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Over six years have passed since HAGZISSA's successful debut album, They Ride Along. Some may have even declared the Austrians as dead in between; however, HAGZISSA never ceased to wander the borderlands of the here and beyond. In silence and yet in turmoil, too, a nightmare has been slain and gutted - in necromantic pride, its offspring gleams and dances to never-ending music of the night!

HAGZISSA's brand-new Revelry of a Maltreated Jade EP is a showcase of a pack in motion, marking this as the last recording with A White Pawn (Kringa, Weathered Crest et al.) and the first with V.Adalbert II (Sněť, Bahratal et al.). The four-song work is immediately recognizable as HAGZISSA: a now-trademark style of eyrie, olde-worlde black METAL that's obscure, enigmatic, and unbound. Here, intensities are both reigned in and let loose to roam even wilder, as Iron Curtain heavy metal magick weaves a spell perhaps even more potent than said full-length. The result is somehow more approachable and more foreign, but compellingly potent either way.

With heads both in the past and the future, thus passes the glory of the world and dives deep into another plane! Can't you hear their flutes and horns and whispers? So come, then, and join in boisterous battue!

Leading voices in contemporary Organic House anchor LS001 V.A-Thunderlab Collective, the inaugural vinyl-only edition from Life Signal. This first chapter introduces Life Signal as a curated imprint dedicated to presenting standout works from modern electronic music-pieces selected for their lasting impact and now pressed exclusively for listeners who value both sound and physical format.

These tracks have earned significant attention within the digital space, and this release brings them to vinyl for the first time, giving collectors a chance to experience them in a new, tactile form.

A1-Volen Sentir & PROFF-"Luna Amazonia (PM Mix)"
The record opens with a signature blend of organic textures and melodic flow, shaping an atmosphere that sets the tone for the edition.

A2-Krasa Rosa-"
Kaftan"A refined balance of acoustic nuance and electronic drive, building toward a standout breakdown and a sharp, vocal-chopped lead.

B1-Jiminy Hop-"Cavalier (Extended)"
Marked by Jiminy Hop's characteristic phrasing and evolving percussive movement, this version extends the melodic narrative with precision.

B2-Audiense-"Winterfell (Extended)"
A steadily rising finale combining psychedelic touches and ethno-vocal textures, rounding out the collection with an expansive sense of lift.With LS001, the Life Signal vision arrives on vinyl: curated electronic works preserved for collectors who follow music not only by sound, but by legacy.

Veränderung, so sagt man, ist das Einzige, was im Leben immer gleich bleibt. Passenderweise fühlt sich die vielseitige Musikerin Avalon Emerson wohl dabei, den ständigen Wandel ihres Lebens in ,Written into Changes" zu verarbeiten, ihrem zweiten Album, das sie unter dem Namen Avalon Emerson & the Charm rausgebracht hat. Das Album ist das Ergebnis intensiver kreativer Arbeit und Überarbeitungen. Die Themen des Albums, persönliche Entwicklung und die Entwicklung von Beziehungen, ,wurden erst klar, als alles fertig war", so Emerson. Die Entstehung von ,Changes" war, wie es sich gehört, ganz anders als die von ,& the Charm". Während dieses Album, wie Emerson sagt, ,sanft und intim" war, ist es diesmal energiegeladener, weil Emerson genau überlegt hat, wie das Material live rüberkommen würde. Das Ergebnis ist ein bandorientiertes, aber grooviges und tanzbares Werk. Der von Breakbeats untermalte Titel ,Eden" hat einen ,baggy" Sound, der an Dance-Rock-Hybride der späten 80er und frühen 90er Jahre erinnert. Der witzige Titel ,How Dare This Beer" wurde als liebevolle Hommage an die Magnetic Fields geschrieben. ,Die Jahre 1987 bis 1994 sind für mich die beste Ära der Musik", sagt Emerson. ,Und mit Nathan überschneiden sich unsere musikalischen Vorlieben ziemlich stark." Nathan ist Nathan Jenkins, alias Bullion, der ,& the Charm" mitproduziert hat und nun zurückgekehrt ist, um den Großteil des Nachfolgealbums zu übernehmen. Ein Großteil der Aufnahmen fand im Winter und Frühjahr 2024 in Braintree, England, statt. Die beiden mit Rostam Batmanglij koproduzierten Tracks (,Jupiter & Mars" und ,Earth Alive") wurden in Los Angeles aufgenommen. Synth-Elemente wurden in der Synth Cabin bei Rosen Sound in Glendale, Kalifornien, hinzugefügt. Obwohl sich die gemeinsame Arbeit an ,Written into Changes" ziemlich von Emersons Solo-Produktionen für die Tanzfläche unterscheidet, ist der Einfluss von Dance-Musik überall zu spüren. Emerson hat sich bei der Arbeit an ihrer Musik besonders auf die tiefen Töne konzentriert. ,Der Bass hatte definitiv Priorität", sagt sie. Emerson schrieb die Melodien und Texte für ,Written into Changes", wobei letztere größtenteils aus ihrem persönlichen Leben stammen. ,Dieses Mal war es mein Ziel, mit meinen Texten etwas direkter zu sein", sagt sie. Der Titelsong, einer der Favoriten der Künstlerin, handelt von ihrem Umzug von Berlin nach Los Angeles im Jahr 2020. Das frenetische ,Happy Birthday" hat eine sonnige Stimmung, die durch sanft-verheerende Texte wie die des Refrains untermalt wird: ,Too young to die / Too old to break through" (Zu jung, um zu sterben / Zu alt, um durchzubrechen). Der Track wurde bereits in Clubs getestet - Emerson hat ihn schon in ihre Sets in Clubs wie der Panorama Bar im Berliner Berghain und im Nowadays in Brooklyn eingebaut. Sowohl ,Eden" als auch ,Country Mouse" sind Oden an Emersons Beziehung zu ihrer Frau Hunter, während ,I Don't Want to Fight" und ,Earth Alive" davon handeln, ,zu erkennen, dass man Menschen nicht ändern kann und versuchen muss, sie so zu akzeptieren, wie sie sind, und manchmal bedeutet das, sie aus der Ferne zu lieben", sagt sie. Written into Changes ist ein Album, das nicht nur davon handelt, Veränderungen zu akzeptieren, sondern sie mit offenen Armen zu empfangen. Fortschritt ist sowohl auf dem Album als auch hinter den Kulissen ein Thema, sodass ,written into changes" eine bewusste Herangehensweise an den Ausdruck und das Leben selbst beschreibt.

2026 Repress

Weiss has made a bit of a welcomed habit in recent years of dropping a Sun-drenched bomb on Toolroom around this time of year and following on from 'You're Sunshine' last year, 'Feel My Needs' is his submission for 2018!

Recent Weiss highlights have included him playing the main stage at Dirtybird's own Campout festival, regular dates at the world-renowned Fabric as well as a US tour and an album in the making.

In true Weiss style, this record will have the hairs on the back of your neck standing to attention in a matter of seconds. Lush, old skool piano riffs and sublime vocal licks, all laid over the top of a crisp and infectious house backing.

This is a sure-fire future anthem with two killer remixes to add to the vinyl from Purple Disco Machine and Gorgon City, both of which have been premiered on the mighty Radio 1 Dance shows.

DJ Support:

Pete Tong, Annie Mac, Danny Howard, MistaJam, Huxley, Gorgon City, Claptone, S-Man, Dario D'Attis, Robosonic, Dosem, Tube & Berger, Steve Lawler, Groove Armada, Sonny Fodera, Man Without A Clue, The Magician, Eli Brown, TCTS, Martin Ikin, Mat.Joe, Richy Ahmed, Low Steppa, Kry Wolf, Kraak & Smaak, The Golden Boy

Techno Club Retro Vol. 2 – Vinyl Edition

Sechs legendäre Trance-Tracks aus den 90ern & 2000ern – in den erfolgreichen Talla 2XLC Reworks – auf exklusiv farbiger, streng limitierter Vinyl! Mit seinem Label Technoclub Retro! lässt Talla 2XLC unvergessene Trance-Klassiker mit viel Liebe zum Detail kraftvoll und emotional neu aufleben. Vol. 2 präsentiert die ersten sechs erfolgreichen Veröffentlichungen des Labels:

Side A:
• Dito – Shadows (Talla 2XLC Remix): Das Original aus 2000 – melancholisch und hypnotisch – erhält eine treibende Dynamik mit Gänsehautmomenten.
• Triple Concept – Tonetwister (Talla 2XLC Remix): Von 1998, bekannt für das ikonische NASA-Sample. Der Remix liefert eine wuchtige Bassline und modernes Clubfeeling.
• Alpha Breed – Epic Future (Talla 2XLC Remix): Ralphie B’s Meisterwerk von 1999, jetzt mit psytrancigen Akzenten – energetisch und atmosphärisch zugleich.

Side B:
• Talla 2XLC – Follow The Meteor: Ein Remake des Vectrex-Hits von 2004 – zwischen mystischem Drive und Adrenalinschub, perfekt für die Peak-Time.
• Plastic Angel – Schatten 2021 (Talla 2XLC & Para X Remix): „Schatten“ von 2001, neu aufgelegt von zwei Trance-Veteranen – emotional, druckvoll und voller Tiefe.
• Traveller – Bright Sign (Talla 2XLC Remix): Hardtrance trifft Psy – der 2002er Kulttrack bekommt fette Breaks, bunte Strings und kompromisslose Energie.

Techno Club Retro Vol. 2 ist eine kraftvolle Zeitreise durch die Trance-Geschichte – neu gedacht von einem Pionier des Genres. Für Liebhaber, DJs und Sammler gleichermaßen ein Statement auf Vinyl!

Undun is the story of a man, Redford Stevens, dying in reverse, rewinding from the moment he became a statistic and hitting the points in his life where he's at his most self-aware. That he's a criminal who got caught up in the familiar street-hustle trappings that the modern media's documented countless times is a pivotal detail-- it's hit at an angle that seems to emphasize the futile inevitability of it all. His life could be any number of misdirected narratives that ends with a toe tag, and what details listeners learn about him are hazy, buried under archetypal turns of fate and decisive struggles. That this protagonist is a fictionalized composite of a handful of real people, filtered through a matter-of-fact narrative that splits character ambivalence with journalistic impartiality, only makes his lack of direction and the failure of any real closure stand out even more. "Lotta niggas go to prison," Dice Raw states on "Tip the Scale", "how many come out Malcolm X?"

So the Roots' latest album isn't a sprawling, rise-and-fall crime story, not a condemnation or a veneration of a man living outside the law, not a bullet-riddled grand guignol heavy on explicit details of soldiers getting cut down. It's a character study of a man whose existential crisis ends only with his death-- a death gone largely unspecified, the glamor and tragedy washed over with a doomed resignation. That's a hard thing to pull off, even for a band as given to deep-thinking concepts as the Roots are. And when your main lyrical catalyst is Black Thought-- a man more given to allusions than direct statements-- it's likely that it'll take a while for the full scope of Undun to really sink in.

If and when it does, it might strike listeners as a bit skeletal: omit the mood-setting instrumental bookends, including a brief, four-part orchestral suite that builds off Sufjan Stevens' "Redford (For Yia-Yia and Pappou)", and you've got maybe a half hour's worth of material. By ?uestlove's accounts, writing Redford's story introduced the headaches and challenges that come with scriptwriting into their songwriting, and what's left on Undun is the end result of frequent revisions and rewrites that attempt to reconcile character, theme, and continuity. If it comes at the expense of nuance, it's not always obvious: There's an easy-to-trace narrative line from Redford's acceptance of his fate ("Sleep") to his acknowledgement of how close it's approaching ("Make My"), back through declarations of aggravated toughness ("One Time"), and celebratory fatalism ("Kool On"), along ups and downs that juxtapose motivation ("Stomp") and helplessness ("Lighthouse"). When the vocal portion of the album ends with two of the bleakest sets of verses in the Roots discography, peaking with the estrangement of "I Remember" and the desperation of "Tip the Scale", Undun reveals itself as a story where a man's actual death isn't quite as tragic as the circumstances that pushed him to it.

After the storm of their self-titled debut, Geneva duo Bound By Endogamy return to Pinkman with an album that trades brute force for precision. The rage remains, but it's sharpened, disciplined, and driven by melancholy rather than rupture. Their minimal synth and industrial instincts rise to the surface, carving out room for melody without softening their confrontational edge. Angular basslines coil beneath Kleio Thomaides' voice, at times detached and at times devastating, while Shlomo Balexert's drum programming and synth work build a taut metallic tension. The result is both intimate and mechanical: love songs for disenchanted souls, post-punk electronics stripped to the bare wire. Bound By Endogamy have always blurred the line between performance and survival, and here they do it with minimal gestures and maximum impact.

Crave Tapes is thrilled to announce the first vinyl release on the label which will be the second album from Frankfurt's underground post-punk/dark wave band Babes of Enola Grey, Krieg und Wohlstand.
Krieg und Wohlstand sees Babes of Enola Grey follow the path of their 2021 debut, Anfang vom Ende, and take a step further into the realm of melancholic and disillusioned soundscapes. While keeping a certain retro character to the songs, Deborah Vision, Salvador Islero and Fabian van Castorp focus on quite contemporary themes, which some might call the most German obsessions:
War and prosperity.
But this is not the only reference to the band's heritage. Sometimes more, sometimes less, there are musical allusions to various German influences and contributions to (modern) music and music history. While Doppelt Frei is a nod to EBM and bands like DAF or the early Die Krupps and Wie auf Schienen as well as Die Heuschrecken pay homage to German düster punk bands like Fliehende Stürme or EA80, Panik and the title track Krieg und Wohlstand refer to the romantic German art song tradition of the 19th century (not to mention the obvious hint at a certain successful German Schlager in Die Kugeln und das Herz).
This makes Krieg und Wohlstand not only a worthy epigone of the band's debut, but also takes the album and the artistic approach to another level.
Commenting on the chosen format (12" vinyl), the band members said: "It was clear to us that we wanted to release this album on vinyl. When you look atGerman history, war and prosperity have to be seen as two sides of the same medal, or in this case of a record".

E The Artist presents Six, his debut album for Nyahh Records; an incendiary opus of blown-out electronics and daring sonic abstractions, inspired by the seven seals, that posits E as a daring force within the Irish underground.

Garnering a fierce reputation both in Ireland and abroad despite minimal recorded output, the artist known as E instead boasts his infamy on the live circuit. The Nigerian-born, Dublin-based musician impressed over the years with a slew of memorable performances inspired by AfroPunkism, recontextualising contemporary black club genres into their loudest and most intense iterations. Following a brief side quest to Vienna early in 2025, E returned to Dublin relieved by the tangibility in familiarity of his surroundings. This inspired a period of personal reflection on self, mortality and religion in his cramped studio; from these sessions emerged his most substantial body of work to date in Six.
Inspired by the opening of the seven seals in the Book of Revelation, Six acts as a radical departure for E. Opener IDTYEK signals this change, a freak folk oddity that ill-prepares you for the road ahead. From MANTRAS’ obtuse techno through to RISE’s power electronics, E fulfils a listening experience intent on submission rather than interpretation. Dynamic contrasts temper the parameters of its sonic catharsis, a crescendo of geometric flow that challenges convention.

Six also extends the artist’s circle of collaborators. Ruby Eastwood and Mel Keane lend BRIDGE their poetry and creative instability respectively, frequent live collaborator Julia Louise Knifefist douses BLACKOUT with his signature guttural cries while KRAF’s obscured lyrics gives LINT a wayward edge. Bulgarian Umbrella offers the record its most substantial contribution on DROGO, a twenty minute meditation on life and death which forms the core inspiration for the album as a whole.
Six exists as a world obsessed with rationalising finality, a disorienting space between certainty and myth that stands as E The Artist’s most ambitious and strangely beautiful work to date.

In 2026, 62 years after the first release, she releases the LP Tomorrow's Yesterday, and it cannot be ruled out that this may be her last physical album. All the songs are recorded in duo or trio format. The musical sounds are excitingly combined with her voice and Rob Luft on guitar, John Surman on saxophone/ bass clarinet on side A. Whilst on side B we hear Karin Krog with Erlend Slettevoll on piano/electric piano and Rob Waring on vibraphone.

