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GEORG DANZER - "JAHRESZEITEN" - Das Beste aus fünf Jahrzehnten Anlässlich des 80. Geburtstags des großen österreichischen Liedermachers GEORG DANZER veröffentlicht Sony Music eine von Georg Danzers langjährigem Wegbegleiter und Manager Franz Christian Schwarz liebevoll kompilierte Best Of mit dem Titel "Jahreszeiten". Das auf farbiger 2LP sowie auf 1CD erhältliche Album umfasst Lieder aus jeder Schaffensphase des 2007 verstorbenen Künstlers, dessen musikalisches Erbe die österreichische Musik nachhaltig prägte. Das Albumcover setzt sich aus vier Portraits Georg Danzers zusammen, die von Nina Maron, Tochter des unvergessenen Sigi Maron, gemalt wurden. Franz Christian Schwarz beschreibt die Zusammenstellung der Best Of mit folgenden Worten: "Alle meine Lieder sind wie Sonne Mond & Sterne" ist der Beginn eines Liedes auf der CD-Single "Sonne, Mond & Sterne", die anlässlich der gleichnamigen DVD-Veröffentlichung von Georg Danzer erschienen ist. Diese Liedzeile gab auch den Ausschlag, die vorliegende Doppel-LP "Jahreszeiten" zu nennen, um die Bandbreite von Danzers musikalischer Vielfalt unter Beweis zu stellen. Danzer schaffte es wie kaum ein anderer Beobachtungen, Erzählungen, Gedanken und Emotionen in Worte und Melodien zu fassen. Mit über fünfhundert veröffentlichten Liedern für sich selbst und andere Interpretinnen und Interpreten zählt Danzer zu den produktivsten Liederschreibern des Landes. Einige seiner Lieder hielten auch in Schul- und Notenheften Einzug. Die vorliegende Doppel-Vinyl und die um einen Titel verkürzte CD-Version wurden eine spezielle Zusammenstellung, auf der neben bekannten Liedern auch solche zu hören sind, die entweder bisher unbekannt oder dem Zuhörer nicht so geläufig sind, aber das musikalische Spektrum des großartigen Poppoeten widerspiegeln. Sie dient zur Auffrischung von Erinnerungen ebenso wie als Anreiz, sich mit dem Werk Danzers vertraut zu machen oder es neu zu entdecken. Der Frühling ist für viele Menschen ein Zeichen dafür, das

Mutant präsentiert in Zusammenarbeit mit WaterTower Music und DC Studios stolz die erste physische Veröffentlichung von Claudia Sarne’s Original-Soundtrack zu „Supergirl“. Die Komponistin Claudia Sarne sagte über die Entstehung der Musik für „Supergirl“: „Die Vertonung von ‚Supergirl‘ war wie ein wilder Fiebertraum. Ich habe mich besonders mit der Unordnung und Komplexität ihrer Figur identifiziert und liebte die Bandbreite, die der Film erforderte. Die Möglichkeit, von dreckigen Synth-Basslinien und -Sequenzen zu großen thematischen Orchesterstücken und traurigen Solo-Klavierpassagen zu wechseln, war eine unglaubliche Reise. Craig wünschte sich Musik, die das Gefühlsleben der Figuren zum Ausdruck bringt – von Ruthyes Herzschmerz und Idealismus über Karas Verzweiflung und Rebellion bis hin zu Lobos Nihilismus und Krem’s Schrecken; all das verbunden durch die Liebesgeschichte zwischen Kara und Krypto.“ Mit einem Cover-Artwork von Bilquis Evely, gepresst auf 2x 140 gm Farbvinyl, mit einer im Siebdruckverfahren bedruckten D-Seite.

Das Aufeinandertreffen zweier Pop-Ikonen: Madonna und Kylie Minogue veröffentlichen mit "Love Sensation" eine gemeinsame Nu-Disco-Hymne. Die Kollaboration erscheint als limitierte 7"-Single auf Coloured Vinyl und kombiniert pulsierende Synth-Basslines mit glamourösen Vocals. Neben der Main Version auf der A-Seite enthält das Release einen Extended Club Mix auf der B-Seite und kommt in einem veredelten Sleeve mit exklusivem Artwork auf den Markt.

,BETHLEHEM" ist eine Zusammenarbeit, die über Grenzen hinweg entstanden ist, die nicht überschritten werden konnten. Das Stück vereint die Stimme von Lawrence Sammour - der seit mehr als fünf Jahrzehnten den Chor der Geburtskirche leitet - mit der elektroakustischen Sprache der Beiruter Komponisten Sary Moussa und Abed Kobeissy. Entstanden als Reaktion auf die Entscheidung der Geburtskirche, die Weihnachtsfeierlichkeiten während des Völkermords in Gaza auszusetzen, verwandelt das Werk traditionelle liturgische Hymnen in eine weitläufige und tief bewegende Komposition, in der Stimme, Elektronik, Buzuq und Atmosphäre ohne Hierarchie nebeneinander existieren. Weder Neuinterpretation noch Bewahrung - ,BETHLEHEM" ist ein Akt des Zuhörens über Entfernungen hinweg: ein Werk der Trauer, das auf der fortbestehenden Präsenz von kulturellem Gedächtnis, Hingabe und menschlicher Verbundenheit besteht.

ADULT. kooperiert nicht. Seit über 25 Jahren verkörpert die dystopische Detroit-Synth-Punk-Institution, gegründet von Nicola Kuperus und Adam Lee Miller, unbeirrbare Frustration, Misstrauen und Beklemmung. Man könnte erwarten, dass sich die Kanten mit der Zeit abschleifen, doch ADULT. hat kein Interesse am Komfort eines Vermächtnisses. Noch nie klang die Musik des Duos so unmittelbar, so dringlich und so unverhohlen wütend wie auf dem abschließenden, kompromisslosen Kissing Luck Goodbye.Mit aufgerüstetem Equipment und einer neuen Klangbibliothek gebaut, ist das Material erdrückend dynamisch, lauter - und zugleich klarer. Kuperus' dominante Darbietung rückt im Mix stärker in den Vordergrund und skizziert ein Arsenal aus lebhaften, ätzenden Rufen, Sprechchören und Gedankensplittern. Lachen - ob in den Texten oder als besessene Präsenz - fungiert als Leitmotiv und verweist auf die bedrohliche Absurdität der modernen Zeit.,THE CHAOS IS WHAT THEY WANT", singt sie in ,R U 4 $ALE" - zugleich eine Absichtserklärung: einer brennenden Welt aus Gier und Unordnung mit trotzigem, meisterhaft zusammengebautem Chaos zu begegnen. ,Du hast in dieser Höllenlandschaft, in der wir gerade leben, zwei Möglichkeiten: kämpfen oder depressiv sein", sagt Miller. ,Beides ist okay. Aber, na ja, die Entscheidung war einfach."ADULT. ist bekannt für hochriskante Katharsis auf der Bühne und griff kürzlich auf seinen Backkatalog an Bassgitarren-Songs aus den 2000ern zurück, wobei sie die vorausschauende Anxiety Always-Ära erneut nachzeichneten - teils aus Notwendigkeit angesichts der heutigen politischen und technologischen Angsttemperatur. Die Reaktion war sofort spürbar: ,Wir waren in Paris, und die Kids sind von der Bühne gesprungen. Und ich dachte nur: Das ist großartig. Das ist irgendwie die Energie, in die ich wieder zurückwill", sagt Kuperus.Diese Erkenntnis fiel mit einer Reihe von Rückschlägen zusammen - Kuperus' Anfällen von chronischem Schwindel, dem Verlust ihres engen Freundes und Kollaborateurs Douglas McCarthy von Nitzer Ebb, dem das Album gewidmet ist - alles unter dem drohenden Regime noch einmal erheblich verschärft. ,Wir dachten nur: Alles zerbricht. Wir zerbrechen. Wir sind kaputt." Dieses Gefühl hielt jedoch nicht an, denn letztlich waren sie viel zu sehr von Wut aufgeladen, um stillzuhalten. Die Stimmung vor Kissing Luck Goodbye waren vier Mittelfinger, die kerzengerade nach oben zeigten.Anstatt sich zurückzuziehen, konzentrierten sie sich auf den Prozess und überarbeiteten ihr Setup - inklusive der ersten neuen Mikrofone seit 20 Jahren. Hält man das Album an irgendeiner Stelle an, zählt man wahrscheinlich ein Dutzend Dinge, die gleichzeitig passieren, in seltsamer, schwindelerregender und dissonanter Harmonie. ,No One Is Coming" attackiert Untätigkeit angesichts des Faschismus - ,NO ONE IS COMING TO YOUR RESCUE". ,None of It's Fun" feuert mit atemloser Dringlichkeit, rasenden Glissandi und pointierten Zeilen wie: ,OH I AM TEARING MY GUTS OUT / LOOK AT ME_ DO YOU THINK THAT THIS IS AMUSING?"Eine geradlinige Basslinie und Kickdrum prallen im Abschlusstrack ,Destroyers" auf pulsierende Mantras, werden dann vollständig gesättigt und kakophonisch. Ihre jüngeren Ichs hätten den Song vielleicht sich selbst zerstören lassen, doch hier gelang es ihnen, die Lautstärke durch alle Extreme hindurch zu stabilisieren und Raum für ein eindringliches, abschließendes A-cappella zu schaffen: WE PAY THE PRICE FOR THOSE IN POWER EXPLOITING YOU EXPLOITING ME CONSUMING YOU CONSUMING ME SICK SICK SICK SICKENING IT IS US THAT ARE DEVOURED BY EVERYTHING I WILL EAT YOUR HATE

TV Star aus dem Raum Seattle-Tacoma präsentieren mit ,Music For Heads" ihr Debütalbum und verbinden darin Psychedelic Rock, Jangle Pop, Garage Rock, Shoegaze und klassischen Indie-Rock zu einem warmen, zeitlosen Sound. Inspiriert von Bands wie The Brian Jonestown Massacre, Mojave 3 sowie der alternativen Gitarrenmusik der 1990er Jahre, vereint die Band eingängige Melodien mit atmosphärischen Gitarrenlandschaften und treibenden Rhythmen. Die fünfköpfige Gruppe entwickelte ihren Sound über mehrere Jahre hinweg und schafft auf den zehn Songs eine gelungene Mischung aus psychedelischer Tiefe, Pop-Sensibilität und roher Garage-Energie. Mit ,Music For Heads" liefert TV Star ein ebenso nostalgisches wie eigenständiges Debüt, das klassische Indie-Einflüsse in einen frischen, modernen Kontext setzt.

