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Nach Dear Esther und So Let Us Melt, veröffentlicht Black Screen Records im Januar 2021 nun den nächsten Soundtrack von Jessica Curry auf Vinyl. Diesmal ist der Soundtrack in Zusammenarbeit mit Blood & Truth-Komponist Jim Fowler entstanden und erinnert an einen wunderschönen Mix aus Disney-Musik und einem Ballet von Tschaikowski. Der Soundtrack erscheint als limitierte Doppel-LP auf audiophilem schwarzem 180g Vinyl (45RPM) und wurde von John Webber in Londons Air Studios gemastert. Das Artwork stammt vom Zeichner Nathan Anderson und ist inspiriert von sowjetischen Raumfahrt-Plakaten. Natürlich kommt auch dieser Soundtrack mit einem gratis Download Code und Liner Notes der Entwickler.

Océane Colom ist eine Selfmade-Künstlerin, wie sie bisher eher nicht im Buche steht. Als Suzane macht die junge Singer-Songwriterin aus dem französischen Avignon seit 2017 Musik und seit letztem Jahr mit Songs wie "SLT" oder "Il est où le SAV?" zunehmend im internationalen Rahmen auf sich aufmerksam. Meistens mit einem Minikeyboard komponiert, handeln ihre Songs von Gender-Pluralismus, sexualisierter Gewalt, aber auch von der ökologischen Krise oder der Allgegenwart sozialer Netzwerke. Musikalisch geht es ähnlich facettenreich zu: Den Charme französischer Chansons verbindet sie spielerisch mit ansteckenden Dance-Beats und Electro-Synths, zu denen sie in ihren ebenso kecken wie kreativen Videos im blau-weißen Outfit tanzt, inspiriert von Bruce-Lee-Filmen, Elvis Presley und den Farben von Louis XIV.

Das Belfaster Duo Bicep veröffentlicht sein heiß ersehntes zweites Album, „Isles“, auf Ninja Tune!

Zwei Jahre in Arbeit, erweitert „Isles“ die kunstvolle Energie des 2017 erschienenen selbstbetitelten Debütalbums von BICEP und vertieft gleichzeitig die Klänge, Erfahrungen und Emotionen, die ihr Leben und ihre Arbeit beeinflusst haben. Sie beschreiben „Isles“ als „eine Momentaufnahme“ ihrer Arbeit in dieser Zeit, wobei die Stücke so konzipiert sind, dass sie sich in ihren verschiedenen Durchläufen von der Aufnahme bis zur Live-Show und darüber hinaus entwickeln.

Der weltweit beliebte Sound von Bicep entstand, als ihr eigener rasanter Aufstieg im Musikbusiness begann. Nach dem Start ihres legendären FeelMyBicep-Blogs im Jahr 2008 entwickelte sich ihre simple Website, die stets neue Italo-, House- und Disco-Juwelen aus der Musikgeschichte präsentierte, zu einem durchschlagenden Erfolg, der regelmäßig über 100.000 Besucher pro Monat verzeichnete. Nachdem der Blog ein Plattenlabel und eine Clubnacht hervorgebracht hatte, wurde das Duo mit begehrten DJ-Sets, die die musikalische Vielfalt ihres Blogs widerspiegelten, auf die internationale Bühne gehoben. Nach den Erfolgen mit Produktionen für Throne of Blood und Aus Music wurden Bicep 2017 bei Ninja Tune unter Vertrag genommen, wo sie im darauffolgenden Jahr ihr umjubeltes, selbstbetiteltes Debütalbum veröffentlichten, das einen Top-20-Einstieg in die britischen Charts erreichte und in der Groove schaffte, was in der langen Geschichte des Magazins noch kein Release bewerkstelligen konnte: sowohl die Kategorie „Album des Jahres“ als auch mit „Glue“ die Kategorie „Track des Jahres“ zu gewinnen. Titel wie „Opal“ - und der bald folgende Four Tet-Remix - sowie die eben erwähnte Lead-Single "Glue" mit dem von Joe Wilson entwickelten Video wurden 2017 zu Meilensteinen der elektronischen Musik, wobei letzteres vom DJ Mag ebenfalls zum „Track of the Year“ gekürt wurde.

Die Wiener Künstlerin Conny Frischauf verbindet in ihren Stücken Elemente aus Kraut, Leftfield Electronica und Synth Pop zu einer Musik, die Traditionen zwar spielerisch aufnimmt, diese jedoch gänzlich neu verhandelt und in einen gegenwärtigen, frischen Klang überführt. Nach Veröffentlichung der beiden EPs "Effekt & Emotion" (International Major Label, 2018) und "Affekt & Tradition" (Kame House, 2019) legt sie mit "Die Drift" nun ihr Debütalbum vor. Darauf gelingt es Frischauf experimentelle Soundstrukturen in den Mikrokosmos eines Pop-Songs zu einzubetten und daraus ein Album zu formen, das die klangliche Tiefe einer freien Musik besitzt und dennoch durch einen unwiderstehlichen Pop-Appeal auch auf einer sehr unmittelbaren Ebene funktioniert.

"From Nishinari Osaka Japan Weird Wild Obscure Spooky exotica burlesque toy junk Muzak Trash One Man Band music made with broken cassette desks and fucked up record players feat members of (Acid Mother Temple)" - VRR 20202 Vinyl LP, starker Karton, bedruckte Innenhülle, Download inklusive. Willkommen in der wilden obskuren und seltsamen Welt von DEGURUTIENI und seiner ONE MAN BAND. teuflisch exotischer Striptease Kinder Spielzeug Krach mit ausgedientes Tonbandgerät und zerbrochenen Plattenspielern mit Mitgliedern von ua Acid Mother Temple in einigen Songs. Dies hier ist eine Zusammenstellung mit älteren Songs (selbst Veröffentlichungen und auf kleinst Labels) und viele neue Songs die noch nie vorher veröffentlicht wurden. Ich dachte, es ist an der Zeit, dass die Welt etwas über DEGURUTIENI erfährt (ich hatte Wochen, bis ich seinen Namen richtig buchstabieren konnte, hahaha ) Er tourt ständig durch die ganze Welt (pre Covid-19) und tritt in regulären Konzertsälen sowie in Theatern, Kunstgalerien oder sogar auf der Straße auf. wenn man ihn zum ersten mal sieht ist es eine Lebens Erfahrung die man nicht wider vergisst und es bleibt ein großes Lächeln im Gesicht und ein verzerrtes Fragezeichen in deinem Gehirn. Alco Degurutieni wurde Ende der 60er Jahre im Nishinari Ghetto von Osaka geboren (Alco Degurutieni: Diese Zeit in den 1970er Jahren war eine harte Zeit für alle, einmal im Monat Unruhen auf den Straßen. Rot Licht viertel Prostitution und die Yakuza-Mafia waren uns vertraut. Diese Erinnerungen an ein jugendliches Chaos sind seitdem ein Katalysator für mein Peter-Pan-Syndrom.) Degurutieni schafft Harmonie durch Gegenüberstellung, indem er ihnen Melodie aus Chaos und Dekadenz aus Abfall extrahiert. Mit 13 Jahren bekam er seine erste Boombox und wurde der beste Kunde in seinem örtlichen Leih-Platten und Trödler laden. Er arbeitete sich durch alle Genres von den Beach Boys bis zum Black Sabbath. Ab 16 Jahren begann er, seine eigenen Songs mit den einzigen Dingen zu kreieren, zu denen er Zugang hatte; Müll, umgebaute Kinderspielzeuge und ein ausgedientes Tonbandgerät. All dies spielt noch heute eine wichtige Rolle in seiner Musik. Auf diesem Album findest du ,Acme in the afternoon, ein komplett Hit, Tom Waits Blues Jazz Burlesque, dann mit ,Blur Blur Blur, hörst du ihn super minimalistisch und verloren im All Blues, oder den unglaublichen ,Midnight Express' mit einem orientalischen Trash-Flair der dich in einen neuen Blade Runner film katapultiert, und Zigeuner Fanafare und Rock'n'roll in ,13th Floor City ' zusammen mit: Orchester du Belgistan (aus Belgien) oder mein favorit ,Dreaming party' das wie ein psychedelischer horror film Soundtrack daher kommt LINE UP Alco Degurutieni (mostly all instuments) aditional Musissians on the Album Jyonson Tsu (ACID MOTHERS TEMPLE) Machiko Kuniki (Sujiko Sumoguri) Akiyoshi Kajitani (MOHIKAN FAMILIES) Atsushi Sekitani Watanbe (BRO TÜRK,PATO LOL MAN) Naoya Takami (Ichibanboshi Crue) Kwandae Park (UMA UMA UMA) Akira Ohno Tadahiro Ishihara Keigo Matsunaga (Rock'n'TASUKE'Roll & THE CAPTAIN SWING,MOHIKAN FAMILY'S) Tom Manoury (Orchestre du Belgistan) Mbengue Ndiaga Jordi Grognard (YOKAI) Akiko Igaki (TAYUTAU,COLLOID) Kiri Mochida Takeo Touyama (PATO LOL MAN) Shuichi Hirose (HUMNED) Takeo Touyama (PATO LOL MAN)

Der BIG THIEF-Gitarrist BUCK MEEK veröffentlicht mit "Two Saviors" sein zweites Soloalbum. "Two Saviors" entpuppt sich als ein geradezu kathartisches, nacktes Geständnis von Herzschmerz, Widerstandsfähigkeit und Verzauberung. Produziert wurde das Zweitwerk von Andrew Sarlo, der bisher auch für alle BIG THIEF-Alben verantwortlich war. Sarlo schlug vor, das Album während der heißesten Zeit des Jahres in New Orleans an nicht mehr als sieben Tage auf einer 8-Spur-Tonbandmaschine live aufzunehmen. Die Takes gab es bis zum letzten Tag nicht für die Musiker zu hören. Das Ergebnis zeichnet sich durch eine rohe und menschliche Qualität aus.

