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Marcin ist ein weltweites Phänomen und der Gitarrist der Gen Z. Sein Debütalbum "Dragon in Harmony" ist eine Demonstration seines selbst-entwickelten, atemberaubend virtuosen Stils, Gitarre zu spielen in 14 genre-übergreifenden Titeln. Bei TikTok, Youtube und Instagram begeistert Marcin Millionen Follower mit seinem unnachahmlichen Stil, die Gitarre mit beiden Händen am Griffbrett zu spielen. Er zerlegt Klassiker aus Rock, Hip-Hop oder Klassik in "real time" in ihre Einzelteile und türmt diese zu neuen Gitarren-Arrangements auf, wobei er die Akkorde, Melodien und eine handtrommelartige Percussion gleichzeitig spielt. Ein musikalisches Spektakel als One-Man-Show. Auch Kritiker vom "Rolling Stone", "Billboard", "Premier Guitar" oder "Guitar World" preisen Marcin als "einen der talentiertesten Gitarristen seiner Generation". Mit all seinen Erfahrungen aus den letzten Jahren hat Marcin sein Album "Dragon in Harmony" konzipiert. Er möchte ein Publikum weit jenseits der Gitarren-Fans erreichen und erklärt selbstbewusst: "Mein Statement an die Gitarrenpuristen ist: Ja, ihr habt recht. Die Gitarre ist tot. Macht weiter so wie bisher. Mein Ziel war es aber schon immer, ein breites Publikum zu begeistern." Zusammen mit Producer Dan Book (Blink-182, Shania Twain, Britney Spears) verbindet Marcin auf "Dragon in Harmony" eine genreübergreifende Sammlung von Originalkompositionen und Covern zu einem harmonischen Ganzen. Songs von Justin Timberlake ("Cry Me A River"), Sade ("Smooth Operator") und Nirvana ("Heart-Shaped Box") fügen sich schlüssig an Kompositionen von Mozart (Requiem), Debussy ("Claire de Lune") oder Miles Davis/Bill Evans ("Nardis"). Der Alternative-Radio-taugliche Titel "When The Light Goes", für den Marcin den Sänger Portugal.The Man (bekannt für seinen Hit "Feel It Still") eingeladen hat, und "Allergies" mit Sängerin Delaney Bailey, bilden weitere stimmige Farbakzente auf dem Album. "Ich wurde im Jahr 2000, dem Jahr des Drachen, geboren und veröffentliche mein Debüt im Jahr 2024, ebenfalls ein Jahr des Drachen. Der Drache ist ein feuriges, mythisches Wesen, ungezähmt und chaotisch. Aber er steht ebenso für Harmonie. In den letzten Jahren habe ich viele unterschiedliche Dinge ausprobiert, die scheinbar nicht zusammenpassen. Mit meinem Album mache ich jetzt eine künstlerische Aussage, die kohärent ist. The dragon is in harmony." erläutert Marcin seine Album-Idee. Mit Ichika Nito ("I Don't Write About Girls") und Tim Henson von der Band Polyphia ("Classical Dragon") sind zwei weitere junge Gitarren-Heroes für jeweils einen Titel als Duett-Partner zu hören.

TRELLDOM sind das geistige Kind von Kristian Eivind Espedal - besser bekannt unter seinem Künstlernamen Gaahl. Der Norweger wurde zu einem der führenden Köpfe der nordischen Black Metal Szene, nachdem er sich im Jahr 1998 der berüchtigten Bergener Band GORGOROTH angeschlossen hatte. Sowohl aufgrund seines extremen Gesangs als auch zahlreicher finsterer Gerüchte über seine Person wurde der Frontmann oft in eine besonders schmale Schublade gesteckt. Doch wenn eine Aussage über Espedal wahr ist, dann ist es die gegenteilige, nämlich dass von ihm meist das Unerwartete kommt. Auch mit TRELLDOM hat er bereits Black Metal Geschichte geschrieben. Die im Jahr 1992 von Gaahl in Sunnfjord im Distrikt Vestland, gegründete Band veröffentlichte drei Jahre später ihr Debütalbum "Til evighet..." (1995), das in Underground Black Metal Kreisen großen Anklang fand. Das Nachfolgeralbum "Til et annet..." (1999) präsentierte den Gitarristen Valgard sowie Stian "Sir" Kårstad am Bass als Neuzugänge bei TRELLDOM und erreichte auch die "Mainstream-Medien" im Metal. Als Produzent zeichnete der legendäre Toningenieur Pytten in den Grieghallen Studios in Bergen verantwortlich. Pytten nahm ebenfalls den dritten Meilenstein "Til minne..." (2007) auf, der sowohl von Kritikern als auch von Fans hoch gelobt wurde. Einer der Schlüsselaspekte dieser ersten TRELLDOM-Trilogie lag darin, dass Gaahl in seiner eigenen Band die Möglichkeiten seiner Stimme frei von den strengen Regeln erforschen konnte, unter denen GORGOROTH operierte. Danach wurde es still um die Band, da sich alle beteiligten Musiker auf zahlreiche andere Projekte konzentrierten. Bei der Rückkehr bleibt die wichtige Zusammenarbeit mit Stian Kårstad das musikalische Herzstück der Band. Der größte Teil des Materials auf "...by the shadows..." stammt aus der Feder des Gitarristen. Andere Aspekte von TRELLDOM hat Espedal bewusst verändert. Die daraus resultierenden Effekte haben zu faszinierenden Resultaten geführt. Auf dem Hocker thront nun der renommierte Schlagzeuger Kenneth Kapstad, der neun Jahre lang bei MOTORPSYCHO war und aktuell auch bei SPIDERGAWD, MØSTER! und THORNS für den Rhythmus sorgt. Mit Kapstad stieß auch der international gefeierte Jazzmusiker und Saxophonist Kjetil Møster (MØSTER!, RÖYKSOPP, THE END) zur Besetzung. Die Einbeziehung von Møsters unorthodoxen Saxophon-Klängen ist ein erstes Indiz dafür, dass sich TRELLDOM nicht mehr durch eine enge Definition von Black Metal gebunden fühlen. Die Musik auf "...by the shadows..." ist zwar nach wie vor dunkel und harsch, und auch ihre Wurzeln in der schwarzen Vergangenheit bleiben erkennbar. Doch Espedal hat seine Band in eine weitaus komplexere Kreatur verwandelt und sie in einer avantgardistischen Dimension losgelassen - mit einem Sound, der manchmal sogar ins Experimentelle reicht. TRELLDOM sind erwacht und liefern mit "...by the shadows..." ein beherztes Manifest der künstlerischen Freiheit als starke Kampfansage an jegliche nostalgische Stagnation ab. Dieses Album fordert heraus: Love it or leave it!

