Türen." Diese Art von reichhaltigen, beschreibenden Bildern beschwört die Höhenflüge der stimmlichen Fantasie herauf, zu denen sein Gesang jederzeit fähig war. Er konnte einen Song plötzlich in neue und unerwartete Richtungen lenken. Er erklärte es immer so: "Wenn es ein Rückgrat für das gibt, was ich tue, dann ist es die Jazz-Umgangssprache."

Musik, Klänge und Rhythmus schienen ihn zu durchströmen, und das war kein Wunder. 1940 in eine musikalische Familie geboren, war er ein überdurchschnittlicher Student und schloss sein Studium mit einem Bachelor of Science in Psychologie und anschließend einem Master in beruflicher Rehabilitation ab. Und doch war die Musik nie weit von ihm entfernt. In den späten 1960er Jahren schloss er sich einem Trio an, das vom Pianisten George Duke geleitet wurde, und arbeitete daran, das Singen zu einer Vollzeitbeschäftigung in Los Angeles zu machen.

Zu diesem Zeitpunkt hörte ihn Siggi Loch, der damals ein hochkarätiger Manager bei Warner Brothers Records (WEA) war und später ACT Records gründete. "Ich sah Al Jarreau 1974 zum ersten Mal im Troubadour in Los Angeles und war sofort von seiner Stimme und seiner Bühnenpräsenz gefesselt", erinnert er sich. "Am nächsten Tag ging ich zu Mo Ostin, dem Präsidenten der WEA, um ihn davon zu überzeugen, ihn zu unterschreiben." Nach anfänglichen Widerständen erhielt Loch grünes Licht und 1975 erschien Jarreaus Debütalbum für WEA, "We Got By". "Ich habe Al nach Deutschland gebracht, bevor er in den USA Erfolg hatte", fährt Loch fort. "Al trat drei Nächte lang in Hamburg auf und ich schaffte es, Michael Naura, den Chef der Jazzabteilung des NDR, davon zu überzeugen, den dritten Abend für die Live-TV-Übertragung aufzunehmen." Diese Show machte Al über Nacht in Deutschland berühmt, und seitdem hat er immer einen besonderen Platz in den Herzen des deutschen Publikums. "We Got By" gewann den Preis der Deutschen Schallplattenkritik und seine erste Deutschlandtournee füllte große Konzertsäle.

Es folgte "Glow" (1976), das in Europa erneut gut ankam und einen zweiten Preis der Deutschen Schallplattenkritik gewann, in den USA aber nicht so gut ankam: "Das richtete sich an ein 'Smooth Jazz'-Publikum", so Loch. "Es hat Al nicht vor einem Live-Publikum eingefangen. Also bat ich darum, dass seine nächste Veröffentlichung ein Live-Album sein sollte. Mo Ostin stimmte widerwillig zu", und "Look to the Rainbow" wurde in Europa ein Riesenerfolg, "Als es in den USA veröffentlicht wurde, wurde es Al's Durchbruchsalbum und brachte ihm seinen ersten Grammy ein, also ist es wirklich richtig zu sagen, dass seine Karriere vor allem in Deutschland begann!", sagt Loch.

Jarreaus langjährige Zusammenarbeit mit dem NDR veranlasste Jörg Achim Keller, Chefdirigent der NDR Bigband, 2016 eine Zusammenarbeit mit dem Sänger vorzuschlagen: "Eine Produktion mit der Musik von Al und Ellington zu machen, war etwas, was ich schon seit Anfang der 2000er Jahre machen wollte", erinnert er sich. "Die Reaktion von Al war von Anfang an sehr positiv." Jörg bereitete eine Liste von einigen hundert Ellington-Titeln vor, und wie sich Jarreau später erinnerte: "Wir gingen einfach die Liste durch, und es war ein Fall von 'Oh, der funktioniert für mich' und 'Lass uns das als alten Darm-Blues machen – was für mich wichtig war, war, mich in der Musik wiederzufinden und vielleicht eine andere Art von Aussage über Ellington zu machen, damit die Leute die Musik auf eine andere Art und Weise hören konnten. alles, was sie vorher gehört hatten."

