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If Punk culture and Aesthetics have a poet, it’s undoubtedly KŌ MACHIDA. Eleven years after his 1981 masterpiece “Inu”, the Artist—now a celebrated writer and distinguished professor—repeats that success with this album, updating its sound for the modern era with the support of the band Kitazawagumi. Here, the power and expressiveness of the music perfectly elevate the weight and meaning of his words. Reissued for the first time with meticulously retranslated English lyrics included, this is a chance to share a universal literary and musical masterpiece with the world.

Originally released in 1985 on Japan Records this is CHIKO HIGE’s second solo effort. Hige digs deep in the No-Wave idiom to come out with a powerful, hypnotic sound trip full of hyper-cinetic grooves, clipping guitars and twisting saxophones. A snapshot of controlled chaos that still sounds relevant today!

“Dance Till You Die” a loud and clear order and warning from one of the most uncompromising Japanese Post-Punk bands of the early 80’s. A raw, esoteric yet infectiously groovy gem for all No-Wave freaks out there!

Originally released on CD-R, then on tape, and now reissued on vinyl, »Juvenile Rock« comes as an essential collection of unreleased recordings from the legendary post-punk band Dendö Marionette. An entire double album full of demos, studio experiments, and live performances. An essential document from the 1980s Japanese underground.

Following over 450+million streams on his debut album, explosive global audience growth, widespread support on radio and multiple viral moments, 'Speak' is announced alongside a 14 date European tour. Blending the raw emotion of classic soul and jazz with forward-thinking alt-R&B influences - from Frank Ocean & Prince to Dijon & Mk.gee - Sam delivers a lush, timeless sound which feels both nostalgic and addictively fresh.

Limited orange vinyl. A bombastic closure fi lled with energetic thrills delivered by the mighty Ring Van Möbius! Oh, wait..! Didn't they just vanish from the face of the earth? You're absolutely right, Prog Head! However; they had one last full-length album up their sleeves - a sparkling fresh and vital conclusion, filled with three lengthy compositions to wrap up their legacy. "Being able to now close this chapter with such a huge sparkling concept album feels terrific and quite satisfying. We really do feel that the inspiring playfulness during these spontaneous recording sessions shines through. Obviously, it's important to us to end this journey while sounding on top of our game, while still having fun!" the band says in a most humble comment, "A tremendous finale, directly from the analog Spectral Tape Studio".

Perhaps it was a cold winter day or a warm summer night in Finland - but it was around 2010. Someone came up with an idea to combine bluegrass, Finnish folk and rock/metal music. The outcome was and has since been Steve 'n' Seagulls. The kind of band you've never heard before but you do want to hear again. Hailing from Finland in Northern Europe - this flock of musical energy keeps on going and flying faster than ever. In 2025, the sun will lay its rays on the long-awaited fifth Steve 'n' Seagulls album - The Dark Side of the Moo! Recorded and produced with the same crew as the previous one, Steve 'n' Seagulls have again found and torn down the limits of progressive bluegrass and newgrass. The album combines elements from genres that are hard to imagine together. Yet they meet and shake hands like old friends. Steve 'n' Seagulls' originals and some re-arranged classics form yet another interesting musical soup ready to be served on their The Dark Side of the Moo -tour around Europe in 2025.

