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Was ist Krautrock? Genre, Provokation oder Mythos? Diese Compilation liefert keine endgültige Antwort - aber zwölf ausgewählte Tracks aus fünf Jahrzehnten musikalischer Grenzüberschreitung. In Zusammenarbeit mit Bureau B entstanden, versammelt diese Platte Highlights aus einer größeren, kommentierten Diskografie. Kein Kanon, sondern ein Impuls: zum Wiederhören, Weiterdenken, Diskutieren. Krautrock bleibt Streitfall - und genau das macht ihn lebendig. Jetzt auf transparentem Vinyl - limitiert und unverzichtbar.

Back in stock soon!

Dan Piu wrote this album during the "dark, dystopian times" of the last year. The record's themes take in nature, human life, sci-fi, cyborgs and plenty in between with opener 'Tru Confession' being a robust house track stacked with throwback breaks, futuristic synths and old school vocals. There is a real warmth and soul to the machine sounds of 'Un-X-Plored Exodus' while a certain sense of 90s New York house colours 'Upgrade System M59'. 'System Of Ethics' shows off a fine mastery of synth craft that brims with emotion and 'Asteroid Blues' is like a lost Kerri Chandler cut. Essential.

Schneeweißes Vinyl. Zum ersten Mal seit seinem viralen Weihnachtsalbum ,A Joyful Sound", das 2020 rausgekommen ist, ist Kelly Finnigan (Monophonics) mit zwei neuen Original-Weihnachtsliedern zurück. ,I Can't Wait (For Christmas Time)" ist ein schwerer, aber entspannter Song mit einem geradlinigen Pop-Arrangement. Es ist dieser Rust-Belt-Soul-Sound mit den Harmonien, die südkalifornische Cruiser beflügeln: tief und emotional, mit genau der richtigen Instrumentierung, um Finnigans zarte Stimme in den Vordergrund zu rücken. Der Song wird auch von seiner Labelkollegin Kendra Morris und ihrer Band im Hintergrundgesang begleitet. Ähnlich wie frühere KF-Veröffentlichungen oder Perlen von The Escorts oder The Four Mints ist diese Platte für dich und deine Lieben gedacht, verpackt in hübsches Papier unter dem Baum bis zum Weihnachtsmorgen. Dann lass noch etwas Platz für Plätzchen und die B-Seite... ,Snowy Night In Ohio" fühlt sich an wie ein langsam fahrender Mitternachtszug, der sich von Cincinnati nach Memphis auf den Weg macht. Inspiriert von Finnigans erstem Winter in Ohio, seiner Liebe zu Gospelplatten und den Hornarrangements von Isaac Hayes. Dies ist ein wirklich herausragendes Instrumentalstück, das eiskalte Seele versprüht. Es enthält eine kurze Gesangsbotschaft von Finnigan, die sich wie ein Zeugnis und ein Herzensanliegen anfühlt. Mit dabei sind Terry Cole und Jimmy James von Colemine sowie Billy Aukstik und Morgan Price.

For AI-41 Astral Industries presents a vinyl reissue of Robert Henke’s multifaceted concept album ‘Layering Buddha’. An erudite masterclass on sampling and composition, ‘Layering Buddha’ encapsulates the material process of metamorphosis and a well of nascent, ever-present potentialities. This new edition comes remastered by Henke himself. 

Originally released in 2006, ‘Layering Buddha’ began with a curious encounter with the ‘Buddha Machine’ - a pocket-sized, battery powered playback device that, over the past two decades, has quietly achieved a cult status around the world. Conceived by the Beijing-based group FM3 (Christiaan Virant, Zhang Jian), the machine takes inspiration from Tibetan Buddhist prayer boxes and consists of nine sound loop compositions of varying length, which can be toggled with a single switch. Due to low production cost and manufacturing imperfections, each Buddha Machine is unique, giving slight variations in sound, pitch and duration.

Using a state of the art A/D converter Henke made high quality recordings from a single machine, providing the source material for the album. Through various processing and arrangement methods, new pieces emerged, most of them all deriving from a single source loop. The pieces were then set up on the computer as generative arrangements, living as continuously permutating structures that could theoretically go on forever - just as the loops do within the Buddha Machines… 

The final pieces featured on the album are rendered excerpts of these infinite permutations, and therefore exist as momentary views on a perpetual machinery, as opposed to closed works. Upon initial exploration, it also became a natural development to format the work into an immersive multi-speaker performance - which premiered on January 31, 2007.

Within the music, subtle artefacts and idiosyncrasies are transmuted into new realms of texture and timbre. Through the extractive hand of subtle augmentations, an array of ethereal dimensions emerge from the vast unseen ocean. Suspended in a sense of timelessness, their undulating rhythms point to a pool of endless mysteries. 

Childhood Intelligence’s 18th release by ADSR aka. Todd Nickolas & Dominic Paterson from Toronto, Canada. The 2x12” album presents mostly tracks written and produced by Todd, with A1/D1 being in collaboration with Paterson. "Give a teenager in a rural Canadian setting an analog synthesizer, a drum machine and a four-track cassette recorder and feed him a steady diet of 80s EBM, Post-Punk, Synthpop, Electro, Dub, Acid, Hip Hop and House, and you’ll get the kind of genre melding electronic-based music that Todd Nickolas has been known for since his early days of writing and producing." The end result is a versatile one, with “Passive Articulation” presenting abstract Techno - House - Electro visions, and fusing all the elements of vintage Intelligent Dance Music that we cherish so much: warm basslines, beautiful chord progressions, diverse and surprising arrangements infused with haunting melodies, hypnotic cyber sounds, detached vocal cuts and dubbed percussion.…Overall fresh & timeless classiness for the present, past & future.

Recorded various locations New Hamburg, Kitchener-Waterloo, Ottawa, Toronto, San Francisco and Los Angeles. ADSR greatly thanks those who were there from the start, those who joined along the journey and those here now.

Deep Techno, Techno, House, Detroit Techno
James Baker aka ReKaB passed away very recently and so unexpectedly. He had only submitted the music for his new EP for YORE less than two weeks before his sudden passing.

The original title was meant to be "Let the Machines Talk", but we decided to change it to "The Last Talk of the Machines."

It feels not only sad but also surreal to hear music that was created only shortly before, knowing James is no longer with us in embodied existence. This is the very last talk of his loved Machines.

R.I.P James aka ReKaB- Lost but not forgotten.

Strictly limited to 200 Copies worldwide (NO REPRESS).

DIN SYNC DUB is an exploration of communication through sound. Six tightly packed experimental dub tracks use bass-heavy vibrations to rattle both body and mind, pushing the limits of self-expression in the hope of fostering deeper human connection.

The drive for more efficient and precise communication tools—whether between man and machine or machine and machine—has been a foundational force in the evolution of technology. This duality, the way we interface with computers and the way we speak to one another, is at the heart of DIN SYNC DUB. For this album, N1_SOUND looks back to 1980, drawing inspiration from Roland’s Din Sync—a 40-year-old synchronization technology once used to link musical machines in perfect harmony. While connecting machines to produce precisely sequenced music is nothing new, it’s the tension between perfection and imperfection—the mistakes of both man and machine—that gives DIN SYNC DUB its voice, its emotional rawness.

