Montreal new-age punk outfit NOBRO were playing a show the day after the United States Supreme Court overturned the right to access an abortion in the country. The four band members, Kathryn McCaughey (vocals, bass), Karolane Carbonneau (guitars), Lisandre Bourdages (keys/percussion), and Sarah Dion (drums ) all women, were shaken and furious! But that night McCaughey led a righteous toast against the decision: “This next song is dedicated to setting our vaginas free!” Set Your Pussy Free is a caustic, celebratory, glorious party-punk firework show. It’s a record about the ecstatic pursuit of personal escape and liberation even as the walls are closing in, a 21st century power-punk analog of Born To Run that rages against modern life’s restrictive pressures and dares them to a game of chicken. If a hurricane is bearing down on NOBRO, they’re spitting into it, arm-in-arm, with middle fingers raised.
Year of The Knife have announced their new album, No Love Lost, due out October 27th from Pure Noise Records. The album finds Year of The Knife at their most sonically honed with nine lean and vicious songs that clock in at a blistering 20 minutes. Recorded by Kurt Ballou (Nails, The Armed, Code Orange), No Love Lost sounds truly massive, a crushing amalgam of hardcore and death metal influences that demands your attention and stays with you long after its concise runtime. To mark the album's announcement, Year of The Knife have shared two new singles, the 86 second "Wish" and 48 second "Last Laugh," highlighting both the economy of songwriting and the level aggression found on No Love Lost. Both tracks also include guest vocals from some of heavy music's greatest, with the former featuring Devin Swank of Sanguisugabogg and the latter featuring Dylan Walker of Full of Hell. In late June, Year of The Knife were involved in a car accident while on tour. All four members endured serious injuries, especially vocalist Madison Watkins, who suffered many broken bones and a traumatic brain injury. No Love Lost sounds even more urgent and defiant in light of the band's recent circumstances, and profits from the album's sales will be going directly to the members' ongoing recovery efforts.
Death metal is the great undead of subgenres: rising, again and again, to take revenge on the living with maximum violence. Servants of the zombie code and masters of old school brutality, Germany’s ENDSEEKER have made their intent to kill again more than apparent over the last nine years. Formed in Hamburg in 2014, the quintet have swiftly built a reputation as one of European death metal’s most dynamic wrecking crews. From the aspirational evisceration of first full-length Flesh Hammer Prophecy, to Metal Blade debut The Harvest in 2019, and the widely acclaimed Mount Carcass two years later, Endseeker have cooked up such a formidable formula that their rise to glory seems almost inevitable. But like everyone else, they were stopped in their tracks by the Covid pandemic and its aftermath. As that global horrorshow fades in the rear-view, Endseeker are poised to return with their most crushing and charismatic album to date: Global Worming Death metal is a serious business and Global Worming is Endseeker’s most focused and sophisticated offering to date. Nonetheless, there is always room in the underground sewers for a brain-eating monster or two, and fans of zombie-centric death metal will be more than satisfied with the new album’s brilliant, bloody contents. Consumed in its belligerent entirety, Global Worming soon emits the acrid stench of a future classic. Endseeker have stayed true to their deathly roots, while also writing some of the most imaginative songs in their history. Supremely catchy but as brutal and ugly as the arcane gods demand, Global Worming promises to burrow under the world’s skin with maximum force.
The sixth full-length release for the Scottish indie pop band was produced by Bright Eyes' Mike Mogis. Since the band started in 1987, the Trash Can Sinatras have always been reliable. Every record has delivered exactly what people needed from them: lovely guitar pop songs done with a light touch, deep emotional feelings, and melodies as rich and warm as a late-autumn heat wave. Since their original run ended in the '90s, they've come back regularly to remind people that they are just about the best guitar pop band still going, with a new album roughly every five years or so. Wild Pendulum finds the band in fine form, expectedly. It also finds them doing a bit of sonic experimentation, unexpectedly. With former Adventures in Stereo mastermind Simon Dine on board providing the kind of ""sonic scenery"" he added to many recent Paul Weller albums and producer Mike Mogis capturing fuller arrangements than usually heard on TCS albums, it's the most sonically interesting album of their long career.
Das fing mit Superpunk Mitte der 90er vollkommen ambitionslos an. Plan war es, eine Band zu gründen, um auf Partys Kracher aus den Sixties zu spielen. Leider scheiterte die Band bereits an relativ simplen Garage-Rock-Klassikern wie "I need you" von den Kinks. Und wer hätte gedacht, dass "Friday on my mind" derart viele Akkorde hat? Das kann sich doch nun wirklich kein Mensch merken. Da erschien es erheblich einfacher, sich eigene Songs auszudenken, konnten andere schließlich auch. Aber erst mal musste ein Name her. Zur Auswahl standen "Fifi", "Schnellbus", "Hamburg Spinners", "Superminister Riesenhuber" und "Superpunk". Mit einfacher Mehrheit und wie immer ohne viel nachzudenken, entschied man sich für letzteres Mit den ersten eigenen Songs wurden dann richtige Konzerte gespielt, die zum Teil gut ankamen. Bei einem dieser Auftritte war auch Thies. Dem gefiel, dass die Band, jetzt aus dem Stegreif memoriert, "wie eine total zerkratzte Ray-Charles-Platte auf falscher Geschwindigkeit" klang. So gut gefiel das dem Thies, dass er fortan als Keyboarder dabei war. Und das ist auch wirklich eine treffende Beschreibung für den frühen Superpunk-Sound. So, jetzt aber: Es wurden fleißig eigene Songs gemacht und als genügend da waren, dachte sich die Band: "Die könnten wir eigentlich mal aufnehmen." Auf der Straße, irgendwo zwischen "Eis-Gerd" und "Pudel" trafen sie Bernd Begemann, der sagte: "Ich habe einen 4-Spur-Kassettenrekorder, ich nehme euch auf!". "Toll, danke, Bernd!" Und so brachte Bernd seinen Kassettenrekorder, mehrere Kassetten (die teuren, Chrome II), Mikrophone und eine seltsame Apparatur (ein Stimmgerät) mit in den Übungsraum im Bunker bei der Apostelkirche und nahm mit einer Engelsgeduld das Album auf. Auf der Straße, irgendwo zwischen "Heinz Karmer"s" und "Komet" traf die Band dann Bernd Kroschewski, der sagte: "Ich habe ein Label, ich bring euer Album raus!" "Toll, danke, Bernd", hieß es erneut. Und so erschien ziemlich genau vor 25 Jahren "A bisserl was geht immer" auf Fidel Bastro. Da waren, muss man zugeben, etliche Hits drauf: "Matula, hau mich raus", "Ich kann nicht nein sagen", "Das ist heute nicht Dein Tag", "Die Axt im Walde". Aus der ambitionslosen, verhinderten Partyband wurde dann doch noch eine (beinahe) richtige Band, mit Platte und Label und dem ganzen Schnick Schnack. Sogar auf Tour sind Superpunk mit dem Album gegangen, das war was, zwischen Hölle (null Zahlende in Kassel) und Himmel (ausverkaufter Pudel, Rekordgage von 300 Mark + gekühlte Freigetränke). Falls ihr noch nie "A bisserl was geht immer" gehört habt, stellt euch eine Mischung aus 39 Clocks, Cockney Rejects und dem Ramsey Lewis Trio vor. Zugegeben, leichte Kost ist das nicht, aber einer, wenn nicht der einzige Meilenstein des Hamburger DIY/ Outsider/Beats
AVAILABLE FOR THE FIRST TIME ON VINYL! 25-plus years and thousands of fan requests later, Over the Rhine’s Christmas classic, The Darkest Night of the Year, finally gets the vinyl treatment it
has long deserved. The Darkest Night of the Year is Over the Rhine’s first holiday release and quietly helped re-define the genre for many listeners. It should be filed squarely in the “Now-for-something-a-little-different” file. It includes dark ambient arrangements of classic carols as well as strange and wonderful originals. We are told that in-store holiday airplay always generates keen interest for this after-midnight, deeply-layered record. The very first national review the album
received contained the opening salvo: Take a deep breath. Relax. Over the Rhine’s The Darkest Night of the Year is the Christmas disc of the year and destined to become a classic. Curl up with someone
you love, or enjoy some quiet time alone, The Darkest Night of the Year is the perfect soundtrack…”
Reviews for Over the Rhine’s visionary Christmas Music have continued to pour in over the years with coverage in the New York Times, NPR’s Morning Edition, USA Today, Paste, No Depression and many others. TOURING: Over the Rhine will be supporting the vinyl release of The Darkest Night of the Year with 2023 Christmas concerts currently booked in Chicago, Boston, DC, Philadelphia, Cincinnati (three shows), Ann Arbor, Pittsburgh, Grand Rapids and Kent, Ohio
Modernists loved the latest R&B, blues and soul sounds coming from US cities such as Chicago, Memphis and Detroit and when British groups started playing their own interpretations in clubs and dancehalls they gained their own mod followings, their music remaining popular on the mod scene today.
