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Zurück zu den Anfängen. Sharp Pins' Nummer-1-Hit und Wendepunkt in der Jugendrevolution-Propaganda. Ein klarer Aufruf an alle Mods, die noch zu jung waren, um sich in der Quadrophenia Alley die Knie aufzuschürfen: Robinsons Garten auf dem Weg der neuen Welle.

Anlässlich des 50-jährigen Jubiläums freut sich Ace Records, eine limitierte 3-LP-Compilation anzubieten, die dort beginnt, wo alles begann – bei Chiswick Records. Im November 1975 verwirklichte Ted Carroll endlich seinen Traum von einem eigenen Independent-Label, als Chiswick seine erste Single veröffentlichte – die EP 'Speedball' von The Count Bishops. Mit Roger Armstrong und Trevor Churchill an seiner Seite war Chiswick zur richtigen Zeit am richtigen Ort. Bald darauf veröffentlichten sie Singles, die sich in den Bereichen Pub Rock, Punk, Metal, Pop und Rockabilly etablierten, darunter 101’ers, Motörhead, The Gorillas, The Radio Stars, The Radiators, The Stukas und viele mehr. Auch gabe es Artists die später groß werden sollten:. Joe Strummer war der Frontmann der 101’ers. Johnny & the Self Abusers verwandelten sich später in Simple Minds, während Riff Raff einen jungen Billy Bragg in ihren Reihen hatte. Der Solokünstler Jakko wurde zu einer tragenden Säule einer späteren Inkarnation von King Crimson. Über sieben Jahre hinweg verkauften sich die Singles von Chiswick nicht nur gut, sondern das Label schaffte es sogar, mit so unterschiedlichen Künstlern wie den Radio Stars, Sniff ‘n’ the Tears, Rocky Sharpe & The Replays und den Damned Chart-Singles zu landen.Das von Roger Armstrong persönlich zusammengestellte 3-LP-Set vereint einige der besten 45-rpm-Veröffentlichungen von Chiswick aus den Jahren 1975 bis 1982. Von bekannten bis hin zu weniger bekannten Klassikern. Roger Armstrong und Ted Carroll haben auch die informativen Begleittexte verfasst, mit Geschichten aus der spannenden Historie von Chiswick Records. Ja, natürlich auch jene um das Motörhead-Debüt. Mit einer sehr limitierten Auflage wird diese Veröffentlichung sicherlich zu einem Sammlerstück werden. 3LPs, 36 Tracks

* Das Rilke Projekt - Europas erfolgreichstes Poesie Projekt * Von den Schöpfern und Produzenten Schönherz & Fleer * Ausgezeichnet mit dem Internationalen Buchpreis Corine des Nachrichtenmagazins Focus * Nominiert für den Deutschen Hörbuchpreis in der Kategorie: Innovation * Seit vielen Jahren mit großem Erfolg in Deutschland auf Tournee mit renommierten Schauspielern und Musikern * Das in den letzten 25 Jahren mehrfach mit Gold ausgezeichnete Projekt mit großen Künstlern * Nach bislang 6 Alben – Jetzt die große Retrospektive zum Jubiläum + brandneue Musik! * 150 Jahre Rilke + 25 Jahre RILKE PROJEKT! * Das neue Album „So viel Himmel“ mit Highlights aus 25 Jahren * Mit vier brandneuen Songs von Florian Künstler, Roland Kaiser, Madeline Juno & Laith Al-Deen * Zu den weiteren Albumgästen der Retrospektive zählen Iris Berben, Peter Maffay, Otto Sander, Nina Hagen, Jürgen Prochnow, Hanna Schygulla, Udo Lindenberg, Till Brönner, Dietmar Bär, Ben Becker, Hannah Herzsprung, Hannelore Elsner, Katja Flint und Sol Gabetta.

Mit "Cotton Crown" erweitert die Band ihre Klangpalette um eine kaleidoskopische Bandbreite an Einflüssen: Von gefühlvollem Pub-Rock über HÜSKER DÜ-Aggression bis hin zu melancholischem Sophisto-Pop ist alles dabei. Wie Pitchfork feststellte, sehen THE TUBS den Jangle als eine "riesige Welt der Stimmungen und Musen" und "Cotton Crown" zeigt, wie sie diese Welt weiter erforschen und dabei einen unverwechselbaren Tub-ular-Sound kreieren. Das liegt nicht zuletzt an der Gesangsleistung von Owen 'O' Williams, der oft mit einem jungen RICHARD THOMPSON verglichen wird, und an seinen offenen, düster-komischen Texten. In "Cotton Crown" widmet er sich weiter seinen Lieblingsthemen: Liebespsychose, unsympathisches, psychisch krankes Verhalten und die Demütigungen des Musikerdaseins in London. Dieses Mal ist jedoch ein Gefühl des Risikos in seinen Selbsteinschätzungen und Bekenntnissen spürbar. Im Mittelpunkt steht das Leben in der Zeit nach dem Selbstmord seiner Mutter (der Folksängerin Charlotte Greig), und Williams singt über die unbeholfenen, aufdringlichen und gut gemeinten sozialen Interaktionen, die darauf folgten. Das Albumcover zeigt ein Bild von Williams als Säugling, der von Greig auf einem Friedhof gestillt wird - ein Werbefoto, das um die Veröffentlichung des Debütalbums von Charlotte Greig herum aufgenommen wurde. Der wesentliche Trick von "Cotton Crown" besteht darin, die lyrische Düsternis von Williams durch fröhliche, hakengeladene Pop-Perfektion zu kompensieren. Das liegt vor allem an der Gitarrenarbeit von George Nicholls, der auf dem Album mühelos zwischen dem virtuosen Jangle von JOHNNY MARR, dem treibenden Folk-Rock von PENTANGLE und den Refrain-lastigen Hi-Fi-Grooves zeitgenössischer Bands wie TOPS oder THE 1975 hin- und herwechselt. Dazu kommt die halsbrecherische Rhythmusgruppe von Taylor Stewart (Schlagzeug) und Max Warren (Bass) - die jeden Song mit einer Power-Pop-Wut angreifen, die an GUIDED BY VOICES in ihren besten Zeiten erinnert - und schon hat man ein Rezept für großartigen Indie-Rock. Das Debütalbum der Band, "Dead Meat", wurde durch Mundpropaganda zu einer Sensation, die der Band Auszeichnungen von Pitchfork, The Guardian, MOJO, Uncut, SPIN und anderen einbrachte. Sie gewannen sogar einige prominente Fans: der unnachahmliche Mark Proksch (The Office, Better Call Saul, What We Do in the Shadows) spielte die Hauptrolle im Video zu ihrer Single "Round The Bend" und die Punk-Legende IGGY POP lobte sie in seiner BBC 6Music Radiosendung. Owen Williams, Max Warren und George Nicholls waren zuvor Mitglied von JOANNA GRUESOME - eine Band, die den Welsh Music Prize gewann, ausgiebig durch Großbritannien und die USA tourte und von Pitchfork, Rolling Stone, The New York Times, The Guardian und anderen gelobt wurde. Sängerin Lan McCardle, mit der Williams sowohl bei JOANNA GRUESOME als auch bei EX VOID zusammen musizierte, steuert bei einigen Stücken auf "Cotton Crown" Backing Vocals bei.

“Luminal” und “Lateral” hießen die gemeinsamen Alben, die Musiklegende Brian Eno und Konzeptkünstlerin
Beatie Wolfe im Juni veröffentlichten, zwei Projekte, die musikalisch eigenständig wie kreativ miteinander
verbunden waren. Damit haben beide ihr künstlerisches Pulver allerdings noch lange nicht verschossen,
jetzt lassen sie mit „Liminal“ eine dritte Album-Kollaboration zwischen Ambient Music und Alternative
Pop folgen.
Die Künstler sind Mitglieder von EarthPercent, einer Non-Profit-Organisation, die Klimaschutz innerhalb
der Musikindustrie einfordert und unterstützt. Die LP wird in BioVinyl (bio-basiertem PVC) gepresst.

Aufgenommen 1963, ist das Album nicht nur als zeitloses Meisterwerk der Bossa Nova relevant, sondern
auch ein Evergreen dieser überwältigend schönen, melancholischen Musik. Jobim, der zu den Begründern
der Bossa Nova gehört, nahm für sein Verve-Debüt seine damals noch jungen Hits “Corcovado,” “The Girl
from Ipanema”, “Agua de Beber” u.a. auf. Er ist an Gitarre und Piano zu hören, Claus Ogerman liefert
subtile Arrangements.

Remastered using pure analogue components only, from the master tapes through to the cutting head.

Ornette Coleman, who died in June 2015 from cardiac arrest, must be counted as one of the most influential musicians in the jazz genre. His importance does not only lie in his ground-breaking recordings in the late Fifties and early Sixties, but lies more significantly in the educational effect of his work – in the fact that he always went beyond himself to the very end.

Just a little more than a month after his ground-breaking release "Free Jazz", Coleman recorded the present album, in which he perhaps distanced himself somewhat from the conceptual idea, but still guided his quartet to ever more richness of detail and creativity. "Ornette!" was the first recording with bass-player Scott LaFaro and Coleman, and the difference in approach between LaFaro and Charlie Haden is noticeable from the very first note of "W.R.U.". His playing is more direct and agile, and one can hear how he drives Coleman and Don Cherry actively onwards and more aggressively than Haden’s warm, languid phrasing.

The tracks, with titles that are taken from the works of Sigmund Freud, are all gems and serve as a wonderful starting point for the musicians’ improvisations. By now, Coleman felt himself comfortable in lengthy pieces, and neither he nor his fellow musicians had trouble in filling out time, never once lacking for new ideas. Ed Blackwell deserves a special mention – he shows himself here at his very best. "Ornette!" is a superb release and an absolute must for all fans of Coleman and creative, improvised music in general.

"Dunya", der Titel von Mustafas meisterhaft ausgearbeitetem und atemberaubend zärtlichem Album, bedeutet aus dem Arabischen übersetzt so viel wie "die Welt mit all ihren Fehlern". Ein hochtrabendes Thema für einen jungen Songwriter, aber wie bei jedem Thema, das im Mittelpunkt der Arbeit des sudanesisch-kanadischen Künstlers steht - von religiöser Hingabe bis zu Kindheitstraumata, von Bandengewalt bis zu romantischer Intimität - nähert er sich durch eine persönliche Sichtweise. Er mischt Genres und Stimmungen, verwebt romanhafte Details in einprägsame Folksongs und hat ein Album geschaffen, das sich wie eine Reihe persönlicher Durchbrüche anfühlt, die einer nach dem anderen eintreffen. Was zuerst an Mustafas Musik auffällt, ist seine Art zu schreiben: ein einfacher, durchdringender Ton, der jede Geschichte so roh und ernsthaft wirken lässt wie die Worte eines Liebesliedes. Mit seinem leisen Vortrag, der seine Umgebung zum Schweigen bringen kann, entwickelte sich Mustafa schnell vom Wunderkind, das in seiner Heimatstadt Toronto Gedichte rezitierte, zu einer Kraft, die hinter den Liedern steht und Popsongs schreibt. Auf "Dunya" ist er zu einem eigenständigen Autoren gereift. "Ich versuche, das gewöhnliche Leben im Ghetto zu bewahren und zu feiern", beschreibt Mustafa seine lyrische Inspiration. Die Songs, in denen er sein Aufwachsen und seinen weiteren Lebensweg beschreibt, sind gleichermaßen entwaffnend in ihrer Einfachheit und vielschichtig in ihrer emotionalen Bandbreite. Durch die Zusammenarbeit mit Aaron Dessner, Rosalía, Clairo, Nicolas Jaar und anderen sowie Mustafas langjährigem kreativen Partner Simon Hessmann offenbart die Musik eine selbstbewusste, unverwechselbare Stimme, die noch nie so massenkompatibel geklungen hat.

Actress delivered his mix for RA in June and it wassuprisingly all new and exclusive Actress music. Whenasked if this was a new album, Actress aka Darren S.Cunningham simply answered that "it's a collage -Braque". Whatever you call this, a mix, a mixtape, acollage/braque, a new album , what it is, is anotherActress statement. Actress grows music. Completelyunconcerned with what it is, with what format it is orwhat it's defined as.

"Stories Of Life" - triosence malen Musik aus Geschichten, die das Leben schreibt Das Album "Stories of Life" des Genregrenzen neu definierenden Pianotrios triosence ist ein musikalisches Porträt von Momentaufnahmen aus dem Leben. In jedem Titel erkundet triosence-Bandleader und Komponist Bernhard Schüler die Tragik und Schönheit von Geschichten aus dem Alltag und malt diese Erlebnisse in betörend melodiöse, mitreißende Instrumentalkompositionen. Große Freude und tiefer Schmerz, scheinbar Banales und wahrhaft Lebensveränderndes liegen oft überraschend nah beieinander. Der Verlust einer Schwangerschaft in "Little Lost Wonder", die Liebe zu seiner kleinen Tochter in "Tamina's Lullaby", der Tod seines Onkels in "Dear Rainer" oder die Freude über wild wuchernde Garten-Gewächse seiner Lebensgefährtin in "Tomato Party" - "Stories of Life" ist die in Musik nachvollzogene Erkenntnis von Bernhard Schüler, dass im Leben all das verwoben ist. "Ich setze mich ans Klavier und spiele mir alles von der Seele. Schöne und traurige Erlebnisse, Beobachtungen, Empfindungen - Musik zu schreiben ist meine Art, über das Leben nachzudenken", erklärt er.Was "Stories Of Life" musikalisch auszeichnet, sind progressive Strukturen, die immer wieder in Stil, Tempo und Stimmung variieren; die mal laut oder leise sind, verträumt oder kraftvoll. Sie sollen den Hörer auf eine regelrechte Reise schicken, indem sie eine Reihe von starken Klangbildern erzeugen. "Wenn ich komponiere, habe ich das immer im Hinterkopf", so Bernhard Schüler. "Nämlich Geschichten mit meiner Musik zu erzählen. Das ist, was die Leute am meisten berührt." Auf "Stories Of Life" entwickeln er und seine Bandkollegen Tobias Schulte (Schlagzeug) und Omar Rodriguez Calvo (Bass) mit großer Leichtigkeit ihren melodiösen, stimmungsvollen Sound-Mix aus Weltbeat, Folk, Jazz, Rock und Pop konsequent weiter. "Wir gestalten ein totales Crossover", erklärt Bernhard Schüler, "das ist Musik, die zwar in klassischer Jazz-Formation daherkommt - mit Klavier, Bass und Schlagzeug - aber Jazz im herkömmlichen Sinn kann man das nicht mehr nennen. Mir geht es um starke Melodien und klare Songstrukturen. Eine Fokussierung auf das Wesentliche ist mir wichtig oder anders gesagt: musikalisch auf den Punkt zu kommen."Dem Maler Rainer Hoffmann ist nicht nur das Stück "Dear Rainer" gewidmet - mit "Stories Of Life" wird ihm auf besondere Weise ein Denkmal gesetzt. Sein Gemälde "Badere vid Ingetoprsjön" (Badende am Ingetorpssee) ziert denn auch das Cover-Artwork und im Booklet finden sich zehn weitere Bilder des Künstlers - jedes thematisch einem der Songs zugeordnet. "Leider hat die Kunst meines Onkels nie die Aufmerksamkeit und Anerkennung bekommen, die sie wirklich verdient hat", so Schüler. "Aber er hat ein sehr aufregendes Leben geführt und war ein wahrer Abenteurer, der bereits in frühen Jahren in die schwedische Wildnis gezogen ist und die ganze Welt bereist hat, um dort zu malen. Alles andere war ihm egal. Diese Leidenschaft für die Kunst - ohne Wenn und Aber - hat mich schon als kleiner Junge fasziniert, und wenn er damals Geschichten aus seinem Leben erzählt hat, saß ich mit großen Augen vor ihm." Eine dieser Geschichten greift Schüler in "Marrakesh Swing" auf - ein Flirt mit der Kultur einer Stadt, die er nie besucht hat, aber in seiner Komposition zu blühendem Leben erweckt. Der Hörer erlebt sie vor seinem geistigen Auge - in all ihren Facetten, Farben und ihrer Lebendigkeit.Mit "Tamina's Lullaby" ist nach langer Zeit wieder ein Stück für Soloklavier auf einem triosence-Album enthalten. Zudem schließt eine Referenz auf die Vergangenheit den Kreis der Geschichten auf "Stories of Life": Eine neue Instrumentalversion von "Like The Wind", das ursprünglich mit der US-Sängerin Sara Gazarek für das Album "Where Time Stands Still" aufgenommen wurde, bildet den Schlusspunkt des Albums.

The Criminal Minds return with the superb Smoove Criminal, a collection of criminally good tracks, the title track, Smoove Criminal, shows off the clean and sharp sound of the latest TCM workout, with heavy drums, rolling grooves and devastating bass.
Meanwhile, The Criminal Part 2 is a proper authentic old skool work out, a follow on from the classic Criminal Minds track, The Criminal.
And lastly, the Swankout Remix is a ruff jungle workout of a classic track, and this is the mix that has already been played on national radio, so its bound to hit in all the right places...