Der BIG THIEF-Gitarrist BUCK MEEK veröffentlicht mit "Two Saviors" sein zweites Soloalbum. "Two Saviors" entpuppt sich als ein geradezu kathartisches, nacktes Geständnis von Herzschmerz, Widerstandsfähigkeit und Verzauberung. Produziert wurde das Zweitwerk von Andrew Sarlo, der bisher auch für alle BIG THIEF-Alben verantwortlich war. Sarlo schlug vor, das Album während der heißesten Zeit des Jahres in New Orleans an nicht mehr als sieben Tage auf einer 8-Spur-Tonbandmaschine live aufzunehmen. Die Takes gab es bis zum letzten Tag nicht für die Musiker zu hören. Das Ergebnis zeichnet sich durch eine rohe und menschliche Qualität aus.

Wer nach einer Beschreibung für Mario Rom's INTERZONE sucht, stößt unweigerlich auf Superlative. "Mario Rom spielt Soli, die in Europa ihresgleichen suchen - ruhig, beharrlich, ideenreich, virtuos" schrieb beispielsweise die ZEIT. Die Süddeutsche Zeitung ging sogar noch einen Schritt weiter: "Rom spielt Trompete, als hinge sein Leben davon ab. Was Interzone an Einfällen und Inspirationen in einen einzigen Titel packen, davon füttern andere Instrumentalisten ihre gesamte Karriere." Solch euphorische Reaktionen von einigen der wichtigsten Vertretern des deutschsprachigen Feuilletons sind gewiss keine Selbstverständlichkeit für eine Österreichische Band mit einem Altersdurchschnitt von knapp über 30 Jahren. Und wirklich hat das aus Mario Rom, Lukas Kranzelbinder und Herbert Pirker bestehende Dreiergespann binnen kürzester Zeit ungewöhnlich große Aufmerksamkeit von Publikum und Medien rund um den Globus erhalten. So schreibt beispielsweise der Hauptkritiker des renommierten Rochester Jazz Festivals in New York nach einem Konzert des Trios von "einem der unterhaltsamsten und spannendsten Acts des diesjährigen Festivals" und geht sogar so weit zu behaupten, er habe "noch nie, egal wo auf dieser Welt, eine Gruppe von Musikern gehört, die - im wahrsten Sinne des Wortes - so unglaublich miteinander spielen' wie dieses Trio."

Der Wechsel der Jahreszeiten und auch der Wechsel des Lebens mit seinen Stimmungen und Gefühlen stehen hinter den Klängen des Projekts »XII«, mit dem Deutsche Grammophon neue Werke von innovativen und kreativen Musikern der Gegenwart präsentiert.

Der in Kyoto geborene Multiinstrumentalist, Komponist und rappende Songschreiber Sen Morimoto veröffentlicht sein selbstbetiteltes zweites Album. Zu hören ist darauf nicht nur er, sondern ebenso die Hauptakteure der Indie-Szene seiner aktuellen Heimatstadt Chicago: Lala Lala, Nnamdï, Kaina, Joseph Chilliams, Qari sowie die nationale Youth Poet-Preisträgerin Kara Jackson als auch die japanische Elektro-Musikerin Aaamyyy. Die gesamte Produktion und Instrumentierung des Albums stammt von Morimoto selbst, das mit rhythmischen Verschiebungen, unerwarteten Harmonien, Arpeggios und schnell gleitenden Saxophon-Leads so reichhaltig wie eine Jon Brion-Produktion klingt. Seit der Veröffentlichung seines introspektiven Jazz-Rap-Debüts "Cannonball!" vor zwei Jahren war Morimoto sehr beschäftigt. Er tourte gleichermaßen mit seiner eigenen Musik als auch als Mitglied des hochgelobten Chicagoer Jazz-Kollektivs Reservoir durch die Welt und war außerdem mit Lala Lala und Kaina unterwegs. Zusammen mit ähnlich gesinnten Musikern wie Nnamdï und Glenn Curran betreibt SEN MORIMOTO seit 2016 das Chicagoer Label Sooper Records, das mit Veröffentlichungen wie Kainas Debüt "Next To The Sun" und Nnamdïs "Brat" im letzten Jahr auf sich aufmerksam machte.

- Limited edition, 180g heavy, weisses Vinyl, extra-großes, gefaltetes Booklet, Cover Sleeve mit Mittelloch auf der Rückseite

Die Geschichte Von Lambchop Ist Die Der Steten Veränderung Und Weiterentwicklung. Was Vor Fast 30 Jahren Im Keller Von Kurt Wagner Begann Und Von Ihm Selbst Scherzhaft Als most Fucked-up Country Band In Nashville' Bezeichnet Wurde, Hat Sich Inzwischen Nicht Nur Als Eine Der Dienstältesten Sondern Auch Innovativsten Bands Der Us Amerikanischen Musikszene Etabliert. Seit Jeher Verbinden Lambchop Unterschiedlichste Genres Wie Folk & Country, Mit Soul Und Urban Electronica Zu Einem Ganz Eigenen, Unnachahmlichen Sound. Kein Lambchop-album Klingt Wie Das Andere, Aber Jedes Klingt Immer Unverwechselbar Nach Lambchop. Nach Ihrem Wegweisenden Album - flotus (2016) Hat Die Band Aus Nashville Jetzt Ein Neues Album Für Den 22.03.2019 Angekündigt. Für this (is What I Wanted To Tell You)' Arbeitete Kurt Wagner Mit Matthew Mccaughan (bon Iver, Hiss Golden Messenger) Zusammen, Der Ihn Auch Als Teil Des Lambchop Live Ensembles Im April Auf Tour Begleiten Wird.

Im Sommer 2017 Machte Sich Wagner Auf, Über Die Blue Ridge Mountains In Richtung North Carolina, Zum Geburtstag Seines Langjährigen Freundes Und Chef Des Merge Labels: Mac Mccaughan. Dort Traf Er Auf Seinen Jüngeren Bruder Matt Mccaughan, Der Das Letzte Jahrzehnt Als Schlagzeuger Für Bon Iver Und Hiss Golden Messenger Verbrachte. Matt Und Kurt Kannten Sich Schon Viele Jahre, Aber Erst An Diesem Abend Beschlossen Sie Zusammen An Musik Zu Arbeiten. Wagner Schickte Mac Neue Songideen Und Mccaughan Schickte Wagner Synthesizer-stücke Zur Inspiration. Schließlich Gingen Beide Gemeinsam In Nashville Ins Studio, Pedal Steel Und Piano Und Der Harmonika Von Nashvilles Legende Charlie Mccoy, Die Diesen Schwarz-weißen Skizzen Leben Einhauchte.

Das Ergebnis Ist "this (is What I Wanted To Tell You)", Ein Album, Ergreifend Ehrlich, Atemberaubend, Wunderschön Und Überraschend. Aber Lambchop Sind Nicht Immer Nur Für Eine Überraschung Gut, Sondern Überraschen Immer Wieder Mit Verdammt Guten Songs. Wenn Kurt Wagner Etwas Zu Sagen Hat, Hören Wir Natürlich Hin, Das Sollten Sich Alle Zu Herzen Nehmen. Diese Platte Muss Man Einfach Hören!

Heute Gibt Es Die Erste Single Aus Dem Album: the December-ish You' Eine Verblüffende Mischung Aus Bewährt Emotionalen Slide-guitar Und Pianoflächen Alter Lambchop-schule Und Effektiven Pvc Pop Beats, Claps Und Samples, Über Die Kurt Wagner Die Melancholischste friday Night Fever' Ballade Der Dekade Croont.

“Bernie Says” ist das Debütalbum des in South London ansässigen Produzenten Jake Milliner.