Side 1 of this bespoke collection spotlights the British R&B scene and features a founding father of British blues Alexis Korner with the rare ‘Taboo Man’ alongside ace mod tracks from The Bo Street Runners, The Others, Mickey Finn and The Blue Men (featuring a youthful Jimmy Page on harmonica) and more.
Side 2 starts with British R&B groups developing their own sound by turning up their guitars, employing distortion, feedback and fuzz pedals to take the music in a new direction. Highlights include the Joe Meek produced ‘Crawdaddy Simone’ by The Syndicats (described as proto punk because of its ferocity), The In Crowd’s snarling ‘Things She Says’ and The Artwoods’ fuzz drenched mod favourite ‘I Take What I Want’ featuring future Deep Purple organist Jon Lord on organ.
Denny Laine (later of Wings) sings with The Moody Blues calming things down with some soulful beat.
Side 3 focuses on UK soul music - Rod ‘the mod’ Stewart backed by The Brian Auger Trinity takes on Sam Cooke’s ‘Shake’, the godfather of ska Laurel Aitken proves he’s also a natural soul man with his floor filling version of The Mar-Keys’ ‘Last Night’ and the amazing Barry St. John sings the funky ‘Gotta Brand New Man’. Popular club acts Lucas & The Mike Cotton Sound and Carl Douglas & The Big Stampede would regularly bring the house down at mod clubs and also feature.
Side 4 includes mod club dancefloor smashes from The Spencer Davis Group and Rupert’s People (AKA mod group Fleur De Lys) while mod heroes The Action go psychedelic with ‘Look At The View’. A moonlighting Jeff Beck of The Yardbirds plays on John’s Children’s ‘But She’s Mine’ and there are brilliant singles revered by freakbeat and psych collectors such as Double Feature’s ‘Baby Get Your Head Screwed On’ and The Drag Set’s ‘Day And Night’.
Rarities from The Trendbender Band and The Union (featuring Elmer Gantry) appear on vinyl for the first time.
"56 NIGHTS" - ZUM ERSTEN MAL AUF VINYL. 56 Nights ist das fünfzehnte Mixtape des amerikanischen DJs und Plattenproduzenten DJ Esco. Es wurde am 21. März 2015 über das Label Freebandz Entertainment des Rappers Future veröffentlicht.
Leave Me Alone is the debut album of Nick Oliveri's Uncontrollable, a solo project created by Nick Oliveri (Kyuss, Queens of the Stone Age, Dwarves, Mondo Generator) released in 2014 on Schnitzel Records. It was recorded in 2013 at Thunder Underground Studios in Palm Springs, California by Harper Hug & Trevor Whatever. Nick Oliveri performs all of the instruments (vocals, guitar, bass & drums) on the album as well as all of the production & writing of the songs. He also recruited guest performers in such as Blag Dahlia of The Dwarves & Motörhead's Phil Campbell. The album is dedicated to deceased Eyehategod drummer Joey LaCaze. Heavy Psych Sounds is releasing a brand new REPRESS with new coloured vinyl.
Magenta coloured vinyl, limited to 300 copies. Leave Me Alone is the debut album of Nick Oliveri's Uncontrollable, a solo project created by Nick Oliveri (Kyuss, Queens of the Stone Age, Dwarves, Mondo Generator) released in 2014 on Schnitzel Records. It was recorded in 2013 at Thunder Underground Studios in Palm Springs, California by Harper Hug & Trevor Whatever. Nick Oliveri performs all of the instruments (vocals, guitar, bass & drums) on the album as well as all of the production & writing of the songs. He also recruited guest performers in such as Blag Dahlia of The Dwarves & Motörhead's Phil Campbell. The album is dedicated to deceased Eyehategod drummer Joey LaCaze. Heavy Psych Sounds is releasing a brand new REPRESS with new coloured vinyl.
NITE stammen aus einer langen und geschichtsträchtigen Linie des Heavy Metal. Die Bay Area hat Thrash-Titanen wie Metallica hervorgebracht, und obwohl es nicht das ist, was sich die meisten Metalheads vorstellen, wenn sie an ihren glücklichen Ort gehen, hat das sonnige Klima Nordkaliforniens Death dazu inspiriert, sich dem Death Metal zuzuwenden.
Diese San Franciscans tragen diese Fackel mit Stolz. Alle fünf Mitglieder haben in anderen Bands gespielt, die von Küste zu Küste reichen, aber sie kamen 2018 in Nordkalifornien zusammen. Es hat auch nicht lange gedauert, bis NITE ihre Präsenz bekannt gemacht haben. Ihr Debütalbum spricht alte Metalheads und Nu-Comers gleichermaßen an.
Man höre sich nur "Genesis" an, das "Darkness Silence Mirror Flame" mit Duell-Leads eröffnet, die mit den hellen, arena-rockenden Melodien der NWOBHM schmettern. Aber NITE sind nicht daran interessiert, vergangenen Ruhm wieder aufleben zu lassen. Van Labrakis' düsteres Knurren verleiht diesen leckeren, altmodischen Riffs einen schönen, geschwärzten Charme.
Darkness Silence Mirror Flame" ist jetzt zum ersten Mal über Season of Mist erhältlich.
Seit 2015 vergriffen, kehrt diese EP nun auf 12"-Vinyl zurück!
