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Old-School-Heavy-Metal der epischen Art! Phaëthon bringt auf ihrem ersten Album monumentalen klassischen Metal hervor, eine Meisterklasse in Sachen Metal. 'Wielder Of The Steel' ist ein acht Songs umfassendes Werk, das Fans von Manowar, Mercyful Fate oder Bathory zweifellos ansprechen wird. Phaëthon wurde 2020 in London gegründet und tauchte im Metal-Untergrund mit der Mini-LP 'Sacrifice Doth Call' auf, die später über Gates of Hell Records auf Vinyl veröffentlicht wurde.
Die Nummern auf dem Album haben einen gemeinsamen thematischen Faden, in dessen Mittelpunkt die warnende Geschichte von Phaëthon steht. Die Songs befassen sich mit den tiefgreifenden Auswirkungen von Erzählungen auf die Menschheit - seien es Götter, Aberglaube oder glatte Lügen -, die über die Grenzen der griechischen Mythologie hinausgehen. Es ist passender Textstoff für ein Album, das auf brillante Weise eine klangliche und erzählerische Reise durch Epochen der Tapferkeit und des Konflikts, verloren gegangene Imperien und epische Geschichten von Trotz und Ehrgeiz webt und dabei den ewigen Gegensatz zwischen der Hybris der Menschheit und ihrem unbezwingbaren Geist offenlegt.

Rock Hard (8,5 Pkt.)
"Vom Bandnamen und den Albumtitel über das Coverartwork und die Produktion bis zu den Songtiteln und den Synonymen, die sich die Mucker gegeben haben: Mehr Heavy Metal geht nicht - und das meine ich im wirklich allerbesten Sinne. PHAËTHON zocken Musik für Fans von (alten) Manowar, Atlantean Kodex, Scald, Visigoth und Eternal Champion; Musik für Menschen, die lieber zum Keep It True, Headbangers Open Air oder Trveheim als zum Wacken oder Summer Breeze pilgern. Der aus London stammende Vierer macht bereits seit Anfang des aktuellen Jahrzehnts mit diversen Veröffentlichungen (ein Demo, eine EP und ein Beitrag für eine Compilation) von sich reden und knüpft mit dem Debütalbum nun nahtlos an sein bisheriges Schaffen an. "Wielder Of The Steel" wirkt nicht zuletzt aufgrund seiner Produktion von vorne bis hinten absolut authentisch; die extrem live klingenden und stark komponierten Songs scheppern, dass es eine wahre Freude ist. Ein extrem guter Einstand - wer´s nicht glaubt, zieht sich als "Appetithappen" den fast zehnminütigen Titeltrack rein."

Mit der neuen Doppel-LP 'Long Distance Love - A Sweet Relief Tribute to Lowell George' hat Sweet Relief, die Organisation, die alle Arten von Berufsmusikern und Beschäftigten der Musikindustrie finanziell unterstützt, die mit körperlichen oder geistigen Problemen, Behinderungen oder altersbedingten Problemen zu kämpfen haben, ein Juwel vorgelegt.

Lowell George war der Gitarrenvirtuose, Sänger und Songschreiber von Little Feat. In dieser Sammlung von 25 Liedern interpretieren und spielen Künstler wie Elvis Costello, Ben Harper und Dave Alvin seinen vielfältigen Katalog. Der in Hollywood, Kalifornien, geborene George war Mitglied von Frank Zappas Mothers of Inventions, bevor er diese Band verließ und mit Bill Payne Little Feat gründete. Lowell gehörte der Band 7 Jahre lang bis zu seinem Tod an und veröffentlichte in dieser Zeit acht Alben. Obwohl George 1979 starb, lebt sein Vermächtnis durch dieses Album weiter.

Die meisten Bands schreiben Songs über Alltagserlebnisse, Liebesgeschichten, Gedanken zur Welt. Public Service Broadcasting sind anders. Das Quartett aus London taucht tief in die Archive ein und macht aus historischen Begebenheiten packende Konzeptalben. Mit Samples aus alten Nachrichtenfilmen, Archiv- und Propagandamaterial formt die Band packende Geschichten, getragen von cineastischen, meist instrumentalen Rock-, Elektro- und Orchesterklängen.

Dies gilt auch für das neue Album: "The Last Flight" handelt von der letzten Reise der US-Flugpionierin Amelia Earhart, die mit nur 25 Jahren begann, eine Reihe von Rekorden aufzustellen: Sie überquerte als erste Frau im Alleinflug den Atlantik und Pazifik, ihr gelangen mehrere Geschwindigkeits- und Streckenrekorde. Doch ihr Plan, als erste Frau die Welt am Äquator zu umrunden, ging nicht auf. Sie überquerte Amerika, Afrika, den Nahen Osten und Asien, erreichte aber nie die letzte Zwischenstation vor der finalen Pazifik-Etappe, die Howlandinsel. Die bis dahin grösste Suchaktion der Luftfahrtgeschichte mit 4 Flugzeugen und 8 Kriegsschiffen blieb erfolglos. Stattdessen stieg Amelia Earhart in mythische Höhen auf, die nur den mutigsten Abenteurern vorbehalten sind.

Songschreiber J. Willgoose, Esq. war vom "Mythos Earhart" fasziniert: "Ich wollte eine Geschichte mit einer Frau im Mittelpunkt erzählen, weil ein überwältigender Teil des Archivmaterials, zu dem wir Zugang haben, männlich geprägt ist." Aufgenommen im Londoner Bandstudio, mit einem Tag für die Streicher des London Contemporary Orchestra in The Church, sind auf "The Last Flight" u.a. Carl Broemel (My Morning Jacket) an der Eno-artigen Pedal-Steel-Gitarre, die Berliner Stimmen Andreya Casablanca (Gurr)und EERA, sowie Kate Stables (This Is The Kit) zu hören.

Die Zuhörer mögen überrascht sein, dass das Album keine originalen Zeugenaussagen aus erster Hand enthält, sondern neu aufgenommene Dialoge von Schauspielern, darunter Kate Graham, die Amelia vorlas. Diese wurden behutsam bearbeitet, um ihnen Klangeigenschaften und Verzerrungen der 1930er Jahre zu verleihen. Als Ausgangspunkt dienten Earharts Aufzeichnungen aus erster Hand, darunter "Last Flight" von 1937, sowie die Biografie "East To The Dawn" von Susan Butler.

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Die meisten Bands schreiben Songs über Alltagserlebnisse, Liebesgeschichten, Gedanken zur Welt. Public Service Broadcasting sind anders. Das Quartett aus London taucht tief in die Archive ein und macht aus historischen Begebenheiten packende Konzeptalben. Mit Samples aus alten Nachrichtenfilmen, Archiv- und Propagandamaterial formt die Band packende Geschichten, getragen von cineastischen, meist instrumentalen Rock-, Elektro- und Orchesterklängen.

Dies gilt auch für das neue Album: "The Last Flight" handelt von der letzten Reise der US-Flugpionierin Amelia Earhart, die mit nur 25 Jahren begann, eine Reihe von Rekorden aufzustellen: Sie überquerte als erste Frau im Alleinflug den Atlantik und Pazifik, ihr gelangen mehrere Geschwindigkeits- und Streckenrekorde. Doch ihr Plan, als erste Frau die Welt am Äquator zu umrunden, ging nicht auf. Sie überquerte Amerika, Afrika, den Nahen Osten und Asien, erreichte aber nie die letzte Zwischenstation vor der finalen Pazifik-Etappe, die Howlandinsel. Die bis dahin grösste Suchaktion der Luftfahrtgeschichte mit 4 Flugzeugen und 8 Kriegsschiffen blieb erfolglos. Stattdessen stieg Amelia Earhart in mythische Höhen auf, die nur den mutigsten Abenteurern vorbehalten sind.