The journey begins with “Horizontal Hang”, which crashes through the door with a relentless bassline and crystalline synths. “Such Love” introduces a throbbing, guitar-driven groove, while “Intuition Dub” channels the spirit of Jah Shaka, offering a rhythmic pulse that echoes dub’s deep roots. “Us All” provides a moment of introspection with its sparse, three-dimensional melodies, before “Joy” reintroduces chaos, creating a post-dubstep soundscape that dismantles everything in its path. The album closes with “Mauzy” , a hopeful yet fragmented conclusion, reflecting the ever-evolving nature of technology and connection.

By the mid-to-late 1980s, Din Sync was superseded by the more widely adopted MIDI, yet obsolescence is built into the nature of all technology. Just as our relationship with machines shifts and fades, so too does our understanding of how those changes shape us. Before we can grasp the impact, the world has already moved on.

DIN SYNC DUB, the first full-length LP from Spiritual World, pulses with energy, on the edge of malfunction—a manifestation of the tension between the digital and the organic, the past and the present.

HiIDAS ist ein instrumentales Trio aus München, das sich im Doom Metal verortet, aber dessen Grenzen gerne überschreitet. Gegründet hat sich die Band im Frühjahr 2023, Flo Bätz (Gitarre), Christoph Mühlbauer (Drums) und Richard Noyn (Bass) haben allerdings schon in verschiedenen Bands zusammengespielt und machen somit schon jahrelang Musik zusammen. Dies zeigt sich darin, was für eine tighte Einheit sie sind und das erlebt man am besten auf einem ihrer Live- Konzerte. Die vermeintliche Lücke im Sound und Storytelling einer Instrumentalband verstehen Hidas durch ihr intelligentes Songwriting nicht nur zu schließen, sondern zu ihrer Stärke zu machen.

Die japanische Metalcore-Band Crystal Lake wird ihr neuestes Album "The Weight of Sound" über Century Media Records veröffentlichen. Das Quintett ist seit langem ein bekannter Name in der internationalen Metalcore-Szene. Mit Einflüssen sowohl aus dem Metalcore als auch aus dem Hardcore verschmilzt ihr Sound die Intensität beider Genres zu einem einzigartig schweren und mitreißenden Stil, der besonders bei ihren elektrisierenden Live-Auftritten zum Tragen kommt. Während die Band intensiv auf Tour war, wurde das erste Stück ihres neuesten Albums, "BlüdGod" (feat. Taylor Barber), bereits im Mai 2024 veröffentlicht.

Die aus Japan stammende Band hat sich eine globale Fangemeinde aufgebaut, tourt weltweit und gewinnt durch ihre kraftvolle und energiegeladene Musik an Zugkraft. Das Quintett, das seine Musik in englischer Sprache veröffentlicht, hat es geschafft, sich im Laufe der Jahre eine internationale Fangemeinde aufzubauen und seit 2002 insgesamt 6 Alben zu veröffentlichen.

Ihr neuestes Album, "The Weight of Sound'", ist weniger von bestimmten Aspekten inspiriert als vielmehr eine Reflexion über die Reise der Band und ihre Lebensweise im Laufe ihrer Geschichte, wie Gründer YD erzählt: "Bevor ich es realisiert habe, war Crystal Lake 23 Jahre lang aktiv. Die Leute sagen oft: "Die Zeit vergeht wie im Flug", aber die Wahrheit ist, dass wir eine lange Geschichte mit Freunden, Bandkollegen und anderen Musikern aufgebaut haben, die Blut, Schweiß und unzählige Kämpfe geteilt haben, um diese Band aufzubauen. Das ist eine unbestreitbare Tatsache und mein Stolz. Jede Note, die wir spielen, wird zur Harmonie, und diese Harmonie wird zur Musik. Diese Musik gemeinsam mit Kameraden zu spielen, das macht eine Band aus. Und die Musik, die eine Band macht, kann eine neue Kultur hervorbringen. Unser neues Album 'The Weight of Sound' ist ein Spiegelbild dieser Lebensweise."

Das Gefühl von Gemeinschaft und Zusammengehörigkeit spiegelt sich auf dem Album auch in den verschiedenen Beiträgen wider, an denen die Band mitgearbeitet hat - vom Eröffnungstrack "Everback" feat. David Simonich von Signs of The Swarm bis hin zum düsteren, aber verführerischen "Dystopia", bei dem Jesse Leach von Killswitch Engage mitwirkt. Mit "BlüdGod" (feat. Taylor Barber), das ursprünglich im Mai 2024 veröffentlicht wurde, spiegelt das Album eine ziemlich lange Reise und einen langen Entstehungsprozess wider, der das Warten für Fans und neue Hörer gleichermaßen wert war. Gemischt und gemastert von Jeff Dune (Knocked Loose, Make Them Suffer, Currents), enthält "The Weight of Sounds" alle Elemente der Härte und bleibt dabei den rohen Emotionen, die die Band in ihren Texten ausdrückt, treu. Mit insgesamt 11 Tracks wird "The Weight of Sound" von Crystal Lake sicherlich schwer sein - musikalisch und emotional.

The music of the duo Parajekt is created on electronic instruments. Drum machines, samplers, modular synths, and effects devices all culminate in a tape recorder, whose limitations invite them to work with great musical and sonic precision.
The resulting pieces serve as the first layer and as a sound score, which is then overwritten, mixed, and refined with dub techniques in a subsequent step.
Elements inspired by electronic beat music, musique concrete, and noise merge in a musical performance that brings the studio action onto the stage and places it front and center.

"Bitte gehen Sie weiter, bitte bleiben Sie hier nicht stehen!" - dieser Satz könnte das Motto des neuen Albums von Urlaub in Polen sein. Auch nach über 20 Jahren bleibt das Duo seinem Prinzip treu: Musik als Reise, als temporäre Erfahrung im Strom der Eindrücke. Nach dem gefeierten Comeback All (2020) knüpft Objects, Beings and Parrots an den krautrockigen Motorik-Sound an, erweitert ihn aber um eklektische Ausflüge in Noiserock, Retrofuturismus, Akustikpop und experimentelle Klangkunst. Multiinstrumentalist Georg Brenner und Schlagzeuger Jan Philipp Janzen (u.a. Von Spar, Köln) schaffen ein Album, das sich jeder klaren Genrezuordnung entzieht und gerade dadurch ein wohliges Gefühl von Mitgenommenwerden erzeugt. Aufgenommen im MARS-Studio in der Eifel, ist das Werk eine trippige Feier des Weitermachens - zwischen Bewegung und Innehalten, zwischen Waschmaschine und Waldhorn.