Ursprünglich für Big Stars kultige "Third" (1978) aufgenommen, ist "Jesus Christ" zu einem ein Grundnahrungsmittel geworden. Was gibt es Besseres, um diese Zeit des Jahres zu feiern, als als diesen Klassiker auf Vinyl zu erleben - zusammen mit dem Geschenk von seltenem Material! Diese 12"-EP zeigt das Artwork der Heiligen Drei Könige von einem Promo-Plakat von 1973 Big Star-Promo-Poster. Zusätzlich zur originalen Albumversion, enthält die LP ein Demo von "Jesus Christ", das erstmals auf der Grammy®-prämierten Box-Set Keep An Eye On The Sky erschien, sowie sowie 5 seltene Tracks. Die Fans warten schon seit Jahrzehnten auf eine offizielle Veröffentlichung von "Another Time Another Place & You", das auf dieser EP erstmals als Record Store Day EP 2015 veröffentlicht wurde.
Zwei weitere unveröffentlichte Instrumentals kamen hinzu. Eine Demoversion von "Big Black Car" vervollständigt die Playlist. Das Vermächtnis von Big Star leuchtet weiterhin, und die Jesus Christ EP wird nicht nur nicht nur eine glänzende Ergänzung für die Sammlung eines jeden Fans sein, sondern ihnen auch nicht nur das, wonach sie gesucht haben, sondern lässt sie sich auch über das freuen was sie gefunden haben.
Zum 40. Jubiläum des ersten Teils des stylischen Actionspiel-Klassikers DEVIL MAY CRY erscheint der Killer-Soundtrack des Capcom Sound Teams - bekannt für seine Musik zur Resident Evil-Serie - spezielle für 180g Vinyl gemastert. Der OST ist eine genreübergreifende Meisterklasse, die von Rock über Techno zu Ambient und weiteren Paletten wechselt. Erhältlich als 2LP-Format mit 34 Tracks auf transparent-rotem und ockerfarbenem Doppelvinyl, sowie als luxuriöses 4LP-Boxset mit den kompletten 73 Tracks auf schwarzem 4fach-Vinyl.
Sofia Kourtesis veröffentlicht ihr lang-erwartetes Debütalbum ‘Madres’ ,welches ihrer Mutter gewidmet ist, auf Ninja Tune! Als sie mit der Arbeit an ihrem Debüt begann, war Kourtesis scheinbar unaufhaltsam. Eine Reihe von begeistert aufgenommenen EPs und Singles machten sie zu einem der am schnellsten aufsteigenden Stars in der elektronischen Welt und darüber hinaus. Sie zierte bereits das Cover von Mixmag, veröffentlichte eine brillante, energiegeladene und bewegende RA Session für Resident Advisor, erschien auf den Jahresendlisten der New York Times, Pitchfork, DJMag und Spotify (#6 bester elektronischer Song) und spielte sofort ausverkaufte erste Shows sowie herausragende Auftritte beim Pitchfork Music Festival, Glastonbury und Primavera neben Tourneen als Support von Caribou und Bicep. „Madres“ enthält alles, was Kourtesis bereits so beliebt gemacht hat: der doppelte Klang ihrer peruanischen Heimat und ihrer Wahlheimat Berlin ist präsent („mein Herz ist sehr lateinamerikanisch, aber mein Motor ist deutsch“), ebenso wie der Aktivismus für die Gleichstellung der Geschlechter, den Schutz queerer Menschen und den Zugang zu sicheren Abtreibungen in Peru, der ihr so sehr am Herzen liegt.
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Wir leben in einer Welt des totalen Krieges. Und es ist die Pflicht der Künste, dies nicht zu verdrängen. Im Gegenteil: Lasst die Musik zum Nachtmahr unserer fragilen Gesellschaft werden, lasst donnernde Beats wie Granaten unsere schwächliche Existenz zerreißen! Futurismus war gestern, heute ist: NACHTMAHR.
Das österreichische EBM-Industrial-Projekt um Thomas Rainer von L'AME IMMORTELLE startet nach einem furiosen Auftakt mit dem Fulltime-Album "Feuer frei!" endgültig durch. Hämmernde Industrialbeats schlagen im Gehörgang ein wie 70mm-Geschosse. In der "Opferzeit" marschieren nicht die Massen, nein, sie raven in den Untergang, feiern die "Endzeitstimmung" zum süßen Klang der Stalinorgel. Jenseits von Politik und Religion, über die Grenzen hinweg fegt das Stahlgewitter einer reinen und kalten Vernichtung, die den Neubeginn birgt...
NACHTMAHR ist die "Katharsis" einer Welt am Abgrund, die auf ihren eigenen Ruinen tanzt, ohne es zu bemerken. Glaube und Hoffnung liegen danieder, nur ein Phoenix erhebt sich aus dem Schutt: der doppelköpfige Adler von NACHTMAHR...
NACHTMAHR, das ist True Imperial Austrian Industrial!
Pattern-Seeking Animals sind eine bahnbrechende Prog-Rock-Band, die die Grenzen der musikalischen Erkundung immer mehr erweitert. Bestehend aus John Boegehold, Ted Leonard, Dave Meros und Jimmy Keegan, fesselt die Band mit komplexen Kompositionen. Auf ihrem 4. Album nähern sie sich neuen Klangwelten und Themen, die sie mit der DNA ihrer bisherigen Arbeit zu ihrem bisher einprägsamsten und stärksten Album kombinieren. Boegehold erklärt: "Da dies unsere vierte Veröffentlichung in weniger als 5 Jahren ist, war es meine Absicht, nicht über bereits bekanntes Terrain zu gehen. Wir haben andere Sounds, Texturen und Musikstile verwendet und sind auch ganz anders an den Gesang herangegangen." Der neue Ansatz macht sich nicht nur in Produktion und Sound bemerkbar, sondern auch bei den Texten. "Die Themen umfassen einen nordischen König, der über das Leben nachdenkt, während er erobert wird, einen alternden Sucher auf dem Weg zur Erleuchtung, Außerirdische, die Menschen jagen und sich der Gefangennahme entziehen, einen konfliktbeladenen Soldaten vor und nach dem Ersten Weltkrieg, eine schwangere Teenagerin, die eine schlimme Situation zu Hause hinter sich lässt, einen widerwilligen Helden, der in seiner letzten Schlacht siegt, und die Freundin eines Mannes, die ihn wegen seiner Verschwörungstheorien verlässt." Die Fans werden mit der ersten Single "Window to the World", einem energiegeladenen Up-Tempo-Art-Rock mit einem Hauch von Ska und Reggae, etwas Neues erleben. "Somewhere North of Nowhere" ist ein geradliniger Prog-Song mit einzigartigem Bridge-Teil. "Underneath the Orphan Moon" ist eine düstere Ballade über ein Teenager-Mädchen, das einer schlimmen Situation entflieht. Der stimmungsvolle und cineastische Song erinnert an einen klassischen Elton-John-Song, mit echter Streichergruppe. Das Album ist erhältlich als Ltd. 2CD Digipak und Digitalalbum (inkl. 3 Live-Bonustracks von ProgStock 2022) und als 2LP Gatefold 180g (inkl. 2 Live-Bonustracks von ProgStock 2022).
