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The Congos were formed by Cedric Myton (born 1947 St Catherine, Jamaica) and Roydel ‘Roy’ Johnson (born 1943 Hanover, Jamaica), around the mid-seventies, a time when the Rasta message coming out of Kingston and other pockets of the Jamaican Island was at its most prominent. Cedric Myton’s singing career began back in the rocksteady era in Reggae’s musical story.

He formed the ‘Tartans’ group taking lead vocal duties alongside Devon Russell, Prince Lincoln Thompson and Lindbergh Lewis. They cut ‘Dance All Night’ (1967) and ‘Coming On Strong’ (1968). The line-up reduced to a two piece, Cedric and Devon Russell, when tracks like ‘What a Sin Thing’ and ‘Short Up Dress’ were cut. This line-up became the Royal Rasses, Cedric formed The Congos, on meeting Roydel Johnson. Roydel previously sang as a member of Ras Michael and the Sons of Negas, cutting such tracks as ’Go To Zion’ (1973). As we can see Cedric’s and Roydel’s Rasta roots were firmly in place by the time they had formed The Congos sometimes called ‘The Congoes’.

The Congos possess what all bands look for,that unique sound that draws the listener to them.Lead singer Cedric Myton’s style and phasing, with his distinctive Falsetto voice makes this just the case.Built on a foundation of classic rhythms and with the aid of then Producer, Lee Perry, the groups statement of intent was laid down with one succinct message. The Congos mighty 1977 ‘Heart of the Congos’ album, is quite simply one of the best reggae albums ever recorded.

Producer Lee Perry had wanted to record a classic Jamaican vocal group in his newly built Black Ark Studio. The voice of Watty Burnett was added at the time to cover baritone vocal duties. The studio after various changes in equipment etc. was finally finding its way. A sound built in Lee Perry’s back yard in Cardiff Crescent, Washington Gardens, Kingston, but existing until then in Mr Lee Perry’s mind. The album they cut would be the defining group release to come out of The Black Ark studios, when the vital elements, vibes, musicians, songs and singing would gel to form ‘Heart Of The Congos’. Come the time of it’s release 1977, Lee Perry was in dispute with Island Records and opted to release the record on his own ‘Black Art’ label. Without the high-profile push of a major label, the record undersold and caused a split between producer and band. Under different circumstances maybe this album would be sitting in thousands of homes alongside the Bob Marley, Culture, Burning Spear releases. Cedric Myton went on to release albums with the French arm of the CBS label and Roy Johnson records and tours as Congo Ashanti Roy.

Cedric Myton the central force carries on the mantle of the Congos and we at Kingston Sounds are proud to pick up the story with another set of vocal statements, which sees Cedric cut some of his finest tunes. Helped along by another reggae legend Brent Dowe, lead singer of the Melodians (Rivers of Babylon), over some classic 1970’s rhythms. Yet again we find that magic formula of strong statements working alongside classic rhythms making the balance work. The Rasta message is still strong on modern classics like ‘King Rastafari Is His Name’, ‘Rasta Congo Man’ and the injustices of the world dissected in tunes ‘Some A Thief’, ‘Watch & Pray’ and the prophetical, ‘Citizen Of The World’.

Once touched by magic it does not fade away, but resurfaces as it has with what we believe to be some of the Congos most heartfelt and meaningful set of songs ...... Let the feast begin.

In 1977 this classic punk album had a sound flaw and wasn"t heard properly until it was recompiled in 1994 - after both former New York Dolls Johnny Thunders and Jerry Nolan had died. Now songs like Born to Lose and Chinese Rocks are acclaimed as punk anthems. The album was remastered and repackaged in 2017 to celebrate its 40th anniversary, but has only ever been in black vinyl since then. "That "L.A.M.F.", the only studio album by Johnny Thunders" swaggering, smacked-up post New York Dolls outfit, The Heartbreakers, is one of New York punk"s defining artefacts (despite being recorded in Britain), is beyond dispute. 12 songs that put the guitarist"s abiding passions - Chuck Berry, The Rolling Stones, Phil Spector and Shadow Morton girl groups, glam, garage, trash and junk - in perfect, speedy collision." - Damien Love, Uncut mag, 9/10.

Mit seinem neuen Projekt begibt sich Star-Pianist Daniil Trifonov auf eine ganz persönliche musikalische
Reise über die Kontinente Amerikas. Das erste von insgesamt zwei Alben, My American Story – North,
beginnt in den USA. Dort verbrachte Trifonov fast die Hälfte seines Lebens. Das vielfältige Repertoire
des Albums »hat mir den Zugang zu vielen Perspektiven, Stilen, Kulturen, Orten, Menschen, Geschichten
und Ausdrucksformen eröffnet, die mein Amerika-Erlebnis geformt und geprägt haben«, sagt Trifonov.
Die ausgewählten Werke reichen von Jazz und Swing zu Minimal Music und populärer Filmmusik. Zwei
Klavierkonzerte bilden den Rahmen des Album: Gershwin’s beliebtes Konzert in F sowie die Weltpremiere
eines von Mason Bates eigens für Trifonov komponierten Konzerts. Beide werden vom Philadelphia Orchestra unter Yannick Nézet-Séguin begleitet. Zusätzlich enthält das Album Solowerke von John Adams,
Aaron Copland und John Corigliano sowie John Cages legendäres 4’33. Die übrigen Werke ehren den Jazz
am Klavier - Trifonovs eigene Transkription von Art Tatums “I Cover the Waterfront“ und Bill Evans’
Version von “When I Fall in Love“ - sowie die Soundtracks Hollywoods, hier in Auszügen aus Filmmusiken
zu American Beauty und The Firm (Die Firma) vertreten.

The second studio album from The Groundhogs, now slimmed to the classic three piece line up of Tony TS McPhee on guitar, Pete Cruikshank on bass and Ken Pestelnik on drums. The beginning of their domination as the hardest working band on the circuit, a testament to their creativity as they re-tooled the blues into a neo-psyche groove. Breaking from their traditional influences, the first stepping stone for the power trio who would blossom with ‘Thank Christ For the Bomb’, ‘Split’ and ‘Who Will Save The World?’. Inspired by a Yardbirds’ freak out, hearing authentic Indian drumming and the magic that existed between this legendary trio, ‘Blues Obituary’ is a juggernaut of riffs. According to Tony in Zig Zag’s John Tobler’s sleeve notes to the 1987 re-issue of ‘Blues Obituary’ it was the BBC’s John Peel producer John Walters that forced the band’s hand. “He decided he hated the blues,” McPhee told Tobler, “We figured it was time to get away from it.” “A deep excursion into musical depths further down than Canned Heat ever dared go.” The re-issue also includes a mono-friendly single cut of ‘BDD’ plus its original B-side ‘Gasoline’, an aching solo Tony TS McPhee track

Following up on his fantastic full length from a couple years ago, Adriano Mirabile continues to bring forth that down tempo and mid-tempo organic house mood and chillout lounge atmosphere blend with his productions. Side A we get the original Traumfänger tracks showcasing all that we've loved from the get about what Adriano brings to our imprint. Side B offers up two reinterpretations courtesy of Aus Music recording artist, Lee Jones, and Stasis Recordings mainstay, Sanderson Dear. Both take the chillout and bump up the pulse a bit with their techy flare.

Die Ostfriesen von der Insel Spiekeroog versinken zum Glück nicht in einem Meer aus abgestandener Nostalgie. Obwohl "God of the Godless" mit der brachialen Kraft tosender Winterstürme und dem oft rauen Charme des Nordseewetters daherkommt, haben die Norddeutschen auch die cineastischen Aspekte ihres Sounds verfeinert, die sie auf dem Vorgängeralbum "Beyond Acheron" (2023) fest etabliert hatten. Auf einem soliden Fundament aus Brutal Death zimmern TEMPLE OF DREAD mit Hilfe von dunklen und schweren Stützbalken, Querstreben aus überraschender Melancholie und sogar einigen 12-Zoll Black Metal Nägeln ihre wuchtigen Songstrukturen. Als Zierelement dient erneut ein Gastbeitrag des INSIDIOUS DISEASE, ASINHELL und ehemaligen MORGOTH Sängers Marc Grewe. Die wuchtige Produktion von "God of the Godless" stammt wie gewohnt von Schlagzeuger Jörg Uken. In dessen renommierter Death Metal Klangschmiede, dem Soundlodge Tonstudio, wurden auch schon zahlreiche Langspieler solcher Szenegrößen wie unter anderen DEW-SCENTED, GOD DETHRONED, OBSCENITY, SUICIDAL ANGELS und WARPATH in Form gehämmert. TEMPLE OF DREAD wurden von Markus Bünnemeyer im Jahr 2017 auf Spiekeroog gegründet, als der Gitarrist den Entschluss fasste, seinen Mordshunger auf mehr Death Metal der alten Schule selbst zu stillen. Ein Jahr später stießen Sänger Jens Finger und Jörg Uken dazu, mit denen Bünnemeyer bereits bei SLAUGHTERDAY aktiv war. Dieses Dreiergespann besteht seitdem unverändert fort. Schon das erste Album "Blood Craving Mantras" (2019) schlug in Death Metal Kreisen hart ein. Die Arbeitstiere ließen in kurzer Folge zwei weitere Erfolgsalben, "World Sacrifice" (2020) und das von der Kritik in höchsten Tönen gefeierte "Hades Unleashed" (2021), auf die Welt los. Während sich das Trio für "Beyond Acheron" (2023) etwas mehr Zeit nahm, sind TEMPLE OF DREAD wieder auf der Überholspur unterwegs. Noch besser: Die Ostfriesen begeistern endlich auch mit Live-Auftritten. Mit "God of the Godless" legen TEMPLE OF DREAD die Messlatte für intelligente Death Metal Brutalität wieder um einige Zentimeter höher auf!

