Playlists Presale

Gravity Freeze ist die andere Seite derselben Medaille und entstand im gleichen Zeitraum wie Electric War.
Beide Alben wurden parallel aufgenommen, wobei bei Gravity Freeze Tony Coote am Schlagzeug sitzt. Die
Songs wurden in derselben Phase geschrieben und aufgenommen, allerdings gab es Stücke, die sich natürlicher in den Little Barrie-Kosmos einfügten – Gravity Freeze verfolgt dabei einen stärker songorientierten
Ansatz mit einer direkten Verbindung zu Rhythm & Blues, während Electric War experimenteller angelegt
ist.
Barrie hatte zuvor bereits mit dem Produzenten Rupert Lyddon an verschiedenen Soundtrack- und Filmprojekten gearbeitet, darunter der Dokumentarfilm-Soundtrack zu Dogs On The Streets sowie Barries
musikalische Beiträge zu Elvis und The Black Phone von Scott Derrickson.
Dies ist das erste Little Barrie-Album seit dem tragischen Tod von Virgil Howe im Jahr 2017.

Inspired by the Lunar New Year, "Ancient China" is a timeless auditory journey blending traditional Chinese musical elements with contemporary lofi beats. Across 24 tracks, live instruments like the pipa and xiao intertwine with modern production to create a soundscape designed specifically for focus and reflection. Presented as a limited "Jade Mist" double vinyl edition housed in a panoramic gatefold jacket, this compilation serves as the perfect peaceful companion to welcome the Year of the Horse.

Inside his quiet, neon-lit room after midnight, the night settles in shades of blue and violet. Screens glow softly, shelves sit lined with dormant consoles, and the outside world feels distant beyond dark windows and sleeping streets.

4 AM Chill Session is an invitation to watch the stars flicker with each spin of the vinyl. In the quiet hours of the night, let the blend of dreamy melodies and relaxed electronic rhythms pull you into a new dawn with this early-morning synthwave compilation. The nostalgic, intimate atmosphere of these 20 tracks will keep you grounded as the hours fade toward morning.



The physical edition is a visual extension of the music: pressed on double "Starry Night" splatter vinyl, the deep blue and sparkling white patterns mirror the celestial aesthetic of the 4 AM sky.

[a] A1 WYS x dreamẅalker Remix - Snowman [dreamẅalker Remix]

Logistics makes a highly anticipated return after a three-year hiatus, with a whopping 24-track album.

Released across four 12 inch records, housed in spined sleeves, and presented in a premium two-piece lift-off box with scratch resistant matt laminate, matt varnish, and with fully printed packaging throughout. It is a beautiful presentation of this new LP from a Hospital Records legend.

Dropping almost out of the blue, the current reception from fans, artists & industry heads off the back of the 'ambush' announcement has been incredible. The album campaign is illusive, but rewarding to fans who have been waiting so long for brand new music from Logistics, they've now got 24 brand new tracks to get stuck into!

Lonnie Liston Smiths 'Expansions' ist eines der einflussreichsten Alben aller Zeiten, dessen Sound viele verschiedene Genres streift. Es ist ein Grundpfeiler der Dance-Musik und eine Hymne für die britische Clubszene. Zum 50. Jubiläum feiert Ace Records diesen Einfluss mit einer hochwertigen Deluxe-Vinyl-Edition des Albums. Mit dem Original-Masterband haben sich die Mastering-Spezialisten ins East Londoner Carvery-Studio niedergelassen, um das Album komplett analog aufzunehmen - es hat noch nie besser geklungen! In einer laminierten Klapphülle verpackt, die Jack Martins Original-Illustration des Künstlers so erstrahlen lässt wie nie zuvor. Dazu kommt ein ausführlicher, illustrierter Covertext von Frank Tope, der die Reise der Platte durch das Universum von ihrer spirituellen Jazz-Tradition zur Club-Hymne erzählt. Diese Album-Story wird mit Unterstützung von Gilles Peterson, Norman Jay und anderen erzählt. Das Album als Ganzes ist unverzichtbar und geht über die Tanzbarkeit des Titeltracks hinaus. Mit seinen sieben Tracks zählt es zu den großen Jazzalben der 70er Jahre. Produziert von Lonnie Listen Smith und Bob Thiele, sollte es in keiner Plattensammlung fehlen.

Lorelle Meets The Obsolete return with their seventh album. It's the Mexican duo's finest, most ferocious work to date which sees them turbo-charge their psychedelic post-punk with a new electronic engine. Mixed by Antoine Goulet (live sound engineer for SUUNS) and mastered by Mikey Young (Eddy Current Suppression Ring), the most obvious comparison in terms of mood and mode is Primal Scream's classic XTRMNTR, another record that processed personal and political conflicts and spat them out as distorted dance music. It shows the influence of the duo's DJ sets and last year's radical Remezcla remix collection on their way of thinking and why they are now namechecking the likes of Moor Mother, MF DOOM, Patrick Cowley, The Bug, Paula Garcés, Phil Kieran, Coby Sey, Run the Jewels and Anadol."Playing other artists' music is different," says Lorena Quintanilla about the change of direction towards the dancefloor. "You're not just listening, you're watching how energy flows and how it affects other people. It gives you the chance to witness what moves other bodies." And Corporal, as the title suggests, is all about the body. "The body is what carries the weight of stress, exhaustion, sadness. It's the body that the system breaks first," explains Lorena. "Unintentionally, while composing the album, our bodies were seeking joy in the songs. Reconnecting with pleasure became a way to open new dimensions - a way to escape, yet remain present." The theme is carried over into the lyrics which, according to Lorena, variously refer to "the bodies that disappear, the abused bodies, the bodies we miss, the bodies that march together in protest, the bodies that are being controlled".

Mit ”Peter und der Wolf”, einer außergewöhnlichen Einspielung des beliebten Orchesterklassikers von
Sergej Prokofjew, setzt Gustavo Dudamel ein Ausrufezeichen ans Ende seiner Amtszeit als Music & Artistic
Director des Los Angeles Philharmonic. In seinem letzten Album als Leiter des Orchesters lässt Dudamel
mit seiner farbenreichen Interpretation jedes Instrument zu einem erlebbaren Charakter der Geschichte
werden. Mit klarem, pointiertem Ton und großer Ausdruckskraft begeistert die vielfach preisgekrönte USamerikanische Schauspielerin, Hollywood-Legende und EGOT-Gewinnerin Viola Davis als Erzählerin. In
dieser einmaligen Konstellation wird Prokofjews Märchen zu einem Orchesterwerk und lebendigen Hörspiel
zugleich.
Das Album erscheint digital und auf Vinyl, mit einem eigens für die Veröffentlichung gestalteten Artwork
der amerikanischen bildenden Künstlerin Alexandra Grant.