Songschreiber J. Willgoose, Esq. war vom "Mythos Earhart" fasziniert: "Ich wollte eine Geschichte mit einer Frau im Mittelpunkt erzählen, weil ein überwältigender Teil des Archivmaterials, zu dem wir Zugang haben, männlich geprägt ist." Aufgenommen im Londoner Bandstudio, mit einem Tag für die Streicher des London Contemporary Orchestra in The Church, sind auf "The Last Flight" u.a. Carl Broemel (My Morning Jacket) an der Eno-artigen Pedal-Steel-Gitarre, die Berliner Stimmen Andreya Casablanca (Gurr)und EERA, sowie Kate Stables (This Is The Kit) zu hören.

Die Zuhörer mögen überrascht sein, dass das Album keine originalen Zeugenaussagen aus erster Hand enthält, sondern neu aufgenommene Dialoge von Schauspielern, darunter Kate Graham, die Amelia vorlas. Diese wurden behutsam bearbeitet, um ihnen Klangeigenschaften und Verzerrungen der 1930er Jahre zu verleihen. Als Ausgangspunkt dienten Earharts Aufzeichnungen aus erster Hand, darunter "Last Flight" von 1937, sowie die Biografie "East To The Dawn" von Susan Butler.

Kreaturen der Nacht sehnen sich in die 80er Jahre des letzten Jahrhunderts zurück. Post-Punk und New Wave stiegen zu glorreichen Höhen auf und diese epische Erforschung dunkler Klangwelten auf der Basis von harten Gitarren und treibender Elektronik fand auf allen alternativen Tanzflächen statt. Klangvolle Namen wie SISTERS OF MERCY, FIELDS OF THE NEPHILIM, DEPECHE MODE, JOY DIVISION, THE HUMAN LEAGUE, ULTRAVOX und viele andere funkeln noch immer in einem magischen Glanz. Zum Glück sind all die subtile Erotik, elektrisierende Spannung und die düstere musikalische Leidenschaft nicht für alle Zeiten verloren gegangen: Die Rettung naht mit SOROR DOLOROSA auf schwarzen Schwingen. Das vierte Album der Franzosen mit dem vielsagenden Titel "Mond" hat musikalische Reißzähne, die schon beim ersten Durchgang köstliches Klangblut sprudeln lassen. Der klassisch-dunkle Post-Punk findet sich ebenso wieder wie Wave-Elemente und ein überwältigender Drang, die Füße in ekstatischen Tänzen unter dem namensgebenden Mond bewegen zu müssen. Doch SOROR DOLOROSA gehen dabei keineswegs mit abgestandenem Nostalgie-Schlangenöl hausieren. Die nach Paris umgezogenen Veteranen haben das klassische Feeling mit dem massiven Sound des neuen Jahrtausends für einen neuen Höhenflug aufgerüstet. Die Idee, den Mix und das Mastering von "Mond" James Kent anzuvertrauen, erweist sich als hervorragender Schachzug. Der PERTURBATOR-Vordenker hat die üppige Produktion dieses epischen Albums mit einer vibrierenden Power und wohltuenden ätherischen Kühle aufpoliert. Textlich bleiben SOROR DOLOROSA dem seit ihrer Gründung im Jahr 2001 in der südfranzösischen Stadt Toulouse eingeschlagenen Weg treu. Die erstmals mit der "Severance" (2009) Debüt-EP manifestierten dunkel-romantischen und kathartischen Gefühlslandschaften lassen noch immer das Herz der Band schlagen. Die Inspiration für "Mond" stammt unter anderen aus den Federn von Dichtern und Schriftstellern wie William Blake und Edgar Alan Poe.

Bob wundert sich über eine befremdliche Begegnung mit einem 'Blinden' - oder ist es etwa ein 'Blender', dieses Narbengesicht? Und schon haben die drei ??? wieder eine ganze Menge Puzzleteile zusammenzusetzen. Richtig gefährlich scheint die Sache aber zu werden, als plötzlich 'Wanzen' auftauchen und von illegalem Handel die Rede ist, als das 'Motel Seeblick' mitsamt dem Berg ins Rutschen kommt und die 'Maria II' ihre letze Fahrt antritt, die so dramatisch enden wird ...

Haunted Presence ist ein bis zum Rand gefüllter Kissenbezug mit köstlichen Halloween-Leckerbissen aus dem Numeroverse und eine unterhaltsame Mischung aus schaurigem Garage-Rock, skelettartigem Soul, mutiertem Protometal und gruseligem 60er-Jahre-Kitsch. Mit einer Spannweite von 20 Tracks wird diese Doppel-LP mit Sicherheit jede Kostümparty, Séance oder Monster-Mash beleben. Warnung! Längerer Genuss kann Gehörschäden verursachen.

Haunted Presence ist ein bis zum Rand gefüllter Kissenbezug mit köstlichen Halloween-Leckerbissen aus dem Numeroverse und eine unterhaltsame Mischung aus schaurigem Garage-Rock, skelettartigem Soul, mutiertem Protometal und gruseligem 60er-Jahre-Kitsch. Mit einer Spannweite von 20 Tracks wird diese Doppel-LP mit Sicherheit jede Kostümparty, Séance oder Monster-Mash beleben. Warnung! Längerer Genuss kann Gehörschäden verursachen.

Der italienische Musiker, Produzent, Komponist und Instrumentenbauer Alessandro Cortini veröffentlicht am 4. Oktober sein neues Album 'NATI INFINITI' via Mute.

Nach 'Scuro Chiaro' (2021) ist 'NATI INFINITI' ein 40-minütiges Stück in fünf Sätzen, das auf einer immersiven Audioinstallation basiert, die Cortini ursprünglich für das Sónar Lisboa Festival 2022 schuf, wo sie auf vier Etagen des Museu de Lisboa's Moagem präsentiert wurde. Später, im Jahr 2023, präsentierte Cortini die Live-Performance auf dem Atonal-Festival in Berlin, wo er das Werk als einen einzigartigen, sich entwickelnden Dialog neu interpretierte. Das Album wurde von der für einen Grammy nominierten Tontechnikerin, Produzentin und Mischerin Marta Salogni (Björk, Depeche Mode, Sampha) abgemischt und enthält Cortinis Strega-Synthesizer, den er zusammen mit dem Musiktechnologieunternehmen Make Noise entwickelt hat.

Cortini ist einer der wichtigsten Vertreter der zeitgenössischen elektronischen Musik und vor allem für seine eindringlichen, atmosphärischen Werke bekannt. Als langjähriges Mitglied von Nine Inch Nails ist er ein äußerst produktiver Solokünstler, der in den letzten zehn Jahren einen stetigen Strom seiner eigenen berauschenden Musik auf renommierten Labels wie Mute, Hospital und Important Records veröffentlicht hat. Während seines schattenhaften Aufstiegs zum Ruhm hat er mit Künstlern wie Lawrence English, Daniel Avery und Merzbow zusammengearbeitet und wurde in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen (als einziger italienischer Musiker, der jemals geehrt wurde).

- Ltd. LP: (Limited edition first pressing - Silver Mirror Board - Embossed on front / Debossed on back / Includes information sheet insert)

"Throat" ist die Kollabo zweier beurlaubter Künstler: Nick Power (The Coral) und McKowski (The Lost Brothers), Soundtrackkomponist (Quantum Cowboys), Drehbuchautor (The Spin), Tourmusiker (Jolie Holland, Howe Gelb, M. Ward). Der Swamp-Aussenseiter "Throat" gibt der Geheimwelt aus Folk-Horror, VHS-Video-Grusel, Poesie, Naturwelt, Spukologie, Kriminalität, John-Laurie-Filmen, Teenager-Acid-Trips und abgedrehten Roadsongs eine Plattform. Alle Aufnahmen entstanden im ersten Take, Fehler blieben drin. Innerhalb dieses Rahmens blüht "Throat" auf, verzichtet auf traditionelle Songstrukturen zugunsten dissonanter Instrumentalpausen, gesprochener Passagen und dem Klang von Schritten auf einer Holztreppe.