Features Unreleased Studio Sessions, Alternate Versions, Live Recordings, Rarities, And 36-Page Book With New Photos & An Extensive Conversation Between Joni & Cameron Crowe

Sourced From Original Stereo Reels, Nagra Film Recordings, Multi-track Tapes, Radio Airchecks & Cassette Tapes

Throughout the latter half of the seventies, Joni continued to creatively break ground with her fearless and fluid exploration of jazz. Rather than tread the same path, she challenged and reinvented her style with a folk fusion like no other. Ascending to an unrivaled sonic peak, this innovative sound took shape across the gold-certified HEJIRA 1976, the gold-certified double-LP DON JUAN’S RECKLESS DAUGHTER [1977], her collaboration with Charles Mingus entitled MINGUS [1979], and live album SHADOWS AND LIGHT [1980]. Channeling the thrill and excitement of these records, she delves even further into this season on JONI MITCHELL ARCHIVES, VOL. 4: THE ASYLUM YEARS (1976-1980), due October 4th.

Available as a 6CD, 4LP (featuring Joni's personal favorites from the 6CD set), and digitally, this comprehensive and essential set spans one of the most prolific periods of her storied career. It boasts powerful live tracks from her time in Bob Dylan’s Rolling Thunder Revue during 1975 and 1976 Tour of the United States. It pulls back the curtain on the music by showcasing early recordings and alternate takes from the respective sessions for HEJIRA, DON JUAN’S RECKLESS DAUGHTER, and MINGUS. It covers the Bread & Roses Festival as well as the Anti-Nuclear Rally. Finally, VOL. 4 chronicles her 1979 tour, even showcasing two tracks from that year’s Tour Rehearsals. Not to mention, it showcases her versatility and adaptability, housing collaborations with everyone from Herbie Hancock and Jaco Pastorious to Wayne Shorter and Pat Metheny.

Vol. 4 culls the previously-unissued material from original stereo reels, cassette tapes, CD-Rs, and even a radio broadcast. Newly mixed tracks came from multi-track tapes, while a handful of hi-res digital tracks have been sourced from the Bob Dylan Archives.

Each version includes a book with never-before-seen photos and liner notes comprising a deep dive discussion between Mitchell and longtime friend Cameron Crowe. As part of their candid conversation, she shares intimate anecdotes, memories, and stories from that five-year creative run.

John Davis is a sound artist and filmmaker based in the Bay Area. Active since the mid-aughts, he has published recordings on labels such as Root Strata and Digitalis, as well as on his own Bimodal Press imprint. “Landlines” sees a return to the SOD catalog for Davis, following a full-length release in 2013, and may be seen as somewhat of a spiritual successor to that album. In all of Davis’ work, there is a specific pastoral sensibility that feels firmly rooted in the forests and coasts of Northern California, moving with the delicate and erratic cadence of dust motes rendered visible in bright sunlight. Opening track “Verichrome” articulates the soundscape wonderfully, stitching together Music Mouse-esque formant synthesis and meditative vocal sampling with an exquisite minimalist suite for prepared piano. Of these recordings, Davis himself writes, “In a general sense the conceit here is nostalgia, a desire to reflect on the importance of connection – to ourselves and to the world around us. The title is, of course, a euphemism for the telephone, but I am also considering landscape, horizons, and infrastructure, as well as the invisible lines that connect us, the threads that bind us, and the communities that form us.”

Four years after their Discrepant debut - 'OOOO' -, Lisbon-based travellers Jibóia return to the fold with another offering of globetrotting psychedelia with 'Salar'. With the core trio of Óscar Silva, Ricardo Martins and Mestre André augmented by a stellar parade of collaborators on various roles, 'Salar' further expands on the transglobal visions by now pretty trademarked by the band. Intersped among shorter vignettes for drums, saxophone and bass, each of the more fully fleshed tracks casts a guest to elevate Jibóia's music to uncharted realms - both in a mystical and geographical sense.

Opener 'Selar' summons the cello of songstress Joana Guerra for a skewed dialogue with Silva's guitar, propelled by Martins' drums and percussion and André's electronic textures into 4 minutes and 20 seconds that feel epic - if there was any psychedelic numerological symbolism needed. On 'Solar', Silva's non-western plucking rides on for Yaw Tembe's trumpet to veer in a multitude in directions, while the mysterious 'Sitar' conjures the voice of moroccan musician Ayoub El Ayadi for a contemplative nighttime prayer. Elsewhere, guitarist Rui Carvalho aka Filho da Mãe injects dissonant guitar lines unto 'Sarar's pummelling dance and Pedro Augusto's electronics hover below the shapeshifting dynamics of 'Sonar', among mesmerising keyboard lines. 'Salir' featuring Daiyen Jone enchanted flute brings the album to a close at its most reflective, all crepuscular synth lines and reverbed handclaps.

The Smile haben ihr neues Album "Cutouts" für den 04.10.2024 angekündigt. Mit "Foreign Spies" und "Zero Sum" sind zugleich zwei neue Tracks erschienen, wobei der Künstler Weirdcore zu letzterem auch ein Video kreiert hat. Bereits erschienen sind "Don"t Get Me Started" und "The Slip", zwei Stücke, die Anfang des Monats als limitierte 12"-Single kurzzeitig weltweit in Plattenläden auftauchten. Thom Yorke, Jonny Greenwood und Tom Skinner haben einige der Songs von "Cutouts" erstmals auf der März-Tour in UK gespielt. Insgesamt enthält das von Sam Petts-Davies produzierte Album, das auf "Wall of Eyes" aus dem Januar und das 2022er-Debüt "A Light For Attracting Attention" folgt, zehn neue Tracks. "Cutouts" wurde zur gleichen Phase wie "Wall Of Eyes" in Oxford und den Abbey Road Studios aufgenommen und enthält String-Arrangements vom London Contemporary Orchestra. Das Artwork von Stanley Donwood und Thom Yorke entstand während der Aufnahmen. "Cutouts" ist bereits das zweite Studioalbum der Band in weniger als einem Jahr. Sein Vorgänger erreichte Platz 4 der deutschen Albumcharts und die Nummer 3 in UK. Thom Yorke veröffentlichte im April außerdem den Score zu Daniele Luchettis Film "Confidenza" und kündigte eine Solotour für Neuseeland, Australien, Singapur und Japan an. Jonny Greenwood arbeitet aktuell am Score zu Paul Thomas Andersons kommenden Film "The Battle of Baktan Cross". Tom Skinner hat das Album "Voices of Bishara Live at mu" veröffentlicht und tourt mit seinen Soloarbeiten im Rahmen internationaler Jazz-Festivals.

Still just 19-years-old, Toby Lee is already a three-time winner of Young Blues Artist of the Year at the UK Blues Awards - yet the virtuoso guitarist is only getting started. Praised as a remarkable talent by the likes of Jools Holland and Joe Bonamassa, 2024 represents a big breakthrough year as Toby releases his first album of all-original material ‘House On Fire’ on October 4th via 100% Records. As you’d expect from someone that The Times hailed as, “One of the best guitarists in Britain,” his six-string talents dazzle throughout with a rich tapestry of scorching leads, evocative melodies and swaggering grooves. Yet his vocals have come on leaps-and-bounds, his maturity and emotional expression providing a voice strong enough to front a band regardless of his guitar skills. His songs and stylistic scope have expanded too, with a set that moves seemingly effortlessly between classic blues jams, punchy hard rock, intimate acoustic moments and a modernist approach to classic soul and Stax-style R&B. It’s all played with a winning combination of youthful abandon and undeniable accomplishment. Toby Lee’s talents have been recognised by an array of legends. When he was 10, a get well soon video that he made for BB King went viral, leading to an invitation from the blues legend’s family to play at his club in Memphis, while the late Bernie Marsden was an early mentor and champion. He subsequently shared the stage with the likes of Buddy Guy, Joe Bonamassa, Slash, Billy Gibbons and Peter Frampton, while enjoying other high profile moments, such as starring in a West End production of ‘School of Rock’, performing with McFly on ‘Tonight at the London Palladium’ and featuring in ‘The Ellen DeGeneres Show’. Toby has now exceeded 500 million views on social media. His ability has been recognised with numerous endorsements. He has been a Gibson artist since the age of 10, and a recent highlight came when he helped launch Gibson’s custom Jeff Beck ‘YardBurst’ 1959 Les Paul Standard alongside fellow guests including Jimmy Page, Johnny Depp and Graham Coxon. Blackstar Amplification issued his own signature amp, the St James Toby Lee 50 6L6 head and cab, and he is also endorsed by D’Addario Strings.