"Bitte gehen Sie weiter, bitte bleiben Sie hier nicht stehen!" - dieser Satz könnte das Motto des neuen Albums von Urlaub in Polen sein. Auch nach über 20 Jahren bleibt das Duo seinem Prinzip treu: Musik als Reise, als temporäre Erfahrung im Strom der Eindrücke. Nach dem gefeierten Comeback All (2020) knüpft Objects, Beings and Parrots an den krautrockigen Motorik-Sound an, erweitert ihn aber um eklektische Ausflüge in Noiserock, Retrofuturismus, Akustikpop und experimentelle Klangkunst. Multiinstrumentalist Georg Brenner und Schlagzeuger Jan Philipp Janzen (u.a. Von Spar, Köln) schaffen ein Album, das sich jeder klaren Genrezuordnung entzieht und gerade dadurch ein wohliges Gefühl von Mitgenommenwerden erzeugt. Aufgenommen im MARS-Studio in der Eifel, ist das Werk eine trippige Feier des Weitermachens - zwischen Bewegung und Innehalten, zwischen Waschmaschine und Waldhorn.

Mit Calling melden sich The Busters eindrucksvoll zurück - neun Musiker, ein Album, das kollektive Kreativität hörbar macht. Entstanden in zwei Studios - den atmosphärischen Waldstudios bei Berlin und "Der Raum" in Waltrop - verbindet Calling emotionale Tiefe mit musikalischer Klarheit und der typischen Leichtigkeit der Band. Die Songs entstehen basisdemokratisch, ohne Hierarchie - aus Vertrauen, Präzision und Spielfreude. Das Ergebnis: ein Album voller Dynamik, Wärme und Atmosphäre. Man hört den Raum, die Luft, das Miteinander. Statt digitaler Perfektion steht das Gefühl im Vordergrund. Highlights wie der Titeltrack "Calling", das melancholisch-leichte "Champagne", das bissige "Freak Show" oder das hoffnungsvolle "Geschichte schreiben" zeigen die Band in ihrer ganzen Bandbreite - nachdenklich, ironisch, berührend. Live entfaltet sich die volle Kraft: The Busters gehören seit über 35 Jahren zu den besten Live-Bands Deutschlands. Calling fängt diese Energie ein - als klingendes Abbild einer Band, die weiß, wer sie ist, und trotzdem immer wieder neu aufbricht. With Calling, The Busters make a powerful return - nine musicians, one shared language, and an album that showcases the vibrancy of collective creativity. Recorded between two studios - the atmospheric Waldstudios near Berlin and "Der Raum" in Waltrop - Calling blends emotional depth with musical clarity and the band"s signature ease. No mastermind, no hierarchy - just a democratic process built on trust, precision, and joy. The result is an album rich in dynamics, warmth, and atmosphere. You hear the room, the air, the connection. Feeling takes precedence over digital perfection. Tracks like the floating opener "Calling," the subtly melancholic "Champagne," the biting "Freak Show," and the uplifting "Geschichte schreiben" reveal the band"s full emotional range - thoughtful, ironic, and deeply human. On stage, The Busters truly shine: with over 35 years of live experience, they are one of Germany"s most seasoned and beloved live acts. Calling captures that energy - a sonic reflection of a band that knows who they are, yet continues to explore new paths.

Clammbon, who have performed numerous tribute albums for artists such as Yasuyuki Okamura, Fishmans, and YMO, have released their first covers album, including
all of their classic covers. From Akiko Yano to Bow Wow Wow, the selection and arrangements show the band's depth, and the loose and casual recordings of
the Magokoro Brothers' "Summer Nude" and the Beatles' "Across the Universe" featuring Takashi Nagatsumi are particularly captivating.

Alan Vegas selbstbetiteltes Solo-Debütalbum, das ursprünglich 1980 rausgekommen ist, eröffnete ein neues Kapitel für eine der einflussreichsten und kompromisslosesten Stimmen New Yorks. Vega stürzte sich voll und ganz auf die Wurzeln seines persönlichen Sounds, inspiriert von Blues, Rockabilly und seiner großen Liebe zu Elvis Presley. Ohne die konfrontative Elektronik von Suicide, aber mit Vegas Außenseiter-Energie und Stimme, filtert das Album den frühen Rock 'n' Roll durch einen Art-Punk-Filter und ist ein echtes Kult-Meisterwerk. Minimalistisch, eindringlich und zutiefst persönlich hat es sich einen einzigartigen Platz im Underground-Kanon erobert. Die limitierte Deluxe-Doppel-LP-Edition kombiniert das neu remasterte Originalalbum auf der zweiten Platte mit bisher unveröffentlichten frühen Demos und bietet einen seltenen Einblick in den kreativen Entstehungsprozess dieses Kultklassikers sowie exklusives alternatives Artwork. "Alan Vega (Deluxe Remastered Edition)" ist ein Begleitwerk, das neues Licht auf Vegas Schaffensprozess und Vision während dieser entscheidenden Ära wirft und es zu einem Muss für Sammler und langjährige Fans macht.

"Collision Drive" ist Alan Vegas zweites Solo-Studioalbum, das ursprünglich 1981 rausgekommen ist. Während sein Debütalbum den Grundstein für eine rohe, minimalistische Interpretation von Rockabilly und Blues gelegt hat, erweitert Collision Drive" die Palette mit einer raueren, vielschichtigen und ungefilterten Energie. Hier greifen Vegas Texte universelle Themen auf, die in seiner Faszination für das Straßenleben, Science-Fiction, Politik, Comics, Liebe und die Geheimnisse des Universums verwurzelt sind. Es ist ein Album, das vor Gefühl und Rebellion pulsiert und das gesamte Spektrum menschlicher Erfahrungen sowie Vegas sich weiterentwickelnde Vision zeigt. Alan erfand sich immer wieder neu, schuf und verfeinerte seine Meisterschaft der Variation und behielt dabei seine eigene unvergleichliche und unverwechselbare Ästhetik bei. Klanglich ist dieses Album dynamischer als sein erstes. Collision Drive" verzichtete auf Drum Machines zugunsten eines Live-Drummers und holte eine Hardrock-Band als Begleitung hinzu, wodurch es eine andere Sichtweise auf Vegas künstlerische Vision bot. Der schmerzhafte Punk-Rockabilly von Magdalena 82" entfaltet sich mit einer hypnotischen Mischung aus Gitarren-Slides und frenetischer Energie, während Vegas Cover von Be Bop A Lula" Gene Vincents Klassiker in ein aggressiv aufgeladenes, manisches Heulen verwandelt. Andere Tracks wie der treibende kosmische Rock 'n' Roll Raver" dringen in Psychobilly-Gefilde vor. Vega war unerbittlich innovativ und beschritt ständig neue Wege. Hier werden wir Zeugen seines vollständigen Aufstiegs in seine eigene Mythologie: teils Rockabilly-Outlaw, teils kosmischer Prediger, teils visionärer Außenseiter. Collision Drive" ist breiter angelegt als sein Debüt, aber genauso kompromisslos und eine mutige und persönliche Erkundung von Klang und Identität. Roh, elektrisierend und bahnbrechend bleibt es ein Kult-Meilenstein des Outsider-Rock und ein Prüfstein für die Entwicklung des Art-Punk und des experimentellen Pop von einer der furchtlosesten Ikonen New Yorks. Collision Drive" wurde von Josh Bonati anhand der Originalbänder neu gemastert und erscheint nun in einer ehrfürchtigen Neuauflage bei Sacred Bones.