The highly anticipated album from LAWRENCE is finally here and 15 years after the CD release for the first time available on vinyl!!!

Hamburg based DIAL and SMALLVILLE owner Peter Kersten aka LAWRENCE is one of the most valued and highly regarded artist's in the modern dance music community with a long history of releases on Nova Mute, Kompakt, Ladomat, Spectral, Ghostly, Mule and of course his own imprint DIAL. UNTIL THEN, GOODBYE kicks off with a special 'intro' version of a fan favourite FRIDAY'S CHILD followed by the introspective ambient piece SUNRISE. GREY LIGHT remarks the electronic style of DRUTTI COLUMN while JILL is purely sweet slow house music. The album shifts towards more acoustic driven material with songs such as FATHER UMBRILLO and TODERHAUSEN BLUES…don't fret purists as LAWRENCE hits back with his classic signature sounds with the likes of IN YOUR EYES, SLEEP and SUFFER. LAWRENCE leaves us with a whisper in the most beautiful of ways. The atmospheric ambient tune DON'T FOLLOW ME, the ebb and flow of the piano driven A NEW DAY and the title track leave the listener in a state of bliss. Dare we say, this is one of LAWRENCE's most daring and diverse albums to date…not necessarily a 'concept' album per say but definitely showcases his gift for provoking a remarkably diverse range of musical influences and styles.

The sophomore effort from Gray/Smith refines their petroleum-based, hard-lullaby sound with a decidedly dusty precision. To call this pair's brand of country-rock détournement "cosmic" would be too breezy: L. Gray and Rob Smith prefer to stare into sunken depths, channeling their recondite affections for lay-by mauve zones and red-dirt guitar wanderings. Formed in the outer-edges of Kings and Richmond counties circa 2020, Gray/Smith is something of an East-Coast involution. L. Gray (guitar and vocals) and Rob Smith (drums, guitar and vocals) are both trusty veterans of "band's bands" like Pigeons (Soft Abuse), No-Neck Blues Band (Revenant, Locust), Rhyton (Thrill Jockey), and The Suntanama (Drag City), freewheeling groups known for mining from polyglot sources: rough-hewn folk and the spiritual avant-garde, bargain-bin hard rock and and collector's-choice psychedelia alike. On their first, self-released LP Gray/Smith, serendipitously recorded at Gary's Electric at the top of 2021, the pair trained their assured chops onto the great American song-form, honing a murky but tight approach that variously cribs "urban cowboy" and finger-picked primitivism. A string of cryptic appearances soon followed, including a short-lived residency at a now-shuttered vodka dive; a micro-tour with Coloradan songstress Josephine Foster; and a series of backyard and barroom gigs sharing stages with compatriots like Stella Kola, Blues Ambush, Samara Lubelski, and Wednesday Knudsen. Heels in the Aisle is the slipshod, burnt-out, mid-'70s unter-prog comedown to their debut's backwoods, bushy-tailed, early-'70s, country-rock meanderings_expect more unrestrained riffs, artful studio wizardry, and worn-down introspection. Joining the ranks of bloodshot-eyed, blues-rock medleys à la Canned Heat's "Parthenogenesis" and Grand Funk's "Into The Sun," "The SDSPS" is the nearly side-length opening cut, an expanded song-cycle condensing and riffing on the themes of their debut. "Help Me" ventriloquizes Pomona College outlaw Kris Kristofferson's slow-roaring ballad of libidinal woe. On the flip side, "Verrazano Tile" and the title track pay heed to lower bays of Staten Island, while their arrangement of the traditional Zimbabwean tune "Guabi Guabi" is a bright Dead/Feat-like jaunt with blissed-out wah-wah pay-off. "Gaslight Boulevard" is lean, mean, and eight-beers-in space rock, and the closing track "Kekule's Ring" is a slack-jawed, wistful crash back down to earth. All this, packaged in a luxe, expertly-printed sleeve photographed by downtown artist Lary 7 and designed by Eric Wrenn (Sophie's Oil of Every Pearl's Un-Insides).

SANZ sind zurück! Nach dem Debütalbum „Let Us Die“ von 2022, welches ein Jahr später als Rock-Edition „We Are Lost“ neu aufgelegt wurde, sowie
ausgedehnten Touren mit Szenegrößen wie u.a. MONO INC. und Hell Boulevard, läutet die Band um Frontmann Sandro Geissler nun endgültig die
nächste Ära ein.
Das neue Album „Ending Things“, welches am 04.10.24 erscheint, entwickelt den Modern Dark Rock Sound des Vorgängers konsequent weiter und
etabliert SANZ eindrucksvoll als neue Hoffnung am Szenehimmel.

The Smile haben ihr neues Album "Cutouts" für den 04.10.2024 angekündigt. Mit "Foreign Spies" und "Zero Sum" sind zugleich zwei neue Tracks erschienen, wobei der Künstler Weirdcore zu letzterem auch ein Video kreiert hat. Bereits erschienen sind "Don"t Get Me Started" und "The Slip", zwei Stücke, die Anfang des Monats als limitierte 12"-Single kurzzeitig weltweit in Plattenläden auftauchten. Thom Yorke, Jonny Greenwood und Tom Skinner haben einige der Songs von "Cutouts" erstmals auf der März-Tour in UK gespielt. Insgesamt enthält das von Sam Petts-Davies produzierte Album, das auf "Wall of Eyes" aus dem Januar und das 2022er-Debüt "A Light For Attracting Attention" folgt, zehn neue Tracks. "Cutouts" wurde zur gleichen Phase wie "Wall Of Eyes" in Oxford und den Abbey Road Studios aufgenommen und enthält String-Arrangements vom London Contemporary Orchestra. Das Artwork von Stanley Donwood und Thom Yorke entstand während der Aufnahmen. "Cutouts" ist bereits das zweite Studioalbum der Band in weniger als einem Jahr. Sein Vorgänger erreichte Platz 4 der deutschen Albumcharts und die Nummer 3 in UK. Thom Yorke veröffentlichte im April außerdem den Score zu Daniele Luchettis Film "Confidenza" und kündigte eine Solotour für Neuseeland, Australien, Singapur und Japan an. Jonny Greenwood arbeitet aktuell am Score zu Paul Thomas Andersons kommenden Film "The Battle of Baktan Cross". Tom Skinner hat das Album "Voices of Bishara Live at mu" veröffentlicht und tourt mit seinen Soloarbeiten im Rahmen internationaler Jazz-Festivals.

Die für einen Grammy nominierte, genreübergreifende Rockband FEVER 333 hat immer wieder bewiesen, dass sie zu den fesselndsten Acts der modernen Musik gehört. Jetzt, im Jahr 2024, schlagen FEVER 333 ihr bisher aufregendstes Kapitel auf, mit einer Fülle an neuer Musik. Die Band besteht aus dem Schlagzeuger Thomas Pridgen (The Mars Volta, Thundercat, Trash Talk), der Bassistin April Kae und dem Gitarristen Brandon Davis, die sich mit Frontmann Jason Aalon Butler zusammentun, um die mitreißenden Live-Auftritte der Band zu verstärken. Die Band hat außerdem kürzlich Headline-Termine in den Vereinigten Staaten, Europa und Großbritannien angekündigt. Die Tour findet im Herbst statt und beginnt am 17. Oktober in Los Angeles. Sie führt durch alle großen Städte des Landes und endet am 8. November in Brooklyn, NY. Am 14. November beginnt die Tournee in Großbritannien und Europa mit Konzerten in Deutschland, Frankreich, Belgien, Österreich, der Schweiz und anderen Ländern. Tickets sind ab sofort im Vorverkauf erhältlich.

