Nachdem sie sich bereits einen beispiellosen Ruf als Singer/Songwriterin und Toursängerin mit The Pogues erarbeitet hat, veröffentlicht Iona Zajac aus Glasgow ihr Debütalbum ""Bang"". Zajacs Stärke liegt in ihrer Fähigkeit, Licht und Dunkelheit mit verblüffender Leichtigkeit auszubalancieren. Während einige Songs sich mit Gewalt und Intimität auseinandersetzen, stehen an anderer Stelle Surrealismus und Humor im Mittelpunkt. Diese klangliche Gewandtheit, zugleich gefühlvoll und verspielt, stellt Zajac neben Gleichgesinnte wie PJ Harvey und Angel Olsen - Künstlerinnen, die sich nicht scheuen, das Intime mit dem Explosiven zu verbinden. Ihre beeindruckende Stimme führte sie auf Touren mit Mercury Rev, Arab Strap, Lankum, Cassandra Jenkins sowie 2025 mit Alison Moyet. Letztes Jahr trat sie mit den Pogues bei deren bahnbrechender Reunion in Dublin auf. ""Bang"" wurde in Edinburgh mit Produzent Dani Bennett-Spragg (black midi, English Teacher, IDLES, Sam Fender, Wunderhorse) aufgenommen und verbindet intime akustische Momente mit der Dynamik der gesamten Liveband.
Silva Screen Records präsentiert „Music from The Crown“, ein mitreißendes neues Album, dass die Emmy-prämierte Netflix-Serie mit frischen orchestralen Interpretationen ihrer einprägsamsten Melodien feiert. Aufgenommen vom renommierten Ensemble London Music Works und mit ausdrucksstarken Cello-Soli von Nick Squires, umfasst die Sammlung die Hauptthemen und wichtigsten musikalischen Momente aller sechs Staffeln und zeichnet die Reise der Krone von der jungen Elizabeth II. bis zum Ende ihrer Regierungszeit nach.
Diese neuen, für ein volles Orchester arrangierten und mit modernem cineastischem Glanz versehenen Versionen würdigen den musikalischen Ton von „The Crown“ und verleihen den prägnanten Themen von Hans Zimmer, Rupert Gregson-Williams und Lorne Balfe die Unmittelbarkeit eines Konzertsaals. Hans Zimmer ging das Projekt mit dem Gewicht eines Spielfilms an und erkannte die weitreichende Vision des Schöpfers Peter Morgan. Rupert Gregson-Williams erinnert sich an lange Gespräche, in denen der majestätische und doch zurückhaltende Ton des ersten Themas festgelegt wurde, während Lorne Balfe betont, wie die Filmmusik mit Königin Elizabeths Entwicklung von der Unschuldigen zur Monarchin mit gereift ist. Als Martin Phipps in Staffel 3 das Ruder übernahm, schuf er ein Gleichgewicht aus Respekt vor dem Bestehenden und einer frischen musikalischen Identität, die die neue Ära der Serie widerspiegelte.
Inspired by Lou Reed’s groundbreaking 1975 noise opus Metal Machine Music, this collection assembles a formidable lineup of sonic provocateurs—Aaron Dilloway, Drew McDowall, Thurston Moore, Pharmakon, The Rita, and Mark Solotroff—to explore the outer edges of distortion, feedback, and raw electronic texture. Each artist channels the spirit of Reed’s original manifesto of anti-music, pushing their own boundaries through modular synthesis, tape manipulation, harsh noise, and industrial decay. The result is a visceral, immersive experience that celebrates chaos, confronts structure, and redefines what music can be.
FONTINE’s debut full-length Good Buddy arrives October 7, 2025, marking a gritty, heartfelt turn from her folk-leaning EP. Recorded live to tape with her road-tested band, the album captures the loose, unfiltered energy of her live shows, pairing raw instrumentation with FONTINE’s powerhouse vocals and emotionally rich songwriting. It’s a rock record with a sensitive core — scrappy, cathartic, and full of heart. The title track, “Good Buddy,” uses CB radio slang for queer love as a playful, anthemic entry point into a record about identity, connection, and vulnerability. FONTINE, who identifies as Indigenous and queer, brings humour, honesty, and a deep sense of place to her writing. From personal struggle to activist fire, her lyrics are grounded and bold, wrapped in a sound that blurs the lines between alt-rock, Americana, and indie folk. With over a million streams, national CBC radio support, and a growing live presence across Canada, FONTINE is emerging as one of the most vital new voices in Canadian roots music. Her breakout charisma, fearless storytelling, and genre-fluid style make Good Buddy a debut worth turning up loud.
Drawing from her constant searching for her own unique sound she filters her love of rhythm and groove through her Nordic sensibility to create an accessible, compelling blend of excitement and introspection. Growing up on the island of Saaremaa in her native Estonia, Britta Virves was a keen piano student playing a strictly classical repertoire. A chance encounter introduced her to jazz: "I wanted to learn guitar. So I went to my teacher Tit Paulus, and he told me to stay with piano, and introduced me to Keith Jarrett, Herbie Hancock, Bill Evans - my mind was blown - a new world opened up." Britta immersed herself in the music and her talent soon attracted attention.
Moving to Sweden to further her studies, she was soon touring Europe with the acclaimed Norrbotten Big Band, under the direction of Joakim Milder, working closely with featured guest vocalist Genevieve Artadi and accompanying Artadi on a duo tour opening for Louis Cole. Each tune on the album draws inspiration from an aspect of Britta's own life. "Simple Things" has the directness of a pop song married to the depth of jazz, as Genevieve Artadi's ethereal vocals float over an insistent backbeat that supports limpid depths of harmony.Other tracks include "Bravery", whoch showcases the subtlety and dynamic control of the rhythm team and is one of Britta's favorite tracks on the album - "I feel it's like a big waterfall that's rushing down and making its path just by flowing naturally." By contrast, "Chances" plays with a neatly delivered set of accents that tie the roots effortlessly
The duality of "man" is a subject that has been explored in art for centuries, from writings of the Bible to Descartes, all the way up to filmmakers like Lynch, Cronenberg, & Carpenter. Who is your "true self" & what do they want? With their sixth studio album "Wish Defense" (again for longtime home Trouble In Mind Records), Chicago trio FACS take a good, long look in the mirror to face themselves. The return of original member Jonathan Van Herik - who stepped away from the group just before their debut album "Negative Houses" was released in 2018 - replacing longtime bassist Alianna Kalaba brings renewed vigor & a marked angularity from the band's more recent output. The songs still hit hard, but the approach is sideways - the roles have changed since Van Herik's original tenure & his previous time with Case & powerhouse drummer Noah Leger in Disappears; now on bass, Van Herik was originally the group's guitar player and features on the debut, while current guitarist Brian Case played bass. This role reversal has helped the band's dynamic, offering up a different musical perspective than before, now revisiting the trio's long-going collaboration with some distance and time. Case notes that the lyrics on "Wish Defense" revolve around doppelgängers or "doubles", tackling the idea of facing yourself and observing your ideas and motivations. Look no further than the album's title track; "Enter the mirror / Double walker / An intimate / Wish defense / Is it real? / You beside me / The detail / Terrifying / Abject self / Your grief / A public / Performance". Case lays out the entire album's theme in one stanza; Are your actions & emotions your true self? Or are they a performative aspect of that "other" person you put forward? Case says that ultimately the sentiment is "_don't let the bastards get you down, there's something beyond this moment, like hope - but not in the naive belief that ultimately people are good". "Wish Defense"s artwork is also a subtle reference to "Negative Houses"' art, returning to that album's black & white starkness & minimalism. The album's checkerboards everywhere are offset reflections of themselves, mirrored with the album's lyrics printed front & center on the cover. Everything is out in the open. A final note; "Wish Defense" is the last album engineered by Steve Albini. Two days were recorded at Electrical Audio in early May of 2024 before Steve's untimely passing, with renowned engineer & friend Sanford Parker stepping in to finish the session 24 hours later, tracking the last bits of vocals and overdubs. Longtime collaborator John Congleton mixed the album as Albini would have; in Electrical Audio's A room, off the tape, using Albini's notes about the session.