"Collision Drive" ist Alan Vegas zweites Solo-Studioalbum, das ursprünglich 1981 rausgekommen ist. Während sein Debütalbum den Grundstein für eine rohe, minimalistische Interpretation von Rockabilly und Blues gelegt hat, erweitert Collision Drive" die Palette mit einer raueren, vielschichtigen und ungefilterten Energie. Hier greifen Vegas Texte universelle Themen auf, die in seiner Faszination für das Straßenleben, Science-Fiction, Politik, Comics, Liebe und die Geheimnisse des Universums verwurzelt sind. Es ist ein Album, das vor Gefühl und Rebellion pulsiert und das gesamte Spektrum menschlicher Erfahrungen sowie Vegas sich weiterentwickelnde Vision zeigt. Alan erfand sich immer wieder neu, schuf und verfeinerte seine Meisterschaft der Variation und behielt dabei seine eigene unvergleichliche und unverwechselbare Ästhetik bei. Klanglich ist dieses Album dynamischer als sein erstes. Collision Drive" verzichtete auf Drum Machines zugunsten eines Live-Drummers und holte eine Hardrock-Band als Begleitung hinzu, wodurch es eine andere Sichtweise auf Vegas künstlerische Vision bot. Der schmerzhafte Punk-Rockabilly von Magdalena 82" entfaltet sich mit einer hypnotischen Mischung aus Gitarren-Slides und frenetischer Energie, während Vegas Cover von Be Bop A Lula" Gene Vincents Klassiker in ein aggressiv aufgeladenes, manisches Heulen verwandelt. Andere Tracks wie der treibende kosmische Rock 'n' Roll Raver" dringen in Psychobilly-Gefilde vor. Vega war unerbittlich innovativ und beschritt ständig neue Wege. Hier werden wir Zeugen seines vollständigen Aufstiegs in seine eigene Mythologie: teils Rockabilly-Outlaw, teils kosmischer Prediger, teils visionärer Außenseiter. Collision Drive" ist breiter angelegt als sein Debüt, aber genauso kompromisslos und eine mutige und persönliche Erkundung von Klang und Identität. Roh, elektrisierend und bahnbrechend bleibt es ein Kult-Meilenstein des Outsider-Rock und ein Prüfstein für die Entwicklung des Art-Punk und des experimentellen Pop von einer der furchtlosesten Ikonen New Yorks. Collision Drive" wurde von Josh Bonati anhand der Originalbänder neu gemastert und erscheint nun in einer ehrfürchtigen Neuauflage bei Sacred Bones.

Gatefold clear 2LP


Lorna Shore hat unerwartete Höhen erklommen, vor den größten Zuschauermengen ihrer Karriere gespielt und ist buchstäblich durchs Feuer gegangen, um »I Feel the Everblack Festering Within Me« zu veröffentlichen. Das neueste Album des Quintetts aus New Jersey knüpft dort an, wo sie mit dem mittlerweile klassischen »Pain Remains« aufgehört haben.

Während die erste Single des Albums, »Oblivion«, klassische Lorna Shore-Klänge sind, hört man erst in Songs wie dem hymnischen »Unbreakable«, dem pathetischen »Glenwood« oder den triumphalen Gitarrenmelodien von »Lionheart« den Sound von Extreme Metal, der seine eigenen Grenzen überschreitet – geprägt von den Erfolgen auf riesigen Festivals und Arenenauftritten mit Künstlern wie Gojira und Mastodon.

Lorna Shores Aufstieg war schlichtweg atemberaubend, und »I Feel The Everblack Festering Within Me« ist nichts weniger als ihr karriereprägendes Album.

Mit ,A Constant Charade" nimmt der Künstler und Produzent Elujay aus Oakland die Maske von seinem facettenreichen, genreübergreifenden Schaffen ab. ,Einer der talentiertesten Singer-Songwriter der Bay Area" (Hypebeast) gibt sein Solo-Debüt beim kunstorientierten Indie-Label drink sum wtr mit einer risikofreudigen LP, die auf fast ein Jahrzehnt einzigartiger Arbeit in der zeitgenössischen Pop-Landschaft folgt. Er sieht seinen Stil als eine Fusion unerwarteter Einflüsse: R&B gemischt mit Rhythmen aus Yacht Rock, Sophisti-Pop, Dancehall, Al Jeel, Lovers Rock und den Klängen seiner trinidadischen Wurzeln. ,A Constant Charade" ist eine dynamische Sammlung, die von Verletzlichkeit und Ehrgeiz geprägt ist. Die Themen berühren soziale Signale, Verhaltensmuster und die Art und Weise, wie wir uns anderen gegenüber verhalten, ,einfach beobachten, wie ich mich fühle, wenn ich unter Menschen bin", sagt er. "Ob ich nun den Code wechsle oder mich anders verhalte ... wir alle tun das, es ist eine Farce." Mit seinem charakteristischen Gesang und den bisher stärksten Arrangements, zusammen mit einer Reihe von Mitwirkenden und Co-Produzenten, durchbricht Elujay die Spielchen, um echt zu sein. Aufgenommen an verschiedenen Orten über einen Zeitraum von drei Jahren, krönt "A Constant Charade" ein bahnbrechendes Jahr 2025, das mit der zweiten Folge von GEMS IN THE CORNERSTORE von JEMS! begann, seinem von dsw unter Vertrag genommenen Projekt mit J. Robb. Wie GEMS lehnt sich das neue Album stärker an den Einflüssen karibischer Musik und Leftfield-Elektronik an, von Dance bis Ambient und einem Dutzend Stilrichtungen dazwischen. ,Ich denke, es ist wichtig, einfach zu erkennen, dass diese Leute, mit denen man zusammenarbeitet, den neuen Sounds, die man entdeckt, eine gewisse Glaubwürdigkeit verleihen", sagt Elujay. Er schreibt einen Großteil der nostalgischen Qualität von "A Constant Charade" Nicholas Creus zu: ,Er ist Jazzgitarrist und ein großer Fan von The Police und Yacht Rock, er ist einfach überall auf diesem Album zu finden." Ebenso wie den langjährigen Mitstreitern Martin Rodrigues, Jaden Wiggins und Ben Yasemsky, die Elujay seit seiner Kindheit kennt. ,Benji ist einfach ein stiller Killer, ein großartiger Gitarrist, Produzent und Finisher, der immer in letzter Minute alles aufräumt." Wenn es um die Zusammenarbeit mit anderen geht, ,habe ich kein Ego, es geht nur darum, dass die beste Idee gewinnt. Letztendlich geht es um die Menschen, wir wollen einfach nur die bestmögliche Musik machen."