Aufgewachsen in einem musikalischen Haushalt und geprägt durch die Golden Era,
hat sich Jake in den letzten Jahren mit seinem abgespaceten und souligem Sound unter Boom Bap Fans (einschließlich T-3 von Slum Village) einen Ruf als “One To Watch” erarbeitet. Außerdem hat es Jake bereits geschafft Medien wie Boiler Room, Clash Magazine und Afropunk auf sich aufmerksam zu machen.

Jake produzierte bereits für Künstler wie Barney Artist, Hawk House, Bubblerap, Lord Apex, Zilo, Musiq Soulchild und T-3 (Slum Village). Mit seine Debut Album “Bernie Says” tritt Jake nun selbst ins Rampenlicht. Aufbauend auf seinen Boom-Bap-Wurzeln erweitert Jake sein Klangspektrum auf “Bernie Says” um Jazz- und Boogie, mit viel Keys und einem Alfa Mist Feature auf der ersten Single “Reminisce“. Einige andere Pianisten der aktuellen Londoner Jazzszene haben Ebenfalls an dem Album mitgewirkt, können jedoch aus vertraglichen Gründen nicht genannt werden. Gesangstechnische bekommt Jake Unterstützung von ehemaliger Hawkhouse-Sängerin Bubblerap und befreundetem Rapper 25.

Mehrere Stücke des Albums werden von wichtigen Radio DJ’s bei BBC 6, Worldwide FM und NTS gespielt, darunter Marry Anne Hobbs, Tom Ravenscroft und Don Letts.

Das Artwork basiert auf einem Kunstwerk des Londoner Künstlers Stuart Ruel.

Floating Points remixt „Fair Chance“ (feat. Ty Dolla $ign & Lil B) aus Thundercats aktuellem Album „It Is What It Is“, das Anfang April bei Brainfeeder erschien!

Im April, als sich die Welt in einer Spirale von COVID-19-Kontaktbeschränkungen befand, veröffentlichte Thundercat sein plötzlich so treffend betiteltes Album, „It Is What It Is“, mit musikalischen Beiträgen von u.a. Flying Lotus, Childish Gambino, Kamasi Washington, Steve Lacy, Steve Arrington, BADBADNOTGOOD, Louis Cole, Zack Fox, Ty Dolla $ign und Lil B. Das letztgenannte Paar waren zu Gast auf der Single „Fair Chance“, ein Lied, das eine eher düstere Seite des Albums widerspiegelt und ausdrücklich dem Gedenken an Mac Miller gewidmet war, der 2018 auf tragische Weise verstarb. Jetzt ist der vielgeachtete britische Produzent Floating Points an der Reihe, seinen Ansatz an „Fair Chance“ zu teilen und die Ballade mit einer fabelhaften Überarbeitung auf die Tanzfläche zu bringen, die an klassischen four-to-the-floor UK Garage erinnert.

(Technasia remix) Limited edition remastered, originally released on F Communications 1998, B1 & B2 Original versions available on F087 1999.

Andreas Köhler studied cello and piano at Musikhochschule Karlsruhe and at Musikhochschule Basel. He experiments extensively from a soft base on the cello, for example, in the composition of the short elementary symphony. Then came a time for other musical experiences, alongside his formal training, experimenting with digital recordings, composition and arrangement skills. Sound Of K digs into the idea that the computer is to be treated as an instrument.

ANRMAL ist Juana Molinas erstes Livealbum auf ihrem langen Karriereweg. Es wurde beim NRMAL Festival in Mexiko aufgenommen, kurz bevor die Welt im März zum Stillstand kam, und ist ein Zeitzeugnis, wie die Welt "vorher" einmal war. Durch das kraftvolle Set zieht sich ein so mitreißender Punkrock-Vibe, dass er uns auf bessere Zeiten hoffen lässt. Als Juana Molina vor mehr als zwei Dekaden als Musikerin startete, waren ihre Kompositionen eher reflektiert und auf das Wesentliche reduziert. Zumeist spielte sie Solokonzerte mit ihrer Gitarre, einem Keyboard und Effektgeräten. Über die Jahre wurden ihre Konzerte immer wilder und ihre Platten immer intensiver und extrovertierter, was bei den Tourneen zu ihren letzten Alben zu erleben war. Auf dem am 23.10.2020 erscheinenden ANRML wird Juana Molina von ihren Bandkollegen Odin Schwartz am Bass und Pablo González am Schlagzeug begleitet, die eine Extraportion Energie zum Auftritt beitragen. Das Set enthält Stücke aus Juanas letzten Alben Halo, Wed 21 sowie der Wiederveröffentlichung Un día und der EP "Forfun", alle erschienen bei Crammed Discs. Gemischt wurde das Album von Juana Molinas Toningenieur Marcelo Coca Monte.

It’s 2020, the year Pop Ambient turns twenty-one years old, a spritely young adult waltzing out of its teenage joys and tears. Pop Ambient has always stood for a certain classicism and elegance, a kind of beatless music that’s diaphanous and hazy, gossamer and glittering. It’s a music that’s no less inviting for its slow pace and becalmed nature, with a different kind of tension bubbling under the surface. For twenty-one years, KOMPAKT co-founder Wolfgang Voigt has curated a series of peerless compilations that repeatedly find refreshing answers to a simple question – What happens when the dancefloor is empty, and everyone’s home to drift away?

As with many other Pop Ambient compilations, Pop Ambient 2021 offers a welcome platform to contributions from both old friends and new faces. It opens with the gorgeous, slo-mo drift of “Of A Vessel”, from new Kompakt signings Blank Gloss. Sending their music out into the world from their home in Sacramento, this duo makes music that’s featherlight and luscious, the muted chime of a guitar over here, the steady hum of a halatial drone over there; everything in its right place, and nothing overdone. The poise is all. Neozaïre (Tobias Sawitzki aka Noorden) and Seventh World (Juho Hietala aka Blamstrain) are our other two new voices, the latter closing (the CD version of) Pop Ambient 2021 with a long, lambent dreamsong, Neozaïre offering us two gaseous, morphing driftworks, “Vor den Toren Europas” and “In Verschwenderischer Fülle” (CD only), etched across with bell-like arpeggios.

Pop Ambient has always felt like a field for play for the KOMPAKT cognoscenti, and 2021 is no different, with Joachim Spieth collaborating with Pepo Galán on the sidereal visions of “Libration”, while Leandro Fresco teams up with Thore Pfeiffer on the lovely “Abejorro”. Pfeiffer also contributes two lovely solo miniatures of abstract longing. Yui Onodera calls in again, long distance, for their fourth Pop Ambient running, with the refracted, glinting lightscapes of “Cromo 5” and “Monochrome”, while there are also star turns from Max Würden, both solo and in Reich & Würden (with Luis Reichard), and Morgen Wurde, who drops by with the ‘ethereal drama’ of “Mittsommer”.

Pop Ambient gets the balance right: visions and soundscapes, long-distance communications and intimate asides, sweetness and light, drama and dreaming, all wrapped up in floral abstractions – a most beautiful distraction.

Wir schreiben das Jahr 2020, das Jahr, in dem Pop Ambient einundzwanzig Jahre alt wird – das entspricht etwa einem lebenshungrigen jungen Erwachsenen, der gerade aus den letzten Teenager-Freuden und Leiden herausgewachsen ist. Pop Ambient steht seit jeher für eine gewisse Klassik und Eleganz, beatfreie Musik, die, transparent und leicht verschwommen, zart und glitzernd leuchtet. Musik, die trotz ihrer Langsamkeit und ihrer sanften Natur unter Spannung steht, weil hier immer etwas unter der scheinbar ruhigen Oberfläche brodelt.

Einundzwanzig Jahre lang hat KOMPAKT-Mitbegründer Wolfgang Voigt diese einzigartige Compilation-Reihe kuratiert, die immer wieder neue Antworten auf eine einfache Frage findet: Wie füllt man die Leere nach dem Club?

Wie viele andere Pop Ambient-Compilations bietet auch Pop Ambient 2021 eine Plattform für die musikalischen Beiträge von alten Freunden und einigen neuen Gesichtern. Es beginnt mit dem wunderbaren Slo-Mo-Drift von "Of A Vessel" von Blank Gloss, einem neuen Kompakt Signing. Das Duo stammt aus Sacramento in Kalifornien und sendet von dort seine überaus leichte und sinnliche Musik in die Welt hinaus – ein zartes Zupfen an einer Gitarresaite hier, das gleichmäßige Dröhnen eines prunkvollen Soundscapes hier; alles ist hier am richtigen Platz und passiert ohne übertriebene Betonung. Gelassenheit ist alles. Neozaïre und Seventh World sind zwei weitere Neuzugänge. Hinter Seventh World steckt der finnische Produzent Juho Hietala aka Blamstrain, der (die CD Version von) Pop Ambient 2021 mit einem epischen, flackernden Traum names “Light The Waves Before Dawn“ beschließt, während Neozaïre, ein Seitenprojekt von Tobias Sawitzki aka Noorden, zwei gasförmige, sich immer wieder morphende und abdriftende Tracks abliefert: "In Verschwenderischer Fülle" (CD only) mit seinen glockenartigen Arpeggios und “Vor Den Toren Europas“.