"es ist nie zu spät für frühstück" ist das erste Album der Hamburger Musikerin jule. Ein Satz, der so beiläufig klingt, dass man fast übersieht, wie viel darin steckt. Zwischen Müdigkeit und Hoffnung, Alltag und Überforderung erzählt jule von dem Moment, in dem man weitermacht, obwohl längst Mittag ist. Von dem Drang, trotzdem aufzustehen, auch wenn nichts so läuft, wie man es geplant hatte. Nach mehreren Singles und der Debüt EP "Im Regio weinen" (Sommer 2024), deren Songs zwischen Unsicherheit und Wut pendeln, öffnet die Mittzwanzigerin jule jetzt ein neues Kapitel: Zum ersten Mal auch mit Band. Was früher allein mit Gitarre begann, ist gewachsen. Der Sound ist größer geworden, bleibt aber nahbar: Ehrlich, manchmal zärtlich, manchmal laut. Die elf Songs bewegen sich zwischen Melancholie und Aufbruch, zwischen Gitarre und Klavier. Sie handeln von Beziehungen die kippen, von Überforderung und dem Versuch, sich selbst auszuhalten. Von der Frage was bleibt, wenn Sicherheit fehlt. Produziert und aufgenommen wurde das Album von Alexander Kallenberg im Poolhaus Tonstudio/Hamburg, gemastert wurde es von Raphael Rasmus (u.a. Captain Planet, Matula, Deutsche Laichen) im Studio Gisela/Mühlheim am Main. Die Band bringt eine neue Tiefe und Energie in die Songs, ohne den Raum zu nehmen, die jules Texte brauchen."es ist nie zu spät für frühstück" erscheint bei Zeitstrafe und markiert für jule mehr als nur ein Langspiel-Debüt: Es ist eine Bestandsaufnahme zwischen Erschöpfung und Anfang. Kein Optimismus-Album, eher eins für die Möglichkeit, um überhaupt wieder aufzustehen.
Die ungarischen Groove-Metal-Ikonen EKTOMORF kehren mit HERETIC zurück! Ihr bisher persönlichstes, intensivstes und emotional erschütterndstes Album. Nach dem gefeierten VIVID BLACK und ihrer bisher größten Headliner-Tournee liefert Frontmann Zoltán „Zoli“ Farkas einen klanglichen Exorzismus, geprägt von einer persönlichen Tragödie: dem Verlust seiner Mutter und seines geliebten Hundes Wuffa. Produziert von seinem langjährigen Weggefährten Tue Madsen, ist HERETIC eine niederschmetternde Reminiszenz an die Outcast/Destroy-Ära der Band – nur düsterer, wütender und noch unerbittlicher!
"Heretic" steht nicht nur für einen musikalischen Wendepunkt. Es markiert auch die Rückkehr von Ektomorf zu Bleeding Nose Records. Nach vielen Jahren des Experimentierens, des Ausprobierens und Entwickelns ist die Band nun wieder da, wo sie hingehört.Ektomorf haben mit Heretic nicht nur ein weiteres Album geschaffen, sondern sich selbst neu erschaffen. Der Sound kehrt zurück zu den besten Zeiten von Outcast und Destroy, mit brachialen Drop-B- und Drop-A-Tunings, brutalen Riffs und dem unverwechselbaren, wuchtigen Groove.Doch gleichzeitig geht das Album noch einen Schritt weiter. Es ist wütender. Es ist dunkler. Es ist kompromissloser. Die Gitarrenwände sind massiver als je zuvor, verstärkt durch den gleichen Mesa Boogie Dual Rectifier, den Zolischon auf Outcast verwendet hat, nur diesmal mit einer modernen, brutaleren Klangdimension, die alles bisherige in den Schatten stellt. Doch es ist nicht nur der Sound, der Heretic so außergewöhnlich macht. Jeder Song auf dem Album erzählt eine Geschichte von Schmerz, Verlust und der Wut auf eine Welt, die alles zerstört, was einem wichtig ist.
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In den 90ern hatte Jad Fair fünf Lieblingsbands und Songwriter: Daniel Johnston, The Pastels, Sonic Youth, Teenage Fanclub und Yo La Tengo. Das ist echt eine coole Liste, aber das Besondere daran ist, dass Fair im Laufe von etwa zwölf Jahren mit allen in irgendeiner Form Musik gemacht hat. Jad Fair ist seit einem halben Jahrhundert produktiv, lange bevor das Internet ein simultanes und scheinbar ewiges Archiv von allem schaffen konnte, was jemand mit seinen Vorlieben gemacht hat. Er war an mindestens mehreren hundert Titeln beteiligt, von denen viele bei kleinen Labels erschienen, die es heute nicht mehr gibt, und die vergriffen sind. Tatsächlich ist eine dieser Kollaborationen, die Fair in den 90er Jahren gemacht hat - Strange But True mit Yo La Tengo - schwer zu finden, obwohl sie am 20. Oktober 1998 in den USA bei Matador Records erschienen ist. Jetzt wird das Album zum ersten Mal von Joyful Noise und Bar/None auf Vinyl neu aufgelegt. Als Fair Mitte der 90er Jahre mit Yo La Tengo auf einer Party spielte, waren sie alle Freunde, Fans und Kollaborateure, die gemeinsam an Platten gearbeitet oder diese veröffentlicht hatten. Als Fair vorschlug, gemeinsam ins Studio zu gehen, war das Trio sofort dabei. Das Ergebnis, ,Strange But True", ist so wunderbar, abwechslungsreich und wild wie eine riesige Wiese mit einheimischen Gräsern. Dieses Kollaborationsalbum zeigt die unglaubliche Bandbreite der Künstler und versetzt uns zurück in eine Zeit, in der Indie-Rock noch so seltsam und widerspenstig sein durfte, wie seine Schöpfer es wollten.