A collaboration between THE FUNKIN' MACHINE and Chicago's STARCREATURE RECORDS. This 6 track LP features full color art and cuts from cosmic disco to mediterranean boogie. THE FUNKIN' MACHINE specializes in sparkling and groovy funky sounds from the slopes of Vesuvius.After a sold-out 7", KIBBI GIBBONS returns with an album's worth of smooth of smooth, spaced-out, jazz-funk delights. Their debut LP is 7 tracks of deep house/acid jazz instrumentals that land you between an Ibizan beach and a liminal Mario Kart character selection screen. Limited to 300 copies.

Fresh out of Skudge HQ, we witness a return to home base after a few releases on other labels.

Coming back in strong form, SKUDGE 015 opens with "Corrosion", pulsing around at 143 BPM and accompanied by warm synth work.



Steadily pacing on, A2 brings us "Source", which captures a haunting vibe with a funky twist. A tune that echoes memories of the past but framed in the zeitgeist.

Flipping over to "Code", we're instantly thrown into a tension-ridden force, built from compact and steady sonic machinery.



Finally, "Distressed" provides the counterweight, keeping the pace and rhythm steady with sharp sonic directions, revealing itself as a hidden peak-time monster disguised as a closing track.

Felix Kubin's Der Tanz Aller is an energetic, rhythmically charged soundtrack created for the performance of the same title by the experimental arts collective LIGNA. The group specialized in site-specific, participatory works. Der Tanz Aller is based on Rudolf von Laban's radical 1920s concept of 'Bewegungschoere' (movement choirs), collective dances in public space that aimed to reimagine social order through shared movement. Combining minimal electronics, acoustic percussion, and brass, Kubin's compositions reflect both the experimental spirit of Laban and the political charge of mass choreography, inviting listeners to become dancers themselves.

Seit 2007 bricht das schwedische Power-Disco-Quartett Royal Republic mit allen Rock'n'Roll-Normen, verweigert sich Klischees und schafft mit seinem fünften Studioalbum "LoveCop" eine rebellisch brillante Mischung. Gegründet mit Hits wie "Tommy Gun", entwickelte sich Royal Republic durch Alben wie "Save The Nation" und "Club Majesty" weiter. Mit Hits wie "My House" und "LoveCop" zeigt das Album, das in den Hansa Studios in Berlin von Michael Ilbert und Adam Grahn aufgenommen wurde, durch charakteristisch freche Riffs und Wortspiele, eine Fortsetzung ihres unwiderstehlichen Sounds. Vollgepackt mit intelligenten Drum-Beats und groovigen Bass-Lines ist es eine schweißtreibende Fusion aus Metallica und Michael Bolton. Macht Euch bereit für eine musikalische Achterbahnfahrt, wenn "LoveCop" die Herzen zum Schmelzen bringt und gleichzeitig die Lautsprecher in Brand setzt. Es ist die Befreiung von allen Fesseln mit dem Recht einfach mal wieder laut zu sein! Nehmt die Hände hoch und tanzt zu den unaufhaltsamen Beats von Royal Republic.

Deep, fragile, rhythmic, dubby and funny - the album Tremor by Silva is a collaboration between Moa Franzen, artist and performer, and Magnus Dahl, artist and music producer. With clarinet as the leading instrument, backed by cello, synths and drum machines, they build a world at the intersection of different genres, influenced by dance music, jazz and ambient.

Re-issued! 1993 nahmen PROPAGANDHI ihr erstes Album "How to Clean Everything" auf und veröffentlichten es über das damals noch junge Label Fat Wreck Chords. Es versteht sich von selbst, dass das Album nicht nur das Label bekannt machte, sondern vor allem PROPAGANDHI als eine der großen Kräfte in der Punkszene etablierte. "How To Clean Everything" war ein Start nach Maß und lehnte sich noch eher an die Skate-Punk-Tradition an als die folgenden Werke der Band. Trotzdem voller aggressiver Metal/HC-Riffs und jungenhafter, bissiger Texte über Menschenrechte, Gleichberechtigung und radikale linke Politik. Sänger/Gitarrist Chris Hannah erklärt seine Gründefür die Neuauflage (mit einem Hauch seines geliebten sarkastischen Humors): ,Vielleicht liegt es an den Badesalzen, aber ich bin zu der Überzeugung gelangt, dass es wertvoll ist, etwas zu haben, das einen bis zum Tod verfolgt. Ich präsentiere euch "How To Clean Everything". Die 2026 Neuauflage enthält wie die 20th Anniversary Edition das komplette Originalalbum plus die drei Outtakes, die Fat Mike für Fat Wreck seinerzeit für die Vinylveröffentlichung rausgenommen hatte. Natürlich wurde das Album auch von den originalen Analogbändern remastert. Schwarzes und farbiges Vinyl wieder erhältlich.
















[p] SEEMED FUNNY THE FIRST TIME [BONUS TRACK]
[q] NOT TO BE GENDER SPECIFIC, OF COURSE [BONUS TRACK]

Vor 25 Jahren: Today's Empires, Tomorrow's Ashes ist das einflussreiche dritte Studioalbum der kanadischen Punkband Propagandhi, das 2001 auf ihrem Label G7 Welcoming Committee Records (und außerhalb Kanadas bei Fat Wreck Chords) veröffentlicht wurde. Es zeichnet sich durch schnellen, politisch aufgeladenen, metallischen Punk mit kraftvollen Texten und Riffs aus und wurde 2021 zum 20-jährigen Jubiläum überarbeitet (Remaster, neuer Mix). Seit 2021 als CD erhältlich, jetzt wieder auf schwarzem und farbigem Vinyl. Eine der besten politischen Punkbands seit den 90ern! 14 Tracks (plus 4 Bonustracks auf CD) mit nachhallenden Donner auf einem umwerfenden Album! Wissen ist Macht. Seid bereit.

2024 Repress!

Official re-release of Larry Heards ground breaking, genre defining release from 1986. Digitally remastered full versions on his own Alleviated records. Includes the timeless Can You Feel It, Wishing Machine and Beyond The Clouds.

Peter Beyls (1950) works on the intersection of computer science and the arts. He develops generative systems in music, the visual arts and hybrid formats. Beyls studied music and computer science at EMS, Stockholm, the Royal Music Conservatory, Brussels and the Slade School of Art, UC London. Initially he was active in electronic music, as a composer of tape music. Later on, he developed various analog live electronic music systems. In close partnership with Michel Waisvisz, he designed and built the early prototypes of the crackle box synthesizer at STEIM, Amsterdam (1973-1975). Around the same time, Belgian composers Karel Goeyvaerts and Lucien Goethals were his mentors at the IPEM Studio. Over the years, Beyls’ work has primarily centered on generative systems, including extensive series of machine drawings, human-machine interactive music systems using machine-learning and interactive audiovisual installations on which he has also given worldwide lectures. His work has been widely performed and exhibited at various universities and art institutions. The four previously unreleased tracks on this LP are amongst his first electronic music compositions using the Crackle Box, the Synthi 100 and the VCS3, a combination of live improvised electronics with precise tape editing and effects.