Pop Ambient fühlte sich immer schon an wie ein Experimentierfeld für eingefleischte KOMPAKT-Künstler, und auch 2021 ist das nicht anders: zum Beispiel Joachim Spieth’s Kooperation mit Pepo Galán ("Libration") oder Leandro Fresco, der mit Thore Pfeiffer das liebevolle "Abejorro" produzierte. Pfeiffer steuert mit “Grape“ und “Center“ zwei weitere Solo-Miniaturen voller abstrakter Sehnsucht bei. Der japanische Klangkünstler Yui Onodera meldet sich mit den gebrochen-glitzernden Lichtlandschaften von "Cromo 5" und "Monochrome" bereits zum vierten Mal auf Pop Ambient zu Wort, während Max Würden sowohl solo, als auch als Teil von Reich & Würden (mit Luis Reichard) ebenso wie Morgen Wurde schon zu den Stars dieser Compilation gehört.

Ibiza Records has collaborated with Yardrock Productions to bring you this 4 track EP called 'Straight From The Yard Vol 1. We've gone into their back catalogue n picked choons that are reppin the 'Original London Jungle Sound' back in 2013-14.

Yep those kinda choons that give that 'back a yard' feeling with reggae/rnb samples with strong jungle breaks n some sic heavy reggae basslines resonating the essence of jungle musik to make you wanna skip n hop, skank n jump...

A. This track made in 2014 has both a reggae and David Rodigan samples on it with some dutty drum patterns n heavier leading basslines that reflect the jungle sound representing that upbeat jamaican vibez.

AA. Rough n Rugged: This track produced in 2014 showcases a more rave feel with the whistles n sirens. The reggae sample giving that steppers vibez alongside jungle breaks n basslines

AAA. Soundboy Killer: This track produced in 2014 has a classic Bitty Mclean reggae sample with that soundclash feel of yard. Heavy basslines, horns n drum patterns to kill any soundbwoy. With a slight soulful vibe with cymbals n flutes combining with jungle breaks

AAAA. Wha Grawn Blud: This track produced in 2013 has a sic intro with the jungle breaks n vocals giving an upbeat n grimy tones n strong drum patterns that inter mingle up holding that authentic jungle london sound of modern day jungle

“Semilla” ist das Kollabo-Debütalbum von Multiinstrumentalist Pachakuti und Produzent young.vishnu. Pachakuti ist ein klassisch ausgebildeter Saxophonist und Pianist mit Hang zu Jazz und lateinamerikanischer Musik. young.vishnu ist Beatmaker, Arrangeur, Sampleologist und Gründer des Nima Composition Archive. Beide lernten sich vor 5 Jahren in Hildesheim kenn und freundeten sich auf einem gemeinsammen Raod-Trip ins Baskenland an. Pachakuti und young.vishnu gründeten eine neunköpfige Band namens Soularkestra die der Ausgangspunkt für ihr neues Projekt war. Auf “Semilla” vereint das Duo Hip-Hop, Jazz, Latin, Funk und Soul mit starken Botschaften zu Politik, Identität, Globalisierung und Neokolonialismus.

"...while I like to think that creations are a 'moment in time', this, for me, is much more than just a moment."

Truenoys 2020

"Depression is not just for those with painful traumas but it can lurk in everyone who is willing to live in truth... this album can be a cure or a helping hand...soundwise and lyrically."

Amos 2020

A/T/O/S, pronounced 'A Taste Of Struggle' is a project by Amos & Truenoys.

Introduced by a mutual friend, A/T/O/S started creating music together. Their first creation, 'A Taste Of Struggle' was quickly picked up by dubstep pioneer Mala, who signed them to his label DEEP MEDi. Their debut release received an early spin by BBC 6 Music's Mary Anne Hobbs and impressive remixes by Skream and Commodo.

Their upcoming album 'waterman', is the 3rd on DEEP MEDi, following their self-titled debut 'A/T/O/S' and the follow-up 'Outboxed'.

'waterman' once again sees A/T/O/S exploring new territories with their formula of exciting beats and powerful vocals, accompanied by Michiel De Malsche (@MIDM) on the keys as their 'secret, not so secret' member in the studio & on stage.

180g clear marbled vinyl + stamped sleeve + inside out printed cover

Mood of departure presents the 50th release of ORNAMENTS. "Roadmap" LP is crossing borders,
forests, mountains and deep atmospheres on a trip of finest electronics from the past and today
combined with recordings of destructions.

Some Previous here

Resident Advisor

German label Ornaments Music is putting out its 50th release, Mood Of Departure's Roadmap.

The album comprises twelve tracks of melodic ambient and trip-hop, and is due out next month. The LP will be pressed up on marbled vinyl on November 6th, while the digital album is slated for November 23rd release.

This summer, Ornaments Music put out Assemblage, a dub techno collaborative project from Paul St. Hilaire and Rhauder.

Groove MAG

„Man soll die Feste feiern wie sie fallen.” Hachja – 2020 ist wirklich vieles anders. Sogar manche Lebensweisheiten treffen in diesem Jahr nicht mehr zu, wie sie das noch letztes taten. Zum Glück dürfen wir uns aber über eines umso mehr freuen, über tonnenweise neue Musik. So feiert unter anderem Ornaments Music Release-Jubiläum. Das Berliner Label bereichert seit 2008 mit Künstlern wie Marko Fürstenberg, The Analog Roland Orchestra und Rhauder die Dubtechno-Sparte mit maßgeblichen musikalischen Beiträgen. Mit dem 50. Release Roadmap beschreitet Ornaments nun neue Wege und veröffentlicht ein emotionales Album, dass sich irgendwo zwischen Ambient und Electronica wiederfindet.

Mood Of Departure heißt die Person, die dieses Werk vollbracht hat. Wer dahinter steckt bleibt vorerst geheim. Nur soviel sei gesagt. Es ist nicht ihr erstes. Oder seines? Weil es nur spärliche Informationen über den/die Künstler*in gibt, stehen die einzelnen Stücke ohne Personenkult oder seitenlange Lobeshymnen an erster Stelle. Und wenn man mal ehrlich ist, gibt es schon genug Ablenkung in der heutigen Zeit. Durch das Intro des Albums, durch „Scan”, wird sofort deutlich, dass es sich hier nicht wie gewohnt um ein klassisches Dancefloor-Album handelt. Die Stimme der Sängerin, die auch in einigen weiteren der insgesamt zwölf Stücke vorkommt, verleiht dem Track eher Band- statt Producer-Charakter. Ein sanfter Ambient-Teppich aus luftigen Flächen und wiederhalendem Gesang wird durch simple aber präzise Hip Hop-Beats fortgetragen, und man ist nach dieser Einführung gespannt, was noch folgt.

Faze MAG

Mit dem Debütalbum „Roadmap“ von Mood Of Departure veröffentlicht das Label Ornaments sein 50. Release!

2008 startete das Label, das bekannt ist für sein marmoriertes Vinyl, mit einer EP von Marko Fürstenberg, Acts wie youANDme, Sascha Dive, The Analog Roland Orchestra, Steve Bug oder zuletzt Rhauder & Paul St. Hilaire haben hier auch ihre Spuren hinterlassen.

Videosphere, the debut album by Kompakt’s latest signing, the London-based artist Lake Turner (aka Andrew Halford), swoons into focus with “The Sunbird”, a teasing drift of lilting, ambient tones, riding out a submerged piston-pulse rhythm. Across its brief 109 seconds, it manages to traverse evocative terrain – something mythopoetic, something both humble and grandiose, a glimpse of the other behind the sky’s curtain. “I wanted to conjure up something resembling an ancient ceremony or death procession,” Turner nods. “Like a hymn to the surroundings of a faraway hill.” It’s both sky-bound and earthen, a ritual incantation to call in the music of the spheres.

Turner was introduced to the Kompakt family by his sometime collaborator Yannis Philippakis of Foals. He’d previously made music in post-punk and indie groups Great Eskimo Hoax and Trophy Wife, but Videosphere is the first time he’s fully articulated his own vision of electronic music, aside from one limited lathe-cut 12”, 2018’s Prime Mover EP, on Algebra. The lush ambient-disco-techno dreams of Videosphere were constructed and completed in his London studio and at his parents’ arable and sheep farm in Worcestershire, which might help explain the hazy, unhurried pastoralism of the album.

“There was a slight bittersweetness in finishing the record (in Worcestershire) as my parents were in the middle of selling my childhood home,” he sighs, before quipping, “on the plus, I ended up shearing a lot of sheep over the summer.” A student of archaeology and ancient history, Turner is no doubt carefully attuned to the twisting cogs of history and memory, and it’s no surprise that Videosphere has a nostalgic, melancholic cast; much of its beauty rests in the way it tugs, gently, at the heart strings – see the tear-stained cheeks of the lush, dappled “Honeycomb”, or the sweetly sad electro-roundelay of “No Way Back Forever.”