FAKOMA aus Köln spielen Hardcore Garage Punk und verwandeln politischen Frust, Freiheitsverlust und den Druck des Alltags in rohe, kompromisslose Energie. Ihr zweites Album Life Sucks... Then You Die" umfasst zehn Tracks in 20 Minuten und ist eine wütende, anti-totalitäre Abrechnung. Stilistisch bewegt sich die Band zwischen AMERICAN NIGHTMARE, SOME GIRLS und ANTITAINMENT. Songs wie Never Out For Good" und Pain" verbinden Aggression mit Egg-Punk-Einflüssen, während Likes" die düstere Seite der Band zeigt. Der Titelsong und das Finale Warning!" stehen für ungefilterte, pure Härte.

Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

,The Impossible Kid" ist das 2016 erschienene Album von Aesop Rock und gilt als eines seiner persönlichsten Werke. Der Indie-Hip-Hop-Veteran verarbeitet darin Themen wie Depressionen, familiäre Beziehungen und die Veränderungen in seinem Leben, die ihn schließlich aus San Francisco in die Abgeschiedenheit des ländlichen Raums führten. Musikalisch und textlich verbindet das Album Aesops komplexe Reimstrukturen mit mehr Offenheit und Selbstreflexion als je zuvor. Gleichzeitig zeigt er auch seine humorvolle Seite. Wie bereits beim Vorgänger ,Skelethon" übernahm Aesop Rock die Produktion selbst und schuf damit eines der stärksten und zugänglichsten Alben seiner Karriere.

Mit Gamgumsupon legt Kuhn Fu sein bislang direktestes und energiegeladenstes Album vor. Das international besetzte Ensemble um Gitarrist und Komponist Christian Kühn verbindet Jazz, Punk, Metal, Psychedelia und Big-Band-Sound zu einer explosiven Klangsprache, die sich jeder Genre-Schublade entzieht. Kraftvolle Riffs treffen auf ausgefeilte Arrangements, improvisatorische Freiheit auf ungebremste Spielfreude und feinen Humor. Trotz ihrer kompositorischen Komplexität wirkt die Musik unmittelbar, eingängig und voller überraschender Wendungen. Zwischen brachialer Energie und verspielter Leichtigkeit entfaltet Gamgumsupon eine eigene musikalische Welt, in der Virtuosität stets im Dienst des Songs steht. Ein mutiges, kompromissloses Album, das Rock und Jazz auf ebenso originelle wie mitreißende Weise neu zusammenführt.

Das selbstbetitelte Debüt von South 1998 (ehemals South) ist vielleicht das, was dem alten Label Jagjaguwar jemals am nächsten kam, Musik zu veröffentlichen, die sich auch bei, sagen wir mal, ECM Records wie zu Hause anhören würde. Spitzt die Ohren, und ihr werdet es hören - Pat-Metheny-artige, klare, ausgefallene Gitarrenklänge, die geduldig zu trägen, hypnotischen, an Steve Reich erinnernden mathematischen Sackgassen geschichtet werden; ineinandergreifende Hackbretter und Vibraphone, die fallen und wogen wie an einem seltenen Tag mit starkem Schneefall in einer Stadt im Süden; die leisen und selbstbewussten Gesänge von Patrick Phelan und Nathan Lambdin, untermalt von den gleichmäßigen Rhythmen des Schlagzeugers Tod Parkhill. Bei der Erstveröffentlichung bezeichneten wir das Projekt aus Richmond, Virginia, als ,Exegese der großen Ambient-Rock-Momente des 20. Jahrhunderts". Daran halten wir fest. Doch bei näherer Betrachtung und mit dem Rückblick auf fast 30 Jahre seit der Veröffentlichung der LP sind ihre kleinen, kniffligen Schätze erst richtig zur Entfaltung gekommen. Es fällt schwer, keinen Vergleich zu einer zeitgenössischeren Künstlergeneration anzustellen, wenn man ,South 1998" wiederentdeckt, das nun aus SEO-Gründen umbenannt wurde (wer hätte das damals gedacht!?!?). Der experimentelle Slowcore-Experimentalismus von Escho Records aus Kopenhagen und ML Buch; ein bisschen von den Vorreitern der Cloudrock-Szene (und Jag-Labelkollegen) Chanel Beads; eine ganze Reihe von Veröffentlichungen des angesehenen (und unterschätzten) norwegischen Labels Hubro. Aber es verdient auch einen Platz im Regal neben seinen zeitgenössischen ,Post-irgendwas"- und ,Pre-irgendwas"-Kollegen von damals - Tortoise, Bark Psychosis, The Sea & Cake. ,South" von 1998, ein unbestrittener Jagjaguwar-Klassiker, war an sich nie verloren gegangen, aber wir haben es für euch wiederentdeckt - zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl, als Teil unserer Feierlichkeiten zum 30-jährigen Jubiläum.

Für die Feier des Miteinanders! Mit ihrem zweiten Album "Wenn man das Licht zurückverfolgt, weiß man, wie alt die Sterne sind" gelingt WIM ein eindrucksvoller Schritt nach vorn. Die Hamburger Künstlerin verbindet erstmals ihre poetische Tiefe mit einem neuen, synth-poppigen Sound, der Raum für Leichtigkeit und Bewegung schafft. In zehn Songs erzählt sie von prägenden Momenten, Verlust, Erinnerung und dem, was Menschen im Verborgenen formt. Dabei entsteht ein Album, das Empathie einfordert, ohne zu beschweren - und das zeigt, dass selbst schwere Themen tanzbar sein können. Produziert von Tobias Siebert (Kettcar, Enno Bunger), klingt die Platte organisch und frisch - unverkennbar WIM, aber mutiger und offener als je zuvor, fast schon moderner, urbaner XL-Pop: Die Songs werden rhythmusgetriebener, luftiger und teils konsequent vom Beat getragen. Und wenn es inhaltlich doch zu schwer wird, tanzt WIM im Studio zu Paula Hartmann, hört Chappell Roan und lässt sich von Wir Sind Helden inspirieren. LP farbiges Coke Bottle Green Vinyl (140g), CD Digipak mit Posterbooklet.

Mit Music From The Films Of Francis Ford Coppola erscheint eine sorgfaltig kuratierte Doppel-LP, die die unverwechselbare Klangwelt eines der einflussreichsten Regisseure des modernen Kinos wurdigt. Von Der Pate uber Apocalypse Now bis hin zu The Conversation und The Outsiders vereint diese Sammlung Musik aus Filmen, die das amerikanische Kino seit den 1970er Jahren nachhaltig gepragt haben. Die Zusammenstellung zeigt eindrucksvoll, wie entscheidend Musik fur die emotionale Wirkung von Coppolas Filmen war. Neben den Kompositionen von Carmine Coppola finden sich Aufnahmen von Kunstlern wie Buddy Holly, The Beach Boys, Elvis Presley oder Richard Wagner. Die Doppel-LP beleuchtet das Zusammenspiel von Bild und Ton und richtet sich gleichermaßen an Filmfans, Soundtrack-Sammler und Liebhaber klassischer Filmmusik.

Mit Hurra! Hurra! So nicht. veröffentlichte Gisbert zu Knyphausen 2010 den Nachfolger seines vielbeachteten Debüts und festigte damit seinen Ruf als eine der prägendsten Stimmen des deutschsprachigen Singer-Songwriter-Genres. Das Album wirkt gegenüber dem Erstling reifer, melancholischer und musikalisch ausgearbeiteter, ohne dabei die unmittelbare emotionale Kraft seiner Songs zu verlieren. Entstanden im renommierten Electric Avenue Studio von Tobias Levin und eingespielt mit seiner damaligen Liveband, profitiert die Aufnahme von der Erfahrung zahlreicher Konzerte und einer außergewöhnlich eingespielten Besetzung. Mit der Wiederveröffentlichung auf dem bandeigenen Label Rastplatz Krachgarten wird ein zentrales Werk im Katalog von Gisbert zu Knyphausen erneut verfügbar gemacht und richtet sich sowohl an langjährige Hörer als auch an eine neue Generation von Songwriter-Fans.

Alles spaltet sich. le_mol loopen. Was bleibt? SPLIT SPLIT - ihr 6. Post-Rock-Album (Noise Appeal Records). Während manche Spaltungen unvermeidlich ("Splitsville"), erzwungen ("Splitter") oder sogar pathologisch ("Split Brain") sind, wirken viele Spaltungen vermeidbar und durch bestimmte diskursive Kräfte vorangetrieben ("Split The Rich"). Würde man Spaltungen jedoch immer weiter aufspalten, käme es dann nicht zu einer Rückkehr von Nuancen, Meinungspluralität und Gemeinschaft? SPLIT SPLIT. Da bei den Instrumentalstücken von le_mol Wort und Musik getrennt sind, dienen die Titel jedoch ohnehin bestenfalls als Interpretationshinweise. Eine Ausnahme bilden die existentialistischen Lyrics von The Zew ("Split Tongue") - einer selbsternannten Cyborg Folk Musikerin aus Wien. Das Konzept setzt sich fort in den Collagen und Monotypien der wienerischen Künstlerin Hanna Hollmann. Musikalisch bietet 'SPLIT SPLIT' eine Mischung aus melancholischem Post-Rock und Shoegaze ergänzt durch Elemente aus Post-Punk, Ambient und Industrial. Der Einsatz mehrerer Loop-Stations ermöglicht es den beiden Multiinstrumentalisten wie eine fünfköpfige Band zu klingen und sorgt für überrasche Wendungen im Songwriting, die gängige Hörgewohnheiten herausfordern. Loops stick together - they never split! FFO: Mogwai, Radiohead, Godspeed You! Black Emperor, Sigur Ros Marketing Hardfacts: - begleitende Konzerte 2026/27 (bestätigte Daten bis hierhin): TBA - eine Vorabsingle (splitter!)