Colosseum was one of England's prime rock-jazz outfits. Most of the members of Colosseum had apprenticed in blues bands and it shows very strongly on some of the material on their second album. Valentyne Suite takes the band out of their bluesy comfort zone into something closer to prog rock. The album is generally seen as their best album and still extremely enjoyable.

Benedikt Frey supplies the aid kit. Sonic remedies for the night.

4 transmissions for after-dark navigation. Remix from Carl Finlow.

For its third release, Club Blanco welcomes German producer Benedikt Frey. Aid Kit delivers three original pieces of shadowy club machinery - tense, wonky and charged with late-night atmosphere and rugged vocals. Electro veteran Carl Finlow reassembles the parts with clinical precision, crafting a remix that hums with circuitry and steel. Together they form four doses of deep club music.

Mit Framing Reality veröffentlichen The Livelines aus Osnabrück ihre neue EP - ein musikalisches Coming-of-Age-Tagebuch zwischen Selbstzweifel, Selbstbehauptung und dem Versuch, Kontrolle in einer sich ständig verändernden Welt zu finden. Die sechs Songs zeigen eine junge Band, die ihre Realität selbst in die Hand nimmt: ehrlich, direkt und mit einem Sound, der Pop-Melancholie mit tanzbarer Rock-Energie verbindet.
Nach über 60 Shows, zahlreichen Festivalauftritten, Supporttouren für Acts wie KAFFKIEZ, DAMONA und Hi! Spencer sowie ausverkauften Headline-Shows machen The Livelines klar, dass sie gekommen sind, um gehört zu werden. Framing Reality steht für den Versuch, das eigene Leben zu rahmen - zu entscheiden, wie man gesehen wird, wie man sich selbst sieht und was man aus den Dingen macht, die man nicht ändern kann.

COLORS OF BACH: Violinistin Eldbjørg Hemsing lässt die Musik von Bach in völlig neuen Klangfarben leuchten Auf ihrem neuen Album COLORS OF BACH lässt Violinistin Eldbjørg Hemsing die ausdrucksstarke Musik von Johann Sebastian Bachs in völlig neuen Arrangements erklingen und eröffnet zeitgenössische Perspektiven auf sein Werk.Vielschichtig, fein nuanciert und mit ungezügelter Spielfreude, schöpft das Album seine Inspiration aus der strukturellen Raffinesse und der expressiven Schönheit von zwanzig ausgewählten Werken. Die renommierten Arrangeure Tim Allhoff, Jan-Peter Klöpfel und Jarkko Riihimäki rücken bekannte Meisterwerke durch buchstäblich neue "Farben", die in Bachs Musik eingeführt werden - durch Klang, Harmonie und Emotion - in neues Licht.Im Zentrum des Projekts steht eine gemeinsame künstlerische Philosophie: Bachs Musik zu erweitern, neu zu denken und zu formen - ohne sie zu verfälschen. Die Arrangeure schöpfen ihre Inspiration aus der positiven und universellen Kraft seiner Themen und Harmonien und bewahren dabei die innere Zuversicht, die Bachs Werk so einzigartig macht.Von der verspielten Brillanz der Partita Variation bis zur tief berührenden Neuinterpretation von Bachs Brandenburgischem Konzert - ikonische Melodien erhalten neue Vitalität, eröffnen emotionale Dimensionen, bewahren aber zugleich größten Respekt vor den originalen Meisterwerken. Die dichte, melodische Gestaltung des Orgelpräludiums in C-Dur geht nahtlos in eine virtuose Fassung für Solovioline und Streichorchester über und schafft ein fesselndes Hörerlebnis. Air nimmt die Eleganz eines italienischen Konzerts an, während das geliebte Erbarme Dich aus der Matthäuspassion als intime instrumentale Ballade neu erstrahlt. Gemeinsam zeigen diese kreativen Arrangements die Wandlungsfähigkeit und Zeitlosigkeit von Bachs Musik - und entfalten ein eindrucksvolles Kaleidoskop musikalischer Farben."Bach ist so ein genialer Komponist", reflektiert Eldbjørg Hemsing, "dass es unendlich viele Möglichkeiten gibt, seine Formen und Strukturen zu betrachten. Jede Melodie, die er geschrieben hat, vereint auf faszinierende Weise technische Präzision und tiefes Gefühl - und genau darin liegt die unerschöpfliche Vielfalt seiner Musik." COLORS OF BACH ist eine Hommage an diese zeitlose Musikalität - eine Einladung an die Hörerinnen und Hörer, Bachs Werke auf spielerische Weise neu zu entdecken. Im Herzen des Albums stehen Freude, Hoffnung und ein Sinn für Leichtigkeit. "Wir wollten dem Publikum die Möglichkeit geben, sich mit diesen bedeutenden Werken der Musikgeschichte neu zu verbinden", sagt Eldbjørg. "Und vielleicht dabei auch ihre ganz persönliche Interpretation zu entdecken."Eines der emotionalsten Arrangements des Albums ist Air. Das Stück, das oft mit Abschied und Trauer in Verbindung gebracht wird, hat für Eldbjørg eine tief persönliche Bedeutung: "Dieses Werk ist eines der wichtigsten, die ich je gespielt habe", erzählt sie. "Es wurde bei der Beerdigung meines Vaters aufgeführt, und ich habe es lange mit dem Schmerz des Verlustes verbunden. Aber so wollte ich ihn nicht in Erinnerung behalten. Musik hat die Kraft, unsere Emotionen zu lenken - und indem ich diesem Stück eine neue Perspektive gebe, kann ich selbst entscheiden, wie ich mich damit verbinden möchte. Genau das ist der Geist dieses Albums."COLORS OF BACH bildet eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Mit seinen überraschenden Momenten, facettenreichen Klangbildern und tief empfundenen Arrangements lädt das Album sowohl neue als auch erfahrene Hörerinnen und Hörer ein, die unendlichen Farben in Bachs Musik neu zu entdecken.

[a] a1 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Bach Partita Variation (After Violin Partita No. 3 in E Major, BWV 100: I. Preludio) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Tim Allhoff] 2:18
[b] a2 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Ertönt uns durch dein Güte Variation (After Jesus nahm zu sich die Zwölfe, BWV 22, No. 5: Ertöt uns durch dein Güte) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 2:58
[c] a3 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Ave Maria Variation (After The Well-Tempered Clavier I: Prelude and Fugue No. 1 in C Major, BWV 846: I. Prelude) [Arr. for Violin, String Quintet and Piano by Tim Allhoff] 2:08
[d] a4 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Minuet in G Major Variation (After Notebook for Anna Magdalena Bach, BWV Anh.116, No. 7: Menuet in G Major) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 2:12
[e] a5 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Concerto in A Minor Variation (After Violin Concerto No. 1 in A Minor, BWV 1041: II. Andante) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 2:30
[f] a6 Eldbjørg Hemsing & Martynas & Norwegian String Qui Melancholy Variation (After Concerto for Violin & Oboe in C Minor, BWV 1060R: III. Allegro) [Arr. for Violin, Accordion, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 3:11
[g] a7 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Herz und Mund und Tat und Leben Variation (After Herz und Mund und Tat und Leben, BWV 147: VI. Wohl mir, daß ich Jesum habe) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 2:42
[h] a8 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Air Variation (After Orchestral Suite No. 3, BWV 1068: II. Air) [Arr. for Violin & String Quintet by Tim Allhoff] 2:37
[i] a9 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Bach Brandenburg Concerto Revisited (After Brandenburg Concerto No.1 in F Major, BWV 1046: I. Allegro) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jarkko Riihimäki] 2:11