TRELLDOM sind das geistige Kind von Kristian Eivind Espedal - besser bekannt unter seinem Künstlernamen Gaahl. Der Norweger wurde zu einem der führenden Köpfe der nordischen Black Metal Szene, nachdem er sich im Jahr 1998 der berüchtigten Bergener Band GORGOROTH angeschlossen hatte. Sowohl aufgrund seines extremen Gesangs als auch zahlreicher finsterer Gerüchte über seine Person wurde der Frontmann oft in eine besonders schmale Schublade gesteckt. Doch wenn eine Aussage über Espedal wahr ist, dann ist es die gegenteilige, nämlich dass von ihm meist das Unerwartete kommt. Auch mit TRELLDOM hat er bereits Black Metal Geschichte geschrieben. Die im Jahr 1992 von Gaahl in Sunnfjord im Distrikt Vestland, gegründete Band veröffentlichte drei Jahre später ihr Debütalbum "Til evighet..." (1995), das in Underground Black Metal Kreisen großen Anklang fand. Das Nachfolgeralbum "Til et annet..." (1999) präsentierte den Gitarristen Valgard sowie Stian "Sir" Kårstad am Bass als Neuzugänge bei TRELLDOM und erreichte auch die "Mainstream-Medien" im Metal. Als Produzent zeichnete der legendäre Toningenieur Pytten in den Grieghallen Studios in Bergen verantwortlich. Pytten nahm ebenfalls den dritten Meilenstein "Til minne..." (2007) auf, der sowohl von Kritikern als auch von Fans hoch gelobt wurde. Einer der Schlüsselaspekte dieser ersten TRELLDOM-Trilogie lag darin, dass Gaahl in seiner eigenen Band die Möglichkeiten seiner Stimme frei von den strengen Regeln erforschen konnte, unter denen GORGOROTH operierte. Danach wurde es still um die Band, da sich alle beteiligten Musiker auf zahlreiche andere Projekte konzentrierten. Bei der Rückkehr bleibt die wichtige Zusammenarbeit mit Stian Kårstad das musikalische Herzstück der Band. Der größte Teil des Materials auf "...by the shadows..." stammt aus der Feder des Gitarristen. Andere Aspekte von TRELLDOM hat Espedal bewusst verändert. Die daraus resultierenden Effekte haben zu faszinierenden Resultaten geführt. Auf dem Hocker thront nun der renommierte Schlagzeuger Kenneth Kapstad, der neun Jahre lang bei MOTORPSYCHO war und aktuell auch bei SPIDERGAWD, MØSTER! und THORNS für den Rhythmus sorgt. Mit Kapstad stieß auch der international gefeierte Jazzmusiker und Saxophonist Kjetil Møster (MØSTER!, RÖYKSOPP, THE END) zur Besetzung. Die Einbeziehung von Møsters unorthodoxen Saxophon-Klängen ist ein erstes Indiz dafür, dass sich TRELLDOM nicht mehr durch eine enge Definition von Black Metal gebunden fühlen. Die Musik auf "...by the shadows..." ist zwar nach wie vor dunkel und harsch, und auch ihre Wurzeln in der schwarzen Vergangenheit bleiben erkennbar. Doch Espedal hat seine Band in eine weitaus komplexere Kreatur verwandelt und sie in einer avantgardistischen Dimension losgelassen - mit einem Sound, der manchmal sogar ins Experimentelle reicht. TRELLDOM sind erwacht und liefern mit "...by the shadows..." ein beherztes Manifest der künstlerischen Freiheit als starke Kampfansage an jegliche nostalgische Stagnation ab. Dieses Album fordert heraus: Love it or leave it!

Christian Schoppik aka Läuten der Seele brings his “Water” trilogy to a close with his new album ‘Die Reise zur Monsalwäsche’ (The Journey to Monsalwäsche) following up ‘Die Mariengrotte als Trinkwasseraufbereitungsanlage’ (2022, Hands in the Dark) and ‘Ertrunken im seichtesten Gewässer’ (2023, World of Echo).

This final instalment takes the listener on a sacred odyssey searching for the fulfilment of one's (or is it his own?) spiritual destiny, from beginning (‘Entschluss, Abschied & Aufbruch’ / ‘Decision, Farewell & Departure’) to end (‘Verirrung, Ankunft & Erlösung’ / ‘Losing Way, Arrival & Salvation’).

While the compositional technique of this opus still relies primarily on samples and altered audio-collages, each chapter of the trilogy was intentionally created from very different sources. The present collection is arguably less "experimental" than some of Läuten der Seele's previous works, as classical music takes center stage this time. However the mastery in crafting such magnificent and intriguing narratives sees the simplicity and emotional depth of these sonic mariages become the beauty of it all.

Schoppik remains consistent as ever in his creative explorations, and this release feels very much like a culmination of his past projects. “Die Reise zur Monsalwäsche” will probably come to be known as a standout entry in the German artist's music catalog, showcasing a new facet of his talent.

Im Jahr 1998 standen Alanis Morissette und Co-Produzent Glen Ballard vor der herausfordernden Aufgabe, ein Album zu kreieren, das dem riesigen Erfolg von "Jagged Little Pill" gerecht werden konnte. Doch die beeindruckende und vielfältige Mischung auf "Supposed Former Infatuation Junkie" lässt "Jagged" fast zahm erscheinen. Das Album bietet eine bunte Palette an Stilen und Themen und erfüllte die Aufgabe, Alanis' Ruf nach dem großen Durchbruch ihres ebütalbums zu festigen, mit Bravour.


Anlässlich des 25. Jubiläums des Albums bringt die neue 'Thank U Edition' eine 2LP-Wiederveröffentlichung mit neu gestalteten Artworks sowie eine digitale Deluxe-Edition heraus, die seltene B-Seiten und Demos enthält. Zu den Hits zählen „Thank U“, „Unsent“ und „That I Would Be Good“.




a a1. FRONT ROW [4:12]
[b] a2. BABA [4:28]
[c] a3. THANK U [4:17]
[d] a4. ARE YOU STILL MAD [4:03]
[e] b1. SYMPATHETIC CHARACTER [5:11]
[f] b2.. THAT I WOULD BE GOOD [4:16]
[g] b3. THE COUCH [5:23]
[h] b4. CAN’T NOT [4:35]
[i] c1. UR [3:30]
[j] c2. I WAS HOPING [3:49]
[k] c3. ONE [4:39]
[l] c4. WOULD NOT COME [4:04]
[m] d1. UNSENT [4:09]
[n] d2. SO PURE [2:50]
[o] d3. JOINING YOU [4:24]
[p] d4. HEART OF THE HOUSE [3:45]
[q] d5. YOUR CONGRATULATIONS [3:54]

[a] a1. FRONT ROW [4:12]
[b] a2. BABA [4:28]
[c] a3. THANK U [4:17]
[d] a4. ARE YOU STILL MAD [4:03]
[e] b1. SYMPATHETIC CHARACTER [5:11]
[f] b2.. THAT I WOULD BE GOOD [4:16]
[g] b3. THE COUCH [5:23]
[h] b4. CAN’T NOT [4:35]
[i] c1. UR [3:30]
[j] c2. I WAS HOPING [3:49]
[k] c3. ONE [4:39]
[l] c4. WOULD NOT COME [4:04]
[m] d1. UNSENT [4:09]
[n] d2. SO PURE [2:50]
[o] d3. JOINING YOU [4:24]
[p] d4. HEART OF THE HOUSE [3:45]
[q] d5. YOUR CONGRATULATIONS [3:54]

Im Jahr 1998 standen Alanis Morissette und Co-Produzent Glen Ballard vor der herausfordernden Aufgabe, ein Album zu kreieren, das dem riesigen Erfolg von "Jagged Little Pill" gerecht werden konnte. Doch die beeindruckende und vielfältige Mischung auf "Supposed Former Infatuation Junkie" lässt "Jagged" fast zahm erscheinen. Das Album bietet eine bunte Palette an Stilen und Themen und erfüllte die Aufgabe, Alanis' Ruf nach dem großen Durchbruch ihres ebütalbums zu festigen, mit Bravour.


Anlässlich des 25. Jubiläums des Albums bringt die neue 'Thank U Edition' eine 2LP-Wiederveröffentlichung mit neu gestalteten Artworks sowie eine digitale Deluxe-Edition heraus, die seltene B-Seiten und Demos enthält. Zu den Hits zählen „Thank U“, „Unsent“ und „That I Would Be Good“.




[a] a1. FRONT ROW [4:12]
[b] a2. BABA [4:28]
[c] a3. THANK U [4:17]
[d] a4. ARE YOU STILL MAD [4:03]
[e] b1. SYMPATHETIC CHARACTER [5:11]
[f] b2.. THAT I WOULD BE GOOD [4:16]
[g] b3. THE COUCH [5:23]
[h] b4. CAN’T NOT [4:35]
[i] c1. UR [3:30]
[j] c2. I WAS HOPING [3:49]
[k] c3. ONE [4:39]
[l] c4. WOULD NOT COME [4:04]
[m] d1. UNSENT [4:09]
[n] d2. SO PURE [2:50]
[o] d3. JOINING YOU [4:24]
[p] d4. HEART OF THE HOUSE [3:45]
[q] d5. YOUR CONGRATULATIONS [3:54]

Anciients teilten die Bühnen mit Bands von High on Fire und Goatwhore bis Boris und Lamb of God, und befanden sich mitten in einer Europatournee, als sie entdeckten, dass sie mit dem JUNO Award (dem kanadischen Grammy-Äquivalent) in der Kategorie Heavy Metal/Hard Rock ausgezeichnet wurden.

Nach acht Jahren Stille kehren Anciients mit neuen Besetzung und einem neuen Album zurück, das ihr härtestes, kopflastigstes und innigstes Werk genannt werden kann.

Fans, die auf gebeugten Knien auf weitere Griffbrett-Heldentaten gewartet haben, werden von Beyond the Reach of the Sun nicht enttäuscht sein. Die Leadsingle „Melt the Crown“ feuert gleich mehrere Gitarrensoli ab - Jedes von ihnen hat seine eigene Note, die von klagendem Folk über Südstaaten-Blues bis hin zu psychedelischem Prog reicht.