Still just 19-years-old, Toby Lee is already a three-time winner of Young Blues Artist of the Year at the UK Blues Awards - yet the virtuoso guitarist is only getting started. Praised as a remarkable talent by the likes of Jools Holland and Joe Bonamassa, 2024 represents a big breakthrough year as Toby releases his first album of all-original material ‘House On Fire’ on October 4th via 100% Records. As you’d expect from someone that The Times hailed as, “One of the best guitarists in Britain,” his six-string talents dazzle throughout with a rich tapestry of scorching leads, evocative melodies and swaggering grooves. Yet his vocals have come on leaps-and-bounds, his maturity and emotional expression providing a voice strong enough to front a band regardless of his guitar skills. His songs and stylistic scope have expanded too, with a set that moves seemingly effortlessly between classic blues jams, punchy hard rock, intimate acoustic moments and a modernist approach to classic soul and Stax-style R&B. It’s all played with a winning combination of youthful abandon and undeniable accomplishment. Toby Lee’s talents have been recognised by an array of legends. When he was 10, a get well soon video that he made for BB King went viral, leading to an invitation from the blues legend’s family to play at his club in Memphis, while the late Bernie Marsden was an early mentor and champion. He subsequently shared the stage with the likes of Buddy Guy, Joe Bonamassa, Slash, Billy Gibbons and Peter Frampton, while enjoying other high profile moments, such as starring in a West End production of ‘School of Rock’, performing with McFly on ‘Tonight at the London Palladium’ and featuring in ‘The Ellen DeGeneres Show’. Toby has now exceeded 500 million views on social media. His ability has been recognised with numerous endorsements. He has been a Gibson artist since the age of 10, and a recent highlight came when he helped launch Gibson’s custom Jeff Beck ‘YardBurst’ 1959 Les Paul Standard alongside fellow guests including Jimmy Page, Johnny Depp and Graham Coxon. Blackstar Amplification issued his own signature amp, the St James Toby Lee 50 6L6 head and cab, and he is also endorsed by D’Addario Strings.

Clear Vinyl. For the first time ever released on vinyl, this brilliant 2012 LP features an all-star cast of musicians and actors lead by Tim Robbins, Dr. John, Bill Frisell, Ralph Steadman, Annie Ross, John Joyce III and Will Forte. Hunter S. Thompson's classic Gonzo reportage on the 1970 Kentucky Derby is summoned brilliantly to life through spoken word and musical composition. Conceived by executive producer Michael Minzer for his Paris Records label, the project was produced by Hal Willner, who brought Bill Frisell in as composer/arranger/conductor. Bill then asesmbled a stellar group of musicians including Curtis Fowlkes (trombone), Ron Miles (trumpet), Eyvind Kang (viola), Doug Weiselman (woodwinds), Jenny Scheinman (violin), Hank Roberts (cello) and Kenny Wolleson (drums, percussion). Ralph Steadman does double duty portraying himself in the narration and contributing original artwork for the project. In 2021, Kramer re-Mastered the original audio for this historic re-release on limited-edition 'Horse-Shit Brown' vinyl for his Shimmy-Disc label.

Short Back n' Sides is the fifth solo album and first studio album of the 1980s from former Mott The Hoople frontman and legendary songwriter Ian Hunter. The album includes an array of guest musicians, most notably featuring collaborations with Mick Jones and Topper Headon of The Clash as well as Todd Rundgren. Reinvigorated by punk rock with the guest musicians clearly having a major impact, Short Back n' Sides finds longtime collaborator Mick Ronson alongside Mick Jones on production duties. This is a thrilling record, with Hunter in scintillating form. Short Back n' Sides has been newly remastered at AIR Mastering with this expanded edition including twelve archival rarities. Accompanied by an 8-page lyric booklet. The LP is pressed on Yellow vinyl and housed in a gatefold sleeve with lyrics.

Die Ostfriesen von der Insel Spiekeroog versinken zum Glück nicht in einem Meer aus abgestandener Nostalgie. Obwohl "God of the Godless" mit der brachialen Kraft tosender Winterstürme und dem oft rauen Charme des Nordseewetters daherkommt, haben die Norddeutschen auch die cineastischen Aspekte ihres Sounds verfeinert, die sie auf dem Vorgängeralbum "Beyond Acheron" (2023) fest etabliert hatten. Auf einem soliden Fundament aus Brutal Death zimmern TEMPLE OF DREAD mit Hilfe von dunklen und schweren Stützbalken, Querstreben aus überraschender Melancholie und sogar einigen 12-Zoll Black Metal Nägeln ihre wuchtigen Songstrukturen. Als Zierelement dient erneut ein Gastbeitrag des INSIDIOUS DISEASE, ASINHELL und ehemaligen MORGOTH Sängers Marc Grewe. Die wuchtige Produktion von "God of the Godless" stammt wie gewohnt von Schlagzeuger Jörg Uken. In dessen renommierter Death Metal Klangschmiede, dem Soundlodge Tonstudio, wurden auch schon zahlreiche Langspieler solcher Szenegrößen wie unter anderen DEW-SCENTED, GOD DETHRONED, OBSCENITY, SUICIDAL ANGELS und WARPATH in Form gehämmert. TEMPLE OF DREAD wurden von Markus Bünnemeyer im Jahr 2017 auf Spiekeroog gegründet, als der Gitarrist den Entschluss fasste, seinen Mordshunger auf mehr Death Metal der alten Schule selbst zu stillen. Ein Jahr später stießen Sänger Jens Finger und Jörg Uken dazu, mit denen Bünnemeyer bereits bei SLAUGHTERDAY aktiv war. Dieses Dreiergespann besteht seitdem unverändert fort. Schon das erste Album "Blood Craving Mantras" (2019) schlug in Death Metal Kreisen hart ein. Die Arbeitstiere ließen in kurzer Folge zwei weitere Erfolgsalben, "World Sacrifice" (2020) und das von der Kritik in höchsten Tönen gefeierte "Hades Unleashed" (2021), auf die Welt los. Während sich das Trio für "Beyond Acheron" (2023) etwas mehr Zeit nahm, sind TEMPLE OF DREAD wieder auf der Überholspur unterwegs. Noch besser: Die Ostfriesen begeistern endlich auch mit Live-Auftritten. Mit "God of the Godless" legen TEMPLE OF DREAD die Messlatte für intelligente Death Metal Brutalität wieder um einige Zentimeter höher auf!

Unter den hochgerühmten Aufnahmen der Berliner Philharmoniker mit Herbert von Karajan nimmt auch
die Interpretation der Peer Gynt-Suiten von Edvard Grieg, kombiniert mit Orchesterstücken aus Sigurd
Jorsalfar, eine wichtige Stellung ein. Mit ihrer brillianten und ausdrucksstarken Interpretation beweisen die
Musiker ein enormes Feingefühl für die einzigartige atmosphärische Klangsprache des norwegischen Komponisten.
Anlässlich ihres 125. Geburtstag startete die Deutsche Grammophon die Wiederveröffentlichung legendärer
Aufnahmen in höchster Klangkultur: Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil
Berliner Studios die originalen Vierspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede
zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen
im Frequenzgang, zugleich weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein
audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons, außerdem erklärt ein Beitrag die genauen technischen
Hintergründe.

Centricity Music recording artist Jordan Feliz quickly became a household name when his first radio single “The River,” the title track from his critically-acclaimed debut, became a smash hit. Spending an unprecedented 12 weeks at No. 1, the chart-topping single was named ASCAP’s “Christian Music Song of the Year” and garnered Feliz his first RIAA Platinum® certification. Thanks to his charismatic vocals and signature blend of soulful pop, each of his seven subsequent radio singles has landed in the Top 10 with “Witness,” “Glorify” and “Jesus Is Coming Back” notching three more No. 1’s for the singer. In addition, the California- native has been nominated for five Dove Awards, taking home the trophy for 2016’s “New Artist of the Year,” and has amassed nearly 500 million lifetime streams. Along with his heartwarming children’s hardcover book, Beloved, and his headline tours, Feliz has also shared stages around the country with some of the biggest names in Christian music, including TobyMac, Michael W. Smith, For KING & COUNTRY, Matthew West and Crowder.