[k] b2 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Aria Goldberg Variation (After Goldberg Variations, BVW 988: Aria) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Tim Allhoff] 1:48
[l] b3 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Prelude in C Major Variation (After Prelude and Fugue in C Major, BWV 553: I. Prelude) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Tim Allhoff] 1:57
[m] b4 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Es ist gewisslich an der Zeit Variation (After Nun freut euch, lieben Christen gmein, BWV 734) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jarkko Riihimäki] 1:27
[n] b5 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Invention in F Major Variation (After Invention in F Major, BWV 779) [Arr. for Violin & String Quintet by Jan-Peter Klöpfel] 1:57
[o] b6 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Organ Sonata Variation (After Organ Sonata No. 4 in E Minor, BWV 528: II. Andante) [Arr. for Violin & String Quintet by Tim Allhoff] 2:42
[p] b7 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Befiehl du deine Wege Variation (After Matthäuspassion, BWV 244, No. 53: Befiehl du deine Wege) [Arr. for Violin & String Quintet by Tim Allhoff] 1:33
[q] b8 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Erbarme dich, mein Gott Variation (After Matthäuspassion, BWV 244, No. 47: Erbarme dich, mein Gott) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Tim Allhoff] 2:08
[r] b9 Eldbjørg Hemsing & Louisa Tuck & Tim Allhoff Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ Variation (After Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639) [Arr. for Violin, Cello & Piano by Tim Allhoff] 2:39
[s] b10 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Concerto in D Minor Variation (After Concerto in D Minor, BWV 974: III. Presto) [Arr. for Violin & String Quintet by Jan-Peter Klöpfel] 2:06
[t] b11 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Choral Aria Variation (After Widerstehe doch der Sünde, BWV 54: I. Aria) [Arr. for Violin & String Quintet by Tim Allhoff] 3:37

Auf dem vierten Album von Chrystia Cabral als SPELLLING verwandelt die Künstlerin aus der Bay Area ihr gefeiertes Avant-Pop-Projekt in einen Spiegel. Cabrals Texte auf „Portrait of My Heart“ befassen sich mit Liebe, Intimität, Angst und Entfremdung und tauschen den allegorischen Ansatz vieler ihrer früheren Werke gegen einen Blick in ihr menschliches Herz. Die thematische Unverblümtheit des Albums spiegelt sich in den Arrangements wider und macht es zum bisher schärfsten und direktesten SPELLLING-Album. Vom düsteren Minimalismus ihrer frühesten Musik über den üppig orchestrierten Prog-Pop von „The Turning Wheel“ aus dem Jahr 2021 bis hin zu diesem neuen energiegeladenen Ausdruck ihres kreativen Geistes hat Cabral immer wieder bewiesen, dass SPELLLING alles sein kann, was sie braucht. Der Titeltrack mit seinem treibenden Drum-Groove und dem hymnischen Refrain von „I don't belong here“ ist die stärkste Verkörperung der Hinwendung des Albums zu emotionaler Direktheit. Sobald sich die Hauptmelodie herauskristallisiert hatte, nutzte Cabral den Song als Werkzeug, um ihre Ängste als Performerin zu verarbeiten, und entschied sich für eine straffere, rockigere Komposition. Diese Transformation spiegelt die allgemeine Verlagerung des Albums in Richtung Energie und Unmittelbarkeit wider, die von der Kernband Wyatt Overson (Gitarre), Patrick Shelley (Schlagzeug) und Giulio Xavier Cetto (Bass) vorangetrieben wird, deren Zusammenarbeit neue Konturen des SPELLLING-Sounds offenbart. Cabral schreibt und demontiert immer noch alleine, aber die Präsentation der Songs für „Portrait of My Heart“ vor ihren Bandkollegen hat ihr geholfen, die späteren lebendigen, organischen Formen zu entdecken. Das gilt auch für die Zusammenarbeit mit einem Produzententrio: Drew Vandenberg, der Tontechniker von „The Turning Wheel“, Rob Bisel, der mit SZA zusammenarbeitet, und Psymun, der Produzent von Yves Tumor. Wichtige Gastbeiträge prägen das Album zusätzlich. Chaz Bear (Toro y Moi) liefert SPELLLINGs erstes Duett auf „Mount Analogue“, Turnstile-Gitarrist Pat McCrory verwandelt Cabrals ursprüngliches Piano-Demo für „Alibi“ in die knackige, rifflastige Version, die auf dem Album zu hören ist, während Braxton Marcellous von Zulu „Drain“ seine schlammige Wucht verleiht. Diese Teile fügen sich nicht nur nahtlos in das Album ein, sie fühlen sich wie ein integraler Bestandteil seines Universums an. Letztendlich ist Portrait of My Heart jedoch niemandes Platte, sondern die von Cabral. Sie zieht furchtlos den Vorhang über Teile ihrer selbst zurück, die sie in SPELLLING noch nie gezeigt hat - ihre Gefühle als Außenseiterin, ihre übermäßig vorsichtige Art, die Art und Weise, wie sie sich rücksichtslos in intime Beziehungen stürzen kann, um sie dann genauso schnell wieder abzubrechen. „Es ist wie ein offenes Tagebuch all dieser Empfindungen“, sagt sie.

NPVR is the avant garde duo made up of the late Peter Rehberg and Nik Void. Editions Mego is proud to present their second and final release. No this is not some kind of Beatles synthetic AI that raises the dead reconstructed recordings but rather a new album made by the humans and their machines.

The initial meeting of Rehberg and Void was in London in 2016 and despite or due to their mutual awkwardness found solace and compatibility in the fact that they both had a similar electronic modular set up, along with matching cases to transport all. The idea to collaborate was an obvious and organic process as a means to connect their individual gear together and observe the outcome. The fruits of these initial experiments, recorded in London, resulted in the playful experimentation of their acclaimed 2017 release 33 33 (eMego 251).

Now in 2024 Editions Mego presents the logically titled follow up, 33 34. These sessions were recorded six months after the initial recordings at Peter’s home in Vienna. This was planned out as a mirror city release to the original London recordings. With Peter having access to his full studio set up this time around we encounter a rich audio landscape which organically folds together a variety of musical genres blurring any distinction between these forms so the resulting music hovers as a new cloud of sound. Any musical form, be it industrial, electro-acoustic, ambient, drone and techno all coexist and melt into the other as the ensuing result unveils a hypnotic swarm of divergent sounds (music). When active there were no lines or contexts with NPVR, either between sound or genre within these recordings or live where NPVR were at home playing at a techno club one night and an avant garde venue the next.