Sermon On The Rocks is Josh Ritter's eight studio album, released in 2015. Singles from the album include "Getting Ready To Get Down" and "Homecoming." According to Ritter, the album is "messianic oracular honky-tonk." Produced by Trina Shoemaker and Josh, the 12-song album was recorded over two weeks at New Orleans’ The Parlor Recording Studio and features Matt Barrick from The Walkmen on drums, Zachariah Hickman on bass, Josh Kaufman on guitars, and Sam Kassirer on keyboards. Josh Ritter is the definition of an experienced songwriter. After graduating from Oberlin College in 1999 Ritter devoted his life to a songwriting career, releasing albums independently and garnering word-of-mouth popularity. He eventually caught the attention of Irish- songwriter Glen Hansard (writer of the song 'Falling Slowly' from the movie Once) and was invited to be the tour opener for his band The Frames. This then resulted in Josh gaining international success, with his third record 'Hello Starling', becoming a charting hit in Ireland. His songs have been featured on the TV show Parenthood, and in movies like The Other Woman and Typeface. Josh Ritter has so far released 7 studio albums, is an author, husband, father, and is considered one of the best living songwriters by Paste Magazine.
Die Musik von Vulture Feather scheint extra dafür gemacht zu sein, die heimtückische Angst zu durchbrechen, die unsere Wahrnehmung in der heutigen Zeit beeinflusst. Es ist Musik voller Dringlichkeit, aber auch voller tiefem Mitgefühl. Vulture Feather ist zweifellos eine Punkband, aber es ist auch klar, dass sie spirituelle Praktiker der Musik sind. Wenn man Vulture Feather spielen sieht oder hört, hat man das überwältigende Gefühl, dass sie diese Musik nicht nur machen, weil sie es wollen, sondern weil sie es müssen. ,Craving and Aversion", vier Songs, die im Anschluss an ihr gefeiertes zweites Album ,It Will Be Like Now" aufgenommen wurden, zeigen die Band, wie sie sich noch intensiver mit ihrer einzigartigen Praxis des emotional kraftvollen, vom Post-Hardcore beeinflussten Art-Rock beschäftigt. Während frühere Werke hier zwar nicht zum Thema gehören, kennen Fans McCann und Gossman aus ihrer Zeit bei den prähistorischen Don Martin Three (deren Katalog kürzlich von Numero Group neu aufgelegt wurde) und später bei Wilderness (Jagjaguwar). Zweifellos ist das der Sound von Leuten, die seit über 25 Jahren zusammen Musik machen. Die Gitarre und der Gesang glänzen ebenso wie sie heulen und funktionieren als Duett, das ,The Only Story Ever Told" über einer prägnanten und donnernden Rhythmusgruppe präsentiert. Es ist der Sound, der überall und jederzeit zu hören ist, durch dichte Wolkendecken, von Canyonwänden widerhallend, durch unruhige Gewässer und schließlich zu deinen Geräten, deinen Ohren, deinem Herzen, wenn du dich entscheidest, ihn zu hören.
Final LP of a productive year for Feral Child is an absolute cracker. The latest of a long line of superb full lengths from Stephen James Buckley's incendiary Polypores project. This one is arguably his most adventurous outing to date, the undeniably psychedelic “Hungry Vortex”. Four extended pieces exploring polyrhythmic fixations and cosmic jazz-prog freak-outs. Percussion-heavy opener ‘The Body Is The Spaceship’ is a fine example of the sort of seamless organic growth we tend to see in Polypores’ music, with slewed synth blips and rolling polyrhythms gradually twisting into unrecognisable strands of melody and unconventional groove before your very ears.
The prog-heavy ‘Wizards!’ sees Buckley’s trademarked playful use of time-signature changes, providing such a wealth of emotional and stylistic variance and immeasurable enjoyment without changing key once (honestly, who needs keys). It’s brilliantly evocative too and could indeed perfectly soundtrack a mushroom-trip wizard march. As we flip the record over, the flutey flourishes and minimalist clicks of the title track draw the listener into a trancelike state, repeated movements spiralling like myriad creatures crawling over a candy-coloured horizon, echoing forth into an inviting sonic oblivion. It’s ostensibly electronic, yet somehow more natural organism than machine, with little concern for the grid, or indeed, the rules. Finally, we end on something a little more subdued - the reassuring classicism of the beautiful ‘Void High’, with washes of warm noise and wobbly delay lines whirring and twinkling away, closing the record with an experience that is undeniably emotional, spiritual and as always, uniquely Polypores. This is a wonderful record with which to close the year out, it comes in a magnificent, spot varnished Jake Blanchard sleeve. A superb record released as a one time only vinyl pressing.
“From Birmingham and centred around the extraordinary songwriting talent of James and Patrick Roberts – initially as The Sea Urchins and since 1993 as Delta – they’ve only just got round to releasing their debut album, Slippin’ Out. It is a work of some beauty”. 9/10 NME ALBUM OF THE MONTH, 2000
“It’s classicist for sure, shot through with the influence of The Beatles, Byrds and Buffalo Springfield. In James’ downright beautiful closing ballad ‘I Want You’ one can also discern the school of ambitious English balladry that peaked in about 1968: The Casuals, Love Affair, Barry Ryan. The impression of accomplished old-schoolery is only furthered by the dizzying string arrangements penned by Louis Clark Jnr, son and namesake of the one-time orchestral chief of Electric Light Orchestra” – Mojo lead review, 2000
Having ended the 90s with the spirited ‘Laughing Mostly’ compilation of singles and demos (Guardian Album Of The Week) Delta finally released their debut studio album of twelve songs in the summer of 2000 on the Dishy Recordings label. Accepting that this might be their sole studio album the band threw everything at these recordings allowing it to exist in its own sphere, unbothered by their contemporary generation and disregarding the idea of even releasing a single.
Recorded at DEP International there was a notable difference to the scruffier, looser charm of their 1990s recordings, a tighter focus developed by having the experienced Lenny Franchi mixing the LP with them. Lenny had been working with a number of Island artists including My Bloody Valentine and Tricky so knew his way around a desk. There was also the question of budget (a few months passed between recording and mixing whilst funds were raised) so every day counted. Ultimately though you can hear the joy in the recordings, even amongst the melancholy and angst. As James recently recalled in an interview in Shindig! Magazine: “It was such a big deal for us. It’s one of my fondest memories doing that record. Everyone was happy. If there’s anything that I’d stand by, I think it would be that”
Louis Clark Jr joined the band towards the end of the ‘90s and brought a classically-trained element to the recordings particularly with his string arrangements. For ‘Cuckoo’, ‘I Want You’ and the prophetic ‘We Come Back’ Louis brought in eight players from the Birmingham Conservatoire; the baroque style is partly why the record often receives comparisons to Love’s ‘Forever Changes’.