A1 - Consensus Reality
JLM opens another stellar EP for Spatial with Consensus Reality, acheery, optimistic track which opens with lush keys, and filtered breaks. Soon we are treated to long synths brimming with optimism while melodies are formed from a slew of elements entangled in joyous harmony. This is a special track before we even mention the amazingly crisp apache breaks which are introduced and toyed with to the conclusion in JLM's inimitable style.

A2 - Salva Veritate
An eerie vibe immediately grips the listener for a remarkably intense atmospheric journey in the shape of Salva Veritate. Whooshing, reverberating synths punctuate a dense soundscape laced with tensionand intrigue. The hefty Hot Pants breaks drive the track perfectly with atuneful 808 rumbling below, as blippy sub-melodies and keys add further texture to the mix to complete an immensely memorable production from JLM.

AA1 - Hotspot
Mellow keys with a hint of jazz open Hotspot, as JLM adds further flex tohis repertoire in another impressively detailed journey through sumptuous atmospherics. The track quickly bursts into life in full flow with chunky breaks driven by juddering snares nestling over smooth 808 basslines andswathes of strings & pads that swoop across the mix to create a dreamy paradox of lively calm.

AA2 - Nova
A soothing way to close the EP as JLM opens Nova with long, relaxing synthwork before the delicate beat patterns begin with a symphony offiltered effects and soft notes punctuating the soundscape. Extended reverse cymbals and subtly used reverberating vocal samples add textureto proceedings as the cosmic breaks flow, as we have become accustomed to from JLM's exceptional output on Spatial.
Words by Chris Hayes (Spatial / Red Mist)

Official soundtrack to accompany Joker: Folie à Deux, one of the most anticipated films of a generation. Produced by Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Jason Ruder and executive produced by Todd Phillips, Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Randall Poster, & George Drakoulias. No tracklisting on launch.

Zach Bryans fünftes Studioalbum, The Great American Bar Scene, erscheint am 11.10.2024. Im Juli erschien die Single „28“. Im Juni erschien bereits ein musikalischer Vorbote mit „Purple Gas“. Als Feature gastiert Noeline Hofmann, eine aufstrebende Countrymusikerin aus Kanada.Bryan singt mit Bruce Springsteen den von Beiden gemeinsam komponierten Song „Sandpaper“ und mit John Moreland huldigt er mit „Memphis; The Blues“ den Blues der Musikmetropole Memphis. Mit dem großartigen Gitarristen John Mayer beschwört er die „Better Days“. Drei unfassbar starke Songs, die ohne Frage als Highlights des Longplayers bezeichnet werden können! Die drei ersten Singles „Pink Skies“, „Purple Gas“ und „28“ gaben die musikalische Marschrichtung bereits an. Das gilt auch für die restlichen Titel des großartig gelungenem und umgesetzten Albums. Der ehemalige Soldat hat’s wirklich drauf und komponiert und textet Songs, so wie er sagt „wie ein Akkordarbeiter“, die sich aber keinesfalls mal schnell dahingeschrieben anhören, sondern den Zeitgeist, das echte Leben und gleichermaßen Ängste aber auch unbändige Lebensfreude widerspiegeln. Seine Geschichten erzählen von Liebe, Freunden, Bars und ja, vielleicht den besungenen „besseren Tagen“, auf die wir alle sehr gespannt sein dürften – wenn sie dann kommen, nicht wahr? Fazit: Das 19 Titel umfassende Album beinhaltet 18 Songs und ein (gesprochenes) Gedicht. Man fühlt sich als Hörer musikalisch sofort abgeholt und lauscht dem, meist sehr akustisch aufgenommenen Songs. Deshalb kommt auch keine Sekunde Langeweile auf – ein starkes Album.

It is summer dawn . . . and you are alone. Here is music for your strange mood. The piano starts the first track, slow tempo beat, a strict beat, a swinging beat. Lillemor—here minor harmonies give the tune a rural, romantic feeling of some place in Spain or France. The tempo changes to medium fast—the flute solos. Light phrasing contrasts beautifully to the earthy, swinging beat of the rhythm section and the repeating piano figures. The trombone adds a new color, a counterpoint of sound and phrasing, backed by the pulsating beat of this wonderful rhythm and the driving piano. Summer dawn . . . This music has more to offer, because it shows the personality of Sahib Shihab at its best. Sahib is a universal musician who reflects musical experiences in jazz since the end of the thirties. He lived through the important periods of modern jazz with his heart and mind wide open toward everything that was good music, regardless of being termed "Mainstream", "Bop", "Cool", "Westcoast", "Eastcoast", "Hard Bop'', et cetera. When you listen closely to his music, you will find traces of all these, but they are immersed in his deep musicianship and his true jazz personality. Sahib Shihab's background reads like the record of a master of advanced studies. Furthermore he played and collaborated with the coolest jazz musician of that period. Above all let's name Budd Johnson, Theolonius Monk, Tadd Dameron, Milt Jackson, Dizzy Gillespie, Illinois Jaquet, Elmer Snowden, Luther Henderson, Larry Noble, Fletcher Henderson, Roy Eldridge. In his early professional years, Sahib was heard mostly on alto sax; later, more often on baritone sax and flute. Today, his name is inseparably connected with these two instruments. The unity of his jazz performances is not alone bound up with the com¬positions and the arrangements of Sahib Shihab, though in their understated simplicity they have a melodic beauty that is seldom found in jazz of today. The rhythmical subtleties add to the overall qualities of being relaxed vehicles for free-blowing, but there is an immediacy that you hear and feel every moment when listening which defies analysis. The playing of the rhythm section helps greatly to promote the sense of flux and contrasting constant renewal that makes listening to this record so invigorating an experience. Well, this is no surprise, with Kenny Clarke as the nucleus of the rhythm group. Kenny 'Klook' Clarke is a major figure and contributor in jazz, one of the founders of modern jazz, and is ranked as one of the all-time great drummers. He influenced a whole generation of musicians with his playing, though living in Paris since the middle of the fifties somewhat dimmed his name to the general American public. Nevertheless, his name alone will assure a connoisseur to expect top class musical experiences. Talking of the rhythm section we have to name Jimmy Woode's bass, which together with Kenny's drumming, is the driving force for the group and the reliable harmonic anchor for the improvisors. By the way, Jimmy has been with the Duke quite a while, and this alone is an award for extraordinary craftsmanship and artistry. The good sounding rhythm with its full-bodied color is also a result of the added bongos of Joe Harris, who manages to stay out of the way of the players—a quality not often found with drummers—but his playing is felt through the set. There are two members of the group not yet mentioned. Two Europeans, pianist-composer-arranger Francy Boland from Belgium, and trombonist Ake Persson from Sweden. Francy Boland this time is a sideman, though normally he is a leader of recording sessions, both as composer-arranger and as musical director of the band. In the fifties he was in the States writing arrangements for different name-bands, such as Basie and Goodman. In Europe, he is famous for his swinging modern big band arrangements; and his inventiveness as a writer is reflected in his piano playing. He has the talent of using the right dynamic approach every moment, thus making his playing helpful to soloists and interesting for listeners as well. Ake Persson has been Scandinavia's out-standing trombone player for about ten years. There are only a few trombonists in Europe who might match his talents at times, but they lack the consistency of his playing. He is impressive, whether playing in a big band, or whether main soloist in his own small groups. American musicians love the sound of his slide trombone and his easily flowing romantic improvisations, so he often joins American name-bands as they travel in Europe. The music speaks alone . . . , we said it before. You have your soul to feel the beauty, to follow lines and structure, and to enjoy the spiritual excitement. Whether you enjoy the flowing, easy sounding theme of "Please Don't Leave Me", or the climaxing piano solo in the same piece—the bass solo in "Waltz For Seth" or the swinging baritone sax—listen to the first bars of this solo and pay attention to Kenny. Whether you listen to "Campi's Idea", (named after Gigi Campi, the well known Cologne jazz enthusiast who organized this recording) with the romantic flute solo of Sahib, the interesting tempo changes, the piano comping, the moving trombone solo; or to the up-tempo "Herr Fixit", with the cooking Kenny and humorous, driving flute solo, you know that these six musicians where in the right mood, in the right stimulating surroundings to feel what we all feel when it's: SUMMER DAWN.

Kindred spirits Passepartout Duo and Inoyama Land embody the essence of play - charting a new chapter and reinvigorating the environmental music and electronic landscape.