Bei einem aktuellen Auftritt von DREAM_MEGA stand Joel Kyack allein auf der Bühne und schickte einen Soundstrom auf das Publikum los. Überwältigt von den gruseligen Frequenzen, den eindringlichen Rhythmen und den wilden, verstimmten Vocals, flüsterte ein Besucher seinem Nachbarn zu: ,Ich glaube, der Typ hat Kontakt zu Dämonen." Ob aus Angst oder Bewunderung gesagt, diese Anschuldigung ist angesichts des zweiten Albums von DREAM_MEGA, ,Control / You Are Not the Center", durchaus zutreffend. Die Platte ist voller Bedrohung. Man hört es in den mutierten Kriegsmarschen, im Dancehall-Reflux, im dröhnenden Bass. Man hört es in den kristallklaren Melodien und den sehnsüchtigen Aufstiegen. Man hört es sogar in dem Cover von Guided by Voices. Joels Beziehung zu verstörenden Klängen - dem Channeling von Dämonen - besteht nun schon seit Jahrzehnten. Seine langjährige Tätigkeit bei Landed, der Band, die er 1997 mitbegründet hat, verläuft parallel zu Joels Beiträgen zu Six Finger Satellite, Men's Recovery Project, Megafuckers, Dos Mega und Street Buddy. Diese unermüdliche Hingabe führt direkt zu dem fieberhaften Verfall seiner heutigen Arbeit, aber Dream Mega ist etwas ganz Besonderes. Entstanden aus Joels Nahtoderfahrung im Jahr 2020 - einer Woche der Schwäche, die er isoliert in Thailand verbrachte, Blut hustete und seine Bettlaken durchnässte - erobert DREAM_MEGA einen einzigartigen Raum an der Schnittstelle zwischen Konfrontation und Hingabe. Aufbauend auf seinen eigenen Erfahrungen bei Hardcore-Shows und Straßenauftritten treibt Joel DREAM_MEGA in einen antipodalen Zustand, in dem Hyperbewusstsein und befreiende Transzendenz koexistieren. Die Songs auf ,Control / You Are Not the Center" starren unerschrocken auf unsere dumme, gefährliche Welt, ähnlich wie es ein Song von Dropdead tun würde, aber gleichzeitig heben sie die Last dieser Katastrophe und drängen auf eine luftige Atempause. Ein Teil davon ist Joels kompositorischer Ansatz, bei dem er alte Holzblasinstrumente gegen digitale Synthesizer setzt und unnatürliche Schaltkreise mit menschlichem Atem kreuzt. Aber im Kern geht es um Joels dringendes Bedürfnis, mitten in der Nacht seine Angst und Traurigkeit und die Funken der Hoffnung anzusprechen und sie in etwas zu verwandeln, das sein Herz trotz allem weiter schlagen lässt. Es ist ein Akt der Klarheit und Selbsterhaltung, der so geschickt inszeniert ist, dass jeder Zuhörer die Dämonen spüren kann, die in seinem eigenen Herzen wirken. ,Control / You are Not The Center" enthält Klangbeiträge von Ryan Weinstein (Coffi n Prick), Cordey Lopez und Lisa Anne Auerbach. Es ist empfehlenswert für Fans von Hassell & Enos ,Fourth World, Vol.1: Possible Musics", Houstons Chopped-and-Screwed-Szene und Captain Beefheart.

Als Green-House beschäftigen sich die Musiker Olive Ardizoni und Michael Flanagan mit der menschlichen Natur und der natürlichen Welt durch eine freudige, dynamische Synthese. Frequenzen und Ausdrucksformen werden wie eine Tarnung übereinandergelegt, und ihr tiefgründiger, vielschichtiger kollaborativer Prozess beginnt mit einem der beiden Künstler: Ardizoni fühlt sich oft zur Melodie hingezogen, Flanagan zur Harmonie. Die Kraft liegt darin, wie ihre Ideen sich miteinander verflechten und eine Tiefe erreichen, die größer ist als die Summe ihrer Teile. Für ihre erste LP mit ihrem neuen Label Ghostly International entwickelt Green-House ihre lebendige Instrumentalmusik weiter und verfeinert sie mit unbekannten, genreübergreifenden Freiheiten und Bewegungen, einer aktiveren, perkussiven und emotionsgeladenen Energie, die durch fließende Klänge und weitläufige Aussichten gekennzeichnet ist. Hinterlands stimmt sich mit einer rebellischen, radikalen Aufrichtigkeit auf die Schönheit der Welt ein. Seit 2020 hat das Duo mit einer Reihe von gefeierten Veröffentlichungen über das einflussreiche Label Leaving Records aus Los Angeles seine Neugier für Umgebungen weiterverfolgt und nach organischen und fernen Räumen gesucht. Seit 2020 hat das Duo in einer Reihe von gefeierten Veröffentlichungen über das wegweisende Label Leaving Records aus Los Angeles seine Neugierde für Umgebungen ausgelebt und mit organischen und synthetischen Instrumenten, hochauflösendem Sounddesign und ,eigenwilligen Melodien, die mit der geduldigen und methodischen Hand eines Gärtners geschaffen wurden", wie Pitchfork schreibt, nach inneren und fernen Räumen gesucht. Green-House lässt sich nicht eindeutig in eine einzige Kategorie einordnen. Ardizoni und Flanagan stehen nicht im Einklang mit New-Age-Ideologien oder Spiritualität, und das Label ,Ambient" erscheint angesichts all dessen, was in ihren Songs vor sich geht, zunehmend eingeschränkt. Green-House lässt sich nicht eindeutig einer einzigen Kategorie zuordnen. Ardizoni und Flanagan stehen nicht im Einklang mit New-Age-Ideologien oder Spiritualität, und die Bezeichnung ,Ambient" erscheint zunehmend eingeschränkt angesichts all dessen, was in ihren Songs vor sich geht, die auf ihrem neuen Album eher in Richtung IDM oder sogar moderne Klassik tendieren. Was bleibt, ist ein offenes Gefühl des Staunens, ,die Idee, bestimmte Emotionen in der Musik zu legitimieren, die in der Kunst oft nicht ernst genommen werden, wie Glück und Freude", sagt Ardizoni, dessen eklektische Persönlichkeit auch ohne Texte zum Vorschein kommt.

Als Green-House beschäftigen sich die Musiker Olive Ardizoni und Michael Flanagan mit der menschlichen Natur und der natürlichen Welt durch eine freudige, dynamische Synthese. Frequenzen und Ausdrucksformen werden wie eine Tarnung übereinandergelegt, und ihr tiefgründiger, vielschichtiger kollaborativer Prozess beginnt mit einem der beiden Künstler: Ardizoni fühlt sich oft zur Melodie hingezogen, Flanagan zur Harmonie. Die Kraft liegt darin, wie ihre Ideen sich miteinander verflechten und eine Tiefe erreichen, die größer ist als die Summe ihrer Teile. Für ihre erste LP mit ihrem neuen Label Ghostly International entwickelt Green-House ihre lebendige Instrumentalmusik weiter und verfeinert sie mit unbekannten, genreübergreifenden Freiheiten und Bewegungen, einer aktiveren, perkussiven und emotionsgeladenen Energie, die durch fließende Klänge und weitläufige Aussichten gekennzeichnet ist. Hinterlands stimmt sich mit einer rebellischen, radikalen Aufrichtigkeit auf die Schönheit der Welt ein. Seit 2020 hat das Duo mit einer Reihe von gefeierten Veröffentlichungen über das einflussreiche Label Leaving Records aus Los Angeles seine Neugier für Umgebungen weiterverfolgt und nach organischen und fernen Räumen gesucht. Seit 2020 hat das Duo in einer Reihe von gefeierten Veröffentlichungen über das wegweisende Label Leaving Records aus Los Angeles seine Neugierde für Umgebungen ausgelebt und mit organischen und synthetischen Instrumenten, hochauflösendem Sounddesign und ,eigenwilligen Melodien, die mit der geduldigen und methodischen Hand eines Gärtners geschaffen wurden", wie Pitchfork schreibt, nach inneren und fernen Räumen gesucht. Green-House lässt sich nicht eindeutig in eine einzige Kategorie einordnen. Ardizoni und Flanagan stehen nicht im Einklang mit New-Age-Ideologien oder Spiritualität, und das Label ,Ambient" erscheint angesichts all dessen, was in ihren Songs vor sich geht, zunehmend eingeschränkt. Green-House lässt sich nicht eindeutig einer einzigen Kategorie zuordnen. Ardizoni und Flanagan stehen nicht im Einklang mit New-Age-Ideologien oder Spiritualität, und die Bezeichnung ,Ambient" erscheint zunehmend eingeschränkt angesichts all dessen, was in ihren Songs vor sich geht, die auf ihrem neuen Album eher in Richtung IDM oder sogar moderne Klassik tendieren. Was bleibt, ist ein offenes Gefühl des Staunens, ,die Idee, bestimmte Emotionen in der Musik zu legitimieren, die in der Kunst oft nicht ernst genommen werden, wie Glück und Freude", sagt Ardizoni, dessen eklektische Persönlichkeit auch ohne Texte zum Vorschein kommt.

Seit ihrer Debüt-EP "Billstedt" aus dem Jahr 2020 schrauben Christian Klindworth, Antoine Laval und Lars Brunkhorst an ihrem ganz und gar eigenen Sound zwischen Postpunk und melodienverliebtem Indierock. fluppe haben mit "Blüte" (2021) und "Boutique" (2023) zwei Alben veröffentlicht. Sie sind beim Reeperbahn Festival aufgetreten, haben für Turbostaat eröffnet, doch vor allem sind sie unermüdlich durch die Clubs getourt und haben ihre eigenen Shows gespielt. Aber klar, auch an fluppe schrappt die Polykrisen-Gegenwart nicht einfach vorbei, zumal es vermutlich unumgänglich ist, dass hier und da mal Cure-Gitarren durchschimmern, wenn man ein Album mit Produzent Tobias Siebert (Klez.e, And The Golden Choir) aufnimmt.

Mizery aus San Diego sind ein rebellisches Kraftpaket, das mit seinem Crossover-Hardcore-Sound für Aufsehen sorgen will. Mizery wurden 2014 mit ihrer EP ,Survive The Vibe" bekannt, gefolgt von ihrem 2016 erschienenen Album ,Absolute Light" (Flatspot Records). Mit ihren groovigen Rhythmen und dynamischen Live-Auftritten erregten sie schnell Aufmerksamkeit. Die Idee zu Mizery hatten die Kindheitsfreunde Jose Luna (Gesang) und Taylor Parker (Leadgitarre). Als die beiden den Schlagzeuger Cayle Sain trafen, wurde aus der Idee echt was. Bald darauf holten sie Miguel ,Mikey" Salazar am Bass dazu und begannen als Vierergruppe zu komponieren. Nach der Veröffentlichung des Albums tourten Mizery mit Genre-Größen wie Power Trip, Terror und Backtrack und nahmen Ahmad Ali am Bass auf, wodurch Mikey zur Rhythmusgitarre wechselte. Wie der Rest der Welt kam auch die Band während der Pandemie zum Stillstand, schrieb aber weiter Songs und war bereit, mit voller Kraft zurückzukommen. Im Dezember 2023 erschütterte der unerwartete Tod des Schlagzeugers Cayle Sain, der auch mit Twitching Tongues, God's Hate und GhosteMane auftrat, die Musikszene und brachte Mizery verständlicherweise zum Stillstand. Während sie ihre Trauer verarbeiteten und nachdachten, wussten die Mitglieder von Mizery, dass sie weitermachen mussten, und eine gefundene Aufnahme gab ihnen ein neues Ziel. Jose und Taylor entdeckten, dass Cayle die Vorproduktions-Demos, die sie ihm geschickt hatten, genommen und in einem professionellen Studio Schlagzeugspuren dafür aufgenommen hatte. Mit der Hilfe des Produzenten Taylor Young (The Pit) konnte die Band diese Schlagzeugspuren bekommen und sie für ihre selbstbetitelte EP verwenden. Die Mizery-EP, die am 20. März 2026 bei Flatspot Records erscheinen soll, ist ein offen politisches Album, das sich um Erneuerung und Reflexion dreht. In den sechs Tracks werden die Texte als Waffe eingesetzt, wie Jose erklärt: ,Es ist eine Reflexion einer Welt, die einige von uns sehen und andere ignorieren. Die Gewalttaten, die Angst vor Gewalt und die Auswirkungen von Gewalt." Die Songs weichen von einem geradlinigen Kurs ab und mischen mitreißende Rap-Gesangspassagen mit metallischen Riffs, einfallsreichen Grooves und einigen Überraschungen. Die Einflüsse stammen von Leeways ,Adult Crash", Merauders ,5 Deadly Venoms" und Only Living Witness' ,Innocents", kombiniert mit den Werken von Rage Against The Machine und P.O.D., die die Bandmitglieder in ihrer Jugend geprägt haben. Schon beim Opener ,Renegade Rhythm" wird klar, dass Mizery es ernst meint, wenn sie sich mit dem Zustand der Welt auseinandersetzen und dabei Musik machen, die im Kopf bleibt. ,The Weapon PT.II" ist der lauteste Track auf der EP und setzt auf Worte, um Veränderungen zu bewirken, statt auf physische Gewalt. Den Abschluss der EP bildet der selbstgerechte Song ,Eulogy" mit Gastgesang von Sammy Ciaramitaro von DRAIN. Der Song entstand als frühe Demo und war der einzige Track, für den Cayle programmierte Drums anstelle von Studioaufnahmen verwendet hatte. Um die Single zu vervollständigen, sprang Schlagzeuger David Stalsworth (Militarie Gun, Torena) bei den Aufnahmen ein und ist nun Mitglied von Mizery. Während manche die Veröffentlichung der EP als Triumph betrachten mögen, ist sie für Mizery ein Beweis für ihre Beharrlichkeit und zeigt, dass die Band bereit ist, in eine neue Ära einzutreten.

Mizery aus San Diego sind ein rebellisches Kraftpaket, das mit seinem Crossover-Hardcore-Sound für Aufsehen sorgen will. Mizery wurden 2014 mit ihrer EP ,Survive The Vibe" bekannt, gefolgt von ihrem 2016 erschienenen Album ,Absolute Light" (Flatspot Records). Mit ihren groovigen Rhythmen und dynamischen Live-Auftritten erregten sie schnell Aufmerksamkeit. Die Idee zu Mizery hatten die Kindheitsfreunde Jose Luna (Gesang) und Taylor Parker (Leadgitarre). Als die beiden den Schlagzeuger Cayle Sain trafen, wurde aus der Idee echt was. Bald darauf holten sie Miguel ,Mikey" Salazar am Bass dazu und begannen als Vierergruppe zu komponieren. Nach der Veröffentlichung des Albums tourten Mizery mit Genre-Größen wie Power Trip, Terror und Backtrack und nahmen Ahmad Ali am Bass auf, wodurch Mikey zur Rhythmusgitarre wechselte. Wie der Rest der Welt kam auch die Band während der Pandemie zum Stillstand, schrieb aber weiter Songs und war bereit, mit voller Kraft zurückzukommen. Im Dezember 2023 erschütterte der unerwartete Tod des Schlagzeugers Cayle Sain, der auch mit Twitching Tongues, God's Hate und GhosteMane auftrat, die Musikszene und brachte Mizery verständlicherweise zum Stillstand. Während sie ihre Trauer verarbeiteten und nachdachten, wussten die Mitglieder von Mizery, dass sie weitermachen mussten, und eine gefundene Aufnahme gab ihnen ein neues Ziel. Jose und Taylor entdeckten, dass Cayle die Vorproduktions-Demos, die sie ihm geschickt hatten, genommen und in einem professionellen Studio Schlagzeugspuren dafür aufgenommen hatte. Mit der Hilfe des Produzenten Taylor Young (The Pit) konnte die Band diese Schlagzeugspuren bekommen und sie für ihre selbstbetitelte EP verwenden. Die Mizery-EP, die am 20. März 2026 bei Flatspot Records erscheinen soll, ist ein offen politisches Album, das sich um Erneuerung und Reflexion dreht. In den sechs Tracks werden die Texte als Waffe eingesetzt, wie Jose erklärt: ,Es ist eine Reflexion einer Welt, die einige von uns sehen und andere ignorieren. Die Gewalttaten, die Angst vor Gewalt und die Auswirkungen von Gewalt." Die Songs weichen von einem geradlinigen Kurs ab und mischen mitreißende Rap-Gesangspassagen mit metallischen Riffs, einfallsreichen Grooves und einigen Überraschungen. Die Einflüsse stammen von Leeways ,Adult Crash", Merauders ,5 Deadly Venoms" und Only Living Witness' ,Innocents", kombiniert mit den Werken von Rage Against The Machine und P.O.D., die die Bandmitglieder in ihrer Jugend geprägt haben. Schon beim Opener ,Renegade Rhythm" wird klar, dass Mizery es ernst meint, wenn sie sich mit dem Zustand der Welt auseinandersetzen und dabei Musik machen, die im Kopf bleibt. ,The Weapon PT.II" ist der lauteste Track auf der EP und setzt auf Worte, um Veränderungen zu bewirken, statt auf physische Gewalt. Den Abschluss der EP bildet der selbstgerechte Song ,Eulogy" mit Gastgesang von Sammy Ciaramitaro von DRAIN. Der Song entstand als frühe Demo und war der einzige Track, für den Cayle programmierte Drums anstelle von Studioaufnahmen verwendet hatte. Um die Single zu vervollständigen, sprang Schlagzeuger David Stalsworth (Militarie Gun, Torena) bei den Aufnahmen ein und ist nun Mitglied von Mizery. Während manche die Veröffentlichung der EP als Triumph betrachten mögen, ist sie für Mizery ein Beweis für ihre Beharrlichkeit und zeigt, dass die Band bereit ist, in eine neue Ära einzutreten.