"TIME" was the second album released in 1977 by keyboardist Sato Hiroshi, whose albums "AWAKENING" and "ORIENT"continue to receive acclaim around the world. The 7-inch title "Yamate Hotel c/w Bad Junkie Blues", released as a pre releasepromo single and now it has finally been reissued officially with new artwork!! SIDE A "Yamate Hotel" is a mellow sophisticated soul/reggae superb track that starts with beautiful synth work, with lyrics by Matsumoto Takashi and percussion by Saito Nobu. It is a fantastic double-sider along with SIDE B "Bad Junkie Blues", which features a New Orleans funk-flavored arrangement that has been praised by Hosono Haruomi and others

Ramirez returns with THA PLAYA$ MANUAL II, the long-awaited sequel to his cult classic that helped solidify his place as one of underground rap’s most distinctive voices. Steeped in Southern-fried funk, Bay Area swagger, and Memphis-style menace, this new chapter finds Ramirez sharper, smoother, and more seasoned—delivering game like a streetwise sage with a gold grill grin.

Where the original Playa$ Manual was gritty and raw, THA PLAYA$ MANUAL II sounds like a player who's leveled up. The beats knock harder, the flows glide slicker, and the game is deeper. Ramirez weaves tales of betrayal, come-ups, late-night drives, and cold-hearted reality with the same charismatic cool that made him a standout in the $uicideboy$-adjacent G59 movement—but this time with a more refined, cinematic approach.

From trunk-rattling bangers to syrupy smooth cuts that soundtrack late-night escapades, THA PLAYA$ MANUAL II feels like a ride through Ramirez’s world with tinted windows up and the bass on max. It’s a record for the hustlers, the heartbreakers, the loners, and the legends in the making.

This is more than a sequel—it’s a statement: the playa’s still active, and the manual’s been updated.

Wenn Sie von Hillsborough, North Carolina, auf der 1-85 nach Norden fahren und die Ausfahrt zur 58 East nehmen, erreichen Sie in fünfzehn Minuten Diamond Grove, ein kleines, nicht eingemeindetes Gebiet im Brunswick County, Virginia, am Meherrin River. Für die meisten Besucher gibt es dort nicht viel zu sehen - für Lebensmittel müssen Sie nach Lawrenceville und für Baumaterial nach South Hill fahren. Doch versteckt in diesem Fleckchen Virginia-Piedmont liegen die Überreste einer Milchfarm aus den 1740er Jahren, deren Haupthaus ein wunderschönes altes Gebäude mit zwei Etagen ist, das noch immer mit Seilbetten und allem Drum und Dran ausgestattet ist. Wenn man heute dorthin fährt, hört man in der Ferne Geräusche von jemandem, der in den vermieteten Nebengebäuden Sojabohnen und Baumwolle verarbeitet, von landwirtschaftlichen Reifen, die über Schotterstraßen knirschen, von quakenden Fröschen und von singenden Meisen: chick-a-dee, chick-a-dee. Aber wenn Sie zufällig im September 2023 vorbeigekommen sind, konnten Sie vielleicht Fiddle-Melodien hören, die von den Kiefern widerhallen, BBS-Geräusche in leeren Räumen und die Klänge von Weirs, die ihr zweites Album und ihr Debüt bei Dear Life Records aufnahmen: Diamond Grove. Weirs ist ein experimentelles Kollektiv, das aus der Musikszene im Zentrum von North Carolina hervorgegangen ist und zu gleichen Teilen aus Oldtime-Folk und DIY-Noise besteht. Die Auftritte von Weirs sind hierarchielos und umfassen zwischen zwei und zwölf Personen. Im September 2023 reisten neun von ihnen die US-58 hinauf, um sich im Wohn- und Esszimmer des Hauptgebäudes einer Milchfarm einzufinden, die noch immer im Besitz der Familie des Bandmitglieds und Organisators Oliver Child-Lanning ist, deren Verwandte seit Jahrhunderten dort leben. Die Besetzung von Weirs - weder endgültig noch besonders wertvoll - umfasst Child-Lanning, Justin Morris und Libby Rodenbough (seine Mitstreiter bei Sluice); Evan Morgan, Courtney Werner und Mike DeVito von Magic Tuber Stringband; sowie die treuen Andy McLeod, Alli Rogers und Oriana Messer, die bis tief in die Spätsommernächte spielten. Das Ergebnis sind die neun Tracks von Diamond Grove, aufgenommen mit einer provisorischen Signalkette, die aus geliehenem Equipment der gesamten Community zusammengestellt wurde. Das Weirs-Projekt begann als Tape-Experimente mit traditionellen Melodien, die Child-Lanning im Winter 2019 unter dem Namen Pluviöse aufgenommen hatte. Daraus entstand das erste Weirs-Album Prepare to Meet God, das im Juli 2020 in Eigenregie veröffentlicht wurde und eine Zusammenarbeit zwischen Child-Lanning und Morris während der COVID-Pandemie war. Die seltsamen Umstände dieses Debüts - eine gemeinschaftliche Tradition von Live-Songs, die isoliert voneinander aufgenommen wurden - werden durch Diamond Grove aufgehoben, ein Album, das in der unwiederholbaren Konvergenz von Menschen, Ort und Zeit verwurzelt ist. Auf dem neuen Album setzen Weirs ihre Suche nach dem besten Weg fort, sogenannte ,traditionelle" Musik weiterzuentwickeln, zu bewahren und zu befreien. Sie sind Songfänger, die Melodien sammeln, die kurz vor dem Vergessen stehen. Ihr wildes, Jahrhunderte umspannendes Repertoire klingt wie eine avantgardistische Jam-Session - eine Art Real Book für eine Szene, die sich mit Porch Jams, Big Blood, Amps for Christ und Jean Ritchie auskennt. Weirs fangen Songs ein, deren Interpretationskanon noch offen genug ist, um neben denen zu stehen, die sie zuvor gesungen haben, aber niemals über ihnen. Dies sind keine Versuche, definitive Versionen zu schaffen. Die Aufnahmen auf Diamond Grove fühlen sich eher wie Besuche als wie Überarbeitungen an. Und die Frage, die Weirs auf diesem Album stellen, ist nicht, wie sie einfach die Tradition ihrer Vorfahren fortsetzen können, sondern wie traditionelle Musik heute klingen könnte. Für Weirs könnte die Geschichte dieser Tradition weniger aus dem Folk-Revival stammen als aus der Musique concrète, weniger aus makellosen alten Meisteraufnahmen als aus etwas wie The Shadow Ring, wenn diese aus dem evangelikalen Süden kämen. Wenn man ,(A Still, Small Voice)" hört, spürt man, wie die Kraft der Hymne etwas Gleichwertigem weicht: den Dielen, dem Knistern des Feuers, dem Zubereiten und Essen von Mahlzeiten. Diese Spannung zwischen Bewahrung und Verfall ist das innere Leuchten von Diamond Grove. Nehmen wir ,Doxology l": Die Melodie von ,Old Hundred", einer Hymne aus der Sacred-Harp-Tradition, wird in MIDI umgewandelt, über iPhone-Lautsprecher abgespielt und in der Septemberluft neu aufgenommen. Für manche Revivalisten mag diese Hymne, gesungen mit der ganzen Pracht gefälschter Auto-Tune-Stimmen, blasphemisch klingen. Aber Ohren, die beispielsweise auf die Hyperpop-Produktionen der letzten Jahrzehnte eingestellt sind, werden sofort die spannungsgeladene Schönheit des digital verfremdeten Shape-Note-Gesangs verstehen. Dieselbe Spannung belebt ,l Want to Die Easy". Weirs' Version basiert auf der Aufnahme von A Golden Ring of Gospel, die in der Folkways-Sammlung Sharon Mountain Harmony verewigt ist. Die Melodien, Texte und Strukturen sind weitgehend unverändert geblieben. Aber die ,reine" Klarheit der Stimmen der frühen Aufnahme ist verschwunden. An ihre Stelle tritt der distanzierte Klang des Silos der Milchfarm, in dem Weirs ihre Version aufgenommen hat, dessen natürlicher Nachhall von zwei Sekunden die ursprüngliche Nähe ersetzt. Auf diese Weise wird der Klang des Aufnahmeortes selbst zu einem Teil der traditionellen Darbietung. Das Herzstück von Diamond Grove ist Weirs' Interpretation von ,Lord Bateman", einer Melodie, die Jean Ritchie als ,große Ballade" bezeichnete: Sie wurde gespielt, wenn die Arbeit getan war und der Tanzabend zu Ende war. Es ist ein Lied aus dem 18. Jahrhundert - so alt wie die Diamond Grove Farm - über einen gefangenen Abenteurer, der laut Nic Jones den Geist eines Errol-Flynn-Films verkörpert. Wie viele großartige und oft a cappella gesungene Interpretationen steht auch bei diesem ,Lord Bateman" die Stimme im Vordergrund und unterstreicht die Bedeutung des Geschichtenerzählens für das Zusammenkommen der Kinder. Neu ist hier der immense Bordun, der die Erzählung in ein unaufhörliches Gewebe elementarer Kräfte verwandelt. Es ist ein verschwommenes Murmeln kollektiver Saiten, das den Kanon von Ritchie und June Tabor ebenso bereichert wie Pelt's Ayahuasca oder Henry Flynt's Hillbilly Tape Music. Obwohl Diamond Grove nicht explizit von der alten Milchfarm handelt, auf der es aufgenommen wurde, kann es nicht umhin, ihr zu ähneln. Alte englische Balladen wie ,Lord Bateman" und ,Lord Randall" ergießen sich über Felder, die einst von der britischen Krone ,vergeben" wurden. Tragische Lieder wie ,Edward" taumeln über Tuscarora-Pfade und Baumwollfelder nach dem Bürgerkrieg. Hymnen wie ,Everlasting l" und ,Everlasting Il" fangen das Mondlicht ein, das seit Lord Bacons Rebellion durch doppelt gehängte Fenster fällt. Und die Nachtvögel trillern noch immer, und die Pflüge pflügen noch immer eine unkomponierte Musik, die darauf wartet, von zufälligen Ohren entdeckt zu werden. Diamond Grove ist in dieser Hinsicht Geschichte. Es ist ein Ort. Es ist Zeit. Es ist das Einfangen von Liedern, Lebendigkeit, Tonbandmanipulation. Wie der niedrige Damm, den das Wort ,Weir" andeutet, ist es eine Verteidigung gegen die Strömung. Es ist eine Verteidigung regionaler Lexika gegen massenproduzierte Umgangssprachen; eine Verteidigung gegen den Glauben, dass wir einfach zu einer einfacheren Zeit zurückkehren können; eine Verteidigung gegen die Vorstellung, dass Volksmusik ,rein" bleiben muss; eine Verteidigung gegen die Behauptung, dass ein Traum von der Zukunft, der in verlorenen Geschichten schlummert, unwiederbringlich verloren ist. Gegen all das verteidigt Diamond Grove traditionelle Musik, indem es sie so klingen lässt, wie die Komplexität der heutigen Zeit - weil es weiß, dass solche Musik und all die Geschichten, die in ihr stecken, auch in Zukunft eine Rolle spielen werden.

Orange & Red Splatter Vinyl. John Carpenters Soundtracks für die jüngste Halloween-Trilogie, die er zusammen mit seinen langjährigen Mitarbeitern Cody Carpenter und Daniel Davies komponierte, markierten die Rückkehr des legendären Regisseurs und Komponisten zur Filmmusik nach fast zwei Jahrzehnten Pause. Halloween (2018), Halloween Kills (2021) und Halloween Ends (2022) wurden alle von David Gordon Green inszeniert, der Carpenter bereits früh in die Vorproduktion einbezog und ihn schließlich als ausführenden Produzenten und Soundtrack-Komponisten für die Trilogie engagierte. Nun erscheint erstmals eine Deluxe-Edition des Soundtracks zu ,Halloween Ends" als 2xLP-Erweiterung bei Carpenters langjährigem Label Sacred Bones Records. ,Halloween" aus dem Jahr 2018 war ein Erfolg, der die kühnsten Träume aller Beteiligten übertraf. Der Film startete mit den höchsten Einspielzahlen in der Geschichte von Blumhouse und war der erfolgreichste Film der ,Halloween"-Reihe. Es war unvermeidlich, dass bald zwei Fortsetzungen, Halloween Kills und Halloween Ends, grünes Licht erhielten. Green unterschrieb für die Regie beider Filme, aber er wollte nicht davon ausgehen, dass John, Cody und Daniel für die Filmmusik zurückkehren würden. ,Ich nehme nichts als selbstverständlich hin", sagt er. ,Man hofft also, dass sie eine gute Erfahrung gemacht haben. Ich weiß, dass wir Spaß an dem Projekt hatten, aber man weiß nie, wie es um die Zeit und die finanziellen Interessen der Leute steht und all diese Dinge. Die Realitäten des Geschäfts und des Filmemachens laufen nicht immer so reibungslos ab. Aber es gab keine Probleme. Wir sahen uns an und sagten: ,Wie können wir das hinbekommen? Lassen Sie es uns noch einmal versuchen.` Zweimal."Die erweiterte Version von Halloween Ends enthält 10 bisher unveröffentlichte Stücke und wird mit brandneuen Artworks von Chris Bilheimer und einem exklusiven 24 x 36"-Poster von Creepy Duck geliefert. Erweiterte Versionen der Soundtracks zu Halloween und Halloween Kills sowie eine Box mit allen drei erweiterten Editionen werden ebenfalls am selben Tag bei Sacred Bones erhältlich sein.

Orange & Green Splatter Vinyl! John Carpenters Soundtracks für die jüngste Halloween-Trilogie, die er zusammen mit seinen langjährigen Mitarbeitern Cody Carpenter und Daniel Davies komponierte, markierten die Rückkehr des legendären Regisseurs und Komponisten zur Filmmusik nach fast zwei Jahrzehnten Pause. Halloween (2018), Halloween Kills (2021) und Halloween Ends (2022) wurden alle von David Gordon Green inszeniert, der Carpenter bereits früh in die Vorproduktion einbezog und ihn schließlich als ausführenden Produzenten und Soundtrack-Komponisten für die Trilogie engagierte. Nun erscheint zum ersten Mal eine Deluxe-Edition des Soundtracks zu ,Halloween Kills" als 2xLP-Erweiterung bei Carpenters langjährigem Label Sacred Bones Records. ,Halloween" aus dem Jahr 2018 war ein Erfolg, der alle Erwartungen der Beteiligten übertraf. Der Film startete mit den höchsten Einspielzahlen in der Geschichte von Blumhouse und war der erfolgreichste Film der ,Halloween"-Reihe. Es war unvermeidlich, dass bald zwei Fortsetzungen, Halloween Kills und Halloween Ends, grünes Licht erhielten. Green unterschrieb für die Regie beider Filme, wollte aber nicht davon ausgehen, dass John, Cody und Daniel wieder für die Filmmusik verantwortlich sein würden. ,Ich nehme nichts als selbstverständlich hin", sagt er. ,Man hofft also, dass sie eine gute Erfahrung gemacht haben. Ich weiß, dass wir Spaß an dem Projekt hatten, aber man weiß nie, wie es um die Zeit und die finanziellen Interessen der Leute steht und all diese Dinge. Die Realitäten des Geschäftslebens und des Filmemachens laufen nicht immer reibungslos ab. Aber es gab keine Probleme. Wir sahen uns an und sagten: ,Wie können wir das hinbekommen? Lassen Sie es uns noch einmal versuchen.` Zweimal." Die erweiterte Version von ,Halloween Kills" enthält 25 bisher unveröffentlichte Stücke und wird mit brandneuen Artworks von Chris Bilheimer und einem exklusiven 24x36-Zoll-Poster von Creepy Duck geliefert. Erweiterte Versionen der Soundtracks zu ,Halloween" und ,Halloween Ends" sowie eine Box mit allen drei erweiterten Editionen werden ebenfalls am selben Tag bei Sacred Bones erhältlich sein.

John Carpenters Soundtracks für die jüngste Halloween-Trilogie, die er zusammen mit seinen langjährigen Mitarbeitern Cody Carpenter und Daniel Davies komponierte, markierten die Rückkehr des legendären Regisseurs und Komponisten zur Filmmusik nach fast zwei Jahrzehnten Pause. Halloween (2018), Halloween Kills (2021) und Halloween Ends (2022) wurden alle von David Gordon Green inszeniert, der Carpenter bereits früh in die Vorproduktion einbezog und ihn schließlich als ausführenden Produzenten und Soundtrack-Komponisten für die Trilogie engagierte. Nun werden erstmals erweiterte Ausgaben aller drei Soundtracks in einer Deluxe-Box von Carpenters langjährigem Label Sacred Bones Records veröffentlicht. Beim Anhören der aktuellen Halloween-Soundtracks fällt als Erstes der Teamgeist des Komponisten-Trios auf. Der mittlerweile berühmte Part mit der gestrichenen Gitarre in ,The Shape Hunts Allyson" aus Halloween wird, wie alle Gitarrenparts in der Trilogie, von Daniel Davies gespielt. John bezeichnet Daniel als den ,Abenteurer" der Gruppe und schreibt ihm zu, Sounds eingeführt zu haben, an die er selbst nie gedacht hätte. Cody, den sein Vater als ,musikalisches Genie" bezeichnet, ist eine ebenso wichtige Präsenz. Es ist seine ruhige, methodische Hand, die den Ideen, die entstehen, wenn diese drei zusammenkommen, Gestalt verleiht. Die Filmmusik für die neuen Filme mag sich um bekannte Themen drehen, aber sie ist auch klanglich viel vielfältiger und musikalisch gewagter als alles, was John 1978, als er den Originalfilm ,Halloween" komponierte, hätte schaffen können. Zusätzlich zu den einzelnen erweiterten Veröffentlichungen wird die ,Halloween Expanded Trilogy" als Teil eines limitierten Deluxe-Boxsets im 6xLP- und 3xCD-Format erhältlich sein. Diese Editionen enthalten exklusive neue Verpackungen und Artworks von Chris Bilheimer sowie ausführliche Liner Notes des Musikkritikers Brad Sanders, darunter exklusive Interviews mit John Carpenter und Regisseur David Gordon Green. Beide Box-Sets enthalten außerdem drei Sammlerposter von Creepy Duck, ein exklusives Posterdesign von Chris Bilheimer und ein luxuriöses Lentikular-Cover, das das Artwork zum Leben erweckt. Die erweiterte Version von ,Halloween Kills" enthält 25 unveröffentlichte Musikstücke, während ,Halloween Ends" 10 neue Tracks hinzufügt und ,Halloween" ein komplett neues Artwork und eine neue Verpackung von Chris Bilheimer erhält. Für John-Carpenter-Sammler, Halloween-Komplettisten und alle Fans großartiger Filmmusik ist die ,Halloween Expanded Trilogy" ein unverzichtbares, wegweisendes Release.