Nachpressung in neuen Farb-Kombinationenen des aktuellen Fu Manchu-Werkes! The Return Of Tomorrow ist das erste neue Album von Fu Manchu seit sechs Jahren, und sie haben sichergestellt, dass sich das Warten gelohnt hat. Ihr 14. Album ist ihre erste Doppel-LP mit neuem Material und wurde als Vinyl-Hörerlebnis konzipiert. Die erste LP enthält sieben Songs in ihrem ikonischen Heavy-Fuzz-Sound, darunter die erste Single "Hands Of The Zodiac" und das unerbittlich eingängige "Loch Ness Wrecking Machine". Auf der zweiten LP wird die Band mit sechs langsameren Stücken, darunter das Synthie-beeinflusste "Solar Baptized" und der Titeltrack, etwas ruhiger. Beide LPs haben 45 Umdrehungen pro Minute für den bestmöglichen Sound. CD-Hörer brauchen sich keine Sorgen zu machen, da diese Version des Albums speziell für dieses Format gemastert wurde.Wie das letzte Album der Band, Clone Of The Universe, und die dreiteilige Fu30 EP-Serie wurde The Return Of Tomorrow im Racket Room in Santa Ana, Kalifornien, von Jim Monroe (Adolescents, Ignite) aufgenommen und gemeinsam mit Fu Manchu produziert. Nach ihren 30+-Jubiläums-EPs und zugehöriger Reissue-Serie sind FU MANCHU endlich mit brandheißem neuem Material zurück! Diese limitierte Vinyl-Veröffentlichung ist in einem glänzenden Gatefold-Jacket mit bedruckten Hüllen mit Live-Fotos der Band verpackt und enthält eine White with Black Spinner/Splatter LP sowie eine White with Blue Spinner/Splatter LP

Der renommierte Neoklassik- Komponist und Pianist Dirk Maassen kündigt die Veröffentlichung seines neuesten Albums "Inception" an. "Inception" stellt eine deutliche Abkehr von Maassens früheren Werken dar, indem es das Thema der rohen, organischen Schöpfung aufgreift. Das Album "Inception" ist eine Erzählung über das Erfinden von Geschichten und das Einfangen von Momenten der Schöpfung in ihrer reinsten Form. Dieses Konzept kommt in Tracks wie "Waterways" und "Sailing" anschaulich zum Ausdruck, die jeweils einzigartige Aspekte dieses kreativen Prozesses verkörpern. Das Album beschäftigt sich auch thematisch mit Anfängen und reflektiert über Momente, die Veränderungen und Wandel in unserem Leben einleiten. Jedes Stück auf dem Album erforscht die Emotionen und Geschichten, die mit diesen Schlüsselmomenten verbunden sind, und zeigt Maassens charakteristische Mischung aus komplizierten Klaviermelodien und cinematischer Atmosphäre. Das Konzept des Albums regt den Hörer dazu an, über die Anfangspunkte seines eigenen Lebens und die kontinuierliche Reise der persönlichen Entwicklung und Entdeckung zu reflektieren.

Von Mozart bis Vivaldi, von Debussy bis Chopin, über Bach und Beethoven und viele andere, entdeckt in der "Masterpieces of..." Reihe schönsten Aufnahmen der größten klassischen Komponisten. Die Classical Collection ist mit einem neuen Band zurück, der Johannes Strauss II gewidmet ist!

Those in the know are well aware of Bobby Marin's work, and the fact that he was behind the scenes for some of the best boogaloo and salsa of the '60s and '70s. Yet, until now, no one has explicitly put Bobby's name in the headline and given him his due on the cover of a properly credited Latin soul compilation. This compilation comprises twenty four essential boogaloo, Latin funk, rock and afro disco gems, each one bearing the mark of quality: "A Bobby Marin Production", including songs by Ricardo Marrero, the Ghetto Brothers, Ocho, Louie Ramírez_ A freshly curated overview of his fascinatingly complex back catalog in these genres. Since the late 1980s there have been numerous Latin soul and boogaloo compilations, and certainly much has been written about the history of the music too and an an excellent documentary (We Like It Like That, by Mathew Ramírez Warren) have brought the music to a broader audience. Generally, when discussing the "first wave" of Latin soul and boogaloo, it's the bands and their leaders, the singers and the songs that get all the recognition. But what of the producers, composers, and arrangers behind the music? Over the years, one of the best old-school New York Latin music producers, Bobby Marin, has occasionally been given some well-deserved credit and popped up sporadically in articles or liner notes (Wax Poetics, Fania, Gladys Palmera). However, to the casual public, he is not a household name, even among some fans of boogaloo. There are even some contemporary Latin soul compilations that contain mostly material licensed, produced and / or written by Bobby (or his brother, Richard), and a tip of the hat must go to Bobby's friend Dean Rudland for all his work in this area, as well as to Rocafort Records for digging up the long-lost Nitty Gritty Sextet album. Yet, until now, no one has explicitly put Bobby's name in the headline and given him his due on the cover of a properly credited Latin soul compilation. This collection aims to change that and give the man his Latin soul "props" for the first time on a freshly curated overview of his fascinatingly complex back catalog in this genre.

Hier also nochmal "Die Braut haut ins Auge" - digital gibt"s ja zum Glück endlich alles, wirklich alles was diese 5 Braut-Frauen je veröffentlicht haben. Zur großen Freude der Band, der Trikonts und der vielen Braut-Fans da draußen und 35 Jahre nach Bandgründung. Was noch fehlt? Eben! Deshalb! Songs quer durchs Braut-Universum auf Vinyl - von jedem Album ein paar Perlen. Euphorische Girlpower-Pop-Energie. Fotos und Songtexte gibt"s noch obendrauf. Wie schön ist das denn... Und da ist nochmal ganz klar, wem die größte Liebe der Braut gehört: dem Popsong. Jeder der drei-bis-fünf-Minuten-Songs ist eine Welt für sich, blickt vom Makro- in den Mikro - Kosmos ("ÜberAll"), durchs Schlüsselloch ("Wenn Du gehst") oder in die Sterne ("Mann mit Hang zur Depression"); bei der Braut hängt der Himmel eben immer voller Rhythmusgitarren. Und warum machen die Trikonts das? Für die Millionen, die sie damit verdienen werden, eh klar. Aber auch und vor allem, weil die ursprüngliche Plattenfirma alle Tonträger eingestampft hatte... und natürlich, damit man sich nicht nur an die Band mit diesem seltsamen Namen erinnert, sondern vor allem an ihre mitreißenden Hop"n Roll-Pop-Cow-Songs. Wenn diese Band kein Role-Model für feministische Power, für ihre Entschlossenheit und ihren Humor ist, wer dann?