Nach ihrer gemeinsamen Interpretation von I See A Darkness mit Perfume Genius kündigt Anna Calvi die neue EP Is This All There Is? an, die am 20. März erscheint. Die vier Songs versammeln Kollaborationen mit Perfume Genius, Iggy Pop, Laurie Anderson und Matt Berninger.

Eröffnet wird die EP von God’s Lonely Man, in dem Calvi Iggy Pop die Stimme eines zerstörerischen inneren Monologs überlässt. Der Song ist von nervöser Energie getragen: kantige Gitarren, antreibende Drums, eine direkte Konfrontation mit emotionaler Stagnation. Pop verkörpert dabei genau jene rohe Präsenz, die Calvi für die Erzählung suchte.

Seht und hört "God´s Lonely Man" HIER.

Is This All There Is? bildet den ersten Teil einer geplanten Trilogie, die Identität als etwas Veränderliches begreift, geformt durch Nähe, Liebe und biografische Brüche. Ausgangspunkt ist Calvis eigene Erfahrung des Mutterwerdens, die ihren Blick auf Sicherheit, Verantwortung und Möglichkeiten verschoben hat. Die EP kreist um grundlegende Fragen moderner Existenz: Wie lässt sich Intimität neu denken? Was bedeutet es, sich wirklich verbunden zu fühlen? Und wann fühlt man sich wach?

Neben dem bereits veröffentlichten I See A Darkness interpretiert Calvi gemeinsam mit Laurie Anderson Kraftwerks Computer Love neu. Mit Andersons Stimme im Zentrum und choralen Arrangements entsteht ein Stück über digitale Nähe und emotionale Distanz. In ihrer Gesamtheit wirkt die EP wie ein zusammenhängender filmischer Bogen – vier Songs, vier Perspektiven, eine fortlaufende Erzählung.
Is This All There Is? versteht Kollaboration nicht als Zusatz, sondern als Strukturprinzip: Die Stimmen der Beteiligten werden zu Figuren innerhalb eines gemeinsamen Klangraums, in dem Fragen offen bleiben dürfen.

LUKE COMBS ist einzigartig - eine seltene Kombination aus Nahbarkeit und außergewöhnlicher Kunstfertigkeit. Bodenständig, authentisch und mühelos echt, ist er ein Künstler, der einem vom ersten Moment an vertraut erscheint, dessen Stimme, Vision und Erfolge jedoch unverkennbar einzigartig sind.

Mit nur 35 Jahren hat Combs bereits die Rekordbücher neu geschrieben: 20 aufeinanderfolgende Nr. 1-Singles, der erste Country-Künstler, der mehrere Nächte im Wembley-Stadion headlined - alle drei Termine sind ausverkauft und aufeinanderfolgend- der erste Country-Künstler, der sowohl beim Bonnaroo als auch beim Lollapalooza headlined, und der erste, der zwei Songs mit über einer Milliarde Streams auf Spotify und vier RIAA-Diamond-zertifizierte Singles vorweisen kann. Selbst inmitten solcher Meilensteine behält Combs sein seltenes Talent, Vertrautes neu erscheinen zu lassen - mit Songs, die mit überraschender Klarheit und emotionaler Ehrlichkeit überzeugen.

The Way I Am, das am 20. März via Sony Nashville erscheint, ist eine Sammlung von 22 Songs, die alles zeigt, was Combs so unverwechselbar macht: von seiner rauen, resonanten Stimme und seiner meisterhaften Erzählkunst bis hin zu Songs, die herzliche Verletzlichkeit mit hymnischer Energie verbinden. Das Album taucht tiefer denn je in das Leben hinter den Kulissen ein und erkundet die Herausforderungen der Vaterschaft und die Balance zwischen Familie und Karriere, Selbstvertrauen, die stillen Kämpfe um die psychische Gesundheit und die Klarheit, die entsteht, wenn man sich daran erinnert, was wirklich wichtig ist. "The Way I Am" zeigt Luke Combs als ein Generationstalent auf dem Höhepunkt seines Schaffens und als eine globale musikalische Kraft, wie sie nur einmal im Leben vorkommt.

Mit „Future Soul“ erweitert die Tedeschi Trucks Band ihren Horizont, ohne dabei ihre Wurzeln zu verlieren.
Produziert wurde das Album von dem genreübergreifenden Mike Elizondo (bekannt für seine Arbeit mit
Brothers Osborne, Dr. Dre, Twenty One Pilots und Turnstile). Darauf erkundet das 12-köpfige Ensemble
tiefere Grooves und reichhaltigere Texturen als je zuvor.
Der feurige Titeltrack „Future Soul“ besticht durch ein kraftvolles Riff und explosive Vocals – ein Beweis dafür, dass die Band nach wie vor pure Rockenergie entfesseln kann, wenn sie will. „Crazy Cryin’“
strotzt vor rohen Emotionen und verbindet Gospel-Harmonien und Blues-Grit auf klassische TTB-Art,
während „Who Am I“ einen nachdenklichen Ton anschlägt und Susan Tedeschis gefühlvolle Stimmgewalt
und Derek Trucks’ lyrisches Gitarrenspiel in perfekter Balance präsentiert.
Textlich blickt das Album ebenso nach vorne wie nach innen – es setzt sich mit Identität, Widerstandsfähigkeit und Hoffnung in unsicheren Zeiten auseinander. Elizondos Produktion fügt subtile moderne
Akzente hinzu – warme Bässe, vielschichtige Percussion und Raum für die Bläser und Hintergrundgesänge,
ohne dabei das organische Zusammenspiel zu opfern, das die Live-Magie der Band ausmacht.
Future Soul ist sowohl eine Neuerfindung als auch eine Bestätigung: ein lebhaftes neues Kapitel für eine
der beeindruckendsten Bands Amerikas.

Joep Beving, einer der bekanntesten und meistgestreamten Pianisten weltweit, veröffentlicht Liminal. Inspiriert von Guillaume Logés Buch Renaissance sauvage lädt das Album ein, das Verhältnis von Mensch
und Natur neu zu denken. Liminal erscheint am 20. März 2026.
Die von Logé entworfene Vision einer Welt, in der der Mensch die Natur als kreative Partnerin begreift,
faszinierte Beving so sehr, dass er 15 neue Stücke schrieb, die durchaus Teil einer Renaissance-Bewegung
des 21. Jahrhunderts werden könnten. »Mit dieser Musik wollte ich unseren kleinen, aber bedeutsamen
Platz im großen Ganzen erkunden«, erklärt er, »weg vom menschenzentrierten Denken, hin zu einer Weise
des Schaffens ›mit‹ der Natur, statt getrennt von ihr.«
Es entfaltet sich ein oszillierender Klangraum: »Wie ein fortdauernder Dialog zwischen Kontrolle und Intuition. Er erkundet jenen Zwischenzustand – die liminale Zone, in der Bedeutung erst entsteht.«

Der Grammy-nominierte Altsaxofonist Immanuel Wilkins veröffentlicht sein erstes Live-Album, aufgenommen in der legendären New Yorker Jazz-Institution Village Vanguard. Wilkins‘ Quartett, bestehend aus
Micah Thomas am Klavier, Ryoma Takenaga am Bass und Kweku Sumbry am Schlagzeug, entfaltet in dem
von Jazz-Geschichte durchdrungenen Raum seine volle musikalische Kraft und reiht sich ein die Liste der
Jazzgrößen, die dort wegweisende Live-Aufnahmen gemacht haben, darunter John Coltrane, Sonny Rollins,
Joe Henderson, Bill Evans und viele andere.
Vol. 1 erscheint als LP + CD, Vol. 2 (17.04.) und Vol. 3 (15.05.) erscheinen ausschließlich digital.

Die globalen Pop-Superstars BTS veröffentlichen ihr mit Spannung erwartetes fünftes Album ARIRANG
– die erste Gruppenveröffentlichung seit drei Jahren und neun Monaten. Das Album gibt an, in welche
Richtung die Gruppe künftig gehen wird, wobei jedes Mitglied tief in den kreativen Prozess eingebunden
st.
Das Album „ARIRANG“ ist auf LP und CD erhältlich.

Das 2022er Album "nichts" der Aachener Post-Hardcore Band FJORT als limitierte Purple Colored Vinyl LP. "nicht" ist ein 50-minütiges Erlebnis. "nichts" gewinnt dem dichten Sound der Band, der fließend zwischen allen Spielarten von Hardcore und Postrock wandelt, zahlreiche neue Facetten ab. Die Täler sind tiefer denn je, in den Höhen ist kaum Luft zu atmen. Die Atmosphäre fühlt sich nahezu greifbar an. Lyrisch gaben sich FJORT seit jeher kryptisch und bleiben dieser Linie treu werden auf "nichts" jedoch auch konkret wie selten zuvor. Vielleicht, weil Zeiten wie diese mehr denn je nach Schonungslosigkeit lechtzen. Vielleicht auch, weil eine Art Galgenhumor seinen Weg auf das Album gefunden hat, der mit dem absoluten Ernst gekonnt bricht. Abwechslungsreicher und schlichtweg größer klang diese Band noch nie.

GAEREA ist nichts weniger als ein fantastisches Rätsel, tief verwurzelt in Extremen und leidenschaftlicher Hingabe. In weniger als einem Jahrzehnt hat das maskierte Kollektiv, das in der portugiesischen Stadt Porto gegründet wurde, unzählige dunkle Facetten des Metal getestet und präsentiert nun mit "Loss" sein fünftes Album sowie Debüt bei Century Media Records.
"Wir haben das getan, was wir immer getan haben - wir sind unserem Instinkt gefolgt", sagt der anonyme Sänger von GAEREA. "Doch etwas sagt mir, dass dieses neue Album Elemente hat, die sowohl unsere neuen als auch unsere alten Fans lieben werden - aber es ist nicht gerade genau das, was sie von uns erwarten."
"Loss" definiert GAEREA neu und verquickt Elemente aus ihrer Post-Black-Metal Vergangenheit mit eindringlichen Melodien zu raffinierten Klanglandschaften. Dabei schlüpft die Band aus dem kreativen Kokon, um sich in etwas ebenso Mitreißendes wie Unerwartetes zu verwandeln: Es gibt Klargesang. Es gibt Refrains, die so eingängig und leidenschaftlich sind wie die besten Rock- und Metal-Songs. Und doch ist es unverkennbar GAEREA.
Die maskierte und ritualisierte Bühnenpräsenz der Band ist nicht nur Teil einer Show, sondern ein integraler Bestandteil von GAEREA, der ihre musikalische Extremität auf ein philosophisches, avantgardistisches Level hebt. Ihre Uniformen bieten dabei eine gesichtslose und androgyne Leinwand, die es ihnen erlaubt, sich in vollkommen in ihre Performance zu stürzen, die nicht zuletzt durch eine gewisse Körperlichkeit in ihren Bann zieht. Trotz ihrer dunklen Präsenz versprüht die Band stets einen Hauch von Transzendenz und Positivität. Mit "Loss" verschmelzen GAEREA die Ästhetik des Extreme Metal, die Offenheit des Post-Rock und einen freigelegten, emotionalen Nerv zu einem neuen musikalischen Paradigma.
Das ist GAEREA.
"Loss" ist erhältlich als: Ltd. CD Digipak in O-Card, LP, Digital Album

Benefit compilation with exclusive tracks from live performances & installations at eavesdrop festival 2024. All revenues go to charities providing medical aid and food sovereignty in Gaza.

In november 2024, eavesdrop festival presented its 3rd edition of contemporary electronic music and sound art, taking place in the striking architectural setting of silent green’s Betonhalle in Berlin. ”to eavesdrop” - is invoked as a mode of listening intently, attentively and with curiosity. With its ongoing commitment to adventurous listening cultures, the festival brought together a top-notch line-up of Berlin based and international artists, who share a common practice in electronic sound composition whilst spanning a diversity of inter-related contemporary tendencies. Whether it’s multi-award winning Mariam Razaei’s exceptional turntablism, Ilpo Väisänen’s legendary DIY analogue electronics, Jasmine Guffond’s generative sound installation, Nina Garcia’s extraordinary electric guitar manipulations, Lottie Sebes’ AI voice synthesis or Rashad Becker’s idiosyncratic synthesizer explorations, to name a few, eavesdrop invited listeners to consider, from multiple perspectives, new social and technical developments in international music and sound cultures.

This compilation documents those 2 nights with 9 exclusive tracks - 7 live performances and 2 stereo mixes from multi-channel installations, edited by the festival’s curator / organizer Jasmine Guffond, with a total running time of approx. 78 minutes. All revenues will go to charities providing medical aid and food sovereignty in Gaza: Medical Aid For Palestinians & Thamra.

“Tectonic” is a concise portrait of SIMON BERZ’s geological sound explorations across continents over the last 15 years: drums, electronics, and a set of electronically manipulated basalt stones from Iceland.

SIMON BERZ is a transdisciplinary drummer, sound artist, and music educator based in Switzerland and Berlin. Working at the intersection of improvised music, sound art, and performance, and deliberately crossing boundaries between disciplines, his aesthetics are shaped by a sustained engagement with natural materials, particularly stone, and their sonic transformation through electronic manipulation. Beyond his performance work, BERZ founded BADABUM as an art label and a music school.

For the last 30 years, BERZ has been performing in Japan, China, Russia, the USA, Cuba, Iceland, Turkey, and across Europe. He has collaborated with artists including BILL LASWELL,BABY SOMMER, DAMO SUZUKI (CAN), JAMES TURRELL, JIMI TENOR, JOHN SINGLAIR, JOJO MAYER (NERVE), KONDO TOSHINORI, KIDD JORDAN, LAUREN NEWTON, LEE “SCRATCH“ PERRY, MAURO PAWLOWSKI (dEUS), NILS PETTER MOLVÆR, NIKI GLASPIE, NORBERT MÖSLANG, PAUL LOWENS, PFADFINDEREI, ROB MAZUREK, SKÚLI SVERRISSON, and he was the live drummer for APPARAT. As BERZ understands artistic practice as energy emerging from nature and through dialogue with people, his recorded output is intentionally selective, with one highlight being “Beats versus Breath” with KONDO and LASWELL (2023). Alongside a regular drumkit and electronics, he has developed his own instruments such as the “Lithophon” in which resonating stones are turned into amplified sound through water drops, and “Tectonic”, a set of Icelandic basalt stones shaped through electronic manipulation. These self- built instruments form the material basis for his performances, installations, and sound recordings.