Der Soundtrack zur Prime-Originalserie Spider Noir erscheint auf opak-silbernem Vinyl. Die Doppel-LP kommt im Gatefold-Cover mit exklusivem Artwork und enthält ein Sammlerposter als Beigabe. Spider Noir basiert auf der Marvel-Comicfigur Spider-Man Noir und spielt im New York der 1930er Jahre. Im Mittelpunkt steht Ben Reilly (Nicolas Cage), ein abgekämpfter Privatdetektiv, der nach einer persönlichen Tragödie mit seiner Vergangenheit konfrontiert wird - und zugleich als Superheld der Stadt agiert. Der Soundtrack umfasst den Titelsong "Saving Grace" von KIRBY, die Originalmusik von Kris Bowers und Michael Dean Parsons sowie weitere in der Serie verwendete Stücke.

Altsaxofonist Jackie McLean war 1959 bereits seit fast einem Jahrzehnt eine feste Größe der New Yorker
Jazzszene, als er für Blue Note als Bandleader aufzunehmen begann. Die gesamten 1950er-Jahre hindurch
hatte er sich an der Seite von Bebop-Legenden wie Miles Davis und Charles Mingus seine Sporen verdient.
Sein zweites Blue-Note-Album ”Swing, Swang, Swingin’” hält das schwungvolle Versprechen des Titels
voll und ganz ein. Mit Energie und Spielfreude führt McLean durch ein mitreißendes Programm. Als
einziger Bläser des Quartetts steht sein unverwechselbarer Sound ganz im Mittelpunkt: Sein markanter,
leicht herber Ton und sein ausgeprägtes Gespür für moderne Harmonik verleihen seinen leidenschaftlichen
Improvisationen eine besondere Strahlkraft. Neben Standards von Irving Berlin, Johnny Mercer oder Cole
Porter präsentiert McLean eine beschwingte Interpretation von Benny Golsons ”Stable Mates”, bevor das
Album mit seiner eigenen Blues-Komposition ”116th and Lenox” seinen Abschluss findet.

Auf den Alben der “Verve Remixed”-Reihe war Nina Simone stets die unbestrittene Favoritin. Jetzt wird
die “High Priestess of Soul” auf “Verve Remixed // Nina Simone” mit acht brandneuen Mixen gefeiert. Die
Gelegenheit zu dem Projekt ergab sich, als Verve Records Anfang 2026 die Feierlichkeiten zu seinem 70-
jährigen Jubiläum einläutete. Unter dem Titel “Year of Nina” begann man damit, jeden Monat einen brandneuen Remix eines Nina-Simone-Klassikers als digitale Single zu veröffentlichen. Das Echo der Musikfans
war überwältigend. Der universelle Appeal von Ninas Musik wird dadurch verdeutlicht, dass mit Solomun,
DESIREE, Supershy, Mochakk, HAAi, Austin Millz, Dublon und Antdot acht der derzeit angesagtesten
DJs, Remixer und Produzenten aus unter anderem den USA, Brasilien, Südafrika und Großbritannien für
das Projekt gewonnen werden konnten.
Purple color LP, 140g, Single Sleeve

Jan Garbareks kraftvolles Doppelalbum Rites, auf dem der Meistersaxofonist von seinen langjährigen
Weggefährten Rainer Brüninghaus und Eberhard Weber sowie der Perkussionistin Marilyn Mazur und
dem Elektronikkünstler Bugge Wesseltoft begleitet wird, galt bei seiner ursprünglichen Veröffentlichung
1998 gleichermaßen als Magnum Opus und als eindrucksvolle Retrospektive der künstlerischen Bandbreite Garbareks. Auch heute noch überzeugt es als gelungenes Kompendium und als völlig eigenständiges,
modernes musikalisches Statement. Über die weit gespannte stilistische Landschaft des Albums verteilen
sich Bezüge zu den unterschiedlichsten Musikkulturen der Welt – von Norwegen bis Indien. Hinzu kommen
eine Vertonung eines Gedichts der indigenen Bevölkerung Nordamerikas für Stimmen und Saxofon sowie die
überraschende Fassung von Jansug Kakhidzes „The Moon Over Mtatsminda“, gesungen vom Komponisten
selbst gemeinsam mit dem Tbilisi Symphony Orchestra.
Als Teil der ECM-Reihe Luminessence veröffentlicht, e rscheint R ites n un e rstmals a uf V inyl – i n einem
hochwertigen Tip-on Gatefold plus umfangreichem Booklet mit Texten, Fotografien s owie sämtlichem
Originalmaterial der ersten CD-Veröffentlichung.

Orphée schildert einen Weg von der Dunkelheit ins Licht, inspiriert durch die verschiedenen Versionen des
antiken Orpheus-Mythos, von Ovid bis Cocteau. Die vielschichtige Erzählung über Tod, Wiedergeburt,
Wandel und die Kurzlebigkeit der Erinnerung lässt sich auch als Metapher für künstlerische Kreativität
deuten. Orphée bietet eine vielseitige Klangpalette: Es gibt akustische Instrumente solistisch oder im Ensemble kombiniert mit Elektronik und den geheimnisvollen Lauten der “Nummernsender” auf Kurzwelle.
Sie ist angelehnt an viele Facetten seiner vorangehenden Werke und bindet Musik für Solocello, Orgel,
Streichquartett, Streichorchester und A-cappella-Gesang mit ein.
10 Jahre nach dem Debut wird das gefeierte Album Orphée erstmals als Crystal Clear Vinyl veröffentlicht.

„Nature’s World“ taucht noch tiefer in das Universum ein, das durch die gefeierte 2025er-Compilation
„Dream a Dream“ mit Studio G erschlossen wurde, und präsentiert die synthielastigen Melodien des LibraryMusic-Kollektivs, die für Naturdokumentationen komponiert wurden und zwischen der grandiosen Ehrfurcht
vor einer Vulkanexplosion und der psychedelischen Ruhe eines Insekts, das auf einem Seerosenblatt ruht,
hin- und herpendeln. Nach vier Jahrzehnten kehrt diese Neuauflage von Jazz Dispensary auf Vinyl zurück
und erscheint als Splatter-Vinyl-LP.

Die langjährigen Freunde Bibio und Dorian Concept tun sich nach diversen Kollaborationen für das gemeinsame Instrumentalalbum "Answers" zusammen. Ein Großteil der Musik entstand aus der Ferne; Ideen wurden zwischen Wales und Österreich hin- und hergeschickt, was die Vorliebe beider Künstler für einen eher zurückgezogenen, prozessorientierten Schaffensprozess widerspiegelt. Der britische Produzent Bibio, bekannt für die Verbindung von Folk, Ambient und Lo-Fi-Tape-Texturen, steuert eine greifbare, von der Gitarre geprägte Wärme bei, während der Wiener Dorian Concept, Autodidakt am Keyboard und Improvisationskünstler am Synthesizer, seinen fließend-experimentellen Ansatz elektronischer Komposition einbringt. Auch an der visuellen Gestaltung arbeitete das Duo eng zusammen; Videos und Artwork entstanden gemeinsam, inspiriert von der geteilten Liebe zu Vintage-Kameras und visuellem Spiel. Das Ergebnis ist ein texturreiches Instrumentalalbum, das sich weniger wie eine erste Zusammenarbeit anfühlt, sondern vielmehr wie eine Fortsetzung: Zwei eigenständige Stimmen treffen in einer gemeinsamen Sprache aufeinander, die über Jahre gegenseitiger Inspiration und stillen Experimentierens gereift ist. Beide Formate enthalten ein Concertina-Booklet, gefaltet in Ziehharmonika-Form.

On its latest album »Music For Air«, the Berlin-based interdisciplinary duo Gamut Inc explores new possibilities of the computer-controlled pipe organ — from hypervirtuoso excess to nuanced automation and rhythms beyond the fixed grid. Composed and recorded during a two-week residency in Toulouse, the pieces move between harmony and noise, conjuring a euphorically intoxicating maelstrom of overlapping, accelerating sound.

Gamut Inc’s work with the computer-controlled organ actually began in 2009 with a commission from ON – Neue Musik Köln for the Kunst-Station Sankt Peter — at a time when few congregations were ready to open their instruments to this kind of work. When the duo of Marion Wörle and Maciej Śledziecki officially founded the ensemble in 2013 as an interdisciplinary project, they first developed their own music machines with instrument builder Gerhard Kern, returning to the organ in 2018 when more churches and venues had opened their doors … and Gamut Inc carried their practice across Europe and beyond, developing AGGREGATE (first a concert series and then an annual festival) into a platform dedicated to organ music of the 21st century.

Sharpening a critique of mechanisation, digitality, and the human in between, the project is conceived around the construction of pre-modern instruments and the control of these instruments by contemporary technologies, resulting in an aesthetic that bridges the very old and the very new. Recent works include the human-machine trilogy »Over The Edge Club« (2021), »Rossum’s Universal Robots« (2022), and »Zeroth Law« (2023, performed at Deutsche Oper Berlin with the RIAS Chamber Choir and the Logos Robot Orchestra), and »Black Square« (2025), a wind-dynamic modular organ built by Tony Decap, inaugurated at CTM Festival and broadcast on Deutschlandfunk Kultur and SWR Kultur. Their organ installation AGGREGAT#10, commissioned by Sónar Festival, was acquired for the permanent collection of Palau Güell Barcelona in 2022.

Gamut Inc’s latest album »Music For Air« was composed and recorded during a two-week residency in Toulouse on the wind-dynamic organ »L’Explorateur«, with individually computer-controlled wind pressure per pipe. The seven pieces move between harmony and noise, conjuring a euphorically intoxicating maelstrom of overlapping, accelerating sound and again exploring new possibilities of the computer-controlled pipe organ — from hypervirtuoso excess to nuanced automation and rhythms beyond the fixed grid. Sensual and ecstatic.

Gold Colored Vinyl LP Edition zum 25jährigen Jubiläum des Jan Delay Solo Debüt Albums! Zusammen mit der Sam Ragga Band produzierte der Beginner-Frontmann Jan Delay ein Album, das die deutsche Pop-Landschaft nachhaltig veränderte. Noch nie war Reggae mit deutschen Texten so authentisch, so fett und so erfolgreich. Mit der Interpretation des Nena-Hits "Irgendwie, Irgendwo, Irgendwann" schaffte Jan Delay den Durchbruch auch außerhalb der HipHop-Community und legte 2001 mit "Searching For Jan Soul Rebels" weiter nach. Jan Delay zeigt sich als scharfzüngiger Kritiker und Zyniker, Songs wie "Ich Möchte Nicht, dass Ihr Meine Lieder Singt" und "Vergiftet" polarisieren, wurden aber trotz aller textlichen Radikalität zu veritablen Hits.