Im Jahr 2025 veröffentlicht Richard Galliano sein legendäres Album „Viaggio“ bei BMG neu, das ursprünglich 1993 bei Dreyfus Jazz erschien. Eine zeitlose musikalische Reise voller Poesie und Emotionen,
die einen Wendepunkt in der Karriere dieses international bekannten Künstlers markierte.
BMG freut sich, dieses remasterte Juwel präsentieren zu dürfen, angereichert mit bisher unveröffentlichten
Bonusmaterial, das Fans und Neueinsteiger gleichermaßen begeistern wird. „Neues Viaggio“ oder „neue
Reise“: Diese Worte klingen wie ein fernes Echo, eine Einladung, in die Vergangenheit zu reisen und erneut
in die einzigartige Atmosphäre dieses mythischen Albums einzutauchen. Wer hat nicht schon einmal von
Zeitreisen geträumt, davon, kostbare Momente noch einmal zu erleben? Mit der Neuauflage von „Viaggio“
wird dieser Traum Wirklichkeit.
„Als ich die Aufnahmen der Studiosessions wiederentdeckte, empfand ich eine tiefe Emotion, eine Mischung
aus Freude und Nostalgie. Die Präsenz von Pierre Michelot und Charles Bellonzi, diesen außergewöhnlichen Musikern, die uns verlassen haben, ist spürbar. Pierre, Miles Davis’ Kontrabassist (Ascenseur pour
l’échafaud), und Charles, „Lolo“, Nougaros Schlagzeuger (Tu verras), bildeten mit ihrer umwerfenden Sensibilität eine Rhythmusgruppe von seltener Eleganz. Und last but not least war Biréli Lagrène, virtuoser
Gitarrist und langjähriger Freund, immer bei uns und verlieh dem Ensemble eine atemberaubende Magie.
Ich freue mich sehr, diese neue Version von

D: Zaho de Sagazan und die fünfzig Musiker des Orchestre National de Lyon haben sich zusammengetan,
um ein einzigartiges Meisterwerk zu schaffen: „La symphonie des éclairs (Orchestral Odyssey)“.
Ein symphonisches Album in vier Sätzen und sechzehn Liedern, dass die Tür zu einem ganz neuen Horizont
öffnet. Eine eindringliche Stimme, die zwischen Schreien und Flüstern wechselt, eine transzendente Partitur,
ein beispielloser Wirbelwind der Emotionen... Von intim bis grandios – das ist das Versprechen dieser Reise.
Erhältlich ist „La Symphonie des éclairs“ als 2LP und CD.
F:
Zaho de Sagazan et les cinquante musiciens de l’Orchestre National de Lyon unissent leurs forces pour
créer un chef-d’œuvre exceptionnel : « La Symphonie des éclairs (Orchestral Odyssey) ».
Un album symphonique en quatre mouvements et seize chansons qui ouvre de nouveaux horizons sonores
et emmène l’auditeur dans un voyage unique.
Les chansons sont issues de l’album studio, mais ont été entièrement réenregistrées avec l’orchestre, dé-
ployant ainsi une puissance et une dimension qui leur sont propres.
Une voix pleine d’intensité, oscillant entre murmure et cri, portée par une partition bouleversante – un
tourbillon d’émotions insoupçonnées.
De l’intimité à la grandeur majestueuse, cette œuvre promet une expérience inoubliable.
”La Symphonie des Eclairs” est disponible en vinyle (2LP) et CD.

„Farewell, Angelina“ ist das sechste Studioalbum der Folk-Ikone Joan Baez. Es wurde 1965 veröffentlicht,
erreichte Platz 10 der Billboard 200 und enthält traditionelle Folk-Klassiker sowie Songs von Bob Dylan,
Woody Guthrie, Pete Seeger und vielen anderen. Das Magazin No Depression lobte das Album als „die
vielleicht klangvollste Folk-Platte aller Zeiten“. Es wurde mit Hilfe des Lackschnitt-Verfahrens auf 180-
Gramm-Vinyl gepresst und befindet sich in einer Tip-On-Hülle. „Farewell, Angelina“ ist ab dem 3. Oktober
2025 überall erhältlich.

"In association with Back Lot Music, Waxwork Records is thrilled to release M3GAN 2.0 Original Motion Picture Soundtrack by Chris Bacon.The murderous doll who captivated pop culture in 2023 is back.

And this time she’s not alone. Two years after M3gan, a marvel of artificial intelligence, went rogue and embarked on a murderous (and impeccably choreographed) rampage and was subsequently destroyed, M3gan’s creator Gemma (Allison Williams) has become a high-profile author and advocate for government oversight of A.I. Meanwhile, Gemma’s niece Cady (Violet McGraw), now 14, has become a teenager, rebelling against Gemma’s overprotective rules.