It’s not all drift-dream hypnosis, though – Videosphere is very much grounded in the now. ““No Way Back Forever” is a nod to the linear nature of time,” Turner explains by way of example, “and the tipping point of the world climate crisis that scientists have now declared.” Jayne Powell’s vocals are sent spinning through the song, wound like candyfloss; she takes centre stage on the techno hymnal title track, too. Throughout, there’s a sense of forward movement, despite the life stasis we find ourselves collectively bound by in mid-2020; there’s also a yearning for the communal, for community, that’s captured in the album title, a nod to an object Turner encountered at London’s Geoffrey Museum, “a television set in the shape of a spaceman’s helmet from the 1970s.”

“The vision I loosely had was to make an electronic record that had a communal warmth and almost ceremonial or ritual feel. I wanted to examine the relationship of our archaic minds in the trappings of the modern world,” Turner concludes. “What the Videosphere also symbolizes for me is the oneness of humanity and community, prevailing.”
Eröffnet wird "Videosphere", das Debütalbum von Kompakts jüngstem Signing, dem in London ansässigen Künstler Lake Turner (alias Andrew Halford), mit "The Sunbird" - einem herausfordernden Strom aus Ambient Sounds, die zu schweben scheinen, um sich dann in einen subtilen, maschinellen Rhythmus zu verwandeln. In gerade mal 109 Sekunden gelingt es dem Stück, ein gewaltiges Terrain abzuschreiten - etwas Mythopoetisches, bescheiden und grandios zugleich, gibt uns eine Ahnung davon, was sich hinter dem Himmel verbirgt. "Ich wollte etwas heraufbeschwören, das einer alten Zeremonie oder Totenprozession ähnelt", sagt Turner, "wie eine Hymne an die Umgebung eines weit entfernten Hügels." Himmlisch und irdisch zugleich, eine rituelle Beschwörung von Sphärenmusik.

Der Kompakt Label-Familie wurde Turner von dessen zeitweiligen Mitarbeiter Yannis Philippakis (Foals) vorgestellt. Zuvor hatte er in den Post Punk- und Indie-Bands Great Eskimo Hoax und Trophy Wife gespielt. Bis auf eine limitierte lathe-cut 12", der "Prime Mover EP" auf Algebra von 2018, artikuliert Turner mit "Videosphere" zum ersten Mal seine eigene Vision von elektronischer Musik.

Die üppigen Ambient-Disco-Techno-Träume von "Videosphere" hat Turner in seinem Londoner Studio und auf der Schaffarm seiner Eltern in Worcestershire produziert, was den nebulösen, gemächlichen und beinahe pastoralen Charakter des Albums erklären könnte.

"Es gab einen bittersüßen Moment als ich mit der Platte (in Worcestershire) fertig geworden war, da meine Eltern gerade dabei waren, das Haus meiner Kindheit zu verkaufen", seufzt er, bevor er witzelt, "das Positive war, dass ich im Laufe des Sommers eine Menge Schafe geschoren habe". Als Student der Archäologie und der Geschichte des Altertums ist Turner zweifellos mit den sich unaufhörlich drehenden Rädern der Geschichte und der daran geknüpften Erinnerungen vertraut, und es ist keine Überraschung, dass "Videosphere" einen nostalgischen, melancholischen Einschlag hat; viel von seiner Schönheit liegt in der Art und Weise, wie es einem sanft ans Herz geht - die Tränen benetzten Wangen von "Honeycomb" oder der ambivalente Elektro-Reigen von "No Way Back Forever".

Trotz allem hypnotischen Driften und Träumen - Videosphere ist sehr stark im Jetzt verankert. "`No Way Back Forever`ist eine Anspielung auf die lineare Natur der Zeit", erklärt Turner beispielhaft, "und auf den Wendepunkt der globalen Klimakrise, den Wissenschaftler gerade ausgerufen haben". Jayne Powells Gesang wirbelt dabei wie Zuckerwatte durch den Song und steht auch im Mittelpunkt des technoid hymnischen Titelstücks. Überall ist ein Gefühl der Vorwärtsbewegung zu spüren, trotz der Stagnation, in der wir uns Mitte 2020 kollektiv befinden; trotzdem existiert eine Sehnsucht nach dem Gemeinsamen, nach Gemeinschaft, die im Albumtitel eingefangen ist - eine Referenz an ein Objekt, dem Turner im Londoner Geoffrey-Museum begegnete, "ein Fernsehgerät in Form eines Raumfahrerhelms aus den 1970er Jahren".

„Die lose Vision, die ich hatte, bestand darin, eine elektronische Platte zu machen, die eine soziale Wärme und eine fast zeremonielle oder rituelle Atmosphäre ausstrahlt. Ich wollte die Beziehung unseres archaischen Geistes in den Fallstricken der modernen Welt untersuchen", so Turner abschließend. "Was `Videosphere` für mich auch symbolisiert, ist die Einheit von Menschlichkeit und Gemeinschaft, die am Ende obsiegt".

Mit "Front View" legt die Filmemacherin und Musikerin Helena Ratka alias Pose Dia ihre erste Solo-LP vor. Neben ihrer Tätigkeit als Soundtrack- und Theaterkomponistin sowie als Resident DJ im Hamburger Golden Pudel Club, machte Ratka auch als Teil des Duos Shari Vari (gemeinsam mit Sophia Kennedy) auf sich aufmerksam. All diese verschiedenen künstlerischen Wege und Abzweigungen münden nun in dem neu geborenen Projekt Pose Dia und einem Album, das zu einem beeindruckend vielschichtigen und eigenwilligen Debütwerk geraten ist.

To close the 3 EP reissue series of Neville King and Lee Laing's King & City label, the all female group Charisma are presented with their summer infused Lovers cut, Everything Is Fine.

Three Lewisham friends, Angela Richardson on lead vocals, with Geselle and Janie backing, were active from 1982 to 1990, but are really remembered for the early recordings made with Neville King. Their debut, Everything Is Fine rides the Lovers sound at its peak. Written with One Blood's Lloyd Robinson, with the rest of band of Robinson brothers providing the rhythm section, this is pure South London sound system music.

Recorded again at TMC (Tooting Music Centre) Recording Studios - working alongside the likes of Dillinger, Tradition and New Musik - Everything Is Fine rides a beautiful soul reggae rhythm as Trevor (Drums) and Lloyd (Bass) Robinson set the foundations, while One Blood provide the Dub mix.

A true love's lament, a song of hope, serenity and pure vibes. Label head Chuggy slides behind the mixing desk for an extended Discomix that stretches, loops and dubs the vocal and dub back forth, to close a glimpse at this uniquely British phenomenon, taking reggae closer to it's heart and soul.

Indem er immer neue Kunstformen und Kanäle wählt, um seine Vision zu verwirklichen, ist der Franzose Woodkid im letzten Jahrzehnt zu einer heimlichen Ikone avanciert: Er ist ein audiovisueller Ausnahmekünstler, dessen Werk stets seine Handschrift trägt, obwohl es mit jeder Zusammenarbeit und jedem Release neue Formen annimmt. Dass Woodkid jemand ist, dem es gelingt, eine Brücke zwischen der alten und der neuen Welt zu schlagen, wussten wir bereits. Und das nicht bloß, weil der junge Franzose schon mit etlichen Superschwergewichten der internationalen Popwelt zusammengearbeitet hat: Lana Del Rey und Drake waren da genauso dabei wie Rihanna oder auch Pharrell. Noch entscheidender und außergewöhnlicher ist vielmehr, dass er zu den wenigen Künstlern gehört, die wirklich inter- bzw. multidisziplinär arbeiten, klassische Genre- und Gattungsgrenzen hinter sich lassen, weil ihn einfach so unglaublich viele Ausdrucks- und Kunstformen interessieren und faszinieren. Als Musiker reichte ihm ein einziges Album – The Golden Age –, um damit ein deutliches klangliches und visuelles Zeichen zu setzen und neben unglaublich viel Kritikerlob auch unzählige Fans für sein Projekt zu gewinnen. Und jetzt, nach einer gut fünfjährigen Reife-, Konzentrations- und Experimentierphase, geht er noch mit seinem neuen Album S16 einen Schritt weiter. Aufgenommen wurde S16 in den Londoner Abbey Road Studios sowie in Berlin, Paris, Los Angeles und Island