Loukeman is a Toronto-based producer, DJ, and songwriter. His music pulls from folk, pop, rap, and R&B, creating his own warped yet familiar forms. He’s earned support from the likes of a wide range of artists including Fred again.., Obongjayar, Aminé, Skin on Skin, Ecco2k, and more. He’s delivered official remixes for PinkPantheress, Vegyn, and Obongjayar, and he’s shared stages with some of the most exciting acts in the underground. Most recently, he's produced 5 tracks on ASAP Rocky's long awaited record, 'Don't Be Dumb.' Having garnered praise for his self-released Sd-1, Loukeman followed up with Sd-2, which established his cultural and critical presence.

Sd-2 — the second of a planned trilogy -- continued his display of range as one of the most exciting producers in recent years. Following the release, praise followed from the likes of Pitchfork, Resident Advisor, Mixmag, and numerous others. He launched a series of club nights titled BRXZN WXRLD in 2024, which sold out across London, Los Angeles, Toronto, and NYC. A recent guest mix on Rinse.fm provides a glimpse into his eclectic mix style and range of edits. His music has been used by a multitude of brands from Burberry, and Stussy to Nike and Apple. With a forthcoming album in 2026, he's also caught the attention of several pop acts as a producer and co-writer.

Der Ambient-Loafergaze-Soundtrack für interdimensionale Reisen. Zusammengestellt aus rauschenden Kassetten, die zwischen 1991 und 1995 auf vier Spuren aufgenommen wurden, erschien Lovesliescrushings zweites Album ,Xuvetyn" im Jahr 1996 und erlangte etwa 30 Jahre später den Glanz einer Legende. Diese Doppel-LP-Ausgabe befindet sich in einem Tip-On-Cover, illustriert mit den abstrakten Fotografien von Melissa Arpin und Scott Cortez, sowie einem Textblatt mit den Liedtexten in Elbisch und Englisch zum Mitlesen. ,Eine verwirrend schöne Wolke aus Neon-Drones und Stimmen von der anderen Seite. Musik, die Sie umhüllt, in der Sie verschwinden können." - Jefre Cantu-Ledesman

Eine Ambient-Symphonie aus ätherischem Verfall, die zum Klassiker des 21. Jahrhunderts avanciert ist. Aufgenommen zu Hause im Jahr 1992 mit einer 12-saitigen Gitarre, einem 4-Spur-Recorder, einem Loop-Pedal, unendlichem Hall und dem strukturierten Gurren der rätselhaften Sängerin Melissa Arpin Duimstra verwandelte Scott Cortez' Projekt ,loveliescrushing" postadoleszentes Tagträumen im Schlafzimmer in ein ruhiges, mondbeschienenes Gleiten auf einem endlosen Meer. Diese erweiterte und remasterte Doppelalbum-Edition enthält fünf weitere, von Verzerrung geprägte Reflexionen aus dem Archiv, zusammen mit Texten und einer Nachbildung einer Postkarte, in denen man sich unterwegs verlieren kann. Hier braucht man keine Augenspülstation - Blindheit ist beabsichtigt.

Falls Sie Lowertown - die faszinierende Band bestehend aus Olivia Osby und Avsha Weinberg - noch nicht kennen, ist jetzt der ideale Zeitpunkt dafür dies zu ändern. Es hat einige Jahre gedauert, bis das in New York ansässige Duo wieder zu Atem gekommen ist: Nachdem die Band aufgrund von Streitigkeiten mit ihrem Label, kreativen Frustrationen und einer ungesunden Bindung an ihre künstlerische Partnerschaft jahrelang am Rande des Zusammenbruchs stand, war es Zeit für einen Neuanfang. Ihr neues Album ,Ugly Duckling Union" beginnt mit einem gelassenen Ausatmen von Osby, einem symbolischen Moment, der die Bühne für ihre bisher nachdenklichste, ungehemmteste, eingängigste und exzentrischste Sammlung von Songs bereitet. ,Ugly Duckling Union" ist ein Konzeptalbum, das auf den eigenen Erfahrungen der Band basiert, durch ihre Musik eine Gemeinschaft zu schaffen. Der Protagonist Dale und seine Gefährten schließen sich zusammen, um LBH zu besiegen, ein tyrannisches Medienunternehmen, das in seinem Streben nach Kontrolle auf Spaltung und Isolation setzt. Das Album enthält ein Handbuch mit Überlieferungen und illustrierten Comics von Doctor Nowhere (Silias Orion). Darüber hinaus können Fans mit Plüschpuppen und einer spielbaren Minecraft-Welt, die von ,Ugly Duckling Union" inspiriert ist, noch tiefer in die Materie eintauchen. Inspiriert von der konzeptionellen Kreativität von Bands wie Gorillaz und der Betonung des gemeinschaftlichen Konzerterlebnisses von Fugazi, verbindet Lowertown Online- und Offline-Fandoms zu einem umfassenden Erlebnis.,Ugly Duckling Union" wurde vollständig von Osby und Weinberg geschrieben, aufgenommen, produziert und gemischt. Obwohl Lowertown die alleinigen Hüter ihrer Kunst sind, ist der Titel ihres neuen Albums eine Hommage an die bedeutungsvolle Gemeinschaft, die sie aufgebaut haben.

et for release on June 12, Silence marks the return of Lucie Antunes following Carnaval (2023). The album was born from a desire to clear space — and to rediscover, through dance and collective creation, a renewed artistic momentum.

Developed from a text by poet Laura Vazquez and co-produced with Canblaster, Silence exists at the intersection of record, performance, and immersive experience, in connection with a work created alongside choreographer Mathilde Monnier.

Through an organic and hypnotic sound palette — transformed voices, percussion, vibraphones, and synthesizers — the album explores altered states of consciousness, offering a sensory journey between shadow and light. Surrounded by artists such as Clara Ysé, Halo Maud, and Rebecca Chaillon, Lucie Antunes delivers a collective work that is both intense and deeply inhabited.

Silence is a passage — a crossing between bodies, voices, and worlds — where music becomes a space to feel, to disappear, and to be reborn.

The evil Empire has fallen, and Imperial warlords remain scattered throughout the galaxy. As the fledgling New Republic works to protect everything the Rebellion fought for, they have enlisted the help of legendary Mandalorian bounty hunter Din Djarin (Pedro Pascal) and his young apprentice Grogu. The Mandalorian & Grogu Original Score Vinyl features 13 brand new score cues by Ludwig Göransson.

Introspection is a 1972 cult-favorite solo guitar album by Brazilian composer and guitarist Luiz Bonfà. Unlike his more famous bossa nova recordings, this album presents Bonfá in a deeply personal, almost meditative setting. Recorded primarily as a set of intimate solo guitar pieces, Introspection showcases Bonfà’s signature combination of classical technique, Brazilian rhythm and emotive melodic phrasing. Initially overlooked, Introspection later gained recognition as one of Bonfà’s most admired and distinctive works outside the mainstream bossa nova canon. This reissue is the first ever on vinyl after 1972.