On release ‘Slippin’ Out’ was a big favourite with writers at the NME, Mojo and The Guardian again and before long the band were signed to Mercury/Universal for their second studio album ‘Hard Light’, a far more expensive and expansive love affair. It was a temporary palatial home where things quietly fell apart again, but that’s another chapter.
“If long-term memory is nothing more than selective editing and only pop’s most weighty visceral works are built to last then it’s quite possible that in 50 years the Britpop era will be best recollected for the two bands it ostracised. Earlier this year we met Shack and thought their story of mercurial brilliance indicated the biggest music biz oversight of the 90s. We were wrong because we hadn’t met Delta yet. This is richer and more engrossing than anything by Shack”
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After fifteen years in the making, and his first major body of work since his split with Calyx, TeeBee's debut album on Flexout is a testament to his enduring talent and dedication. This long - awaited release is a significant turning point, elevating his signature sound to new heights and solidifying his place as a pioneer in the drum & bass scene.
The album is a true love letter to the genre, meticulously crafted and rich with the experience of a seasoned veteran. It showcases a refined and evolved sound that is both a nostalgic nod to his roots and a bold step into the future. Each track is a masterclass in production, demonstrating TeeBee's unparalleled ability to weave intricate soundscapes and powerful rhythms. This isn't just an album; it's a monumental comeback, a triumphant return to form that will undoubtedly resonate with fans old and new.
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,Kurayami", die neueste Single von Mei Semones, hat ein paar der mathematischsten Riffs und einen der bombastischsten musikalischen Höhepunkte ihrer bisherigen Karriere. Ein aufregender Track, der ein für Mei erfolgreiches Jahr abrundet. Mei über die neuen Songs: ",Kurayami" heißt auf Japanisch ,Dunkelheit" und handelt davon, wie es war, in Michigan aufzuwachsen und mit meinen Freunden abzuhängen. Kind sein war echt cool. Ich hatte echt viel Spaß und war glücklich, aber ich erinnere mich, dass es einen Punkt gab, an dem wir unsere Unschuld verloren haben, und ich denke, in diesem Song geht es um dieses Gefühl. Es ist einer der technisch anspruchsvolleren Songs, die ich geschrieben habe, und ich musste ziemlich viel üben, bis ich ihn singen und gleichzeitig spielen konnte. Es gibt viele coole Tempowechsel, ungerade Taktarten, Arpeggios mit großen Intervallen und schnelle Licks, und ich finde, dass auch das Bandarrangement echt kreativ ist. ,Get used to it" handelt von der Schönheit der Einsamkeit und des Alleinseins, davon, wie man etwas hinter sich lässt, das in deinem Leben wichtig war, aber dennoch Platz dafür lässt, und von meiner Liebe zur Gitarre und zur Musik. Es ist der zweite Song, den ich auf meiner Nylonsaitengitarre geschrieben habe, und die Wechsel und die Melodie sind etwas von Thelonious Monk inspiriert. Die Instrumentierung ist minimalistischer als bei unseren anderen Songs - nur ich (Gitarre & Gesang), Kontrabass und Schlagzeug. Wir wollten einen Live-Jazz-Trio-Sound hinbekommen, also gibt's keine Überlagerungen oder so. Es ist einfach eine direkte Aufnahme von uns dreien, wie wir den Song spielen, und ich finde, das war der beste Weg, um das Gefühl hinter dem Song einzufangen."
The FOX GOD has decreed a new prophecy: for the very first time in BABYMETAL history, the band’s four iconic albums—BABYMETAL, METAL RESISTANCE, METAL GALAXY, and THE OTHER ONE—will be unleashed as limited edition splatter vinyl.
From the explosive birth of kawaii metal to the cosmic journey across galaxies and the restoration of THE OTHER ONE, these four albums have carved the path of the Metalverse. Each one is a chapter in BABYMETAL’s legend—now reborn in a form unlike anything ever released before.
Splatter vinyl is new territory for BABYMETAL. Each pressing radiates with bursts of chaotic color, echoing the energy and intensity of the music itself. They are not just vinyl records, but sacred artifacts—collector’s editions destined for the chosen disciples of the FOX GOD. Once these limited runs vanish, their true form will never return.
This is more than a release; it is a celebration of the entire BABYMETAL saga. From the self-titled album that started the global revolution, to the second chapter declaring our Resistance, to the interdimensional odyssey of METAL GALAXY, and the rebirth told through THE OTHER ONE—every disc is infused with Kitsune Power.
The FOX GOD commands: seize this moment, honor the prophecy, and claim your relic before it disappears into legend.
Prepare your turntables. Summon your spirit. The Splatter Vinyl Apocalypse has begun.
The Tedeschi Trucks Band is an 11-piece ensemble made up of guitarist-vocalist Susan Tedeschi's and guitarist Derek Trucks' band,
known for their unique mix of rock, blues, gospel, soul, and Americana. Their 2011 debut album won them the 2012 Grammy Award
for Best Blues Album and since then have released four more studio albums and three live albums, of which this is their first.
The songs on this album are compiled from recordings made on three tour dates in October 2011 and feature tunes from their debut
album rearranged, expanded, and extended in true jam band fashion. But, they never seem to resort to clichés; guitar prodigy
Derek Trucks introduces the bands’ hit “Midnight in Harlem” by an Indian raga played as a slide guitar solo, just to give an example.
Stevie Wonder’s “Uptight” furthermore showcases their love for soul and jazz. In short, as one reviewer put it succinctly:
“Everybody's Talkin' is what every live album should be: an accurate, exciting reflection of a hot band playing full-throttle.”
Everybody’s Talkin’ is available as a limited edition of 1500 individually numbered copies on red coloured vinyl.
Originally released in limited quantities as a 7-inch record (commonly known as a "donut record") in collaboration with the popular fresh donut specialty store
"I'm donut club" the product immediately sold out and is now being released to coincide with the second installment of Record Day.
The song, "Judgement?", is a feel-good tune with a lovers rock-infused reggae feel. Releasing it in the 7-inch format, which is deeply rooted in reggae culture,
is filled with respect for the genre and culture.
The debut album by the 8-bit music unit YMCK, which caused a sensation when it was released in 2004, is now available on vinyl! This classic album, which laid the foundation for 8-bit music/chiptune, is a collection of pop music that combines retro game sounds with cute whispery vocals and stylish melodies!