Roman Flügel presents: Sister Midnight!
What started as a party series that saw Roman inviting friends and favorites is turning into a full-fledged label adventure now. Shaped to be the vehicle for old and new Roman Flügel music alike, unreleased surprises and previously released sure shots from the archives, it’s the first time after his involvement in the seminal Playhouse and Klang label universe, that he tends to such an enterprise himself - with the help and support of Running Back records.
Now, the journey of Roman Flügel’s own Sister Midnight label starts with the valuable Tracks On Delivery series. Originally released on the third jewel in the Playhouse crown (Ongaku Musik) from 2000 to 2002, it’s a meditation on and contemplation of techno. Remastered, recut and repackaged as a triple vinyl edition with the addition of two previously unreleased „Patterns“. Pristine sound design, hypnotic wizardry and dry then architecture let all of them appear as if they haven’t aged a day.
Or as Roman says himself:
“I’ve always tried to push myself into new territories since I started music production. Those new territories can surely be achieved by the endless possibilities of inspiration, chaos and will power. At the time of the production of my Pattern series as under the name Tracks On Delivery I was highly inspired by some of Andrew Weatherall’s Techno sets while visiting London for some of his Blood Sugar Parties. Tracks On Delivery is unthinkable without the crude ‚germanic‘ mixture of Detroit labels like Jay Denham’s Black Nation and Weatherall’s own UK Techno imprints like Emissions Output. The Pattern Series, back then created for the Frankfurt based Ongaku Musik label, and now I am very happy to be able to release 15 original Patterns along two unreleased Patterns on my own Sister Midnight label.“

Die in Los Angeles lebende Harfenistin Mary Lattimore kehrt mit ihrem neuen Album ,Silver Ladders" zurück. Seit ihrem letzten Longplayer ,Hundreds Of Days" aus dem Jahr 2018 ist Lattimore international getourt und hat gemeinsame Alben mit KünstlerInnen wie Meg Baird und Mac Mccaughan veröffentlicht. Außerdem erschien 2019 ein Remix-Album von ,Hundreds Of Days" an dem sich unter anderem Jónsi und Julianna Barwick beteiligten. Bei einem ihrer Festival-Auftritte traf Lattimore Neil Halstead von Slowdive: ,A friend introduced us because she knew how big of a fan I was and Neil and I had a little chat... The next day, I just thought maybe he'd be into producing my next record." Das tat er schlussendlich auch. Lattimore nimmt ihre Alben traditionell allein auf, daher hinterlässt Halstead als Produzent und Mitarbeiter eine ganz eigene Note. Der Aufnahmeprozess in Halsteads Studio, das auf einem alten Flugplatz stationiert ist, dauerte über neun Tage. Lattimores unverkennbarer Stil ist auch auf ,Silver Ladders" elegant - im Vordergrund stehen sich ausbreitende Harfen-Schichten, welche mit aufblühenden Low-End-Synthesizern und Halsteads Gitarre angereichert werden. Die Musik kann sich teils bedrohlich anfühlen wie der Klang des Ozeans, der sich mit den Gezeiten verändert. Inspiriert von den Erzählungen aus Cornwall, die Halstead mit Lattimore teilte, sowie von diversen Gesprächen, Ideen und ihren eigenen Reisen, haben die Songs deutlich etwas märchenhaftes - und doch ist ,Silver Ladders" offen für eigene Interpretationen. LATTIMOREs Erinnerungen - ,the Cornish landscape, the hotel from the movie The Witches, the cream tea, winning the pub quiz, the Sunday Roast, the ghosts of all of the surfers who had died in the wild waves, the night walks to the top of the hill to see the moon shining on the water." - scheinen durch diese Werke hindurch, ohne sie zu definieren. In gewisser Weise gehören sie, ähnlich wie das Meer oder der Himmel, allen. Das ist die Schönheit ihres Handwerks!

JETZT GEHT’S AB ist das Debütalbum der HipHop Formation DIE FANTASTISCHEN VIER und wurde am 27.08.1991 veröffentlicht.

Im Dezember 1988 kehrten Smudo und Thomas D, die Teil der größtenteils auf Englisch rappenden Combo The Terminal Team waren, von einem gemeinsamen Aufenthalt in den USA zurück, wo sie auch einige Auftritte absolviert hatten. Während ihre englischsprachigen Texte weitgehend belächelt worden waren, hatten sie für die deutschsprachigen Raps Anerkennung erhalten. Nach ihrer Rückkehr schlugen sie DJ Hausmarke und And.Ypsilon, die ebenfalls Mitglieder des Terminal Teams waren, daher vor, dass sie fortan konsequent als deutschsprachige Band auftreten sollten, was auf Zustimmung stieß.

Smudo hierzu:
„Ab diesem Moment übersetzten wir alles. Wirklich alles. Wir sagten nicht mehr „scratchen“, sondern „Platten kratzen“. Unsere Musik hieß natürlich nicht mehr Rap, sondern Sprechgesang. Es war eine Mission. Es diente unserer Selbstfindung.“
Bereits 1990 hatten Die Fantastischen Vier mit dieser neuen Ausrichtung einen Ruf als gute Liveband erlangt. 1991 schließlich folgte der Plattenvertrag.

”Jetzt geht’s ab“ stellte in der deutschen Hip-Hop-Szene, die überwiegend anglophone Texte schrieb, ein Novum dar und schaffte es auf Platz 22 der deutschen Musikcharts.

"Auf dem schwarzen Kanal" ist eine der herausstechendsten und gesuchtesten Veröffentlichungen in Conrad Schnitzlers umfangreichem Katalog. 1980 als einzige von Schnitzlers Platten bei einem Majorlabel veröffentlicht, war diese Maxi und insbesondere das Titelstück ein Flirt mit dem zeitgleich aufkommenden experimentellen New Wave und klang dennoch so eigenwillig wie keine andere Musik zu jener Zeit. Die zusammen mit Wolfgang Seidel entstandenen und in Peter Baumanns Berliner Paragon Studio aufgenommen vier Tracks sind ein bissiger, dissonante Mutant Disco Trip, der bis heute nichts von seiner Faszination eingebüßt hat. Bureau B freut sich dieses lange vergriffene Werk endlich wieder verfügbar zu machen!

Current Worldwide events show how some of us are full of hate.Cruelty, Anger, Violence and Greed control the minds of those seeking fulfilment from external sources. Hoping to feed their longings with possessions and power... and to me, this is THE IDEA OF THE DEVIL!" - Bukez Finezt 2020

Kelly Lee Owens' meisterhaftes zweites Album "Inner Song" lässt die Techno-Produzentin und Sängerin/Songschreiberin tief in ihre eigene Psyche eintauchen - sie widmet sich den Kämpfen, die sie in den letzten Jahren durchlebt hat, und erforscht ihren persönlichen Schmerz, während sie gleichzeitig die Schönheit der Natur umarmt. "Inner Song" folgt ihrem selbstbetitelten Debüt aus dem Jahr 2017, einer Mischung aus körperbetonten Beats und introspektivem Songwriting, das von der Musikpresse mit zahlreichen Auszeichnungen bedacht wurde. Seither hat sie Björk & St. Vincent neu abgemischt, 2019 einen unauslöschlichen Club-Zwei-Tracker, "Let It Go" s/w "Omen", veröffentlicht und sich mit dem gleichgesinnten Autor Jon Hopkins für das Unikat "Luminous Spaces" zusammengetan. Ihr neues Album entstand auch aus den, wie Owens es beschreibt, "schwersten drei Jahren meines Lebens", einer emotional sehr belasteten Zeit, die, wie sie sagt "mein kreatives Leben und alles, wofür ich bis dahin gearbeitet hatte, definitiv beeinflusst hat." Während also das schöne Cover von Radioheads "Arpeggi" manchem als unkonventionelle Art und Weise erscheinen mag, ihr zweites Album zu eröffnen, repräsentiert Owens' gewundene Interpretation der klassischen Melodie - aufgenommen ein Jahr bevor die Arbeit an "Inner Song" richtig losging - die Art von klanglicher Wiedergeburt, die für die Aura von "Inner Song" so wesentlich ist. "Inner Song" wurde größtenteils über einen Monat im vergangenen Winter geschrieben und aufgenommen. Wie bei ihrem Debüt verschanzte sich Owens zusammen mit ihrem Koproduzenten James Greenwood im Studio - um dort loszulassen und offen zu sein für jede klangliche Laune. Der beschwörende Titel des Albums ist dem Opus von Free-Jazz-Maestro Alan Silva von 1972 entlehnt. Der Bass und die kitzelnden Texturen von "Inner Song" machen deutlich, dass Owens mehr denn je darauf bedacht ist, maximalen Klanggenuss zu bieten - wie die Entscheidung, die Vinyl-Veröffentlichung des Albums zu einem Sesqui-Album oder einem dreiseitigen Album zu machen, beweist: "Ich bin immer noch besessen von Frequenzen, die auf Vinyl nicht gut klingen, wenn sie den Platz dafür nicht haben". "Die Kraft, zu konzeptualisieren, wer du bist, hat dieses Album wirklich geprägt", sagt Owens über das Wesen von "Inner Song", und ihr zweites Album ist eine Entdeckung des Selbst - die jüngste Aussage einer faszinierenden Künstlerin, die weiterhin überrascht und auf eine reiche und vielfältige Karriere hinweist, die noch vor uns liegt.