Natürlich haben Anciients auch keine Angst vor dem Headbangen. Nach einem Intro entpuppt sich „Cloak of the Vast and Black“ als ein wahres Riff-Monster.

Konzeptionell ist das Album ebenso heavy - Es erzählt die Geschichte einer Gesellschaft, die von Kräften aus einer anderen Dimension versklavt wird.

Anciients teilten die Bühnen mit Bands von High on Fire und Goatwhore bis Boris und Lamb of God, und befanden sich mitten in einer Europatournee, als sie entdeckten, dass sie mit dem JUNO Award (dem kanadischen Grammy-Äquivalent) in der Kategorie Heavy Metal/Hard Rock ausgezeichnet wurden.

Nach acht Jahren Stille kehren Anciients mit neuen Besetzung und einem neuen Album zurück, das ihr härtestes, kopflastigstes und innigstes Werk genannt werden kann.

Fans, die auf gebeugten Knien auf weitere Griffbrett-Heldentaten gewartet haben, werden von Beyond the Reach of the Sun nicht enttäuscht sein. Die Leadsingle „Melt the Crown“ feuert gleich mehrere Gitarrensoli ab - Jedes von ihnen hat seine eigene Note, die von klagendem Folk über Südstaaten-Blues bis hin zu psychedelischem Prog reicht.

Natürlich haben Anciients auch keine Angst vor dem Headbangen. Nach einem Intro entpuppt sich „Cloak of the Vast and Black“ als ein wahres Riff-Monster.

Konzeptionell ist das Album ebenso heavy - Es erzählt die Geschichte einer Gesellschaft, die von Kräften aus einer anderen Dimension versklavt wird.

Enumclaw aus Tacoma, WA, angeführt von Sänger/Songwriter Aramis Johnson, ist eine Bewegung von Menschen für Menschen. Mit ihrer neuen, zweiten LP „Home in Another Life“ ist Enumclaw mehr als nur eine Rockband. Stattdessen sind sie eine Gemeinschaft von Kreativen, Videofilmern, Fotografen, Schriftstellern, Kritikern und Skatern. Sie sind für die punkigen Kids in den Skateparks in jeder Stadt, für die Kids, die die Hähnchenstreifen im Supermarkt essen, ohne zu bezahlen, für die Kids, die vielleicht nicht in den Theatern und Amphitheatern anzutreffen sind, aber auf jeden Fall im Punk-Treffpunkt die Sau rauslassen. „Home in Another Life“ packt ein ganzes Leben voller Emotionen in seine elf Songs - Johnson gibt gleich beim Opener „I'm Scared I'll End Up All Alone“ den persönlichen Ton an, einem schwankenden, aber heftigen Auftaktsong, der sich an Bands wie Dinosaur Jr und Archers of Loaf orientiert, aber einen modernen Touch hat. Singles wie „Change“ und „Not Just Yet“ zeigen, dass sich die Fähigkeit der Band, Hooks zu schreiben, seit ihrem Debüt „Save the Baby“ aus dem Jahr 2022 komplett verbessert hat. „Would you want me to change?“ schreit Aramis über einem krachenden Riff von Gitarrist Nathan Cornell, während das aggressive Schlagzeug- und Bass-Duo Ladaniel Gibson und Eli Edwards bei „Not Just Yet“ zum Headbanging-Tempo des Songs beiträgt. Nach einem hektischen Tourneeplan mit Bands wie Nothing, Illuminati Hotties und Toro Y Moi gibt es bei Enumclaw keine Anzeichen für eine Verlangsamung ihres Non-Stop-Tempos. Von Anfang an waren sie stolz darauf, eine Band der Arbeiterklasse zu sein, die so viel wie möglich unterwegs ist und CDs an Merch-Tischen brennt, wenn es nötig ist. „Home in Another Life“ fängt diese Energie ein - es ist ein Soundtrack, den man verdammt laut aus dem Fenster einer Mittelklasse-Limousine oder durch die Wände des Wohnhauses des Nachbarn schmettern kann. Es ist ein Album, das darauf abzielt, sich mit dir zu verbinden - das ist die einzige Art und Weise, wie Enumclaw funktionieren.

Enumclaw aus Tacoma, WA, angeführt von Sänger/Songwriter Aramis Johnson, ist eine Bewegung von Menschen für Menschen. Mit ihrer neuen, zweiten LP „Home in Another Life“ ist Enumclaw mehr als nur eine Rockband. Stattdessen sind sie eine Gemeinschaft von Kreativen, Videofilmern, Fotografen, Schriftstellern, Kritikern und Skatern. Sie sind für die punkigen Kids in den Skateparks in jeder Stadt, für die Kids, die die Hähnchenstreifen im Supermarkt essen, ohne zu bezahlen, für die Kids, die vielleicht nicht in den Theatern und Amphitheatern anzutreffen sind, aber auf jeden Fall im Punk-Treffpunkt die Sau rauslassen. „Home in Another Life“ packt ein ganzes Leben voller Emotionen in seine elf Songs - Johnson gibt gleich beim Opener „I'm Scared I'll End Up All Alone“ den persönlichen Ton an, einem schwankenden, aber heftigen Auftaktsong, der sich an Bands wie Dinosaur Jr und Archers of Loaf orientiert, aber einen modernen Touch hat. Singles wie „Change“ und „Not Just Yet“ zeigen, dass sich die Fähigkeit der Band, Hooks zu schreiben, seit ihrem Debüt „Save the Baby“ aus dem Jahr 2022 komplett verbessert hat. „Would you want me to change?“ schreit Aramis über einem krachenden Riff von Gitarrist Nathan Cornell, während das aggressive Schlagzeug- und Bass-Duo Ladaniel Gibson und Eli Edwards bei „Not Just Yet“ zum Headbanging-Tempo des Songs beiträgt. Nach einem hektischen Tourneeplan mit Bands wie Nothing, Illuminati Hotties und Toro Y Moi gibt es bei Enumclaw keine Anzeichen für eine Verlangsamung ihres Non-Stop-Tempos. Von Anfang an waren sie stolz darauf, eine Band der Arbeiterklasse zu sein, die so viel wie möglich unterwegs ist und CDs an Merch-Tischen brennt, wenn es nötig ist. „Home in Another Life“ fängt diese Energie ein - es ist ein Soundtrack, den man verdammt laut aus dem Fenster einer Mittelklasse-Limousine oder durch die Wände des Wohnhauses des Nachbarn schmettern kann. Es ist ein Album, das darauf abzielt, sich mit dir zu verbinden - das ist die einzige Art und Weise, wie Enumclaw funktionieren.

Gilligan Moss - das aus Brooklyn stammende Duo, bestehend aus den Kindesfreunden Ben und Evan - ist mit seinem neuen Album “Speak Across Time” zurück auf ODESZA’s Foreign Family Collective!

Auf „Speaking Across Time“ kapselt jeder der zwölf Tracks des Albums persönliche Momente durch eine Linse der Zeitlosigkeit ein. 90er-Jahre-Rave, Old Country, 70er-Jahre-Soul, Honky-Tonk-Piano-House und sogar ein Sample des Dichters und langjährigen Mentors, David Mason, kollidieren unter Gilligan Moss' gekonnter Einbindung von Samples und moderner Tanzmusikproduktion.
Die Band arbeitete mit der bildenden Künstlerin, Orly Anan, in Mexiko-Stadt zusammen, um farbenfrohe Kostüme und Masken für das Single- und Album-Artwork zu kreieren. Das Kunstwerk ist eine Erkundung von Dualität, Spaltung, Zwillingsschaft und Zusammengehörigkeit. Orly war von entscheidender Bedeutung für diese Aufgabe.
Das Duo trat bereits auf namhaften Festivals wie Coachella, Pitchfork Paris und Electric Forest auf und spielte im Vorprogramm von u.a. Glass Animals, Toro Y Moi, Tourist, Chromeo, ODESZA, Elderbrook und vielen mehr.

Nach einer äußerst erfolgreichen Tournee mit einer Gruppe von New Yorker Musikern namens The Band Geeks im Jahr 2023 beschloss Jon Anderson, die kreative Partnerschaft mit der Band zu erweitern, um neues Material für ein mögliches neues Studioalbum zu schaffen. Das Ergebnis dieser Bemühungen ist "True".