Cameron Winter kündigt sein erstes Live-Album "Live at Carnegie Hall" an. Das Album dokumentiert Winters historischen Auftritt im Dezember 2025, bei dem er als einer der jüngsten Solokünstler überhaupt als Headliner im Hauptsaal der legendären Konzerthalle auftrat. Ganz allein, über sein Klavier gebeugt und mit dem Rücken zu einem ehrfürchtigen, ausverkauften Publikum, interpretierte der Frontmann der Band "Geese" Songs aus seinem gefeierten Debütalbum "Heavy Metal" neu. Ein Album, das von GQ in ihrem ausführlichen Bericht über diesen Abend in der Carnegie Hall als "eine der kühnsten und selbstbewusstesten Singer-Songwriter-Platten dieses Jahrhunderts bisher, ein Fiebertraum voller Gefühle von jemandem, der die Regeln gut genug verstand, um zu wissen, dass sie ihm kaum etwas bedeuteten" beschrieben wurde.

Auf dieser berühmten Bühne präsentierte er zudem drei bisher unveröffentlichte Kompositionen, von denen jede einen Einblick in seinen Fundus an Material bot. Die gesamte Darbietung war von einem unbestreitbaren Gefühl der Einmaligkeit geprägt, das die Bedeutung des Augenblicks einfing: Zeuge zu sein, wie ein Künstler, wie er nur einmal in einer Generation vorkommt, die Bühne eines der ehrwürdigsten Veranstaltungsorte der amerikanischen Musikszene beherrscht.

A stylish selection of city pop, funk and modern soul from Japanese label Nippon Columbia, selected by DJ Notoya and featuring cult classics and rarities by Hiroshi Sato, Hatsumi Shibata, Hitomi 'Penny' Tohyama & many more.

Annotated by Notoya with journalist Nick Luscombe and artwork by Optigram.

Newly remastered audio.
The selection on ‘Tokyo Glow’ starts with 'Kimugare' a relaxed mid-tempo track by Kumi Nakamura, actually a famous actress who only recorded one album in 1980 for Columbia.

The set continues and flows effortlessly with the sunshine grooves of Miyuki Maki, Hatsumi Shibata and cult keyboard player Hiroshi Sato before the pace starts going faster and funkier with New Generation Company, Kengo Kurozumi - with his superb boogie, 'Juggler'
- and one of the queens of the genre, Hitomi 'Penny' Tohyama with 'Tuxedo Connection'.

Another fine example on the set is the mid-tempo groove of "I Wander All Alone Part III" by New Generation Company, an aggregate group of some of the best Japanese session musicians led by arranger Katz Hoshi and including Hiroyuki Namba (key), Kazuo Shiina (gtr) and Yutaka Uehara (ds) who all played with Tatsuro Yamashita among many others.

There are many other excellent examples in 'Tokyo Glow', showcasing the diversity and specificity of Japanese City Pop during the late 70s and 80s.

Nippon Columbia opened their much-guarded vaults to curator DJ Natoya. Tracks were remastered in Tokyo and the result, ‘Tokyo Glow’, is a unique insight into a most creative period in Japanese music.

A genre- blurring statement born from bedrooms and late- night studio sessions, the album fuses live drums, analogue synths, samples, and dense percussion into something critics struggled to pin down - baggy grooves meet electro-pop meets rave culture. Originally designed as an extension of the band's unpredictable live shows, Harder Than It Should Be captures a rotating cast of collaborators and a core four-piece that expanded into an eight-member spectacle. Tracks like Atom Bomb City, Cut It Loose and the cult single These Boys Are Athletes (featuring Bis vocalist Manda Rin) earned radio play and industry buzz - yet the album itself was never formally released. Recovered from early recordings and demos, this reconstruction reflects the original intent: a high- energy journey mirroring the band's live intensity. A document of a moment when MySpace buzz, indie discos and electro experimentation collided in small venues and word-of-mouth scenes.

For UnExposed Records first vinyl release, Uruguay’s Marcos Coya wanted to show the world a different side of his artistic approach. In a world of monotonous copy/paste, Marcos wanted to bring something unique to the table. A compilation of spacey, dreamy & emotional tunes custom built for the dance floor yet still experimental as well. Deep grooves & long developments. No fluff. No overbearing bangers. True underground production principles. Crafted for those with a refined palate.

The A-side is dedicated to Marcos Coya’s four to the floor production work. This sonic expedition begins w/ a bang: the record’s title track “Moon Trippin”! A showcase of freaky melodies accompanied by groovy percussions which bolster a vocal of Prince speaking his mind about the true essence of creating musical art & his disdain for mainstream music industry critics.

“Delirium” closes out the A-side w/ a dreamy acid house tune adding an emotional touch to the record. After hours material. A real step forward for Marcos and his production work. Leaning heavier than ever into trusting his melodies. Taking a bit more risk with his approach by creating something you’ve never heard from him on any of his nearly 20 vinyl releases over his career.

For the B-side we shift over to a more breakbeat approach with 2 absolute heaters. B1 introduces the track Hearthug has claimed to be one of the tracks of the year: “Rage Dog”. Rage Dog is a Marcos Coya signature track due to its rock & hip hop influences developed during his adolescence. Marcos even purchased new synthesizers specifically to improve this track & its melodies. The cherry on top is the vocal from Rage Against The Machine’s front man, Zack de la Rocha, which adds a rebelliously political undertone to the record, something UnExposed & Marcos both are very proud to address w/ passionate conviction during this time of war and injustice.

We close out the record with “D.N.A.”, the most experimental piece of art on this vinyl release. A wild combination of breakbeats, guitars, melodies & crazy vocals. The perfect bizarrely fascinating conclusion to this wild trip to the moon and back.

Early support from heavy hitters such as: DJ Koolt, Anthea, Velasco, KT, Hearthug, Mario Liberti, Daïf & many more!

Ursprünglich 1968 in New York auf Barakas eigenem Label Jihad veröffentlicht, ist "Black And Beautiful Soul And Madness" ein leidenschaftliches Zeitdokument der 1960er Jahre. Man könnte es leicht für eine verschollene Veröffentlichung von ESP-DISK halten, fügt es sich doch nahtlos zwischen Sun Ra, The Fugs und Albert Ayler ein. Die Band nutzte ihre Stimmen auf vielfältige Weise: mal singend im Stil von Doo-Wop und Soul, mal rappend im Stil der Last Poets, und oft auch beides gleichzeitig. Emotional fesselnd und von enormer Kraft, wird dieses Werk nun erstmals wieder auf Vinyl zugänglich.

Best Remixes is an album by Two Brothers On The 4th Floor, released in 2023. Best Remixes includes a.o. the following tracks: “Dreams 2016 (will Come Alive) (louis Bailar & Dimitris Kops”, “Dreams (will Come Alive) (twenty 4 Seven Remix)”, “Do You Know (where You're Going To) (ferry Corsten Remix)”, “The Sun Will Be Shining (ferry Corsten Remix)” and more. The album is a Coloured Vinyl, High Quality, Gatefold Sleeve dance 2-LP.

This limited-edition remix of popular Hong Kong singer KENDY SUEN, featuring exotic breakbeats by top producer K.U.D.O, of Major Force
Productions, which relaunched in 2025, is now available in clear vinyl and special packaging!

This 7" remix of popular Hong Kong singer KENDY SUEN, by top producer K.U.D.O, of Major Force Productions, which relaunched in 2025,
is now available in a special edition!
KENDY's exotic vocals evoke danceable breakbeats over a dreamy sound reminiscent of the jungles of South Asia. A must-have limited edition
for all DJs from this club music legend! Mastered by Bernie Grundman Mastering

RAWAX presents the 10th release by Ricardo Villalobos on his own series.
Another two new superb minimal monster. Vinyl only!

"Just As I Am" – wer spät seine Karriere startet, kann sich bereits ein ausdrucksvolles Persönlichkeitsprofil erarbeitet haben, auch wenn es so wie bei Bill Withers zunächst nicht von Musik geprägt worden ist. Withers diente viele Jahre in der US-Marine, jobbte als Milchmann und installierte bei einem amerikanischen Flugzeugbauer Toiletten in Jets, während seine selbst gefertigten und fleißig verschickten Demo-Tonbänder bei den Plattenfirmen im Abfluss landeten. 1971 folgte der steile Aufstieg, als der erfolgreiche Producer Booker T. Jones ihn ins Schlepptau nahm und ihm Top-Musiker wie den Gitarristen Stephen Stills, den Drummer Al Jackson und Donald 'Duck' Dunn als Bassmann ins Studio stellte.

In seinem Debüt-Album zeigt Withers seine universellen und ausgereiften Fähigkeiten als Sänger, Komponist und Interpret, die er in späteren Aufnahmen kaum mehr übertraf. "Harlem", ein ungeschönter Milieu-Funk über die die New Yorker Slums, "Grandma’s Hands", der obligatorische Rückblick in die Kindheit und die gemütslastige Ballade "Ain’t No Sunshine" mit ihrem gebetsmühlenartigen im Off-Beat kreisenden »I know, I know …« sind freigelegte musikalische Jahresringe eines erfahrenen Mittdreißigers, der endlich zu Wort kommt. Zu dieser Schallplatte des großen Songwriters mit dem kleinen Repertoire gibt es keine Alternative.