Nun also „Jesper Munk - best of … live“ und das auch noch auf seinem eigenen, soeben gegründeten Label JUNK Records. Ein imposanter Streifzug durch all seine Schaffensperioden. Eine Handreichung an die Fans der ersten Stunde, Zeitdokument, Resümee, Reset, Tabula rasa, Klammer zu… Jesper hat sich also mit seinem Frühwerk versöhnt, sich wieder herangetraut an jene Songs, die ihm im Nachgang auch viel Ungemach bescherten.

Daniil Trifonov, „einer der beeindruckendsten Pianisten unserer Zeit“ (New York Times) veröffentlicht sein
mit Spannung erwartetes Tschaikowsky-Album!
Der Starpianist erkundet darin ausgewählte Werke von Tschaikowsky für Klavier solo. Diese offenbaren die
intimere, private Seite des romantischen Komponisten, denn „Tschaikowsky war kein mürrischer Sonderling,
sondern pflegte vor allem in jüngeren Jahren sehr fröhliche Freundschaften und fand großen emotionalen
Rückhalt in seiner Familie“, sagt Trifonov.
Zu hören sind die frühe Klaviersonate in cis-Moll, „ein zu Unrecht übersehenes Meisterwerk“, welches
reich an wechselnden Stimmungen und originellen Ideen ist, das Thème original et variations in F-Dur und
das Kinderalbum op. 39. Zusammen eröffnen diese Werke einen Einblick in das, was Daniil Trifonov die
„private Ebene Tschaikowskys“ nennt – „einen Geist, geprägt von Erinnerungen an Jugend und Familie“.
Das Album endet mit der farbenprächtigen Suite aus Dornröschen. Diese wurde 1978 von dem damals erst
21-jährigen Pianisten und Dirigenten Mikhail Pletnev transkribiert, der im selben Jahr – genau wie Trifonov
33 Jahre später im Jahr 2011 mit einem spektakulären Sieg – den Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb
gewann. Pletnevs Bearbeitung für Soloklavier von Highlights aus dem beliebten Tschaikowsky-Ballett ist
für Daniil Trifonov „ein meisterhaftes Klavierwerk in sich“.

Eco Coloured Edition
Elena Tonra ist zwar keine passionierte Schwimmerin, aber der Sound auf dem neuen Daughter Album "Stereo Mind Game" klingt wie ein Ozean, in den man eintauchen möchte. Das dritte Album der britischen Band, gleichzeitig das erste Studioalbum seit sieben Jahren, setzt sich damit auseinander, was es bedeutet, von geliebten Menschen und auch von sich selbst getrennt zu sein - ein komplexes Thema. Daughter, das Trio bestehend aus Elena Tonra, Igor Haefeli und Remi Aguilella - wurde 2010 gegründet. Nach der Veröffentlichung von zwei Studioalben, "If You Leave" (2013) und "Not to Disappear" (2016), und dem Videospiel-Soundtrack Music "From Before the Storm" (2017), beschlossen sie, eine Auszeit voneinander zu nehmen. Kurz zuvor jammten sie allerdings noch gemeinsam in Los Angeles, zwischen einer Support-Tour für The National und ihren ersten Headline-Shows in Südamerika. Hier begann die Arbeit am neuen Album. Danach herrschte erst einmal Stille - als Band und untereinander. In den nächsten Jahren, in denen die Mitglieder an ihren eigenen Projekten arbeiteten, darunter auch Tonras Soloplatte als Ex:Re, trafen sich Daughter gelegentlich zum gemeinsamen Schreiben in Studios in London, Portland und San Diego, wo Haefeli 2019 für sechs Monate lebte. Die zentrale romantische Figur der Platte ist jemand, den Tonra dort kennengelernt hat, als sie aus London zu Besuch kam. Sie teilten eine bedeutende Verbindung, aber sie wusste, dass der Atlantik zwischen ihnen liegt. Daughter begann 2021 konkret mit den Aufnahmen für die zwölf Songs des Albums. Haefeli, der in Bristol lebt, traf sich mit Tonra in den Middle Farm Studios in Devon. Aguilella, der in Portland, Oregon, lebt, nahm seine Schlagzeugparts im Bocce Studio in Vancouver, Washington, auf. Haefeli produzierte eine Reihe der Songs, während Tonra "Junkmail" produzierte. Den Rest haben sie gemeinsam produziert. Die Sehnsucht, physische Entfernungen zu überwinden, ein Gefühl, das sich während der Pandemie noch verstärkt hat, ist in viele dieser Stücke eingeflossen. Auf "Wish I Could Cross the Sea" hören wir Sprachnotizen von Tonras junger Nichte und ihrem Neffen, die in Italien leben. "(Missed Calls)" enthält eine weitere Sprachnotiz, in der ein Freund einen Traum beschreibt. Gefüttert mit einigen modularen Effekten, klingt er geisterhaft eindringlich. Diese Nachrichten, Versuche einer Verbindung von geliebten Menschen, die man nicht sehen kann, "können einen aus dem Brunnen ziehen", sagt Tonra - aber nur, wenn man den Hörer abnimmt. Wenn man andere hereinlässt, kann Schönheit entstehen. Tiefes Gefühl kommt von den Bögen des 12 Ensemble, dem in London ansässigen Streichorchester, das bei vielen Stücken des Albums zu hören ist. Die von Haefeli und Tonra arrangierten und von Josephine Stephenson orchestrierten Stücke wurden, passenderweise, im The Pool aufgenommen, einem Raum in Bermondsey im Süden Londons, der eine ehemalige Badeanstalt war. Ein Blechbläserquartett verleiht auch "Neptune" und "To Rage" eine wohlig klangliche Wärme. Während Daughters frühere Arbeiten ihre Kraft in ihrer entwaffneten und emotionalen Ehrlichkeit fanden, handelt "Stereo Mind Game" von gegensätzlichen Gefühlen. "Es geht darum, nicht in absoluten Kategorien zu arbeiten", sagt Haefeli. Nach mehr als einem Jahrzehnt, in dem sie die dunkelsten Emotionen darstellten, haben Daughter ihr bisher optimistischstes und ein fast schon strahlendes Album aufgenommen.

Tauche ein in die magische Klangwelt von Olafur Arnalds: Found Songs kehrt zurück - erstmals als transparente Vinyl-Edition! Ursprünglich 2009 auf schwarzem Vinyl veröffentlicht und lange vergriffen, erscheint dieses intime Meisterwerk nun in einer streng limitierten Neuauflage. Die sieben Stücke entstanden in einem außergewöhnlichen Projekt: ein Song pro Tag, sieben Tage lang - direkt geteilt mit der Welt. Zwischen zarten Klaviermotiven, subtilen Elektronik-Elementen und kammermusikalischer Tiefe entfaltet sich ein eindrucksvolles Porträt eines jungen Komponisten, der die Grenzen zwischen Klassik, Pop und Ambient neu definiert. Found Songs ist ein poetisches Zeitdokument - roh, ehrlich und voller Gefühl. Ein Muss für alle, die Musik als Kunstform erleben. Step into the delicate sound world of Olafur Arnalds: Found Songs returns - for the first time ever on clear vinyl! Originally released in 2009 on black vinyl and long sold out, this intimate masterpiece is now reissued in a strictly limited edition. Born from a unique project - one song per day for seven days, shared instantly with the world - these seven pieces blend fragile piano, subtle electronics, and chamber textures into a deeply personal portrait of a young composer redefining the boundaries between classical, pop, and ambient. Found Songs is a poetic time capsule - raw, honest, and profoundly moving. A must-have for those who experience music as art.

One of our all time favorite New York dancehall tunes, finally back again. 20+ years ago, in a different era of reggae record collecting where there was little to no information to be found about so many '80s reggae records, the original 12 inch single of this one was a mythical tune among our set of friends. In fact this one was on the earliest DKR wish lists, but all good things take time. By now we expect most of our followers know Junior's digital masterpiece "Rampers Music", which we first issued in 2014, and is now back in stock. But this one is his earliest and first tune, a heavy piece of a rub a dub cut at Munchie Jackson's Sunshine Studio in the Bronx, with Jackie Mittoo at the helm of the session. The original 12 inch was self released by Junior on his own label in 1985, with one of our all time favorite label designs. The lyrics are a great snapshot of mid 80s New York, a nod to all those making their way, for better or worse, thru the posses and cliques of the Jamaican scene of the day.

Naya Beat Records is proud to present its release Naya Beat Volume 1: South Asian Dance and Electronic Music 1983-1992. This is the first in a series of compilations and full-length album reissues dedicated to uncovering hidden electronic and dance music gems from the overlooked ‘80s and ‘90s South Asian music scene.
The compilation features future classics from India, Pakistan, the U.K., Canada, Guyana and Suriname released between 1983 and 1992. From East-West’s dancefloor filler "Can't Face The Night (Club Mix)" to Remo’s balearic masterpiece "Jungle Days" (off his seminal album Bombay City!) to other disco, synth-pop, and balearic dancefloor bangers from artists like Babla & His Orchestra, Sheila Chandra, Bappi Lahiri and Asha Puthli to name a few, this double album includes highly sought after, previously never reissued and otherwise impossible to find grails.
The double album has been mastered by multi Grammy-nominated Frank Merritt at his mastering studio The Carvery and includes some killer remixes and edits by Naya Beat co-founders Turbotito and Ragz.
Turbotito and Ragz have this to say about the release: “We’ve spent the last year meticulously remastering some of the coolest finds from our collection and have had the honor of working in close partnership with many of the original artists. We are beyond excited to bring this music out to a new generation of dance and electronic music lovers.”
Founded by former Poolside member Filip Nikolic (Turbotito) and DJ and record collector Raghav Mani (Ragz) Naya Beat (loosely translated from Hindi as “New Beat”) is building on the success of seminal South Asian dance and electronic reissues like Rupa Disco Jazz and Charanjit Singh’s iconic Ten Ragas To A Disco Beat. Turbotito and Ragz have spent years digging for records in the most unusual places, from the crowded and dusty markets of New Delhi, Mumbai and Chennai to the Guyanese corner shops in Jamaica, Queens, to the Surinamese record stores in Amsterdam and the South Asian communities of London and Birmingham. They have amassed an exceptionally deep treasure trove of dance and groove-based music that has never been reissued

Sheku Kanneh-Mason’s Debütalbum ”Inspiration”, das 2018 die Charts stürmte, drehte sich um das 1. Cellokonzert von Schostakowitsch - jetzt hat er das 2. Cellokonzert während seiner von der Kritik gefeierten Tournee mit John Wilson und der Sinfonia of London aufgenommen. Das Werk erklingt neben der Schostakowitsch-Cellosonate und der Britten-Cellosonate, die er mit seiner Schwester und häufigen Duopartnerin Isata Kanneh-Mason eingespielt hat.

Der junge Brite gewann den Wettbewerb BBC Young Musician of the Year sowie den Royal Philharmonic Society Young Instrumentalist Duet Prize und erhielt im selben Jahr einen Vertrag bei Decca Records. Im Oktober 2018 wurde er mit dem Opus Klassik als Nachwuchskünstler des Jahres (Cello) ausgezeichnet. Einem breiten Publikum wurde er darüber hinaus bekannt, als er am 19. Mai 2018 bei der weltweit übertragenen Hochzeit von Prinz Harry und Meghan Markle in Windsor Castle spielte.

Zygimantas Dzikevicius aka 5ZYL hails from the vibrant urban district of Pasilaiciai in Vilnius, Lithuania. Since embarking on his musical journey in 2007, Zygimantas has been deeply influenced by the raw energy of old-school rave, breakbeat, and techno. His early work focused on crafting dubstep and jungle tracks, earning him spots as a DJ at various underground parties and open-air events, including the renowned broken rhythm sound festival, Satta.

After five years of intense exploration and innovation within the electronic dance music scene, 5ZYL is set to unveil his highly anticipated debut album Reese Dreams. This LP represents a culmination of his creative journey, meticulously crafted to showcase his evolving sound. The album is presented in two distinct sections: the first half delves into the intricate world of broken beats, while the second half transitions into a high-energy powerhouse experience. Reese Dreams is not just a collection of tracks but a testament to 5ZYLs unique artistic vision and his dynamic approach to electronic music.

South London singer, songwriter and cultural powerhouse Joy Crookes has today unveiled the news that her worth-the-wait second album Juniper will be released on September 26th ahead of a full UK & EU headline tour.

A stunningly candid and fearless body of work, the album reaffirms Joy as one of the UK’s most vital and original voices. A once-in-a-generation talent, Crookes delivers a record that is both emotionally raw and sonically rich; humorous, heartbreaking and profoundly human.

Following the success of her 2021 debut Skin, which earned BRIT and Mercury Prize nominations, went Top 5 in the UK charts, and drew acclaim from The Guardian, NME and many more, Joy set out to make an album that pushed her further both musically and personally.

Juniper is the result: a project defined by its depth and dynamism.

Written with a stripped-back approach and produced by long-time collaborators including Blue May (Kano, Jorja Smith), Tev’n (Stormzy) and Harvey Grant (Arlo Parks),

Juniper features standout guest appearances from Vince Staples on the incendiary ‘Pass The Salt’ and Kano on the bittersweet confessional ‘Mathematics’.

Crookes describes the record as “more nuanced” than Skin: “With Juniper, every situation is visceral and I’m very much in it. It’s me in the centre of it all.”

The title itself nods to resilience (an evergreen that thrives in harsh conditions) and the album dives deep into themes of body politics, mental health, queer love, anxiety, industry hypocrisy and the ecstasy (and terror) of falling in love.
Lead singles like ‘Pass The Salt’ and ‘I Know You’d Kill’ showcase Crookes’ lyrical agility – blending poetic detail with razor-sharp wit. Meanwhile, the euro-pop inspired ‘First Last Dance’ channels euphoric melodies to mask deep emotional struggle, and the cinematic ‘Perfect Crime’ sees Joy fully self-actualise in the style of a Western showdown.

On ‘Paris’, the closing track, Joy reflects on a formative queer relationship: “Something I feared so much finally, actually felt like love.” It’s a sentiment echoed across Juniper – a record that captures the beauty and brutality of emotional openness.

The album arrives after a period of personal upheaval for Crookes, including a mental health crisis that shadowed the album’s creation. “I was in the trenches,” she says. “But the studio became my solace. What you hear is live and direct from that time.” Despite the darkness, Juniper radiates warmth, levity, and life, powered by Crookes’ ever-restless creativity and artistic excellence. Ahead of her performance this weekend at BBC Radio 1’s Big Weekend event in Liverpool, followed by a slot at Glastonbury, Joy is pleased to announce a full UK & EU headline tour for the backend of the year.

In celebration of Juniper's release, Joy will head out to all major cities including Dublin, Manchester, Bristol and London where she’ll play the much coveted 02 Academy Brixton for the first time. See below for full routing and ticket info.

Phoenician Drive is a six-piece band from Brussels, blending Western rock with traditional Eastern music into a style they describe as Dune Krautrock. Oud, darbuka, and riq meet distorted guitars and pop textures, weaving connections across the Mediterranean. Inspired by East–West fusions from the 1970s (like Erkin Koray and Orient Express) and the German krautrock scene (Neu!, Can, Faust…), their music explores borderless, hypnotic landscapes rooted in both rhythm and experimentation.

Following a debut EP released on EXAG' Records in 2017, the band put out a self-titled LP and collaborated with choreographer Wim Vandekeybus in 2018. In 2019, Phoenician Drive reimagined their sound in an acoustic format, which they toured extensively for two years throughout the post-Covid period.

Between 2021 and 2022, the group returned to electric instrumentation and recorded Glow, an EP released in June 2023 via EXAG' Records. The release was celebrated with a powerful live show at Brasserie Illegaal in Brussels — a performance captured in the live album Live in Brussels '23. The record channels the band’s raw stage energy and deepens their sonic exploration of trance, tension, and Mediterranean melodies.

Berlin-based Buttechno has reputation for being one of techno's hardest hitters, but this EP of 'X-berg dubs' is as much about the tease as the impact. 'Tech March' opens proceedings, ruthlessly combining the kind of low end thump beloved by Autechre and LFO with snaking, junglist frills, making it dark and brooding but also irresistibly danceable all at the same time. 'Dub 22' gives us his unique take on dub techno, speedier and flightier than the genre's usual template and much more rhythmically embellished too. 'Hypno Dub' is similarly way uptempo but lithe and light, murky stabs poking through the filters, before 'Grey Dungeons' goes full on old skool junglisms, like an early Ram or classic Moving Shadow affair from the early 90s, all voodoo vocals and tense, splintered snares. Dub be good to us.