Creator of Le Châ, a chimera emerging from the margins, Lutèce Lockness builds worlds where dreamlike imagery and satire intertwine, inviting us to embrace the bizarre, the strange, and the intimate. With her debut album Le Châ, she crafts powerful, incantatory soundscapes. Her compositions blend psychedelic tones, medieval timbres, drifting drones, bouzouki improvisations, and digital textures, enriched through collaborations with Christoph Fink, Maxime Denuc, and Jean Rondeau.


Inspired by David Lynch, Jim Jarmusch, and Hayao Miyazaki, her practice shapes sonic material like exquisite corpses. Across disciplines, Lutèce Lockness explores new territories through projects such as the collective book Bande organisée (Seuil), born from the transport of a stone book across France during lockdown, and as part of the feminist punk group Forsissies. On stage, she has opened for Bonnie Banane at the Olympia and Flavien Berger at Le Lieu Unique in Nantes, and is also preparing for the opening of Kanal Pompidou in Brussels - continuing a trajectory where music, performance, and visual experimentation converge to create spaces of freedom.

A legendary chapter of hard rock history comes to a thunderous conclusion with The Final Ride, the ultimate live release from Lynch Mob, capturing the band’s final run on stage with uncompromising power, precision and attitude. Available on CD/DVD, Blu-ray and LP, The Final Ride delivers a fully immersive live experience, meticulously recorded, mixed and mastered by Chuck Alkazian at Pearl Sound Studios, ensuring outstanding sonic clarity while preserving the raw intensity and immediacy of a true Lynch Mob performance. The setlist is a powerful career-spanning journey, combining cornerstone Lynch Mob classics with three iconic Dokken-era songs that remain inseparable from George Lynch’s legacy. Explosive performances of “Lightning Strikes Again,” “It’s Not Love,” and “Paris Is Burning” ignite the crowd and serve as a direct bridge between past and present, while Lynch Mob anthems such as “River of Love,” “No Good,” “Hell Child,” “Let the Music Be Your Master,” “Street Fighting Man,” and the timeless closer “Wicked Sensation” showcase the band at full force. At the heart of The Final Ride stands George Lynch, whose unmistakable guitar tone, phrasing and musical authority continue to define generations of hard rock and metal guitarists. He is backed by a formidable lineup featuring Gabriel Colon (vocals), Jaron Gulino (bass) and Jimmy D’Anda (drums), delivering a tight, aggressive and emotionally charged performance worthy of the band’s legacy. The Final Ride is more than a live album—it is a farewell, a celebration and a definitive statement. Captured with premium production values and released across multiple physical formats, it stands as an essential document for fans, collectors and anyone who has followed the enduring impact of George Lynch and Lynch Mob on hard rock history. The final curtain falls—but the fire still burns.

Get ready for Macem Ly"s debut album "Honda Date" - a neologism and a homage to all the hopeful Vietnamese couples he watched as they"d rather hopped on to a Honda moped rushing into nature for a romantic date than facing the rush of urban life. So the multi-instrumentalist and producer artist naturally created the perfect album for all those who travel and observe while enjoying long rides on busses or mopeds - not least for knowers of high-quality instrumental productions with a special place for hiphop tradition in their hearts. With "Honda Date" he showcases his musical prowess rooted in HipHop, Funk and Soul all the while proving a certain versatileness in creating new sounds - that are also born out of his training in classical music. Unconventional drums, alternative 808 beats, delicate soul samples and those of modern Jazz guitarists non unambiguously carry Macems Ly"s handwriting as he pays tribute to the old while non the less creating something new.

In 1979, Neil Fraser (artistically known as Mad Professor) founded Ariwa Sounds, the longest-serving and one of the most influential independently owned Reggae studios and record labels in the UK. From humble beginnings set up in the front room of Neil's home in South London recording on 4-track and homemade equipment, Ariwa would go on to record and release over 300 albums including works from some of the most impactful and storied artists of their time in the genres of Reggae, Dub, and Lovers Rock

Whilst our previous release in collaboration with Ariwa captured the label's early sound, a shared performance with Neil in Osaka and regular visits to his South London studio inspired us to assemble this 15-track compilation, showcasing the label's output across 45 years. Our release emphasizes some of the label's greatest vocalists: Johnny Clarke, Sandra Cross, Kofi, U Roy, Sister Nancy, Queen Omega, Aisha, Garnett Cross, Abel Miller, Horace Andy and more — presenting the Motown and Stax influences in the Lovers Rock, but also provides a glimpse into the dubbier and more experimental side of the label, showcasing Ariwa's commitment to quality but also their personality, philosophy and their humour. Love songs, break-up songs, socially engaged songs, dub experimentations — this compilation is not a "best of" Ariwa but a diverse and honest celebration of the label through the lens of Melodies International.

The compilation will be out in July in vinyl 2xLP, CD, digital formats, mastered from the original tapes by Frank Merritt (the Carvery), pressed at Optimal, artwork created by Jason Evans with design and assembly contributions from Nevil Bernard and Will Sweeney, animated teaser by Nevil Bernard and Melozine designed by Mafalda Meireles.

SMILE ist das zehnte Studioalbum von MADSEN! Von der Band selbst produziert und von Moritz Enders (u.a. Casper, Roy Bianco & Die Abbrunzati Boys u.v.m.) gemischt, vereinen die zwölf neuen Songs alles, was die Wendländer seit über 20 Jahren zu einer der beliebtesten und erfolgreichsten Rockbands des Landes macht. Songs, die auf dem Festival, im Club und auf Kopfhörer zünden, und Hoffnung spenden. "Hollywood", das letzte Studioalbum, erreichte 2023 erstmals Platz #1 der deutschen Albumcharts.

Magic Tuber Stringband act in communion with the natural world around them. Highly skilled players and writers, the trio are leaders within the burgeoning Avant-Folk world. Growing up in Appalachia studying the folk traditions of the region in tandem scientific and observational work in nature, their music appears to weave in and out of the fabric of the landscape. The ensemble continues to stretch the parameters of acoustic instrumental expression with masterful flourishes of dense, textural arrangements, subtle minimalist gestures and deft improvisation. Heavy Water addresses the impact of nuclear production on the environment and the communities within, a musical evocation of destruction and resilience, an embrace of dissonance and tension within moments of transcendence.