“Tectonic” is also the title of BERZ’s latest work: a summary of his geological sound explorations across continents. From Iceland to Indonesia and Bali, from New Orleans to China, in caves and at shores, BERZ carried his millions-of-years-old basalt stones as both instrument and collaborator. On Java, he met Baron, a builder of stone gamelan instruments. At the Pacitan Tabuhan Cave (Indonesia) he performed with MISBACH BILOK and WUKIR SURYADI (SENYAWA) who work with corals as instruments. BERZ brought these encounters and “field recordings” to the Stöðvarfjörður studio in Iceland, where he recorded with his “Tectonic” set-up, drums, and electronics. The music was later mixed in Berlin by DIRK DRESSELHAUS (SCHNEIDER TM). The resulting album moves from club-driven tracks to ambient passages, from gamelan-inspired textures to HipHop-like beat patterns. It resists easy categorization while staying direct and physical in its impact.

Pioneering Swiss trombonist and composer Andreas Tschopp marries contemporary jazz with South African horns and homemade ocarinas, creating a record quite unlike anything you've heard before. "What if We Align Our Breath" disregards the curvature of borders, genre, and time itself - tugging a thread through the history of wind instrumentation with ghostly agility.

At the heart of the record lie spiralling, bonelike kudu (antelope) horns - instruments that have lent their stirring calls to indigenous South African rituals and signalling systems for millennia. These horns are clustered, harmonised and stretched beyond their godly usage by Tschopp - his extended techniques coaxing an array of melancholy, playful voices to canter through the album.

Flourishes of trombone, alpine flutes and a stellar supporting cast on double bass (Shane Cooper), cornet (Ben LaMar Gay), udu drums (Gontse Makhene) and spoken word (Koleka Putuma) bring groove, countermelody and a sense of earthy introspection to the proceedings. This is inconceivable music: a sighing tapestry of brass, clay and bone that hints at some preconscious connectedness, tracing figures that rejoice, exhale and embrace outside of time.

Recommended if you like Francis Bebey, quantum physics, peat bogs.

HELP(2) ist die Neuauflage einer der beeindruckendsten Charity-Aktionen der jüngeren Musikgeschichte. Bereits 1995 schlossen sich die Größen der britischen Musikszene zusammen, um mit den Erlösen der gemeinsamen HELP-Compilation Kindern in Kriegsgebieten zu helfen. Auch 2026 ist die globale Lage verheerend. Inspiriert vom legendären Charity-Sampler HELP aus dem Jahr 1995 hat sich in Großbritannien erneut ein Community-Projekt formiert, getragen von einigen der wichtigsten Musikerinnen und Musiker unserer Zeit. Ziel ist es, in bewegten Zeiten einen würdigen Nachfolger aufzunehmen: HELP(2). Wie schon beim Original, an dem unter anderem Radiohead, Oasis, Portishead, The Chemical Brothers, Massive Attack und Blur beteiligt waren, bringt auch HELP(2) Menschen zusammen, um die lebenswichtige Arbeit von War Child zu unterstützen: schnelle Nothilfe, Bildungsangebote, spezialisierte psychosoziale Betreuung sowie Schutz für Kinder, die weltweit von Krieg und Konflikten betroffen sind. Das Album macht auf den dramatischen Umstand aufmerksam, dass heute jedes fünfte Kind auf der Welt in einem Kriegsgebiet lebt. Entstanden ist das neue Album während einer außergewöhnlichen Aufnahmewoche im November 2025 in enger Zusammenarbeit mit den Abbey Road Studios. Als Executive Producer fungierte der vielfach ausgezeichnete Produzent James Ford. HELP(2) vereint eine beeindruckende Liste internationaler Künstlerinnen und Künstler, darunter Anna Calvi, Arctic Monkeys, Arlo Parks, Arooj Aftab, Bat For Lashes, Beabadoobee, Beck, Beth Gibbons, Big Thief, Black Country, New Road, Damon Albarn, Depeche Mode, Foals, Fontaines D.C., Graham Coxon, Greentea Peng, Kae Tempest, King Krule, Nilüfer Yanya, Olivia Rodrigo, Pulp, Sampha, The Last Dinner Party, Wet Leg, Young Fathers - sowie viele weitere helfende Hände. Die kreative Leitung des Projekts liegt in den Händen des renommierten Filmemachers und Oscar-Preisträgers Jonathan Glazer und seines Teams von Academy Films, die sowohl die visuelle Umsetzung als auch die künstlerische Gestaltung von HELP(2) maßgeblich prägten. Sämtliche Erlöse des Albums kommen War Child UK zugute und unterstützen den Einsatz für Schutz, Bildung und die Rechte von Kindern in Konfliktgebieten weltweit. HELP(2) steht für Hoffnung - für Kinder, deren Leben durch Krieg zerstört wurde - und für die Kraft gemeinschaftlichen Handelns. Es ist ein eindrucksvolles Zeichen der Solidarität von Künstlerinnen und Künstlern für eine sicherere und gerechtere Zukunft. Denn kein Kind sollte jemals Teil eines Krieges sein.

Limitierte Single der italienischen Funk-Helden mit zwei bisher unveröffentlichten Songs. Die Platte ist auf transparentem orangefarbenem Vinyl gepresst und auf 600 Exemplare limitiert. Auf der A-Seite wird Grover Washington Jr.s Jazz-Funk-Klassiker Mister Magic" neu interpretiert und in ultra-groovigen Cinematic-Funk verwandelt. Auf der B-Seite haucht die Mailänder Combo Cans Krautrock-Hymne Vitamin C" mit frischer Jazz-Punk-Energie neues Leben ein.

Formed by singer SAKKO from tokyo and quickly booked by the hippest clubs in TOKYO nite life area SHIBUYA.

From the same label (FLOWER RECORDS) as JAZZ ROOM hit makers "CRUISIC" (JAZZ CARNIVAL/PACIFIC 707).

The super funky version of the KRAFTWERK mega hit "TRANS EUROPE EXPRESS" with it's freaked out sax and supercool vocals is a special mix by DJ KOCO aka SHIMOKITA who amazed audiences with his turntable skills recently on a UK TOUR.

"AEO" the flipside is a longtime DAVID MANCUSO LOFT CLASSIC and this version has been given the seal of approval by ITALIAN AFROCOSMIC FOUNDER & DJ LEGEND DANIELE BALDELLI.

Musically, the album represents a range of compositional approaches. Murky, densely textured depths of sound are explored with subtle pulses and pings woven within, contrasted with composed or improvised moments of acoustic instrumentation making a move into the foreground. Certain tracks on Sea Island such as album opener Ahull make rhythm their focus by exploring subtle polyrhythms and investigating colliding moments of repetition and variation.

Though staunchly electronic at its core, instruments such as vibraphone and piano make appearances, and layers of live musicality, improvisation and detail appear in the looped and layered beds of manipulated sound recordings.
A varied cast of players appear in the loscil “ensemble”, some familiar collaborators from the past such as Jason Zumpano on rhodes and Josh Lindstrom on vibraphone, and others new to the mix such as Fieldheadʼs Elaine Reynolds who provides layered violin on Catalina 1943, and Ashley Pitre contributing vocals on Bleeding Ink. Seattle pianist Kelly Wyse, who collaborated with loscil on his 2013 edition of piano-centric reworks Intervalo, performs on the tracks Sea Island Murders and En Masse.

For the first time in more than a decade, Paul St. Hilaire (AKA Tikiman) presents a solo album – 100% Tiki.

Over his 30-plus year career, St. Hilaire has become one of dance music’s quietly legendary figures. Born and raised in Dominica, he moved to Berlin in 1994 and has lent both his voice and his musicianship to some of the most iconic electronic music from the German capital – and beyond. Renowned for his collaborations with Moritz von Oswald and Mark Ernestus (AKA Rhythm & Sound), he has also appeared on records with Deadbeat, Rhauder, Larry Heard aka Mr. Fingers and Stereotyp (G-Stone Recordings), amongst others.

However, few know the extent of St. Hilaire’s compositional and technical mastery. From his home studio in Kreuzberg, which includes an extensive collection of vintage hardware, self-built instruments and notebooks scribbled with endless lyrics, he has created a vast archive of material spanning ambient dub, avant-jazz, lush techno and lovers rock.

Tikiman Vol. 1 is a heady, downtempo tour de force of patois metaphors on education, displacement and personal vs. global histories, as is evident on slippy album opener “Bedroom in My Bag”: Mister, mister / Where are you going? / I’m heading for a faraway land / What are you having in the bag in your hand? / Help us to understand / He said, I’ve got my bedroom in my bag.

Overall, the album’s lyrics reflect on life between Berlin and Dominica, specifically St. Hilaire’s hometown of Grand Bay, where he has worked with various musicians famous for the island’s different genres of carnival music. St. Hilaire himself always favoured the island’s more “discrete” music, developing a sonic synergy between two different geographical strains of groove and minimalism, and combining them with foundational Caribbean mixing techniques, which provide the basis for his songwriting and distinct
baritone.

Tikiman Vol.1 offers a rare insight into St. Hilaire’s complex artistry, from the eyes-down grooves of “Little Way” and the guitar-heavy digi dancehall experiment “Keep Safe,” to the subtle hypnosis of “Ten to One” and the softly crashing synth waves of closer “Three And A Half”, evoking not only beaches but also coasts and borders. It’s a fitting expression of both the breadth of St. Hilaire’s work, as well as his history as one of the few black, Berlin-based artists who, despite remaining largely overlooked, has influenced the city’s electronic music culture since its beginnings.


Credits
Written & Produced by Paul St. Hilaire
Mastered by Stefan Betke
Artwork by Grant Gibson

Kynant Records was founded in 2015 by Richard Akingbehin, a British-Nigerian radio programmer (Refuge Worldwide), music writer and DJ. Originally specialising in deep techno and featuring artists such as Cio D’Or, Terrence Dixon and Donato Dozzy, Kynant has since launched a sub-label Kynant EX which focuses on ambient, dub and experimental electronics.

Für Chantal Michelle ist das Komponieren von Musik wie eine Art Choreografie. In surrealen Klangwelten verbinden sich verschiedene Töne miteinander - sie bewegen sich zusammen und entfernen sich dann wieder voneinander - in einem Prozess, der sich ständig im Hörfeld wiederholt. Diese sich ständig verändernde Konstellation zeigt, wie zerbrechlich und veränderlich Wahrnehmung sein kann, ein Thema, das in Michelles Arbeit immer wieder auftaucht. Michelle, die schon früh eine Tanzausbildung absolvierte, bringt eine ausgeprägte räumliche Sensibilität in ihre Arbeit ein: ein intuitives Verständnis dafür, wie Formen koexistieren und sich durch drei Dimensionen bewegen, sowie eine Wertschätzung für die Schönheit, die sich in ungewöhnlichen Gegenüberstellungen von Materialien und Ideen findet. Seit sie 2021 ihre Solokarriere gestartet hat, hat sie internationale Anerkennung für ihre geduldigen, akribischen Aufnahmen bekommen, die oft zusammen mit Installationen, Mehrkanalkompositionen und Klangskulpturen entstehen. Innerhalb dieser subtil verwirrenden Klangarchitekturen können neue Beziehungen entstehen, neue Grenzen gezogen werden, und die Zuhörer werden zu einer Erfahrung von Zeit eingeladen, die sich der Linearität widersetzt. All Things Might Spill, Michelles erstes Album für Shelter Press, ist eine Auseinandersetzung mit anhaltender Spannung und der mysteriösen Erfahrung der Zeitdehnung in den Momenten kurz vor einem Bruch oder Zusammenbruch. Die Musik bewegt sich in einem Raum der Instabilität, und obwohl sie durchgehende Töne und definierte melodische Phrasen verwendet, herrscht eine Atmosphäre der Unentschlossenheit - wie ein Moment der Unruhe, der auf unbestimmte Zeit in der Schwebe bleibt. Ein Großteil des Albums wurde in den Wintermonaten 2024 in Berlin aufgenommen, wobei viele frühe Morgenstunden in einem Raum subtiler Unruhe verbracht wurden. Man sagt, dass Licht in die Dunkelheit eindringt, und diese Übergangszeit, die von Erwartungen geprägt ist, ist in der Musik zu hören. In ,Presence of Border" winden und verflechten sich nebulöse Stimmen, während sie über mehrdeutigen Harmonien schweben, die sich in unendliche Ferne zu erstrecken scheinen. Die beiden kurzen Stücke ,Magnetic Field I" und ,Magnetic Field II" enthalten bearbeitete Aufnahmen einer Tromba Marina, gespielt von der argentinischen Klangkünstlerin Alma Laprida. Die Gegenüberstellung von kratzigen Tönen und hauchzarten Obertönen erzeugt tamburaähnliche Drones, die den Zuhörer in einen schwer fassbaren Mittelpunkt ziehen. Später auf dem Album gibt es in ,Drying of Frozen Soils" modale Klarinettenlinien von Severin Black, die anfangs in dem nebligen, synthetischen Hintergrund fast nicht zu hören sind, bevor sie sich zu einem gespenstischen Kontrapunkt entwickeln. Eine ähnliche Struktur aus Unklarheit und Klarheit prägt den Titeltrack, in dem wortlose Gesänge eine laute Feldaufnahme durchdringen, die auf einer Fähre aufgenommen wurde, die den East River von Brooklyn nach Manhattan überquert. Das ist Musik mit einem weitläufigen Terrain und einer dichten Atmosphäre. Veränderungen sind langsam, aber dramatisch, jede Verschiebung ist sorgfältig geplant, um Gefühle des Staunens und der Vorfreude zu wecken und gleichzeitig eine erhabene Sensibilität dafür zu bewahren, wie einzelne Klänge mit der Bewegung ihrer Umgebung in Beziehung stehen. Michelle verzichtet meisterhaft auf Narrative und komponiert in drei Dimensionen. Wir bleiben mit der Mehrdeutigkeit des Wortes ,might" zurück - der anhaltenden Möglichkeit des energetischen Ansturms des Bruchs, des Ausbrechens, mal am Horizont, mal unmittelbar bevorstehend, irgendwie beides gleichzeitig.

Creaked out of an eck with two heads and no brain - just fracking around. Juli Zimmer and Sayizan Stange are Blowjobs Are Real Jobs, crawling right under your skin. Armed with guitar, MS-20 and a trashy drum machine, they bark about dogs, ostriches, stolen bodies, heads buried in sand, plastic spoons in freezer pops, and the big question of where the hell this whole loving-living thing is going anyway. The songs build up expectations like a delicious drink, which then, oops, gets taken away and never delivered. That’s how it is sometimes, you little puffball!

End of 2025, Blowjobs Are RealJobs dropped their first DIY tape, Bloody Situation Menstruation Masturbation. Their notorious sets, somewhere between performance art and riot gig, pop up almost monthly: gallery openings, summer garden chaos, or grimy St. Pauli basement bars. Now the duo’s first 7-inch vinyl brings 5 songs at 45 rpm with a fold-out cover, limited to 200 copies.

PAF stands for Pogo Amongst Flokati, Paranoia After Friday, Performative Awkward Feelings, Pop Against Formality, Pleasure And Fear, Post-Authentic Fantasy, People Acting Feral, Punk Agains Faschism, or whatever else you like.

PAF are a trio who overgrow punk, office disco, tiredness, fear, lethargy, tears, Baltic Sea beaches, mix-ups, crossroads, house-sitting, and Prosecco into electronic thickets that sometimes grow into danceable tracks, sometimes into intricate structures of electric bass, vocals, and synthesizers.

PAF are from Hamburg and consist of Anna G. on vocals and electronic percussion, Pia A. on the MS-20 synthesizer, and Felix R. on bass and vocals. Punk by other means—where the means break the form itself. Here now is the debut LP, following the legendary tape released on Happy Tapes from Leipzig. The cover was drawn by Raoul Dóre and printed in color. A printed inner sleeve offers the chance to read along with the lyrics. The whole thing will be available in spring 2026 on 200 well-pressed vinyl records.

Black Vinyl Repress


Das Berliner Indie-/Electro-Wave-Trio Dina Summer meldet sich mit einer ordentlichen Portion Synthpop auf ihrem zweiten Album ‘’Girls Gang’ zurück!