2024 Reissue

Transparent grünes Vinyl! Wieder lieferbar! Zum ersten Mal überhaupt seit der digital-only Veröffentlichung 2011 erscheint nun der erste "Minecraft"-Soundtrack in physischer Form. Die Vinylversion enthält zwölf Tracks! "Minecraft - Volume Alpha" ist das Werk des deutschen Komponisten und Musikers Daniel Rosenfeld. Unter seinem Künstlernamen C418 erschuf Rosenfeld den weitreichenden Soundtrack und das lebendige Sounddesign, das das auf Voxel aufgebaute Universum von "Minecraft" zum Leben erweckte. Fans und Kritiker waren durch die Bank weg begeistert von seinen beatlosen, ausgewogenen Electro-Stücken. Die bekannte Gaming Seite "Kotaku" führte den Soundtrack unter der "Best Game Music" 2011 und nannte die Musik "beeindruckend beruhigend", während The Guardian die zerbrechlichen Stücke Rosenfelds aus Klavier und minimalistischem Ambient mit den legendären Künstlern ERIK SATIE und BRIAN ENO. In einem Interview destillierte Polygon "Volume Alpha" auf seine Essenz hinuntern: "Der Soundtrack ist nicht gebunden an die Retro-Ästhetik der Minecraft Graphik. Der Soundtrack setzt sich über sie hinweg. Das Album ist ein Versuch, die kombinierte Game/Music Erfahrung in etwas Himmlisches zu übersetzen."

KRK Rap Atak 2.0 is a limited-edition compilation that unites Kraków's old and new school hip-hop talent. Mastered by DJ Eprom and featuring artwork by Maciej Wroblewski, this album showcases the city's vibrant rap culture. Each vinyl copy is hand-numbered, making it a true collector's item. With exceptional production and a unique artistic identity, KRK Rap Atak 2.0 celebrates the evolution of Kraków’s hip-hop scene.

Since 1992, Robin Storey (founding member of the pioneering post-industrial band Zoviet*France) has been creating innovative and thought-provoking music under the Rapoon moniker. Drawing inspiration from his early days with Z*F, he continues to push the boundaries of ambient, industrial, and world music genres, earning him a dedicated following across the globe.

Originally available in 1994 as a limited-edition DAT tape through Staalplaat Records, Cidar was later included as a bonus CD in the reissue of another Rapoon classic, Fallen Gods. Now, after years of anticipation, fans can experience this mesmerizing work as a stand-alone release – remastered and expanded with three previously unreleased tracks from the original 1994 recording sessions.

Cidar showcases Robin’s signature sound – a seamless blend of Z*F-inspired drones and loops intertwined with vibrant African percussion and hauntingly beautiful Asian string instruments. This combination creates an immersive, trance-like atmosphere that transports listeners into a world of meditative sonic exploration.

With its enchanting rhythms and deeply textured layers, Cidar stands as a testament to Robin’s unparalleled ability to craft music that defies genre boundaries while remaining instantly recognizable. Fans of both Zoviet*France and Rapoon will find themselves drawn into the hypnotic sounds of this timeless masterpiece.

The standalone release of Cidar marks an important milestone in the history of experimental music, offering audiences worldwide the opportunity to rediscover or experience for the first time one of Robin Storey’s most influential works.

Xzibit – Kingmaker markiert die lang erwartete Rückkehr der Westcoast-Legende, sein erstes Album seit 2012. Vollgepackt mit Heavyweight-Kollaborationen präsentiert Kingmaker Branchengrößen wie Dr. Dre, Ice Cube, Busta Rhymes, Redman, Royce Da 5'9", Ty Dolla $ign und viele mehr. Mit einer knallharten Produktion und Xzibits charakteristischer, messerscharfer Darbietung verbindet dieses Album rohe Lyrik mit erstklassigen Beats und bekräftigt Xzibits Status als Hip-Hop-Powerhouse. Kingmaker ist ein Muss für Shops und Fans gleichermassen und wird in der gesamten Kulturszene für Aufsehen sorgen.

DJ Himitsu is a Tokyo-born, London-based producer and DJ, known for his understated approach and deep knowledge of Japanese vinyl and book culture. Following a debut EP of acid house on Australian imprint Lunatic Music in 2023, 'Exotic Animals' marks a new waypoint in Himitsu's artistic evolution.

On this debut full length, driving 303 basslines and kickdrums are traded in for obscure recordings and convoluted samples, which spiral and fuse to form shuffling, heady new compositions. Like shattered pottery reassembled into top-heavy sculptures with golden glue, 'Exotic Animals' shapes and juxtaposes opposing forms and fragments, with lolloping aplomb.

When not producing, DJ Himistu runs Caravan - a vintage Japanese record, ceramics and bookshop in London. It's with the same warmth, care and curiosity that he arranges his findings in the plunderous grotto of 'Exotic Animals'. In this way, stepping inside this work is like entering a remote trading post of instruments, memoirs and other sonic curios - as Himitsu stands patiently at the counter.

Recommended for fans of Jon Hassell, Giovanni Venosta, Discrepant.

Repress !

In 1991 Coil released the third of their early classic full-length albums “Love’s Secret Domain”, seemingly casting aside the gloom and funeral beauty of its predecessors in favour of a painstakingly multi-layered hallucinogenic electronic beast, which unlike some of their fellow ex-industrial contemporaries’ releases of the time wasn’t an attempt at easy accessibility or (the-gods-forbid) danceability, but a vibrating psychedelic masterpiece unrivalled in their discography and still a landmark album. artwork by Steven Stapleton released in co-production with Infinite Fog Prod.

Das wandlungsfähige Trio Vanishing Twin präsentiert sein neues Album ,Archives" - eine Collage aus postmoderner Songkunst, die im gemeinsamen Schaffensprozess Transzendenz findet. Der Albumtitel spielt auf den unverwechselbaren Ansatz von Vanishing Twin an, tägliche Aufnahmesessions anzuhören, zusammenzufügen und neu zu bearbeiten. Gründungsmitglied Cathy Lucas beschreibt den Prozess so: ,Material sammeln, damit herumspielen, es auf den Kopf stellen, versuchen, die Teile zusammenzufügen und daraus eine Geschichte zu erschaffen". Da Lucas mittlerweile ins ländliche Frankreich gezogen ist und Valentina Magaletti sowie Susumu Mukai in London leben, verbinden sich die drei, indem sie Songs und Instrumentalfragmente in einem virtuellen Studio austauschen. Die geografische Distanz wird durch ihre kollektive Kreativität überbrückt, wobei jedes Mitglied als Multi-Instrumentalist seinen Beitrag leistet. Jeder Musiker bringt umfangreiche Erfahrung in Zusammenarbeit und Improvisation mit, wobei das Anhören und Bearbeiten von Studio-Sessions ein wesentlicher Bestandteil des kreativen Prozesses ist. Konzepte von Urheberschaft und Eigentumsrechten lösen sich in der Musik von Vanishing Twin auf, während die Mitglieder Instrumente tauschen und sich ganz dem Moment der Zusammenarbeit hingeben. Die ,Archive", die dem Albumtitel seinen Namen geben, werden zu Dokumenten der kollektiven Intelligenz des Trios. Die chaotische Energie von ,Archives" treibt Vanishing Twin in ungewohnte Formen und Richtungen. Außerhalb ihrer Komfortzonen findet das Trio neue Momente der Erleuchtung und Freude. Tief im Mix hörst du vielleicht, wie Magaletti zum Bass greift, Mukai unerwartet am Schlagzeug einspringt oder Lucas chamäleonartig durch die Lücken gleitet. ,Archives" verfeinert Vanishing Twins Modell des kollektiven Musizierens, bei dem Egos in spielerischen Mix-and-Match-Spielen in den Hintergrund treten und die Kreativität zwischen den drei Multi-Instrumentalisten fließt. Sie bewegen sich zwischen und außerhalb konventioneller Genrekategorien und reihen sich neben Weggefährten wie dem Tara Clerkin Trio und Still House Plants ein, wodurch sie die Vorstellung vom zeitgenössischen Musikensemble erweitern. Nach einem Jahrzehnt ihres Bestehens sind Vanishing Twin wandelbarer denn je.

Luca Lozano has long been an artist whose output as both a producer and designer we've admired and after many years of seeing his records fly off the shelves here at Phonica, we're delighted to be releasing the 'Da Vinci' EP by the Klasse Wrecks boss on our main label. We'll let Lucas, the modern day renaissance man himself, take it from here:

"These four tracks were created over a few sessions while I was settling into a dank basement studio (which was new at the time and now long gone).

‘The Magnificent’ and ‘Delta Force’ were made just after I acquired an old Korg Delta synth, I spent a lot of time getting the 1970s beast to sync up with modern equipment and both tracks make use of it in various elements.

‘Eau De Dave’ is a cheeky homage to a UK producer legend, I’ve been digging into his various older productions recently and went back to a fidget sound for the fun of it.

‘Crunchy Nut’ was kind of inspired by early U.K. tech house, it was the last track confirmed on the EP and came together super quick. As usual it’s a mix of old drum machines like a modded 707 and a bunch of old samples I’ve had on my computer for a couple of decades now. I’m happy I managed to work some slap bass into a track finally…"

Original Press Release: ‘Headsoup’ is a new compilation that deepens the legend of mysterious Swedish psych collective Goat even further. Collecting rarities from across band’s celebrated career, including standalone singles, B-sides and digital edits and two enormous brand new tracks. It’s a globetrotting acid trip of a record that’s even bigger in its scope than their acclaimed studio LPs.


From the incendiary heavy psych of their earliest work, like debut B-side ‘The Sun And Moon’, to the serene Requiem’-era alternate take ‘Union Of Mind And Soul’, to the simmering menace of their latest material, it’s a record as multifaceted as Goat themselves, packed with detours in every conceivable direction. Taking in jazz-flute solos, pounding Afrobeat rhythms, ferocious desert blues, drifting Ethio-jazz, this is, as the name of Goat’s first album made clear, ‘World Music’ in its most complete form, a sound unrestrained by genre boundaries. Yet the band are anything but lazy appropriators. They approach their forebears with upmost reverence, articulating a celebratory cultural cross-pollination.And what about these two new tracks? ‘Fill My Mouth’ is a scuzzy psychedelic funk knockout, the sleaziest thing the band have ever recorded. ‘Queen Of The Underground’, meanwhile, is truly herculean, a swaggering psychedelic powerhouse of the very highest order. Sometimes dark and heavy, at others joyous and beautiful, like Goat themselves ‘Headsoup’ is mysterious, and constantly shapeshifting, difficult to properly pin down but constantly enthralling. Almost a decade since Goat first emerged from the depths of Korpilombo, there is still no other band on earth that sounds quite like them.

Ediciones Espectro Oculto returns with EOD003, its third release and the opening instalment of a new Split Series — a side each for two artists who deal in the shadows: Mick Wills & Blackmoon77.