Wewantsounds is delighted to announce the release of "TOUCH," a selection of sought-after tracks produced by Yuji Ohno, one of the most revered producers and arrangers on the Nippon music scene. His blend of Jazz, Space Funk and Disco have long been highly sought-after by DJs around the world and we've been given unique access to the Nippon Columbia vaults and to Mr. Ohno himself to come with a versatile selection from his 70s body of work, all bearing his uniquely recognisable sound. The set includes works with singers Nanako Sato, Hatsumi Shibata and Ken Tanaka alongside tracks from his cult anime soundtracks for "Lupin III" and "Captain Future." Approved by Yuji Ohno himself, "Touch" was remastered in Tokyo by Nippon Columbia and features liner notes by Nick Luscombe in conversation with the maestro and artwork by Optigram's Manuel Sepulveda.
Born in Atami in 1941, Yuji Ohno started learning the piano at a young age and formed his own band during his teenage years, getting into Jazz in the process. After high school, he entered the prestigious Keio University in Tokyo and played in the revered university big band alongside two other pianists, Masahiko Sato and Hirosama Suzuki, who would have an illustrious career in their own right. After University, Ohno became a professional musician and started playing with the new wave of Japanese Jazz musicians forming his own trio and recording with the likes of Hideo Shiraki, Terumasa Hino and Masahiko Togashi from 1967 onwards.
At the turn of the 60s, Ohno started to veer away from the Jazz scene as he realised, as told to Nick Luscombe that "the jazz music being played by the Japanese at the time was only chasing the cutting edge, and was ignoring the roots and origins of jazz." Ohno therefore shifted his efforts to film and TV and also to producing artists for various Japanese labels, becoming one of the most in-demand composers, arrangers and producers in Japan. This is when Ohno developed his unique sound across a wide variety of styles. More than anything else, he got renowned for his anime soundtracks, particularly with the Lupin III series - represented here by the superbly funky "Silhouette" - which made his fame in Japan
Whether it's jazz, funk, disco or Pop, the "Ohno Sound" is unmissable both in terms of melodies and arrangements, on a par with those of such legends as Quincy Jones and Michel Legrand. Ohno's melodies are sophisticated yet accessible and there's a great sense of space in his productions especially when it comes to slow-burning grooves as heard on "Kirameku Inner Space" from the cult anime soundtrack "Captain Future" or "The Soaring Seagull" from the sought-after 1975 album "Electro Keyboard Orchestra." This album was recorded with seven fellow musicians including Kentaro Haneda and Ohno's old friend, Masahiko Sato and using twenty Korg synths to create a unique blend of futuristic jazz funk. "The Soaring Seagull" could be the perfect embodiment of Ohno's signature sound when it comes to instrumentals. The producer was however equally at ease with producing lush disco extravaganzas such as "Subterranean Futari Botchi" by Nanako Sato or "I Wish You Love" by Hatsumi Shibata, a revamp of Charles Trenet classic, both colourful and glitzy.
Ohno's versatility is on display here with a couple of jazz vocal tracks, "Speak Low" by Ann Young accompanied by the Yuji Ohno Trio and Mieko Hirota's fast and furious "I Want to Be Happy" while he also excelled at crafting gorgeous mellow songs such as Ken Tanaka's "Lilac-gai No Aki" and Hatsumi Shibata's "Mouichido Kikasete" closing the selection on a perfect note. "Touch" is just a tiny selection from Yuji Ohno's immense body of work and it will hopefully open the ears of Japanese music lovers to one of the most important musician, producer and arrangers of his generation.
«YENTL: Deluxe 40th Anniversary Edition» feiert den 40. Jahrestag der Veröffentlichung des Films und des Soundtracks Yentl. Disc 1 enthält den Original-Soundtrack zu Yentl, und Disc
2 enthält 15 Tracks, die Barbra als Demos in ihrem Wohnzimmer auf einem Stereo-Kassettendeck aufnahm, um den Film zu drehen, wobei Barbra jeden Track kommentiert. Bei den
Aufnahmen wird Barbra nur von Michel Legrand am Klavier begleitet
I Talk To Water, the fifth album for Kompakt by Danish producer Kölsch, is the artist’s most personal statement yet. While all the trademarks that make his music so popular and powerful are still present – lush, melodic techno; swooping, trance-like figures; sensuous, shivery texturology – I Talk To Water is also a deep and intimate rapprochement with family and history, a beautiful, finely detailed document of loss and memory, and a tracing of the long, unbroken thread of grief that runs through our lives once we’ve lost those we loved.
The emotional core of I Talk To Water, then, is a cache of recordings by Kölsch’s father, Patrick Reilly, who passed away in 2003 from brain cancer. With time rendered elastic by the pandemic and its associated lockdowns, its sudden, alienating shifts in everyday living, Kölsch found himself reflecting on his father’s passing and ongoing spiritual presence, thinking about how best to memorialise such a significant figure in his own life. Those recordings opened a gateway, of sorts, for Kölsch to move through – a way to bring past and present together and entwine them in a sensitive, poetic manner.
Kölsch’s father was a musician – “touring in the sixties and seventies, in the Middle East especially, he was doing the whole hippy trail, playing guitar, and wrote some songs over the years,” he recalls. “But all in all, he decided to focus on family rather than pursue a musical career.” Reilly kept playing and writing music over the years, though Kölsch hadn’t listened to the material for some time: “I’d never had the guts to listen to it, because I just felt too fragile listening to his voice. It’s such a tough thing to go through.”
During the pandemic, though, Kölsch listened through the fragmented body of work that his father had produced over the years. “I decided I’m gonna finally release my dad’s music twenty years after his passing,” he reflects. “This whole album is about the process of loss, and for me it’s been one of my main driving forces in my musical life, the whole emotional aspect of whatever I’ve done has been based in that feeling that he’s not there anymore.”
Recordings of Reilly appear on three songs across I Talk To Water. His guitars drift pensively across “Grape”, offering a lush thread of melody that Kölsch wraps with clicking, driftwood rhythms and droning, melancholy bass. “Tell Me” is a lovely three-minute art song, a sadly beautiful reflection, minimally adorned with gentle keys and a muted pulse. And on the closing “It Ends Where It Began”, Kölsch lets his father’s acoustic guitar take centre stage for a lament that’s unexpectedly folksy, a guitar soli dream, which Reilly originally recorded in 1996. “He actually recorded it for my first album that never came out,” Kölsch reveals, “and I had it sitting around forever. That is purely him.”
These three imagined collaborations between father and son are poised and delicate. But their relationship also marks the gorgeous music Kölsch has made across the rest of I Talk To Water, from the itchy yet lush “Pet Sound” (titled in tribute to one of Reilly’s favourite albums), the flickering synths and yearning vocal samples that slide through “Khenpo”, the ecstatic shuddering that marks “Only Get Better”, or “Implant”’s slow-motion pans and subtle reveals.
There’s also the title song, where Kölsch is joined by guest Perry Farrell (Jane’s Addiction, Porno For Pyros), singing a mantra for internal reflection: “I talk to water / Searching for myself / Looking for answers / Oceans of you.” Farrell’s appearance brings another timbre, another spirit to the album, aligning neatly with his recent interest in electronic music. “He was completely taken by this idea of talking to water,” Kölsch says, thinking about the ways we collectively lean towards the natural world as a comfort and a listener, a guide through mourning, a way to map out the terrain of the heart. This mapping is something that Kölsch has proven remarkably adept at through the years; dance music for both body and mind, but also both for the here-and-now, and for the hereafter.