Im Februar 2026 erscheint zum zwanzigjährigen Jubiläum Hard to Love a Man" von Magnolia Electric Co. als erweiterte Edition und zum ersten Mal auf Vinyl. Diese Jubiläumsausgabe der ersten EP der Band enthält drei zusätzliche Tracks: remasterte Demos von 31 Seasons in the Minor Leagues" (zuvor unter dem Titel Tonight I'm So Down" bekannt) und Lonesome Valley", aufgenommen in den Echo Park Studios in Indiana während der Hard to Love a Man"-Sessions, sowie One Thin Dime", aufgenommen während der Black Ram"-Sessions in den Sound of Music Recording Studios in Richmond, Virginia. Working-Class-Rock" ist ein Begriff, der häufig zur Beschreibung von The Magnolia Electric Co. verwendet wurde. Kategorisch hatte sich die Band ihren Platz unter gleichgesinnten Ikonen wie Bob Seger, CCR, Tom Petty und Bruce Springsteen gesichert, doch es handelte sich nicht nur um eine ästhetische Beschreibung, sie untermauerten dies mit ihrer Arbeitsmoral. Im Jahr 2005 waren The Magnolia Electric Co. erstaunlicherweise acht Monate unterwegs. Diese Tatsache wurde den Bandmitgliedern selbst am deutlichsten bewusst, da sie so lange von ihrem Zuhause und ihren Liebsten getrennt waren. Daher die Bedeutung des Titeltracks. Wenn Jason Molina die Perspektive der Person einnimmt, die er zurückgelassen hat, und in Hard To Love A Man" singt: "It was hard to love a man like you / Goodbye was half the words you knew / While you were waiting for me not to call / I sent my love", dann wird die Einsamkeit und Schuld der Trennung schmerzlich deutlich. Jennie Benfords verletzliche Stimme, gepaart mit Jason Groths fließender Gitarre und Mike Kapinus' klagender Orgel, unterstreicht dieses Gefühl eindrucksvoll, unterlegt vom charakteristischen, präzisen und geschmackvollen Rhythmusfundament von Mark Rice und Pete Schreiner, während Nicole Evans eine neue, dynamische Stimme hinzufügt. Hard To Love A Man" und der Live-Favorit Werewolves Of London" wurden mit Steve Albini in seinen Electrical Audio Studios aufgenommen, die übrigen Tracks entstanden während eines kurzen fünftägigen Heimaufenthalts in Indiana bei Echo Park Studios mit Paul Mahern, dessen Engineering-Resume schon damals Projekte wie The Blake Babies, Lisa Germano und John Mellencamp umfasst. Während die Magnolien weiter wuchsen und erblühten, ließ Jason Molina die Insassen das Irrenhaus regieren.

Yes here we are 50 years on from year zero 1976 (where did that go!!!). To celebrate this and the fact we are all still here and talking about the importance of the Punk Rock movement i put together an album under the banner Punk Rock Daze. The title reflects it was all such a daze, as it ran by so fast and also as a reminder of an old Malcolm McLaren remark that came to mind. That when the band and management were discussing the look and name of the Sex Pistols forthcoming album ‘Never Mind The Bollocks’. Malcolm remarked, lets sell it as you would sell washing powder, bright, simple and with fluorescence colours. Great idea so here is my homage to that thought.

So I hope you enjoy the gesture and here’s to another 50 years of Alchemy, Joyousness and
instruction (Anarchy, Chaos and Destruction).

Peace and Punk Mal-One

Malcolm Todd is doing it again with his album Do That Again.

Making his first appearance on Flat White Records, NYC’s Malik Hendricks arrives with Stretching, a four-track EP that leans comfortably into the grey space between Deep House and Techno. Across three original cuts, Hendricks delivers warm, hypnotic, and quietly confident sounds that are unmistakably his own.

Rounding out the release is a remix from London-based, Spain-born producer Beringei. Known for his broken-beat excursions, Beringei with a 4x4 workout that still carries his unmistakable percussive touch, proving that even when stepping outside his usual lane, his identity remains firmly intact.

With previous releases on respected imprints like Eglo, Darker Than Wax, and Phuture Shock Muzik, Hendricks arrives in trusted company, thus making it an easy call to hand him the reins for our 15th release.

Born in the ’80s and raised in the ’90s, Malik Hendricks is a product of transatlantic club culture, drawing inspiration from Detroit’s futurism, New York’s grit, and the UK’s rhythmic experimentation. A DJ for over a decade, he approaches music with an almost academic curiosity, seeing the dancefloor as a shared space for cultural exchange.

Recently, his work has caught the attention of heavyweights like Eli Escobar, Byron the Aquarius, James Bangura, and Roy Vision, all stepping in to remix his material. With Stretching, Hendricks continues to prove that subtlety, craft, and groove still go a very long way.

Early DJ Support from: Shy One, LDLDN, Louise Chen, Dam Swindle, LTJ Bukem, Christophe Salin, Franck Roger, Jazzanova, Mr Redley, Last Nubian, Glenn Davis, Seven Davis Jr, Stonie Blue, Stu Clark (WOLF), Adriatique, Marco Weibel, Mr Ties, Tereza, Cottam, Joyce Muniz + MORE

The monumental 2006 live recording of mama!milk, which laid the foundation for their current performance style, is now available on CD and LP!
mama!milk, hailed worldwide as “Japanese New Exotica,” praised for their “music that entices you on a journey” and “soundtracks to unseen films.”
This site-specific, one-day-only performance, unique to the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, is packaged here.

The Mamas & The Papas were formed by husband and wife John and Michelle Phillips, formerly of The New Journeymen, and Denny Doherty, formerly of The Mugwumps. The last member to join was Cass Elliot, Doherty's bandmate in The Mugwumps. The group considered calling itself The Magic Cyrcle before switching to The Mamas and the Papas as apparently inspired by the Hells Angels, whose female associates were called "mamas".

They released a total of five studio albums and seventeen singles over a four-year period, six of which made the Billboard top ten, and sold close to 40 million records worldwide. The band was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 1998 for their contributions to the music industry.

The band’s first single, “Go Where You Wanna Go”, was released in 1965. The second single, “California Dreamin’”, was released later in 1965 and quickly peaked in the charts. The band’s album, If You Can Believe Your Eyes And Ears, was released in March 1966 and became the band’s only number 1 album on the Billboard 200. The third and final single from their debut was “Monday, Monday”, which became the band’s only US number 1 hit. The song brought the band international success.

Collected is a perfect overview of the multiple classic hits and tracks throughout the career of The Mamas & The Papas and complimented with several popular tracks by Mama Cass Elliot.

Music On Vinyl proudly presents a special edition of The Mamas & The Papas Collected compilation, which is available as a limited edition of 5.000 individually numbered copies on blue vinyl, and includes a booklet with liner notes.

i 9Overworld (Battle) original Soundtrack Version
[j] 10Battle (Shrine) [original Soundtrack Version]









[i] 9Overworld (Battle) [original Soundtrack Version]
[j] 10Battle (Shrine) [original Soundtrack Version]









[i] Overworld (Battle) [original Soundtrack Version]
[j] Battle (Shrine) [original Soundtrack Version]

Originally Self-produced in 150 copies (1977), MAR-VISTA’s only album is one of France’s most strange and radical records. Psychedelic electronic music, experimental, and acid folk A collector’s holy grail for fans of Klaus Schulze, Terry Riley, Neu, and Silver Apples. Includes a previously unreleased second record (1973)

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

Holidays In Eden
Following the transitional success of Season's End, producer Christopher Neil was brought in which delivered a more poppy sound, and Marillion's most radio-friendly album - spawning singles such as Cover My Eyes (Pain And Heaven) and No One Can.