Passepartout Duo is formed of Nicoletta Favari (IT) and Christopher Salvito (IT/US), who since 2015 have been on a continuous journey travelling the world's corners, engaged in a creative process they term "slow music". Having been guests of many notable artist residencies and with live performances in cultural spaces and institutions, their evocative music escapes categorisation. With no fixed abode their musical pilgrimage brought them to Japan first in 2019, which prompted a deep connection to Kanky? Ongaku 'environmental music', a genre in which Inoyama Land is often associated with, soundtracking the duo's first immersive experience. In 2023 the duo revisited Japan and set out to reconnect in particular with the music of Inoyama Land, performed by Makoto Inoue and Yasushi Yamashita. The highly revered album 'Danzindan-Pojidon' (1983) produced by Haruomi Hosono amongst other well publicized and acclaimed reissues (Light in The Attic Records' Grammy-nominated compilation 'Kanky? Ongaku'), produced a global resurgence and admiration of the environmental music movement. Nicoletta took the lead to seek out Inoyama Land and in making contact successfully their intrigue and eagerness to meet was warmly reciprocated, and the group scheduled to meet in the form of a spontaneous improvisation session. "We're deeply concerned with what it means to be a duo, and what it means for people to connect through music."

Radio Yugawara is a unique one-off transmission from a specific place and point in time, unlikely to ever occur again. The respective duo's approach can really be described as "tuning in", a tuning into each other, to themselves, and to the surrounding nature of Yugawara. Like waves that travel off-world, sounds travel through the universe and can be lost forever if we don't seek them out. In finding a harmonic affinity within their instruments and a spiritual kinship in their interwoven performance, Radio Yugawara at its core is an interpretation of feeling, of close human interaction and the true essence of discovery.

"The album is both a transmission from a location, but also a tuning into the surroundings and to each other. Music in this kind of ephemeral moment is much less about active creation and more about discovering something which is already there in the air."

Der Afrobeat-Virtuose Seun Kuti bereitet sich darauf vor, sein neuestes musikalisches Meisterwerk, das von Lenny Kravitz produziert wurde und auf dem Damian Marley und Sampa The Great zu hören sind, auf die Welt loszulassen. Sein Album “Heavier Yet (Lays The Crownless Head)“ erscheint sechs Jahre nach dem Grammy-nominierten Album "Black Times" und einen entscheidenden Moment in Seun Kutis glanzvoller Karriere und zeigt seine Entwicklung als Künstler und Aktivist. Produziert von dem legendären Musiker Lenny Kravitz und Fela Kutis ursprünglichem Tontechniker Sodi Marciszewer (künstlerischer Produzent), verspricht „Heavier Yet (Lays The Crownless Head)“ ein Klangerlebnis wie kein anderes. Mit der Expertise von Kravitz und Sodi und dem unvergleichlichen Talent von Seun Kuti bleibt das Album den Wurzeln des Afrobeat treu und definiert gleichzeitig die Grenzen der zeitgenössischen Musik neu. Die sechs elektrisierenden Songs auf „Heavier Yet (Lays The Crownless Head)“ verkörpern den Geist des Widerstands, der Resilienz und der Revolution. Jeder Song handelt davon, sich Herausforderungen zu stellen und für Veränderungen zu kämpfen. So wie die Einzelsingles „Dey“ feat. Reggae-Ikone Damian Marley, beschrieben als "ein Song über das Umarmen und Verfechten dessen, was wir sind, ungeachtet dessen" und „Emi Aluta“ "ein Song über den Kampf (Aluta bedeutet Kampf), der eine Hommage an alle großen Revolutionäre ist", mit dem sambischen Sänger, Rapper und Songwriter Sampa The Great, einem der besten und innovativsten Lyriker unserer Zeit. Der Song „T.O.P.“ handelt davon, "wie die Gesellschaft Geld und Erfolg mehr schätzt als Menschen". Seun Kuti möchte dies ändern, indem er Empathie fördert und die Verbindung zur Natur wiederherstellt. In einem anderen Song, „Love & Revolution'“, drückt er seine Liebe zu seiner Frau aus und glaubt, dass wahre Liebe die Menschen dazu inspirieren kann, die Welt zu einem besseren Ort zu machen. "Dieses Projekt war für mich etwas ganz Besonderes, von dem Moment an, als ich es konzipierte und mit Lenny Kravitz sprach, der mir so viel brüderliche Liebe und Respekt entgegenbrachte", sagt Seun. "Er hat mich in sein Haus eingeladen. Ich habe seine Tochter Zoe kennengelernt und er hat uns mit Feuereifer geführt. Seit wir vor drei Jahren über das Album gesprochen haben, war er als ausführender Produzent dieses Projekts immer an unserer Seite und hat uns sehr unterstützt". "Ich möchte mich bei Craig Ross und Sodi, dem Produzenten dieses Projekts, bedanken. Wir hatten eine großartige Zeit. Es war das erste Mal für mich, dass ich mit Sodi im Studio war und ich war wirklich beeindruckt von seiner Arbeit und seinen väterlichen Ratschlägen und seiner Hingabe". Jeder Song auf dem Album ist ein Beweis für Seun Kutis unerschütterliches Engagement, Musik als Werkzeug für sozialen Wandel und Empowerment einzusetzen. Mit seinen kraftvollen Texten und ansteckenden Grooves führt er das Erbe seines Vaters, des legendären Fela Kuti, fort und bahnt sich gleichzeitig seinen eigenen Weg in der Welt der Musik.



Seun Kuti ist ein nigerianischer Musiker, Sänger und Songwriter, der für seine fesselnden Auftritte und seine gesellschaftskritische Musik bekannt ist. Er ist der jüngste Sohn des Afro-Beat-Pioniers Fela Kuti. Seun hat die meiste Zeit seines Lebens damit verbracht, das politische und musikalische Erbe seines Vaters zu bewahren und zu erweitern, und zwar als Leiter der ehemaligen Band seines Vaters, Egypt 80. Als aufstrebender Saxophonist und Schlagzeuger trat er in die formellen Reihen der Band ein, bevor er 12 Jahre alt war. Als Fela 1997 starb, übernahm Seun Kuti auf Wunsch seines Vaters die Leitung von Egypt 80, die er seither innehat. Im Laufe seiner Karriere hat Seun Kuti 4 Alben mit Egypt 80 veröffentlicht: `Many Things' (2008), `From Africa with Fury: Rise for Knitting Factory Records" (2011), koproduziert von Brian Eno und John Reynolds, "A Long Way Beginning" (2014) und das für einen Grammy nominierte "Black Times" (2018), das ein Feature von Carlos Santana enthält. Außerdem haben sie zahlreiche EPs veröffentlicht. Seun hat vor einem begeisterten Publikum auf der ganzen Welt gespielt und mit vielen großen Künstlern zusammengearbeitet. Im Jahr 2022 schloss er sich für die EP "African Dreams" mit dem Roots-Frontmann und MC-Extraordinarius Black Thought zusammen. Im Jahr 2023 arbeitete Seun an Janelle Monaes "The Age of Pleasure" (Grammy-Nominierung für das Album des Jahres) mit den beiden Singles "Float" und "Knows Better" mit, tat sich mit Talib Kweli und MadLib für deren Album "Liberation 2" bei dem Song "Nat Turner" mit Cassper Nyovest zusammen und veröffentlichte eine neue Version der Single "Bad Man Lighter" mit Black Thought und Vic Mensa.