Einatmen. Ausatmen. Einatmen. Ausrasten! Mit ihrer neuen Platte "The Power of Now" heben THE DEAD END KIDS die Messlatte für energiegeladenen Punkrock auf ein neues Level. Unbändig, mitreisend und voller Entschlossenheit nehmen Caro, Charlie und Fatima ihre Hörer*innen mit auf eine wilde Achterbahnfahrt durch den Zeitgeist. Egal ob Millennials in der Krise, Z-Promis im Trash TV, missglückte Datingversuche im Fitnessstudio, dem Empfinden, sich aus einer gescheiterten Beziehung nicht lösen zu können oder der Abschied eines geliebten Menschen, die vielseitigen Kids finden für jedes Gefühl und jeden Moment die richtigen Worte und die passende Tonlage, um die jeweilige Stimmung, zu unterstreichen. Jeder Song gleicht einer Explosion aus dynamischen Gitarrenriffs, treibenden Schlagzeugrhythmen und Texten, die von den Dramen und Triumphen des Alltags erzählen. Und seien wir ehrlich: keine Punkband hat so schöne Gitarrensoli wie das Trio Infernale.âÇ¿Aufgenommen wurde "The Power of Now" von Thies Neu und Rodrigo Gonzalez in der Tonbrauerei in Berlin, das Mastering hat Andi Jung übernommen.

Einatmen. Ausatmen. Einatmen. Ausrasten! Mit ihrer neuen Platte "The Power of Now" heben THE DEAD END KIDS die Messlatte für energiegeladenen Punkrock auf ein neues Level. Unbändig, mitreisend und voller Entschlossenheit nehmen Caro, Charlie und Fatima ihre Hörer*innen mit auf eine wilde Achterbahnfahrt durch den Zeitgeist. Egal ob Millennials in der Krise, Z-Promis im Trash TV, missglückte Datingversuche im Fitnessstudio, dem Empfinden, sich aus einer gescheiterten Beziehung nicht lösen zu können oder der Abschied eines geliebten Menschen, die vielseitigen Kids finden für jedes Gefühl und jeden Moment die richtigen Worte und die passende Tonlage, um die jeweilige Stimmung, zu unterstreichen. Jeder Song gleicht einer Explosion aus dynamischen Gitarrenriffs, treibenden Schlagzeugrhythmen und Texten, die von den Dramen und Triumphen des Alltags erzählen. Und seien wir ehrlich: keine Punkband hat so schöne Gitarrensoli wie das Trio Infernale.âÇ¿Aufgenommen wurde "The Power of Now" von Thies Neu und Rodrigo Gonzalez in der Tonbrauerei in Berlin, das Mastering hat Andi Jung übernommen.

Identified Patient returns to Dekmantel for a third time with his Reset EP. The future-facing four tracker is another mutant fusion of bass and techno with low-end power with cerebral sound designs.

Job Veerman debuted on the Dekmantel UFO Series in 2019, returned in 2020 and has lit up the festival several times with transportative sets that balance power with precision. Like his productions on the Nerve Collect label, he co-runs with Gamma Intel, they are leftfield explorations of genre and tempo that find strange sensuality in often abstract ideas. Once again here, the Dutchman draws on eclectic influences to craft music that sounds like no one else but remains anchored by magnetic rhythms.

Opener 'Light' kicks off with a fuzzy synth line that slithers between syncopated drums. Whispered vocals drift through the mix as lurching basslines swell and collapse beneath them. The groove disassembles and reassembles in waves, propelled forward by bursts of glitchy, off-kilter percussion that's unsteady yet seductive. 'Scales' is a slow, menacing descent into rhythmic darkness. It sounds both ancient and futuristic with ghoulish vocalisations and filtered synths flickering like a badly wired circuit. There's a rave tension lurking throughout, but always in the shadows.

'Internal Pace' drives on but rides fluid, wobbly bass while tightly looped hits build the pressure. Layers of static and subtle distortion add grit to this unrelenting heads-down roller. Finally, 'Return' is a kinetic, razor-edged ride where jungle breaks collide serpentine melodies. Ethereal female coos drift in and out, brushing against spat-out vocal fragments so that tension crackles throughout this hallucinogenic trip.

With Reset, Identified Patient reaffirms his status as a singular voice who twists sound into evocative new worlds.

First time reissue of this French cold-wave / minimal-synth treasure.



November 1981 – In the heart of autumn, we set off in two cars along the Nationale 1 (!) to reach Choisy-le-Roi, where a 16-track studio was waiting for us—a place where, over the course of a weekend, we would finally be able to carve our own grooves into vinyl. We were quite nervous, as Guerre Froide had already been around for a year and a half. Our elders in Kas Product had already released two EPs—one with four tracks, the other with three—in 1980, even though they’d started only a few months before us. Admittedly, there wasn’t really a sense of urgency—some of us came from the punk movement, where the prevailing mood was still very much No Future, even if we’d long since stopped believing in it... And yet others had truly lost everything, like those from the generation before us. The reasons, ironically, were often the same: heroin and/or love—hard drugs, in both cases.

Speaking of which, I had a terrible stomach ache—due to nerves or some form of tension—which forced us to make a pit stop in the Oise region so I could rush to the toilet of a local café. That same stomach discomfort would hit me again once we arrived at the studio—whose name, incidentally, I’ve since forgotten...

We had gotten there thanks to the generous initiative of a friend, Sylvain S., known as “Perlin” (what a phonetic coincidence!?), who had specifically created the Stechak Products label to produce our record. Stechak because it was consistent with his earlier association called Tchernoziom, and Products as a plural tribute to the trailblazers from Nancy.

Guerre Froide originally consisted of four members: Fabrice Fruchart on guitar-synth (Korg MS-20), Patrick Mallet on bass, and Gilbert Deffais, known as “Bébert”, on Korg drum machine. At the time, I was already singing in a rock/post-punk band called Stress, and that’s how Guerre Froide picked up the bad habit of rehearsing in the same basement in Amiens as Stress. Within a month or two, we had half a dozen songs. We then had the opportunity to record a 4-track demo with a friend from Radio France Picardie, and to perform in October at a festival held at the Amiens municipal circus. Then came the now-legendary concert on November 11 at B.J.’s Club. After that, we self-produced and released 50 completely DIY copies of a cassette titled Cicatrice. A few concerts later—after Jean-Michel Bailleux had joined us on bass and Patrick had switched to guitar, which felt more natural to him—and with more concrete plans starting to take shape, we had to find a new rehearsal space and start renting a room.

Then came the moment when Fabrice told us he was leaving to go study in Lille... After the June 19, 1981 concert, which was naturally dubbed “Farewell to 2F,” Marie-José, Bébert’s wife, offered to take over on synth.

That’s when Perlin, who was a close friend of the Deffais couple and a great fan of our music, offered to fully finance the production of a 4-track 12-inch EP—covering the studio time, mastering, pressing, and artwork. What up-and-coming band would have turned that down? An improvised contract was signed with each member of Guerre Froide. The first step was choosing which four songs we would record. Berlin 81 was an obvious pick, having already become the group’s flagship track. We wanted to avoid reusing songs from Cicatrice, so the focus shifted to new material—some written before, some after Fabrice’s departure. Ersatz, for example, was his composition, but Mauve and Peine Perdue, which were also selected, were both written by Patrick.

Am 26.09.2025 erscheint beim feinen Wiener Indie-Label Voller Sound endlich das heiß erwartete Debüt-Album der New-New-Wave-Band Parc de Triomphe - als Vinyl mit grell-pinken Farbtupfern. Eine Reminiszenz an die 1980er- und 1990er-Jahre. Auf dem selbstbetitelten Album setzen sich Jörn Brien und Florian Knabenschuh in gewohnt düsterer Elektro-Pop-Manier mit der eigenen Vergangenheit auseinander. Themen wie Einsamkeit, Verletzlichkeit und die Angst vor Umbrüchen werden aufgehellt von Farb- und Hoffnungsschimmern. Druckvoll, treibend, wütend Musikalisch geht es bass- und beat-lastig zur Sache. In den oft tanzbaren Stücken werden der druckvolle Basslauf und die treibenden Beats von der markanten Stimme und einem ebenso einprägsamen Gitarrensound begleitet. Manchmal schrille, oft wütende, dann wieder ruhige, kühle Synthie-Klänge unterstreichen die Anleihen beim New Wave der 1980er. Passend zu den Texten, die sich nicht zuletzt mit DDR, Wende und den nachfolgenden Baseballschlägerjahren in Ostdeutschland auseinandersetzen. Aber keine Sorge vor zu viel Vergangenheit und Nostalgie. Im Gegenteil: Frei nach dem Bandmotto "Krawall! Elektro! Pop!" schlagen die Musiker mit ihrer melancholisch-düsteren Musik und den aufwühlenden, lyrischen Texten eine Brücke ins Hier und Jetzt. Die erzeugten Emotionen bewegen Jung und Alt. Radio-Airplay, Charts und TV Mit der EP "Harte Zeiten" haben Parc de Triomphe Ende 2023 ein erstes Ausrufezeichen gesetzt. Mit Airplay auf FM4, zahlreichen Konzerten und einem TV-Auftritt sowie Platzierungen in den Austrian Indie-Charts konnte sich die Band in der Wiener Indie-Szene schon einen Namen machen. Der Song "Westradio" lief beim beliebten Berliner Sender radioeins. Auf Spotify kommen die bisher vorab veröffentlichten Singles jeweils auf Tausende Streams. Auf dem Album "Parc de Triomphe" finden sich insgesamt 12 fein produzierte (Alf Peherstorfer) Songs, die eingängig, aber nie langweilig sind, straight, aber auf ihre Art trotzdem schräg. "Geschmackvoll, eingängig und wundervoll" FM4-Moderator Andreas Gstettner-Brugger schrieb zur Single "Harte Zeiten": "Die beiden deutschen Musiker, die sich in einem Wiener Park kennengelernt haben, produzieren hier einen geschmackvollen, eingängigen und wundervollen Song, der mich an Tocotronic, frühe Blumfeld und diverse Krautrockbands erinnert." Fazit: Fans deutschsprachiger Musik, die den New-Wave-Sound der 1980er-Jahre im modernen Gewand feiern und dem Indie-Sound der frühen 1990er-Jahre nicht abgeneigt sind, sollten "Parc de Triomphe" auf ihre Plattenteller legen.

'Oh Snap' features twelve very personal songs by Salvant (plus a cover of a verse from the Commodores’ 1977 hit “Brick House), mostly recorded outside of a traditional studio environment, and which showcase her genre-spanning tastes and influences. The MacArthur Fellow and three-time Grammy-winning singer and composer wrote these short, intimate songs as part of a creative quest: to place spontaneity and joy at the centre of her writing process, and originally recorded them alone, at home, never intending for them to be released, using digital tools and effects that she had never played with before, like GarageBand, Logic, AutoTune, Midi plugins, drum loops, vocal effects, reverb, and filters. The songs reflect Salvant’s wide-ranging musical influences from her 1990s childhood in Miami—from boy bands to grunge to classical to folk—and include party tracks with beats, samba grooves, and quiet folk songs. The album features longtime collaborators Sullivan Fortner, Yasushi Nakamura, and Kyle Poole, as well as cameos from singers June McDoom and Kate Davis.

A photo in Rodney Stepp’s scrapbook sums this period in his life in music. It’s 1974, The Spinners were headliners at the “Zaire 74” music festival, a sideshow to Muhammad Ali’s fabled “Rumble in the Jungle” fight with George Foreman. Among the faded snapshots, there’s a picture of Stepp backstage posing arm in arm with Ali; another image shows The Greatest seated at Stepp’s Fender Rhodes alongside vocalist Etta James. It was all a dream for this Naptown wunderkind, who had previously recorded for Herb Miller’s LAMP Records as the Diplomatics and had issued the sweet soul killer “Young Girl” as Jazzie Cazzie and the Eight Sounds on a rare Knaptown 45. (These recordings have been documented on the Now-Again LAMP anthology and our Loving On The Flipside compilation.) But as exciting as his rise out of those local status was, as exciting as it was to headline festivals and arenas and appear on late night talk shows, Stepp grew restless with the mechanical routine of being a sideman. He grew tired of playing the same charts night after night. He was hungry for a creative outlet that mimicked his earliest days in recorded music. So, in 1978, Stepp left The Spinners and returned to Indianapolis, where he established an all-stargroup of musicians–including members of Jazzie Cazzie and the fabled Amnesty–and he named the band Rapture. They inspired countless others. They recorded an album’s worth of material. Now-Again’s Egon first got tapes from Stepp in 2002 and dutifully transferred them, but the time was not right for a foray into this wealth of material. Come 2025, and this is the first time it Rapture’s music is seeing the light of day, a triumphant, late career moment for Stepp and a cause for celebration of those intrigued by deep, sweet soul and disco funk

Nobody 2 is the sequel to the 2021 action-packed blockbuster film starring Bob Odenkirk, Connie Nielsen, Christopher Lloyd and Colin Hanks. amongst others The soundtrack for the film was composed by Emmy-nominated filmcomposer Dominic Lewis (Bullet Train, The King's Man, Karate Kid: Legends) and features two cover songs. The first one is a cover by José James of the classic 1962 song "The Good Life". The song was originally sung in French by Sacha Distel, but became more popular when released in English by Tony Bennett. The other cover is performed by American rock musician Des Rocs of "Ring of Fire", written by June Carter and Merle Kilgore and popularized by Johnny Cash. Nobody 2 is available as a limited edition on turquoise coloured vinyl and includes an insert.

Kings Elliot war schon immer fasziniert davon, was einen Song wirklich ausmacht und das bereits im Alter
von etwa sieben Jahren. Aufgewachsen in einer kleinen Schweizer Stadt mit ihrer britischen Mutter, wusste
sie immer, dass sie anders war: Sie kämpfte mit denselben Dämonen, die heute ihre Musik inspirieren. Ihre
Fans, liebevoll als „sick puppies” benannt, haben durch ihre Songs, ihre Tourneen, ihr Social Media und
ihre Twitch-Livestreams, in denen Gespräche über psychische Gesundheit, Geschichten hinter ihren Songs
und Heilung im Mittelpunkt stehen, eine enge Bindung zu ihr aufgebaut.
Jetzt beginnt für Kings Elliot ein aufregendes neues Kapitel:
Ihr lang erwartetes Debütalbum „Born Blue” ist ab dem 26. September digital, auf CD (mit blauer Unterseite) sowie in 2 verschiedenen Vinylvarianten erhältlich:
- schwarze LP
- coloured LP (deep ocean mit pearl Effekt) inkl. Poster
Diese Veröffentlichung folgt auf Kings Elliots jüngsten Erfolg bei den Swiss Music Awards, wo sie mit dem
Preis als „Best Breaking Act“ ausgezeichnet wurde. Mit neuer Musik und ihrer ersten Headliner-Tournee
durch Europa im Oktober ist sie bereit, ihre Welt mehr Fans als je zuvor näherzubringen.

Kings Elliot war schon immer fasziniert davon, was einen Song wirklich ausmacht und das bereits im Alter
von etwa sieben Jahren. Aufgewachsen in einer kleinen Schweizer Stadt mit ihrer britischen Mutter, wusste
sie immer, dass sie anders war: Sie kämpfte mit denselben Dämonen, die heute ihre Musik inspirieren. Ihre
Fans, liebevoll als „sick puppies” benannt, haben durch ihre Songs, ihre Tourneen, ihr Social Media und
ihre Twitch-Livestreams, in denen Gespräche über psychische Gesundheit, Geschichten hinter ihren Songs
und Heilung im Mittelpunkt stehen, eine enge Bindung zu ihr aufgebaut.
Jetzt beginnt für Kings Elliot ein aufregendes neues Kapitel:
Ihr lang erwartetes Debütalbum „Born Blue” ist ab dem 26. September digital, auf CD (mit blauer Unterseite) sowie in 2 verschiedenen Vinylvarianten erhältlich:
- schwarze LP
- coloured LP (deep ocean mit pearl Effekt) inkl. Poster
Diese Veröffentlichung folgt auf Kings Elliots jüngsten Erfolg bei den Swiss Music Awards, wo sie mit dem
Preis als „Best Breaking Act“ ausgezeichnet wurde. Mit neuer Musik und ihrer ersten Headliner-Tournee
durch Europa im Oktober ist sie bereit, ihre Welt mehr Fans als je zuvor näherzubringen.

SEOUL, 9. November 2015 – Am Freitagmorgen stürmten Käufer in ganz Südkorea in die Plattenläden, um
das Debüt-Livealbum des nur 17 Tage zuvor preisgekrönten jungen Pianisten Seong-Jin Cho bei Deutsche
Grammophon zu kaufen. Die Geschäfte öffneten an diesem Tag früher, um der Nachfrage gerecht zu
werden, und nationale Fernsehteams filmten die beispiellosen Szenen.
Zehn Jahre später ist Cho ein Weltstar, der die großen Konzerthäuser rund um den Globus ausverkauft.
Doch sein Chopin Piano Competition Winners Album, mit dem der junge Koreaner über Nacht berühmt
wurde, gab es auf Vinyl bislang nur in Korea, und wurde dort nach dem ursprünglichen Release zum
gefragten Sammlerstück.
Zum zehnjährigen Jubiläum seines Sieges beim Chopin Klavierwettbewerb veröffentlicht Deutsche Grammophon nun erstmals eine internationale Version der LP, mit einem neuen audiophilen Half-Speed Master
aus den Emil Berliner Studios und einem neuem Artwork mit großer DG-Kartusche.