SKYLAX RECORDS presents a monumental new release by two of France’s most revered electronic music icons: ARNAUD REBOTINI & ACID WASHED. This record marks the first chapter of a secretive 4-part project — each release forming a piece of a bigger picture — a bold and mysterious tribute to the roots and future of rave culture. Following in the footsteps of Rebotini’s landmark album "Musical Component", this new project feels like a natural evolution — deepening his vision while expanding it into new sonic territories. Without giving too much away, this is SKYLAX BLACK 2 (after the LAXBLACK 1 "Winter Sequences EP" which marked the collaboration between Rebotini & Skylax) and features a set of four stunning tracks. On the A-side, Redshifts to Blueshifts opens the EP with an epic and soulful Detroit-style journey, evoking the finest moments of Underground Resistance — militant yet emotional, full of futuristic melancholy. 99 Shakes follows with a more direct club-driven assault, propelled by massive synth riffs and machine-gun rhythms, pushing the boundaries of dancefloor energy. Flip to the B-side and discover Futur Race, a pure electro odyssey à la Juan Atkins and early Metroplex (think 1985 sci-fi transmissions), sharp, robotic, and ultra-funky. Closing the EP is Gen Mix, a powerful and cinematic slice of what can only be called Wagnerian techno — intense, dramatic, orchestral in scope, and unmistakably Rebotini. This release is a statement — timeless and forward-thinking. This release is the first in a series — a mysterious and powerful journey through sound, vision, and legacy. What’s next? You’ll find out… one piece at a time.
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Vocals are the starting point of all music and the source of connection with listeners.
This exquisite female vocal compilation features a lineup exclusive to Terashima Records, from hidden gems to promising young vocalists.
"Jazz is about enjoying the music, not the improvisation," and "buying for the beautiful album cover is recommended," Terashima has long advocated.
Enjoy a moment of enchantment with his unique vocal style. Yasukuni Terashima has carefully selected great voices, great sounds, and great songs, providing a l
uxurious listening experience. Enjoy this vocal compilation while driving, relaxing, or enjoying a drink. It's also recommended as a way to learn about the current
state of contemporary jazz vocals. The "For Jazz Vocal Fans Only" series, featuring carefully selected female vocalists from a lineup exclusive to Terashima Records,
from hidden gems to promising young singers, has received such positive feedback that the eighth installment is now available on limited-edition vinyl!
It also includes tracks by MOON, who recently made waves with Tsuyoshi Yamamoto, as well as Katie George and Diana Panton, who are popular in Japan.
Begging Dog ist das Indie-Punk-Projekt des in Los Angeles ansässigen Künstlers Jeff Kleinman. Als Ventil für seine Arbeit außerhalb der Band Choir Boy widmet sich Kleinman bei Begging Dog einem rohen, hausgemachten Sound mit Anklängen an Garage Punk und einer einfachen Sprache in den Texten. DEMO 1 ist 26 Minuten lang und voller rollender Bass- und Synthesizer-Linien, charismatischer Riffs und motorischer Drum-Beats. Textlich zeichnen die Songs eine Reihe von Beobachtungen, Szenen und Charakteren aus dem Leben: einen aufdringlichen Gewerkschaftsvertreter, einen Postboten mit einem festen Job bei der Bundesbehörde, einen zwanghaften Spieler und einen geliebten Obdachlosen aus der Nachbarschaft. Ehemalige Liebschaften werden zu einer Collage zusammengefügt, die mehrere Tracks begleitet, aus dem Zusammenhang gerissen, mit unverblümten, scharfsinnigen freien Versen. Kleinman nennt Bruce Springsteen als Inspiration dafür, wie seine Songs mit schlichter Tinte geschrieben sind, wobei er direkte Einfachheit gegenüber blumiger Prosa bevorzugt. Er greift eine gemeinsame Einsamkeit auf, die sowohl universell als auch vielleicht besonders einzigartig für das Leben in Los Angeles ist, mit schnörkellosen Nuancen und Verletzlichkeit. Im Titelsong singt Kleinman: ,Niemand liebt einen bettelnden Hund", eine Zeile, die er von einem Freund übernommen hat und die die Sichtweise des Projekts verkörpert: Die Welt kann einem das Gefühl geben, ein bettelnder Hund auf der Suche nach einem Zuhause zu sein. Auf dem Titelsong singt Kleinman ,no one loves a begging dog" (niemand liebt einen bettelnden Hund) in einer Zeile ,die er von einem Freund übernommen hat und die die Sichtweise des Projekts verkörpert: Die Welt kann einem das Gefühl geben, ein bettelnder Hund auf der Suche nach Zuneigung und Sicherheit zu sein, aber es liegt auch Schönheit in der Einsamkeit und der summenden Monotonie des Ganzen. Der synthlastige Titel ,Laughing Boy" reflektiert über den Sinn des Lebens, kritisiert hohe Mieten und erwähnt gleichzeitig den Duft von Jasminbäumen sowie die störende Präsenz der Polizei. In ,Common Place", umgeben von drängenden Drum-Machine-Kicks und Verzerrungen, singt er davon, wie er sich in einem 7-Eleven-Laden in der Innenstadt wirklich lebendig fühlt, um dann zwischen einer Tragödie, die er in einem Park miterlebt hat, und schönen Erinnerungen an das Leben in einer Wohngemeinschaft in Salt Lake City hin und her zu springen, bevor er sein neues Mantra verkündet: ,Es ist vorbei." Die Kontraste hier sind es, die diese Songs menschlich machen. Kleinman nahm DEMO 1 schnell und mit wenig mehr als sich selbst auf. Live übersetzt sich das dynamische Material von Begging Dog in eine siebenköpfige Band. Kleinman nahm DEMO 1 schnell und fast alleine auf. Live wird das dynamische Material von Begging Dog von einer siebenköpfigen Band umgesetzt. ,Egal, wie gut oder schlecht es einem geht, man sucht irgendwie nach etwas mehr", sagt Kleinman, ohne zu versuchen, eine größere Bedeutung in seiner Arbeit zu finden. ,Wenn ich über diese Dinge schreibe, versuche ich nicht, sie wichtiger zu machen, als sie sind." DEMO 1 profitiert von dieser geradlinigen, alltäglichen Bescheidenheit, die Offenheit mit Entschlossenheit und eingängigen Melodien verbindet.