Während seiner 39-jährigen Karriere in der Rock and Roll Hall of Fame als Leadsänger von YES galt Jon Anderson als einer der führenden Vertreter der Progressive-Rock-Bewegung. Alben wie das "YES"-Album, "Fragile", "Close to the Edge", "Tales of Topographic Oceans" und "90125" sind auch heute noch Klassiker. Während seiner Zeit bei YES veröffentlichte Jon mehrere Soloalben und Kollaborationen, von denen seine vier Alben mit dem griechischen Komponisten Vangelis besonders hervorzuheben sind, und auch nach seinem Ausstieg bei YES im Jahr 2008 veröffentlichte er Soloalben.

Das neue 9-Song-Album ist ein willkommenes Geschenk für alle Fans von Jons 40-jähriger Tätigkeit als Leadsänger der Band YES. Die Songs des Albums erinnern sowohl an den klassischen 70er-Jahre-Sound von YES als auch an ihren heutigen Erfolg mit dem Album "90125". Das Album wurde von Richie Castellano, dem Bassisten und musikalischen Leiter von Band Geek, mitproduziert, produziert und abgemischt. Das Herzstück des Albums ist der 16-einhalbminütige Titel Once Upon a Dream".

Das sechste Album von Still Corners heißt "Dream Talk". Wunderschön arrangiert, elegant und wehmütig, ist "Dream Talks" eine Sammlung von zehn sorgfältig gestalteten klassischen SC Songs. Vom herbstlichen Opener "Today is the Day" bis zum heißen Sommernachtsfinale von "Turquoise Moon" haben Still Corners einen Sound geschaffen, der fokussiert, stilvoll und verführerisch ist. Tessa Murray sagt: "Die Entstehung vieler dieser Songs geht auf Träume zurück. Jede Nacht habe ich die Träume, an die ich mich erinnern konnte, aufgeschrieben. Während der Aufnahmen holte ich mein Buch der Träume heraus und sang über verschiedene geloopte Phrasen, an denen Greg gearbeitet hatte. Die sich wiederholende Natur der Loops und des Gesangs fühlte sich fast wie eine Trance an. Viele der Songs sind aus diesem Prozess entstanden, es hat Spaß gemacht, und was ich für eine Art Geschwafel hielt, hat uns am Ende mit seinen verschiedenen Bedeutungen und Bildern überrascht." Schwarzes Vinyl kommt mit einem Download-Code, die CD ist ein Digipak.

Vinyl-Neuauflage zum 30-jährigen Jubiläum von 'Above The Rim (The Soundtrack)'. Dies ist das erste Mal, dass die komplette 21-Song-Trackliste auf Vinyl erhältlich sein wird. Alle bisherigen LP-Veröffentlichungen bestanden aus 18 Titeln. Sie wird auf doppeltem gelben Vinyl mit orangefarbenen und roten Spritzern erhältlich sein.

Bei seiner Erstveröffentlichung verkaufte sich 'Above The Rim (The Soundtrack)' über 2 Millionen Mal und hielt sich 10 Wochen in Folge auf Platz 1 der Billboard R&B Albums Chart. Der Soundtrack ist vollgepackt mit Songs von so namhaften Künstlern wie Tha Dogg Pound featuring Nate Dogg und Snoop Doggy Dogg, Dr. Dre, Warren G, DJ Quik und Al B. Sure! Zusätzlich enthält diese spezielle 30. Jubiläumsausgabe nun Tracks von 2Pac 'Pain' (feat. Stretch), Lord G 'Mi Monie Rite!' und 2Pac 'Loyal To The Game' (feat. Treach & Riddler).

- Ltd. Col. 2LP: (Yellow w. Red and Orange Splatter Vinyl)

Nur wenige Künstler sind so umstritten und einflussreich. New York-Legende R.A. The Rugged Man wird dieser Einordnung durch seine Kombination aus Authentizität, seines unbestreitbar wilden Lebens mit seinen unverkennbar außergewöhnlichen Fähigkeiten am Mikrophon gerecht. Schon in den Neunzigern, als er mit Notorious BIG, Sadat X und Company Flow aufnahm und zwischenzeitlich bei Jive gesigned war, wo sein Album jedoch nie veröffentlicht wurde, glaubte niemand mehr an eine erfolgreiche Karriere. Aufgrund seiner vielen Eskapaden war er aus sämtlichen Studios, Konzerthallen und Plattenfirmenbüros verbannt worden. Doch R.A. The Rugged Man blieb sich treu, veröffentlichte mehrere Underground-Singles und ein Album auf Rawkus, Eastern Conference und Nature Sounds und erhielt sich einen harten Kern an treuen Fans. Nun legt er mit "Legends Never Die" den Nachfolger zu "Die Rugged Man Die" vor. Mit dabei sind MCs wie Tech N9ne, Talib Kweli, Brother Ali, Masta Ace, Vinnie Paz (Jedi Mind Tricks), Sadat X, Bumpy Knuckles u.v.a. Für die Beats haben unter anderem Marco Polo, Buckwild, Apathy, Ayatollah und Mr. Green gesorgt.

Seit fast zwei Jahrzehnten streben American Aquarium nach der raren Form von Rock'n'Roll, die in jeder Hinsicht eine Offenbarung ist. "Für uns ist der
Punkt erreicht, an dem du eine Rockband hast, die dich dazu bringt, jedes Wort mitzuschreien, und erst, wenn du nachts um drei Uhr zu Bett gehst,
merkst du, dass diese Worte etwas Wahres über dein Leben aussagen", sagt Frontmann BJ Barham.
Auf ihrem neuen Album The Fear of Standing Still verkörpert die aus North Carolina stammende Band diese Dynamik mit größerer Intensität als je
zuvor, indem sie ihre düstere Art von Country-Rock mit Barhams bisher mutigstem und prägnantestem Songwriting verbindet.
The Fear of Standing Still ist die zweite Zusammenarbeit von American Aquarium mit dem Produzenten Shooter Jennings - einem dreifachen
Grammy-Gewinner, der auch für die Produktion des Albums Lamentations aus dem Jahr 2020 sowie für Alben von Brandi Carlile und Tanya Tucker
verantwortlich war.

Das mit Spannung erwartete WE STILL DON'T TRUST YOU ist das nächste Kapitel einer explosiven Kampagne. Sie feiert die historische Partnerschaft zweier kulturverändernder Legenden, die auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte agieren, und zementiert ihr Vermächtnis als Hip-Hop-Pioniere. Wie bei seinem Vorgänger ist das Who's Who ihrer Kollaborateure vertreten und hebt die kultigste Rapper-Produzenten-Partnerschaft in eine ganz neue Stratosphäre.

Seit mehr als zwei Jahrzehnten verfolgen Dr. Dog ihre Hingabe an die Alchemie des Musikmachens. Als es an der Zeit war, ihr elftes Studioalbum aufzunehmen, wählte die aus Philadelphia stammende Band einen vielschichtigen Prozess aus, der eine tiefere Synergie zwischen den fünf Mitgliedern (Bassist Toby Leaman, Lead-Gitarrist Scott McMicken, Rhythmusgitarrist Frank McElroy, Keyboarder Zach Miller und Schlagzeuger Eric Slick) erforderte. Diese Reise begann mit einer gemeinsamen Session in einer Hütte in den Wäldern von Pennsylvania, von wo aus Dr. Dog sich nach und nach ihren Weg zu dem fröhlich-unbefangenen Psych-Rock ihrer neuen, selbstbetitelten LP bahnten. McMicken übernahm bei "Dr. Dog" zum ersten Mal in der Geschichte der ausgesprochen egalitären Band das Ruder als Produzent, abgemischt wurde das Album vom mehrfachen Grammy-Gewinner Matt Ross-Spang (Jason Isbell, Drive-By Truckers). Getreu dem eklektischen Geist, der die Band schon immer beseelt hat, wechseln die 11 Tracks auf "Dr. Dog" von Soul über Surf-Rock bis hin zu symphonischem Pop mit einer Ausgelassenheit, die durch die wiederbelebte kreative Energie beflügelt wurde. Ihr erstes komplettes Album seit "Critical Equation" von 2018 zeigt Dr. Dog als eine Band, die noch immer, nach über zwanzig Jahren ihrer Karriere, zusammenwächst und sich weiterentwickelt.