Unbeknownst to them, the underlying tech for M3gan has been stolen and misused by a powerful defense contractor to create a military-grade weapon known as Amelia (Ivanna Sakhno; Ahsoka, Pacific Rim: Uprising), the ultimate killer infiltration spy. But as Amelia’s self-awareness increases, she becomes decidedly less interested in taking orders from humans. Or in keeping them around.

RedIsh Vinyl Edition of Skratch Practice 2 by Dj T-Kut! Dj T-Kut presents Volume 2 of SKRATCH PRACTICE, a very complete vinyl for scratch practices, two vinyl will come out one of 12 "and another of 7", in the 12" you can find several Skip Proofs at 133 BPM to be able to play with the ultrapich of the plate, very used right now in scratch practices, 2 beats perfect for practicing scratch, drum kits and bass line and on the B side you will find several skip proof at 100 BPM, 1 beat for practice scratch and 2 powerful basses perfect for playing with them. Also from this version will be a 7" vinyl for portables in which you can find 6 skip proof of 133 BPM for Side A and 6 skip proof of 100 BPM for Face B. These vinyls are designed so that you can flow as soon as you put them on the plate! Tracklisting Side A: 1. 133 BPM. Skip Proof. Skratch Samples. Beats Groove. Drums. Bass Tone. Side B: 1. 100 BPM. Skip Proof. Skratch Samples. Beats Groove. Drums. Bass Tone.

Wer seine 50-jährige Karriere verfolgt hat, kennt Vernon Reid als Künstler, der in allen Farben malt. Je nachdem, in welche Ära man eintaucht und welches Album auf dem Plattenteller liegt, findet man den New Yorker Universalgelehrten zwischen Jazz, Metal, Punk, Funk, Electronica und Hip-Hop pendelnd. Und das alles mit so vielseitigen Kollaborateuren wie Mick Jagger oder Public Enemy. Ein Künstler im Wandel und doch eine feste Größe, auf dessen Aussagen man bauen kann. “Hoodoo Telemetry”, sagt der 66-jährige über sein Werk, “ist wie ein Stück meines Geistes. Ich habe eine ganze Weile gebraucht, um mit diesem Album zu beginnen. Diese Songs kommen aus unterschiedlichen Zeiten und Lebenssituationen. Einige Songs sind ganz neu, andere sind aus älteren Ideen, die ich wieder aufgegriffen habe, entstanden.
Plötzlich fand ich den Fokus und mir war klar das ich jetzt mit der Arbeit an diesem neuen Album anfangen muss.

Mit „From Dust to Darkness“ liefert Sparzanza ihr bisher heaviestes, düsterstes und ambitioniertestes Album ab. Die Band ist bekannt für ihre knallharten Riffs, unvergesslichen Refrains und gnadenlosen Live-Shows. Sie tourte durch ganz Europa und hat sich in Finnland, Deutschland, Großbritannien und darüber hinaus eine Kult-Anhängerschaft aufgebaut. Mit Millionen von Streams, ausverkauften Venues und einer treuen Fangemeinde, die sie sich über zwei Jahrzehnte hinweg aufgebaut haben, wird ihre Rückkehr nicht nur erwartet, sondern geradezu gefordert.

Davide & Emily form the duo "The Jackson Pollock", delivering an explosive blend of lo-fi and garage music that creates a sound far greater than the sum of its parts. Emily sounds like a cannon blast when she strikes her 22âÇ3 ride cymbal with full force, while simultaneously cursing the spirit with mermaid-like melodies. Davide alternates between guitar and bass, bringing distorted, bluesy tones to life. "What we do is very energetic, free, and positive, because we want to encourage people to have the courage to do what they truly want - to be themselves and fearless - as human and as animal - while avoiding any kind of schema, external structures, definitions, and imposed references."

The Principle of Evil Made Flesh ist das Debütalbum der englischen Extreme-Metal-Band Cradle of Filth. Der Sound ist deutlich rauer als der spätere Stil der Band, und Dani Filth hatte noch nicht die Stimme gefunden, die er auf zukünftigen Aufnahmen verwenden würde. Einige von Principles Tracks wurden später für V Empire und Bitter Suites to Succubi neu aufgenommen.