See You At The Maypole, the sixth full-length album in Half Waif"s prolific catalog, is a recognition of personal sadness, and a call to ecstatic togetherness. It"s gathering the colors of our spirit, in all its shades, and making something intricate and remarkable. The ceremonial folk dance performed around a maypole is filled with fauna and flora, with ribbons woven into complex braids incapable of unraveling; these dances are survivals of ancient ritual, honoring the living trees, and the return of Spring and fertility. These patterns -- this dance -- cannot be completed alone, and so, Half Waif welcomes others to join her, a collective of bleeding color. "We are so much stronger for the colorful experiences we go through," she says. "That"s where we find our humanity and find each other." While the seclusion of grief feels infinite, Rose brought the songs to her trusted friend and longtime collaborator of the past decade, Zubin Hensler. The pair worked away from others for Mythopoetics, carefully crafting each note and flourish themselves but something else was needed for See You At The Maypole. To that end, Hensler and Rose welcomed a wealth of players and friends into the world of the record: Jason Burger and Zack Levine on drums and percussion; Josh Marre (Blue Ranger) on guitar; Hannah Epperson and Elena Moon Park on violin; Kristina Teuschler on clarinet; Willem de Koch on trombone; Rebecca El-Saleh on harp; and Spencer Zahn on upright bass. Andrew Sarlo (Big Thief, Bon Iver) lent his deft mixing skills to many of the tracks, including lead single "Figurine." "This wasn"t just my story, I wanted to say. It was every story of loss-the loss of a life, the loss of a dream, the loss of trust and hope and faith. A story of finding a way back again," Rose explains. "My own avenue back to the land of the living was through my relationships with people and with the natural world. It only seemed right that these songs would invite those people in to build the very heart of the sound."

Zwei Jahre nach seinem hochgelobten Cover-Album "Taped Heart Sounds" schlägt Jesper Munk ein neues Kapitel auf: Mit wohlgereiften Eigenkompositionen kehrt er jetzt zur Freude aller treuen Wegbegleiter:innen endlich auch wieder als Komponist und Texter zurück. Sein neues Album klingt melancholisch und swingend. Moderner Neo-Soul, vom Jazz geküsst, dazu Chanson, R"n"B, bluesy Crooner-Balladen und zarter Indie-Pop bis hin zum Slow Wave, sind die Eckpfeiler, die "Yesterdaze" wohl am besten beschreiben.

Hellstain Productions are proud to present you with "Et Alter Av Forakt» - the second release by the Norwegian Black Metal entity ENE, following the debut «Lang Kald Natt» from 2021. The new album is a natural next step musically, while still focusing on primitive and atmospheric black metal.

«Et Alter Av Forakt» shines with a far more refined production, but holds the same cold and desperate feelings. Lyrically, the tracks describe the souls of a lost world, where our purpose and existence is fragile and perhaps equally lost.

Gegründet 2016 in Berlin. Veröffentlichung von elf 7"-Singles bei diversen Plattenfirmen. 2021 folgt das Debüt Album "Paradies" auf dem Hamburger Label „Clouds Hill“. Zeit ihres Bestehens spielte Gewalt über 250 Konzerte weltweit. Die Touren führten sie durch Deutschland, Österreich, Schweiz, USA, Frankreich, Belgien, Niederlande, Polen, Tschechien, Slowenien. 2018 wurden sie von Weltstar "Jack White" als Support in Deutschland eingeladen. Später teilten sie sich Bühnen mit internationalen Größen wie "Raveonettes", "Fat White Family", "Tricky" und "White Hills". Jason Williamson von Sleaford Mods outete sich als Fan "Gewalt is wicked, follow them". Auch Jack White zeichnete sich beeindruckt von Gewalt "These three Germans - They sound amazing“.

Mit "Doppeldenk" erscheint nun das zweite Studio-Album der Berliner Band auf rotem Vinyl und erstmalig auch auf CD.

Sabaton – Live in Amsterdam
Das ultimative Heavy Metal-Erlebnis: Wir feiern die größte Tour auf die sich Sabaton jemals begeben hat.Erlebe die explosive Kraft von Sabatons legendärer Bühnenshow in „Sabaton – The Tour To End All Tours“.
Die elektrisierende Konzertaufnahme wurde während ihrer Europatournee im legendären Ziggo Dome in Amsterdam im Jahr 2023 aufgenommen. Sie fängt die Essenz von Sabatons monumentaler Bühnenpräsenz ein und zeigt die Fähigkeit der Band, Geschichte zu erzählen - Geschichten durch Heavy Metal.

The 180g vinyl is available in two colors: Classic Black and a Limited Burgundy Edition, with the outer cover hand-colored and numbered (100 copies) by Moo Latte himself.

Mellomaniac, the seventh full-length album by Moo Latte, is different. These 28 compositions, written and recorded in 2021/22, were initially created for Moo's personal use, serving as a life soundtrack during many weeks and months spent away from home while touring with the band. Most of the tracks were recorded in hotel rooms and even backstage areas, fully embracing the lo-fi mindset and philsophy. Comparing to his previous works, this one holds a special significance and it's the most personal of them all.

What's Mellomaniac? The wordplay combines "melomania"—defined as an excessive and abnormal attraction to music—with the "mello" vibe that reflects both Moo Latte's personality and the nature of the music itself. The album leans toward a mellow sound, designed more for an intimate, individual listening experience where each spin of the record leads to new discoveries.

Why is this album different? Each of these pieces was created without any predetermined goal, which is why the tracklist is so eclectic—much like Moo Latte's palette of inspirations. These influences stretch back to when he was just four years old, singing in front of others for the first time or listening to his sister practice the violin. These early memories and instincts are blended with more deliberate musical choices, refined over two decades of music education. Each song is dedicated to a person, place, or situation that shaped him both as a musician and as an individual, reflecting the journey he has been on so far.

After six previous albums rooted in beat-making culture, this is the first one that is 95% drumless and free from sampling of any kind. Although the stories in these songs are told without words, Moo Latte incorporates his voice alongside a wide array of instruments, using it more expressively than ever before. The album's sonic quality is both raw and lush. The grit comes from the way it was recorded, using gear and microphones that, while not top-tier, were simply what was available. Everything was mixed in Moo Latte's bedroom and mastered on analog tape, resulting in a personal, intimate, and dynamic listening experience.

The 180g vinyl is available in two colors: Classic Black and a Limited Burgundy Edition, with the outer cover hand-colored and numbered (100 copies) by Moo Latte himself.

Mellomaniac, the seventh full-length album by Moo Latte, is different. These 28 compositions, written and recorded in 2021/22, were initially created for Moo's personal use, serving as a life soundtrack during many weeks and months spent away from home while touring with the band. Most of the tracks were recorded in hotel rooms and even backstage areas, fully embracing the lo-fi mindset and philsophy. Comparing to his previous works, this one holds a special significance and it's the most personal of them all.

What's Mellomaniac? The wordplay combines "melomania"—defined as an excessive and abnormal attraction to music—with the "mello" vibe that reflects both Moo Latte's personality and the nature of the music itself. The album leans toward a mellow sound, designed more for an intimate, individual listening experience where each spin of the record leads to new discoveries.

Why is this album different? Each of these pieces was created without any predetermined goal, which is why the tracklist is so eclectic—much like Moo Latte's palette of inspirations. These influences stretch back to when he was just four years old, singing in front of others for the first time or listening to his sister practice the violin. These early memories and instincts are blended with more deliberate musical choices, refined over two decades of music education. Each song is dedicated to a person, place, or situation that shaped him both as a musician and as an individual, reflecting the journey he has been on so far.

After six previous albums rooted in beat-making culture, this is the first one that is 95% drumless and free from sampling of any kind. Although the stories in these songs are told without words, Moo Latte incorporates his voice alongside a wide array of instruments, using it more expressively than ever before. The album's sonic quality is both raw and lush. The grit comes from the way it was recorded, using gear and microphones that, while not top-tier, were simply what was available. Everything was mixed in Moo Latte's bedroom and mastered on analog tape, resulting in a personal, intimate, and dynamic listening experience.