LTD. WHITE VINYL

Kelly Lee Owens' meisterhaftes zweites Album "Inner Song" lässt die Techno-Produzentin und Sängerin/Songschreiberin tief in ihre eigene Psyche eintauchen - sie widmet sich den Kämpfen, die sie in den letzten Jahren durchlebt hat, und erforscht ihren persönlichen Schmerz, während sie gleichzeitig die Schönheit der Natur umarmt. "Inner Song" folgt ihrem selbstbetitelten Debüt aus dem Jahr 2017, einer Mischung aus körperbetonten Beats und introspektivem Songwriting, das von der Musikpresse mit zahlreichen Auszeichnungen bedacht wurde. Seither hat sie Björk & St. Vincent neu abgemischt, 2019 einen unauslöschlichen Club-Zwei-Tracker, "Let It Go" s/w "Omen", veröffentlicht und sich mit dem gleichgesinnten Autor Jon Hopkins für das Unikat "Luminous Spaces" zusammengetan. Ihr neues Album entstand auch aus den, wie Owens es beschreibt, "schwersten drei Jahren meines Lebens", einer emotional sehr belasteten Zeit, die, wie sie sagt "mein kreatives Leben und alles, wofür ich bis dahin gearbeitet hatte, definitiv beeinflusst hat." Während also das schöne Cover von Radioheads "Arpeggi" manchem als unkonventionelle Art und Weise erscheinen mag, ihr zweites Album zu eröffnen, repräsentiert Owens' gewundene Interpretation der klassischen Melodie - aufgenommen ein Jahr bevor die Arbeit an "Inner Song" richtig losging - die Art von klanglicher Wiedergeburt, die für die Aura von "Inner Song" so wesentlich ist. "Inner Song" wurde größtenteils über einen Monat im vergangenen Winter geschrieben und aufgenommen. Wie bei ihrem Debüt verschanzte sich Owens zusammen mit ihrem Koproduzenten James Greenwood im Studio - um dort loszulassen und offen zu sein für jede klangliche Laune. Der beschwörende Titel des Albums ist dem Opus von Free-Jazz-Maestro Alan Silva von 1972 entlehnt. Der Bass und die kitzelnden Texturen von "Inner Song" machen deutlich, dass Owens mehr denn je darauf bedacht ist, maximalen Klanggenuss zu bieten - wie die Entscheidung, die Vinyl-Veröffentlichung des Albums zu einem Sesqui-Album oder einem dreiseitigen Album zu machen, beweist: "Ich bin immer noch besessen von Frequenzen, die auf Vinyl nicht gut klingen, wenn sie den Platz dafür nicht haben". "Die Kraft, zu konzeptualisieren, wer du bist, hat dieses Album wirklich geprägt", sagt Owens über das Wesen von "Inner Song", und ihr zweites Album ist eine Entdeckung des Selbst - die jüngste Aussage einer faszinierenden Künstlerin, die weiterhin überrascht und auf eine reiche und vielfältige Karriere hinweist, die noch vor uns liegt.

Eric D. Clark
"Written in approximately 1996 or shortly thereafter & born of a night out on the town naturally!
...having been to hear Ranga Tikki (Ms. Codi from New Zealand) drop knowledge in Berlin's SO36: she'd
played the "I have a dream" speech orated by Martin Luther King;
...the mind stopped at "From every Mountain Top"! I walked back through the streets shouting that to myself
until entering the flat then started immediately on the song!
Written and produced: ERiC D. ClARk
publisher: SUBCURRENT Music lTd.

Hans Nieswandt:
Between 1996 and 2000 (and in some cases beyond), Cologne project Whirlpool Productions produced a lot
of music, both as a group and as solo artists, at the legendary Can Studio in Weilerswist, a small town about
20 kilometres south of Cologne. Much of this music has been released, most notable the international
classic „From: Disco To:Disco“; but some of the music never saw the light of day. These two tracks I
produced myself at some point shortly after my first solo album „Lazer Muzik“ and I’m super glad to get a
chance to finally release them - because there is the important cause of helping to save the Paloma Bar, a
place where I played times and always loved it - an experience I dearly hope to repeat many times more.
And because I always liked those two tracks a lot, they just never found their proper platform, for whatever
reasons. As I think they are quite fitting to the sound of the Paloma, I’m more than happy to support this
unique place with this humble contribution. Written and produced by Hans Nieswandt around 20 years ago
at Can Studio, Weilerswist. Original date unknown.

Lowtec & Marvin Dash:
"Es gibt ein paar Lieblingsclubs in Deutschland, kleine Clubs wie z.B. Paloma in Berlin oder Pudel in HH -
wo es nur um die pure Liebe zur Musik geht - wo keine Kompromisse eingegangen werden müssen in
Bezug auf Trackauswahl oder zu deepen Sets, weil das Publikum einfach versteht worum es geht.
Sozusagen das verlängerte Wohnzimmer... Bei gefühlt jeder 2. Platte fragt jemand nach einer Track ID, alle
paar Minuten bringt jemand etwas zu trinken...das wollen wir unterstützen." (Lowtec & Marvin Dash)
Marvin Dash – Lost in the Woods: Written and produced by Ronald Reuter in around 2010. Previously
unreleased.
Lowtec – Museum Of Natural History Of Life: Written & produced by Jens Kuhn, 2000. Previously
unreleased.

Das für den GRAMMY nominierte Duo ODESZA und der bahnbrechende australische Produzent Golden Features veröffentlichen neues gemeinsames Album als BRONSON.

BRONSON wurde gegründet, als die ODESZA-Mitglieder Harrison Mills und Clayton Knight 2014 bei einem australischen Musikfestival auf Tom Stell von Golden Features trafen. Die drei teilten ihre gegenseitige Bewunderung für die Auftritte der jeweils anderen und blieben in Kontakt, indem sie Musik über Zeitzonen und Kontinente hinweg über Dropbox-Dateien und FaceTime-Anrufe austauschten. Das Aufeinandertreffen des Trios gipfelte in einem Treffen 2018, als die drei Künstler eine Woche in der abgelegenen Region von Berry in Australien verbrachten, um das aufzunehmen, was später das Debütalbum von BRONSON werden sollte. Wie aus den beiden ersten Singles hervorgeht, ziehen sich Elemente von Licht und Dunkel durch das zehn Songs starke Album, da das Oberthema von „BRONSON“ das dem Menschen innewohnenden Kampf von Licht gegen Dunkelheit widerspiegeln möchte. Die Platte kombiniert sowohl melodische Vocal-Songs als auch stimmungsvollere, tiefergehende Elektronika mit Gastbeiträgen von lau.ra (die, neben u.a. Nigel Godrich von Radiohead, Teil der experimentellen Rockband Ultraísta ist), dem gefeierten US-amerikanischen R&B-Sänger Gallant und dem britischen Produzenten Totally Enormous Extinct Dinosaurs (TEED). ODESZAs und Golden Features’ kombinierte Streamingzahlen reichen in die Milliardenhöhe und die beiden Acts haben jeweils mehrere Singles und Alben veröffentlicht, die mit Gold und Platin zertifiziert wurden. Die Künstler haben mit einer Reihe von renommierten Künstlern wie Sia, Charli XCX, Leon Bridges, Regina Spektor, Katy Perry und anderen zusammengearbeitet. Als hochgefragte Live-Acts haben die beiden Projekte zudem Millionen von Fans auf der ganzen Welt auf ihren jeweiligen Headline-Tourneen erreicht. ODESZA haben zudem legendäre Veranstaltungsorte auf der ganzen Welt ausverkauft, wie bspw. Die Verti Music Hall in Berlin, die Londoner O2 Academy Brixton, das Staples Center in Los Angeles und das Barclays Center in New York und waren Headliner auf Festivals wie Melt!, Coachella, Bonnaroo und Lollapalooza.

Das für den GRAMMY nominierte Duo ODESZA und der bahnbrechende australische Produzent Golden Features veröffentlichen neues gemeinsames Album als BRONSON.