Although it had a very troubled birth, all detailed in the liner notes included with those different versions here, CRADLE OF FILTH almost-album-length 1996 EP V Empire, Or Dark Faerytales In Phallustein proved to be a superb triumph over adversity.

Despite all their legal problems, line-up changes and insane pressure after the gigantic success of their debut album, the Brits nevertheless managed to write and record a slab of new even grander songs, next to a new version of the already classic ‘The Forest Whispers My Name’, some would argue even bettering their debut in the process.

Another undeniable 90s symphonic black metal masterpiece, available again for the first time officially since 2017!

Although it had a very troubled birth, all detailed in the liner notes included with those different versions here, CRADLE OF FILTH almost-album-length 1996 EP V Empire, Or Dark Faerytales In Phallustein proved to be a superb triumph over adversity.

Despite all their legal problems, line-up changes and insane pressure after the gigantic success of their debut album, the Brits nevertheless managed to write and record a slab of new even grander songs, next to a new version of the already classic ‘The Forest Whispers My Name’, some would argue even bettering their debut in the process.

Another undeniable 90s symphonic black metal masterpiece, available again for the first time officially since 2017!

Although it had a very troubled birth, all detailed in the liner notes included with those different versions here, CRADLE OF FILTH almost-album-length 1996 EP V Empire, Or Dark Faerytales In Phallustein proved to be a superb triumph over adversity.

Despite all their legal problems, line-up changes and insane pressure after the gigantic success of their debut album, the Brits nevertheless managed to write and record a slab of new even grander songs, next to a new version of the already classic ‘The Forest Whispers My Name’, some would argue even bettering their debut in the process.

Another undeniable 90s symphonic black metal masterpiece, available again for the first time officially since 2017!

The Principle of Evil Made Flesh ist das Debütalbum der englischen Extreme-Metal-Band Cradle of Filth. Der Sound ist deutlich rauer als der spätere Stil der Band, und Dani Filth hatte noch nicht die Stimme gefunden, die er auf zukünftigen Aufnahmen verwenden würde. Einige von Principles Tracks wurden später für V Empire und Bitter Suites to Succubi neu aufgenommen.

The Principle of Evil Made Flesh ist das Debütalbum der englischen Extreme-Metal-Band Cradle of Filth. Der Sound ist deutlich rauer als der spätere Stil der Band, und Dani Filth hatte noch nicht die Stimme gefunden, die er auf zukünftigen Aufnahmen verwenden würde. Einige von Principles Tracks wurden später für V Empire und Bitter Suites to Succubi neu aufgenommen.

Vinyl AudiophilAls Pavlov's Dog im vergangenen Jahr die Veröffentlichung des karriereübergreifenden Boxsets Essential Recordings 1974 - 2018 feierten, arbeitete die Band bereits hart an einem neuen Album mit Originalmaterial. Dieses Album, genannt Wonderlust, ist 2025 erschienen. Und das ein halbes Jahrhundert, nachdem ihre Debüt-LP Pampered Menial und der darauf enthaltene Hit „Julia“ Pavlov's Dog kurzzeitig zu den Lieblingen der Progressive-Rock-Szene der 1970er Jahre machte. Das neue Album ist ein äußerst kreatives Werk mit Songs, die auf intelligentem Songwriting, erstklassiger Musikalität und einem untrüglichen Gespür für das Dramatische aufbauen, das den Sound der Band über all die Jahre geprägt hat.