Begging Dog ist das Indie-Punk-Projekt des in Los Angeles ansässigen Künstlers Jeff Kleinman. Als Ventil für seine Arbeit außerhalb der Band Choir Boy widmet sich Kleinman bei Begging Dog einem rohen, hausgemachten Sound mit Anklängen an Garage Punk und einer einfachen Sprache in den Texten. DEMO 1 ist 26 Minuten lang und voller rollender Bass- und Synthesizer-Linien, charismatischer Riffs und motorischer Drum-Beats. Textlich zeichnen die Songs eine Reihe von Beobachtungen, Szenen und Charakteren aus dem Leben: einen aufdringlichen Gewerkschaftsvertreter, einen Postboten mit einem festen Job bei der Bundesbehörde, einen zwanghaften Spieler und einen geliebten Obdachlosen aus der Nachbarschaft. Ehemalige Liebschaften werden zu einer Collage zusammengefügt, die mehrere Tracks begleitet, aus dem Zusammenhang gerissen, mit unverblümten, scharfsinnigen freien Versen. Kleinman nennt Bruce Springsteen als Inspiration dafür, wie seine Songs mit schlichter Tinte geschrieben sind, wobei er direkte Einfachheit gegenüber blumiger Prosa bevorzugt. Er greift eine gemeinsame Einsamkeit auf, die sowohl universell als auch vielleicht besonders einzigartig für das Leben in Los Angeles ist, mit schnörkellosen Nuancen und Verletzlichkeit. Im Titelsong singt Kleinman: ,Niemand liebt einen bettelnden Hund", eine Zeile, die er von einem Freund übernommen hat und die die Sichtweise des Projekts verkörpert: Die Welt kann einem das Gefühl geben, ein bettelnder Hund auf der Suche nach einem Zuhause zu sein. Auf dem Titelsong singt Kleinman ,no one loves a begging dog" (niemand liebt einen bettelnden Hund) in einer Zeile ,die er von einem Freund übernommen hat und die die Sichtweise des Projekts verkörpert: Die Welt kann einem das Gefühl geben, ein bettelnder Hund auf der Suche nach Zuneigung und Sicherheit zu sein, aber es liegt auch Schönheit in der Einsamkeit und der summenden Monotonie des Ganzen. Der synthlastige Titel ,Laughing Boy" reflektiert über den Sinn des Lebens, kritisiert hohe Mieten und erwähnt gleichzeitig den Duft von Jasminbäumen sowie die störende Präsenz der Polizei. In ,Common Place", umgeben von drängenden Drum-Machine-Kicks und Verzerrungen, singt er davon, wie er sich in einem 7-Eleven-Laden in der Innenstadt wirklich lebendig fühlt, um dann zwischen einer Tragödie, die er in einem Park miterlebt hat, und schönen Erinnerungen an das Leben in einer Wohngemeinschaft in Salt Lake City hin und her zu springen, bevor er sein neues Mantra verkündet: ,Es ist vorbei." Die Kontraste hier sind es, die diese Songs menschlich machen. Kleinman nahm DEMO 1 schnell und mit wenig mehr als sich selbst auf. Live übersetzt sich das dynamische Material von Begging Dog in eine siebenköpfige Band. Kleinman nahm DEMO 1 schnell und fast alleine auf. Live wird das dynamische Material von Begging Dog von einer siebenköpfigen Band umgesetzt. ,Egal, wie gut oder schlecht es einem geht, man sucht irgendwie nach etwas mehr", sagt Kleinman, ohne zu versuchen, eine größere Bedeutung in seiner Arbeit zu finden. ,Wenn ich über diese Dinge schreibe, versuche ich nicht, sie wichtiger zu machen, als sie sind." DEMO 1 profitiert von dieser geradlinigen, alltäglichen Bescheidenheit, die Offenheit mit Entschlossenheit und eingängigen Melodien verbindet.
Zum ersten Mal überhaupt ist Marshmellos bahnbrechendes Debütalbum „Joytime“ auf Vinyl erhältlich. Diese Jubiläumsausgabe feiert 10 Jahre euphorische Beats und genreübergreifende Energie und würdigt das Album, das der Welt Marshmellos charakteristischen Sound vorgestellt hat.
Von dem boomenden Trap-Track „Know Me“ bis hin zu „Want U 2“ ist „Joytime“ eine Meisterklasse in melodischer Tanzmusik, die es wagt, mutig zu sein. „Joytime“ enthält auch die Debütsingle „Keep It Mello“ mit Omar Linx, eine Crossover-Hymne, die bis heute zu Marshmellos ikonischen Werken zählt.
Feiern Sie das Album, das ein globales Phänomen ausgelöst hat.
„Joytime“ auf Vinyl ist mehr als ein Sammlerstück, es ist ein Stück Elektronik-Musikgeschichte.“
NECK DEEP's second full lenght proper, originally from 2015, reissued in deluxe packaging for its 10 YR anniversary! The simple truth is "Life's Not Out to Get You" is the best Pop-Punk album ever released. December has become the (un)official Pop-Punk Christmas anthem. If it wasn't for this essential album - Blink 182 wouldn't have reunited. Featuring fan favorite songs "December," "Can't Kick Up the Roots," & "Serpents" - DIY wrote the "full-length feels both quintessential and refreshing, a modern classic_The hooks are glorious, the bounce is addictive and it's a little rough around the edges for good measure." In the the years since Neck Deep formed in the Barlow brothers' spare room in Wrexham, Wales, a lot has changed. From the scrappy, naively hopeful beginnings that define the starting of so many teenage bands, the pop-punks have gone on to be one of British Rock music's most successful global exports in recent memory: top 5 records in both the US and UK, global touring, viral hits and over a billion plays, just some of the fruits of ten years spent mastering their craft. - For fans of Blink-182, Green Day & State Champs - Blue coloured vinyl LP in embossed gatefold sleeve w/ cut out O-Card slipcase!
MUNA sind magisch. Welche andere Band hätte das verlorene Jahr 2021 mit Pailletten und Pompoms geprägt - und dich dabei ganz nebenbei zum Singen bringen können (und vielleicht sogar zu glauben), dass "Life's so fun, life's so fun" ist? All das während der vielleicht unruhigsten Phase deines Lebens? "Silk Chiffon", der Instant-Hit von MUNA mit Labelchefin Phoebe Bridgers, schlug wie ein doppelter Regenbogen in den grauen Himmel der anderthalbjährigen Pandemie ein. Pitchfork nannte es einen "Strudel von Schmetterlingen im Bauch", NPR einen "Queerwurm", der US-Rolling Stone "eine der süßesten Melodien des Jahres, die die Art von purer Pop-Seligkeit ausstrahlt, die so viele Bands anstreben, aber fast nie richtig hinbekommen." Für MUNAs Gitarristin und Produzentin Naomi McPherson war es ein "song for kids to have their first gay kiss to." Und so blühten mehrere Tausend verrückte Twitter- und TikTok-Memes auf. Seit Beginn ihrer Karriere haben MUNA den Schmerz als Fundament der Sehnsucht, als Zentrum der radikalen Wahrheit, als Teil des Erwachsenwerdens und als inhärenten Faktor der Erfahrung von Marginalität betrachtet - die Bandmitglieder gehören Queer- und Minderheitengemeinschaften an und spielen ihre Songs vor allem für diese. Gavin, McPherson und Josette Maskin - die Gitarristin von MUNA - verbindet eine bald zehnjährige Freundschaft. Sie begannen im College an der USC zusammen Musik zu machen und veröffentlichten 2017 mit der Single "I Know a Place" einen frühen Hit als eine aufgestaute Beschwörung zur LGBTQ-Zuflucht und Transzendenz. Jetzt, in ihren späten Zwanzigern, ist das Trio so etwas wie eine Familie geworden. Sie verbrachten einen Großteil der frühen Pandemie als eine Gruppe, die füreinander und für MUNA da war, selbst als sie sich über nix in Bezug auf Zukunft sicher sein konnten. Sie wurden von ihrem vorigen Label RCA gedroppt und es gab nur wenig Einkommen, kein Adrenalin, mit dem sie arbeiten konnten, keine Live-Shows mit Publikum, das sie an den Beistand erinnerte, den ihre Songs bieten können. "Muna", das selbstbetitelte dritte Album der Band, ist mehr als eine Rückkehr. Die Zeit der Unsicherheit und des offenen Hinterfragens der Band hat alles weggebrannt und ein Meisterwerk von einem Album hinterlassen - die kraftvolle, bewusste, dimensionale Leistung einer Band, die niemandem außer sich selbst etwas beweisen muss. Der Synth auf "What I Want" funkelt wie eine ROBYN-Tanzflächenhymne; "Anything But Me", das im 12/8-Takt galoppiert, erinnert an SHANIA TWAIN im Neonlicht der Achtziger; "Kind of Girl" mit seinem aufsteigenden, klagenden THE CHICKS-Refrain bittet darum, mit deinen besten Freund*innen bei maximaler Lautstärke gesungen zu werden. MUNA arbeiteten mit dem Quellcode des Pop, der das Herz berührt - das Album ist voller Sehnsucht und Offenbarung und hart erkämpfter Freiheit.