„Drifts and Surfaces“ ist ein dreiteiliges Set, wobei jedes Werk aus Auftragsarbeiten hervorgeht und durch gemeinsame Themen vereint wird: der Fluss zwischen ephemerer Bewegung und alltäglichem Stillstand, das Paradoxon von außergewöhnlicher und alltäglicher Schönheit und der Ehrgeiz und Müßiggang, der das Leben im 21. Jahrhundert ausmacht Saxl nutzt weiterhin kammermusikalische Ensembles neben analogen Synthesizern und digitalen Experimenten und vertieft sich dabei in strukturelle Emotionen und die lebendigen Details kleiner Handlungen. Während ihre bahnbrechende LP „The Blue of Distance“ (2021) Feld-Aufnahmen aus den Adirondacks und dem Lake Superior verarbeitete, stammt Saxls Quellenmaterial hier vor allem aus Live-Percussion und anderen Instrumenten. Das Projekt begann 2018 im Brooklyner Stadtteil Red Hook in dem Proberaum, den sich Saxls Band mit dem Percussion-Trio Tigue teilt. Später im selben Jahr spielten sie gemeinsam eine Residency und nahmen das Stück auf. 2021 begann sie ein neues Auftragswerk mit Third Coast Percussion aus Chicago. Der Titel „Drifts“ bezieht sich auf den Roman von Kate Zambreno aus dem Jahr 2020, in dem die Protagonistin von der Arbeit von Chantal Ackerman fasziniert ist, die die typisch weiblichen, unsichtbaren Formen der häuslichen Arbeit als ebenso wertvoll darstellt wie Tätigkeiten, die gemeinhin als produktiv angesehen werden. Saxl stellt „Drifts“ im Geiste dieser feministischen These auf: „Es fühlt sich an, als gäbe es hier eine kleine Reihe von Frauen, die diese Idee erforschen und kleine Aktionen feiern, von denen ich hoffe, dass ich deren Arbeit fortsetze.“ Das letzte Stück, „Surfaces“, wurde vom Guggenheim Museum in Verbindung mit der Alex Katz-Retrospektive im Jahr 2022 in Auftrag gegeben. Die Gruppe - bestehend aus Henry Solomon am Baritonsaxophon, Robby Bowen am Glasmarimbaphon und Saxl - lehnt sich an leichte, nachdenkliche Töne an, die von der Gegenwartsbezogenheit des bahnbrechenden Malers inspiriert sind. Katz' Arbeit beschäftigt sich mit der optischen Wahrnehmung von „schnell vergehenden Dingen“, wie der Liminalität der Dämmerung, wenn die Umrisse eines Objekts beginnen, undeutlich zu werden. „Die Art und Weise, in der sich unsere Wahrnehmung der Dinge verändert, nicht weil sie sich verändern, sondern weil wir uns verändern“, erklärt Saxl. „Ich wollte, dass sich diese wirklich kleinen Veränderungen dramatisch anfühlen, um die imaginäre Bewegung in seinen Gemälden widerzuspiegeln.“ Tritt man zurück, um „Surfaces“ innerhalb des Sets zu betrachten, findet Saxl den Strom, der sich durch die gesamte Arbeit zieht, das Konzept des Selbst als Teil von etwas Größerem. „Katz‘ Darstellung mehrerer Generationen von New Yorker Künstlern hat mich dazu inspiriert, darüber nachzudenken, dass es kein individuelles ‘Ich' als Künstler gibt, ohne die Künstler, die vor mir kamen, und die Gemeinschaft der Künstler, mit denen ich zusammengewachsen bin. Die Grenzen zwischen uns verschwimmen, und ich habe das Gefühl, dass ich auf einer verwobenen Oberfläche getragen werde, die von der Gemeinschaft um mich herum gebildet wird. Gleichzeitig weiß ich aber auch, dass ich mich irgendwann nach innen wenden und allein hinausschwimmen muss.“

2024 Repress

In the midst of House music's burgeoning scene in 1986 Chicago, a young local DJ named Jonathan Gilbert, known as Scrappy, seized a golden opportunity to showcase his skills at the renowned Medusa's Club's video room. It was in 1987, one fateful night, when the main DJ failed to show up, that Gilbert stepped in, securing a residency at one of the city's hottest spots. As the year progressed, Gilbert ventured into music production, teaming up with The Boxx Boys--Jim Marcus and Van Christie, notable for their later formation of the iconic group Die Warzau. Their collaboration birthed the legendary acid house anthem from Chicago, "Freeze," which Gilbert released under his Zap Records label in 1988, solidifying his place in Chicago's music history. The track became a timeless favorite, and is often featured in Jerome Derradji's sets. With Scrappy's gracious consent, we have the privilege of reissuing this seminal track, along with delving into his archives to uncover previously unreleased gems and alternate versions from his Atlantic Records era around 1990. For a brief period, Scrappy rode the waves of Chicago's house scene with his distinctive flair before bidding farewell to pursue new horizons in California. Presented for the first time on Still Music, "Acid House + Medusa's - Chicago, 1987-1992" invites listeners on a journey through the vibrant tapestry of late-eighties Chicago House. DJing, indulgence, romance, and the pulsating beats of acid house defined Scrappy's era, and fortunately, he left behind a legacy of unforgettable house tunes, emblematic of the city's unparalleled musical spirit. This limited edition DLP release, accompanied by an insert detailing the captivating tale of one of Chicago's unsung talents, ensures that Scrappy's story and his contribution to the era remain etched in musical history.

2024 Reissue

Acht Jahre lagen zwischen "Dem Feuer Der Gaben" und "Desintegration" , aber die Band ist nicht komplett zu Asche verbrannt, sondern steigt aus dieser erneuert empor. Ein bisschen Glut leuchtete immer still und heimlich im Dunkel der Vergangenheit vor sich hin. Entstanden ist gleich ein ganzes Album, das seine Reise im Jahr 1989 beginnt und seine Hörer im Hier und Jetzt wieder ausspuckt. Ein Album, das seinen Ausgangspunkt in eben jenem Jahr nimmt, in dem nicht nur die Mauer fiel und das sogenannte Ende der Geschichte ausgerufen wurde, sondern auch Disintegration von The Cure erschien. Siebert, selbst im Osten der Republik groß geworden, und schon immer von westlicher New-Wave und Postpunk-beeinflusster Popmusik begeistert, blickt in der Echokammer der Gegenwart zurück in die Zeit der großen Versprechen, die schon damals unerfüllt im Hallraum der Toms und den monotonen Basslinen im Disconebelnirvana verschwanden. Versprechen auch einer Befreiung, die in einem ideologiekritischen Sinne vielleicht immer schon hohl waren, heute jedoch ferner scheinen denn je. Folgerichtig nennen Klez.e ihr viertes Album Desintegration, Auflösung, Zerfall. Womöglich kein Zufall. CD und LP wieder regulär erhältlich!

Im Januar wurde bekannt, dass Thom Yorke den Soundtrack für Daniele Luchettis Film "Confidenza“ komponiert hat, eine Adaption des italienischen Dramas, das auf dem gleichnamigen Roman von Domenico Starnone basiert. Der Film feierte seine Premiere auf dem Internationalen Filmfestival in Rotterdam und wird am 24. April in die italienischen Kinos kommen. Produziert wurde der Film von Indiana Production und Vision Distribution, der Vertrieb erfolgt durch Vision Distribution. Erscheinen wird der Soundtrack am 26. April zuerst digital. Am 12. Juli folgt die Veröffentlichung auf Vinyl und CD. Schon heute erscheint das Musikvideo zur Single "Knife Edge" mit Elio Germano und Federica Rosellini in den Hauptrollen, das eine neu geschnittene Sequenz aus dem Film sowie einen B-Seiten-Track mit dem Titel "Prize Giving" enthält. Der Intro-Track "The Big City" wurde von Yorke im Februar in seiner Playlist für BBC 6 angeteasert.

"Confidenza“ folgt auf Yorkes vorherigen Score zum "Suspiria“-Remake. Dafür erhielt Yorke eine GRAMMY-Nominierung für den besten Song für visuelle Medien erhielt. Produziert von Sam Petts-Davies (Suspiria, The Smile Wall Of Eyes), arbeiten Petts-Davies und Yorke bei "Confidenza“ erneut mit dem London Contemporary Orchestra und einem Jazz-Ensemble zusammen, zu dem auch Robert Stillman und sein Bandkollege von The Smile, Tom Skinner, gehören. 2019 steuerte Yorke Musik zu Edward Nortons "Motherless Brooklyn“ bei und 2022 schrieb er zwei Songs für das Serienfinale von "Peaky Blinders“.