Pavlov‘s Dog wurde Anfang der 1970er Jahre in St. Louis, Missouri, gegründet und erlangte mit seiner einzigartigen Mischung aus Rock, Klassik und Folk Kultstatus. Ihr damaliger Erfolg war jedoch nur von kurzer Dauer: Bereits 1977 löste sich die Originalbesetzung auf. Leadsänger, Gitarrist und Hauptkomponist David Surkamp machte weiter und schloss sich 1990 mit seinem Gründungsmitglied Doug Rayburn zusammen, um das Album Lost in America aufzunehmen. Doch das zweite Kapitel in der Karriere von Pavlov Dog kam erst nach der Jahrtausendwende so richtig in Schwung, als eine talentierte Gruppe von Musikern der nächsten Generation das Erbe weiterführte. Unter der Leitung von Surkamp hat sich die Band in den letzten Jahren weiterentwickelt. Eine neue Welle des Interesses an Prog-Rock ermöglicht es ihr, regelmäßig zu touren. Die aktuelle Besetzung hat die ursprüngliche Version von Pavlov's Dog in puncto Langlebigkeit inzwischen weit übertroffen: Sängerin Sara Surkamp, Geigerin Abbie Steiling, Bassist Rick Steiling und Keyboarder Mark Maher bilden zusammen mit dem Gründer David Surkamp seit sieben Jahren den Kern der Band.

Bereits auf dem gefeierten Album Prodigal Dreamer aus dem Jahr 2018 vertreten, beweist dieses erfahrene Team von Musikern – mit Unterstützung von u.a. Schlagzeuger Steve Bunck und Gitarristen Phil Ring – nun auf Wonderlust einmal mehr sein Können. Schon beim ersten Hören sind die große Tiefe, Reife und Vision der elf Tracks spürbar. Einige Songs, wie der Opener „Anyway There's Snow“, bei dem Abbie Steilings wunderschöne Geige im Vordergrund steht, glänzen durch große Dramatik. Das von Streichern durchtränkte „Another Blood Moon“ ist ein weiteres Beispiel der für Pavlov’s Dog typischen, musikalischen Melancholie. Auf einem Album voller eindringlicher Gesangsperformances erreicht Surkamp hier wohl seinen Höhepunkt.

Dennoch sollte man nicht vergessen, dass Pavlov's Dog in erster Linie eine Rockband ist. Stücke wie das treibende „Mona“ und das knallharte „Collingwood Hotel“ treffen ins Schwarze. „Jet Black Cadillac“ klingt wie der Titel einer klassischen Rock'n'Roll-Nummer, doch der Song beginnt wehmütig. (Seien wir ehrlich: Pavlov's Dog klingt fast immer zumindest ein bisschen wehmütig.) Doch sobald der titelgebende Cadillac im Refrain auftaucht, erhebt sich der Song und das Traumauto fungiert als Mittel zur Flucht vor dem Blues. Hinzu kommen der freche Charme von „Solid Water, Liquid Sky“ und die Hardrock-Anleihen von „Can't Stop The Hurt“.

Besonders langjährige Fans, die mehr von dem wollen, was typischerweise „Prog“ ausmacht, können sich über die zweite Hälfte des Albums freuen. Auf dem von Abbie Steiling geschriebenen, instrumentalen Prunkstück „Calling Sigfried“ entfesselt die Band kurzerhand ihre gesamte musikalische Brillanz. Das Album schließt mit einem Trio von Songs, die Surkamp gemeinsam mit seinem früheren Songwriting-Partner, dem inzwischen verstorbenen Doug Rayburn, geschrieben hat. Von diesen verströmt vor allem „Canadian Rain” die abenteuerlichen Vibes des Progressive Rock der 1970er-Jahre mit zahlreichen Tempowechseln und einem elektrischen Slap-Bass-Solo wie aus heiterem Himmel.

Auf Wonderlust klingen Pavlov's Dog wie die Veteranen, die sie sind; diese Musiker sind schon lange genug dabei, um zu wissen, was sie tun. Doch gleichzeitig beweisen sie, dass ihre kreative Quelle immer noch sprudelt. Das langersehnte Wonderlust ist ein Album voller geschickt eingespielter, vollständig realisierter Rockmusik, bei dem Surkamp zeigt, dass er stimmlich keineswegs nachgelassen hat und, dass ein alter Hund doch ein paar neue Tricks lernen kann.

Gute Musik wie diese wird nie aus der Mode kommen.

2026 Repress

This one has been in the works for some time and PDD, in conjunction with Armada Music & BEAT Music Fund, are delighted to announce the return to vinyl for KMS. And what better way to kick things off again with this powerful 4 tracker, gathering some of the most in demand and genre defying tracks from the E-Dancer vaults for the first time on one EP.