“I Talk To Water”, das fünfte Album des dänischen Produzenten Kölsch für Kompakt, ist zweifellos das persönlichste Statement des Künstlers bislang. Während alle Markenzeichen, die seine Musik so beliebt und kraftvoll machen, immer noch präsent sind – üppige, melodische Techno-Tracks; schwebende, tranceartige Elemente; sinnliche, fiebrige Texturen – ist “I Talk To Water” auch eine tiefe und intime Annäherung an Familie und Geschichte. Es ist ein wunderschönes, fein ausgearbeitetes Dokument des Verlusts und der Erinnerung, und es verfolgt den langen, ungebrochenen Faden der Trauer, der durch unser Leben läuft, sobald wir diejenigen verloren haben, die wir liebten.
Der emotionale Kern von “I Talk To Water” besteht aus Aufnahmen von Kölschs Vater, Patrick Reilly, der 2003 an Hirnkrebs verstarb. Durch die Pandemie und ihre damit verbundenen Lockdowns, die plötzlichen, entfremdenden Veränderungen im Alltag, fand Kölsch sich in Gedanken an den Tod seines Vaters und seine fortwährende spirituelle Präsenz wieder. Er überlegte, wie er eine so bedeutende Figur in seinem eigenen Leben am besten verewigen könnte. Diese Aufnahmen öffneten ihm sozusagen ein Portal, um Vergangenheit und Gegenwart miteinander zu verbinden und sie auf sensible und poetische Weise zu verweben.
Kölschs Vater war Musiker – “er tourte in den sechziger und siebziger Jahren, vor allem im Nahen Osten, auf dem Hippie Trail, spielte Gitarre und schrieb im Laufe der Jahre einige Songs”, erinnert sich Kölsch. “Aber alles in allem entschied er sich, sich auf die Familie zu konzentrieren, anstatt eine musikalische Karriere zu verfolgen.” Reilly spielte und schrieb jedoch im Laufe der Jahre weiterhin Musik, obwohl Kölsch das Material lange Zeit nicht angehört hatte: “Ich hatte nie den Mut, es anzuhören, weil ich mich einfach zu zerbrechlich fühlte, seine Stimme anzuhören. Es ist so schwer, das durchzustehen.”
Während der Pandemie hörte sich Kölsch jedoch durch das fragmentierte Werk, das sein Vater im Laufe der Jahre produziert hatte. “Ich beschloss, die Musik meines Vaters zwanzig Jahre nach seinem Tod endlich zu veröffentlichen”, reflektiert er. “Dieses ganze Album handelt von dem Verlustprozess, welcher für mich generell eine der Hauptantriebskräfte in meinem musikalischen Leben ist. Der ganze emotionale Aspekt von dem, was ich getan habe, basierte auf dem Gefühl, dass er nicht mehr da ist.”
Auf “I Talk To Water” sind Aufnahmen von Reilly in drei Songs zu hören. Seine Gitarren ziehen nachdenklich durch “Grape”, bieten einen üppigen Melodiefaden, den Kölsch mit klickenden, treibenden Rhythmen und dröhnendem, melancholischem Bass umwickelt. “Tell Me” ist ein schönes dreiminütiges Kunstlied, eine traurig-schöne Reflexion, minimal geschmückt mit sanften Tasten und einem gedämpften Puls. Und auf dem Abschlusstrack “It Ends Where It Began” lässt Kölsch die akustische Gitarre seines Vaters im Mittelpunkt stehen, ein überraschend folkiger Klagegesang, den Reilly ursprünglich 1996 aufgenommen hatte. “Er hat es tatsächlich für mein erstes Album aufgenommen, das nie veröffentlicht wurde”, enthüllt Kölsch, “und ich hatte es ewig liegen.”
Diese drei erdachten Kollaborationen zwischen Vater und Sohn sind ausgewogen und zart. Aber ihre Beziehung prägt auch die wunderschöne Musik, die Kölsch im Rest von “I Talk To Water” geschaffen hat, angefangen bei dem nervösen, aber üppigen “Pet Sound” (benannt als Hommage an eines von Reillys Lieblingsalben), den flimmernden Synthesizern und sehnsüchtigen Vocal-Samples in “Khenpo”, den ekstatischen Erschütterungen in “Only Get Better” oder den langsamen Schwenks und subtilen Enthüllungen in “Implant”.
Es gibt auch den Titelsong, in dem Kölsch von Gast Perry Farrell (Jane’s Addiction, Porno For Pyros) begleitet wird, der ein Mantra für die innere Reflexion singt: “I talk to water / Searching for myself / Looking for answers / Oceans of you.” Farrells Auftritt bringt eine weitere Klangfarbe, einen weiteren Geist in das Album, der gut zu seinem jüngsten Interesse an elektronischer Musik passt. “Er war völlig fasziniert von der Idee, mit Wasser zu sprechen”, sagt Kölsch und denkt darüber nach, wie wir kollektiv zur Natur als Trost, Zuhörer, Führer durch die Trauer neigen, um die Gelände des Herzens zu kartieren. Diese Kartierung ist etwas, in dem Kölsch im Laufe der Jahre erstaunlich geschickt war; Tanzmusik für Körper und Geist, sowohl für das Hier und Jetzt, als auch für das Leben danach.
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Jetzt ist dann aber Schluss mit der Gemütlichkeit! Christian Fuchs und David Pfister haben als Mitglieder der Brachial-Wienerlied-Kapelle "Neigungsgruppe Sex, Gewalt & Gute Laune" die österreichische Dialektpop-Welle maßgeblich mitinitiiert. Jetzt gehen sie als Die Buben im Pelz wieder einen Schritt weiter. Und gleichzeitig zurück. Und finden, dass das Wienerlied auch wie Velvet Underground mit Meidlinger L klingen kann. Oder im Sinne legendärer Ahnherren wie Helmut Qualtinger oder Gerhard Rühm, wie ein Zyankalizuckerl schmecken muss, das im weißen Spritzer aufgelöst wird. Aufgenommen im steirischen Studio des Produzenten Bernd Heinrauch eingespielt mit einer großartigen Schar von GastmusikerInnen und FreundInnen gelingt Fuchs und Pfister auf ihrem gemeinsamen Debütalbum ein Rotzbubenstück sondergleichen. Inklusive roher Gewalt und abgedrehten Sex'n'Drugs-Stories, aber auch rasiermesserscharfem Pop&Trash-Appeal. Da wimmelt es in den Songs von Protagonisten in grindigen Pelzen und engem Leder, die sich die sunglasses after dark auf die Schnapsnasen drücken. Tatsächlich schnappen sich die Buben im Pelz, frei nach Sacher-Masoch, das heiliggesprochene erste Velvet Underground Album - ja, das mit dem Bananen-Cover! - und übersetzen die wild aufgekratzte Energie und speckig-dreckige Lust der Stücke ins gache und goscherte Wienerische. Der hektische Großstadtspeed des einstigen New Yorks kracht auf die aktuelle schäbige Noblesse der Donaumetropole. So scharf und modern nach Großstadt triefend hat Wien schon lange nicht mehr geklungen. So aufregend gefährlich gfeanzt und finster auch nicht. Der Tod ist ein Wiener und er trägt jetzt Pelz. Und jetzt ist die gesuchte Debut-Platte der Buben im Pelz als hochwertige 180g-Vinyl-Neuauflage wieder erhältlich, neu umgeschnitten und mit besserer Klangqualität als bisher. Auch eine CD-Version im Digipak ist lieferbar.