Parallel zum digitalen Release veröffentlicht die Schweizer Künstlerin LEILA ihre zweite EP "Generation" zusammen mit der ersten "Burnout" EP (2023) als Doppel-EP erstmals auf Vinyl. Auf inhaltlicher Ebene gehen "Burnout" und "Generation" sowieso Hand in Hand, kreist Leila lyrisch doch auf beiden Projekten um die grossen Themen, die ihre Altersgruppe im Jetzt beschäftigen. Es geht um Einflusslosigkeit und Lethargie, um schnelles Erwachsenwerden und zähes inneres Ausbrennen, um Leistungs-, Entscheidungs- und Performance-Druck, um die verzweifelte Suche nach dem eigenen Platz in einer wirren Welt.

LEILAs zweite, millionfach gestreamte Single "Gun To My Head" ging im gesamten deutschsprachigen Raum viral und führte zu einem Signing beim Berliner Indielabel Grönland Records. Dort erschien die "Burnout" EP mit allen sieben bisherigen Singles, die LEILA prompt auf die "Amazon Music - Newcomer To Watch 2024" Liste beförderte. Nach dem Miley Cyrus-Cover "Mother's Daughter" und Supportgigs mit Kaffkiez begann der Zyklus der neuen "Generation" EP.

LEILA ist eine DIY-Allround-Künstlerin, deren Dramaturgie vom Spiel mit Kontrasten lebt, von erfrischender Ungeplantheit, Brüchen und antizyklischer Roughness, von spitzen Blues-Cords im pixeligen Bedroom-Pop-Gewand, dem Clash zwischen kraftvoller Klarheit und verwaschener Fluidität. Ihre englischsprachigen Texte performt sie mit einem subtil trotzigen Akzent, der manchmal an Tove Lo, Fever Ray oder Dolores O'Riordan erinnert. Die aus Bern stammende Mehrsprachlerin ist binnen weniger Monate ohne grosse Starposen zum Sprachrohr einer bikulturellen, diversen, gefühlsbewussten Generation junger Menschen geworden. Ihre Songs verbinden Pop-Appeal mit radikaler Naivität und einer eigensinnigen Ästhetik der Unordnung. Zwischen zarten Gitarrenballaden, sehnsuchtsvollen Electronica-Flächen und wütenden Garage-House-Passagen entfaltet LEILA ihre künstlerische Perfektion meist in den Momenten absoluter Nahbarkeit. LEILA ist bis heute bekennender Ultra des Nuller- und Zehnerjahre-Pop (Rihanna, Justin Bieber, Lady Gaga, Miley Cyrus) und sich keineswegs zu cool, diese Obsession auch zum Ausdruck zu bringen. Sie hat durchaus emotional reagiert, als ihr Paris Hilton auf TikTok zu folgen begann oder Billie Eilish sie kürzlich zu ihren engen Instagram-Freund*innen hinzufügte.

ZEKE ist eine Punkrock- und Hardcore-Institution, die 1992 in Seattle gegründet, immer noch aktiv ist. Sie machen das, was sie am besten können: lauten, schnellen und schweren Punkrock mit einem Hauch von Blues. In Anlehnung an Motörhead brachten ZEKE aber ein gewisses Punkrock- und Hardcore-Element in das Genre, das viele Bands nach ihnen aufgegriffen haben.
RPM Online schrieb, „Zeke sind wirklich, wie keine andere Band auf der Welt“ und „It's not fast, its fucking hypersonic hardcore“, während Maximum Volume empfiehlt „... they are the kings of the underground.“ Vive le Rock aus Großbritannien freut sich, dass „das Quartett dem Brexit den Stinkefinger zeigen wird“ und auch das Ox Fanzine aus Deutschland bestätigt: „Sie sind in Topform, so wie wir sie 1996 bei „Super Sound Racing“ gefeiert haben.“ Mit den Originalmitgliedern Blind Marky Felchtone (Gesang und Gitarre) und Donny Paycheck (Schlagzeug) sowie Jason Freeman (Bass) und Jeff Hiatt (Gitarre) ist „Snake Eyes“ so kompromisslos wie eh und je, mit einem furiosen Wirbelwind-Rhythmus als Fundament und eine Flutwelle schneller Gitarren. Feltchtones messerscharfe Stimme ist sogar noch giftiger als vor zwei Jahrzehnten. Beim Titeltrack ‚Snake Eyes‘ verlangsamt die Band das Punk-Tempo etwas zugunsten einer hochoktanigen Rock-Affäre, die an Hellacopters erinnert aber trotz allem zu schnell bleibt. Auf der B- Seite gibt es pure Intensität mit 'The Knife' und man kann sich vorstellen, wie ZEKE einen durch die Nacht fahren und tun, was auch immer sie im Hintergrund tun. Wenn es vorbei ist, fühlt man sich benommen und verwirrt. Wie einer dieser Masochisten, die den Schmerz lieben, will man sich diesem erneut hingeben.
Die Titel sind nicht auf den Streaming-Plattformen verfügbar.

Zach Bryans fünftes Studioalbum, The Great American Bar Scene, erscheint am 11.10.2024. Im Juli erschien die Single „28“. Im Juni erschien bereits ein musikalischer Vorbote mit „Purple Gas“. Als Feature gastiert Noeline Hofmann, eine aufstrebende Countrymusikerin aus Kanada.Bryan singt mit Bruce Springsteen den von Beiden gemeinsam komponierten Song „Sandpaper“ und mit John Moreland huldigt er mit „Memphis; The Blues“ den Blues der Musikmetropole Memphis. Mit dem großartigen Gitarristen John Mayer beschwört er die „Better Days“. Drei unfassbar starke Songs, die ohne Frage als Highlights des Longplayers bezeichnet werden können! Die drei ersten Singles „Pink Skies“, „Purple Gas“ und „28“ gaben die musikalische Marschrichtung bereits an. Das gilt auch für die restlichen Titel des großartig gelungenem und umgesetzten Albums. Der ehemalige Soldat hat’s wirklich drauf und komponiert und textet Songs, so wie er sagt „wie ein Akkordarbeiter“, die sich aber keinesfalls mal schnell dahingeschrieben anhören, sondern den Zeitgeist, das echte Leben und gleichermaßen Ängste aber auch unbändige Lebensfreude widerspiegeln. Seine Geschichten erzählen von Liebe, Freunden, Bars und ja, vielleicht den besungenen „besseren Tagen“, auf die wir alle sehr gespannt sein dürften – wenn sie dann kommen, nicht wahr? Fazit: Das 19 Titel umfassende Album beinhaltet 18 Songs und ein (gesprochenes) Gedicht. Man fühlt sich als Hörer musikalisch sofort abgeholt und lauscht dem, meist sehr akustisch aufgenommenen Songs. Deshalb kommt auch keine Sekunde Langeweile auf – ein starkes Album.

Dame Area's highly anticipated fourth studio album, "Toda la verdad sobre Dame Area" ("The Whole Truth about Dame Area"), a collaboration with the renowned labels Mannequin Records and Humo Records.

Formed in 2017 within the vibrant underground scene of Barcelona's Màgia Roja club, Dame Area comprises the Italian-Catalan duo Silvia Konstance and Viktor Lux Crux. They fuse industrial-tribal polyrhythms with minimalist synth basslines, drawing profound inspiration from avant-garde masters such as Esplendor Geometrico, Throbbing Gristle, Suicide, Einstürzende Neubauten, Can, Coil, Swans, Big Black, and Wolf Eyes.

This record represents a new phase in Dame Area's discography. It's a big step up in terms of sound, composition and ideas. This record it's the perfect representation of what they have been playing live the last three years and what most people know them for. Also it serves as a companion piece to 2022’s Toda la mentira sobre Dame Area ("All The Lies About Dame Area"), which had a stronger focus on melody, while this latest record is more aggressive and industrial-influenced, with a greater emphasis on percussion.