Label owner Kevin Saunderson aka The Elevator, is largely credited as one of Detroit Techno’s founding fathers goes by many names, with the E-Dancer signature reserved for his more underground Detroit explorations, which in turn have influenced and spawned many new genres.

Almost 4 decades on, Saunderson remains as relevant as a DJ and producer today, testament to the fact that regardless of the production moniker, no one does it better. This collection of hi-octane floor fillers signals KMS are back with a bang and to ensure the best possible sound for the vinyl, the audio has been lovingly remastered by AIR Studios and their team of celebrated engineers, fully utilising their mastering knowledge.

Wenn Sie von Hillsborough, North Carolina, auf der 1-85 nach Norden fahren und die Ausfahrt zur 58 East nehmen, erreichen Sie in fünfzehn Minuten Diamond Grove, ein kleines, nicht eingemeindetes Gebiet im Brunswick County, Virginia, am Meherrin River. Für die meisten Besucher gibt es dort nicht viel zu sehen - für Lebensmittel müssen Sie nach Lawrenceville und für Baumaterial nach South Hill fahren. Doch versteckt in diesem Fleckchen Virginia-Piedmont liegen die Überreste einer Milchfarm aus den 1740er Jahren, deren Haupthaus ein wunderschönes altes Gebäude mit zwei Etagen ist, das noch immer mit Seilbetten und allem Drum und Dran ausgestattet ist. Wenn man heute dorthin fährt, hört man in der Ferne Geräusche von jemandem, der in den vermieteten Nebengebäuden Sojabohnen und Baumwolle verarbeitet, von landwirtschaftlichen Reifen, die über Schotterstraßen knirschen, von quakenden Fröschen und von singenden Meisen: chick-a-dee, chick-a-dee. Aber wenn Sie zufällig im September 2023 vorbeigekommen sind, konnten Sie vielleicht Fiddle-Melodien hören, die von den Kiefern widerhallen, BBS-Geräusche in leeren Räumen und die Klänge von Weirs, die ihr zweites Album und ihr Debüt bei Dear Life Records aufnahmen: Diamond Grove. Weirs ist ein experimentelles Kollektiv, das aus der Musikszene im Zentrum von North Carolina hervorgegangen ist und zu gleichen Teilen aus Oldtime-Folk und DIY-Noise besteht. Die Auftritte von Weirs sind hierarchielos und umfassen zwischen zwei und zwölf Personen. Im September 2023 reisten neun von ihnen die US-58 hinauf, um sich im Wohn- und Esszimmer des Hauptgebäudes einer Milchfarm einzufinden, die noch immer im Besitz der Familie des Bandmitglieds und Organisators Oliver Child-Lanning ist, deren Verwandte seit Jahrhunderten dort leben. Die Besetzung von Weirs - weder endgültig noch besonders wertvoll - umfasst Child-Lanning, Justin Morris und Libby Rodenbough (seine Mitstreiter bei Sluice); Evan Morgan, Courtney Werner und Mike DeVito von Magic Tuber Stringband; sowie die treuen Andy McLeod, Alli Rogers und Oriana Messer, die bis tief in die Spätsommernächte spielten. Das Ergebnis sind die neun Tracks von Diamond Grove, aufgenommen mit einer provisorischen Signalkette, die aus geliehenem Equipment der gesamten Community zusammengestellt wurde. Das Weirs-Projekt begann als Tape-Experimente mit traditionellen Melodien, die Child-Lanning im Winter 2019 unter dem Namen Pluviöse aufgenommen hatte. Daraus entstand das erste Weirs-Album Prepare to Meet God, das im Juli 2020 in Eigenregie veröffentlicht wurde und eine Zusammenarbeit zwischen Child-Lanning und Morris während der COVID-Pandemie war. Die seltsamen Umstände dieses Debüts - eine gemeinschaftliche Tradition von Live-Songs, die isoliert voneinander aufgenommen wurden - werden durch Diamond Grove aufgehoben, ein Album, das in der unwiederholbaren Konvergenz von Menschen, Ort und Zeit verwurzelt ist. Auf dem neuen Album setzen Weirs ihre Suche nach dem besten Weg fort, sogenannte ,traditionelle" Musik weiterzuentwickeln, zu bewahren und zu befreien. Sie sind Songfänger, die Melodien sammeln, die kurz vor dem Vergessen stehen. Ihr wildes, Jahrhunderte umspannendes Repertoire klingt wie eine avantgardistische Jam-Session - eine Art Real Book für eine Szene, die sich mit Porch Jams, Big Blood, Amps for Christ und Jean Ritchie auskennt. Weirs fangen Songs ein, deren Interpretationskanon noch offen genug ist, um neben denen zu stehen, die sie zuvor gesungen haben, aber niemals über ihnen. Dies sind keine Versuche, definitive Versionen zu schaffen. Die Aufnahmen auf Diamond Grove fühlen sich eher wie Besuche als wie