Mick Wills handles the A-side in familiar territory, mining the margins of European DIY synth culture for cuts & edits. A1, “Six Six Six Sex”, resurrects a forgotten wave track laid down in 1983 by Venlo duo Carin & Henk, Carin Kollenbrander’s conspicuous, sexed-up vocals carrying the unmistakable spirit of the early-’80s minimal synth underground. A2 cuts “New York” by MCL a new beat staple first issued on German’s Boy Records, tightened into a playful, dancefloor-ready tool. Closing the side, Mick Wills turns to Folkvett’s “Kommando Kamprad” — originally out on Pater Noster Ltd. in 2012 — an ethereal, out-of-body drift that pulls the mood inward.

On the flip, Blackmoon77 doubles down on their signature across three originals: dark, raw and hypnotic wave built for bold & audacious DJs and fierce dancers.

All tracks mastered by Alden Tyrell.

As always, this is a one-time pressing of 250 copies — no repress, and no digital until the vinyl is gone.

Richard Sen debuts on Phantasy with ‘Space 1999 / Bergen Light Rail’, the first transmission from the illustrious DJ and producer since his vinyl-only solo LP, 2024’s ‘India Man’.

Deeply invested in electronic music for over thirty years, first at the intersection of London’s acid house and graffiti art scenes, evolving in cult duos Padded Cell and Bronx Dogs, and now generously sharing his formidable knowledge of club culture on London’s Do!! You!!! Radio, Sen is known to take listeners anywhere. On this occasion, he locks into two distinct influences from his winding creative journey, with ecstatic results.

The title of ‘Space 1999’ mirrors Sen’s own hand-painted accompanying artwork, yet its sonic influence sits much closer to our own orbit; A tribute to a slice of London nightlife history, Space at Bar Rhumba was a midweek party led by residents Luke Solomon and Kenny Hawes, whose selections helped sculpt the deep house scene at the turn of the millennium. ‘Space 1999’ transports contemporary dancers back there in no less than ten minutes, led by a deep bassline and swinging drums, while an intergalactic melody slowly takes hold, resulting in pure satisfaction.

‘Bergen Light Rail’ embraces a different kind of kosmische, looking to the northern light of space disco and following the tram route of its namesake to the Norwegian city’s beloved Club Ostre, riding a rhythm of pogoing toms and crashing drums. Conjuring a dreamy tête-à-tête between ever-expanding, heavenly synths and tightly-wound arpeggiators, Sen’s transmission to the stars is a deeply human call to dance.

Nicolas Balmer reveals the heavy silence of his soul.
Facing his own mirror.
The soundscape unfolds.

Fire sets the tone.
Kindling of the abyss, driven to go on and on.
Passion in his language contains suffering.
A silver lining, found in delicately layered noise.

A myriad of intertwined sounds paint the melodies of a life.
Holding the memories of those who danced with his shadows and light.

Nicolas releases his album “Leben” on Zürich based Subject To Restrictions Discs. While moving between New Wave, Kraut and Electronics, his intuition for ambient oozes from each composition, fast-paced or slow. As Nicolas Balmer lays bare his most intimate sources of inspiration with Leben. He holds nothing back.

The album is shaped by a sense of optimistic melancholy: restless and contradictory, yet full of hope. The music is not about arriving, but about the journey: loss and finding oneself; despair, love, guilt and forgiveness. This is an album that does not seek to explain life, but rather embraces it in all its contradictions.

Nicolas Balmer is a Zurich-based multi-instrumentalist, producer and synthesizer enthusiast who has been exploring contemporary music for over fifteen years. Working across music, theatre and interdisciplinary projects, he moves between genres and forms. His work includes the electronic project Nico Sun, the experimental duo Gūsū with Xueyan Chen, the collaborative project Konstant with Angelo Repetto and Kenel/Sonne. He also composes and produces music for theatre and performance, as well as working in mixing and production. Across his projects, Balmer is driven by raw textures, emotional authenticity and a search for an independent musical language.

Selected by Lea Lisa, Many Shades Of House - Vol 2 is a reflection of time, movement and memory. Built from decades of digging, collecting and playing records, this new chapter captures the many emotional layers of house music.

From uplifting, groove-led moments to deeper, more obscure and cerebral territories. Each track has been chosen not only for its musical strength, but for the stories it carries: nights behind the decks, connections on the dancefloor, and the quiet influence these records have had along the way.

True to the spirit of the first volume, this selection celebrates diversity and timelessness without compromise. It is a tribute to the artists’ vision, to the culture that surrounds this music, and to the shared experience that continues to unite listeners, dancers and selectors across generations.

Originally released in 2024 on KOWBOI, Klint’s Cheetah now arrives on vinyl for the first time. A raw and driving EP built for the dancefloor, bringing together groove, tension and hypnotic energy across the full record.

CBR010 Que no te eduquen, aprende! EP by Hannah Addams First solo EP in vinyl for Domingo aka Hannah Addams. 5 Original Cuts, printed in wax to celebrate the 10th vinyl release on Casanova Bar Records. Raw, Hypnotic, Powerful and rolling grooves. No downs, but straight Techno, just the way Hannah Addams understands Techno Music. Playing with the patterns between a 4/4 kick and 5 or 7 or even 3/8 patterns on the bass line. Artwork by Domingo Casanova. Picture taken by himself to "El Gran García" while playing Damas back in 2021. Mastered at Koschitzky Mastering All rights reserved © Casanova Bar 2026

XKatedral ist stolz darauf, ein neues Album in voller Länge von Label-Mitbegründerin Maria W. Horn zu präsentieren. ,Melting Pillars of Snow" ist eine Sammlung neuer Kompositionen der renommierten schwedischen Komponistin, geschrieben für Kontrabassblockflöte, Sho, Percussion, E-Gitarre, Gesang und Elektronik, gespielt von Horn zusammen mit einem Kammerensemble bestehend aus Anna Petrini, Mattias Hallsten, Magdalena Meitzner und Mats Erlandsson. Das Album enthält außerdem eine Erzählung von Horn sowie einen Gastauftritt von Michael Gira auf der ersten Single ,Scythe of Saturn". Für ,Melting Pillars of Snow" ließ sich Maria von W. G. Sebalds Roman ,Die Ringe des Saturn" inspirieren, einer poetischen Reflexion, die einem namenlosen Erzähler folgt, der an der Küste von Suffolk in England umherwandert. Während sich die Landschaft allmählich verändert, thematisiert der Text auf vielfältige Weise den Lauf der Zeit und die Distanz zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft und spiegelt dabei sowohl weitreichende zeitliche Maßstäbe wie die Zyklen der Jahreszeiten und die tiefe historische Zeit als auch mikroskopisch kleine Momente und Fragmente wider. Mit den Kompositionen auf dieser Veröffentlichung beschwört Maria ein ähnliches Gefühl der Stille herauf - eine Umgebung, in der die Bewegung der Zeit selbst beleuchtet und beobachtet werden kann. Das Instrumentarium auf diesem Album ist Horns bislang ambitioniertestes: Sie ergänzt ihre gewohnte Palette aus maßgeschneiderter algorithmischer Synthese und elektronischer Bearbeitung um eine komplexe Auswahl an Perkussionsinstrumenten, Blasinstrumente, die an beiden Enden des musikalischen Spektrums spielen, sowie E-Gitarre, um so einen spiralförmigen, spektralen Klangteppich durch den gesamten Frequenzbereich zu weben. Die Perkussionistin Magdalena Meizner spielt spezielle Techniken auf dem Obertondreieck, dem Dubachi, den Pauken und dem Tam-Tam sowie auf gestimmten Weingläsern und gestrichenen Crotales. Die von Anna Petrini gespielte tieftönige Kontrabassblockflöte und das von Mattias Hallsten gespielte hochfrequente Sho fügen kontrastierende Akkordarrangements hinzu, die in strengen metrischen Strukturen eingebettet sind. Das Ensemble wird durch Mats Erlandsson vervollständigt, der auf E- und Akustikgitarren spielt und dabei von sanften Arpeggio-Figuren zu düsteren Drones und Feedback-Heulern wechselt.

Der dritte Teil der Pentimento-Trilogie. Aufgenommen am 23. Mai 2015 in der Londoner St John at Hackney-Kirche während Jon Hassells letztem Live-Konzert, gemeinsam mit Rick Cox und John von Seggern. Themen, Motive und Riffs aus Hassells letzten beiden Alben – "Listening To Pictures" und "Seeing Through Sound" – durchziehen diese einzigartigen, halb-improvisierten Variationen. Sorgfältig abgemischt und bearbeitet von Jon Hassell und seinem langjährigen Weggefährten Jeff Rona, bildet dieses Werk einen würdigen Abschluss für die Renaissance der Pentimento-Reihe in seiner späten Schaffensphase.

2026 jährt sich die Veröffentlichung von Koop Islands, dem gefeierten dritten und letzten Studioalbum des schwedischen Duos Koop, zum 20. Mal. Mit seiner einzigartigen Verbindung aus Jazz, Swing, Electronica und filmischer Orchestrierung etablierte das Album Koop als international renommierten Act. Umfangreiche weltweite Tourneen und ein Katalog, der bis heute eine große globale Streaming-Hörerschaft begeistert, folgten.Mit Gaststimmen von Ane Brun, Yukimi Nagano von Little Dragon, Mikael Sundin und Earl Zinger enthält Koop Islands den internationalen Streaming-Hit ,Koop Island Blues", der inzwischen mehr als 100 Millionen Streams auf Spotify verzeichnet. Das Album bietet außerdem ,Strange Love", Koops zweiterfolgreichsten Song im Streaming, der hier als Bonustrack enthalten ist. Zuvor war der Titel nicht auf einer regulären europäischen Vinyl-Ausgabe erhältlich - nun erscheint er erstmals in diesem Format.





e 5STRANGE LOVE [BONUSTRACK]





[e] 5STRANGE LOVE [BONUSTRACK]

Among the most influential hip-hop artists to emerge in the rapid creative expansion of the early 1990s, Queens duo Organized Konfusion helped reshape rap's aesthetic horizons with the 1991 release of a groundbreaking self-titled album. A dizzying display of lyrical dexterity and forward-thinking production, Organized Konfusion helped lay the foundation for what would become underground hip-hop, with intricate wordplay and cerebral rhyme structures. Both Pharoahe Monch and Prince Po shine throughout the album, revealing
the immense talent that would later establish Monch as one of hip-hop's most revered voices and spark Po's collaborations with producers like Danger Mouse, Madlib, Large Professor, Oh No, and more. From playful nostalgia to sharp social commentary to surreal linguistic explorations, the duo navigates chaotic drum breaks with dense rhyme patterns, vivid imagery, and ever-shifting narratives. After decades of limited availability and unofficial bootlegs, this is the first official vinyl reissue of Organized Konfusion since its1991 release. Featuring three rare bonus tracks, this 35th anniversary edition is available on 2LP and CD, giving a long overdue spotlight to one of hip-hop's most important albums.