Tracks like the Suicide-influenced "Si no es hoy cuando es" and "Sempre Cambiare" are an onslaught of industrialism and experimentalism—formidable, volatile, and unpredictable avant-garde subversion. Silvia explains, "One of our biggest influences is doing what our influences wouldn't do. We're more into dynamics and structures atypical of electronic music, with changes in time signatures, starts and stops, and dynamics more typical of rock music. We use any musical idea from any genre. Some songs on the album are based on flamenco rhythms, others influenced by '60s experimental pop, heavy metal, or contemporary electronic music."

The confrontational "Vengo dall'aldilà" accelerates with heavy percussion, while "Tu me hiciste creer" builds into a rhythmic, transcendent noise of yelled vocals and hypnotic beats. Viktor adds, "This song took us more time to complete than any other we have recorded. It was a very organic process, evolving slowly from some instrumental percussive stuff we were doing live. Then we started using feedback as a rhythmic element (through a metallic sheet), and this was the first song where we incorporated this element, typical of noise-rock and experimental rock."

Elsewhere, "Esto Es Nuestro Ruido" represents a manic, eclectic form of contemporary industrial music, post-punk, and EBM. Silvia notes, "It's the first album we recorded outside a studio. Although we've been playing live with metallic percussion and floor tom from the very start, in the studio, with some exceptions, it was mostly sample-based until now. On Toda la verdad sobre Dame Area, all drums and almost all metallic percussion have been recorded live."

With a growing reputation as one of the best live bands around since their inception, Dame Area has toured extensively across Europe, performing at renowned festivals like Atonal, CTM, Nuits Sonores, Dour, and Fusion, as well as legendary clubs such as Berghain, Tresor, Apolo, and Spook Factory.

Recorded at Sol de Sants Studios and Estudio Hermetic between August and November 2023

Silvia Konstance: vocals, synths, percussions, electronics, production
Viktor L. Crux: synths, drums, percussions, electronics, production
Mixing and additional production by Guillermo Sánchez Rojo
Mastering by Paul Mac at Hardgroove Mastering
Designed by Leo Sousa
Photography by Fabio Calabretta
Photo concept by Dame Area

Hört her, hört her! Aus den mystischen Gefilden der Neo-Norse-Lehre stürmt EIHWAR auf die Bühne wie ein Berserkerangriff auf ein ruhiges Fjorddorf. Mark und Asrunn haben sich den Weg des Kriegers nicht ausgesucht, sondern er hat sie gewählt. Aus dem ursprünglichen und doch unerforschten Terrain ihrer Seelen entsprungen, haben sie einen klanglichen Moloch geboren, der uralte Götter mit dem unverschämten Chaos des modernen Zeitalters vermischt.

Man stelle sich ein Paralleluniversum vor, in dem Wikinger Synthesizer entdeckten und zu Techno headbangten. Dies ist das Debütalbum von EIHWAR, Viking War Trance. Eine wilde Platte, die nicht nur den Rahmen sprengt, sondern ihn mit der Grausamkeit von Thors Hammer zerschmettert. Hemmungslos und reuelos ist dieses Album ein elektrisches Met-Hallenfest zum Soundtrack der Apokalypse. Es hat alles: technoide Beats, die im Herzen eines sterbenden Sterns geschmiedet wurden, tranceartige Stimmen, die Odin von den Toten auferstehen lassen könnten, und schamanische Trommeln, die einen Sturm in Walhalla auslösen könnten. Stelle dir vor, du stehst in einem Moshpit mit Wikingerkriegern, berauscht von der Magie des Nordlichts, und würdest die Wut von Fenrir und die Trauer von Baldr kanalisieren, mit allem Schwung und Schweiß. Mit Tracks wie "Völva's Chant", "Viking War Trance" und "Mjölnir" ist es eine in der Tonart des Chaos gesungene Saga, die dazu bestimmt ist, die wildeste Trance auf jeder Tanzfläche oder jedem Schlachtfeld zu provozieren.

- Ein elektrisierendes Debütalbum, das traditionelle nordische Klänge mit modernen elektronischen Beats vermischt und so ein einzigartiges, festliches und chaotisches Musikerlebnis schafft, das man am besten als eine Mischung aus Heilung und Carpenter Brut bezeichnen kann.
- Nach ihrer viralen Explosion auf YouTube werden Eihwar das Publikum in ganz Europa in ihren Bann ziehen und haben Auftritte auf großen Festivals wie Hellfest, Leyendas del Rock und Trolls & Légendes im Jahr 2024 bestätigt.
- Das Album enthält sorgfältig selbst produzierte Tracks und visuell überzeugende Cover und Videos, die ein kohärentes und immersives Erlebnis garantieren.

Born in London to Scottish parents, Bishop Briggs grew up in Japan and Hong Kong. Days after graduating high school, she moved to Los Angeles where, after years of performing at any venue that would have her, she was discovered in a small hole-in-the-wall by a former-A&R rep and the rest was history. The music of Bishop Briggs transcends the limitations of singular genres, blending folk, pop and electronic music into a wholly unique sound. Her debut track “Wild Horses” reached #1 on Spotify's US Viral Chart and #2 on Spotify’s Global Viral 50 charts, with airplay on Sirius XM’s Alt Nation, Zane Lowe’s Beats 1 Show and a prized spot in Acura’s 2016 TLX and ESPN’s NFL Playoffs ads.

RESOUND NYC - Das neue Album von MOBY! Nach seinem gefeierten Album ”Reprise” (Mai 2021), auf dem unter anderem Kris Kristofferson, Mark Lanegan, Jim James und Skylar Grey zu hören waren, hat Moby nun 15 seiner legendärsten New Yorker Tracks aus den Jahren 1994 bis 2010 neu interpretiert und instrumentiert. Mobys 20. Studioalbum ist nicht nur eine Reflexion über die vielleicht entscheidendste Zeit in seinem Leben, sondern auch über sein einstiges Zuhause, New York City. Dort wurde er geboren, dort nahm seine Karriere ihren Anfang – im Punkrock und als DJ in Underground-Clubs.
»Bevor ich Punkrock für mich entdeckte, war ich im Classic Rock zu Hause«, sagt Moby. »Mein erstes Konzert war 1978 Yes im Madison Square Garden. Es war also mehr als verlockend, sich noch einmal mit meinen Liedern auseinanderzusetzen und zu gucken, ob sie einer traditionelleren, nicht-elektronischen, orchestralen Bearbeitung standhalten.« Begleitet wird Moby auf diesem Album von großartigen Künstlern wie Nicole Scherzinger, Gregory Porter, Ricky Wilson und Amythyst Kiah.

Over the past four years and under his Tyresta alias, Nick Turner has been integral to operations at PITP's sister label, Fallen Moon Recordings. His meticulous curation for FMR showcases top-tier sound collages and experimental electronic music and that dedication shines in Lia Kohl and Daniel Wyche's latest release, 'Movie Candy. It's a captivating exploration of free-spirited electronic music that seamlessly blends cello, guitar, synths, voice, field recordings, and electronic treatments into a record that brims with both nostalgia and innovation. Wyche describes it as an homage to the obscure ephemera of films-like the allure of candy wrappers and the mesmerising cinema carpets-forging vivid memories that linger and evolve through time.

Back in stock!

Jesse Koolhaas is back with his new album Click Me. More electronic than his last album Organized, Jesse explores the use of analog synthesizers, samples and foley to create a downtempo cinematic sound. Melancholic at times and getting inspiration from various places like 70’s Italian cinema soundtracks, jazz fusion and the golden age of electronic music, Click Me is taking the listener on a journey through his inner world.