Jetzt ist dann aber Schluss mit der Gemütlichkeit! Christian Fuchs und David Pfister haben als Mitglieder der Brachial-Wienerlied-Kapelle "Neigungsgruppe Sex, Gewalt & Gute Laune" die österreichische Dialektpop-Welle maßgeblich mitinitiiert. Jetzt gehen sie als Die Buben im Pelz wieder einen Schritt weiter. Und gleichzeitig zurück. Und finden, dass das Wienerlied auch wie Velvet Underground mit Meidlinger L klingen kann. Oder im Sinne legendärer Ahnherren wie Helmut Qualtinger oder Gerhard Rühm, wie ein Zyankalizuckerl schmecken muss, das im weißen Spritzer aufgelöst wird. Aufgenommen im steirischen Studio des Produzenten Bernd Heinrauch eingespielt mit einer großartigen Schar von GastmusikerInnen und FreundInnen gelingt Fuchs und Pfister auf ihrem gemeinsamen Debütalbum ein Rotzbubenstück sondergleichen. Inklusive roher Gewalt und abgedrehten Sex'n'Drugs-Stories, aber auch rasiermesserscharfem Pop&Trash-Appeal. Da wimmelt es in den Songs von Protagonisten in grindigen Pelzen und engem Leder, die sich die sunglasses after dark auf die Schnapsnasen drücken. Tatsächlich schnappen sich die Buben im Pelz, frei nach Sacher-Masoch, das heiliggesprochene erste Velvet Underground Album - ja, das mit dem Bananen-Cover! - und übersetzen die wild aufgekratzte Energie und speckig-dreckige Lust der Stücke ins gache und goscherte Wienerische. Der hektische Großstadtspeed des einstigen New Yorks kracht auf die aktuelle schäbige Noblesse der Donaumetropole. So scharf und modern nach Großstadt triefend hat Wien schon lange nicht mehr geklungen. So aufregend gefährlich gfeanzt und finster auch nicht. Der Tod ist ein Wiener und er trägt jetzt Pelz. Und jetzt ist die gesuchte Debut-Platte der Buben im Pelz als hochwertige 180g-Vinyl-Neuauflage wieder erhältlich, neu umgeschnitten und mit besserer Klangqualität als bisher. Auch eine CD-Version im Digipak ist lieferbar.
WEB WEB führen mit ihrem fünften Album WEB MAX II die Kollaboration mit Max Herre fort, die auf WEB MAX (2021) begann. Dabei ist ihnen mit diesem neuen Album weitaus mehr gelungen als lediglich die reine Weiterführung einer Serie. WEB MAX II ist musikalisch und emotional die wohl vielfältigste Destillation dessen, was die ursprünglich im Spiritual Jazz verwurzelte deutsche Jazz-Supergroup in den sieben Jahren ihres Bestehens hervorgebracht hat.
"Zum 30-jährigen Jubiläum von Forest Enter Exit veröffentlichen Deine Lakaien eine neue Auflage ihres Klassikeralbums, inklusive der EP Mindmachine. Das Album ist als schwarze und als streng limitierte silberne Doppelvinyl im Gatefold verfügbar, außerdem gibt es eine Doppel-CD im Digisleeve. Das Thema des Albums hat an Aktualität nichts eingebüßt.
""Forest Enter Exit handelt von Traum und Wirklichkeit. Traum und Wirklichkeit sind Bilder, die im Gehirn entstehen und vom Charakter des Einzelnen geformt werden. Ausbruchsversuche, wie Drogen, Mindmachines und Cyber-Welten werden daran nichts
ändern, im Gegenteil, nur die Vereinsamung beschleunigen. Die neun Songs auf Forest Enter Exit führen durch die verschiedensten Winkel sublimer Träume und menschlicher Vorstellungskraft. Ausflüge in virtuelle Realitäten enden in nüchternem Alltagsgrau, um von dort sofort wieder in die schillernden Welten längst vergangener Zeiten entführt zu werden.
Ein ganz persönlicher Audio-Trip zwischen Schein und Sein. Entsprechend der thematischen Vielfalt werden auf Forest Enter Exit verschiedenste Musikrichtungen in typischer Lakaienmanier miteinander verbunden. Forest Enter Exit ist ein weiterer Beweis
für die musikalische Eigenständigkeit der Band. Das Duo Deine Lakaien sind Alexander Veljanov, Gesang, und Ernst Horn, Keyboards und Produktion. Die beiden arbeiten gemeinsam im Studio von Ernst und stellen dort - angefangen bei der Rohfassung eines Titels bis hin zum fertigen Masterband - alles her.“ "
"Zum 30-jährigen Jubiläum von Forest Enter Exit veröffentlichen Deine Lakaien eine neue Auflage ihres Klassikeralbums, inklusive der EP Mindmachine. Das Album ist als schwarze und als streng limitierte silberne Doppelvinyl im Gatefold verfügbar, außerdem gibt es eine Doppel-CD im Digisleeve. Das Thema des Albums hat an Aktualität nichts eingebüßt.
""Forest Enter Exit handelt von Traum und Wirklichkeit. Traum und Wirklichkeit sind Bilder, die im Gehirn entstehen und vom Charakter des Einzelnen geformt werden. Ausbruchsversuche, wie Drogen, Mindmachines und Cyber-Welten werden daran nichts
ändern, im Gegenteil, nur die Vereinsamung beschleunigen. Die neun Songs auf Forest Enter Exit führen durch die verschiedensten Winkel sublimer Träume und menschlicher Vorstellungskraft. Ausflüge in virtuelle Realitäten enden in nüchternem Alltagsgrau, um von dort sofort wieder in die schillernden Welten längst vergangener Zeiten entführt zu werden.
Ein ganz persönlicher Audio-Trip zwischen Schein und Sein. Entsprechend der thematischen Vielfalt werden auf Forest Enter Exit verschiedenste Musikrichtungen in typischer Lakaienmanier miteinander verbunden. Forest Enter Exit ist ein weiterer Beweis
für die musikalische Eigenständigkeit der Band. Das Duo Deine Lakaien sind Alexander Veljanov, Gesang, und Ernst Horn, Keyboards und Produktion. Die beiden arbeiten gemeinsam im Studio von Ernst und stellen dort - angefangen bei der Rohfassung eines Titels bis hin zum fertigen Masterband - alles her.“ "
End of Ways is a bridge to healing as it was written during the period of helping a loved one escape an abusive household while working though its lingering horrors to find peace. On this second album
release by indie label Kill Rock Stars, 18-year-old Elliott Fullam touches on even darker subject matter than his predecessor What’s Wrong which was a dissociative trip that reached out to thousands of
like-minded music enthusiasts who hailed the record as their album of the year.