Dina Summer ist ein kollaboratives Projekt, das aus Kalipo, einer Hälfte der legendären Electro-Punk-Band Frittenbude, und dem griechisch-deutschem DJ & Produzenten Duo Local Suicide besteht, die das Label Iptamenos Discos betreiben. Ihre bisherigen Werke umfassen das von Kritikern gefeierte Album „Rimini“ aus dem Jahr 2022, das einen nostalgischen Einblick in Retro-Disco-Vibes bietet, sowie die EPs „Who Am I“ (2021) und „Hide & Seek“ (2024). Seit der Gründung der Band vor fünf Jahren hat Dina Summers Musik mit Millionen von Streams, weltweitem Radio-Airplay und zahlreichen Spotify- und Apple Music-Editorial-Playlists für Aufsehen gesorgt und wurde von DJs wie Charlotte De Witte, The Hacker, Âme, Dixon, Joris Voorn, DJ Hell, Joyce Muniz und Dubfire gespielt. Das neue Album umfasst 11 Songs die sich mit Themen wie Empowerment („No More Tears“ & „Girls Gang“), Außenseitertum („Alien“ & „Zombie“), Vergänglichkeit („Promise Me feat, Curses & Joshua Murphy“), Nostalgie („Halkidiki“) und Beziehungen („Nothing To Hide“ & „Hypnotized“) auseinandersetzen. Legte ihr Debütalbum seinen Fokus eher auf den Club zwischen Italo-Disco und 90ies Elektro, erkundet die neue Veröffentlichung eine größere Sound-Palette, die von New Wave & Post-Punk zu Electroclash und Synth- & Indie-Pop reicht. „Girls Gang“ ist ein gutes Stück songorientierter als das Debütalbum, die Band erweitert ihr Repertoire auf einigen Songs unter anderem um echte (!) Bässe und Gitarren, vorallem aber setzt Frontfrau Dina neben ihrem Markenzeichen - Spoken Word - immer öfter auf ihre Gesangsstimme. Trotzdem knüpft das Album nahtlos an das Erstlingswerk an, man hört wieder jene poppige Melodien und Hooks mit denen sich Dina Summer zuvor schon einen Namen gemacht hat, ausgebreitet auf einem Bett aus Indiepop-Hymnen und Club-Brechern.

Kalipo kündigt sein fünftes Solo-Album mit Titelsong ‚Alles' auf Iptamenos Discos an!

Der in Berlin-ansässige Multinstrumentalist Jakob Häglsperger ist seit fast zwei Jahrzehnten einer der umtriebigsten deutschen Produzenten. Neben unzähligen Hits, sechs Alben mit seiner Band Frittenbude und vier von der Presse gefeierten Solo-Alben als Kalipo gründete er nebenbei 2020 - gemeinsam mit Local Suicide - die Band Dina Summer, ein weiteres Nebenprojekt welches seit dem international Wellen macht.

Mit über 30 Millionen Streams und weltweitem Radio-Airplay, verbindet sein Soloprojekt elektronische Intensität mit emotionaler Tiefe irgendwo zwischen Clubkultur und Indie-Ästhetik. Geradlinige, treibende, im Krautrock verwurzelte Beats treffen auf markante, von Electroclash, House und Techno der 2000er und 2010er Jahre inspirierte Melodien.

Mit fünf Soloalben und einem breiten Katalog von Remixen und Singles auf renommierten Labels wie Ki Records, Get Physical, Audiolith Records, Iptamenos Discos und Heimlich hat sich Kalipo einen festen Platz in der Szene erarbeitet. Seine Veröffentlichungen wurden unter anderem von Medien wie TAZ, Spiegel Online, Rolling Stone, Musikexpress, DJ Mag, Mixmag, Tsugi und Resident Advisor gelobt.

Das neue Album kommt mit einer ordentlichen Portion Darkness, schwebenden Gitarren und einem stampfenden Beat daher. Darüber singt Kalipo mal auf deutsch mal auf englisch lässig über das Loslassen von inneren Ängsten, Beziehungen und alltägliche Lasten. Ohne seine Fans zu verschrecken schafft er auch auf ‚Alles' wieder einen stimmigen Spagat zwischen Clubmusik und klassischen Songstrukturen.

2026 Repress

Turbotito and Ragz's electrifying Naya Beat label has curated a cultured list of remixers to add their spin to the work of legendary Indian vocalist Asha Puthli. This essential remix album features Yuksek, Maurice Fulton, Psychemagik, Kraak & Smaak, Jitwam, and Turbotito & Ragz.

Naya Beat, which translates from Hindi as 'new beat', is focused on uncovering foundational electronic sounds from the subcontinent and South Asian diaspora through reissues, remixes and compilations. It found quick success with its first release, 'Naya Beat Volume 1: South Asian Dance and Electronic Music 1983 - 1992', followed by a rare 1985 Hindi New Wave album by Pinky Ann Rihal and more recently a ground-breaking compilation ‘Awaaz’ uncovering Bollywood electro and leftfield 80s original soundtrack recordings.

Hot off their highly sought after EP of Dimitri From Paris’ seminal remixes of Asha Puthli’s iconic track ‘Space Talk’, the label now offers up the first of two full-length releases based around her music. Cosmic disco pioneer, Studio 54 icon and jazz improviser Asha Puthli has recorded, sung or shared the stage with the likes of Roy Ayers, Alice Coltrane, Grace Jones, Barry White, Andy Warhol and many more. From David Mancuso's The Loft, to Giorgio Moroder's early work with Donna Summer, to hip-hop where she has been sampled extensively, Asha's musical influence and impact is profound. She was the first artist of South Asian descent to successfully crossover and make a mark on dance, jazz and pop culture in the West.

For this LP, Naya Beat tracked down the long mythologised original stems and recordings of Puthli's most seminal albums, including ‘The Devil is Loose’, and working closely with Asha, they have tasked a series of producers inspired by her work to remix her music.
Yuksek opens up with a pumping disco remix of 'I Am Song (Sing Me)' awash with uplifting synths and big claps next to the original vocals, which soar to the heavens. The seminal 'Space Talk' is remixed by Maurice Fulton into super steamy and late-night territory. The live drums and jumbled percussion are lit up with soulful chords as Puthli's carefully delivered vocals seduce up top. 'Lies' (Kraak & Smaak Remix) rides on fat-bottomed drums and bass that unfold with a dub swagger beneath a nebulous eco-system of cosmic synths and dramatic vocals. Label heads Turbotito & Ragz flip 'One Night Affair' into a leggy disco celebration with sweeping synths and bright effects, and Psychemagik's 'Right Down Here' is a pulsating mix of dark, snaking bass and drums with deep space ambience and raw hits making for a turbulent and tense atmosphere. Lastly, Jitwam closes out with a smooth disco sound laced with dynamic drums and cruising chords next to another sensuous top line from Asha Puthli.

Nach ihrer erfolgreich absolvierten Europa Tournee mit den Kaliforniern Y&T als special guest im Gepäck sowie diversen Festivalshows und den drei »Rockmonsters Of Switzerland« Arena-Auftritten mit ihren Landsmännern von Krokus, legen Gotthard nun nach: »More Stereo Crush« kommt mit insgesamt acht Tracks als lukrative, brandneue EP um die Ecke und liefert eine Menge neues und starkes Material.

Darunter befinden sich fünf vielseitige, bis dato unveröffentlichte Songs aus der »Stereo Crush« Aufnahmesession, wie zum Beispiel das pumpende »Ride The Wave«. On top gibt es das bis dato nur als Videoclip veröffentlichte »Mayday«, die Radio-Version der aktuellen Power-Ballade »Burning Bridges« sowie als Sahnehäubchen eine brandneue Duett-Version des aktuellen Album Fan-Favoriten »Liverpool«, zwischen Nic Maeder und Krokus-Monsterröhre Marc Storace.

Sweet Pill ist eine Emo-Band aus Philadelphia, deren Songs sich zwischen Pop und Hardcore bewegen. Sie veröffentlichten ihr Debütalbum Where The Heart Is (2022) im selben Jahr, in dem sie bei Topshelf Records unter Vertrag genommen wurden, und seitdem befinden sie sich auf Erfolgskurs. Unter anderem wurde sie von Hayley Williams von Paramore wärmstens empfohlen, der ihr Song "High Hopes" so gut gefiel, dass sie ihn in ihrem Podcast "Everything Is Emo" erwähnte. Das zweite starke Album von Sweet Pill, Still There's a Glow, ist eine widerstandsfähige Antwort auf den zunehmenden Druck nach ihrem erfolgreichen Debüt Where The Heart Is. Angesichts der Erschöpfung verwarf die Band frühe Demos, um ihrer psychischen Gesundheit Vorrang zu geben, und schuf schließlich ein rohes Dokument der Selbstreflexion, das Sängerin Zayna Youssef als "das Schwierigste, was ich je tun musste" bezeichnet. Das neue Album markiert eine bedeutende Entwicklung in ihrer kreativen Dynamik und ist das erste, das vollständig als Gemeinschaftswerk von Youssef, den Gitarristen Jayce Williams und Sean McCall, dem Bassisten Ryan Cullen und dem Schlagzeuger Chris Kearney geschrieben wurde. Aufgenommen im Gradwell House mit den langjährigen Produzenten Matt Weber und Dave Downham, zielt das Album darauf ab, die kinetische Energie ihrer Live-Shows einzufangen - Auftritte, die ihnen die Unterstützung von Stars wie Hayley Williams und Doja Cat eingebracht haben. Das Ergebnis ist eine gehobene Mischung aus komplexem Math-Rock, drängendem Punk und herzlichem Emo. Als woman of color in der Alternative-Szene hofft Youssef, dass das Album und die Tournee eine vorurteilsfreie Community für die Fans fördern werden. Still, There's a Glow ist ein Beweis für das Überleben und Wachstum der Band und lädt die Zuhörer dazu ein, ihr eigenes Licht am Ende des Tunnels zu finden. CD & farbige LP erhältlich

Eine Disco-45 mit zwei heißen Tracks von Say She She's neuester LP ,Cut & Rewind". Die NYC Punk-Chic, Discodelic Funk Band hat letzten Oktober ihr drittes Studioalbum rausgebracht. Es ist ein politisch aufgeladenes, Dancefloor-zerstörendes Album, angeführt vom kraftvollen Gesangstrio Piya Malik, Sabrina Mileo Cunningham und Nya Gazelle Brown. Die A-Seite, der Titeltrack ,Cut & Rewind", ist ein Post-Punk-Femme-Funk-Track mit den mitreißenden Harmonien der Gruppe und einer unverkennbaren Funk-Base/Basslinie. Der Song ist hauptsächlich autobiografisch, enthält aber auch subtile Hommagen an Songwriting-Legenden. Die Gruppe hat kürzlich die B-Seite ,Disco Life" live bei Jimmy Kimmel gespielt. Der fröhliche, groovige Track verurteilt den Rassismus und die Homophobie von Steve Dahls ,Disco Demolition Night" aus dem Jahr 1979 und fordert die Tanzfläche als ,Spielfeld, auf dem alle frei sind" zurück.

Ora Cogans Musik ist wie Alchemie: teils Instinkt, teils Ritual und immer aus den Ecken entstanden, wo das Leben am intensivsten ist. ,Hard Hearted Woman", ihr Debüt bei Sacred Bones, ist wie ein Zauber für alle, die in einer immer härter werdenden Welt wild bleiben wollen. Mit einer Mischung aus eindringlichem Folk, Psych Rock und einem Hauch von Country schafft Cogan eine Welt, in der Katharsis üppig, geheimnisvoll und lebenswichtig ist. Geschrieben im ,Twin Peaks"-ähnlichen Nanaimo, British Columbia, entstand ,Hard Hearted Woman" aus einer Mischung aus kalten Wasserbädern, langen Schwimmrunden im Fluss, nächtlichen Gesprächen mit Freunden über Kunst und Politik und langen Autofahrten durch die ländliche Landschaft von Lillooet, um ihre Patin zu besuchen. Sie nahm das Album mit ihrer geliebten Band und Gästen aus der Country- und Experimentalmusikszene zusammen mit David Parry (Loving) im Dream Club in Victoria, British Columbia, sowie in ihrem Studio in Nanaimo und aus der Ferne mit Tom Deis auf. Das Ergebnis ist ein Album, das wie etwas aus Rauch und Meerwasser geglänzt ist - intim, schimmernd und ebenso von Witz wie von Trauer geprägt. Es ist eine wirbelnde, juwelenfarbene Ode an alle Engel und Dämonen. Das Album beginnt mit ,Honey", einem langsam aufblühenden, brennenden Song, der auf warmen Streichern und lockeren, treibenden Percussions aufgebaut ist. Cogans Stimme ist ruhig, rauchig und tröstlich und richtet sich an die ,hartgesottene Frau", die das Album prägt. Der Song, der als Reaktion auf die Anti-Trans-Gesetzgebung geschrieben wurde, strahlt Widerstandsfähigkeit aus, ohne jemals seine Zärtlichkeit zu verlieren. ,The Smoke" steigt auf einem hypnotischen Rhythmus empor, der an JJ Cale erinnert, während er die Form auseinanderzieht. Es ist ein Groove für die Endzeit, in dem Congas, Shaker, geknackte Gitarren und geisterhaft verwitterte Texturen aufeinanderprallen, während Cogan die dunkleren Ecken unserer gemeinsamen Menschlichkeit durchforstet. In ,Division" hallt ihre Stimme durch eine karge, hallende Landschaft. Der Song baut sich auf wie eine Leuchtrakete in der Nacht, ein Plädoyer gegen die betäubende Grausamkeit, die heutzutage zur Routine geworden ist. ,Hard Hearted Woman" ist ein Werk der Hingabe an das Geheimnisvolle, an die Gemeinschaft, an die seltsame Kraft, in einer zerbrochenen Welt Kunst zu schaffen. ,Das ist der wichtigste Teil, die Magie", sagt Cogan. Trotz seines Titels geht es in Hard Hearted Woman nicht darum, sich zu verschließen, sondern um Härte als Widerstandsfähigkeit. Es ist die Hülle, die wir uns zulegen, damit unser menschlichstes, zerbrechlichstes Selbst überleben kann. Es ist ein Album für alle, die versuchen, offen zu bleiben, auch wenn die Welt das unmöglich erscheinen lässt.

Die schwedischen Old-School-Death-Metal-Veteranen GLUTTONY kehren mit ihrem vernichtenden vierten Studioalbum ,EULOGY TO BLASPHEMY" zurück - ein gnadenloser Brocken aus Schmutz, Raserei und Brutalität, direkt aus dem kalten, verrotteten Herzen Skandinaviens. Mit 10 brutalen Tracks plus einem finsteren Intro liefert das Album pure, von Kettensägen-Gitarren getriebene Zerstörung, tief verwurzelt in der klassischen schwedischen Death-Metal-Tradition.Als besonderes Bonus für die CD- und LP-Editionen zollt die Band dem König höchstpersönlich Tribut mit einem exklusiven King-Diamond-Cover, das dem ohnehin schon bedrohlichen Release eine dunkle und verdrehte Note verleiht.Aufgenommen in den Studio Blastbeat (Sundsvall), gemischt von Jonas Jönsson im Studio LV5 und gemastert von Henrik Heinrich in den Nevo Studios, ist ,EULOGY TO BLASPHEMY" eine brutal authentische Produktion, die die rohe Kraft und die faulige Atmosphäre der Band in ihrer tödlichsten Form einfängt. Artwork und Layout stammen von Håkan Sjödin.Fans von GRAVE, FACEBREAKER und LIK werden sich in diesem gnadenlosen Angriff auf klassischen schwedischen Death Metal sofort zuhause fühlen.Bereitet euch auf totale klangliche Entweihung vor. Dies ist ein Nachruf - auf Blasphemie.

Nach dem Riesenerfolg von „Votan Wahnwitz“ 1975 veröffentlicht Udo Lindenberg und das Panikorchester im Januar 1976 das futuristisch anmutende "Galaxo Gang - Das sind die Herrn vom anderen Stern“Das Album erreicht Platz 4 der deutschen Charts.
Die anschließende Tournee mit dem Untertitel „Das sind die Herrn vom anderen Stern“ wird ein Riesenerfolgund ist Udos erste Rock ´n`Roll Revue
Zensurmaßnahmen im Radio und TV sowie Kontroversen um den Song "Lililiputaner" prägten die zeitgenössische Kritik - das Album hält sich dennoch 4 Monate in den Charts und wird viermal mit Gold ausgezeichnetEs enthält außerdem die inzwischen zu Udo-Klassikern gewordene Songs: "Bodo Ballermann", "Rock ´n`Roller", "Radio Song" oder "Gene Galaxo“, ein apokalyptisches Drama, gespickt mit ironischen Anspielungen auf Deutschlands kulturelle und politische Lage in 1970er Jahren.
Das Album erscheint jetzt zum 50 Jubiläum in einer limitierten, remasterten Version auf blauem Vinyl / 180g.