It’s rare for a hardcore punk band to make four full-length albums, and rarer still for the fourth album to be the band’s masterpiece. Yet Paratiisi, the fourth album from Helsinki punks Kohti Tuhoa, stands as the undeniable coup de grâce of a catalog overflowing with classic hardcore punk. If you’re already a fan, it’ll comfort you to know Paratiisi leans heavily on the strengths Kohti Tuhoa has possessed since their earliest releases: a timeless sound that combines UK82 drive and hooks with dramatic metal flourishes; a captivating vocalist with the perfect balance of grit and clarity, who can both howl like a banshee and carry a tune; and a particularly Finnish way with a driving, medium-fast tempo. But for all the continuities with Kohti Tuhoa’s excellent previous records, Paratiisi almost feels like the work of a new band. The riffs and choruses that anchor the album are impossibly catchy; Paratiisi bulges with huge moments that practically force you to air guitar and sing along (even if you don’t speak a word of Finnish), the band’s peerless chops and the rich and clear recording driving these climaxes to dizzying highs. But while the hooks are memorable, there isn’t a moment on Paratiisi that feels dumbed-down or overly familiar.

In fact, the album feels notably ambitious, pulling influences from across punk’s historical and aesthetic breadth and digesting them seamlessly into Kohti Tuhoa’s distinctive sound. The lyrics (don’t worry: English translations are included!) meet the same high bar as the music. They’re direct, assertive, and punk, but they’re also subtle and insightful, whether they’re tackling huge issues like microplastics or sharing a very personal account of a sexual assault and its aftermath. And then there’s Paratiisi’s most unexpected moment, “Eliitin Psykopatia,” a free punk freakout in the tradition of “Why (Reprise)” and “L.A. Blues.” If Kohti Tuhoa’s brief foray into free jazz tries your patience, though, don’t worry, because after three minutes of building tension, they reward you with what is bound to be the best riff of 2026, a clash of chords potent enough to blow holes through walls the world over. Paratiisi is the sound of one hardcore punk’s most exciting bands at the height of their powers.

KKYV10 is a four-track EP by Bulgarian producer Loopdeville, currently based in Spain. The release explores a flexible space between minimal, breakbeat and house, shaped by groove-led structures, textured sampling and a slightly twisted, off-centre energy. Built to move through different moments — daytime light, peak pressure, late fade. The EP opens with "The Bizz", a track built around jazzy elements, vocal cuts and a jackin low-end. Its warm, rolling groove sets a natural tone for the record, balancing playfulness with reflections. "Shmuck Norris" follows with a heavier, more direct approach. Driven by raw drums and a rolling bassline, the track leans into a big-beat aesthetic while maintaining a stripped structure. On "Rashford", the EP shifts into a breakbeat framework. The track carries a deeper, more introspective mood, with subtle background movement adding acid tension beneath it’s surface. The closing track, "Septimo", draws from UK-influenced minimal with garage elements. Focused on sub frequencies it is designed for systems that favour depth and clarity in low parts. Together, the four tracks form a cohesive yet varied release, reflecting Loopdeville’s recognisable sense of tension and detail while staying totally aligned with Kooky’s sonic direction.

Released by Polydor Records on April 1, 1972, Mandrill Is is the second album by Mandrill, the Brooklyn seven-piece led by brothers Carlos, Lou, and Ric Wilson.


Recorded at Electric Lady Studios during the winter of 1971?72, it finds the band refining the adventurous blend of funk, soul, jazz, rock, and Latin rhythms established on their acclaimed debut. With its powerful horn section, deep grooves, percussion-rich arrangements, and flashes of psychedelia and jazz-rock, Mandrill Is sounds both tighter and more ambitious than its predecessor. "Ape Is High" and the horn-driven "Git It All" deliver the album's most immediate funk, while "Cohelo" and "Kofijahm" explore Latin and Afro-diasporic rhythmic traditions. "Children of the Sun" and "Lord of the Golden Baboon" stretch further into expansive, progressive territory, revealing a band as interested in atmosphere, arrangement, and instrumental interplay as in the groove itself. The album's strength lies precisely in that refusal to settle into one category. Mandrill use funk as a foundation for moving freely between soul, jazz, rock, Latin music, and psychedelic textures, creating a sound that is unmistakably their own.


Mandrill Is captures the group at an important early peak: more focused and confident than their debut, yet still willing to follow the music wherever it leads. Pressed on 180g vinyl.

For nearly a decade, fans have become familiar with Entheos through the unmistakable chemistry and creative vision of vocalist Chaney Crabb and her musical and life partner, multi-instrumentalist, Navene Koperweis. Whether through Crabb’s viral vocal performances and unbelievable range or Koperweis’ boundary-pushing musicianship and songwriting, the duo has established Entheos as one of the most forward-thinking acts in modern metal. On the band’s latest album, Empty on the Inside, they are joined by guitarists Scott Carstairs (Fallujah) and Michael Stancel (Allegeon) along with longtime contributor and former bandmate Evan Brewer, creating the most fully realized incarnation of the band to date.

Mit der „TECHNO CLUB CLASSIX VOL. 1 - VINYL EDITION“ erscheint erstmals eine Vinyl-Ausgabe der beliebten Technoclub Classix-Reihe. Welche Tracks auf die farbige Doppel-LP kommen, haben die Technoclub-Fans selbst
entschieden: In einer Umfrage konnten sie für ihre Favoriten abstimmen. Das Ergebnis sind 13 Trance-Klassiker aus einer Zeit, die den Sound des Technoclubs bis heute prägt.

Mit dabei sind Chicane mit „Saltwater“, Nikolai mit „Ready To Flow“, The Thrillseekers mit „Synaesthesia“ und Veracocha mit „Carte Blanche“. Dazu kommen weitere bekannte TranceTracks in ausgewählten Maxi-Versionen und Remixen, unter anderem von Talla 2XLC, DJ Quicksilver und Rank 1. „TECHNO CLUB CLASSIX VOL. 1 - VINYL EDITION“ bringt die von den Fans gewählten Technoclub-Favoriten gemeinsam auf Doppel-Vinyl - für alle, die diese Trance-Klassiker damals gefeiert haben und heute noch feiern

Following the success of the inaugural all-Jiri Jiri edition, Batov Records returns with the second instalment of its Give Me Disco series, once again curated by label co-founder and globe-trotting selector DJ Kobayashi. Rather than revisiting familiar disco classics, Give Me Disco Vol. 02 digs deeper, bringing together four dancefloor discoveries from across Europe and Asia, including two previously unreleased tracks available here for the first time.

Spanning Portuguese jazz-funk, Norwegian cosmic oddities, Japanese-inspired psychedelic disco and cinematic groove, the EP reflects the breadth of Kobayashi's record bag - a carefully assembled selection of tracks that have soundtracked his DJ sets for years alongside exclusive material rescued from the vaults.

Opening the record is The Bam Jam Band's brilliantly understated "Theme", a soaring slice of jazz-infused disco from Portuguese musicians Sérgio Alves and Pedro Tenreiro. Originally released only as a now long-sold-out 7 inch on Mad About Records, the track has become one of Kobayashi's trusted secret weapons, championed by discerning selectors including Darryn Jones and Red Greg. Built around Alves' dazzling synthesiser work, "Theme" finally gets the wider audience it deserves. The EP's first exclusive arrives courtesy of D. Apal, instrumentalist and member of Norway's Flammer Dance Band. His only solo release, issued on the band's Lysketrekk Records, has become a cult favourite among adventurous record collectors. Batov now unveils the previously unreleased "60 Meter'n (Rytme)", an extended instrumental dub that strips away the vocals to let the handclaps, cavernous bassline, dub effects and wonderfully eccentric synthesisers breathe, transforming an underground favourite into an irresistible dancefloor weapon.

Side B opens with YĪN YĪN's "Tokyo Disco", taken from the band's acclaimed third album Mount Matsu on Glitterbeat Records. Long-time admirers of the Dutch quartet, Kobayashi has championed them since first hearing the breakthrough pairing of "Dis ̄ kô Dis ̄ kô" and "Dion Ysiusk" on Bongo Joe. Since then, he has hosted the band twice on Soho Radio and supported them live in London. "Tokyo Disco" perfectly captures YĪN YĪN's distinctive blend of Japanese-inspired psychedelia, Southeast Asian influences, post-punk funk and shimmering disco grooves, making it a natural fit for the Give Me Disco series.

Closing the EP is another exclusive from Jiri Jiri, whose contribution helped launch the series on Vol. 01. Ahead of their forthcoming album later this year, the duo unveil the previously unreleased "Spaghetti Western", a wonderfully off-kilter fusion of Morricone-esque cinematic atmosphere, taut funk rhythms and the soulful modern groove of SAULT. Equal parts soundtrack and dancefloor curveball, it provides a fitting finale while offering another tantalising glimpse of what's still to come. With two exclusive cuts sitting alongside two carefully chosen modern classics, Give Me Disco Vol. 02 is another lovingly curated snapshot of DJ Kobayashi's musical universe: borderless, groove-driven and unapologetically built for adventurous DJs, discerning collectors and open minded dancefloors alike.