Film score to the new Netflix film directed by Kathryn Bigelow (The Hurt Locker, Point Break, Zero Dark Thirty)
Music by Volker Bertelmann (All Quiet on the Western Front, Conclave, Ammonite)
Limited edition on red coloured vinyl
This autumn Netflix will release A House of Dynamite, the latest political thriller from Kathryn Bigelow, known for classics such as Point Break and the Oscar-winning film The Hurt Locker. The film features haunting music by Volker Bertelmann, who composed the Oscar-winning soundtrack for All Quiet on the Western Front.
A House of Dynamite is available as a limited edition on red coloured vinyl and includes an insert.
This autumn Netflix will release A House of Dynamite, the latest political thriller from Kathryn Bigelow, known for classics such as Point Break and the Oscar-winning film The Hurt Locker. The film features haunting music by Volker Bertelmann, who composed the Oscar-winning soundtrack for All Quiet on the Western Front. Using low woodwind and brass instruments, Bertelmann has created a dense atmosphere for this new hit thriller starring Idris Elba and Rebecca Ferguson. _x000d__x000a_A House of Dynamite is available as a limited edition on red coloured vinyl and includes an insert.
Eine der erfolgreichsten Aufnahmen der österreichischen Musikszene ist zurück auf Vinyl! Dieses Alpendrama ist das erste gemeinsame Konzeptalbum der Jugendfreunde Wolfgang Ambros, Manfred Tauchen und Joesi Prokopetz. (die Autoren nennen es "Rustical", abgeleitet von Musical und rustikal) Es beschreibt das ewige Gerufen-Sein vom bösen Berg Watzmann, von den Männern, die aus Imponiersucht "auffi" wollen und oft ihr Leben lassen müssen, sowie von der Gailtalerin, die ihre Macht über die Männer missbraucht und diese damit ins Verderben stürzt. Das Stück wurde 1972 von Manfred Tauchen als Bergbauerndrama-Parodie geschrieben und von W. Ambros zu Liedtexten von J. Prokopetz vertont. Mit bis heute über 250.000 verkauften Exemplaren ist dieses deutschsprachige Konzeptalbum eine der erfolgreichsten Aufnahmen der österreichischen Musikszene.
The album is made up of two sessions recorded for BBC Radio 1 at Maida Vale Studios, from 1973 and 1978 that feature vocalist Norma Winstone, trumpeter Henry Lowther, saxophonists Art Themen, Tony Coe and Alan Wakeman, trombonist David Horler, bassists Dave Green and Jeff Clyne, and drummers Trevor Tomkins and John Marshall. The material, all composed by Garrick, includes some favourites from the classic LPs 'Troppo' and 'October Woman'. He wouldn't record the tracks "River Running" and "Galilee" until decades later, so this is the first time these '70s arrangements have been released. Whereas "Robin's Rest" and the title track are exclusive to this album - providing a fascinating insight into this uniquely talented artist.
Garrick was at the forefront of British jazz from the mid-1960s until his death in 2011 aged 78. He was a key member of The Don Rendell / Ian Carr Quintet, composing the jazz gems "Dusk Fire and "Black Marigolds" and released a series of seminal 1960s and 1970s LPs including 'Cold Mountain', 'The Heart is a Lotus' and 'Black Marigolds'. Remastered by Caspar Sutton-Jones @ Gearbox Records, 'Late Autumn Sunshine' is available as a 2LP set housed in a gatefold sleeve (a limited edition of 600 copies) and 'mini-LP' gatefold CD, with sleeve notes by Daniel Spicer (Jazzwise, The Wire). 'Late Autumn Sunshine' celebrates Michael Garrick's memory and should introduce him to many new fans.
Working with elite keys player Ross Stanley (steadily making ripples on the world stage through his work with legends like Maceo Parker, and more recently with Robben Ford), guitarist Nigel Price says: "I've never heard Ross play a bad note, and he absolutely played out of his skin on this record." Joel Barford is one of the most exciting and vibrant young drummers on the scene today. He relishes the space and freedom of the organ trio format, which is totally evident on this new recording.
Six of the nine pieces are original Price compositions, confirming his strength as a writer, especially for this tight, powerful unit. A relaxed recording session brought out the best in these three master musicians, and the result is an exciting collection of captivating music. Nigel Price is acknowledged as one of the foremost UK exponents of jazz guitar. He has played on more than 60 albums including eight as a leader, spent 10 years with acid jazz outfit The Filthy Six, was a member of James Taylor's band, JTQ, for three years (with whom he recorded five albums) and performed with the legendary David Axelrod. Price has worked tirelessly to organise his own tours, with epic tours he's organised for the Nigel Price Organ Trio becoming the stuff of legend.
Atsuko Niina's debut album released by Teichiku in 1983. All songs are covers of Western songs, with 9 songs having Japanese lyrics and only the fifth song having
English lyrics. In recent years, its reputation among city pop and Japanese jazz fans has skyrocketed, and it is now at a premium on the used market!
The album features Japanese lyrics for such bossa nova classics as "One Note Samba" "Ipanema no Musume" "Wave" and "Oishii Mizu" as well as American popular
tunes like “MR.Bojangles” “Asu ni Kakeru Hashi”. covers of such American favorites as "Xasas Xasas Xasas" and "Besame Mucho".
Sound production was done by Jun Irie, who was active as a member of Logic System, and arrangements were shared with Hirotaka Izumi, who was also a member
of The Square at the time. The Square and guitarist Kenji Kitajima participated in the backing.
The entire album has a high quality city pop and fusion sound, with the overwhelming highlight being the high-speed samba arrangement of "Man or Boy (Ipanema no Musume).
The most overwhelming track is "Man or Boy (Ipanema no Musume)" with a high-speed samba arrangement. It is a Japanese rare groove track that can be used in
today's club jazz scene as it is!
You can enjoy her ever-changing vocals on the innovative and typical fusion sound of the time.