The initial session of these recordings was edited by Rehberg and sent to Void to further develop. Over time the final versions were agreed on and then shelved as other outside projects took over. The awkwardness had been surmounted and the two had become close friends. NPVR performed at a range of venues such as Tresor, Sutton House, Corsica, Blitz, Paris GRM #Focus2, LEV Festival and Rigas Skanumezs Festival. Following Rehberg’s untimely passing Void had difficulty listening back to the sessions but eventually thought it fit to complete and release this album, of which even the artwork (like 33 33, an image from Zurich photographer, Georg Gatsas) had been decided upon prior to Rehberg parting ways.

There is an unmistakable joy to these recordings. One encounters an enthralling exploration of their chosen machines which conveys the excitement of what can be randomly conjured when people speak through such devices. There is no grand statement or argument here, just the sheer thrill of creation and the recorded results of random encounters. The art of collaboration was always a mainstay of Rehberg’s practice from the advent of the MEGO adventure. Rehberg & Bauer was an initial collaboration with former business partner Ramon Bauer. Even at this stage one can hear a relaxed sense of delight in the sheer discovery of sound.

A mix made for the Wire magazine following the release of 33 33 hints at the freedom that comes with endless urge for exploration and discovery. Abstract tracks from Z'EV. Jérôme Noetinger and Jung An Tagen are included alongside British stalwarts The Fall and New Order. There were no lines between pop / academic / underground or mainstream in Rehberg’s world. All of it sat at the same table. It is just matter in the atmosphere, like the diverse exploration found in these recordings that comprise 33 34.

Towards the end of his life Rehberg was obsessing over the immense output of the German ambient musician Pete Namlook. An artist renowned for not only his sprawling catalogue of ambient masterpieces but one who often said his main inspiration was nature. This is apt with regards to the work of NPVR which also aligns with such thought as the intertwining of the two individual artists and their machines results in a natural symbiotic flow, as it happens, just like in the world around us.

»Hug of Gravity« is the second solo album by Raphael Loher and his first for Hallow Ground. The Swiss pianist and composer uses piano preparations, tape machines, and digital means to forge an aesthetic of playful reduction and rhythmic abstraction. The source material for these four sprawling pieces was culled from recordings of the artist performing the album’s predecessor, 2022’s »Keemuun.« Loher used them in a painstaking two-part working process to create an album that is both a product of and an ode to transformation, exploring themes of alternative temporalities and spatialities. »Hug of Gravity« oscillates between experimental electronic music, ambient, and minimal music and calls to mind the work of artists like William Basinski, Linda Catlin Smith, or label mate Andrius Arutiunian.

Loher laid the foundation for »Hug of Gravity« in 2020 with ten solo performances at his studio, during which he presented the pieces from his debut album. For these intimate concerts, he prepared the piano with modelling clay in order to move beyond the well-tempered tuning that dominates most of Western music. He then used a consecutive three-month residency in the Blenio Valley to refine the recordings. »I cut up and rearranged the material, then transferred the results—around 30 pieces—to a varispeed tape machine and then back to the computer. After that was done, I cut them up and rearranged them again,« he laughs. By radically reworking the material, he created an album that eschews traditional notions of time and space.

Loher points out the influence that his surroundings had on him. »The process created the music—and the place was essential to the process.« he says. He wandered through the mountains for up to nine or ten hours a day, which gave him a sense of what he calls expanded temporality. »Time just felt longer, my experiences seemed more diverse and nuanced, and it was as if I perceived my environment more clearly,« he explains. This shift in Loher’s perception of time and space—the latter also expressed in the album’s title—influenced his work with the varispeed tape machine. It allowed him to change the pitch of different recordings while layering them to let interference patterns emerge and emphasise the emotional qualities of the unconventional tunings he had used.

In this way, Loher constructed numerous interlocking narrative arcs throughout »Hug of Gravity,« an album that is ever-changing; an exercise in calm ecstasy that provides its audience with the feeling of being removed from conventional time and space. This approach is also reflected in the artwork for »Hug of Gravity,« which is based on drawings Loher made during his residency at Blenio Valley. Their fine hand-drawn lines run in parallel and let incidental patterns emerge, an effect that is only multiplied when the six different drawings that accompany each vinyl copy of the album are overlapping, forming ever-new visual constellations.

Peter Rehberg is known for his pioneering electronic work with computer software which over time evolved into a modular set up alongside running MEGO and then Editions Mego labels.

Rehberg was a prolific collaborator, with other musicians and with contemporary dance and theatre productions, most notably with French artist and choreographer, Gisèle Vienne with whom he created a series of soundtracks from Showroomdummies, released under the name DACM in 2002 (Showroomdummies MEGO 056), to Crowd in 2017. A collection of Rehberg’s solo works for Vienne was released in 2008 (Work for GV 2004-2008 EMEGO 092). The outfit KTL, with Stephen O’Malley, was initiated by Gisèle Vienne for her work Kindertotenlieder and subsequently made a series of soundtracks for Vienne’s works branching off into a prolific series of live shows. The work Rehberg did for theatre and performance teased out aspects of his practice one may not have encountered in his own solo work as PITA or that of collaborations with other musicians.

Editions Mego is proud to present a previously unreleased theatre soundtrack made for Icelandic choreographer Margrét Sara Guðjónsdóttir, whom Rehberg had a decade long collaboration with until his untimely passing in 2021. The original composition for Liminal States was created by Rehberg for the performance Pervasive Magnetic Stimuli in 2018 and then revisited as a catalyst for the concepts behind Liminal States. This work is based on an ongoing artistic research conducted by the choreographer into altered states of perception through phenomenological embodiment. It is the last in a trilogy dealing with the notion of larger forces that act on us beyond our conscious mind. The trilogy consists of Pervasive Magnetic Stimuli (2018), Boundless Ominous Fields (2024) and now Liminal States (2024).

Rehberg's score for Liminal States is a vast canvas of spectral ambience at once tangible and unfathomable in its constantly shapeshifting lysergic dread. The results are a psychological journey through the mental effects of sound on space and subsequently the mind. The first part presents cascading waves of shimmering electronics laying the groundwork for the second part where the psychological illusion splinters into all manner of sonic effects taking the listener on a deep mental voyage. If references are witnessed the late period long form hallucinatory works of Coil, such as Time Machines and Constant shallowness leads to evil, are amongst a similar mind message delivered here. Unlike any other release in Rehberg’s output Liminal States is a single long form work which, despite the form, retains Rehberg’s idiosyncratic sound vision.

Guðjónsdóttir and Rehberg’s collaboration blurs that relationship into a greater force which truly enables the theme of liminal states to unfold in a brave new fashion. Rich in timbre and sonic invention this is powerful work easily holding its own outside of the intended performance whilst still complimenting the missions statement entirely. This profound collaboration has the cumulative effect where the concept and soundtrack are one and may be one of the strongest works in the entire Rehberg canon.

Think for yourself, question everything...