Zuletzt war Yorke mit The Smile (Tom Skinner, Jonny Greenwood, Thom Yorke) auf Tour, die im Januar ihr zweites Studioalbum "Wall Of Eyes“ veröffentlichten,
das auf das 2022 erschienene Debütalbum "A Light For Attracting Attention“ folgt.

Driven by lust-fueled limerence and drifting far from conformity, Butterflies Don't Go Away captures Majesty Crush's transient, yet subversive mark on the landscape of American shoegaze to come. Tracked between 1991-1995, the quartet reimagined the collapse of the American rust belt as a late-night, nail biting fever dream/revenge fantasy. This deluxe 2xLP compiles their Love 15 album, singles, EPs, and rarities, all remastered from the original tapes, with thorough annotation and visual documentation in a 24-page booklet. An immortal transcendence if there ever was one.

Im Januar wurde bekannt, dass Thom Yorke den Soundtrack für Daniele Luchettis Film "Confidenza“ komponiert hat, eine Adaption des italienischen Dramas, das auf dem gleichnamigen Roman von Domenico Starnone basiert. Der Film feierte seine Premiere auf dem Internationalen Filmfestival in Rotterdam und wird am 24. April in die italienischen Kinos kommen. Produziert wurde der Film von Indiana Production und Vision Distribution, der Vertrieb erfolgt durch Vision Distribution. Erscheinen wird der Soundtrack am 26. April zuerst digital. Am 12. Juli folgt die Veröffentlichung auf Vinyl und CD. Schon heute erscheint das Musikvideo zur Single "Knife Edge" mit Elio Germano und Federica Rosellini in den Hauptrollen, das eine neu geschnittene Sequenz aus dem Film sowie einen B-Seiten-Track mit dem Titel "Prize Giving" enthält. Der Intro-Track "The Big City" wurde von Yorke im Februar in seiner Playlist für BBC 6 angeteasert.

"Confidenza“ folgt auf Yorkes vorherigen Score zum "Suspiria“-Remake. Dafür erhielt Yorke eine GRAMMY-Nominierung für den besten Song für visuelle Medien erhielt. Produziert von Sam Petts-Davies (Suspiria, The Smile Wall Of Eyes), arbeiten Petts-Davies und Yorke bei "Confidenza“ erneut mit dem London Contemporary Orchestra und einem Jazz-Ensemble zusammen, zu dem auch Robert Stillman und sein Bandkollege von The Smile, Tom Skinner, gehören. 2019 steuerte Yorke Musik zu Edward Nortons "Motherless Brooklyn“ bei und 2022 schrieb er zwei Songs für das Serienfinale von "Peaky Blinders“.

Zuletzt war Yorke mit The Smile (Tom Skinner, Jonny Greenwood, Thom Yorke) auf Tour, die im Januar ihr zweites Studioalbum "Wall Of Eyes“ veröffentlichten,
das auf das 2022 erschienene Debütalbum "A Light For Attracting Attention“ folgt.

South of Here, das vierte Studioalbum von Nathaniel Rateliff & The Night Sweats, verarbeitet ein ganzes Leben voller Schmerz und Trauma und verwandelt es in eine mitreißende und seelenverwandte Betrachtung von Liebe, Verlust, Hoffnung und Entschlossenheit. Nach And It’s Still Alright, Rateliffs geliebter Solo-LP aus dem Jahr 2020, und The Future, der gefeierten Veröffentlichung von The Night Sweats aus dem Jahr 2021, vereint das neue Album beide Seiten seines immensen Talents: emotional starkes, lebendiges Storytelling und den rauen R&B-Revivalismus, der die Band in den letzten zehn Jahren zu weltweitem Erfolg geführt hat.

South of Here, das vierte Studioalbum von Nathaniel Rateliff & The Night Sweats, verarbeitet ein ganzes Leben voller Schmerz und Trauma und verwandelt es in eine mitreißende und seelenverwandte Betrachtung von Liebe, Verlust, Hoffnung und Entschlossenheit. Nach And It’s Still Alright, Rateliffs geliebter Solo-LP aus dem Jahr 2020, und The Future, der gefeierten Veröffentlichung von The Night Sweats aus dem Jahr 2021, vereint das neue Album beide Seiten seines immensen Talents: emotional starkes, lebendiges Storytelling und den rauen R&B-Revivalismus, der die Band in den letzten zehn Jahren zu weltweitem Erfolg geführt hat.

LP im Klappcover! Es war der Abstand - der zeitliche, räumliche und methodische - der Mac DeMarco zu "This Old Dog", dem ersten Longplayer seit "Salad Days" von 2014, inspirierte. Mit einer Handvoll Demos in der Tasche, die er in New York geschrieben hatte, zog er von Queens nach Los Angeles und realisierte nach ein paar Monaten in der neuen Heimat, dass dieser Abstand ihm neue Perspektiven eröffnete. Mac DeMarco sagt: "I demoed a full album, and as I was moving to the West Coast I thought I'd get to finishing it quick. But then I realized that moving to a new city, and starting a new life takes time. Usually I just write, record, and put it out; no problem. But this time, I wrote them and they sat. When that happens, you really get to know the songs. It was a different vibe." Mit dem Poppen und Klicken der CR-78 und dem akustischen Geklimper des Album-Opener "My Old Man" sowie dem von Synthesizern durchzogenen zweiten Song "This Old Dog" wird schnell klar, dass Mac DeMarco diesmal tief in die Trickkiste gegriffen hat. Auf "This Old Dog" sind die Synthesizer stärker verwurzelt als auf seinen bisherigen Releases, aber trotzdem achtet DeMarco sorgfältig darauf, dass diese den Rest der Instrumente und den "unplugged"-Eindruck des Albums nicht überschatten. Oder wie er erklärt: "This is my acoustic album, but it's not really an acoustic album at all. That's just what it feels like, mostly. I'm Italian, so I guess this is an Italian rock record." ENG Gatefold LP! This Old Dog by Mac DeMarco (A.K.A. 26-year old McBriare Samuel Lanyon DeMarco) is his third album and first full-length since 2014's Salad Days. The album opener "My Old Man" and title track "This Old Dog" show a new sonic direction and a glimpse into the very personal nature of this record. It was a little space-in time, location (he moved from Queens to Los Angeles), and method-that inspired DeMarco while making This Old Dog. Arriving in California with a grip of demos he'd written in New York, he realized after a few months of setting up his new shop that the gap was giving him perspective. DeMarco says, "I demoed a full album, and as I was moving to the West Coast I thought I'd get to finishing it quickly. But then I realized that moving to a new city, and starting a new life takes time. Usually I just write, record, and put it out; no problem. But this time, I wrote them and they sat. When that happens, you really get to know the songs. It was a different vibe." DeMarco wrote some demos for "This Old Dog" on an acoustic guitar, an eye-opening method for him. "The majority of this album is acoustic guitar, synthesizer, some drum machine, and one song is electric guitar. So this is a new thing for me." And right from the offset, from the pops and clicks of the CR-78 and acoustic strums on the album-opening "My Old Man," and the synth-drenched beauty of the second track, "This Old Dog," it's clear that DeMarco's bag is filled with new tricks indeed. This Old Dog is rooted more in a synth-base than any of his previous releases, but he is careful not to let that tactic overshadow the other instruments and overall "unplugged" mood of the work. "This is my acoustic album, but it's not really an acoustic album at all. That's just what it feels like, mostly. I'm Italian, so I guess this is an Italian rock record."

Rich Ruth, das Projekt des Multi-Instrumentalisten Michael Ruth aus Nashville, macht ganz und gar eindringliche Instrumentalstücke, die zwischen fröhlich-abenteuerlich und beruhigend-meditativ changieren. Seine Musik beginnt in der Einsamkeit mit hypnotisierenden Loops und Drones als Grundlage für die Arrangements, die schließlich von einer eklektischen Gruppe von Mitwirkenden eingefärbt werden. Die daraus resultierenden
Erkundungskompositionen, die spirituellen Jazz, synthiegetränkten Post-Rock und kosmischen Ambient vereinen, sind oft betörend, schweben aber immer mit einer spürbaren Unmittelbarkeit.