Beim Schreiben der Charts achtete Jörg darauf, Jarreaus Herangehensweise an das Material zu respektieren, indem er ihm Raum ließ. Tracks wie "I'm Beginning to See the Light" oder "I Got It Bad (and that Ain't Good)" geben den Solisten der Band ebenfalls Spielraum, um ihr Bestes zu geben. "Das sind hochentwickelte, intelligente Solisten, die mit jedem auf der Welt spielen können", sagte Jarreau. "Sie pushen mich, und ich liebe den Push, und sie lassen mich wie eine echte Sängerin klingen!"

Jarreau und die Band tourten in der zweiten Hälfte des Jahres 2016 mit der Musik, "Es gab immer noch einige Feinabstimmungen während der Tour, von Konzert zu Konzert", fügte Jörg mit einem Lächeln hinzu. "Er liebte es, diese Balladen zu singen – und jede hatte ein anderes Gefühl. "Am Sonntag" war ihm aber sehr wichtig. Diese Tabelle wurde zweimal überarbeitet, bevor er schließlich damit zufrieden war! Bei einigen Songs entschied er sich für einen reinen Balladenstil – 'I Got It Bad (and that Ain't Good)', einige Melodien wurden in eine Pop/R&B-Tasche gesteckt ('Lush Life', 'Come Sunday') und er liebte das 'Old Gutbucket Blues'-Feeling von 'I Ain't Got Nothing but the Blues'."

Rückblickend auf diese Sessions und Tour sagt Jörg: "Es waren Al's Stil und Persönlichkeit, die alles zusammenhielten. Das Ganze war eine echte Kombination aus der musikalischen Meisterschaft von Jarreau und Ellington – es hat das Publikum in ganz Europa angesprochen, sie liebten das Programm." Dieses Gefühl teilt auch Siggi Loch, der Jarreau mit der NDR Bigband in Paris erwischte: "Es war offensichtlich, dass er es wirklich genoss, diese Musik aufzuführen, und er tat es mit so viel Energie und Emotion, es war eine Freude zu sehen und zu hören. Leider verstarb Al nur wenige Monate später."

In vielerlei Hinsicht schließt sich mit "Ellington" ein Kreis: Es fühlt sich sehr richtig an, dass Jarreaus letztes Album auf ACT veröffentlicht wird, dem Label, das von Siggi Loch gegründet wurde, dessen starkes und unerschütterliches Eintreten für den Sänger ihn ursprünglich auf den Weg zum Superstar brachte. Und die Tatsache, dass es vom NDR und seiner hauseigenen Bigband aufgezeichnet wurde, ist eine passende Erinnerung daran, dass es sich um eben jenen Sender handelte, dessen TV-Sendung Jarreau einst über Nacht in Deutschland berühmt gemacht hatte. Darüber hinaus wurde "Ellington", genau wie "Look to the Rainbow", das Jarreaus internationales Durchbruchsalbum war, auch live aufgenommen. Manchmal gibt es Verbindungsfäden zwischen Ereignissen, die auf den ersten Blick in keinem Zusammenhang zu stehen scheinen, und das Ergebnis erweist sich nicht nur als besonders und magisch, sondern auch bedeutungsvoll und tief berührend. Das ist hier auf jeden Fall der Fall.



Stuart Nicholson, Musikjournalist und Autor

Die finnische Modern Metal-Band ARCTIS veröffentlicht ihr selbstbetiteltes Debütalbum Arctis über Napalm Records.
ARCTIS ziehen Inspiration aus der mythischen Natur des Nordens und ihren extremen Jahreszeiten, die sie in futuristisches Szenario übertragen. Einen
ebenso großen Spagat machen sie auf der Soundebene, wenn sie Modern Metal gekonnt mit Pop kombinieren und so ein episches und originelles
Klanguniversum erzeugen. Produziert wurde das Debüt von dem mehrfach mit Platin ausgezeichneten Jimmy Westerlund (Sturm und Drang), gemixt
von Stefan Glaumann (Rammstein) und gemastert von dem zweimal Grammy-nominierten Svante Forsbäck (Rammstein).
Mit dieser geballten Expertise als Rückenwind verspricht Arctis die Szene mit frischem Wind aufzuwirbeln, was sie unmittelbar im Anschluss an die
Veröffentlichung auf den Bühnen Europas beweisen werden. Denn ARCTIS haben die Ehre die legendären Metal Cellisten von Apocalyptica auf ihrer
Tour zu begleiten, was ihren Status als Senkrechtstarter unterstreicht.