A Chicago legend who paved way in the underground with his Mr. Peabody record shop, the one and only, Mr. Mark Grusane steps up to L.I.E.S. with his "Angry Birds" lp. On this six tracker Grusane locks in and demonstrates an important facet of the Chicago sound that is often overlooked with a nod to the infamous "Reactor" sound pioneered by DJ RUSH. A rare style mostly shunned by jocks (and producers) on the modern floor, this record is full of straight up circle pit rx-7 programmed madness, chaos of the highest order...This is for the ones who know, the ones who have been obsessed, and the ones who need to know...this record sets it all off. Full on referee whistle chippin, neck snappers for those who dare to step into the real jackin zone. Hi octane, full swerve, blowing through red lights all nite long!

Mark Jenkin, the BAFTA Award winning director, editor, screenwriter, cinematographer and musician, presents the score to his new film, Rose of Nevada on Invada Records. Unique among British feature filmmakers for the analogue way in which he crafts his films - all three feature films have been shot on 16mm using a Bolex clockwork camera – as well as his multifaceted roles as the writer, director, director of photography and editor of the film, once more he is responsible for handling the sound design and composing the original score.

The new score mirrors the techniques employed in the film, with analogue synthesisers drawing the listener into nebulous hypnotic tones and delicate movements.
Composed, produced, engineered and performed by Mark Jenkin using synthesiser, guitar, percussion and loops & effects, the environmental recordings remind us of the context in which the music was originally borne, but as the score ebbs and flows between ambient tranquil seas and crashing storms, it affirms its presence as a powerful stand-alone piece of work.
The score’s physical release follows the Cornish director’s third feature film: the time-travelling Rose of Nevada cinematic release in UK and Irish cinemas on 24 April, with a BFI Blu-ray and BFI Player release in the summer.

Mark Jenkin, der BAFTA-preisgekrönte Regisseur, Editor, Drehbuchautor, Kameramann und Musiker, präsentiert auf Invada Records den Score zu seinem neuen Film Rose of Nevada. Das Album erscheint auf einfarbig gelbem Vinyl und enthält ein beidseitig bedrucktes 12"-Inlay. Jenkin nimmt unter britischen Spielfilmregisseuren eine Sonderstellung ein - nicht zuletzt durch seine analoge Arbeitsweise: Alle drei seiner Spielfilme wurden auf 16mm mit einer mechanischen Bolex-Kamera gedreht. Neben seinen vielfältigen Rollen als Autor, Regisseur, Kameramann und Editor zeichnet er erneut auch für das Sounddesign und die Komposition der Originalmusik verantwortlich. Der neue Score spiegelt die im Film angewandten Techniken wider: Analoge Synthesizer ziehen die Hörerinnen und Hörer in nebelhafte, hypnotische Klanglandschaften und feine, subtile Bewegungen hinein. Komponiert, produziert, aufgenommen und eingespielt von Mark Jenkin - unter Verwendung von Synthesizern, Gitarre, Percussion sowie Loops und Effekten - erinnern die Field Recordings an den Kontext, in dem die Musik ursprünglich entstanden ist. Während der Score zwischen ruhigen, ambienten Klangmeeren und aufbrausenden Stürmen oszilliert, behauptet er zugleich seine Wirkung als kraftvolles, eigenständiges Werk. Die physische Veröffentlichung des Scores folgt auf Jenkins dritten Spielfilm: Rose of Nevada, ein Zeitreise-Film, startet am 24. April in den Kinos in Großbritannien und Irland, gefolgt von einer Veröffentlichung auf BFI Blu-ray sowie auf dem BFI Player im Sommer.

Der Soundtrack zur irischen Komödie ""The Spin"" (2024) in der Regie von Michael Head, der zahlreiche Auszeichnungen bei diversen unabhängigen Filmfestivals von Belfast über Chicago bis Toronto gewann und auch auf dem Filmfest Bremen lief. Die Originalmusik wurde von Mark McCausland (McKowski) komponiert und produziert und enthält Gastbeiträge von: Howe Gelb, Jolie Holland, John Parish, Nick Power, Dave Murphy, Pieta Brown, Dead Goat, Steve Wickham, Gemma Doherty, Laura McFadden, Brenock O’Connor und Drew McConnell. Die LP erscheint auf farbigem Ecomix-Vinyl, bei der jedes Format ein Unikat ist.

The complete album + 5 bonus tracks - limited edition pressing on 180g vinyl American piano player and composer Martin Denny developed a new musical genre in the mid-'50s by combining lounge jazz, Hawaiian music, Latin rhythms, bird calls, and ethnic instruments from around the world (such as koto, gamelans, Burmese temple bells) into a sound that became known as Exotica. Best known as the "Father of Exotica," Martin Denny was responsible for the genre's biggest hit of all time with his 1956 single version of Les Baxter's 'Quiet Village', the title of the album presented here, and with the single included as a bonus track.









[i] Quiet Village [1956 Version]

Marvin Gaye always dreamed of being a smooth crooner, “sitting on a stool, possibly behind a piano,” delivering velvety songs like Nat King Cole. But Motown had other plans. Pushed between raw R&B and polished pop, Gaye fought to find his own voice, eventually rising to become one of the greatest soul singers in history.

Motown Records released the first Marvin Gaye record in 1961 "(I'm Afraid) The Masquerade Is Over", a single intended for (radio) promotion from the singer's debut album. This was followed up by the officially released "Let Your Conscience Be Your Guide" a week later. Gaye scored his first real hit with "Stubborn Kind of Fellow" in 1962, which he had co-written himself, joking about his alleged stubbornness. He found his own unique style with the single released at the end of the year: "Hitch Hike". The foundations were now laid for an enormous series of chart successes: "Pride And Joy", "Can I Get A Witness", "How Sweet It Is (To Be Loved By You)" and "Ain't That Peculiar" are all Motown classics from 1963-1965 which are still being regularly played today after all these years. The duets he recorded with Kim Weston ("It Takes Two"), especially Tammi Terrell and Diana Ross were certainly at least as good.

He scored his biggest ever hit with "I Heard It Through The Grapevine" in 1968. "What's Going On" from the same titled album became a number 1 hit in the USA. The album was received as a masterpiece and is regarded as one of the most important records in pop history. In 1973, the artistically and commercially very successful, "Let's Get It On" album was mainly a musical ode to Marvin's love for his new muse Janis Hunter. His journey continued after a turbulent relationship, addiction and a dramatic creative rebirth in Belgium, where he crafted the global hit “Sexual Healing in 1982.