And End of Ways is the next record that will continue in that same gentle melody which alleviates the emotional storm that
torments so many of us. Elliott’s sophomore full-length is a blend of home recordings as well as studio recordings which bring some extra depth within the songs to suit their somber settings in the tracks
Throw It Away, Forget, and Better Way. But the record still retains its stripped down, lo-fi vibe in songs like Let’s Go Somewhere and Remember When with their clear Elliott Smith and Nick Drake
influences in both the acoustic guitar lines and quiet vocals. The addition of young pianist Jeremy Bennett also beautifully adds candle-light melody through-out the album with his haunting notes in the opening song Mistake and his Tim Burton-meets-Vince Guaraldi style in the album’s escapist-themed title track End of Ways along with the dramatic climax to Timeless Tears and the album closer, Over
the Moon which is Elliott’s profession of love to his present companion who he saved from her former home. Nick Drake, Big Thief, Crumb, and Alex G that explores childhood, dissociation, heartbreak and ultimately, survival
Shotmaker was formed in 1993 by three friends from the small towns of Tweed and Belleville in Ontario, Canada: Matt Deline (drums, vocals), Tim McKeough (guitar, vocals), and Nick Pye (bass, vocals). The band relocated to Ottawa in 1994 before ending its run in 1996. They are widely recognized for influencing the direction of emo and post-hardcore music. During their relatively short time together Shotmaker harnessed the collective creativity of the Canadian DIY community to make something special happen. They wrote and recorded two 7”s, two LPs, a split LP (with Washington, D.C., based Maximillian Colby) and numerous songs for compilations and other split records.
The band thrived on playing live shows and completed three coast-to-coast North American tours in addition to many smaller tours. They regularly shared the stage with bands like Policy of 3, Los
Crudos, Unwound, Rorschach, Cap’n Jazz, Indian Summer, Rye Coalition, Modest Mouse, Propagandhi, Hoover, Clikatat Ikatowi, Blonde Redhead and Fugazi. "A Moment in Time: 1993-1996"
is a band-curated, 3xLP box set on colored vinyl. Also included is a 12 page booklet with never before seen images from Canadian photographer Shawn Scallen who chronicled much of the band's history.
All the music has been mastered for vinyl by Brad Boatright at Audiosiege in Portland, OR.
Die Musik der 2000 in Norwegen gegründeten Band fand nicht nur großen Anklang in der Dance-Punk-Community, ihre bahnbrechende Single 'Computer Camp Love' landete auch hoch im ROLLING STONE-Ranking der "100 besten Songs des Jahres 2007". Ihr Debüt landete schließlich auf Platz 36 des damals renommierten NME, und die Band wurde nicht nur einmal für den norwegischen Grammy nominiert. DATAROCKs neues Album 'Media Consumption Pyramid' vereint sieben Mitglieder des Kernkollektivs, die alle schon früher Teil der Band waren, aber nie gemeinsam. Das Album basiert auf Synth-Pop-Sounds der 80er Jahre, die an Depeche Mode, Bronski Beat und Soft Cell erinnern. Die bereits digital veröffentlichte Single 'DISCObedience' ist ein erster Appetizer auf das von Fans sehnlich erwartete Comeback-Album der sieben Männer in ihren Trainingsanzügen.
Für Fans von LCD Soundsystem, The Chemical Brothers, Hot Chip und Foals. Erhältlich auf CD, schwarzem Vinyl sowie in limitierter Auflage auf rotem Vinyl
Limitierte Re-Issue Ausgabe des 96er Albums in Black Vinyl und Revised Artwork. Das Ding gab"s ewig nicht auf Platte! Das Artwork wurde komplett nachgebaut und "optimiert", dito die LP selbst! Zu den Boxhamsters muß Mensch wohl nicht mehr viel sagen! Sie gehören zur Creme des Deutsch-Punk: ultraschöne Songs wie Jahrzehnt-Hymne "III" oder die Ballade "lurchi" mischen sich zu härterem Gerangele wie "Ballermann 6" oder das HC-lastige "Geisel", das direkt an die Bosstones erinnert.
Im Englischen gibt es den Ausdruck "to pull at one"s heartstrings". In der deutschen Sprache gibt es für dieses Bild keine direkte Übersetzung. Jetzt aber zum Glück irgendwie schon, in Form dieses Albums. Denn beim Hören von EXILE IN SPACE zupft und zuppelt, zieht und dehnt etwas im Inneren, meist in etwa da, wo bei den meisten Menschen das Herz vermutet wird. Melancholie trifft es eben nicht, ist auch ein viel zu abgenudelter Begriff in der Musik und hat hier keinen Platz. Was ENIK und das PARANORMAL STRING QUARTET auf EXILE IN SPACE in diesen acht musikalischen Kleinoden entstehen lassen, geht tiefer. Großartige Sätze wie: "Don"t pick up the Phone, it could be your mother! She wont candycrush herself out of this mess.", lässt Enik in "Electric Sheep" von einer knazigen Roboterstimme in Gedichtform vortragen, während im Hintergrund ein Omnichord und ein Cello darüber diskutieren, wer von beiden eigentlich einsamer ist als der andere. "TRUE MF", das man von ENIK Solo bisher als richtigen Dancefloor-Banger kannte, kriegt mit entschleunigten, warmen aber trotzdem nie und nimmer kitschigen Streicherparts neue Dimensionen (ziemlich viele sogar). Diese paranormalen Ergänzungen halten ENIK wenn nötig auch mal auf dem Boden - oder besser gesagt in der gemütlichen, warmen Stube am Fenster, wenn er im Titeltrack mit Cervantes im Kopf von der eher weniger gemütlichen Weltlage singt und vom Exil im Weltall träumt (EXILE IN SPACE). In KANGAROO unterhält sich Enik mit einem toten Känguru, was ihn schlagartig seiner eigenen Vergänglichkeit ermahnt und somit das exzessive Leben des Protagonisten herzzerreißend in Frage stellt. Der Song endet in einer dreiminütigen, elegischen Streicherimprovisation, die für Enik persönlich, den absoluten Höhepunkt dieses Albums darstellt. Zurückgelassen wird man als Hörer*in am Ende mit dem knarzigen BETTY LEE. Ein Lied, das gut und gerne 70 Jahre alt sei könnte, gleichzeitig aber auch nach vorne in die Zukunft weist. Alles in allem acht funkelnde, schräge, organische und liebevolle Songs, die vom Herzen bis ins Weltall reichen. Womit wir wieder bei den "heartstrings" sind und dem, was eben hier noch nicht verraten wurde: Was der englische Ausdruck "to pull at one"s heartstrings" auf Deutsch bedeutet. Aber dafür sind ENIK und das PARANORMAL STRING QUARTET die Experten.
Transparent Orange/Red Vinyl im Cornetto-Stil. Limitiert auf 100 Exemplare. NEBULAs erster Release, der keine EP ist. "To The Center" ist ein weiterer retro-psychedelischer Heavy Rock Knaller, der seine Riffmuskeln gestählt hat und auf technischer Ebene mit ungeheuer guten Gitarrenjams aufwartet. Die Ergebnisse sind manchmal nicht absolut zielgerichtet, aber das fällt nicht ins Gewicht, wenn man sich mit dieser Art des Metal auskennt - es passt in diesen Kontext der Bewusstseinserweiterung. Was mehr ausmacht als Punktlandungen für die Songs, sind Riffs und Atmosphäre: ,To The Center" hat ausreichend von beidem. Ursprünglich erschien das Album 1999 auf Sub Pop und klingt progressiver und psychedelischer als die anderen Alben der Band. Produziert von Jack Endino und NEBULA. Endino trat auch als Toningenieur in Erscheinung, während das Album im April 1999 bei Hanzsek Audio in Seattle aufgenommen wurde.