Mit Halt mich fest präsentiert die Rostocker Punk-Institution Dritte Wahl ein prägendes Kapitel ihrer Bandgeschichte - nun als limitierte Jubiläums-Edition auf Musikkassette neu erlebbar. Seit ihren Anfängen im DDR-Untergrund steht die Band für eine unverwechselbare Mischung aus druckvollem Deutschpunk, Metal-Einflüssen und klar positionierter Haltung. Songs dieser Phase spiegeln eine Zeit wider, in der politische und gesellschaftliche Spannungen direkt und ungeschönt in Musik übersetzt wurden. Mit kompromisslosen Texten und eingängigen, kraftvollen Arrangements hat sich Dritte Wahl weit über die Szene hinaus Gehör verschafft. Titel wie "Macht die Augen auf" oder "Bad K." stehen exemplarisch für eine Band, die Haltung zeigt und Ereignisse ihrer Zeit kritisch reflektiert. Diese Jubiläums-Edition bringt den charakteristischen Sound und die thematische Wucht von Halt mich fest in einem besonderen, analogen Format zurück - roh, direkt und zeitlos relevant.

2026 Repress

Dial Records boss makes a welcome return to Smallville in March of 2024 with a fresh four-tracker EP ‘Gravity Hill’. Peter Kersten, better known to most as Lawrence, has been at the forefront of underground house and techno for decades now. His Dial imprint, co-founded alongside Carsten Jost, has grown to become a north star for many seeking out raw, emotive and understated electronic music and Lawrence’s own productions follow a similar path, finding a home on many beloved labels beyond Dial such as Kompakt, Mule Musiq, Ghostly
International, Giegling, Pampa and of course Smallville, that he co-founded together with Stella Plazonja and Julius Steinhoff in 2005.
Title-track ‘Gravity Hill’ opens the project and perfectly sets the tone with Lawrence’s distinct atmospheric haze of keys, chords and pads billowing atop swaying bass tones and crisp drums. ‘Beaver’ follows next and edges into dubbed out realms with expansive stab delays, rounded subs, modulating percussive flutters and a robust rhythmic drive.
‘The Swamp’ then leads the B-side, diving into a deeper territory via airy Rhodes melodies and subtly unfurling pads, intertwined with organic percussion and a jazz tinged bass line. ‘Stargazer’ then concludes the package and shifts back to a more straight, dance floor- oriented feel via a twitchy acid bass, circling resonant synth licks, hypnotic textures and a swinging drum groove.
Smallville 62 artwork by Stefan Marx as always and it's the first 12“ Smallville cover in full colour ever after 61 black/white releases.

Mit Selbstbewusstsein und Präzision kehrt der sich ständig weiterentwickelnde Musiker, Produzent und Rapper Ishmael Butler als Shabazz Palaces mit It's a Style Sport zurück. It's a Style Sport bleibt dem Stil von Shabazz Palaces treu - mit seiner gewagten Mischung aus experimentellem Hip-Hop und freier Poesie - und offenbart gleichzeitig eine nachdenklichere und direktere Seite des Musikers aus Seattle. ,It's a Style Sport" zeigt, wie Butler das, was er in seiner legendären Karriere gelernt hat, zu einem verspielten, schillernden Portal zusammenfügt und sich damit erneut als Künstler mit chamäleonartigem Ehrgeiz beweist, angetrieben von Neugier, Mut und grenzenloser Fantasie. Das Album ist das Ergebnis einer gemeinschaftlichen Zusammenarbeit mit vielen Mitgliedern von Butlers Tourband: Evan Flory-Barnes am Kontrabass und E-Bass; Thaddeus Turner an Gitarre, Keyboards und Gesang; Kassa Overall am Schlagzeug; Gerald Turner am Bass und Gesang; Marquetta Miller am Gesang; und Carlos Overall am Saxophon. Butlers langjähriger Freund und Mitstreiter Erik Blood übernahm Instrumentierung, Produktion und Abmischung. Auf It's a Style Sport wird ein Bild von Butlers früheren Leben als Rapper und Performer seiner heutigen Persönlichkeit gegenübergestellt - provokativ und aufschlussreich zugleich. Im Kern ist It's a Style Sport eine Ode an die Rap-Szene vergangener Jahre, als der spielerisch-wettbewerbsorientierte Ehrgeiz das Genre dazu trieb, seine Kollegen stets zu übertrumpfen, zu überholen und an Raffinesse zu übertreffen.

Muss sich alles ständig so schwer anfühlen? Claud Mintz ringt ständig mit dieser Frage. Und zwar nicht in Form von höflichen kleinen Wortgefechten, sondern in Form von großen, langwierigen, existenziellen Kämpfen - von der Art, die einen letztendlich dazu bringen könnte, den Kurs des gesamten Lebens zu ändern. Die 10 Songs auf seinem facettenreichen und glanzvollen dritten Album ,Me and the Music" zeigen den 27-jährigen Singer-Songwriter und Produzenten aus Brooklyn, wie er sich mit dieser Frage auseinandersetzt und schließlich triumphierend zu etwas gelangt, das einer Antwort nahekommt: Die Dinge können schwer sein, aber das bedeutet nicht, dass man keinen Spaß haben kann. Das Leben kann schwer sein, aber das Bier in Ihrer Hand ist es nicht - warum sollten Sie es nicht für einen Moment in die Höhe recken, mit den Freunden um Sie herum mitsingen und Ihre Sorgen für die Dauer eines perfekten Indie-Pop- Songs vergessen? ,Me and the Music" ist Clauds erstes Album seit drei Jahren, seit dem 2023 erschienenen, hochgelobten ,Supermodels". Sowohl ,Supermodels" als auch ,Super Monster" aus dem Jahr 2021 waren weitgehend inspiriert von ,dieser einen unklaren Beziehung", von der er irgendwann während des Schreibens von ,Me and the Music" erkannte, dass sie ,eigentlich nie wirklich etwas war". ,Supermodels" war ein so ernstes Album, und ,ich habe einfach so lange in meinen Gefühlen geschwelgt", sagt Claud. ,Es gibt einen Unterschied zwischen Aufrichtigkeit gegenüber dem Leben und dem Leben zu ernst zu nehmen." Diese Erkenntnis veränderte alles: Im Titelsong von ,Me and the Music" singen sie: ,Das ist der letzte Song, den ich von dir ruinieren lasse", und das meinten sie auch so. Nachdem Claud diesen Song geschrieben hatte - in den berühmten Electric Lady Studios zusammen mit ihren Freunden Hank Heaven und Annie DiRusso -, begannen sie, sich völlig befreit zu fühlen. ,Dadurch wurde viel Bedauern losgelassen, das ich mit mir herumgetragen hatte, und es ermöglichte mir, zu denken _ das macht so viel Spaß", sagen sie. ,Musik zu machen macht so viel Spaß." Das Markenzeichen von Me and the Music sind also Songs, die die Komplexität des Erwachsenwerdens und des Lebens in der Welt einfangen, ohne dabei den Sinn für Verspieltheit oder Spaß zu verlieren. Es ist ein typisches ,Slice-of-Life"-Album , das neue Romanzen, Insider-Witze, Gap-Werbespots, die Band ,America" und das Land Amerika thematisiert und all diese Dinge mit Sorgfalt und Rücksicht behandelt. Die Lead-Single ,She Doesn't Love Me" von ,Me and the Music" ist in vielerlei Hinsicht der Kern des Albums - ein leichtfühliges Lied darüber, wie es ist, in den 2020er Jahren in Amerika queer und trans zu sein. (Es ist eine kraftvolle, mitreißende Hymne, die vor Schmerz nicht zurückschreckt - und trotzdem Lust macht, wie Claud in dem Titel singt, die ,Biere in die Luft zu recken".) Als Claud den Song gemeinsam mit Heaven und DiRusso schrieb, waren sie fest davon überzeugt, dass es ein Yacht-Rock-Song werden sollte; das Demo klang letztendlich dennoch ,Lo-Fi und Indie". ,Me and the Music" wurde von Claud und John Congleton (Alvvays, St. Vincent) produziert und bedeutet für Claud, dass sich der Kreis schließt: Mit diesem Album hatte Claud endlich das Gefühl, als Produzent selbstbewusst genug zu sein, um die Rolle des Co-Produzenten zu übernehmen (und hat seitdem eine Reihe viraler Singles von Romy Mars produziert). Die Zusammenarbeit ist natürlich ein wesentlicher Bestandteil von Clauds Arbeit - wer wären wir ohne unsere Freunde? Neben Claud gehört er zu einem Viertel zu Shelly, einer Band, die er gemeinsam mit Clairo, Noa Getzug und Josh Mehling gegründet hat. Auf ,Me and the Music" arbeitet Claud bei dem Titel ,The Legend" erneut mit ihrem langjährigen Kollaborateur Dan Nigro (Olivia Rodrigo, Chappell Roan) zusammen. Der Song thematisiert das Gefühl, tief in jemanden verliebt zu sein, der nicht mit einem gesehen werden möchte, sagt Claud: ,Es geht gewissermaßen um eine beschissene Beziehung und den Wunsch, die Liebe zur Schau zu stellen, ohne jedoch dazu in der Lage zu sein ", erklären sie. Doch wenn es auf ,Me and the Music" ein echtes Liebeslied gibt, dann ist es ,I Owe You", ein Dream-Pop-Road-Song, der hingebungsvoll und facettenreich ist. Er fängt den Geist von ,Me and the Music" als Ganzes ein: die Dinge Tag für Tag zu nehmen, Bilanz über das zu ziehen, was einen umgibt, und die schönen Dinge anzunehmen, wenn sie sich bieten. Das fühlt sich gar nicht so schwer an.

The Garden, experimental punk duo made of twin brothers Wyatt and Fletcher Shears and their new album Bootleg is available on vinyl and CD via Epitaph Records. Recorded in Los Angeles and produced by Wyatt and Fletcher, the 14-track album is packed with The Garden"s eclectic instrumentation and visceral production work. Formed in 2011 by twin brothers Wyatt Shears and Fletcher Shears, The Garden built their signature "Vada Vada" style from the raw foundation of bass, drums, and eerie electronic textures. Their minimalist approach delivers an explosive, genre-defying sound that is equal parts chaotic, precise, and unmistakably original. Blending an uncanny, arthouse-inspired visual identity with fearless creativity, The Garden has become one of alternative music"s most influential cult acts, beloved by Tyler, the Creator and Mac DeMarco. Renowned for their explosive live performances, they"ve cultivated a fiercely dedicated global following while inspiring a new generation of artists and fans drawn to their singular creative vision.