Giggs und XL Recordings kündigen zum 15-jährigen Jubiläum eine Neuauflage seines einflussreichen zweiten Albums Let Em Ave It an - erstmals auf Vinyl erhältlich. Das ursprünglich am 21. Juni 2010 veröffentlichte Album markierte Giggs" großen Durchbruch und gilt als wegweisend für die britische Rap-Szene. Mit seinem tiefen Flow, roher Ehrlichkeit und Tracks wie "Look What the Cat Dragged In", "Hustle On" und ""Matic" setzte Giggs neue Maßstäbe für UK-Rap. Kritiker lobten das Werk als realitätsnah und stilprägend. Seitdem entwickelte sich Giggs zu einer Schlüsselfigur der britischen Musik mit erfolgreichen Folgealben wie Landlord, Wamp 2 Dem und Zero Tolerance, sowie Kollaborationen mit Stars wie Drake, Stormzy und Ed Sheeran. Die Jubiläumsausgabe von Let Em Ave It erscheint als Deluxe-Doppelvinyl mit dem originalen Coverdesign, wahlweise auf gelbem oder schwarzem Vinyl. Zusätzlich enthält sie eine Bonusplatte mit Klassikern der Ära, darunter "Don"t Go There" (mit B.o.B), "Slow Songs" (mit Mike Skinner), "Blow Em Away" (mit Shola Ama) und der Kulttrack "Talkin The Hardest". Vorbestellungen sind ab sofort möglich.

Zwei Garagen-Generationen treffen aufeinander! Reverend Beat-Man, das Schweizer Ein-Mann-Orchester und der König des Blues Trash, trifft auf Milan Slick, eine echt dunkle Seele und vielleicht Reinkarnation von Nick Cave (ach, noch zugegen)/Johnny Thunders, um Rock'n'Roll zu spielen, der so frisch und lebendig, wild und düster ist wie nie zuvor. Reverend Beat-Man und Milan Slick lernten sich 2020 inmitten der Pandemie kennen, als sie einen Soundtrack für den Vampirfilm "A Girl Walks Home Alone at Night" von Ana Lily Amirpour schrieben. Zusammen spielten sie Gigs bei Super Sonic Records oder im legendären SO36 in Berlin, um dann gemeinsam mit Beatrice Graf und Benjamin Glaus ein Album unter dem Namen "Reverend Beat-Man & The Underground" zu produzieren (im Rahmen des Rocklette PALP Festivals), eine makabre Tanzparty zum Untergang der Menschheit. Als Nächstes nahmen der superprimitive Rock 'n` Roll-Trash-Hi-Energy-Lo-Fi Reverend Beat-Man und der raffinierte, clevere, verspielte und düstere Milan Slick ihr erstes gemeinsames Album im ehemaligen Züri West Studio mit Sebastian Zwahlen und dem einzigartigen Robert Butler von Miracle Workers auf. Reverend Beat-Man ist eigentlich eine Ein-Mann-Band mit einer Mission: Blues-Trash und wilden Rock'n'Roll. Geboren 1967 in Bern, Schweiz, im Sommer der Liebe und des Hasses, ist er seit 1992 auf Tour, zuerst als Lightning Beat-Man, dann als Reverend Beat-Man One-Man-Band und mit seiner Band The Monsters. Er spielte in ganz Europa, Nord- und Südamerika, Japan, Vietnam, Neuseeland, Australien, Afrika, CBGBs, Montreux Jazz, Muddy Roots usw. Er ist der Gründer von Voodoo Rhythm Records (1992). Wäre er Politiker, würden ihn sogar seine Feinde respektieren (die Regierung). Er wurde 2014 für den Schweizer Musikpreis nominiert, gewann den lokalen Musikpreis als einflussreichster Musiker in Bern (Hauptstadt der Schweiz) und betreibt dort einen Platten- und Souvenirladen. Der Singer-Songwriter Milan Slick (Jahrgang 2004) steht noch ganz am Anfang seiner Karriere, hat aber bereits mit namhaften Künstlern wie Mario Batkovic oder Birdman Jäggi oder seiner eigenen Band Fatigues zusammengearbeitet. In seiner Musik sind Einflüsse von u.a. Nick Cave bis David Bowie zu hören, aber auch, dass sich eine eigenwillige junge Stimme herauskristallisiert, von der wir in Zukunft hoffentlich noch viel hören werden. Als Classic Black or limitiertes Glow In The Dark Vinyl, jeweils mit vierseitigem A4-Insert & DLC, Digisleeve-CD, Kassette sowie Tonband mit Extras erhältlich!

Zwei Garagen-Generationen treffen aufeinander! Reverend Beat-Man, das Schweizer Ein-Mann-Orchester und der König des Blues Trash, trifft auf Milan Slick, eine echt dunkle Seele und vielleicht Reinkarnation von Nick Cave (ach, noch zugegen)/Johnny Thunders, um Rock'n'Roll zu spielen, der so frisch und lebendig, wild und düster ist wie nie zuvor. Reverend Beat-Man und Milan Slick lernten sich 2020 inmitten der Pandemie kennen, als sie einen Soundtrack für den Vampirfilm "A Girl Walks Home Alone at Night" von Ana Lily Amirpour schrieben. Zusammen spielten sie Gigs bei Super Sonic Records oder im legendären SO36 in Berlin, um dann gemeinsam mit Beatrice Graf und Benjamin Glaus ein Album unter dem Namen "Reverend Beat-Man & The Underground" zu produzieren (im Rahmen des Rocklette PALP Festivals), eine makabre Tanzparty zum Untergang der Menschheit. Als Nächstes nahmen der superprimitive Rock 'n` Roll-Trash-Hi-Energy-Lo-Fi Reverend Beat-Man und der raffinierte, clevere, verspielte und düstere Milan Slick ihr erstes gemeinsames Album im ehemaligen Züri West Studio mit Sebastian Zwahlen und dem einzigartigen Robert Butler von Miracle Workers auf. Reverend Beat-Man ist eigentlich eine Ein-Mann-Band mit einer Mission: Blues-Trash und wilden Rock'n'Roll. Geboren 1967 in Bern, Schweiz, im Sommer der Liebe und des Hasses, ist er seit 1992 auf Tour, zuerst als Lightning Beat-Man, dann als Reverend Beat-Man One-Man-Band und mit seiner Band The Monsters. Er spielte in ganz Europa, Nord- und Südamerika, Japan, Vietnam, Neuseeland, Australien, Afrika, CBGBs, Montreux Jazz, Muddy Roots usw. Er ist der Gründer von Voodoo Rhythm Records (1992). Wäre er Politiker, würden ihn sogar seine Feinde respektieren (die Regierung). Er wurde 2014 für den Schweizer Musikpreis nominiert, gewann den lokalen Musikpreis als einflussreichster Musiker in Bern (Hauptstadt der Schweiz) und betreibt dort einen Platten- und Souvenirladen. Der Singer-Songwriter Milan Slick (Jahrgang 2004) steht noch ganz am Anfang seiner Karriere, hat aber bereits mit namhaften Künstlern wie Mario Batkovic oder Birdman Jäggi oder seiner eigenen Band Fatigues zusammengearbeitet. In seiner Musik sind Einflüsse von u.a. Nick Cave bis David Bowie zu hören, aber auch, dass sich eine eigenwillige junge Stimme herauskristallisiert, von der wir in Zukunft hoffentlich noch viel hören werden. Als Classic Black or limitiertes Glow In The Dark Vinyl, jeweils mit vierseitigem A4-Insert & DLC, Digisleeve-CD, Kassette sowie Tonband mit Extras erhältlich!

Zwei Garagen-Generationen treffen aufeinander! Reverend Beat-Man, das Schweizer Ein-Mann-Orchester und der König des Blues Trash, trifft auf Milan Slick, eine echt dunkle Seele und vielleicht Reinkarnation von Nick Cave (ach, noch zugegen)/Johnny Thunders, um Rock'n'Roll zu spielen, der so frisch und lebendig, wild und düster ist wie nie zuvor. Reverend Beat-Man und Milan Slick lernten sich 2020 inmitten der Pandemie kennen, als sie einen Soundtrack für den Vampirfilm "A Girl Walks Home Alone at Night" von Ana Lily Amirpour schrieben. Zusammen spielten sie Gigs bei Super Sonic Records oder im legendären SO36 in Berlin, um dann gemeinsam mit Beatrice Graf und Benjamin Glaus ein Album unter dem Namen "Reverend Beat-Man & The Underground" zu produzieren (im Rahmen des Rocklette PALP Festivals), eine makabre Tanzparty zum Untergang der Menschheit. Als Nächstes nahmen der superprimitive Rock 'n` Roll-Trash-Hi-Energy-Lo-Fi Reverend Beat-Man und der raffinierte, clevere, verspielte und düstere Milan Slick ihr erstes gemeinsames Album im ehemaligen Züri West Studio mit Sebastian Zwahlen und dem einzigartigen Robert Butler von Miracle Workers auf. Reverend Beat-Man ist eigentlich eine Ein-Mann-Band mit einer Mission: Blues-Trash und wilden Rock'n'Roll. Geboren 1967 in Bern, Schweiz, im Sommer der Liebe und des Hasses, ist er seit 1992 auf Tour, zuerst als Lightning Beat-Man, dann als Reverend Beat-Man One-Man-Band und mit seiner Band The Monsters. Er spielte in ganz Europa, Nord- und Südamerika, Japan, Vietnam, Neuseeland, Australien, Afrika, CBGBs, Montreux Jazz, Muddy Roots usw. Er ist der Gründer von Voodoo Rhythm Records (1992). Wäre er Politiker, würden ihn sogar seine Feinde respektieren (die Regierung). Er wurde 2014 für den Schweizer Musikpreis nominiert, gewann den lokalen Musikpreis als einflussreichster Musiker in Bern (Hauptstadt der Schweiz) und betreibt dort einen Platten- und Souvenirladen. Der Singer-Songwriter Milan Slick (Jahrgang 2004) steht noch ganz am Anfang seiner Karriere, hat aber bereits mit namhaften Künstlern wie Mario Batkovic oder Birdman Jäggi oder seiner eigenen Band Fatigues zusammengearbeitet. In seiner Musik sind Einflüsse von u.a. Nick Cave bis David Bowie zu hören, aber auch, dass sich eine eigenwillige junge Stimme herauskristallisiert, von der wir in Zukunft hoffentlich noch viel hören werden. Als Classic Black or limitiertes Glow In The Dark Vinyl, jeweils mit vierseitigem A4-Insert & DLC, Digisleeve-CD, Kassette sowie Tonband mit Extras erhältlich!

Die erste Veröffentlichung des achtzehnten Albums der Melvins unter dem Namen „Melvins Lite“ erschien ursprünglich am 5. Juni 2012. Es war das erste, auf dem eine der alternativen Besetzungen der Melvins mit Trevor Dunn am Kontrabass zu hören war.

Im Eröffnungstrack von Unlearning Vol. 2, seinem fünften Soloalbum, bricht Evidence zunächst mit Mustern. "Set the autopilot, cruising speed", sagt er - eine Zeile, die an seinen charakteristischen entspannten Flow erinnert. Aber anstatt zu cruisen, wählt der aus Venice stammende Musiker die Störung. "That's a setup for a punch to land with 'true indeed'," fährt er fort und gibt den Ton für ein Album vor, bei dem es weniger um Bequemlichkeit und mehr um Transformation geht. Der Titel des Tracks "Plans Change" könnte nicht passender gewählt sein. Seit seinem Auftauchen mit Dilated Peoples hat Evidence immer eine kühle, mühelose Kontrolle ausgestrahlt. Aber "Unlearning Vol. 2" lehnt wie sein Vorgänger aus dem Jahr 2021 jedes Abgleiten in den Status eines Vermächtnisses ab. Es ist nicht nur ein stilistischer Schwenk, sondern eine tiefere, introspektivere Reise, die in technischer Meisterschaft wurzelt, aber von Instinkt und Neugier angetrieben wird. Anstatt vergangene Erfolge zu recyceln, erkundet Evidence raueres, emotionales Terrain und kreiert einen Sound, der sowohl geerdet als auch experimentell ist. Die Produktion zieht Tracks wie Sebb Bashs erschütterndes "Seeing Double", C-Lances nostalgisches "Top Seeded" und Evidence' eigenes unheimliches "Greatest Motivation" in einen hypnotischen Bann. Dennoch bleibt seine Stimme der Anker, der den Dunst mit Präzision und Tiefe durchschneidet. Tracks wie "Nothing's Perfect" zeigen seine lyrische Beweglichkeit, während "Laughing Last" Stoizismus und Verletzlichkeit in Reflexionen über Familie und Verlust verbindet. Die Kollaborateure stammen aus verschiedenen Epochen - The Alchemist, DJ Babu, Blu, Domo Genesis, Larry June, Conductor Williams und viele mehr -, doch das Projekt wird von einem gemeinsamen Ethos getragen: sich neu zu erfinden, einen neuen Kontext zu schaffen und Schmerz durch Kreativität einem Zweck zuzuführen.

The second installment in the SEMPLATE series arrives with force, presenting "Clones" — four-track EP by British duo Evasion & Conman. Run of 200 copies on transparent red / black splatter vinyl. Across the record, Evasion & Conman navigate the spaces between drum and bass, jungle, and breaks, crafting a sound that is both raw and futuristic.

The journey begins with A1 “Closure”, a heavy workout at 165 bpm, driven by pounding drums and a sparse, stripped-back propulsion. On A2 “Nashi” at 147 bpm, unveil perhaps the most lush cut on the EP — a rolling jungle track rich with textured breaks and atmospheric washes. Flipping to the B-side, B1 “Acid Reflux” sits at 140 bpm, swirling with eerie synths and snarling bass that push into darker territory. Finally, B2 “Clones” fires off at 170 bpm, delivering a vision of futuristic broken drum and bass: fractured rhythms, stark bass hits, and cybernetic touches.

A genre-defying Afrofuturist manifesto from Uganda. Producer,
dancer and choreographer Faizal Mostrixx"s singular vision of
East African electronic music is a lush sonic tapestry of
polyrhythms, modern dancefloor styles, amapiano, Nile basin
ceremonial chants and Pan-African field recordings. A stalwart
of the explosive Kampala electronic music scene Mostrixx has
collaborated with the Nyege Nyege collective appearing at both
the African and European editions of their festival. Mutations is
Faizal"s second full length album, following close on the heels of
his acclaimed digital EP Transitions (May 2022 / Glitterbeat). In
their review of Transitions, The WIRE noted: "If today"s currents
in East African electronic music have a more mainstream
destiny, this might be how it starts."

Wenn sie nicht gerade aus dem Fenster auf die stürmische Skyline von Manhattan blickte, verbrachte Margo Guryan ihre dreißiger Jahre damit, Ohrwürmer für Leute wie Bobbie Gentry, Jackie DeShannon, Claudine Longet, Carmen McCrae und Julie London bei CBS's April Blackwood Music zu schreiben. Guryans zeitlose Gedanken über Liebe, Sonntage, Erdbeben, Weinen und Jungs namens Timothy haben unzählige Filme und virale Videos unterlegt. Meisterwerke aus früheren Zeiten. 28 ihrer Songwriting-Demos aus den 60er und 70er Jahren sind auf dieser 25-jährigen Jubiläums-Doppelalbum-Edition.

Annahstasia kündigt ihr Debütalbum „Tether“ an, das am 13. Juni über drink sum wtr erscheint. Gleichzeitig mit der Ankündigung veröffentlicht sie die neue Single „Villain“.

Annahstasia sagt über die neue Single: „Wir alle bestehen sowohl aus Schatten als auch aus Licht. Aus irgendeinem Blickwinkel sind wir alle der Bösewicht der Geschichte gewesen, wir versuchen alle unser Bestes und verhandeln ums Überleben.“ Die Single wird von einem atemberaubenden Musikvideo begleitet, bei dem Adam Davis Regie führte und in dem die schwarze Rodeo-Community in Tulsa, Oklahoma zu sehen ist.

„Meine Karriere war eine Lektion in Geduld“, sagt Annahstasia, die ihre musikalische Sprache zwischen den Flammen der Intimität und Unabhängigkeit über verschiedene Leben, Orte und Wiederholungen hinweg kultiviert hat, verlorene und gewonnene Lieben, Erwartungen, die sich entzogen und neu geschaffen wurden. Die Nähe der aufstrebenden Troubadourin zur Liebe für und von anderen, in der Gesellschaft im Allgemeinen und tief in sich selbst, leitet den Geist ihrer gefühlvollen, poetischen Folk-Songkunst. Die Liebe ist die elementare Konstante neben ihrer unverwechselbaren Stimme, die die Musik der Singer-Songwriterin seit ihren ersten autodidaktischen Aufnahmen prägt, als die damals 17-jährige Annahstasia Enuke entdeckt und in die Zwänge einer Industrie gedrängt wurde, die ihre größten Stärken beinahe erstickt hätte. Künstlerische Widerstandsfähigkeit, Dankbarkeit und Hingabe haben „Tether“ hervorgebracht, Annahstasias Debütalbum, das auf dem kunstorientierten Indie-Label drink sum wtr erscheint. „Tether“ ist eine Sammlung von strahlenden Torch Songs, orchestralen und astralen Hymnen, die sich wie gelebt anfühlen und aus der menschlichen Erfahrung und dem Spektrum der Liebe stammen. Annahstasia hat die Stücke von „Tether“ langsam und mit tiefer Absicht zusammengesetzt; sie hat diese Lieder mit auf Reisen genommen, sie für Freunde und Fremde gesungen und sie im Laufe der Zeit zusammen mit ihren persönlichen Offenbarungen weiterentwickelt. „Der Song ist geschrieben, und dann muss ich mit ihm leben und sehen, ob ich wirklich glaube, was ich sage“, erklärt sie. Sie brachte ihr Material zu den Sessions in den berühmten Valentine Studios in Los Angeles mit und wurde dabei von den Produzenten Jason Lader (ANOHNI and the Johnsons, Frank Ocean, Lana Del Rey), Andrew Lappin (Cassandra Jenkins, L'Rain, Luna Li), Aaron Liao (Liv.e, Moses Sumney, Raveena) und einer Reihe versierter Musiker unterstützt, darunter die Gäste Aja Monet und Obongjayar. Die Aufnahmen erfolgten instinktiv, nur in Live-Takes, um das Gefühl des Raums und die Gemeinschaft der Musik einzufangen. Das Sequencing war ebenso essenziell; sie kam zu einem Fluss mit wechselnden Energien und ergreifenden Bögen. Die Instrumentierung schwillt an, mal zurückhaltend, mal üppig, und durch jedes Arrangement klingt Annahstasias Stimme wahrhaftig, offenherzig und frei. Lyrisch umarmt Annahstasia die Nuancen der Poesie und lädt die Zuhörer ein, sich auf die bedeutungsvollen Worte einzulassen, ob sie nun über Romantik oder soziale Konstrukte sinnieren.