Having performed in- demand Christmas shows at Jazz at Lincoln Center and around the world, Sands offers such classics as "Let It Snow, Let it Snow, Let It Snow," "Do You Hear What I Hear," "Sleigh Ride," Have Yourself a Merry Little Christmas," "Silent Night," "Jingle Bells," and "God Rest Ye Merry Gentlemen" as well as a few surprises.
Joining the NAACP Image Award nominee is vibraphonist Stefon Harris, saxophonist Jimmy Greene, guitarists Max Light and Marvin Sewell, bassist Yasushi Nakamura, percussionist Keita Ogawa and drummer Ryan Sands.
Ein italienisches Zwillingspärchen trifft in New York auf eine Japanerin und gründet eine Band. Was wie das Script für eine Umkehrung von Sofia Coppolas Film "Lost in Translation" klingt, ist die Geschichte von Blonde Redhead. In den Neunzigern ursprünglich als Quartett gegründet, erschienen die ersten Werke passender Weise auf dem Label des Sonic Youth Schlagzeuger Steve Shelley Smells Like Records, wenig später wurde die hippe Talentschmiede Touch&Go auf die zum Trio geschrumpfte Band aufmerksam. Und nun schickt sich 4AD an, den einstigen US-Indie-Geheimtipp dem guten alten Europa schmackhaft zu machen. Neu ist nicht nur das Label, auch die Verzerrer und Feedbackorgien mussten abdanken zugunsten eines ätherischen Sounds, der den feingesponnenen Melodien reichlich Raum gibt. Fans der Band werden beim ersten Hören ihr Erstaunen über die Verbreiterung des musikalischen Spektrums nicht verbergen können, aber mit Sicherheit das Album im Nullkommanix in ihr Herz schließen. Die Spex ist denn auch voll des Lobes: "Schwer macht es einem "Misery Is A Butterfly" nur, wenn es daran geht, Lieblingslieder zu benennen - zu dicht ist alles ineinander gewoben, zu gut die Stücke, um ein einzelnes herauszugreifen".
The second instalment of the trilogy of albums by the Julian Nicholas Band is entitled 'Cost Of' and is a further collection of previously unreleased on vinyl recordings of a UK saxophonist maestro deservedly now receiving great applaudits. The vinyl only release is limited to 100 copies only and comes with front cover artwork from UK artist Kavel Rafferty. All three sleeves combine together to make one unique piece of art :
Label head honchos Angioma and BLANKA are back on Room Trax's newest vinyl release, providing two original pulsing cuts. And for the occasion, the imprint's runners are accompanied by two high-caliber remixers: none other than Matrixxman and Adriana Lopez.
With "Nightmare", Angioma proposes a piece that is destined to keep the dancefloor lively with stylish fashion. On remix duties, Matrixxman places his touch on the original, adding cinematic and futuristic soundscapes which are perfectly built for big rooms.
On the B-side, BLANKA's "Speechless" offers more introspectiveness and her signature deep seductive groove. Meanwhile, Adriana Lopez reshapes the original's refinement into a driving, prime-time track to round off this "Night Speech" EP.
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Adam Gibbons meldet sich mit Volldampf mit seinem achten Lack Of Afro-Studioalbum zurück. Es ist ein Album voller Hoffnung, Optimismus und guter Zeiten, inspiriert von seiner US-Reise zu den legendären FAME Aufnahmestudios in Muscle Shoals. In einer über 17-jährigen Karriere, in der seine Musik in Filmen und TV-Shows auf der ganzen Welt zu sehen/hören war und millionenfach gestreamt wurde, musste Adam viele Herausforderungen überwinden und kehrt nun auf SQUARE ONE, den Anfangspunkt, zurück. Dabei liefert er seine bisher beste Arbeit ab und geht auf seine erste US-Tour. Mit einem erneuerten Sinn für Inspiration und Energie ist Adam entschlossen, den Funk am Leben zu erhalten.
Jenny from Thebes begann, wie viele Alben der Mountain Goats, mit John Darnielle am Klavier, bis ein Text entstand. Dieser Text, "Jenny was a warrior / Jenny was a thief / Jenny hit the corner clinic begging for relief", wurde zu "Jenny III", einem Song, der eine Herausforderung darstellte, der er sich nie zuvor gestellt hatte: eine Fortsetzung zu einem seiner beliebtesten Alben zu schreiben.
Der Katalog der Mountain Goats ist voll von wiederkehrenden Charakteren_Jenny, die ursprünglich in dem ihren Namen tragenden Stück All Hail West Texas auftaucht, sowie in "Straight Six" von Jam Eater Blues und dem Transcendental Youth side two jam "Night Light", ist einer von ihnen, jemand, der unerwartet in einen Song eintritt und die Ohren der Fans spitzt, die darauf erpicht sind, die verschiedenen Erzählstränge fortzusetzen, die sich durch die Diskografie der Mountain Goats ziehen, bevor sie im Nebel verschwinden.
In diesen Liedern wird Jenny weitgehend durch ihre Abwesenheit definiert, und diese Definition wird ihr von anderen Charakteren gegeben. Sie läuft vor etwas weg.
Diese Merkmale sind betörend, sowohl für die Figuren, die ihre Geschichte bisher erzählt haben, als auch für den Zuhörer. Sie laden zu bestimmten Fragen ein: Wer ist Jenny wirklich? Wovor läuft sie weg? Nun, sie ist eine Kriegerin und eine Diebin, und da es sich um ein Album der Mountain Goats handelt, ist es eine sichere Wette, dass das, wovor sie flieht, etwas Schlimmes ist. Etwas katastrophal Schlimmes. Jenny from Thebes ist die Geschichte von Jenny, ihrem Haus im südwestlichen Ranchstil, den Menschen, für die dieses Haus ein Ort der Sicherheit ist, und der westtexanischen Stadt, die sich mit ihrer Existenz nicht anfreunden kann. Es ist eine Geschichte über das Individuum und die Gesellschaft, über Sicherheit und Schutz und diejenigen, die sich dafür entscheiden, sich um sie zu kümmern, wenn es sonst niemand tut. Aufgenommen im legendären The Church Studio in Tulsa, Oklahoma, mit der Grammy-prämierten Produzentin/Technikerin Trina Shoemaker, ist Jenny from Thebes eine üppige Sammlung von Songs, die Darnielle als Sängerin und die Mountain Goats als Band vorantreibt, indem sie ihre klangliche Palette wieder einmal erweitert und sich an Einflüsse wie Godspell, Jim Steinman und The Cars anlehnt. Getragen von den Bläser- und Streicherarrangements von Matt Douglas, der verträumten Gitarre der Bully-Leaderin (und Bleed Out-Produzentin) Alicia Bognanno und den Backing Vocals von Kathy Valentine von den Go-Go's und Matt Nathanson, ist Jenny from Thebes ein Musical von großem Ausmaß, ein Melodram mit detailreichen Charakteren und mitreißenden Emotionen.