Ltd Double Silver Vinyl, Monochrome edition artwork, DL card. Originally released in 1990, Royal Trux’s ‘Twin Infinitives’ is being re-issued in all its (yet to be translated) alien glory, by Fire Records. A dismantled overture that sprawls out over two records, an avant-garde masterpiece that was the spark for Drag City Records and generations of new sound seeking musicians. Hailed in the same immortal breath as Beefheart’s ‘Trout Mask Replica’, the Velvets’ at their frenzied peak and Ornette Coleman at his most avant-garde, the duo of Pussy Galore’s Neil "Michael" Hagerty and Jennifer Herrema recorded ‘Twin Infinitives’ while imbibing all kinds of mind-altering substances to create an inadvertent blueprint for what the duo was building with Moogs, guitars and melodicas to name a few ingredients. It is the legendary second album from the masters of the genre mashup - long before “genre mashups” even existed. Arguably, the term “mashup” was coined to describe what Trux, as they subconsciously scrolled through the radio stations of their lives. The album’s chaotic sound and offbeat construction laid the foundations for a string of Royal Trux albums that spiralled between genres, tunings, and noise. Through the 90s they would re-invent the rock ‘n’ roll ethic, straddle alien surf music, re-align boogie rock, not to mention 80s hair metal, and confound critics by their wildly meandering and courageous rites of passage. Remastered as part of a career spanning catalogue deal with Fire Records. The infamous and influential duo of Jennifer Herrema and Neil Hagerty will be delving into the archive with a comprehensive reissue series, unearthing the vaults and revisiting what made them such a compelling benchmark for their contemporaries and imitators. Reawakening their prolific output within a new monochrome vinyl series covering 1988-1993, they begin with their seminal deconstructed rock masterpiece Twin Infinitives. “Sounding like a subway ride inside a television inside an earthquake inside the end of the world and a pounding death rhythm of apocalyptic now.” Pitchfork. Track List: Disc One: A1 Solid Gold Tooth A2 Ice Cream A3 Jet Pet A4 RTX-USA A5 Kool Down Wheels B1 Chances Are The Comets In Our Future B2 Yin Jim Versus The Vomit Creature B3 Osiris Disc Two. C1 (Edge Of The) Ape Oven D1 Florida Avenue Theme D2 Lick My Boots D3 Glitterbust D4 Funky Son D5 Ratcreeps D6 New York Avenue Bridge

Absolute Überforderung, die einfach nur nervt. Am liebsten alles hinschmeißen und verkriechen. Doch SURALIN haben es geschafft, dem allgemeinen Fatigue-Syndrom zu entkommen. Sie haben mit "Nothing is the News" ein Album geschaffen, dass tief berührt, fesselt und gleichzeitig befreit. Der fünfte Longplayer des Chemnitzer Quartetts baut zunächst auf dem Sound seiner Vorgänger auf: ein feingesponnenes Netz aus diversen Indie- und Post-Whatever-Einflüssen, das trotz aller Komplexität ganz einfach und organisch wirkt. Die "Reduktion auf das Wesentliche", wie Bassist Matthias sagt, ist diesmal noch konsequenter ausgefallen. Live im Studio eingespielt und ohne instrumentale Overdubs oder zusätzliche Effekte beim Mix. "Das ist der pure Klang der Instrumente, unserer Pedals und des Aufnahmeraums." Im Ergebnis klingen SURALIN noch dringlicher als sonst, mit bewegender Tiefe. Auf dem treibenden Teppich von Schlagzeug und Bass können die beiden Gitarren ihr Mit- und Gegenspiel zwischen Melodie und Dissonanz entfalten. Die neun Songs beinhalten dabei erstaunlich viele arabeske Figuren sowie motorische Wiederholungen, die erhebliche Sogwirkung entfalten. Darin eingebettet ist der oft fragile Gesang von Alex, der den Zustand seiner Umwelt kommentiert. Laut Sänger Alex vereint der Albumtitel "Nothing is the News" die Gedanken, dass sich die Welt zwar ständig verändert, die Technologie weiterentwickelt und der Mensch sich drastisch vermehrt. Aber der Mensch als solches gleich bleibt. Macht, Unterwerfung, Ausgrenzung, Neid, Missgunst und Egoismus sind die vorherrschenden Themen." Trotz dieser Schwere wird in den Texten immer wieder deutlich, dass durch das eigene Verhalten Veränderungen möglich sind und der Wille zum Besseren überwiegt. Positive Verzweiflung. Außerdem sei der Titel auch eine Anspielung auf SURALIN selbst, die konsequent an der Leidenschaft zum Musik machen festhalten, so Alex.

Analog Mutants consist of Phill Most Chill on the vocals, DJ Snafu of Bankrupt Europeans fame on production and the inimitable DJ Grazzhoppa on the cuts.

Vocals: Phill Most Chill

Phill Most Chill grew up in Conecticut half hour away from Boogie Down Bronx and by the late 80s had already established himself in the hip hop scene, having released a very strongly received (and eventually highly collectible fetching amounts in the high three digits) single (On Tempo Jack/ That Girl), the preccedent setting left field Baritone Tiplove releases and writing for the seminal Rap Sheet magazine. The Arcahaelogists' Classics and Soulman's World of Beats tape series and column further established him as an elite beatmaker and sample collector, with highly acclaimed producers seeking him out to purchase records in conventions. The random rap craze brought renewed attention to Phill Most's releases in the late 90s, leading to reissues of On Tempo, the release of previously unissued Baritone Tiplove records, his return with the Lo-Fi EP, and then the highly influential Fast Rap EP on Nobody Buys Records which led to a flurry of funky uptempo releases across the globe again. The interest in Phill Most records over the whole 2010s was rabid, with further releases produced by Bankrupt Europeans, Mr. Fantastic and Chris Read flying off the shelves, and two full length albums produced by 90s stalwarts Paul Nice and DJ Format, as well as the recent Jorun-PMC album being now considered classics in the boom bap scene. Having now signed with Chuck D's Spitslam label, Phill Most continues his journey in stepping all over MC conventions, and these first two Analog Mutants release are a perfect example of this.

Produced by DJ Snafu

DJ Snafu has been part of the Bankrupt Europeans crew since 2004, co-founding Nobody Buys Records in 2012 with the other two Bankrupt Euros members. Huge collector of vinyl from the 50s ad 60s primarily, and with an interest in modular production, FM synthesis and marrying modern techniques with the love of sampling old records, the Analog Mutants project is his first without the Bankrupt Euros crew. Having produced among others for Chill Rob G on his seminal return to music with the classic Tell 'Em on the Chilled Not Frozen EP, Roc Marciano on the Goodfelons label, DITC legend AG on The 21st Day and Chicago legend MC Juice's return to vinyl after 15 years, this is Snafu's first whole album to produce since Rise of Demigodz' debut album The Cornerstone in 2006 (released in 2013). Snafu shows he's honed his skills and developed an even crazier side to his production in the 5 year that passed between the last Bankrupt Euros project and the Analog Mutants album and the first three Analog Mutants singles are a sign of things to come in the post Bankrupt Euros years.

Scratches: DJ Grazzhoppa

DJ Grazzhoppa got infected in 1983 with the hip hop virus, demolishing local DJs and winning the European DMC Championships in 1991, and taking 3rd place in the ITF World Championships in 1998! His unique and immediately recognizable style was first heard on Blade's legendary 12” Clear The Way, and caught so many ears that the list of MCs and producers who queued up to work with him is seemingly endless. From MF Doom, Ruste Juxx, Guilty Simpson and Cage to Necro, Keith Murray, Big Daddy Kane, Kool G Rap and of course the Bankrupt Europeans projects with Phill Most Chill, MC Juice and Chill Rob G! This is a short list of a page of credits spanning over 4 pages long- if you have hip hop records, Grazzhoppa is already in your collection!