Sein neues Album Water Still Flows ist sowohl sein schwerstes als auch sein kathartischstes. Mit sieben Songs ist die LP sowohl ein Dokument eines Künstlers, der die Grenzen seines Prozesses auslotet, als auch ein Beweis dafür, wie Songwriting eine persönlich erdende Kraft sein kann.

In den letzten zehn Jahren hat sich DANIEL DAVIES zu einem gefeierten Komponisten atmosphärischer, synthielastiger Instrumentalmusik entwickelt - für Film- und Fernseh-Musik, an der Seite von JOHN CARPENTER auf den "Lost Themes"-Alben des Regisseurs und auf Solo-Veröffentlichungen wie "Signals And Spies". In seinem früheren musikalischen Leben war DAVIES jedoch ein Rocker, der mit Bands wie YEAR LONG DISASTER und KARMA TO BURN durch die ganze Welt tourte. Mit seinem neuen Solo-Album "Ghost Of The Heart" kehrt DAVIES zu dem Alt-Rock-Sound zurück, den er vorübergehend beiseite gelegt hatte, und ergänzt ihn mit dem, was er beim Produzieren von Soundtracks und Instrumentalmusik gelernt hat. "Ein Rockalbum zu schreiben ist ein Ausdruck der Gefühle des Künstlers, während es bei der Vertonung eines Films darum geht, Klanglandschaften zu schaffen, die die Geschichte eines anderen ergänzen", sagt DAVIES. "Bei diesem Album wollte ich die schweren Gitarrenriffs aus meiner Rockzeit mit den atmosphärischen Synthesizerklängen verbinden, mit denen ich als Komponist experimentiert habe." Die Songs auf "Ghost Of The Heart" lassen sich nicht in ein bestimmtes Subgenre einordnen: Sie sind stimmungsvoll, schwer und ein wenig proggig, aber mit einer starken Pop-Sensibilität und viel Melodie. Das Album verrät DAVIES' Vorliebe für eingängige, zukunftsweisende Bands wie RADIOHEAD und BLUR, aber vor allem fühlt sich "Ghost Of The Heart" natürlich an, so als würde er etwas Grundlegendes über sich selbst als Musiker wiederfinden. DAVIES nahm "Ghost Of The Heart" im Laufe des Jahres 2023 mit dem Produzenten John Spiker auf, seinem langjährigen Freund und Mitarbeiter. Spiker steuert auch den Bass bei, während Matt Flynn Schlagzeug spielt. Alles andere auf der Platte wird von DAVIES selbst eingespielt.

Die kalifornische Rockband The Story So Far meldet sich mit ihrem fünften Album zurück. Mit "I Want to Disappear" ist das erste Album seit 2018
angekündigt.

AC/DC feiern mit Limited GOLD NUGGET Vinyls ihr 50-jähriges Jubiläum! Die LP kam 2000 auf den Markt und bei ihrer Entstehung kam es zu einer Familienzusammenführung: Seit über zehn Jahren war Angus' und Malcolms jüngerer Bruder George wieder als Produzent am Start. Das Albumcover zeigt eine Bronzestatue von Angus. Diese Figur ging auch mit auf Tour - in einer 12 Meter hohen Version!

Schwarz, Grau und Silber dreigeteiltes Farb-Vinyl. Trotz der großen Aufmerksamkeit, die ihrem Durchbruchsalbum "Tramp" zuteil wurde, kehrte Sharon Van Etten ins Studio zurück, bereit und gewillt, eine neue Richtung einzuschlagen, tiefer zu gehen und ehrlicher und vulgärer denn je zu schreiben. Das Ergebnis dieser Bemühungen war "Are We There", ein selbstproduziertes Album von außergewöhnlicher Intimität, erhabener Genialität und immenser Kraft. "Are We There" wird dieses Jahr zehn Jahre alt und erweist sich erneut als eine ihrer kraftvollsten und zeitlosesten Sammlungen. Von den ersten Akkorden des ersten Songs "Afraid of Nothing' an ist klar, dass wir Zeugen eines neuen Bewusstseins sind. Van Etten in voller Fahrt schreibt, produziert und performt von einem Ort, der fast mythisch erscheint, wäre er nicht so greifbar und real. Stets direkt und selbst vor den persönlich schmerzhaftesten Erzählungen nicht zurückschreckend, handeln viele der Songs von scheinbar unmöglichen Entscheidungen, Vorfreude und dann Auflösung. Sie singt von der Natur des Begehrens, der Erinnerung, des Verlorenseins, der Leere, von Versprechen und Loyalität, von Angst und Veränderung, von Heilung und dem wahren Selbst, von Gewalt und Zuflucht, vom Warten, von Stille. Die Künstlerin, die mit einer solchen Stimme spricht, fordert uns auf zuzugreifen und tiefer zu gehen. Auf diese Weise bleiben die Fragen des Lebens lebendig, so nah und beständig wie der Atem. Inmitten all dieser wahrhaft brutalen Ehrlichkeit findet Van Etten Momente der Leichtigkeit. "Every Time the Sun Comes Up" hebt das Album am Ende an, vervollständigt die Welt, in die sie uns einlässt, und stellt uns sanft auf das ein, was folgen mag. Seitdem ist es zu einem unauslöschlichen Bestandteil von Van Ettens Live-Shows geworden. Es ist schon genug, seine Musik zu leben, ohne auch noch die Rolle des Produzenten zu übernehmen, aber Van Etten wusste, dass es an der Zeit war, ein Album zu machen, das ganz nach ihren eigenen Bedingungen entstand. Gleichzeitig erkannte Van Etten, dass dies nicht bedeutete, dass sie es alleine machen musste, und sie stellte eine geliebte, jetzt gefeierte Gemeinschaft zusammen, um ihre Vision zum Leben zu erwecken. Für die Aufnahmen fand Van Etten in dem erfahrenen Musikproduzenten Stewart Lerman einen verwandten Geist. Lermans Studioexpertise gab Van Etten die Freiheit, "Are We There" so zu machen, wie sie es sich vorstellte. Van Etten nutzte auch die individuellen Talente ihrer Band, bestehend aus Heather Woods Broderick, Doug Keith und Zeke Hutchins, und holte ihre Freunde Dave Hartley und Adam Granduciel von The War on Drugs, Jonathan Meiberg (Shearwater), Jana Hunter (Lower Dens), Peter Broderick, Mackenzie Scott (Torres), Stuart Bogie, Jacob C. Morris und Mickey Freeze hinzu. Der unvergleichliche Richard Swift arbeitete mit Van Etten am Endmix. Man könnte den Strom abschalten, alle Instrumente entfernen, und Sharons Stimme und Worte würden bleiben. Sie sind heute noch so kraftvoll wie vor zehn Jahren und sie werden sicher noch viele Jahre überdauern.

Norwegian Grammy-Winning rock band Seigmen are back with a new album called "Resonans". Ask yourself the question: How many bands have maintained the same lineup throughout a career spanning over three decades? Just count and see how far you get. Seigmen is and remains Alex, Sverre, Noralf, Kim, and Marius. Seigmen's new album Resonans echoes the essence of a longstanding friendship. A strong bond among five guys who found each other through music, learned to play instruments, and express themselves together. They solidified their friendship through muddy and sour tones from the rehearsal room on the old submarine quay, down into a basement in the city center, out to a barn outside the city, up on the heights near the old library, down into the mountain beneath the same hill, and back to a rehearsal container at the old shipyard. Always tied to their home town, Tonsberg in Norway. Resonans is the reverberation of endless evening rehearsals, weekends with "lefse" and freshly ground coffee in thermoses, and syncopations. Smiles, conversations, and gossip. The hard, precise, and long-term work. Love and art. Resonans is guts and integrity, demonstrating the uncompromising nature that Seigmen has always represented.

Limited purple vinyl. Norwegian Grammy-Winning rock band Seigmen are back with a new album called "Resonans". Ask yourself the question: How many bands have maintained the same lineup throughout a career spanning over three decades? Just count and see how far you get. Seigmen is and remains Alex, Sverre, Noralf, Kim, and Marius. Seigmen's new album Resonans echoes the essence of a longstanding friendship. A strong bond among five guys who found each other through music, learned to play instruments, and express themselves together. They solidified their friendship through muddy and sour tones from the rehearsal room on the old submarine quay, down into a basement in the city center, out to a barn outside the city, up on the heights near the old library, down into the mountain beneath the same hill, and back to a rehearsal container at the old shipyard. Always tied to their home town, Tonsberg in Norway. Resonans is the reverberation of endless evening rehearsals, weekends with "lefse" and freshly ground coffee in thermoses, and syncopations. Smiles, conversations, and gossip. The hard, precise, and long-term work. Love and art. Resonans is guts and integrity, demonstrating the uncompromising nature that Seigmen has always represented.