Eine Stadt voller Flimmern. Ein Herz voller Sehnsucht. Und ein Sound, der sich weigert zu verschwinden. Nachdem Andreas Kraemer mit seinen Synthpop-Versionen von Nightshift und See My Dream sowie dem gefeierten Remix zu PLEXIPHONES – In The Unreal die Radiostationen im Sturm erobert hat, meldet sich sein Synthwave-Projekt AuraWave zurück – und erhebt sich mit RISE auf ein neues, strahlendes Level!

Dies ist kein Album - Dies ist ein Aufbruch! Zehn Tracks, pulsierend wie Neonadern, schimmernd wie die Nächte einer Stadt, die niemals schläft. Zwischen Melancholie, futuristischem Glanz und der unendlichen Suche nach Licht im Dunkel. Vom aufsteigenden Titeltrack Rise, über das treibende Run Into the Dark,die verregnete Großstadtromantik von Whispers in the Rain,bis hin zur hypnotischen Tiefe von Ghosts Never Sleep und der verführerischen Dunkelheit von Poison Lips – jeder Song erzählt einen eigenen Moment eines Films, der sich direkt in dein Gedächtnis einbrennt. Synths schweben, Drums pulsieren, und irgendwo zwischen Erinnerung und Zukunft öffnet sich ein neonfarbenes Tor in eine andere Welt

Nach dem großen Erfolg des Comeback-Albums "IDAG" aus dem Jahr 2025 kehrt die legendäre schwedische Heavy-Rock-Band Witchcraft mit einem eindrucksvollen und intimen neuen Kapitel zurück, das den Titel "A Sinner's Child" trägt. Gründer, Sänger und Visionär Magnus Pelander reduziert den Sound auf dieser neuen 5-Track-EP auf seine reine Seele. Zwischen der melodischen Proto-Doom-Tiefe von ,Drömmen Om Död Och Förruttnelse" und ,Själen Reser Sig", über den leuchtenden Folk der Lead-Single ,A Sinner's Child" und deren Fortsetzung ,Sinner's Clear Confusion" bis hin zum gefühlvollen akustischen Klagelied ,Even Darker Days", bewegen sich diese Songs, welche von dem Multi-Instrumentalisten aus einem persönlicheren, unmittelbareren Ansatz heraus gedacht wurden. Die Songs präsentieren Pelanders Songwriting in seiner bewegendsten und verletzlichsten Form - ein direkter Zugang zu den eindringlichen Melodien und der emotionalen Tiefe, die das Vermächtnis von Witchcraft seit über zwei Jahrzehnten prägen. Sie sind Beleg für die zeitlose Kraft einer Stimme, einer Melodie und der Rohstoffe des Rock, destilliert zu ihrer Essenz - ein starker Epilog zu "IDAG". CD sowie LP erhältlich

Nach dem großen Erfolg des Comeback-Albums "IDAG" aus dem Jahr 2025 kehrt die legendäre schwedische Heavy-Rock-Band Witchcraft mit einem eindrucksvollen und intimen neuen Kapitel zurück, das den Titel "A Sinner's Child" trägt. Gründer, Sänger und Visionär Magnus Pelander reduziert den Sound auf dieser neuen 5-Track-EP auf seine reine Seele. Zwischen der melodischen Proto-Doom-Tiefe von ,Drömmen Om Död Och Förruttnelse" und ,Själen Reser Sig", über den leuchtenden Folk der Lead-Single ,A Sinner's Child" und deren Fortsetzung ,Sinner's Clear Confusion" bis hin zum gefühlvollen akustischen Klagelied ,Even Darker Days", bewegen sich diese Songs, welche von dem Multi-Instrumentalisten aus einem persönlicheren, unmittelbareren Ansatz heraus gedacht wurden. Die Songs präsentieren Pelanders Songwriting in seiner bewegendsten und verletzlichsten Form - ein direkter Zugang zu den eindringlichen Melodien und der emotionalen Tiefe, die das Vermächtnis von Witchcraft seit über zwei Jahrzehnten prägen. Sie sind Beleg für die zeitlose Kraft einer Stimme, einer Melodie und der Rohstoffe des Rock, destilliert zu ihrer Essenz - ein starker Epilog zu "IDAG". CD sowie LP erhältlich

In seiner Besprechung von Mark Turners letztem Quartettalbum für ECM, Return From The Stars (2022),
bezeichnete Peter Rüedi in der Weltwoche das Programm als „die denkbar schlankste, konzentrierteste
und inspirierteste improvisierte Kammermusik.“ Eine treffende Beschreibung für die kraftvollen Quartettausarbeitungen des Tenorsaxophonisten, die auf Patternmaster ihre bislang ausgereifteste und zugleich
durchschlagskräftigste Form erreicht zu haben scheinen.
Kompromisslose Improvisation ebenso wie kühle Kontrolle sind die antreibenden Motoren einer Gruppe,
die ihr gemeinsames musikalisches Verständnis über Jahre hinweg auf Tour und im Studio weiterentwickelt
hat. Turner und Jason Palmer entfalten Themen mit weitreichenden harmonischen Implikationen, getragen von Joe Martin am Kontrabass und Jonathan Pinson am Schlagzeug – Musikern, die sich mit den
Bläsern auf melodischer, harmonischer und rhythmischer Ebene mit großer Intensität verzahnen. Den sechs
Originalkompositionen Turners wohnt eine zeitlose Qualität inne, die den Geist der klassischen Bebop-Ära
aufgreift und zugleich in die Zukunft weist.
Patternmaster, 2024 in Südfrankreich aufgenommen, wurde von Manfred Eicher produziert.

2026 wird der 100. Geburtstag von John Coltrane gefeiert, dessen bahnbrechende Kunst als Saxophonist,
Komponist und Bandleader ihn zu einer der einflussreichsten Musikpersönlichkeiten des 20. Jahrhunderts
machte. Zu Ehren seines unermesslichen Einflusses fängt „The Best of John Coltrane“ den legendären
Saxophonisten in seinen prägendsten und kreativsten Jahren bei Prestige ein. Diese LP wurde aus seinem
produktiven Schaffen der Jahre 1957–1958 zusammengestellt und enthält eine Auswahl, die Coltranes
rasante künstlerische Entwicklung als origineller Tenorsaxophonist beleuchtet. Mit Klassikern aus dem
American Songbook und Jazz-Standards ist sie sowohl die perfekte Einführung für neue Hörer als auch eine
wertvolle Anschaffung für Liebhaber, da sie die Aufnahmen präsentiert, die John Coltranes Vermächtnis
begründet haben.

Der US-amerikanische Musiker Anjimile Chithambo (ann-JIM-uh-lee) hat sich in den vergangenen Jahren als eigenständige Stimme etabliert. In der Indie-Szene Bostons bekannt geworden, entwickelte er einen persönlichen, ehrlichen Stil, der Spiritualität, Identität und Nähe miteinander verbindet. Mit dem gefeierten Album "Giver Taker" (2020) setzte sich Anjimile mit Zugehörigkeit und Selbstverständnis auseinander. "The King" (2023), sein erstes Album auf 4AD, thematisierte Selbstbestimmung und seine Erfahrungen als schwarze Trans-Person in einer Zeit tiefgreifender persönlicher und gesellschaftlicher Veränderungen. Diese Themen führt Anjimile auf seinem neuen Album "You"re Free to Go" weiter. Im Mittelpunkt steht die Frage, was geschieht, wenn man Kontrolle loslässt und neue Formen von Bindung und Freiheit zulässt. Das Album verarbeitet Trennungen, neue Beziehungen, Verluste und Neuanfänge und beschreibt einen Weg zurück zu Vertrauen ins eigene Leben. Der Titel spiegelt eine offenere Sicht auf Beziehungen wider, geprägt durch Erfahrungen mit non-monogamen Modellen. Produziert von Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) und unterstützt von Gästen wie Sam Beam (Iron & Wine), entfaltet sich "You"re Free to Go" organisch und intim. Musikalisch verbindet Anjimile Folk mit Alternative-Pop-Einflüssen der späten 1990er-Jahre. Auch stimmlich zeigt er sich weiterentwickelt - eine bewusste Veränderung, die der emotionalen Tiefe des Albums zusätzliche Kraft verleiht.

Lange bevor er jemals ein Studio von innen sah, war Sam Snitchy auf der Straße unterwegs und schrie unter dem Namen Maniporno Gedichte - roh, furchtlos und im Einklang mit dem Chaos um ihn herum. Dann begann er, diesen Lärm in Platten zu verwandeln - zuerst als Melker, später als Sam Snitchy. Im April 2026 erscheint nun das dritte Snitchy-Album bei Voodoo Rhythm Records - ein weiterer Schritt auf diesem Weg, tiefer hinein in den Lärm, den Puls, die Verwirrung, mit der alles begann. Das neue Album ist ein klanglicher Exorzismus, aufgenommen mit Marco Fuorigioco, der Bass, Synthesizer und Gitarren verzerrt und das Tonband zerreißt, Philipp Schlotter (Me&Mobi, Music Against Airports) der den Raum mit geisterhaften Synthesizer- Halluzinationen erfüllt, und Domi Chansorn (Sophie Hunger, Knackeboul, Fai Baba, Bonaparte, Marie Krüttli, Béatrice Graf) der die Drums wie einstürzende Türme hämmert. Gemeinsam zerren sie dich durch psychedelische Punkwut, verschmelzen mit den Schatten dunkler Waves, mutieren zu Industrial Noise und Dub-Nebel, verwandeln sich in einen verzerrten Techno-Puls, bis du nicht mehr unterscheiden kannst, wo das eine aufhört und das andere anfängt - alles nährt das Feuer. Und über diesem Sturm spuckt Sam Snitchy seine Worte wie zerbrochene Spiegel - verzerrte und selbstreflexive Geschichten über Menschen, die in ihren eigenen Widersprüchen gefangen sind, über leere Routinen und bedeutungslose Lebensstile, die als Erfolg getarnt sind, über den absurden Tanz zwischen Ekstase und Verzweiflung. Die Texte erklären nicht - sie verstören. Sie halten dir ein zerbrochenes Glas vor und zwingen dich, dich selbst anzusehen, bis du nicht mehr weißt, ob du lachen oder schreien sollst. In VVR's own words: "Sam Snitchy transforms chaos into sound. Once a street poet known as Maniporno, he now blends punk energy with techno pulse, industrial grit, dub tension, and psychedelic garage haze. It's raw and hypnotic _ words like broken glass, beats like heartbeat and collapse spring to mind."

"The Sophs sind quasi aus dem Nichts aufgetaucht", sagen Rough-Trade-Mitgründer Geoff Travis und Jeannette Lee über ihr neuestes Signing: eine sechsköpfige Band aus L.A. mit dem feinsinnigen Namen The Sophs. Die kompromisslose Ehrlichkeit und der weite Soundkosmos der Band überzeugten sofort. Als Sänger Ethan Ramon ein Demo an seine Lieblingslabels schickte, rechnete er nicht mit einer Reaktion - doch schon am nächsten Tag meldete sich Rough Trade mit der Bitte um ein Gespräch. In den frühen Songs hörte das Label genau jene Kreativität, Vielseitigkeit und den draufgängerischen "Don"t expect me to act pretty"-Spirit, den The Sophs auf jede Bühne bringen: Ethan Ramon (Gesang), Sam Yuh (Keyboards), Austin Parker Jones (E-Gitarre), Seth Smades (Akustikgitarre), Devin Russ (Drums) und Cole Bobbitt (Bass). Die fünf Demo-Tracks bildeten die Blaupause für ihr Debütalbum "GOLDSTAR". Musikalisch bewegen sich The Sophs im Zickzack: Pop-Punk trifft auf Funk, Delta Blues auf ZZ Top. Ramons warme, kraftvolle Stimme wandert dabei wie ein vokales Chamäleon durch die Genres. "Wir versuchen nie, so vielseitig zu sein, wie wir am Ende klingen", sagt Ramon. Songwriting verstehen sie als Pop Art - ein spielerisches Zitieren, Verformen und Neuerschaffen. Oft entstehen Songs aus spontanen Ideen, die im Bandprozess eine völlig neue Richtung nehmen. Der Track "THE DOG DIES IN THE END" erinnert an 2000er-Pop-Punk, getragen von düsteren Gedankenspiralen und Akkordeon. "DEATH IN THE FAMILY" kombiniert sonnigen Rock mit bitterem Humor und der Sehnsucht nach Mitleid als Schutz vor Verantwortung. "GOLDSTAR" stellt dabei einfache, aber unbequeme Fragen nach Anerkennung und Moral. Weitere Highlights wie "SWEETIEPIE" und "BLITZED AGAIN" zeigen die Band zwischen Selbstentlarvung und euphorischer Energie - roh, lebendig und kompromisslos kreativ.

"The Sophs sind quasi aus dem Nichts aufgetaucht", sagen Rough-Trade-Mitgründer Geoff Travis und Jeannette Lee über ihr neuestes Signing: eine sechsköpfige Band aus L.A. mit dem feinsinnigen Namen The Sophs. Die kompromisslose Ehrlichkeit und der weite Soundkosmos der Band überzeugten sofort. Als Sänger Ethan Ramon ein Demo an seine Lieblingslabels schickte, rechnete er nicht mit einer Reaktion - doch schon am nächsten Tag meldete sich Rough Trade mit der Bitte um ein Gespräch. In den frühen Songs hörte das Label genau jene Kreativität, Vielseitigkeit und den draufgängerischen "Don"t expect me to act pretty"-Spirit, den The Sophs auf jede Bühne bringen: Ethan Ramon (Gesang), Sam Yuh (Keyboards), Austin Parker Jones (E-Gitarre), Seth Smades (Akustikgitarre), Devin Russ (Drums) und Cole Bobbitt (Bass). Die fünf Demo-Tracks bildeten die Blaupause für ihr Debütalbum "GOLDSTAR". Musikalisch bewegen sich The Sophs im Zickzack: Pop-Punk trifft auf Funk, Delta Blues auf ZZ Top. Ramons warme, kraftvolle Stimme wandert dabei wie ein vokales Chamäleon durch die Genres. "Wir versuchen nie, so vielseitig zu sein, wie wir am Ende klingen", sagt Ramon. Songwriting verstehen sie als Pop Art - ein spielerisches Zitieren, Verformen und Neuerschaffen. Oft entstehen Songs aus spontanen Ideen, die im Bandprozess eine völlig neue Richtung nehmen. Der Track "THE DOG DIES IN THE END" erinnert an 2000er-Pop-Punk, getragen von düsteren Gedankenspiralen und Akkordeon. "DEATH IN THE FAMILY" kombiniert sonnigen Rock mit bitterem Humor und der Sehnsucht nach Mitleid als Schutz vor Verantwortung. "GOLDSTAR" stellt dabei einfache, aber unbequeme Fragen nach Anerkennung und Moral. Weitere Highlights wie "SWEETIEPIE" und "BLITZED AGAIN" zeigen die Band zwischen Selbstentlarvung und euphorischer Energie - roh, lebendig und kompromisslos kreativ.

Cambridge-based improv collective Concrete Gazebo present their latest collection of open-hearted, quantum splice-downs, via Goldsmiths University label NX Records.

"Acid Heath" documents the ebb and flow of a collective in flux; online and in-the-flesh improv sessions form the raw material to be welded into new and fantastic forms by the group's hive-mind. Instruments falling into the pot this time around include a heavily effected Harmonic Art Handpan, the Yamaha PortaSound PSS-50, live-triggered field recordings, and mobile phone recordings of the jams themselves.

The result is a murky, atmospheric stew, at different times suggesting a sort of Fenland psychedelia, lof-fi krautock, or a deconstructed Broadcast.