Liner notes: Kenji Kitajima, Hirotaka Izumi
(original liner notes of the time are reprinted)
Original release: 1983 Teichiku GM-140
Original label: TEICHIKU ENTERTAINMENT, INC.
Third opus from Acid Meets familly, Diffidatik Records !
First tune from Sylo vs Minds Controllers is a story-teller, broken and then banger, with an Acid bass full of tension surrounded by dub feelings..
.
Second track from Neurotribe is a night caller, sunset style, dark and trance, industrial and acid, A contonuum-vitae, not shouting but growing more and more dancefloor... as the sun goes down, it goes darker !
The flip opens with LOKO and a french speaker calling for Unity in Free Party, as a culture, as a way of life and most of all LOVE & NOISE !
Last track goes PEACE ! Brixton23 and a sweet techno lullaby... A little jewel of tenderness... Even if... the Kick turns a bit more Hard after a little while :) éhéh
All in one this is the best of the 3 Acid Meets release... coming with a super printed sleeve !
Gotta get it !!!!
The record comes with the printed text of B1 tune from LOKO.
Tracks list
A1 - Sylo vs Minds Controllers - Overshoot
A2 - Neurotribe - Ethernit
B1 - Loko - Ca Revendique
B2 - Brixton23 - Acid Spring
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Other releases by Neurotribe
out of Stock
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This is the origin of Chiemi Eri, who continues to enjoy immense popularity across generations and borders.
Seven vinyl titles focusing on jazz are released simultaneously! Chiemi Eri, at the height of her powers, performs with the Delta Rhythm Boys, America's
leading male vocal group. This is a happy, swinging, and heated live recording!
To celebrate two decades of passion, innovation, and dedication to underground music, Playbeatz Labels Network proudly launches "Tribe", a new compilation project that pays tribute to the artists and sounds that have shaped its journey.
For over 20 years, Playbeatz has been a platform for creative freedom and genre-crossing experimentation—championing independent voices and uncovering unique talents from across the electronic music spectrum. "Tribe Vol. 1" is the first chapter in a special series of releases that reflect the label family’s diversity and forward-thinking spirit.
Kicking off with a limited edition vinyl, Vol. 1 features four carefully curated tracks by long-time Playbeatz affiliates —each bringing their unique sonic identity, from house to melodic textures, tech tools to soulful grooves.
A1. Erly Tepshi – Dreamer Emotionally charged and atmospheric, a deep dive into the melodic house realm, “Dreamer” wraps a haunting male vocal around lush synth lines and hypnotic rhythms.
A2. DJ Simi & Antonio Grassia – Nuestro Fuego With its driving groove and minimal yet powerful arrangement “Nuestro Fuego” is crafted as a peak-time tech and house tool. The track is all about raw energy and club efficiency.
B1. Mind The Gap DJs – Eclipse Of The Soul This old-school house jam delivers uplifting piano riffs, classic drum programming, and a timeless sense of groove. A heartfelt homage to the golden era of house, reimagined for today’s floors.
B2. Giomini & Marcus Raute – Tape Sweat A fresh and summery house cut with shimmering grooves and playful percussion. The track recalls the clean, infectious style of Deetron, blending crisp drums with melodic finesse. A pure dancefloor delight for the warmer seasons.
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The Muppet Christmas Carol soundtrack on clear glitter vinyl containing original score composed by Miles Goodman and original songs by Paul Williams. You and your loved ones will be singing along to classics like Kermit's "One More Sleep 'til Christmas" or Scrooge's “Thankful Heart" all holiday season! A delightful Christmas album that reminds us of the importance of sharing kindness and compassion all year long.
Die Trilogie ist komplett, und zum ersten Mal überhaupt erscheint Marshmellos „Joytime III“ auf Vinyl in einer speziellen 10-Jahres-Jubiläumsausgabe, die eines seiner bisher ambitioniertesten und kollaborativsten Projekte feiert. Als entscheidender Moment in der Joytime-Saga hat dieses Album den Mello-Sound in neues, mutiges Terrain vorangetrieben und hochoktanige EDM mit emotionalen Melodien und festivaltauglicher Energie vereint.
Von „Rescue Me“ mit A Day to Remember bis hin zur explosiven Trap-Hymne „Room to Fall“ (mit Flux Pavilion und Elohim) – dem unbestreitbaren Smash-Hit des Albums – ist Joytime III ein Kaleidoskop des Sounds. Marshmello versammelt eine All-Star-Besetzung, darunter Slushii, YULTRON, Wiwek, Crankdat und TYNAN, zu einer genreübergreifenden Feier der Einheit, Kreativität und puren Klangfreude.
Joytime III ist ein kraftvoller Abschluss der Joytime-Reihe, ein mutiges, emotionales und mitreißendes Statement, das nun zum ersten Mal auf Vinyl verewigt wurde.
Feiern Sie 10 Jahre musikalische Entwicklung, Zusammenarbeit und Mello-Magie mit dieser unverzichtbaren Ausgabe eines modernen Dance-Klassikers.
Sydney punks Party Dozen (Kirsty Tickle and Jonathan Boulet) return with new single "Mad Rooter', taken from their upcoming AA-single 7" 'Mad Rooter / Ghost Rider' out Dec 5th via City Slang. The duo will be touring throughout the UK this November with shows in London, Brighton, Leeds, Bristol, Manchester and Glasgow.
On the new track, the band said, "It doesn’t always happen, but sometimes it’s your night. You feel like the maddest rooter. Every step you take is a step closer to glory. No f*cks left to give, the charisma of Jon Hamm. 'Mad Rooter' is 10 feet tall and can walk through a wall. Stuck here with all you rookies eating fortune cookies."
They added, "We didn’t record it with a click, so it has this sort of off-grid pull and push that gives it swagger. There’s a sax solo that’s giving David Letterman opening sequence. We recorded the sample with Jon’s guitar, which is old and barely hanging on. The electronics are shot, it’s missing strings, and it’s been sort of half-modified then given up on."
French artist based in Brussels, Che Vuoi presents her first album Cinecittàx, a nod to the great Italian studio, and a tribute to false dreams.
A theatre at the back of a run-down piano bar, where surreal and intimate scenes unfold; words and stories drawn from disparate sources: Fellini, G. Réal, Diderot... or written by herself, spoken, shouted or barely whispered by an altered voice.
Noises, samples, a drum machine, a brush on a snare drum, a piano spinning round and round until it reaches delirium and its own abolition, leaving us suspended in a constant in-between or a time that never truly existed.
« This voice, gentle, mad, with lightning verve, tells between the lines and the echoes the presence of threatening shadows and ghosts. And it is Che Vuoi, her character, her world of images, that haunts us. It is a strange bewitchment that carries us beyond the words she has freed from "the stationery I stole from Bellavista the other night" ("le papier à lettre que j’ai chipé au Bellavista l’autre soir") into the lair of her universe, as whimsical as it is silky in which we let ourselves slip, as one would slip over the rock of an esoteric river, in the heart of a forest that makes music and has delirious things to tell us. »