“A once-in-a-generation vocalist writing haunting love songs” – NME



“Annahstasia’s grace and wisdom promises to leave a lasting impression this year and beyond.” – Clash



“Her flawless voice draws you into a world of feeling, whilst her beautiful, naturalistic songwriting spellbinds you into staying.” – Wonderland

Label boss Dead Man’s Chest drops his debut LORE LTD record in the vinyl only series from Western Lore.

Bass heavy hardcore jungle tekno raveyness and a funky b-boy breakbeat workout. Strictly for the Hardcore!

Mit der neuen Single ,Die 10 Gebote der Jungpianiere" auf der A-Seite und dem Klassiker ,Skandal im Sperrbezirk" auf der B-Seite bringen sie Punk-, NDW- und Rock-Attitüde zurück in die Jetztzeit. Mit ,Die 10 Gebote der Jungpianiere" präsentieren PIA UNITED nicht nur einen Song, sondern gleich ein Manifest für ihre stetig wachsende Fan-Community. Im Mittelpunkt steht die charismatische Frontfrau Frollein Höhne, die gemeinsam mit ihren drei erfahrenen Mitstreitern General, Sir Herle und Costja Chaos musikalisch und textlich klare Kante zeigt: Freude am Anderssein, rebellischer Humor und Zusammenhalt beschreiben das Lebensgefühl der Pianiere. Der B-Seiten-Hit ,Skandal im Sperrbezirk" (feat. Jogi von HARTHOLZ) taucht die NDW-Legende der Spider Murphy Gang in ein neues Licht - visuell und soundtechnisch frisch aufgeladen. 2 Track 7" in schwarzem Vinyl Auflage: 300 Stück, handnummeriert Inside out print, + Post- und Mitgliedskarte

To All That We Lose And All We Fight For is the debut album by Vera Logdanidi - the
culmination of nearly two decades of musical evolution. Her journey began in the world of drum & bass and jungle, gradually expanding into deep explorations of house, dub techno, and techno. Over the years, Vera has performed on leading stages across Ukraine and internationally, while also mentoring a new generation of DJs and producers, hosting radio shows, and supporting the scene through her label and community work.

This album was written during a time of deep upheaval. The outbreak of full-scale war forced Vera to leave behind a well-established life and begin again on the international stage. While the music often feels dreamy and introspective, To All That We Lose And All We Fight For is a profoundly personal record - a sonic refuge shaped by grief, uncertainty, and resilience.

The album doesn't follow formulas; it's driven by intuition, texture, and a genuine connection to sound. It's rich, emotional, and occasionally unexpected. The tracks form the core of Vera's current live set, which has resonated at major festivals such as Draaimolen or Strichka - captivating audiences with its depth and subtle, immersive energy.

The cover art, created in close collaboration with Vera's longtime visual team, is a real
photograph - not a digital effect. It captures the tension between anxiety and hope: a glance back, and a step forward into the unknown. This visual metaphor reflects the emotional landscape of the album - the fragility of what's been lost, and the courage to embrace what lies ahead.

This release also marks a new chapter for Rhythm Buro Records - one that moves towards music that is more personal, intimate, and unconstrained by expectations.

To All That We Lose And All We Fight For is released alongside another important Rhythm Buro release: RB011 - Your Curves EP by Na Nich. Ukrainian producer Oleksandr Pavlenko, formerly known as Sunchase, returns to his roots in broken beats and bass music, blending them with house and techno sensibilities. The four-track EP ranges from deep grooves to melancholic late-night moods - a compelling counterpoint to Vera's album and a testament to the label's evolving identity.
Order RB012 n

The songs of Louisiana's Francophone and Creole heritage have flowed through the bayous for centuries, shaped by African, Native American, French, and Caribbean influences. Combining a vinyl record and a bilingual book, Pasé Bél Tan: Francophonies and Creolities in Louisiana celebrates this cultural legacy. It pairs historical recordings with contemporary reflections, inviting artists and scholars to explore this ever-evolving soundscape. Bridging a vibrant present with a painful past, it creates a space for dialogue around identity, memory, and the ongoing transformation of Louisiana’s musical traditions.



The double vinyl compilation and its OBI strip features a staggering 34 songs, ranging from French ballads and Creole renditions to zydeco hooks and reinterpretations by a wide array of contemporary artists such as Madteo, Tanz Mein Herz, Radio Hito, Cyril Cyril, and Deafkids, among others. With archival recordings and contemporary creations side by side, it serves as a bridge across the vast bayou of Louisiana music.



The book is a 272-page bilingual (French/English) publication that seeks to encapsulate the far-reaching implications of Louisiana’s musical heritage within both Louisianan and American society. It explores how this culture has shaped—and been shaped by—its surroundings. With contributions from many key figures of the scene—musicians, researchers, club owners, and other vital witnesses—it aims to present the intricate and singular relationship that exists between Louisiana and its music.



The book only is not available through distribution but only as a bundle with the 2LP version.

The songs of Louisiana's Francophone and Creole heritage have flowed through the bayous for centuries, shaped by African, Native American, French, and Caribbean influences. Combining a vinyl record and a bilingual book, Pasé Bél Tan: Francophonies and Creolities in Louisiana celebrates this cultural legacy. It pairs historical recordings with contemporary reflections, inviting artists and scholars to explore this ever-evolving soundscape. Bridging a vibrant present with a painful past, it creates a space for dialogue around identity, memory, and the ongoing transformation of Louisiana’s musical traditions.



The double vinyl compilation and its OBI strip features a staggering 34 songs, ranging from French ballads and Creole renditions to zydeco hooks and reinterpretations by a wide array of contemporary artists such as Madteo, Tanz Mein Herz, Radio Hito, Cyril Cyril, and Deafkids, among others. With archival recordings and contemporary creations side by side, it serves as a bridge across the vast bayou of Louisiana music.



The book is a 272-page bilingual (French/English) publication that seeks to encapsulate the far-reaching implications of Louisiana’s musical heritage within both Louisianan and American society. It explores how this culture has shaped—and been shaped by—its surroundings. With contributions from many key figures of the scene—musicians, researchers, club owners, and other vital witnesses—it aims to present the intricate and singular relationship that exists between Louisiana and its music.



The book only is not available through distribution but only as a bundle with the 2LP version.

Waxwork Records, in association with WaterTower Music, is proud to present BEETLEJUICE BEETLEJUICE Original Motion Picture Score by Danny Elfman!

Director Tim Burton once again teams up with composer Danny Elfman to create chaotic and fantastical music for the Ghost with the Most!
Though very few of his collaborations with Burton are sequels, Elfman jumped at the chance to revisit his work from the original Beetlejuice.

After 36 years, it was easy for him to get into the mindset he found in 1988. Speaking to Forbes, Elfman said that getting “the chance to jump

back into the same playground” with Beetlejuice Beetlejuice after all these years was “a real treat.”
Beetlejuice is back! Oscar-nominated, singular creative visionary Tim Burton and Oscar nominee and star Michael Keaton reunite for

Beetlejuice Beetlejuice, the long-awaited sequel to Burton’s award-winning Beetlejuice.
Waxwork Records is excited to present the debut vinyl release of BEETLEJUICE BEETLEJUICE Original Motion Picture Score by Danny Elfman as a

deluxe double LP featuring Pink and Violet Hand Poured colored vinyl, artwork by Ruiz Burgos courtesy of Bottleneck Gallery, heavyweight

reverse board packaging, and an 11"x11" art print insert.

WRWTFWW Records is boiling with excitement: Pizza Hotline is back! The UK producer and DJ is following up the already classic Level Select with another liquid drum & bass with a video game music twist beauty: the Polygon Island album, available in a limited edition double LP with a majestic 45rpm cut (for louder, bigger, bolder, deeper earth-shaking bass), packaged in a heavyweight 350gsm gatefold sleeve.

Home of eight all new slices of delicious atmospheric drum & bass, Polygon Island is the perfect artificial paradise beach for Pizza Hotline to deepen his exploration of modern jungle music liquified through the lens of 90s /Y2K video game motifs and seasoned with the soundtrack essence of PS1, PS2, N64, Sega Saturn & Dreamcast adventures.

Bewitching and larger than life, Pizza Hotline’s perfect follow-up to Level Select takes listeners (players?) on an endless summer escapade filled with immaculate vibes, crispy beats, and refashioned homages to, once again, LTJ Bukem, Peshay, the Wipeout OST, and Soichi Terada's Ape Escape. It’s bouncy, it flows, it’s dreamy – something to dance to, something to reminisce to, something to chill to. Pizza Hotline is back and it feels so good.

Press start. Again.


Points of interests

For fans of liquid DNB, video games, ambient, late night vibes, computers and clubs, Soichi Terada's Ape Escape, LTJ Bukem, Peshay, Wipeout OST, Pizza Hotline’s Level Select, good music, good music on video games, playing video games all night and possibly all week. Do that again and again and again.

Super limited edition vinyl of Pizza Hotline’s Polygon Island album redefining liquid drum & bass with a Y2K video game twist again and again and again.

Exklusive Vinyl-Sammlung mit Demos, Skizzen und Outtakes vom neuen Album "Season Of The Peach" von Black Lips. Mit einem Feature von King Khan sowie alternativen Versionen und Mixen und exklusiven Songs aus den Sessions. Gleichzeitig mit ihrem richtigem neuen Album "Season Of The Peach" wird die Outtakes-Sammlung "Bebop Armageddon (Detours & Offcuts From Season Of The Peach)" veröffentlicht, ein wildes, limitiertes Kompendium: Demos, alternativen Versionen und klingende Missgeschicke der jüngsten Sessions zum neuen Album, für echte Fans auf Vinyl gebannt. Wenn "Season Of The Peach" eine farbenfrohe Halluzination ist - teils Garagenrock-Fantasie, teils verbranntes Americana-Land - dann ist "Bebop Armageddon" sein zerfetzter, magnetischer Schatten. Diese 14 Tracks nehmen einen orientierungslosen Weg durch dasselbe Terrain und bieten mutierte Skizzen, wunderschöne Trümmer und freakige Umwege, die vor rohem Charme und chaotischer Erfindungsgabe nur so strotzen. Es gibt alternative Mixe (,Kassandra"), Demoversionen (,Judas Pig", ,Zulu Saints") und schwindelerregende Neuinterpretationen wie ,The Illusion Pt. 1 (dream mix)". Das Exklusive ,Colt 44" (mit King Khan) rattert wie ein Güterzug, der zu entgleisen droht, während ,Satan" und ,Back To Kiev" gleichermaßen versengten Psych, Saloon-Gospel und gespenstische Front-Porch-Melodien bieten. Alle Tracks wurden auf Analogband im Sound At Manor Studio von Oakley Munson in den Catskills aufgenommen. Bebop Armageddon fängt den Geist der Sessions in roher, ungekünstelter Form ein. Keine sauberen Linien. Keine Wiederholungen. Kein Glanz. Das ist das Chaos unter der polierten Oberfläche des Mutteralbums - die Black Lips, die sich nicht benehmen wollten. Limitiertes klassisch schwarzes Vinyl (1000 Stück weltweit) mit DLC dabei.

Light Up Goldist das zweite Studioalbum der US-amerikanischen Indie-Rock-Band Parquet Courts und wurde ursprünglich 2012 in Eigenregie veröffentlicht, bevor es Anfang 2013 über das Label What"s Your Rupture? neu aufgelegt wurde. Mit seinem rohen, energiegeladenen Sound und einer Mischung aus Punk, Garage Rock und intelligenten Texten wurde das Album schnell zu einem Geheimtipp und markierte den Durchbruch der Band in der alternativen Musikszene. Das Album wurde von Kritikern für seine Energie, seinen Witz und seine Direktheit gelobt. Es wirkt wie ein urbaner Schnappschuss des Lebens junger Erwachsener in New York City - nervös, rastlos und reflektiert.Light Up Gold etablierte Parquet Courts als eine der spannendsten neuen Bands der 2010er Jahre und wurde später zu einem der wichtigsten Indie-Rock-Alben des Jahrzehnts gezählt.

"Der britische Rapper Kojey Radical veröffentlicht am 19.09. sein zweites Studioalbum ""Don´t Look Down"".
In den letzten zehn Jahren hat sich Kojey Radical als einer der kreativsten und einzigartigsten Künstler der britischen Musikszene etabliert. Sein Debütalbum „Reason to Smile“ (2022) wurde von Kritikern hoch gelobt und machte ihn zu einer der prägenden Stimmen der britischen Kultur.


Begleitend zur Ankündigung veröffentlichte Kojey auch einen Trailer für einen Kurzfilm, der zusammen mit dem Album im September erscheinen soll. Seine Rückkehr war nichts weniger als beeindruckend: Er sorgte mit einem Überraschungsauftritt bei der Fête de la Musique im Juni für Aufsehen und lieferte eine herausragende Performance während des gefeierten Glastonbury-Auftritts von Ezra Collective."

Als Sarah McLachlan vor mehr als drei Jahrzehnten zu einem globalen Phänomen wurde, brachte die
kanadische Sängerin und Songwriterin eine noch nie dagewesene neue Stimme in den Pop-Kanon ein:
gefühlvoll, fesselnd und in höchstem Maße fähig, Schmerz in Transzendenz zu verwandeln. Auf ihrem
ersten Album mit neuem Material seit 11 Jahren erweitert die dreifache Grammy-Preisträgerin ihr Vermächtnis mit einer Auswahl von Songs, die eine kompromisslose, aber radikal erhellende Wahrheit über
den Zustand der menschlichen Existenz vermitteln. Der jüngste Triumph in einer Karriere mit zahllosen
Meilensteinen - darunter 12 JUNO Awards, über 40 Millionen verkaufte Alben weltweit und große kulturelle Errungenschaften wie die Gründung der bahnbrechenden Lilith Fair - bestätigt ”Better Broken”
McLachlans’ Standing als unvergleichliche Künstlerin, deren nuancierte Perspektive und uneingeschränktes
Einfühlungsvermögen wichtiger sind denn je.
Ein paar Worte von Sarah:
”Viele der Texte auf dieser Platte entstanden aus dem Nachdenken über die Welt im Moment und der
Frage: ’Wie bewegen wir uns durch diese Landschaft? Wie können wir uns über Wasser halten, wenn wir
das Gefühl haben, dass so viel zusammenbricht?’. Ich weiß nicht, ob ich darauf eine Antwort habe, aber
all diese Angst und Unsicherheit in die Musik zu kanalisieren, war so kathartisch. Ich hoffe, dass diese
Platte den Leuten etwas Erleichterung und Befreiung verschafft - aber letztendlich möchte ich nur, dass
sie daraus nehmen, was s

Vor zwanzig Jahren kam der Film „Brokeback Mountain“ heraus, der längst als jüngerer Klassiker Hollywoods gilt und mit seiner dramatischen und anrührenden Story ein riesiges Publikum erreicht hat. Oscars
gab es nicht nur für die beste Regie und das beste Drehbuch, sondern auch für die Filmmusik von Gustavo
Santaolalla (The Last Of Us, August: Osage County, Babel).
Das Soundtrack-Album zum Film wurde ebenfalls ein großer Erfolg, es enthält neben dem Score auch
Titel von u.a. Willie Nelson, Rufus Wainwright, Linda Ronstadt und Emmylou Harris. Zum zwanzigsten
Jubiläum des Films erscheint der Soundtrack jetzt weltweit erstmals als LP.

"Oh Snap features twelve very personal songs by Cécile McLorin Salvant - plus a cover of a verse from the Commodores’ 1977 hit “Brick House” - mostly recorded outside of a traditional studio environment and showcasing her genre-spanning tastes and influences. The album features longtime collaborators Sullivan Fortner, Yasushi Nakamura, and Kyle Poole, as well as cameos from singers June McDoom and Kate Davis. Salvant has US and international tour dates throughout the summer and autumn; find more details at nonesuch

The MacArthur Fellow and three-time Grammy-winning singer and composer wrote these short, intimate songs as part of a creative quest: to place spontaneity and joy at the center of her writing process. She originally recorded them alone, at home, never intending for them to be released, using digital tools and effects that she had never played with before, like GarageBand, Logic, AutoTune, Midi plugins, drum loops, vocal effects, reverb, and filters. The songs reflect Salvant’s wide-ranging musical influences from her 1990s childhood in Miami - from boy bands to grunge to classical to folk - and include party tracks with beats, samba grooves, and quiet folk songs.
"

A coast-to-coast celebration of luxury, lessons, and longevity, Life Is Beautiful unites three generational talents at the height of their crafts: Larry June, 2 Chainz, and The Alchemist. Over a collection of Alchemist’s warm, soul-soaked loops and refined production, Larry and Chainz trade bars soaked in game, gratitude, and grown-man perspective. It’s a record that marries the smooth polish of West Coast cruising with the Southern charm and swagger of Atlanta, all anchored by the smoky jazz textures and dusty drums that only Alchemist can deliver.