When not making music, the band have organised free, open-to-all improvisation nights, "Under The Concrete Gazebo", since 2018.

"Bad Sneakers and a Piña Colada" wurde 2000 veröffentlicht und ist das zweite Studioalbum der schwedischen Hardrock-Band Hardcore Superstar. Das Album mischt Elemente von Sleaze Rock, Glam Metal und Punk-Energie und trägt dazu bei, den typischen Sound der Band zu etablieren.

Mit herausragenden Titeln wie "Liberation", "Someone Special" und "You Will Never Know" bietet das Album ansteckende Hooks, energiegeladene Riffs und hymnische Refrains. Mit seiner rauen Attitüde und seiner melodischen Seite wurde ""Bad Sneakers and a Piña Colada"" von der Kritik gelobt und war vor allem in Schweden und Japan ein kommerzieller Erfolg.

Dieses Album spielte eine entscheidende Rolle bei der Wiederbelebung der Sleaze-Rock-Szene in den frühen 2000er Jahren und positionierte Hardcore Superstar als eine wichtige Kraft in diesem Genre. Für Fans von energiegeladenem, von Attitüde geprägtem Rock bleibt "Bad Sneakers and a Piña Colada" eine der wichtigsten Veröffentlichungen in der Diskografie von Hardcore Superstar.

"Bad Sneakers and a Piña Colada" ist in einer limitierten Auflage von 666 einzeln nummerierten Exemplaren auf weißem Vinyl erhältlich.

Kim Gordon hat Kunst und Noise über Jahrzehnte immer wieder neu gedacht - und dabei nie an Schärfe verloren. Vierzig Jahre nach ihren Anfängen wirkt ihre Vision noch immer provokant. Dieses Abenteuer setzt sie mit ihrem dritten Soloalbum "PLAY ME" fort, das am 13. März bei Matador Records erscheint. Mit der Ankündigung erscheint die erste Single "NOT TODAY", begleitet von einem Kurzfilm der Modedesignerinnen und Filmemacherinnen Kate und Laura Mulleavy (Rodarte). Gordon trägt darin ein eigens für sie gefertigtes, handgefärbtes Seidentüllkleid. Der Song offenbart eine neue, fast poetische Spannung in ihrer Stimme: "Da kam eine andere Stimme zum Vorschein", so Gordon. "PLAY ME" ist ein konzentriertes, direktes Album, das ihren Sound um melodischere Beats und den motorischen Drive des Krautrock erweitert. Entstanden ist es erneut mit Produzent Justin Raisen (Charli XCX, Sky Ferreira, Yves Tumor). Die Songs sind kurz, prägnant und stark rhythmusorientiert - fokussierter und selbstbewusster als zuvor. Nach "No Home Record" (2019) und "The Collective" (2024, zwei Grammy-Nominierungen) richtet Gordon den Blick auf die Gegenwart: Tech-Macht, KI-getriebene Kulturverflachung, den Abbau demokratischer Strukturen und den absurden Alltag des Spätkapitalismus. Trotz dieser Themen ist "PLAY ME" ein nach innen gewandtes, geradezu körperliches und ebenso emotionales Album. Mit verzerrten Stimmen und schroffen Beats legen Songs wie "Square Jaw", "Dirty Tech" oder "Busy Bee" gesellschaftliche Realitäten frei. Der Titeltrack entlarvt die Logik einer durchkuratierten Komfortkultur. "PLAY ME" ist radikal gegenwärtig, widerständig und kompromisslos eigenständig.

Die französisch-afrikanische Künstlerin Amy Gadiaga (AH-mee GAH-dee-ah-gah) ist eine in London lebende Bassistin, Sängerin und Komponistin. Ihre Debüt-EP "All Black Everything" hatte eine wichtige neue Stimme in der Londoner Jazzszene angekündigt. Mit ihrem neuen Projekt "BabyGoated" macht Gadiaga einen mutigen Schritt in Richtung Farbe und Selbstbewusstsein. Sie folgt ihrem Instinkt, über den Jazz hinaus zu expandieren und Musik zu machen, die sich weitläufig, grenzenlos und ihren Wurzeln treu anfühlt. "BabyGoated fasst zusammen, wer ich bin", erklärt Gadiaga. "Sowohl verletzlich (Baby) als auch mutig (Goated). Es ist niedlich und liebenswert, aber auch ein bisschen arrogant." Der Titel spiegelt die Dualitäten wider, die das Projekt prägen: zwischen Demut und Stolz, Sanftheit und Stärke, göttlicher Energie und menschlicher Unvollkommenheit. ,Das ganze Projekt ist ein ständiger Kampf zwischen Selbstbewusstsein und Verlorenheit - aber immer voller Anmut." Während "All Black Everything" sich auf erweiterte Jazz-Instrumentierung stützte, tauscht "BabyGoated" diese gegen Direktheit ein. Gadiagas Stimme rückt in den Vordergrund und verleiht ihrem inneren Dialog mit ungeschützter Klarheit Gestalt. "BabyGoated" setzt auf organische Texturen und nutzt warmes Klavier, Trompete und folkige Gitarrenklänge. Zum ersten Mal schreibt sie auch in französischer Umgangssprache. Das ist eine befreiende Wendung, die ihre französische und afrikanische Identität verbindet. "Normalerweise schreibe ich auf Französisch poetisch und extravagant", sagt sie. "Aber dieser Song entstand aus der Absicht, etwas zu schaffen, mit dem sich mein jüngeres Ich identifizieren und das es genießen kann." Die EP ist durchzogen von einer überschwänglichen Stimmung, sowohl in der Musik als auch in den Bildern. In Zusammenarbeit mit einem Kreis enger Mitarbeiter, die sie liebevoll ihre African Baddies nennt, ließ sich Gadiaga von ihrem afrikanischen Erbe inspirieren, um die Welt von "BabyGoated" zu einer farbenfrohen Vision zu formen, die Individualität und panafrikanischen Stolz zelebriert. Letztendlich ist "BabyGoated" eine Geschichte über Selbstvertrauen, Verwandlung und Freude.

A companion piece to the album, Right Now!, this collection contains additional recordings from those sessions, as well as remixes and reimaginings of songs from Right Now! All songs, except for “Reap What You Sow,” have never been released. The psychedelic improv supergroup featuring Dave Alvin and Victor Krummenacher (Camper Van Beethoven, Cracker, Monks of Doom, Eyelids), David Immerglück (Counting Crows, John Hiatt, Monks of Doom, Camper Van Beethoven), drummer Michael Jerome (Richard Thompson, Better Than Ezra, John Cale), and singer/songwriter Jesse Sykes (Jesse Sykes & The Sweeter Hereafter) continues to defy expectations and genre on Spellbinder!

Nach dem großen Erfolg des Comeback-Albums "IDAG" aus dem Jahr 2025 kehrt die legendäre schwedische Heavy-Rock-Band Witchcraft mit einem eindrucksvollen und intimen neuen Kapitel zurück, das den Titel "A Sinner's Child" trägt. Gründer, Sänger und Visionär Magnus Pelander reduziert den Sound auf dieser neuen 5-Track-EP auf seine reine Seele. Zwischen der melodischen Proto-Doom-Tiefe von ,Drömmen Om Död Och Förruttnelse" und ,Själen Reser Sig", über den leuchtenden Folk der Lead-Single ,A Sinner's Child" und deren Fortsetzung ,Sinner's Clear Confusion" bis hin zum gefühlvollen akustischen Klagelied ,Even Darker Days", bewegen sich diese Songs, welche von dem Multi-Instrumentalisten aus einem persönlicheren, unmittelbareren Ansatz heraus gedacht wurden. Die Songs präsentieren Pelanders Songwriting in seiner bewegendsten und verletzlichsten Form - ein direkter Zugang zu den eindringlichen Melodien und der emotionalen Tiefe, die das Vermächtnis von Witchcraft seit über zwei Jahrzehnten prägen. Sie sind Beleg für die zeitlose Kraft einer Stimme, einer Melodie und der Rohstoffe des Rock, destilliert zu ihrer Essenz - ein starker Epilog zu "IDAG". CD sowie LP erhältlich

Die Ende der 90er Jahre gegründete Band Unwed Sailor aus Tulsa macht einen einzigartigen Bass-lastigen Instrumental-Pop mit Post-Rock-Elementen, der zwischen knallharter Härte und luftiger Melodik schwankt. Seit sie 2019 nach einer zehnjährigen Pause zurück sind, haben sie mit ihrer kreativen Energie und dem Mischen von Genres ihre bisher besten Werke rausgebracht, darunter "Mute The Charm" (2023), "Underwater Over There" (2024) und "Cruel Entertainment" (2025). Für ihr elftes Album, "High Remembrance", brachte Gründungsmitglied Johnathon Ford eine Reihe von zu Hause aufgenommenen Entwürfen, Demos und Hooks ins Studio, wo sie unter der Leitung der langjährigen Mitstreiter Matt Putman (Schlagzeug) und David Swatzell (Gitarre) unter dem Motto Nostalgie und dem bittersüßen Trost der Erinnerung zum Leben erweckt wurden. Auf den acht Tracks des Albums gibt's Anklänge an den alternativen Rock der Blütezeit, die AM-Radio-Attitüde der späten 70er Jahre und die ekstatische Unbekümmertheit der New Wave, neben anderen Einflüssen, die sich einer einfachen Kategorisierung entziehen. Die Lead-Single ,West Coast Prism" verbindet einen unvergesslichen melodischen Hook mit optimistischen Drums und einem klirrenden Arrangement, das sich in einen treibenden, farbenfrohen Refrain verwandelt. Getreu seinem Titel erinnert der Song an weißes Licht, das sich in ein Spektrum aufspaltet, während weitläufige Synthesizer und sanfte Backing Vocals eine Aura melancholischer Glückseligkeit schaffen. Ford nennt treffend ,eine tiefe Vorliebe für das Meer, das Surfen, die Redwoods und die felsige Küste von Oregon" als spirituellen Hintergrund für seine Umgebung. Inspiriert von der Art und Weise, wie Erinnerungen die persönliche Identität prägen, könnte ,Don't Let Go" mit seinem straffen Tempo, seinem knackigen Ton und seinen schwindelerregenden Gitarren ein verlorener Alternative-Radio-Ohrwurm sein, während die täuschend einfache Rhythmusgruppe und seine glitchige Elektronik ,The Longest Day" fest in der Gegenwart verankern. ,Cinnamon" stellt wunderschön arrangierte Akustikgitarren-Gegenmelodien in den Vordergrund, zusammen mit Schichten subtiler Details, Chorstimmen und entspannten, hohen Bassgitarrenklängen. Laut Ford ist der Song ,eine Hommage an die Country-Musik der 70er und 80er Jahre, die die Familienausflüge in die Wüste begleitete, als ich ein Kind war", wobei Townes Van Zandts ,Pancho and Lefty" ein besonders bedeutender Ankerpunkt ist. An diesem Punkt in der bewegten Karriere von Unwed Sailor findet Ford einige seiner stärksten Inspirationen darin, darüber nachzudenken, wo das Projekt begonnen hat, während er es ständig mit neuen Ideen, Arrangements und Genre-Einflüssen vorantreibt. ,Es geht darum, an den Dingen festzuhalten, die man am meisten liebt", sagt er, ,einschließlich sich selbst." Sein akkordbetontes Bassspiel zieht sich wie ein roter Faden durch die Alben der Band und verleiht jeder neuen Sammlung eine vertraute Ernsthaftigkeit und Wärme.

Daniel Lopatins (Oneohtrix Point Never) Soundtrack für Marty Supreme, gepresst auf schwarzem und transparentem Vinyl. Kommt mit japanischem Obi-Band und doppelseitigem "Koto Endo / Marty Supreme Offizieller Ball"-Poster. Der Film Marty Supreme ist eine Abenteuerkomödie von Josh Safdie aus dem Jahr 2025 und ist lose vom Leben Marty Reismans inspiriert, die in den 1950er-Jahren spielende Geschichte ist jedoch fiktiv. Die Hauptrolle des titelgebenden Tischtennisspielers übernahm Timothée Chalamet. Gwyneth Paltrow, Odessa A'zion, Kevin O'Leary, Tyler Okonma, Abel Ferrara und Fran Drescher ergänzten das Schauspielensemble. Marty Supreme ist der erste Film von Josh Safdie nach Beendigung der kreativen Zusammenarbeit mit seinem Bruder Benny. Das Werk wurde Anfang Oktober 2025 im Rahmen des New York Film Festivals uraufgeführt. Der US-Kinostart war an Weihnachten 2025. Ende Februar 2026 soll der Film in die deutschen Kinos kommen. Die Filmmusik von Daniel Lopatin wurde im Jahr 2025 für einen Hollywood Music In Media Award (HMMA) nominiert. Im Rahmen der Critics' Choice Movie Awards 2026 wurde Marty Supreme in die Shortlists für die Kategorien Casting & Ensemble", Szenenbild", Kamera", Kostüme", Filmschnitt" und Filmmusik" aufgenommen. Im Dezember 2025 gelangte der Film auf die Oscar-Shortlists für das beste Casting, die beste Kamera, das beste Makeup & Hairstyling und die beste Filmmusik. (Quelle: Wikipedia)

ORANGE BLACK SPLIT VERSION! With no compromises on sound quality and an exclusive pressing designed for true vinyl enthusiasts, KRONERT002 is more than just a record—it's a collectible statement of artistry and innovation. Don’t miss your chance to own a piece of this journey.
Pushing sonic exploration even further, KRONERT002 embodies the raw essence of underground house music, capturing its energy, groove, and timeless appeal. This limited Coloured Splatter/Split vinyl is more than just a record—it’s a statement, a collector’s piece for those who live and breathe the rhythm.
Kronert crafts a hypnotic blend of rolling basslines, shuffled drum patterns, and atmospheric pads, seamlessly fusing classic house elements with a forward-thinking approach. The EP’s warm textures and intricate grooves ensure its versatility—whether igniting peak-time dance floors or setting the tone for deep, late-night sessions.

A mutant beat manifesto from Miami luminaries Jonathan Trujillo (Jonny from Space) and Pablo Arrangoiz (El Gusano, DJ Fitness, Baüzer Vep), Crespi Drum Syndicate’s Colada Talk follows the duo’s debut on Sonido Isla with a freshly freaked collection of percussive oddities. Rooted in foundational clave rhythms and avant-garde experimentation, Crespi Drum Syndicate emerges from the amphibious underbelly of Miami’s Latin-infused club scene with their singular electro-acoustic vision.

Extensive live recording sessions, free improvisation, and a ritualistic studio practice

— countless hours spent twisting and rearranging sounds from found objects and Buchla modular systems — coalesce into new rhythmic forms. Atonal saxophone, bass clarinet, and slide whistle further expand upon Trujillo and Arrangoiz’s ever-evolving sonic palette, while NYC’s AceMo lends a hand on the heavily syncopated “Siu,” and closer “Boubow” might be the duo’s most hook-driven production to date with its mangled pop vocal and lewd drum-line bounce.

Landing somewhere between Steve Reich’s polyrhythmic “Six Marimbas,” Moebius & Plank’s industrial Krautrock sessions, and Ricardo Villalobos’ hypnotic techno minimalism, Colada Talk delivers on a world of subtropical rhythmic futurism and experimental body music that’s as heady as it is culo-shaking.

Bonnie 'Prince`Billy kehrt am 6. März 2026 mit dem Album 'We Are Together Again' zurück. Das Album ist warm und persönlich und außerdem so angelegt, dass es mit denselben Worten beginnt und endet: 'Why is the lion still here, outside?'

Thematisch ist das Album tief in Louisville, der Heimatstadt von Bonnie „Prince“ Billy, verwurzelt. Es feiert die Kraft von Freundschaft, lokaler Gemeinschaft und gemeinsamem künstlerischem Schaffen. Damit setzt es bewusst einen Kontrapunkt zur Globalisierung und plädiert stattdessen für Lokalismus. Aufgenommen wurde es live im Studio End of an Ear mit lokalen Musiker:innen, Freund:innen und Familienmitgliedern. Jeder Ton ist direkt und unverfälscht – was im Raum passiert, hört man auch auf der Aufnahme. „We Are Together Again“ nimmt die Ängste einer sich verändernden Welt nicht weg, sondern begegnet ihnen mit Harmonie. Das Album erzählt von Zusammenhalt, von der Freude am Miteinander und davon, wie das gemeinsame Fragen selbst zur Quelle von Hoffnung wird."