Überarbeitungen an. Und die Frage, die Weirs auf diesem Album stellen, ist nicht, wie sie einfach die Tradition ihrer Vorfahren fortsetzen können, sondern wie traditionelle Musik heute klingen könnte. Für Weirs könnte die Geschichte dieser Tradition weniger aus dem Folk-Revival stammen als aus der Musique concrète, weniger aus makellosen alten Meisteraufnahmen als aus etwas wie The Shadow Ring, wenn diese aus dem evangelikalen Süden kämen. Wenn man ,(A Still, Small Voice)" hört, spürt man, wie die Kraft der Hymne etwas Gleichwertigem weicht: den Dielen, dem Knistern des Feuers, dem Zubereiten und Essen von Mahlzeiten. Diese Spannung zwischen Bewahrung und Verfall ist das innere Leuchten von Diamond Grove. Nehmen wir ,Doxology l": Die Melodie von ,Old Hundred", einer Hymne aus der Sacred-Harp-Tradition, wird in MIDI umgewandelt, über iPhone-Lautsprecher abgespielt und in der Septemberluft neu aufgenommen. Für manche Revivalisten mag diese Hymne, gesungen mit der ganzen Pracht gefälschter Auto-Tune-Stimmen, blasphemisch klingen. Aber Ohren, die beispielsweise auf die Hyperpop-Produktionen der letzten Jahrzehnte eingestellt sind, werden sofort die spannungsgeladene Schönheit des digital verfremdeten Shape-Note-Gesangs verstehen. Dieselbe Spannung belebt ,l Want to Die Easy". Weirs' Version basiert auf der Aufnahme von A Golden Ring of Gospel, die in der Folkways-Sammlung Sharon Mountain Harmony verewigt ist. Die Melodien, Texte und Strukturen sind weitgehend unverändert geblieben. Aber die ,reine" Klarheit der Stimmen der frühen Aufnahme ist verschwunden. An ihre Stelle tritt der distanzierte Klang des Silos der Milchfarm, in dem Weirs ihre Version aufgenommen hat, dessen natürlicher Nachhall von zwei Sekunden die ursprüngliche Nähe ersetzt. Auf diese Weise wird der Klang des Aufnahmeortes selbst zu einem Teil der traditionellen Darbietung. Das Herzstück von Diamond Grove ist Weirs' Interpretation von ,Lord Bateman", einer Melodie, die Jean Ritchie als ,große Ballade" bezeichnete: Sie wurde gespielt, wenn die Arbeit getan war und der Tanzabend zu Ende war. Es ist ein Lied aus dem 18. Jahrhundert - so alt wie die Diamond Grove Farm - über einen gefangenen Abenteurer, der laut Nic Jones den Geist eines Errol-Flynn-Films verkörpert. Wie viele großartige und oft a cappella gesungene Interpretationen steht auch bei diesem ,Lord Bateman" die Stimme im Vordergrund und unterstreicht die Bedeutung des Geschichtenerzählens für das Zusammenkommen der Kinder. Neu ist hier der immense Bordun, der die Erzählung in ein unaufhörliches Gewebe elementarer Kräfte verwandelt. Es ist ein verschwommenes Murmeln kollektiver Saiten, das den Kanon von Ritchie und June Tabor ebenso bereichert wie Pelt's Ayahuasca oder Henry Flynt's Hillbilly Tape Music. Obwohl Diamond Grove nicht explizit von der alten Milchfarm handelt, auf der es aufgenommen wurde, kann es nicht umhin, ihr zu ähneln. Alte englische Balladen wie ,Lord Bateman" und ,Lord Randall" ergießen sich über Felder, die einst von der britischen Krone ,vergeben" wurden. Tragische Lieder wie ,Edward" taumeln über Tuscarora-Pfade und Baumwollfelder nach dem Bürgerkrieg. Hymnen wie ,Everlasting l" und ,Everlasting Il" fangen das Mondlicht ein, das seit Lord Bacons Rebellion durch doppelt gehängte Fenster fällt. Und die Nachtvögel trillern noch immer, und die Pflüge pflügen noch immer eine unkomponierte Musik, die darauf wartet, von zufälligen Ohren entdeckt zu werden. Diamond Grove ist in dieser Hinsicht Geschichte. Es ist ein Ort. Es ist Zeit. Es ist das Einfangen von Liedern, Lebendigkeit, Tonbandmanipulation. Wie der niedrige Damm, den das Wort ,Weir" andeutet, ist es eine Verteidigung gegen die Strömung. Es ist eine Verteidigung regionaler Lexika gegen massenproduzierte Umgangssprachen; eine Verteidigung gegen den Glauben, dass wir einfach zu einer einfacheren Zeit zurückkehren können; eine Verteidigung gegen die Vorstellung, dass Volksmusik ,rein" bleiben muss; eine Verteidigung gegen die Behauptung, dass ein Traum von der Zukunft, der in verlorenen Geschichten schlummert, unwiederbringlich verloren ist. Gegen all das verteidigt Diamond Grove traditionelle Musik, indem es sie so klingen lässt, wie die Komplexität der heutigen Zeit - weil es weiß, dass solche Musik und all die Geschichten, die in ihr stecken, auch in Zukunft eine Rolle spielen werden.