Marvin Gaye left behind timeless hits, groundbreaking albums, and a legacy that shaped the sound of modern soul. His story, from ambition to artistry, from struggle to brilliance, remains as powerful as the music he created.

Music On Vinyl proudly presents a special coloured vinyl edition of the Marvin Gaye Collected album which is available as a limited edition of 10.000 individually numbered copies on white (LP1) and silver coloured vinyl (LP2) and includes a booklet with liner notes.

Simsara Records is proud to announce Syrr, the new album by Egyptian artist Maryam Saleh, arriving 27 March 2026. A mythic and introspective work, Syrr transforms memory, loss, and lived experience into a shifting world of sound, voice, and embodied emotion. Written and composed by Saleh, the album traces a three-part journey—Origin & Image, Vessel, and Intuition & Echo—in which the self is fractured, questioned, reassembled, and ultimately expanded. Blending raw expression with subtle dramatics, Saleh crafts an immersive sonic autobiography rooted in intuition, embodiment, and human becoming.
Co-produced by Maryam Saleh, Maurice Louca, and Kamilya Jubran—who also perform keys, oud and backing vocals throughout—the album’s songs are set to or inspired by existing Egyptian and Arabic song forms (including mawwal, lullaby, madih, muwashshah, taqtuqa and more). The project underwent a rigorous three-year journey of songwriting and composition by Saleh with Kamilya Jubran as mentor before recording.
“Syrr” is mixed by Mokhtar El Sayeh and mastered by Heba Kadry, with artwork by Pauline Gouablin (photography), Omar Mostafa (image editing, treatment and inserts design), and Maged El Sokkary (typography and illustration). Lyrics translation by Nariman Youssef. Produced by Simsara Music with support from the Arab Fund for Arts and Culture (AFAC).

Das Debüt des transzendentalen Gitarrenmeisters aus dem Jahr 1971, remastered für all eure Sabbat-Bedürfnisse. 37 Minuten ambienter Gitarrenzauberei und der perfekte Soundtrack für das Erwachen des dritten Auges, Lichtalchemie oder Menschenopfer. Mit diesem Werk könnte man eine Sekte gründen. Der kalifornische Versandhandelsmystiker Master Wilburn Burchette wurde erstmals durch seine Anzeigen bekannt, die auf den hinteren Seiten des ,Fate Magazine", von ,Beyond Reality" und ,Gnostica News" versteckt waren. Im Angebot: Burchettes siebenteiliger, im Blockdruckverfahren hergestellter ,Psychic Meditation Course", der den Menschen beibringen sollte, wie man Musik hört. Passend zu seinen Lektionen verkaufte Burchette eine Reihe von Instrumentalplatten mit Gitarren- und Elektronikmusik, die mit kunstvollen, handgezeichneten Cover-Motiven versehen waren und Höranweisungen vom Meister selbst enthielten. Bereits seit seinem zwölften Lebensjahr war Burchette von der Parapsychologie fasziniert und verbrachte ebenso viel Zeit mit dem Lesen von Büchern über die Grundlagen der tibetischen Mystik wie mit dem Üben auf der Gitarre, deren Schwingungen er nutzte, um Klangbilder und -muster zu erschaffen. Nachdem er eine Zeit lang klassische Gitarre unterrichtet hatte, veröffentlichte Meister Wilburn Burchette in den sieben Jahren von 1971 bis 1977 sieben Alben, bevor er abrupt alles, was mit seinen musikalischen Erkundungen zu tun hatte, verbrannte und wegwarf.

Īlker Soylu returns with third instalment of his Mastering Black alias, marking a decade of Zwart Goud with a special edition LP titled X - an introspective yet adventurous document that blurs the lines between genres, time, and place.

X is a carefully crafted passage through contrast and cohesion. From dusk-lit highways to underwater reveries, this third chapter from Mastering Black unfolds as both continuation and evolution - a cinematic odyssey of sound sculpted inward and outward for introverts and extroverts, for you and me - for us.

Originally released on CD in Japan in 2003, as a love letter & thank you to his Japanese fans. Recorded at home, produced, engineered & mixed by Matthew Sweet (bass, guirars & vocals) with the classic ‘Girlfriend’ era lineup of Ric Menck (drums), Greg Leisz (guitars) and the genius electric lead guitar of Television’s Richard Lloyd. The sleeve art is by renowned artist Yoshimoto Nara. In the liner notes, Sweet describes the album's title as an attempt at reverse English: "If I did it correctly, the title should seem a little strange or wrong, but still meaningful! The true definition is supposed to be a 'love you' life, one devoted to loving someone or something, even life itself!"

“an excellent modern guitar pop album, filled with great hooks and harmonies and irresistible ringing six-strings”
Allmusic

“Kimi crackles with Girlfriend‘s energy, as Lloyd and Sweet’s guitars provide antagonistic foils as they did more than a decade before on cuts like “Tonight We Ride.”
Rolling Stone

Widely regarded as Romeo's finest work, the album is a landmark of roots reggae, combining political commentary, Rastafarian themes and Perry's distinctive dub production style. Released on Island Records, the album reflects the social and political turmoil of mid-1970s Jamaica, addressing poverty, violence, and oppression.

The record features nine tracks, including some of Romeo's most enduring songs such as "One Step Forward," "War Ina Babylon," and "Chase the Devil,".

War Ina Babylon is often grouped with other Black Ark productions as part of a celebrated trio of reggae albums from the era, and it remains one of the most acclaimed and influential releases in the genre.

Der Singer-Songwriter Max Subar aus Chicago legte den Grundstein für ,Anything Could Be", sein Debütalbum, in einem Haus am Ufer eines zugefrorenen Sees in Wisconsin. Subar kehrte zu der klanglichen und geistigen Landschaft zurück, die er während der ersten zehntägigen Session geschaffen hatte, und blieb ganz im Moment, indem er nur dann arbeitete, wenn er sich wirklich voll und ganz darauf einlassen konnte. Die meisten der zusätzlichen Sessions, die dem Album Textur und Farbe verleihen, wurden in Subars Heimstudio aufgenommen, in demselben Haus, in dem Case Oats, die von Casey Gomez-Walker geleitete Band, in der Subar Gitarre spielt, ihr 2025er Debüt ,Last Missouri Exit" aufnahmen. Sein Bruder, Sam Subar, spielte Schlagzeug. Weitere Instrumentierung kommt von den Case Oats Bandkollegen Spencer Tweedy (Schlagzeug bei ,I Never" und ,Way Up"), Jason Ashworth (Kontrabass) und Scott Daniel (Violine) sowie den häufigen Mitarbeitern Chet Zenor (E-Gitarre), Kelly Hannemann (Klavier) und Sarah Weddle (Vibraphon, Orgel und E-Piano). Die Arrangements, die dabei entstanden, sind großzügig und erhellend und verleihen den Grundzügen der Live-Gitarren- und Gesangsaufnahmen von ,Anything Could Be" Substanz, ohne dabei ihre Spontaneität zu opfern. Im Ergebnis ein fesselndes, offenherziges Debüt, das mit dem Hörer wächst und Zeit und aufmerksames Zuhören belohnt. Seine 11 Songs sind durchdrungen von dem, was die Dichterin Adrienne Rich ,eine wilde Geduld" nannte, einer radikalen Stille, die selbst eine Reise hin zu Bewusstsein, Frieden und Selbstwahrnehmung ist. Es macht keine Versprechungen darüber, was als Nächstes kommt. Dennoch lässt es die Hörer in atemloser Vorfreude darauf zurück, was das sein mag.