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Limited purple vinyl. Norwegian Grammy-Winning rock band Seigmen are back with a new album called "Resonans". Ask yourself the question: How many bands have maintained the same lineup throughout a career spanning over three decades? Just count and see how far you get. Seigmen is and remains Alex, Sverre, Noralf, Kim, and Marius. Seigmen's new album Resonans echoes the essence of a longstanding friendship. A strong bond among five guys who found each other through music, learned to play instruments, and express themselves together. They solidified their friendship through muddy and sour tones from the rehearsal room on the old submarine quay, down into a basement in the city center, out to a barn outside the city, up on the heights near the old library, down into the mountain beneath the same hill, and back to a rehearsal container at the old shipyard. Always tied to their home town, Tonsberg in Norway. Resonans is the reverberation of endless evening rehearsals, weekends with "lefse" and freshly ground coffee in thermoses, and syncopations. Smiles, conversations, and gossip. The hard, precise, and long-term work. Love and art. Resonans is guts and integrity, demonstrating the uncompromising nature that Seigmen has always represented.

Eine Platte zu machen ist beides: Musik, die als Momentaufnahme festgehalten wird, und gleichzeitig eine Dokumentation des Zeitraums, in dem die Lieder entstanden sind. Wenn man dieser Dokumentation und dem Zeitrahmen einen Namen geben möchte (wie einem Albumtitel), stellt sich die Frage: Was ist seit der letzten Aufnahme passiert - auf persönlicher, sozialer und vielen anderen Ebenen? Was hat sich verändert? Oder ging es einfach nur um "mehr" vom Gleichen: in immer kürzerer Zeit zig Dinge parallel erledigen, optimieren, wiederholen? Entwickeln sich diese Dinge in die Richtungen, in die sie sich entwickeln sollten? Schreitet der Fortschritt überhaupt voran? Oder geht es einfach nur darum, das zu tun, was wir schon vorher getan haben - nur schneller, effizienter? Der Ausdruck "L'inertie polaire" (fast 35 Jahre alt) erklärt nicht alles, was in der Welt vor sich geht, aber eine, ziemlich unangenehme, Menge_ 3 Jahre nach Extract.Transform.Debase veröffentlichen The Antikaroshi ihr 6. Album, das inhaltlich direkt an den Vorgänger anknüpft. Das Trio setzt genau dort an, wo es aufgehört hat: Lieder, die sich Zeit nehmen, die atmen um dann im nächsten Moment hektisch zu lärmen! Die Lautstärke ist immer ein Mittel zum Zweck und das Spiel mit ihr ein Markenzeichen von The Antikaroshi. Während Drums und Bass die Grundlage bilden, aber trotzdem immer wieder bekannte Muster durchbrechen, ist die Gitarre hypnotisch und forschend. Die Vocals wechseln zwischen rezitativem und melodiösem Ausdruck und geben der Musik genügend Raum. So bilden The Antikaroshi die Welt ab, die sie umgibt: Hektik und Stillstand schließen einander nicht aus, sondern sind kulturelle Pole zwischen denen sich Gesellschaft entfaltet. Und so wird ihre Musik politisch: Während eine Handvoll superreicher Menschen bereits Abschied von diesem Planeten nimmt (Lost In Compassion), läuft die Medienmaschine geölt wie ein Uhrwerk und hat gelernt, schlechte Nachrichten als gute zu verkaufen (Shiny White Teeth). Kriege werden zu Friedensmissionen (Authority) und das Ergebnis rechtfertigt allzu oft die Mittel (Gravity), wenn es darum geht, der eigenen Schwerkraft zu trotzen. Sogar Seen stehen inzwischen zum Verkauf (Thousand Lakes) und alle verfügbaren Mittel werden genutzt (Sticky Hands). Die Menschen schwanken zwischen gegensätzlichen Sichtweisen, handeln gegen ihren Verstand und viel zu oft auch gegen ihr Herz (Doxa). Was lässt sich dem entgegensetzen? Solidarität und metaphorisch die Wölfe zu vertreiben (Homohominilupus). Und natürlich der kollektive Protest (Tang Ping).

Luka Kuplowskys Stimme ist ein Paradoxon - manchmal klingt sie zu leise, um eingefangen zu werden, als würde sie sich in Rauch auflösen, und im nächsten Moment ist sie so groß wie der Himmel. Es ist eine Stimme, die das Ohr beugt, um zuzuhören, und deren Musik einen einzigartigen Raum für poetische Sprache und improvisatorische Verspieltheit schafft. In den vier Jahren nach "Stardust" von 2020, einem reichhaltigen, jenseitigen Album mit Pop- und Jazzromantik, hat Kuplowsky den Umfang seiner Kreativität durch eine Reihe von Singles und Kollaborationen, die sich mit Ambient-Elektronik, Avant-Pop und psychedelischer Tropicalia befassen, still und leise erweitert. Auf seiner neuen Doppel-LP "How Can I Possibly Sleep When There Is Music" erweitert Kuplowsky sein Interesse an Improvisations-Ensembles und Live-Aufnahmen. Die siebenköpfige Band (Alex Lukashevsky, Anh Phung, Evan Cartwright, Felicity Williams, Josh Cole und Phillipe Melanson) schafft einen einzigartigen Sound aus Weite, Experimentierfreude und ungezügelter Ausdruckskraft, der Traditionen von Jazz, Folk und Blues durchquert. Konzipiert als eine Platte von Adaptionen und Antworten "auf ein Jahrtausend Poesie", vereint das Album die Poesie von Ryōkan Taigu, Bohdan Ihor Antonych, Maria Rainer Rilke, Yosana Akiko, Du Fu, Jalāl ad-Dīn Muhammad Rūmī, W.W.E Ross, Li Bai und La Fontaine und stellt sie in ein dynamisches Umfeld ekstatischen und fantasievollen Ausdrucks. Die neue LP wurde von dem bekannten Produzenten und Songwriter Sandro Perri aus Toronto produziert und vereint internationale literarische und musikalische Einflüsse mit hyperlokalen Toronto-Touchstones zu einem wunderschönen, ausufernden Album voller meditativer und freilaufender Klangabenteuer. In seiner Heimatstadt Toronto ist Kuplowsky nach wie vor ein aktives Mitglied der Jazzund Songwriter-Gemeinschaft. Er organisiert und spielt regelmäßig mit der eklektischen Tribute-Gruppe The Holy Oak Family Singers und arbeitet mit Ian Daniel Kehoe in ihrem Avant-Pop-Duo Ingredient".

2024 reissue of Thomas Bückers debut album as Bersarin Quartett, originally released in 2008 on Lidar.

With some albums, you realize within a few seconds that here you have come across something really special. It is music that touches you straight away. Music that is important, that has a story to tell – and that manages to do so without even a single line of lyrics.

Wonderful orchestral pieces full of longing and melancholy. It is that certain kind of melancholy that seizes you when you are moved while following the final credits of an emotionally touching movie, remembering special moments that have faded in the course of many years and linger hazily in your memory, when you are somewhat wistfully contemplating old, worn photographs from days passed by … not a feeling of failure or hopelessness, but a bittersweet reflection.

Orchestral cinemascope sounds provide the emotionally moving fundament, wrap the tracks up in a warm coating. Graceful strings pile up, creating big moments and repeatedly ending inmelodies that are simply heart-rending, cinematic and tragic. But the Bersarin Quartett does not merely rely on these ingredients. The songs are also repeatedly interspersed with suspenseful and surprising elements, be it frail electronica, hypnotic soundscapes, drums or reverbed guitars. Rarely has amelange sounded as convincing and natural as this, and rarely has it sounded so well produced.

Thomas himself calls his music “imaginary fictional filmscores“. And it is hardly possible to come up with a more apt term. 10 tracks for 10 movies that have yet to be shot. Music that radiates such an enormous and authentic passion in every single minute, that one can’t help but completely abandon oneself to it. And honestly: Can there be anything more wonderful that can be achieved through music?