Bonnie 'Prince`Billy kehrt am 6. März 2026 mit dem Album 'We Are Together Again' zurück. Das Album ist warm und persönlich und außerdem so angelegt, dass es mit denselben Worten beginnt und endet: 'Why is the lion still here, outside?'

Thematisch ist das Album tief in Louisville, der Heimatstadt von Bonnie „Prince“ Billy, verwurzelt. Es feiert die Kraft von Freundschaft, lokaler Gemeinschaft und gemeinsamem künstlerischem Schaffen. Damit setzt es bewusst einen Kontrapunkt zur Globalisierung und plädiert stattdessen für Lokalismus. Aufgenommen wurde es live im Studio End of an Ear mit lokalen Musiker:innen, Freund:innen und Familienmitgliedern. Jeder Ton ist direkt und unverfälscht – was im Raum passiert, hört man auch auf der Aufnahme. „We Are Together Again“ nimmt die Ängste einer sich verändernden Welt nicht weg, sondern begegnet ihnen mit Harmonie. Das Album erzählt von Zusammenhalt, von der Freude am Miteinander und davon, wie das gemeinsame Fragen selbst zur Quelle von Hoffnung wird."

-Boxset mit vier Alben featuring Drummer Neudi (u.a. Manilla Road, Trance, Griffin, Savage Grace…)

- Limited Edition mit handsignierter Autogrammkarte

Schon mit 8 Jahren entdeckte Andreas Neuderth, der seit Mitte der Achtziger nur noch den Spitzname NEUDI benutzt, sein Talent für das Schlagzeug. Sogar bereits schon etwas früher wurde er zum Fan harter
Rockklänge, die üblichen Verdächtigen wie Kiss, Status Quo und Rush. Mit 15 Jahren, im Jahr 1986, taucht sein Drumming erstmals auf einem Tape der Band SUDDEN DARKNESS auf, was 2026 zu einem Jubiläumsjahr für
den heute in Rheinhessen lebenden Musiker darstellt. Seine bekanntesten Stationen sind neben MANILLA ROAD (2011 bis zum Tod von Mark Shelton im Jahr 2018) und SAVAGE GRACE (2009/2010) aktuell TRANCE,
ROXXCALIBUR, ANGEL OF DAMNATION, IRONSWORD, JAMESON RAID und die Manilla Road-Nachfolgeband SENTRY. Das 1994er ECONOMIST Album „New Built Ghetto Status“ bezeichnet Neudi trotz all diesen genannten Namen als „eines der drei besten Alben, auf denen ich zu hören bin“. In der Tat darf man getrost sagen, dass es den Stil von ECONOMIST wohl nur einmal gibt. 1995 wurde die CD von Massacre/Intercord lizensiert, doch
mit dem progressiven Stil war man seiner Zeit einfach zu weit voraus.

Als Reissue, erstmals als Doppel LP mit dem unveröffentlichten zweiten Album „Mind Movies“ erschienen, erntete man nun endlich die verdient euphorischen Kritiken. VIRON (2004/2006 und 2008) war nach einer Zeit
der Experimente Neudis Rückkehr zum traditionellen Metal, den er als Fan auch zuvor nie verlassen hat. Die zwei hochgelobten Alben waren indirekt der Vorgänger der erfolgreicheren Band ROXXCALIBUR. SCROLLKEEPER
ist eine Band aus Texas, die für ihre EP „Wetico“ als Manilla Road-Fans mit Neudi zusammenarbeiten wollten. Neudi ist bekannt für sein „busy drumming“. Beeinflusst von Neil Peart (Rush), Randy Foxe (Manilla Road) oder Ian Paice (Deep Purple) bietet er nicht nur die genreübliche Rhythmusarbeit „im Hintergrund“, sondern bringt das Instrument teils auffällig in den Vordergrund. (Infotext von Michael Gresner, Januar 2026)

Mit Yenbett kehrt die mauretanische Sängerin Noura Mint Seymali eindrucksvoll zurück. Bereits die ersten beiden Tracks - zwei Versionen des Songs "Lehjibb" - zeigen die Spannweite ihres musikalischen Ausdrucks: archaische Klanglandschaften mit der traditionellen Harfe ardine treffen auf flirrende E-Gitarren, donnernde Drums und hypnotischen Gesang. Seymali verbindet die uralte Tradition der nordwestafrikanischen Griot-Musik mit modernen, elektrifizierten Klängen zu einem tranceartigen, kraftvollen Sound, der tief verwurzelt und zugleich zukunftsweisend ist. Als Tochter des Komponisten Seymali Ould Ahmed Vall und Stieftochter der berühmten Sängerin Dimi Mint Abba trägt sie ein musikalisches Erbe weiter, das sie mit eigener Handschrift neu interpretiert. "Die Griots sind Spiegel der Gesellschaft", sagt Seymali. "Wir bewahren Geschichte, feiern Kultur und schaffen Verbindung." Yenbett, ihr drittes Album und das erste seit 2016, wurde von Matthew Tinari (Drums) und Mikey Coltun (Mdou Moctar) produziert. Es ist roh, experimentell und voller Energie - ein Beweis für Seymalis Status als eine der kraftvollsten Stimmen der Weltmusik.

Mit der Harcourt Edition würdigen Wagram und das legendäre Studio Harcourt Paris den belgischen Chanson-Poeten Jacques Brel. Die exklusive Reihe ist den größten Stimmen Frankreichs vorbehalten und präsentiert ikonische Schwarzweiß-Porträts aus dem berühmten Studio Harcourt, das seit 1934 für seine unverwechselbare Bildsprache steht. Diese Kompilation vereint Brels bedeutendste Werke - darunter Ne Me Quitte Pas, La Valse à Mille Temps und Les Bourgeois. Zeitlose Klassiker, die das französische Chanson geprägt haben und bis heute nichts von ihrer emotionalen Kraft verloren haben.

Episch abgefahrener Psychedelic-Rock aus den Tiefen des privaten Gedanken-Gartens. Aufgenommen in einer abgelegenen Hütte in den kalifornischen Redwoods, ist Stan Hubbs' 1982er Hirnverwirrer "Crystal" das fehlende Bindeglied zwischen In-A-Gadda-Da-Vida und selbstgemachten Cembalo-Halluzinogenen. Diese hydroponische 44-jährige Jubiläumsausgabe enthält Hubbs' originales 16-seitiges Buch mit Gedichten und Kritzeleien, die dabei helfen sollen, die Bewusstseinserweiterung zu erleichtern.

Sarah Connors #1 Album ”Freigeistin” erscheint 2026 als Special Deluxe Edition in neuem Look und mit
brandneuen Bonustracks. Ihr bisher persönlichstes Album hielt sich bereits sieben Wochen in den Top
10 der deutschen Albumcharts und reihte sich in die Trilogie aus ”Muttersprache” und ”HERZ KRAFT
WERKE” ein. Nun krönt sie sie den Beginn ihrer großen Arena Tour durch Deutschland, Österreich und
die Schweiz mit dem Release einer ganz besonderen Version von ”Freigeistin” inkl. aller bisherigen Hits
wie ”FICKA”, der neuen Empowerment Single ”Das schönste Mädchen der Welt” und weiteren Songs.
Sarah selbst sagt zum Album:
”Ich habe getan, was ich immer tue. Beobachtet, zugehört, geschrieben und gesungen. Ich stelle Traditionen und lang gelernte Konzepte in Frage. Ist Ehe noch zeitgemäß? Wie geht glücklich in einer langen
Beziehung? Warum hat mir keiner gesagt, wie sehr es weh tut, wenn die Kinder aus dem Haus gehen,
und kann man wirklich monogam sein? Ich will wilde Nächte und meine Leichtigkeit zurück, ich will etwas
fühlen in einer Welt, die immer stumpfer wird. Ich will jeden Tag etwas Neues lernen und ich kämpfe für
das, woran ich glaube. Meine Sehnsucht nach Aus- und Aufbruch dominiert dieses Album. Ich bin viele
und wir alle sind auf dieser Platte.”
Das Album erscheint in der Special Deluxe Edition als limitiertes Hardcover Book und als limitierte 2
LP in transparentem Pink. Beide Versionen beinhalten das komplette Album ”Freigeistin” und alle sechs
Bonustracks.

Decca Classics präsentiert Lise Davidsen: Live at the Met - aufgenommen während des bahnbrechenden
Soloauftritts der Sopranistin an der Metropolitan Opera im September 2023.
„Es kommt selten vor, dass die Met einen Künstler zu einem Solokonzert in ihrem Auditorium mit 3.800
Plätzen einlädt. Und noch seltener ist es, dass diese Sängerin ihr Debüt in New York City gibt. Aber
Davidsen ist etwas ganz Besonderes: eine echte dramatische Sopranistin.“ (The New York Times). „Keine
Kulissen, keine Kostüme, kein Orchester: Aber die ganze Oper war da.“ so die Zeitung weiter.
Davidsen hat eine enge Beziehung zur Met, wo sie seit ihrem Debüt 2019 regelmäßig in Hauptrollen von
Tschaikowski, Wagner, Strauss, Verdi, Puccini und Beethoven auftritt. „Ich betrachte die Met als mein
zweites Zuhause“, sagt Davidsen. „Aber um so etwas gebeten zu werden, war etwas ganz Besonderes.“
Zu den Höhepunkten zählen Wagners „Dich, teure Halle“ aus Tannhäuser, Amelias Arie aus dem dritten Akt von Verdis ”Un ballo in maschera” und Puccinis „Vissi d’arte“. Dazu kommen Lieder von Schubert
sowie Musik von Grieg und Sibelius als Hommage an Davidsens skandinavische Herkunft.
Die Veröffentlichung folgt auf Davidsens gefeiertes Wagner-Album ”Der fliegende Holländer”, welches den
Gramophone Award 2025 für die beste Opernaufnahme gewann und von Kritikern weltweit hoch gelobt
wurde.

"Wo nimmt der Roedelius nur die vielen schönen Töne her?", fragt Asmus Tietchens in den Linernotes zu dieser Reissue. Eine berechtigte Frage. Hans-Joachim Roedelius, Pionier der Ambientmusik, des Krautrock, des Synthiepops, Mitglied in solch wegweisenden Bands wie Cluster und Harmonia, schwelgt auf seiner siebten Soloplatte aus dem Jahr 1981 in fremden Welten. Dies ist "Musik zum Leisehören", schreibt Roedelius auf der Plattenhülle. Und tatsächlich: Sie leise abzuspielen verstärkt den Eindruck des Außerweltlichen. Dabei ist hier nichts, was auch nur annähernd spacig oder psychedelisch wäre. Die einzelnen Stücke sind kurz, sie kommen und gehen, wie an einer Perlenschnur aufgereiht. Die Musik klingt immer ein wenig wie in Watte gepackt. Roedelius erlaubt sich beim Spielen auf seiner Elektroorgel kleine Ungenauigkeiten, lässt elektrische Störgeräusche zu. Das unterscheidet die Musik ganz grundsätzlich von der präzisen und perfekten Minimal Music. Roedelius" Musik lebt von der Improvisation, ihre Ehrlichkeit treibt einem fast die Tränen in die Augen.

Nach einer fünfjährigen Schaffenspause veröffentlichte eine der dienstältesten Punkbands Deutschlands 2010 ihr achtes Album. Der passende Titel: "Gib acht!". Es entstand mit Gastmusikern von den Skatoons, Cultus Ferrox, Directors Cut und dem Pianisten Peter Stoppok. Das Repertoire reicht von dynamischen, treibenden Punkrock-Songs über Ska- und Folkanleihen bis hin zur Ballade "Ich bin"s", die an frühe Lindenberg-Lieder erinnert. Mit "Danke" hat man sogar einen echten Popsong, und für "Mama, hol den Hammer" wurde ein kultiger Uraltschlager entstaubt. Textlich geht es wieder quer durch sämtliche Lebensbereiche: mal kritisch, mal nachdenklich, dann wieder kämpferisch oder einfach nur am alltäglichen Wahnsinn orientiert. Zehn Jahr nach der Erstveröffentlichung kommt nun das Jubiläums-Tape für alle Sammler und Kassettenliebhaber.

Die lang erwartete Rückkehr der schwedischen Dream-Pop-Romantiker. Ein verschwommener Schleier aus düsterem und fesselndem Shoegaze-Pop. Die skandinavische Indie-Pop-Band Hater beendet nach ihrem beeindruckenden dritten Album ,Sincere" ihre dreijährige Pause mit der Veröffentlichung von "Mosquito", einem faszinierenden Dream-Pop-Drama, das sich über elf packende Episoden der Selbstreflexion erstreckt. Auf "Mosquito" klingt die in Malmö ansässige Band Hater wie neu belebt - sie greift den rohen Indie-Pop-Ansatz auf, für den sie bekannt geworden ist, jedoch mit einem direkteren, ausgefeilteren Songwriting. Die Band hat ihre Shoegaze-Wurzeln zu etwas Schärferem, Melodischerem und Tiefgründigerem verfeinert. Das Album strotzt nur so vor Geschichten, in denen mythische Wendungen (Vampire, Amor, Mücken) von der traurigen Sehnsucht nach wahrer Liebe untermauert werden. Aber dies ist kein typisches Album über die Liebe, wie die Band betont, es ist eine emotionale Achterbahnfahrt, die von halb vergessenen gebrochenen Herzen und gebrochenen Versprechen, voller Qualen und Kribbeln, aber auch von Hoffnungen und Träumen für zukünftige Lösungen geprägt ist. "Mosquito" wurde in der herrlichen Abgeschiedenheit der AGM Studios in Vollsjö, Schweden, aufgenommen, mit dem langjährigen Mitarbeiter Joakim Lindberg an den Reglern und dem Bassisten Adam Agace, der wieder zum Team zurückgekehrt ist. Sie vollendeten das Projekt in Lindbergs berühmtem Studio Sickan, wobei Caroline Landahl, Måns Leonartsson, Rasmus Andersson und Adam Agace gleichermaßen zu einem Sound beitrugen, der zwischen kraftvoller Introspektion und melancholischer Erkenntnis wechselt. Immernoch "Your next Scandinavian indie pop obsession." Flood. Klares Vinyl mit bedruckter Innenhülle und DLC sowie Digisleve-CD

After being out of print for a good number of years, we are making 15 titles out of our Elvis Presley back catalogue available again between August 2025 and February 2026. Each title will see two different editions: one on regular-coloured vinyl and one very limited on mix-coloured, marbled vinyl, both housed in deluxe sleeves with a linen look and feel.

Elvis Now was, despite the title, recorded between early 1969 and the summer of 1971 and encompasses different genres including country, gospel, soul and pop. We see for example Kris Kristofferson-penned "Help Me Make It Through the Night" and The Beatles' "Hey Jude", all lavishly arranged keeping in mind the Las Vegas aesthetic of 70s Elvis. The album furthermore only had one single, "Until It's Time for You to Go / We Can Make the Morning", which reached number 9 on the Easy Listening chart in the US in March 1972 and number 5 on the UK Singles Chart in April 1972.

Elvis Now is available as a limited edition of 500 individually numbered copies on light blue marble vinyl and includes an insert.

Kreator, Destruction und Sodom. Allesamt teutonische Thrash-Metal-Legenden. Doch wer kennt heutzutage noch eine Band wie Necronomicon? Dabei hätte alles ganz anders kommen können. Anstatt bei Noise, Steamhammer oder Roadrunner landeten Necronomicon bei Wave Records (einem obskuren Unterlabel von Gama Records). Ihre Debüt-LP war bereits 1984 im Kasten, erschien aufgrund von Labelproblemen aber erst ganze zwei Jahre später. Auch heute zählt »Necronomicon« (jetzt über High Roller Records als CD und Vinyl wiederveröffentlicht) noch immer zu den besten deutschen Thrash-Metal-Platten aller Zeiten. Mit Stücken wie “Possessed by Evil”, “Bloody Revenge” oder “Blind Destruction”, ist und bleibt das erste Album von 1986 ein wahrer Klassiker!