Maximum Penalty wurden 1986 gegründet und gelten als eine der einzigartigsten Bands, die während der Blütezeit des New Yorker Hardcore entstanden sind. Die Band, die von Sänger Jimmy Williams ins Leben gerufen wurde und 1988 durch den Gitarristen Joseph Affe verstärkt wurde, begann mit schnellem Hardcore-Punk und entwickelte sich nach und nach zu etwas Größerem, angetrieben von melodischen Rhythmen und gefühlvollem, klarem Gesang. Maximum Penalty war von Anfang an ein fester Bestandteil legendärer Veranstaltungsorte wie CBGB und Coney Island High und tourte in den 90er Jahren auch durch Nordamerika und Europa, wo sie die Bühne mit Bands wie Agnostic Front, Madball, Sick Of It All und Gorilla Biscuits teilten. Die erste Schaffensphase von Maximum Penalty umfasste eine beeindruckende Diskografie - ,Demo 89", die EP ,East Side Story" von 1995, die LP ,Independent" von 1996, die LP ,Super Life" von 1997 sowie eine Reihe von Titeln auf verschiedenen Compilations, darunter ,Where The Wild Things Are" und ,Satisfaction Guaranteed" von Blackout Records. Maximum Penalty tauchte 2009 mit der LP ,Life & Times" (Reaper Records) wieder auf und brachte ihren Sound neuen und alten Hörern näher. Der Einfluss, den Maximum Penalty auf die moderne Hardcore-Szene hatte, ist unbestreitbar. Turnstile nahm die Band in eine einflussreiche Playlist auf, und der Hardlore-Podcast erklärte Maximum Penalty zu einer der ,am meisten unterschätzten Hardcore-Bands". Im Jahr 2025 veröffentlichte die Hardcore-Band End It aus Baltimore ein Cover von ,Could You Love Me?" aus dem 1996er Album ,Independent", hauchte dem Titel neues Leben ein und veranlasste Fans, das Original zu entdecken. Zum 30-jährigen Jubiläum wird ,Independent" zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl gepresst, und zwar über Flatspot Records. Gitarrist Joseph Affe bemerkt: ,Maximum Penaltys ,Independent` ist das einzige Album, das nie auf Vinyl erschienen ist, da Vinyl zu der Zeit, als es auf CD veröffentlicht wurde, nur eine Nebensache war. Während wir weiter spielten und neue Veröffentlichungen herausbrachten, war die Veröffentlichung von ,Independent` auf Vinyl etwas, das wir schon immer tun wollten, und nun sind wir endlich, 30 Jahre später, so weit. Die ,Independent`-Ära war eine großartige Zeit in der Geschichte von Maximum Penalty - es bedeutet uns sehr viel, zu sehen, dass ein neues Publikum die Platte zum ersten Mal entdeckt, das ist unglaublich!"

Originally released in 1987, Deathcrush is more than just an EP; it is the debut recording of the most infamous band in extreme metal and the first studio release to emerge from the Norwegian Black Metal scene. Reissued with meticulous attention to detail, this new edition captures the raw, chaotic energy of Euronymous, Necrobutcher, Maniac, and Messiah before the genre was fully defined.

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von den
Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing), wattierte Innenhülle.
McCoy Tyner - Inception
Als Pianist McCoy Tyner im November 1962 sein Debütalbum für Impulse! Records aufnahm, wollte er ein
eigenes musikalisches Statement setzen und sich damit von der modalen Musik abgrenzen, die er damals
mit John Coltrane spielte. Bei den Aufnahmesessions mit Bassist Art Davis und Schlagzeuger Elvin Jones
- beide Kollegen aus dem Coltrane-Ensemble - setzte er deshalb vor allem auf eigene Kompositionen, in
denen er seine unverwechselbaren Voicings und seinen rhythmischen Drive in den Vordergrund stellte. In
der AllMusic-Rezension von Alexander Gelfand heißt es: “Dieses Album gibt Hörern die Möglichkeit zu erfahren, wie ein sehr junger Tyner außerhalb der Grenzen des klassischen John Coltrane Quartet der frühen
60er Jahre klang; es offenbart einen lyrischen Ansatz für das Jazzpiano, der weit entfernt von Tyners reifem
Stil zu sein scheint.”

Das fünfte Studioalbum von Megadeth ist nun als 2LP auf schwarzem Vinyl erhältlich, mit remastertem
Tonmaterial aus den Originalmischungen.

Das sechste Studioalbum von Megadeth ist nun als 2LP auf schwarzem Vinyl erhältlich, mit remastertem
Tonmaterial aus den Originalmischungen.

DYING VICTIMS PRODUCTIONS is proud to present MEGATON SWORD’s highly anticipated debut album, Blood Hails Steel – Steel Hails Fire, on CD, cassette and vinyl LP formats. It was but November of last year when MEGATON SWORD unleashed their glorious debut EP, Niralet, via DYING VICTIMS. Arriving fully formed, virtually without warning – no prior demo recordings existed, at least not publicly – this Swiss quartet evinced an ages-old sound that was wise (and wizened) well beyond their young years. Already, MEGATON SWORD knew the mystery of steel…and wielded it with a startling confidence. And no one knew just how high they could fly, only that they were just getting started. Now, with the arrival of their imminent debut album, Blood Hails Steel – Steel Hails Fire, MEGATON SWORD are marching into the halls of greatness, with no one to stop them. Retaining the same, well-named lineup – vocalist Uzzy Unchained, guitarist Chris the Axe, bassist Simon the Sorcerer, and drummer Dan Thundersteel – MEGATON SWORD maximize the strengths of the EP and then some, revealing new twists to that mystery of steel whilst retaining the charisma and crunch that endeared them to the true-metal underground the first time around. Indeed, Blood Hails Steel – Steel Hails Fire is aptly titled, almost ridiculously so: this is true-as-steel HEAVY METAL drunk on high fantasy and the enduring themes of conquest and valor, triumph and tragedy, but rendered in a form even bloodier and possessing more bravado. It’s also more dynamic, maximizing drama between notes and from one passage to the next, each movement a narrative crucial to their conquest.