BRONSON wurde gegründet, als die ODESZA-Mitglieder Harrison Mills und Clayton Knight 2014 bei einem australischen Musikfestival auf Tom Stell von Golden Features trafen. Die drei teilten ihre gegenseitige Bewunderung für die Auftritte der jeweils anderen und blieben in Kontakt, indem sie Musik über Zeitzonen und Kontinente hinweg über Dropbox-Dateien und FaceTime-Anrufe austauschten. Das Aufeinandertreffen des Trios gipfelte in einem Treffen 2018, als die drei Künstler eine Woche in der abgelegenen Region von Berry in Australien verbrachten, um das aufzunehmen, was später das Debütalbum von BRONSON werden sollte. Wie aus den beiden ersten Singles hervorgeht, ziehen sich Elemente von Licht und Dunkel durch das zehn Songs starke Album, da das Oberthema von „BRONSON“ das dem Menschen innewohnenden Kampf von Licht gegen Dunkelheit widerspiegeln möchte. Die Platte kombiniert sowohl melodische Vocal-Songs als auch stimmungsvollere, tiefergehende Elektronika mit Gastbeiträgen von lau.ra (die, neben u.a. Nigel Godrich von Radiohead, Teil der experimentellen Rockband Ultraísta ist), dem gefeierten US-amerikanischen R&B-Sänger Gallant und dem britischen Produzenten Totally Enormous Extinct Dinosaurs (TEED). ODESZAs und Golden Features’ kombinierte Streamingzahlen reichen in die Milliardenhöhe und die beiden Acts haben jeweils mehrere Singles und Alben veröffentlicht, die mit Gold und Platin zertifiziert wurden. Die Künstler haben mit einer Reihe von renommierten Künstlern wie Sia, Charli XCX, Leon Bridges, Regina Spektor, Katy Perry und anderen zusammengearbeitet. Als hochgefragte Live-Acts haben die beiden Projekte zudem Millionen von Fans auf der ganzen Welt auf ihren jeweiligen Headline-Tourneen erreicht. ODESZA haben zudem legendäre Veranstaltungsorte auf der ganzen Welt ausverkauft, wie bspw. Die Verti Music Hall in Berlin, die Londoner O2 Academy Brixton, das Staples Center in Los Angeles und das Barclays Center in New York und waren Headliner auf Festivals wie Melt!, Coachella, Bonnaroo und Lollapalooza.

Romare - bürgerlich Archie Fairhurst - kehrt mit seinem neuen Album „Home“ zurück, das sein drittes auf Ninja Tune und das erste überhaupt seit seinem von der Presse gefeierten „Love Songs: Part Two“ von 2016. „Home“ folgt auf die im September 2019 erschienene 12“ „Gone“/ „Danger“, seine bisher direkteste Dancefloor-Platte, die Resident Advisor als „fesselnde acht Minuten filmischer House-Musik“ beschrieb. Die Veröffentlichung von „Home“ kommt für Fairhurst nach einem Leben unterwegs, der seine Kindheit damit verbrachte, ständig mit seiner Familie zu reisen, während seine Eltern für die Arbeit um die Welt zogen, bevor sie sich schließlich in Großbritannien niederließen. Dieser nomadische Lebensstil setzte sich anschließend aufgrund seiner blühenden Karriere als Musiker fort und führte ihn auf Welttournee (allein in den letzten zwei Jahren spielte er über 150 Shows). Das neue Album markiert ein neues Kapitel in Fairhusts Leben mit einem Umzug von London aufs Land und der Gründung einer Familie; ein Umzug, der „mir Frieden und Ruhe gegeben hat“, kommentiert er. Der Neubau seines eigenen, selbst gebauten Studios trägt zu diesem Gefühl der Zufriedenheit und Sesshaftigkeit bei, nachdem er in der Vergangenheit in verschiedenen Schlafzimmerstudios gearbeitet hat. Auch von Themen wie Liebe und Romantik, die sein letztes Album, „Love Songs: Part Two“, dominiert haben, hat sich Romare entfernt, stattdessen geht es auf „Home“ um Spiritualität, Identität und Zugehörigkeit. „Identität und Zugehörigkeitsgefühl sind etwas, nach dem ich immer mehr gesucht habe, seitdem ich Vater geworden bin.“, erklärt er, „Während ich aufwuchs, war ich immer unter vielen Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund, meine eigene Identität fühlte sich manchmal verloren an.“. Fairhurst ließ sich von den ungewöhnlicheren Platten seiner Sammlung inspirieren und vertiefte sich in amerikanischem Gospel und traditionellem irischen Folk bis hin zu Country, religiöse Hymnen und Klassik, mit einem besonderen Vorliebe für die Komponisten Thomas Tallis und Vaughan Williams.

Als Re-Release lässt Conrad Schnitzlers legendäres "Con" eine Ära wiederauferstehen. Conrad Schnitzler steht heute nicht nur für seine bahnbrechende Musik, sondern eigentlich für eine ganze Ära - er verkörpert einen gewissen Künstlertypus, wie ihn so nur die legendären 1970er Jahre hervorbringen konnten. Als in einer nie dagewesenen Abriss- und Aufbruchsstimmung eine junge Kunstszene allem Alten und Überkommenen - und in ihren Augen politisch korrumpierten - eine kategorische Absage erteilte, den Kunstbegriff generell in Frage stellte und die Forderung einlöste, dass Kunst und Politik immer zusammengehören. In diesem Klima entstand die Idee der Konzeptkunst, die Auffassung, dass das eigentliche Kunstwerk der immaterielle Gedanke ist, der ihm zugrunde liegt und nicht seine Ausführung. Eine Idee, die antikommerziell weitergedacht wurde, denn nun durfte, ja sollte, Kunst beliebig oft vervielfältigt werden, billig sein und war für alle. Zugleich darf Kunst fast alles und fast alles kann Kunst sein. Conrad Schnitzler ist Konzeptkünstler und verkörpert seine Zeit, wie kaum ein anderer - sein Lebenslauf liest sich wie ein Manifest der Unabhängigkeit, seine Musik ist radikal neu, mutig und zuweilen regelrecht antikommerziell. Der legendäre von ihm gegründete Zodiac Club war der vielleicht wichtigste Schmelztiegel und Motor der subversiven Kunst- und Musikszene Westberlins. Als einer ihrer Helden und Gallionsfiguren, nahm Conrad Schnitzler im Paragon Studio das 1978 veröffentlichte "Con" auf, eines der raren Kleinode, dieser Epoche und seiner Karriere. Stärker als in anderen Arbeiten ist der Einfluss von Tangerine Dream zu hören (deren Mitglied Schnitzler von 1969 bis 1971 war) und als professionelle Studio-Arbeit ist "Con" nicht zu sperrig und artifiziell, sondern setzt stattdessen auf klarere Songstrukturen und musikalische Eingängigkeit. Zu Recht gilt "Con" manch einem als Schnitzlers beste Arbeit. Fast 40 Jahre später erscheint das Werk nun als Re-Release auf CD, LP und digital.

Laraaji erfüllt sich eine lebenslang gehegte Ambition und nimmt in einer Brooklyner Kirche unter der musikalischen Leitung von Jeff Zeigler (Kurt Vile, The War On Drugs, Mary Lattimore) ein Album mit spirituellen Piano-Improvisationen auf. "Sun Piano" markiert einen Wechsel von FX-getränkten, kosmischen Zither-Jams zu eleganten Klavierminiaturen, Laraajis erstem gelernten Instrument im New Jersey der 1950er. Gleichzeitig ist diese LP der Start einer Trilogie, die mit der komplementären "Moon Piano" LP und einer EP mit Piano/Zither-Duetten fortgesetzt wird, um schlussendlich in einer vollständigen CD-Anthologie zu münden.

"Listening To Pictures", Jon Hassells erste neue Arbeit seit fast einer Dekade, war eine lebhafte Anordnung von Instrumentals in seinem einzigartigen 'Fourth World' Sound aus Jazz, Dub und electroacoustischen Techniken. Mit "Seeing Through Sounds" dringt Hassell tiefer in unbekannte, imaginäre Regionen. Die Atmosphären sind dichter, das Werk klingt nachdenklicher als sein Vorgänger, eine gewisse Spannung lauert in dunklen Ecken. In der Mitte des Albums bemerkt man ein Ruckeln, Stottern, Störgeräusche, bevor langsam wieder Ruhe einkehrt, um schliesslich mit überwältigenden Klängen das Finale einzuleiten, bei dem Avantgardisten wie William Basinksi und The Caretaker grüssen. "Seeing Through Sounds" enthält einige der detailliertesten und verfrachtesten Musiken in der langen Karriere des 'Fourth World' Pioniers.

Djebali and Jorge Savoretti combine to deliver their ‘Fraires’ EP on Infuse, accompanied by a remix from Stephan Bazbaz.

Two producers at the heart of today’s modern house and minimal scenes, Paris favourite Djebali and Argentinian DJ and producer Jorge Savoretti have grown to become two of the most consistent and impressive talents active within the scene today. With over thirty years of experience between them, releasing material via the likes of Freak’n’Chic, Raum…musik and Cadenza plus Djebali’s own self-titled imprint, the pairing now turn their attention to new ground as they make their collaborative debut on FUSE sister imprint Infuse this summer, offering up three fresh productions via their ‘Fraires’ EP alongside a remix from Tel Aviv’s Stephan Bazbaz.

The slow-blooming and hypnotic sonics of ‘101’ open the EP in style as the two talents merge sweeping synth lines atop of warped electronics and slick percussion shots, whilst Stephan Bazbaz’s remix ups the tempo and builds on the original with a combination of energetic builds and icy hats. On the flip, ‘Pigalle’ delves into a deep journey guided by a resonant lead line and hazy background murmurs, before closing with the classy ‘Devote Ville’ – a smooth and well measured production which oozes sophistication and quality from the opening minute.