Each track feels like a snapshot of abundance—not just in wealth, but in wisdom. Larry coasts with his usual calm confidence, finding beauty in health, hustle, and high-grade habits, while 2 Chainz brings his trademark charisma and wit, dropping gems with the precision of a seasoned vet. Together, they offer a version of success that’s intentional and introspective, as much about self-care and staying grounded as it is about stacking wins.

From introspective slow-burners to sunlit bangers, Life Is Beautiful is a rich, unhurried listen that reflects where these three icons are now: comfortable, focused, and fully in their bag. It's a toast to growth, guided by intention—and it sounds damn good on wax.

Give It Up Or Turnit a Loose (Edit) by James Brown b/w Web (Edit) by Hampton Hughes / Give It Up or Turnit a Loose (Bonus Breaks) by James Brown| Galaxy Sound Company — GSC45-044, test pressing | The long-running @galaxy_sound_company imprint has been responsible for some superb re-edits over the years, most of which are pleasingly purist in tone — meaning they are pro rearrangements with no added effects but & needless new beats or cheap trickery like so many out there— making any of their releases cop-on-site. & as you can hear from the test pressing, the 44th in the stellar series delivers yet again.

Side A is a masterclass in breakbeat editing of a b-boy classic sample source. Yes, there are many killer JB edits out in the universe, but when you see that the legendary Black Cash & Theo AKA Thelonious Beats take a turn, you know you gotta cop this mutha on site. Here the edit master bravely returns to one of the main sources of the dawn of hip-hop — JB’s comp “In The Jungle Groove” which was released in 1986 to capitalize on it’s popularity in the genre at the time. The comp is named for a breakdown section that appears in “Give It Up Or Turnit a Loose” which is the workout we have here. JB quiets the band down to handclaps, footstomps & congas played by Johnny Griggs. After he raps a little, JB cues legendary drummer Clyde Stubblefield back in, followed by bassist Bootsy Collins & the rest of the band. JB wasn’t intentionally trying to create a perfect batch of hip-hop samples in the late 60s & early 70s, but he couldn’t have succeeded any better if he had been. This edit may enter well-worn territory but he uniquely delivers an edit that showcases why it inspired so many & still delivers the goods to help you get your party started off right & quickly.

Next up on the flipside we are treated to an edit of “Web” by Hampton Hughes, from his 1974 David Axelrod produced & arranged album “Northern Windows”. Heads will recall it as the core sample for “Off the Record” by Hieroglyphics, from the 1998 LP “3rd Eye Vision”. This jazz-funk burner features a stellar line-up:
Piano/keyboards = Hawes
Trumpet = Allen DeRienzo, Snooky Young
Trombone = George Bohanon
Sax/flute = Jackie Kelso, Jay Migliori, William Green
Electric Bass = Carol Kaye
Drums = Spider Webb

But wait, GSC ain’t done yet! We get some bonus beats from the A-side. Another reason why doubles are highly recommended when you need assistance in your set.

If any album could conjure up the revolutionary spirit of Jamaica in the mid 1970’s, Tapper Zukie’s invincible M.P.L.A. set would surely be a fighting contender. The coming together of great rhythms and meaningful lyrics in a time of unrest in the country seemed to have made the album all the more urgent and relevant. As time would tell it would also prove to be a lasting success, not only with the hard core reggae fans but also their punk counterparts. Who embraced its militant themes and crossed the album over to a whole new audience. Tapper Zukie (b. David Sinclair, Kingston, Jamaica.) had already returned from a trip to London England by the mid 70’s .Initially sent with help from his parents, brother Blackbeard and producer Bunny ‘Striker’ Lee to remove the youth from his troublesome ways on the streets of Kingston, Jamaica. He had performed some live shows in London and made some recordings for Larry Lawrence, that produced his debut ‘Jump and Twist’. Alongside other recordings that would emerge as his ‘Man A Warrior’ set. But feeling homesick he had returned to Jamaica in 1974 to work with Bunny Lee. His work would consist of arranging sessions and collecting payments to bodyguard, the now very successful producer. His frustration of Bunny Lee’s reluctance to record him led him cutting ‘Judge I Oh Lord’ for producer Lloydie Slim. Bunny Lee’s then recording of Tapper’s ’Natty Dread Don’t Cry’ and its subsequent release aboard, led to an altercation between Tapper and producer. The police had to be called and an offer to provide the singer with a set of rhythms put this matter to rest. The eight rhythms and a further two from Jo Jo Hookim and Ossie Hibbert alongside some free studio time at King Tubby’s Studio would result in the M.P.L.A album.

The rhythm provided by Jo Jo Hookim was a Channel One studio cut by The Revolutionaires based on Little Richards ‘Freedom Blues’ and provided the backdrop to M.P.L.A. The Ossie Hibbert rhythm again cut at Channel One based on The Royals ‘Pick Up The Rockers’ would provide the backdrop to Tapper’s ‘Pick Up The Rockers’. These and the remaining Bunny Lee rhythms, were all cut in a one hour session, at King Tubby’s Studio. ’Don’t Get Crazy’ cut on a rhythm based on the Joe Frazier rhythm to Tony Brevett’s ‘Don’t Get Weary’. ‘Go De Natty’ cut on Cornell Campbell’s ‘Please Be True’, originally a cut to Alexander Henry’s ‘Please Be True’. ‘Stop The Gun Shooting’ runs over Horace Andy’s ‘Skylarking’.’Ital Pot’ cut on Johnny Clarke’s version of Burning Spear’s ‘Creation Rebel. ‘Marcus’ see’s Tapper professing over Johnny Clarke’s ‘Poor Marcus’ .’Chalice To Chalice’ pulls on Johnny Clarke’s ‘Give Me a Love’,’ Don’t Deal With Babylon’ answers Junior Ross and The Spears ‘Babylon Fall’ and ‘Freedom’ rides on the great rhythm of Junior Ross and The Spears ‘Liberty’. An outstanding album cut by one of Jamaica’s finest DJ’s and producers the mighty Tapper Zukie. We hope you enjoy this now timeless set.

Teresa Rotschopf, a musician and composer from Vienna, presents her second solo album, »Currents and Orders« – a radical, delicate, yet grandiose sonic journey between experimental pop, new music, and improvised composition. The album will be presented live on August 27 as part of the »Pop-Kultur« festival (silent green, Berlin) and at the »ORF RadioKulturhaus« (Vienna) on 12 September.

»Currents and Orders« was recorded in an unusual location: a stalactite cave in Styria, Austria. Together with a small group of musicians (Maria Gstättner: bassoon, contraforte; Alex Kranabetter: tuba, trumpet, French horn; Patrick Dunst: saxophone, duduk; Florian Klinger: marimba, vibraphone, glockenspiel, cymbals, gong, stalactite; Patrick Pulsinger: gong, stalactite; Ulrich Schleicher: gong) and in co-production with Patrick Pulsinger, Rotschopf recorded the album in June 2023 – deep underground, far from daylight, but all the closer to archaic sounds and resonances.

The cave becomes not only an acoustic stage, but also a symbolic space of memory, retreat, and transformation. The album comprises four pieces – including two large-scale tracks:
- the opening, mantra-like title track »Currents and Orders« (over 10 minutes)
- the final, free-jazz, expressive »I Open My Gates (for You)« (over 20 minutes)

With a minimalist structure, choral voices, vibraphone, percussion, and wind instruments, fragile yet powerful soundscapes emerge, whose spatial depth is also palpable through the cave reverberation.

Rotschopf first developed the desire to record in a cave in the summer of 2022. What began as a visual and sonic image became a concrete project – supported by the Austrian Cave Association. In June 2023, Rotschopf and her musicians spent three days in a cave in the Styrian forest. Almost a kilometer of cable was laid, and equipment and instruments were carried deep underground. Rotschopf describes the recording situation as a kind of return to herself: »I descended into this cave, as if I could descend into myself, into my own womb ... What we did in the cave could just as easily be called ›recording music,‹ but it could also be called ›remembering‹ – remembering the earth, the cave, and humanity.«

»Currents and Orders« is an album like a ritual: haunting, atmospheric, bold in its form, and deeply rooted in both physical and emotional space. Music that takes its time, uses space, and pushes boundaries.

The pre-release single »O Please My Soul (Rest On My Back)« (release: July 17, 2025) is accompanied by a striking music video shot by Antoinette Zwirchmayr on 16mm film: Teresa Rotschopf holds a real owl in her hand – an image that is as magical as it is enigmatic.

Label owner Martin Hossbach read a review of Rotschopf's first solo album, »Messiah,« in 2018 and contacted the artist. Joint releases followed, including a drone album on the sub-label Martin Hossbach Score and a Pet Shop Boys cover version on Martin Hossbach Cover.

Teresa Rotschopf, Musikerin und Komponistin aus Wien, präsentiert mit »Currents and Orders« ihr zweites Soloalbum – eine radikale, zarte und zugleich groß angelegte Klangreise zwischen experimentellem Pop, Neuer Musik und improvisierter Komposition. Das Album wird am 27.8. im Rahmen des Festivals »Pop-Kultur« (silent green, Berlin) und am 12.9. im »ORF RadioKulturhaus« (Wien) live vorgestellt.

»Currents and Orders« entstand an einem ungewöhnlichen Ort: in einer Tropfsteinhöhle in der Steiermark, Österreich. Gemeinsam mit einer kleinen Gruppe von Musiker:innen (Maria Gstättner: Fagott, Kontraforte; Alex Kranabetter: Tuba, Trompete, Waldhorn; Patrick Dunst: Saxophon, Duduk; Florian Klinger: Marimbaphon, Vibraphon, Glockenspiel, Becken, Gong, Stalakmit; Patrick Pulsinger: Gong, Stalakmit; Ulrich Schleicher: Gong) und in Ko-Produktion mit Patrick Pulsinger nahm Rotschopf das Album im Juni 2023 auf – tief unter der Erde, fern von Tageslicht, dafür umso näher an archaischen Klängen und Resonanzen.

Die Höhle wird nicht nur zur akustischen Bühne, sondern auch zum symbolischen Raum der Erinnerung, des Rückzugs, der Transformation. So umfasst das Album vier Stücke – darunter zwei großformatige Tracks: - das eröffnende mantraartige Titelstück »Currents and Orders« (über 10 Minuten) - das finale, free-jazzig-expressive »I Open My Gates (For You)« (über 20 Minuten)

Mit minimalistischer Struktur, Chorstimmen, Vibraphon, Schlag- und Blasinstrumenten entstehen fragile und zugleich mächtige Klangwelten, deren räumliche Tiefe auch durch den Höhlenhall spürbar wird.

Der Wunsch, in einer Höhle aufzunehmen, kam Rotschopf im Sommer 2022. Was als visuelles und klangliches Bild begann, wurde zu einem konkreten Vorhaben – unterstützt vom Österreichischen Höhlenverein. Im Juni 2023 begab sich Rotschopf mit ihren Musiker:innen drei Tage lang in eine Höhle im steirischen Wald. Fast ein Kilometer Kabel wurde verlegt, Equipment und Instrumente tief unter die Erde getragen. Rotschopf beschreibt die Aufnahmesituation als eine Art Rückkehr in sich selbst: »Ich stieg in diese Höhle hinab, so als ob ich in mich selbst hinabsteigen könnte, in meinen eigenen Schoß [...] Was wir in der Höhle taten, könnte man ›Musik aufnehmen‹ nennen, genauso gut aber auch ›Erinnern‹ – Erinnern von Erde, Höhle und Menschsein.«

Currents and Orders ist ein Album wie ein Ritual: eindringlich, atmosphärisch, mutig in der Form und tief verwurzelt im physischen wie emotionalen Raum. Musik, die sich Zeit nimmt, Raum nutzt und Grenzen sprengt.

Die Vorab-Single »O Please My Soul (Rest On My Back)« (VÖ: 17.7.205) wird begleitet von einem eindrücklichen Musikvideo, das Antoinette Zwirchmayr auf 16mm-Film drehte: Teresa Rotschopf hält darin eine echte Eule auf ihrer Hand – ein Bild, das genauso magisch wie rätselhaft wirkt.

Labelbetreiber Martin Hossbach las im Jahr 2018 eine Rezension des ersten Rotschopf-Soloalbums »Messiah« und nahm Kontakt zu der Künstlerin auf. Es folgten gemeinsame Veröffentlichungen – etwa ein Drone-Album auf dem Sub-Label Martin Hossbach Score und eine Pet-Shop-Boys-Coverversion auf Martin Hossbach Cover.

Die Tanzfläche ist eröffnet! Nach dem zauberhaften Start mit ”Die schönsten Kinderlieder” präsentiert
Helene Fischer die zweite, mitreißende Volume: ”Tanzen & Feiern”! Diese brandneue Platte mit 25 Titeln
wird Jung und Alt begeistern und ist der perfekte Soundtrack für fröhliche Anlässe und ausgelassene Partys.
Als besonderes Highlight erwartet euch eine einzigartige Interpretation des Milliarden-Hits ”Baby Shark”,
gemeinsam mit den unverwechselbaren Stimmen von Helene Fischer und Otto Waalkes!
Helene Fischers ”Die schönsten Kinderlieder” hat bereits für magische Momente gesorgt. Nun folgt die
Fortsetzung, die zum Tanzen und Feiern einlädt. Diese neue Veröffentlichung aus der Kinderlieder-Serie
von Helene Fischer umfasst 25 energiegeladene Titel, die nicht nur Kinder begeistern werden, sondern auch
auf jeder Party für gute Stimmung sorgen. Von altbekannten Klassikern bis zu modernen Rhythmen ist für
jeden Geschmack etwas dabei.
Ein absolutes Highlight dieser Ausgabe ist die exklusive Neuinterpretation des globalen Phänomens ”Baby
Shark”! Helene Fischer hat sich für diese besondere Aufnahme mit niemand Geringerem als der ComedyLegende Otto Waalkes zusammengetan. Freut euch auf eine Version des Milliarden-Hits, die Jung und Alt
gleichermaßen zum Mitsingen und Mitfeiern animiert.
”Die schönsten Kinderlieder – Tanzen & Feiern” ist somit das ultimative Album für fröhliche Familien-

After recent sold-out vinyl and cassette releases garnering plays on BBC 6Music and NTS, among other Radio Play, 0282 are back with another choice double-sider.

Travis Street’s ‘Jackie Morris Said’ is an instrumental mid-tempo soul stomper, with Advance copies being very well received on contemporary Northern Soul Dancefloors throughout the UK. DJ feedback has likened it to all-time classic instrumental Mod & Soul numbers by the likes of Googie Renee and Wynder K Frog.

The flipside sees a remix by Barden Juniors, fresh from recent DJ gigs with the likes of Keb Darge, DJ Food, and Doug Shipton from Finders Keepers records. Their wonky angular deconstruction is in the vein of classic European Library Tunes from the late 60s / early 70s, and feedback on promo copies has seen it described as “a lost KPM out-take”, “the soundtrack to a lost public information film from 1973”, and “a time-travelling Kool Keith instrumental”.

It has already had radio play support from the likes of Markey Funk (Delights).

Since 2006, listeners have been curious about the origin of the label name Italians Do It Better. Some say it's an homage to Italo Disco, others guess it's related to ancestry, but in fact it's a nod to the iconic T-shirt Madonna wears in the "Papa Don't Preach" video circa 1986.
Fast forward to a world pandemic... To encourage creativity & lift spirits, Italians Do It Better President, Megan Louise asked every artist “If you could cover your favourite Madonna song…What would it be?”

As a tribute to their label muse & the impact Madonna’s music has had on the world around us, Italians Do It Better are sharing a compilation of covers simply titled “Italians Do It Better”. One of the tracks (“Lucky Star” by Club Intl) is even produced by Max Kamins, the son of Mark Kamins, the New York DJ who helped break Madonna in the early 1980's. From the experience he says “Dance music was the soundtrack of my early childhood. Working on "Lucky Star" reconnected me not only to my father, but also reminded me that a good song is timeless".

Executive produced by Johnny Jewel, the compilation is a passport to 20 covers from the bedrooms of 19 artists across 10 different countries.

Limited first pressing on silver vinyl. Flying Horseman returns with their first new album in five years. Experience their renewed but signature sound with a fresh line-up.



Flying Horseman is back! After a five year hiatus and with a new line-up, the band is ready to once again captivate headphone junkies and live audiences alike with Anaesthesia, their seventh album. It's an urgent and passionate work of intelligent rock'n roll, hazy psychedelia and cosmic folk. Anaesthesia is brooding, angry and dark but at the same time full of life, wonder and sophistication. It's an invigorating, fascinating, electric brew.



Flying Horseman is still centered around the intensely personal song writing, singing and guitar playing of Bert Dockx. The band's line-up has changed,with Louis Evrard (Pruillip, Ottla, Grid Ravage) and Maximilian Dobbertin (Calicos, Frankie Fame) replacing drummer Alfredo Bravo and bassist Mattias Cré. Bravo and Cré were long-standing members, beloved by fans and fellow musicians alike, and they have played an important part in establishing Flying Horseman's musical identity. Today Evrard and Dobbertin are adding a fresh and personal twist to the idiosyncratic sound of Flying Horseman: their groove, their intuition and sensibility, their soul.