Wewantsounds is delighted to continue its extensive reissue program of Meiko Kaji"s early discography, originally released by Teichiku Records in Japan between 1972 and 1974. The Quentin Tarantino muse-famous for her starring roles in Lady Snowblood and Stray Cat Rock-was also a gifted singer. Otoko Onna Kokoro No Aika is another collection of superb cinematic songs featuring Kaji"s signature mix of Japanese Pop and Groove, backed by lush, atmospheric orchestrations. This includes her rendition of "Tokyo Nagare Mono," the theme song for Seijun Suzuki"s cult 1966 film Tokyo Drifter. This reissue features the original artwork, an OBI strip, and a four-page insert with new liner notes by Hashim Kotaro Bharoocha, who interviewed Meiko Kaji for the occasion.

k 11Mudcrawlers (Feat. Benji Webbe) version











k 11Mudcrawlers (Feat. Benji Webbe) version











[k] 11Mudcrawlers (Feat. Benji Webbe) [version]











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MEMORIALS jump off the waterslides and head above the clouds with their stunning second album, ‘All Clouds Bring Not Rain’. The duo of Verity Susman and Matthew Simms (formerly of Electrelane and WIRE) locked themselves away in a studio in a barn secluded deep in the woods in southwestern France and re-emerged with a beautiful, unusual record that is both melodic and unconventional. For such an ambitious album it’s striking that it was written, performed, recorded and mixed solely by the two of them. Sounding like an unearthed classic, MEMORIALS twist their influences into their own unmistakable sound. Imagine Nico singing with Can produced by David Axelrod and you’re somewhere in the right ballpark.

The record draws inspiration from a wide range of music including folk, dub, post punk, experimental tape music, 60s soul, garage rock, 70s spiritual jazz and Canterbury prog. This attention to detail in their sound meant finding several other studios to get what they needed to record with, including a harpsichord at 4AD’s studio in London and a vibraphone and vintage Leslie speaker in Stereolab drummer Andy Ramsay’s studio Press Play. Verity’s distinctive, unadorned singing is a focal point of the record, moving from tender to wild. Her vocal melodies quickly become earworms, providing the tuneful heart around which the songs’ more unorthodox elements are arranged, which is where Matthew’s unconventional approach to recording and production comes to the fore. With their adventurous arrangements, classic songwriting skills and innovative production techniques, MEMORIALS have created another mesmerising listen that’s accomplished and compelling in its unique approach yet remains dizzyingly immersive - just like their acclaimed live shows.

Recorded in 1970 with a host of young blues and rock musicians, Blue Memphis is recognized as one of the best dates released by fellow blues artists in that era. On this album, the famous American blues pianist, singer, and composer Memphis Slim (John Peter Chatman) is backed by several British musicians, including Chris Spedding, John Paul Jones, Duster Bennett, and Peter Green.

Eine Hommage an den tropischen Futurismus, die mexikanische Cumbia und die gemeinsame Musikgeschichte Mexikos und Kolumbiens! Das Mexican Institute of Sound (MIS) und die Meridian Brothers präsentieren mit "Ruido Tovar" ein grenzüberschreitendes Projekt, das die tropischen Traditionen Mexikos und Kolumbiens neu interpretiert. Inspiriert von Ikonen wie Rigo Tovar und der psychedelischen Cumbia-Ära Mexikos, verschmilzt das Projekt Danzón, Son, Cha-Cha-Cha und experimentelle Elektronik zu einer lebendigen neuen Klangsprache. Der genreübergreifende elektronische Tropicalismo des MIS trifft auf die avantgardistische Exzentrik der Meridian Brothers und erzeugt so einen Sound, der gleichermaßen ehrfürchtig und spielerisch verzerrt ist. Camilo Lara und Eblis Alvarez zollen gemeinsam jahrzehntelangem musikalischem Austausch Tribut und führen die tropische Musik in unerwartete Gefilde. Und ratet, wer bei diesem spirituellen Trip gleich zweimal mit von der Partie ist? Der einzigartige "Loser" mit dem "Devil's Haircut" - BECK "Sexx Laws" Hansen!

Formed in 1994, Belgian power trio Metal Molly quickly built a reputation for their infectious blend of indie rock, grunge energy, and sharp melodies.
Their debut Surgery For Zebra was released in 1995, the album was driven by their single "Orange", which received extensive airplay across Europe.

The album propelled the band onto major stages, including Pinkpop and Torhout Werchter (1996), alongside high profile support shows with Therapy?, Bush, and David Bowie. After a highly successful run, Metal Molly disbanded in 2000.
In 2025 the band reunited to celebrate the 30th anniversary of Surgery For Zebra, it also resulted in this long awaited vinyl pressing, now available for the first time.

Surgery for Zebra is now available as a limited numbered edition of 500 individually numbered copies on turquoise vinyl and it includes an insert.

Schwarzes Vinyl. Das 2004 erschienene MM..FOOD von MF DOOM wird inzwischen als Hip-Hop Klassiker-Album voller einfallsreicher Produktion, brillanter Wortspiele und einzigartiger Themen gewürdigt. Gefeiert für seine nahtlose Mischung aus Humor, Witz und sozialem Kommentar, entführt das Album den Hörer in eine bizarre Welt voller Lebensmittel-Metaphern und zeichnet ein bitter-komödiantisches Porträt eines Lebens, das von Laster, Gewalt und Eifersucht verdorben ist. Ein brillantes und damals neuartiges Konzept, das DOOM viel Raum zur Erkundung der Themen des Albums gab. Im Verlauf von MM..FOOD bettet DOOM komplexe Ideen in scheinbar einfache Erzählungen ein. Der Album-Opener "Beef Rapp" ist eine vielschichtige Metapher, die den Hörer an die Gefahren erinnert, die mit der Verherrlichung von Konflikten verbunden sind, insbesondere im Rap. "Hoe Cakes" leiht sich seinen Namen von den süßen, mit heißem Wasser gefüllten Maismehlfladen, die er als Symbol benutzt, um über Genuss und Exzess zu reimen. Mit dem von Madlib produzierten "One Beer" setzt DOOM das Motiv fort, um Schichten von Tiefe über Eskapismus und Ego zu falten, während das populäre "Rapp Snitch Knishes" die Verkaufsdiskriminierung und widersprüchlichen Verhaltensweisen einiger Rapper kritisiert. Insgesamt ist MM..FOOD sowohl ein sozialer Kommentar als auch ein Stück Gesellschaftssatire, das MF DOOMs Fähigkeit unter Beweis stellt, ernste Themen mit seinem einzigartigen, verspielten lyrischen Stil zu verbinden. Zur Feier des 20-jährigen Jubiläums des Albums wurde MM..FOOD 2024 mit einem komplett neuen Artwork von Sam Rodriguez neu verpackt!

Coloured vinyl reissue limited run 500

Released on Green vinyl.

Essential addition to your Doom collection.