Der Afrobeat-Virtuose Seun Kuti bereitet sich darauf vor, sein neuestes musikalisches Meisterwerk, das von Lenny Kravitz produziert wurde und auf dem Damian Marley und Sampa The Great zu hören sind, auf die Welt loszulassen. Sein Album “Heavier Yet (Lays The Crownless Head)“ erscheint sechs Jahre nach dem Grammy-nominierten Album "Black Times" und einen entscheidenden Moment in Seun Kutis glanzvoller Karriere und zeigt seine Entwicklung als Künstler und Aktivist. Produziert von dem legendären Musiker Lenny Kravitz und Fela Kutis ursprünglichem Tontechniker Sodi Marciszewer (künstlerischer Produzent), verspricht „Heavier Yet (Lays The Crownless Head)“ ein Klangerlebnis wie kein anderes. Mit der Expertise von Kravitz und Sodi und dem unvergleichlichen Talent von Seun Kuti bleibt das Album den Wurzeln des Afrobeat treu und definiert gleichzeitig die Grenzen der zeitgenössischen Musik neu. Die sechs elektrisierenden Songs auf „Heavier Yet (Lays The Crownless Head)“ verkörpern den Geist des Widerstands, der Resilienz und der Revolution. Jeder Song handelt davon, sich Herausforderungen zu stellen und für Veränderungen zu kämpfen. So wie die Einzelsingles „Dey“ feat. Reggae-Ikone Damian Marley, beschrieben als "ein Song über das Umarmen und Verfechten dessen, was wir sind, ungeachtet dessen" und „Emi Aluta“ "ein Song über den Kampf (Aluta bedeutet Kampf), der eine Hommage an alle großen Revolutionäre ist", mit dem sambischen Sänger, Rapper und Songwriter Sampa The Great, einem der besten und innovativsten Lyriker unserer Zeit. Der Song „T.O.P.“ handelt davon, "wie die Gesellschaft Geld und Erfolg mehr schätzt als Menschen". Seun Kuti möchte dies ändern, indem er Empathie fördert und die Verbindung zur Natur wiederherstellt. In einem anderen Song, „Love & Revolution'“, drückt er seine Liebe zu seiner Frau aus und glaubt, dass wahre Liebe die Menschen dazu inspirieren kann, die Welt zu einem besseren Ort zu machen. "Dieses Projekt war für mich etwas ganz Besonderes, von dem Moment an, als ich es konzipierte und mit Lenny Kravitz sprach, der mir so viel brüderliche Liebe und Respekt entgegenbrachte", sagt Seun. "Er hat mich in sein Haus eingeladen. Ich habe seine Tochter Zoe kennengelernt und er hat uns mit Feuereifer geführt. Seit wir vor drei Jahren über das Album gesprochen haben, war er als ausführender Produzent dieses Projekts immer an unserer Seite und hat uns sehr unterstützt". "Ich möchte mich bei Craig Ross und Sodi, dem Produzenten dieses Projekts, bedanken. Wir hatten eine großartige Zeit. Es war das erste Mal für mich, dass ich mit Sodi im Studio war und ich war wirklich beeindruckt von seiner Arbeit und seinen väterlichen Ratschlägen und seiner Hingabe". Jeder Song auf dem Album ist ein Beweis für Seun Kutis unerschütterliches Engagement, Musik als Werkzeug für sozialen Wandel und Empowerment einzusetzen. Mit seinen kraftvollen Texten und ansteckenden Grooves führt er das Erbe seines Vaters, des legendären Fela Kuti, fort und bahnt sich gleichzeitig seinen eigenen Weg in der Welt der Musik.



Seun Kuti ist ein nigerianischer Musiker, Sänger und Songwriter, der für seine fesselnden Auftritte und seine gesellschaftskritische Musik bekannt ist. Er ist der jüngste Sohn des Afro-Beat-Pioniers Fela Kuti. Seun hat die meiste Zeit seines Lebens damit verbracht, das politische und musikalische Erbe seines Vaters zu bewahren und zu erweitern, und zwar als Leiter der ehemaligen Band seines Vaters, Egypt 80. Als aufstrebender Saxophonist und Schlagzeuger trat er in die formellen Reihen der Band ein, bevor er 12 Jahre alt war. Als Fela 1997 starb, übernahm Seun Kuti auf Wunsch seines Vaters die Leitung von Egypt 80, die er seither innehat. Im Laufe seiner Karriere hat Seun Kuti 4 Alben mit Egypt 80 veröffentlicht: `Many Things' (2008), `From Africa with Fury: Rise for Knitting Factory Records" (2011), koproduziert von Brian Eno und John Reynolds, "A Long Way Beginning" (2014) und das für einen Grammy nominierte "Black Times" (2018), das ein Feature von Carlos Santana enthält. Außerdem haben sie zahlreiche EPs veröffentlicht. Seun hat vor einem begeisterten Publikum auf der ganzen Welt gespielt und mit vielen großen Künstlern zusammengearbeitet. Im Jahr 2022 schloss er sich für die EP "African Dreams" mit dem Roots-Frontmann und MC-Extraordinarius Black Thought zusammen. Im Jahr 2023 arbeitete Seun an Janelle Monaes "The Age of Pleasure" (Grammy-Nominierung für das Album des Jahres) mit den beiden Singles "Float" und "Knows Better" mit, tat sich mit Talib Kweli und MadLib für deren Album "Liberation 2" bei dem Song "Nat Turner" mit Cassper Nyovest zusammen und veröffentlichte eine neue Version der Single "Bad Man Lighter" mit Black Thought und Vic Mensa.

Human Impact, die laserpräzise Noise-Rock-Allianz von Unsane-Frontmann Chris Spencer und Cop Shoot Cop-Mitglied Jim Coleman, meldet sich mit 'Gone Dark', dem zweiten Album der Band, zurück. 'Gone Dark' ist kein Schrei aus der Dunkelheit, sondern ein Schrei durch die Dunkelheit, eine robuste Proklamation von Resilienz und Widerstand im Angesicht der drohenden Apokalypse.

Dank der Verstärkung durch zwei weitere Noise-Rock-Veteranen - Bassist Eric Cooper (Made Out of Babies, Bad Powers) und Schlagzeuger Jon Syverson (Daughters) - ist das Arsenal von Human Impact gewaltiger denn je. Spencer, der das Jahr 2020 damit verbracht hatte, an einer Hütte in den Wäldern von Ost-Texas zu arbeiten, reiste nach Austin, um mit den beiden in der Garage des Bassisten zu jammen. Freundschaftliche Jamsessions mit alten Unsane-Songs führten schließlich dazu, dass die Rhythmusgruppe für die Europatournee 2022 vollständig in das Line-Up von Unsane und Human Impact integriert wurde.

Aufgenommen mit Co-Produzent Andrew Schneider (Ken Mode, Cave In) im Cedar Creek Studio in Austin, Texas, ist 'Gone Dark' eine härtere, straffere Version der strammen Grooves von Human Impact, mit zerbrechlichen Gitarrensplittern, leidenschaftlichen Schreien und Wolken aus dystopischem Lärm.

Mit der neuen Doppel-LP 'Long Distance Love - A Sweet Relief Tribute to Lowell George' hat Sweet Relief, die Organisation, die alle Arten von Berufsmusikern und Beschäftigten der Musikindustrie finanziell unterstützt, die mit körperlichen oder geistigen Problemen, Behinderungen oder altersbedingten Problemen zu kämpfen haben, ein Juwel vorgelegt.

Lowell George war der Gitarrenvirtuose, Sänger und Songschreiber von Little Feat. In dieser Sammlung von 25 Liedern interpretieren und spielen Künstler wie Elvis Costello, Ben Harper und Dave Alvin seinen vielfältigen Katalog. Der in Hollywood, Kalifornien, geborene George war Mitglied von Frank Zappas Mothers of Inventions, bevor er diese Band verließ und mit Bill Payne Little Feat gründete. Lowell gehörte der Band 7 Jahre lang bis zu seinem Tod an und veröffentlichte in dieser Zeit acht Alben. Obwohl George 1979 starb, lebt sein Vermächtnis durch dieses Album weiter.

After 2 years of relentless touring in support of their critically acclaimed debut album, Thee Sacred Souls return with "Lucid Girl", the lead single from their forthcoming sophomore album, Got a Story to Tell. Backed by a heavy beat and lavish arrangement, singer Josh Lane-displaying a soulfulness beyond his years-sings an empowering tale of a girl who has the clarity to put her needs before prospective suitors. B-side features "Losing Side of Love."

Charlie Manning ist Chubby and The Gang. Der Mitte 30-jährige gebürtige Londoner startete das Projekt 2019 mit der Absicht, Hardcore-Punk mit den
ansteckendsten Elementen des 70er-Jahre-Rock'n'Roll und Doo-Wop zu vermischen. Charlie brachte eine „Gang“ rotierender Instrumentalisten ins
Spiel, die auf den Alben Speed Kills (2020) und The Mutt's Nuts (2021) mitwirkten. Jetzt ist es soweit: Chubby and the Gang schließt sich dem
langjährigen Hardcore-Label Flatspot Records an und veröffentlicht das neue Album „And Then There Was...“.
Das Album besteht aus 16 von Charlie geschriebenen und gespielten Songs, produziert von Jonah Falco und aufgenommen und abgemischt von James
Atckinson. Es ist eine Mischung aus Kontrolle und Chaos, Liebe und Einsamkeit, Wut und Verletzlichkeit. Die Songs schreien förmlich danach, live
gehört zu werden, fühlen sich aber genauso wohl, wenn sie über die Lautsprecher einer schummrigen Kneipe laufen. Auf „And Then There Was...“
stellt Charlie sein Talent für Melodien und die Offenlegung seines wahren Ichs unter Beweis.
In den fünf Jahren, die es Chubby and the Gang gibt, hat die Band mehr erreicht als die meisten in der doppelten Zeitspanne. Es ist keine
Überraschung, dass die Band weltweit und in den Medien gelobt wird: Rolling Stone, Pitchfork, The Guardian, NME und viele mehr haben über sie
berichtet