Then there's Loesje and Martha Maieu, who have been part of the group for almost as long as its frontman has, and who offer essential ingredients to bring about Flying Horseman's signature flavour, their haunting vocals and atmospheric electronics contrasting beautifully with Dockx' more earthy vocal delivery and his restless, fiery plucking of the guitar strings.



The whole record is fiery, alternately smouldering and violently burning. These are musical sounds capable of setting the listener's heart and mind ablaze. Anaesthesia is very consciously, a political record born out of Dockx and his friends' bafflement at the state of the world, the new rise of fascism, the onslaught of injustice, barbarism and stupidity which we, inhabitants of planet earth, are witnessing day in day out.



How to guard one's sanity in such a crazy world? How to maintain one's dignity? How to feel useful and joyful when surrounded by confusion and hate? These are the questions Flying Horseman is struggling with, as are so many of us today. But there is joy and purpose in the asking; in the struggling; in staying critical of dominant systems of oppression; in thinking or saying: "I don't agree, this is not how it's supposed to be"; in coming together and connecting, sharing, mourning and dreaming. Joy and purpose; questions and confusion; burning hearts and tarnished dreams: it's allhere, in the transportive sound world of Flying Horseman.



Anaesthesia was recorded in Antwerp by Joris Caluwaerts (keyboardist of the inimitable avant-jazz group .STUFF) and mixed by Yves De Mey (one of Belgium's most prominent & avant-garde electronic wizards), two experienced collaborators who know a thing or two about capturing sound and transforming it into a rewarding listening experience. With their help, Flying Horseman has crafted a tight collection of eight art-rock tunes with a clear identity, a rich sound, an original vision and a joyful purpose in the face of encroaching sinister forces.

"Eternal Life EP" is a double A-side release featuring two mixes of the title track by father-daughter duo, Floorplan alongside two new solo tracks by Robert Hood.


The glorious "Eternal Life" is an infectious track to raise the roof as only Floorplan can, whether it's Lyric and Robert's tough House A1 version or the more stripped back Mix 2. Flipping to the AA-side Robert delivers his signature "real" minimal Techno sound on the shimmering "God Flow" before closing out with the darker tones of "The Throne". It's an essential release that can take you all the way from daytime festival fields through to late night warehouse dance floors on one EP.

Floorplan x Robert Hood "Eternal Life EP" will follow the vinyl release of Robert Hood's "Art Project EP" which will hit record stores from 13 June.

Vom "Klassik-Star der Gen Z" zum Pianisten der Stunde: Louis Philippson "My Way"Nur sieben Monate nach seinem Debüt "Exposition" beleuchtet "My Way" die rasante Entwicklung des jungen Pianisten, Social-Media-Stars und Moderators Louis Philippson vom "Klassik-Star der Gen Z" (Süddeutsche Zeitung) zu einem der Pianisten der Stunde. Vom britischen Sender Classic FM wurde Louis als einziger deutscher Künstler in die "Top 30 artists under 30 in 2025" aufgenommen, während BR-Klassik erklärte: "mit Louis Philippson hat die klassische Musik einen neuen Rockstar gefunden." Auch auf den 12 restlos ausverkauften Konzerten seiner Debüt-Tour im Mai 2025 und bei den Arena Shows der "Night of the Proms" im Winter 2024 begeisterte er tausende Menschen für die Klassik auf seine eigene Weise. Daran knüpft Louis Philippson mit seinem Album "My Way" an. Aufgenommen mit dem MDR Sinfonieorchester unter der Leitung von Dirigent Ben Palmer, verbindet es neue Originalkompositionen mit neuen Bearbeitungen bekannter Themen aus der Klassik oder Filmmusik für Solo Piano sowie Piano und Orchester. Zu den neuen Werken zählen unter anderem der virale Hit "Beethoven Virus" für Klavier und Orchester, "Show Waltz" für Klavier und Orchester, "Supernova" für Klavier, Sopran und Orchester, sowie mehrere Solostücke für Klavier. Unter den neu interpretierten Klassikern finden sich das mitreißende Medley "Dancing Bee" für Klavier und Orchester, "Cornfield Chase" für Klavier und kleines Ensemble, sowie eine Bearbeitung von Themen aus den Vierjahreszeiten mit dem Titel "Vivaldi Storm". Key Dates: • 6th June: German public broadcaster MDR broadcasting a studio concert featuring the MDR Radio Symphony Orchestra (reach 1 Mio)Pre-oder start and 1. Single "Für Elise"• 23rd July: German public broadcaster ARD "3nach9" talk show (reach 1 Mio)• 11th Sept: German public broadcaster TV gala ARD Deutscher Radiopreis - 2 performances live (reach 1 Mio +)• 12th Sept: German public broadcaster TV gala MDR Goldene Henne - Performance (reach 2 Mio)Album Release • September: pitch for ClassicFM Gala London • 26th Sept. German public broadcaster MDR Riverboat Talkshow (reach 2 Mio)• October - November: Concerts in GSA in venues up to 3,000 cap (e.g. Hamburg CCH / München Prinzregententheater / Düsseldorf Tonhalle etc.)• 6th Dec: German public broadcaster ARD charity show Ein Herz für Kinder (reach 3 Mio)• Dec: concert at Royal Albert Hall London • Spring 2026: Europa-Tour mit Konzerten in Paris, Benelux, Polen, Spanien usw.In the making: documentary about his life similar to Anastasia Kobekina

Broken Homes and Gardens, das letzte Studioalbum von Michael Hurley, wurde im März 2025 fertiggestellt, kurz bevor Hurley zu seinen letzten Konzerten in Asheville und Knoxville aufbrach. Er hatte in den letzten drei Jahren im The Rope Room Studio in Astoria, Oregon, mit derselben Crew wie bei seinem 2021 erschienenen Album ,The Time of the Foxgloves" (Kati Claborn und Luke Ydstei von The Hackles sowie Toningenieur Brian Bovenizer) an diesen elf Titeln gearbeitet. Wie bei Hurleys LPs üblich, gibt es neben neuen Songs (,Fava", ,The Monkey") auch Überarbeitungen älterer Kompositionen (,Indian Chiefs and Hula Girls", ,Abomidable Snowman"), die eine brillante letzte Sammlung ergeben und eines der bedeutendsten Werke eines amerikanischen Songwriters krönen.

Tender / Wading zeigt Matthew Sage, alias M. Sage, in den Ausläufern und Weiden Colorados, wo er schreibt, aufnimmt und zu einem Stück seiner Heimat und Identität zurückkehrt, wobei ein Akt der Fürsorge den nächsten nach sich zieht. Das Album, das hauptsächlich auf Klavier und Klarinette aufgebaut ist und dann mit Gitarre, modularem Synthesizer, Percussion und Feldaufnahmen aus der Umgebung seines Zuhauses verziert wurde, ist eine weitreichende, ruhige Vision von Vitalität, radikaler Sanftheit und dem beruhigenden Gefühl, nach Hause zu kommen, auch wenn sich das Zuhause verändert hat. Seit den frühen 2010er Jahren hat Sage ein eigenwilliges Musikrepertoire zusammengestellt, das sich in verschiedene Klangrichtungen erstreckt, sich in Veröffentlichungen auf Geographic North, Orange Milk und Moon Glyph manifestiert und sowohl kritische Aufmerksamkeit als auch eine treue Zuhörerschaft für jede neue Wendung erlangt hat. 2023 debütierte Sage bei RVNG Intl. mit Paradise Crick, das zeitgleich mit seiner laufenden Arbeit im improvisierten Ambient-Jazz-Quartett Fuubutsushi erschien. Nun präsentiert er sein nächstes Soloalbum und seine neue Richtung. Tender / Wading folgt auf Sages Rückkehr nach Colorado nach fast einem Jahrzehnt in Chicago, wo er nun mit seiner jungen Familie dreißig Meilen außerhalb seiner Heimatstadt ein paar Hektar verwildertes Land bewirtschaftet. In einem ganzheitlichen Kontrast zu Cricks synthetischer Klangwelt schafft Sage Kunst aus dem Akt des Pflegens neuen Wachstums, hinterfragt Konstrukte des häuslichen Lebens und versteht die Spuren seines früheren Selbst durch die schmutzverschmierte, schweißvernebelte Linse der Gegenwart. Das Ergebnis ist sein bisher autobiografischstes Material, geprägt von Zeit und Veränderungen in der Wahrnehmung sowie bedeutungsvollen Details aus Sages psychischer Suche. Sage vergleicht das Gefühl, verschiedene Versionen von sich selbst zu sehen, mit der berühmten Hase-Ente-Theorie des Philosophen Ludwig Wittgenstein. ,Es ist dieselbe Zeichnung, aber je nachdem, wer man ist, wo man ist und wann man ist, sehen manche Menschen einen Hasen und manche eine Ente oder beides", erklärt Sage. Hier sind das Subjekt und der Betrachter, zurück in vertrauten Landschaften, als Partner und Elternteil, der Gestrüpp zurückschneidet, gedemütigt von invasiven Pflanzen, Schädlingsbefall und verdichtetem Lehmboden, seine Prioritäten haben sich grundlegend geändert. Und doch ist auch dieses andere Ich da: ein gewiefter Akademiker, der oft in Memes denkt und das Ziehen seines Handys in der Hosentasche spürt. ,In diesem Album geht es darum, diese Wahrnehmungsverschiebungen zu ergründen und ihnen Raum zu geben, beides zu tun: hüpfen und quaken." Es ist ein inneres Kind, das Sages intermediale Praxis in seinem Atelier leitet, einer Scheune, die nach dem großen Umzug im Jahr 2022 im Rahmen einer hausweiten DIY-Renovierung umgebaut wurde. Im Inneren werden Gedichte zu Zeichnungen, zu Skulpturen im Hinterhof und darüber hinaus, und alberne Ausflüge in den Vogelgesang oder die Freude an der Herausforderung, Klarinette zu lernen, weichen ernsthafter Musik. ,Ich glaube, ich habe entdeckt, dass es diese Linien gibt, die alles miteinander verbinden", sagt er. ,Und dieses Album ist voller hartnäckigem Optimismus und Hoffnung, aber auch der Bewusstheit, dass wir uns in einer späten Phase befinden, und dem Versuch, mit der Rhetorik dieser Phase umzugehen." Für Tender / Wading setzt Sage einen unverwechselbaren Sound ein: eine pastorale Art von Folk Kosmiche, kontemplativer elektroakustischer Barn Jazz für die Front Range, voller blasser Puddle Blues und rostigen Oil Drum Reds. Die meisten Songs entstanden auf einem 1910er Hamilton-Klavier, das kurioserweise in Chicago gebaut, von den Vorbesitzern zurückgelassen und von Mäusen bewohnt worden war. Die zufällige Begegnung mit dem Instrument fühlte sich kosmisch an, nicht nur wegen seiner Verbindung zur Windy City, sondern auch wegen Sages sich weiterentwickelnder Herangehensweise an das Songwriting nach Fuubutsushi. Er fühlt sich hinter den Tasten wohler und kehrt zurück zum Schlagzeug (seiner Jugendliebe). In einem passenden Raum für Holzblasinstrumente umarmt er das Elementare und Absichtliche und verleiht der Musik von Anfang an mehr strukturelles Gewicht und Wärme. Tender's M. Sage verbindet die Studioexperimente und Improvisationen seiner Vergangenheit mit einem geschärften Ohr für melodische Phrasierungen und Akkordwechsel und hat seine übliche Fülle an Demos auf neun finale Stücke reduziert. Seine charakteristischen Weltbilder bleiben erhalten, von Holzhauskröten, die in statischer Elektrizität schwimmen, über raschelndes Gras und Regen, der in die Dachrinnen plätschert, bis hin zu walzenden Sternbildern im Mondlicht. Während Cricks Universum aus magischem Realismus und digitaler Fantasie entstanden ist, greift Tender / Wading direkter auf menschliche Erfahrungen zurück. Er weist schnell Vorwürfe zurück, es handele sich um ein hochkonzeptionelles Album: ,Ich mache einfach die Musik, die ich selbst gerne in meinen Kopfhörern hören würde, während ich Unkraut jäte oder so." Es könnte beides sein, wie der Hase und die Ente behaupten würden: zutiefst persönlich und abstrakt, eine faszinierende und natürliche Wendung eines experimentellen Künstlers des 21. Jahrhunderts, dessen Vermächtnis sich in Echtzeit weiterentwickelt und wächst.

Die frühen Achtzigerjahre waren für den härteren Rock aus Deutschland eine ganz besondere Zeit. Der ausufernde Progressive Rock und der sogenannte Krautrock waren am Ausklingen, der Punk musste dem New Wave weichen und der Heavy Metal begann Fahrt aufzunehmen.

Einige Bands saßen zwischen 1980 und 1983 zwischen den Stühlen und können gar als „das fehlende Glied“ bezeichnet werden. In diesem Boxset
befinden sich gleich drei Schmuckstücke und Geheimtipps, die heute sogar aufregender klingen als damals. REQUIEM kamen aus Stuttgart
und lieferten auf ihrer einzigen LP einen Mix aus Hardrock, Pomprock und Progressive Rock. Gitarrist Tommy Clauss wurde später mit Bands wie ZAR
berühmt, bei denen auch ex-Uriah Heep Sänger John Lawton dabei war.

SPHINX ist eine andere Geschichte, denn hier haben ein paar italienische Gastarbeitersöhne im Raum Stuttgart eine Band gegründet. So wurde
das Debüt „Here We Are“ vom Label als „Made In Italy“ verkauft, was natürlich nur eine Verkaufsstrategie war. SPHINX nehmen das voraus,
was uns Jahre später unter Anderem Dream Theater lieferten. Eine frühe Version des Prog Metal, oder ein Vorläufer davon. Das gleiche Album wurde
von einem anderen Label 1985 als „Burning Lights“ erneut ins Rennen geschickt; dieses Mal mit einem Heavy Metal-tauglichem Coverartwork.
LIMERICK aus Saarbrücken haben als Schülerband 1980 eine heute sehr rare Single aufgenommen. Das einzige Album erschien dann 1983 – mit
deutschen Texten! Regional war der kräftige Rock mit Dialekt im Gesang sehr erfolgreich und spielte Shows mit Kim Wilde und Climax Blues Band.
Die Gruppe ist heute wieder aktiv und wurde kürzlich im Magazin Rock Hard gefeatured

Die Rockvirtuosen Dance Gavin Dance aus Sacramento kehren mit ihrem neuen Album „Pantheon“ zurück,
ihrem ersten seit ihrem Top-10-Album „Jackpot Juicer“, das in den US Billboard Top 10 landete. Die
vorherigen vier Alben der Band landeten alle in den Top 15 der US Billboard Albumcharts. „Pantheon“
ist das elfte Studioalbum der Band und ihr erstes mit dem neuen Frontmann Andrew Wells. Das Album
enthält die kommende Single „Midnight At McGuffy’s“ sowie den Song „Space Cow Initiation“, auf dem
Funklegende George Clinton zu hören sein wird. Die Band wird ausgiebig durch die USA touren; eine
US-Headliner-Tour im Mai/Juni ist angekündigt und bereits ausverkauft. Eine zweite US-Tour ist rund um
die Veröffentlichung des Albums im Oktober/November geplant.

»Ein Soundtrack zu meinem Leben« – so beschreibt Eunike Tanzil ihr Debütalbum The First of Everything.
Das Album ist ein Mosaik aus zwölf musikalischen Momentaufnahmen, die prägende erste Erfahrungen im
Leben dieser außergewöhnlichen jungen Komponistin widerspiegeln.
Aufgenommen in Berlin mit dem Deutschen Symphonie-Orchester unter Anna Handler, präsentiert das
Album orchestrale Klangwelten voller Freiheitsgefühl, Abenteuergeist und emotionaler Tiefe – von minimalistischen Kompositionen bis hin zu ausladenden klanggewaltigen Passagen. Zu hören sind Eunike Tanzil
am Klavier und Sophie Kauer als Solistin am Cello.
»Hinter jedem Track steckt eine Geschichte, ein persönliches Erlebnis, eine erste Erfahrung – das Album
ist ein Mosaik von Schlüsselmomenten, die mich zu dem Menschen gemacht haben, der ich heute bin«,
so Eunike. »Ich bin sehr dankbar und fühle mich geehrt, Teil dieses Projekts mit so vielen großartigen
Musikerinnen und Musikern zu sein.«

Composed, Arranged, and Conducted by: Norio Maeda

Has there ever been a soundtrack so thrilling and beautiful? This is the pinnacle of cine-jazz, crafted by the master Norio Maeda.

Released in 1971, Shadow Of The Highway is a suspense-action film produced and starring Jiro Tamiya, and directed by Jun Fukuda.
True to its tagline—“A sports car tearing vertically through Japan, from Kagoshima to Hokkaido”—the film features a Mitsubishi Galant GTO racing
across the country. Often compared to the American New Cinema classic Vanishing Point, it stands as a Japanese road movie gem.

The music was composed by the legendary Norio Maeda. His piano corners with elegance, the vibraphone dashes forward with flair, the bass charges
ahead with power, and the drums shift gears with precision. Motion and stillness, obsession and desire, joy and sorrow—thrilling performances and
beautiful melodies elevate the film to new heights.

As a soundtrack, it is exceptional. But even more, it represents an extraordinary level of quality for Japanese jazz in 1971. The performances are so
remarkable that it’s unfortunate the exact personnel remain unidentified. However, it has long been rumored that the musicians may have been associated
with Takeshi Inomata’s Sound Limited—or possibly The Third.

Text by Yusuke Ogawa (UNIVERSOUNDS / DEEP JAZZ REALITY)