Charlie Manning ist Chubby and The Gang. Der Mitte 30-jährige gebürtige Londoner startete das Projekt 2019 mit der Absicht, Hardcore-Punk mit den
ansteckendsten Elementen des 70er-Jahre-Rock'n'Roll und Doo-Wop zu vermischen. Charlie brachte eine „Gang“ rotierender Instrumentalisten ins
Spiel, die auf den Alben Speed Kills (2020) und The Mutt's Nuts (2021) mitwirkten. Jetzt ist es soweit: Chubby and the Gang schließt sich dem
langjährigen Hardcore-Label Flatspot Records an und veröffentlicht das neue Album „And Then There Was...“.
Das Album besteht aus 16 von Charlie geschriebenen und gespielten Songs, produziert von Jonah Falco und aufgenommen und abgemischt von James
Atckinson. Es ist eine Mischung aus Kontrolle und Chaos, Liebe und Einsamkeit, Wut und Verletzlichkeit. Die Songs schreien förmlich danach, live
gehört zu werden, fühlen sich aber genauso wohl, wenn sie über die Lautsprecher einer schummrigen Kneipe laufen. Auf „And Then There Was...“
stellt Charlie sein Talent für Melodien und die Offenlegung seines wahren Ichs unter Beweis.
In den fünf Jahren, die es Chubby and the Gang gibt, hat die Band mehr erreicht als die meisten in der doppelten Zeitspanne. Es ist keine
Überraschung, dass die Band weltweit und in den Medien gelobt wird: Rolling Stone, Pitchfork, The Guardian, NME und viele mehr haben über sie
berichtet

Tamil Rogeon, the Melbourne based multifaceted jazz, classical and electronic violin & viola player firmly cemented his reputation with the critical success of his 2021 album Son Of Nyx which was released on Soul Bank Music, Impressive Collective head honcho Greg Boraman's previous label. Lauded as a modal and spiritual jazz fusion opus, Son Of Nyx found favour with Gilles Peterson, Laurent Garnier, Rebecca Vasmant, BBC6 Music's' Cerys Matthews and Deb Grant, was a Jazz FM’ Album of the Week. Building upon that highly original sound concept, Wave Theory draws from the jazz fusion movements of the 70s and 80s and conjures up textured soundscapes rich with cosmic synths, soaring vocals and deep jazz funk, and sees Tamil once again joining forces with Son of Nyx contributors Rita Satch and Daniel Mougerman, plus new collaborators and special guests including Lance Ferguson and celebrated trumpeter, friend Audrey Powne. Listeners can expect the same modal experiments, driving percussion and cosmic synths of Son of Nyx as well as new and exhilarating experiments in electric string instrumentation. Across all 6 tracks the highlights are numerous, but of particular note are the album opener "Ascend it!"; a fusion masterpiece that seamlessly blends psychedelic elements, funk grooves, intricate melodies, and improvisation. When "Doom Date" takes flight we are transported to Mahavishnu Orchestra-like territory, before finishing with an angular melody that is pure jazz-fusion inventiveness. The irresistibly funky 'Gift Of The Gab” is built upon a hypnotic bass line over drum and percussion. Laden with synth and retro keyboards reminiscent of the deep funk of Herbie Hancock’s late 70s period. "Mountain Bug' alternates between minor and major keys, a hallucinatory violin solo is followed by a dazzling trumpet improvisation. A restatement of the melody accompanied by the gunfire of the drum set and percussion. Tamil says of Wave Theory “Sometimes themes reveal themselves through creative encounters and through life experience. I wrote and recorded the album in six months. A lot happened to me and my friends during that time so, for me, ‘Wave Theory’ is like a musical snapshot of life’s relentless ebbs and flows. It’s about the sadness and thrills of endless transformation and the power of creative connection".

After almost 2 years in development, Manata’s debut LP - The Golden Age, is by far the most challenging project we had worked on until this day.

This 9 track double vinyl represents perfectly what our vision is through music and what we aim to do as a label. In this album you will dive into Joao’s biggest influences between house and techno, a journey which will take you back to the golden era of electronic music. As you slide into the tracks, you can notice how the album goes from light to dark, with disc 1 delevering a more housy and groovy vibe, and disc 2 beeing more dark and energetic. Reachable to all ears and dancefloors is how we classify this golden nugget.

Dawn Richard and Spencer Zahn share a common collaborative ethos, a genuine sense of musical curiosity, and a cosmopolitan eagerness to escape the conventions of genre. That shared vision first brought them together on 2022's Pigments_icy and warm, stripped-down and grand, familiar and otherworldly_and now it has reunited them for Quiet in a World Full of Noise. By turns intimate, soul-baring, spectral, and startling, Quiet in a World Full of Noise blends atmospheric and orchestral soundscapes with mellifluous soul, jazz, and journalistic vocalizing_driving it all home with stark, confessional lyricism. The new album finds Richard at her most raw and exposed. This year, Richard's musician father experienced mini strokes while being diagnosed with cancer; and last year, her cousin Cisco was fatally shot seven times in New Orleans. Richard channels the emotional impact of these traumatic experiences of loss into her lyrics and vocal performances, which are left bare and human here, raw and unprocessed across the album. Quiet expands the definitions of what constitutes progressive, avant-garde R&B by rewriting them altogether. On paper, Richard and Zahn's audacious, impressionistic musical collaborations feel like a surprising match. Richard, a New Orleans-reared visionary, has had an improbable journey from late 2000s reality television and mainstream pop with girl group Danity Kane to become one of the most prolific, experimental, and visible indie R&B singer-songwriters of the last decade and a half, with seven solo albums under her belt. Zahn is an East Coast-raised multi-instrumentalist and composer working at the intersections of jazz, Americana, classical, and ambient pop. His growing solo discography includes People of the Dawn, Sunday Painter, Pale Horizon, and Statues I & II, as well as the duo's first release, Pigments. "Pigments was one of the best projects I've ever made," Richard says, "and the furthest I've ever been pushed as an artist." The album was a critical hit, hailed as Best New Music by Pitchfork and receiving praise from Stereogum as Album of the Week, NPR Music, Bandcamp Daily, The Fader, Bitter Southerner, and Edition, among many other publications. The making of its follow-up, Quiet in a World Full of Noise, began in 2023 in upstate New York. Fresh from a break-up, Zahn sat at his piano and poured himself into writing and recording instrumental compositions. "I wrote all these stream-of-consciousness pieces on piano, and they were eerie, spacious piano tracks," he said. He used a piano that had been unconventionally tuned to the room rather than to standard pitch. These oddly-tuned, eerie instrumental recordings were never intended to be an album. Six months later, he listened to the recordings again and sent them to Richard who immediately recognized their potential and said, "Oh, this is the next album." Richard went into the studio the next day and wrote and recorded melodies and lyrics to Zahn's piano recordings. Zahn brought in gifted musicians like Bryan Senti on strings (violin, viola, and violoncello da spalla) and CJ Camerieri on brass (French horn, flugelhorn, and trumpet). In some cases, like on the track "Life in Numbers," Zahn used only the original first-take piano recording and scratch vocal, resulting in an intimate close-up of both Richard and Zahn.

Kreaturen der Nacht sehnen sich in die 80er Jahre des letzten Jahrhunderts zurück. Post-Punk und New Wave stiegen zu glorreichen Höhen auf und diese epische Erforschung dunkler Klangwelten auf der Basis von harten Gitarren und treibender Elektronik fand auf allen alternativen Tanzflächen statt. Klangvolle Namen wie SISTERS OF MERCY, FIELDS OF THE NEPHILIM, DEPECHE MODE, JOY DIVISION, THE HUMAN LEAGUE, ULTRAVOX und viele andere funkeln noch immer in einem magischen Glanz. Zum Glück sind all die subtile Erotik, elektrisierende Spannung und die düstere musikalische Leidenschaft nicht für alle Zeiten verloren gegangen: Die Rettung naht mit SOROR DOLOROSA auf schwarzen Schwingen. Das vierte Album der Franzosen mit dem vielsagenden Titel "Mond" hat musikalische Reißzähne, die schon beim ersten Durchgang köstliches Klangblut sprudeln lassen. Der klassisch-dunkle Post-Punk findet sich ebenso wieder wie Wave-Elemente und ein überwältigender Drang, die Füße in ekstatischen Tänzen unter dem namensgebenden Mond bewegen zu müssen. Doch SOROR DOLOROSA gehen dabei keineswegs mit abgestandenem Nostalgie-Schlangenöl hausieren. Die nach Paris umgezogenen Veteranen haben das klassische Feeling mit dem massiven Sound des neuen Jahrtausends für einen neuen Höhenflug aufgerüstet. Die Idee, den Mix und das Mastering von "Mond" James Kent anzuvertrauen, erweist sich als hervorragender Schachzug. Der PERTURBATOR-Vordenker hat die üppige Produktion dieses epischen Albums mit einer vibrierenden Power und wohltuenden ätherischen Kühle aufpoliert. Textlich bleiben SOROR DOLOROSA dem seit ihrer Gründung im Jahr 2001 in der südfranzösischen Stadt Toulouse eingeschlagenen Weg treu. Die erstmals mit der "Severance" (2009) Debüt-EP manifestierten dunkel-romantischen und kathartischen Gefühlslandschaften lassen noch immer das Herz der Band schlagen. Die Inspiration für "Mond" stammt unter anderen aus den Federn von Dichtern und Schriftstellern wie William Blake und Edgar Alan Poe.

The release will be available on super ltd edition black and clear vinyl, including download code.
Up In Her Room are delighted to bring you the latest offering from Uruguay’s Las Cobras!
Emerging from the Uruguayan city of Canelones in 2017, Las Cobras introduced themselves with their debut album, 'Temporal', a 9-track release that quickly became a reference point in global psychedelia after signing with London’s Fuzz Club Records. A couple of years later, the duo—Leandro Rebellato and Sofia Aguerre—expanded to include Dario Macarín and Diego Mercadal, releasing their second album, 'Selva'.
In their debut, Las Cobras blended proto-punk and shoegaze with hints of afrobeat and Tropicalia. With 'Selva', the band amplified these elements, showcasing their evolving sound. Notably, their track "Al más Allá" is featured in the Amazon Prime series "La Cabeza de Joaquín Murrieta."
For their third album, 'Cárcavas', the band explores the concept of the cárcava—a scar on the earth symbolizing a period of desolation. Teaming up with London label 'Up in her Room', they present a darker, more chaotic record that reflects the tumultuous years they've endured. Most tracks were mixed by James Aparicio (Depeche Mode, Spiritualized, Throw Down Bones Grinderman), lending the album a sharper, more defined sound. Las Cobras continue to delve into their sonic palette, incorporating electronic drums, Latin percussion, penetrating synthesizers, and fuzzed-out guitars, all from a more stripped-down perspective.
Black butterfly for example is an espectrum of a lost friend. Like a ghost...Always in orbit. Diving into darker places... Traveling through the universe...

RAT BOY have recorded in Los Angeles with T im Armstrong of Rancid, played festivals as far afield as Japan and China, and toured North America with The Interrupters. Yet for all those globe-trotting adventures, there"s no place you know quite as well as home. That"s the central topic that R AT BOY explore on their upcoming third album "SUBURBIA CALLING", which will be released on October 4th via Hellcat. "SUBURBIA CALLING" sees RAT BOY exploring stories from their roots in Essex. It"s the land of wheeler -dealers and dodgy geezers, and home to nosey neighbours, rowdy clubs and Joey Essex. For readers outside of the UK, it"s the land of Blur, Depeche Mode and The Prodigy: a place not so far outside of east London, but in other ways it"s a world away. And it"s not only an immense font of inspiration for RAT BOY, but the place where ever ything happens for them.. Just outside of Chelmsford sits a converted barn where the band can jump in and be creative whenever the mood takes them - a HQ that is a recording studio, a rehearsal space, an art studio, a storage space and a hangout spot all-in-one. Frontman Jordan Cardy says, "I wanted to sing about Essex. Essex is where we live and when you"ve grown up somewhere you notice things about it. There"s so much to draw on. Essex is really close to London but it"s different in a lot of ways. We"ve got a lot of freedom here, we built a place where we can record and rehearse and hang out, somewhere you wouldn"t be able to have in London." RAT BOY - completed by Liam Haygarth (bass), Harr y Todd (guitar) and Noah Booth (dr ums) - approached the making of the al - bum in unorthodox fashion. They recorded a home demo and a live performance of each song, which were then sent to producer Stephen Street (The Smiths, Blur) to edit together like a tapestry puzzle.

RAT BOY have recorded in Los Angeles with T im Armstrong of Rancid, played festivals as far afield as Japan and China, and toured North America with The Interrupters. Yet for all those globe-trotting adventures, there"s no place you know quite as well as home. That"s the central topic that R AT BOY explore on their upcoming third album "SUBURBIA CALLING", which will be released on October 4th via Hellcat. "SUBURBIA CALLING" sees RAT BOY exploring stories from their roots in Essex. It"s the land of wheeler -dealers and dodgy geezers, and home to nosey neighbours, rowdy clubs and Joey Essex. For readers outside of the UK, it"s the land of Blur, Depeche Mode and The Prodigy: a place not so far outside of east London, but in other ways it"s a world away. And it"s not only an immense font of inspiration for RAT BOY, but the place where ever ything happens for them.. Just outside of Chelmsford sits a converted barn where the band can jump in and be creative whenever the mood takes them - a HQ that is a recording studio, a rehearsal space, an art studio, a storage space and a hangout spot all-in-one. Frontman Jordan Cardy says, "I wanted to sing about Essex. Essex is where we live and when you"ve grown up somewhere you notice things about it. There"s so much to draw on. Essex is really close to London but it"s different in a lot of ways. We"ve got a lot of freedom here, we built a place where we can record and rehearse and hang out, somewhere you wouldn"t be able to have in London." RAT BOY - completed by Liam Haygarth (bass), Harr y Todd (guitar) and Noah Booth (dr ums) - approached the making of the al - bum in unorthodox fashion. They recorded a home demo and a live performance of each song, which were then sent to producer Stephen Street (The Smiths, Blur) to edit together like a tapestry puzzle.

"Throat" ist die Kollabo zweier beurlaubter Künstler: Nick Power (The Coral) und McKowski (The Lost Brothers), Soundtrackkomponist (Quantum Cowboys), Drehbuchautor (The Spin), Tourmusiker (Jolie Holland, Howe Gelb, M. Ward). Der Swamp-Aussenseiter "Throat" gibt der Geheimwelt aus Folk-Horror, VHS-Video-Grusel, Poesie, Naturwelt, Spukologie, Kriminalität, John-Laurie-Filmen, Teenager-Acid-Trips und abgedrehten Roadsongs eine Plattform. Alle Aufnahmen entstanden im ersten Take, Fehler blieben drin. Innerhalb dieses Rahmens blüht "Throat" auf, verzichtet auf traditionelle Songstrukturen zugunsten dissonanter Instrumentalpausen, gesprochener Passagen und dem Klang von Schritten auf einer Holztreppe.

THE HEADLINES aus Skandinavien sind zurück! Neues Album der Band, die dich an deine erste Liebe zum Rock'n'Roll oder an dein erstes Punkfestival erinnert, begleitet von einem schnellen Beat und billigem Wein in der Sonne. Als "Homewrecker" wird oft eine Person bezeichnet, die sich - in den meisten Fällen wissentlich - auf eine Beziehung oder Affäre mit einem verheirateten Partner einlässt.Aber was ist die wahre Bedeutung hinter diesem Wort und der übermäßigen Kraft, die nötig ist, um etwas in Schutt und Asche zu legen, sei es ein Haushalt oder ein ganzes Leben mit all seinen Seelen? Drogen, Glücksspiel, Dekadenz, Aggression, Geld, promiskuitiver Sex. Die zerstörerischen Kräfte haben alle Bandmitglieder von THE HEADLINES in irgendeiner Weise fasziniert, und alle 12 Songs versuchen, das Thema bis zu einem gewissen Grad zu zerlegen."Was passiert, bevor, während und nachdem der HOMEWRECKER die Kontrolle über dein Leben übernimmt?"Der Wille, das herauszufinden, führte zu ihrem bisher ambitioniertesten Werk. Das aktuelle Line-Up mit der authetischen und aufgeschlossenen KERRY BOMB im Zentrum markiert einen neuen Schritt für dieses Punk-Quintett in Richtung Alternative, aber noch mit dem gleichen punkigen Nerv und umarmenden Texten. Ein vitaler und ehrgeiziger Sound von hardrockenden Hymnen, die die Ohren herausfordern! Es hat Alternative-Rock-Vibes, Hardrock-Soli, punkiges Knurren und erstklassige Hooks. Skandinavischer Rock hat schon immer die Grenzen von "wie weit kann das gehen?" getestet. Dieses Album bildet da keine Ausnahme, mit Texten, die tief in den Abgrund führen, aber auch mit unbeschwerten Partyhymnen! Für dieses Album hat die Band mit einem starken Team in ihrem "eigenen Hinterhof" Skandinavien zusammengearbeitet. Aufgenommen, bearbeitet und produziert von KB Larsen (Volbeat) und Thomas Larsen (Tambourine Studios/Fabriken Studios) in Kopenhagen und Malmö, gemischt von Håkan Sörle (Mando Diao) in Stockholm. Eine weitere einzigartige der HEADLINES, die in die bei Alternative/Punk/Rock bestens aufgehoben ist. THE HEADLINES touren weltweit und waren Special Guests auf der gesamten Millencolin & Danko Jones Tour (2023 / 2022), zur Album VÖ im Oktober gibt es nun die eigenen Headline-Tour, klaro!