Splatter Vinyl, Bedruckte Innenhüllen, Download Code Limitiert auf 500 Exemplare Da sind sie wieder. Was zuvor geschah: Christian Lindner wurde durch WAUMIAU und ihrem Song "Lindner Jugend" in den politischen Ruhestand geschickt, aber sonst ist die Welt in den letzten zwei Jahren nicht besser geworden. Also starten WAUMIAU mit ihrem neuen Album GOOD VIBES ONLY einen neuen Versuch, die Arschlöcher der Welt zu stopfen. Denn Bad Vibes gibt es dank Elon Musk, Superreiche, Faschos, Karneval und allgemeine Personenkontrolle viel zu viel. GOOD VIBES ONLY wird die Welt wahrscheinlich nicht verändern, aber auch nicht schlimmer machen - und damit leisten die 12 Songs schonmal mehr als die oberen 10 % unserer Welt. Es darf wieder ausgekotzt werden. WAUMIAU hauen immer noch Parolen raus, sind immer noch dagegen, servieren immer noch mit Sample-Schnipsel und sind eigentlich immer noch nur ein kleines Nebenprojekt ohne große Zukunft. Was dabei rauskommen soll? GOOD VIBES ONLY.

featuring newly unplugged versions of five classic tracks ‘Cast No Shadow’, ‘Morning Glory’, ‘Wonderwall’, ‘Acquiesce’ and ‘Champagne Supernova’, all newly mixed by Noel Gallagher. Initial qtys could be reduced, but you’d like to think that they will press enough stock for demand.






f B3. Untitled (Remastered)






[f] B3. [Untitled] (Remastered)






[f] B3. [Untitled] (Remastered)

featuring newly unplugged versions of five classic tracks ‘Cast No Shadow’, ‘Morning Glory’, ‘Wonderwall’, ‘Acquiesce’ and ‘Champagne Supernova’, all newly mixed by Noel Gallagher. Initial qtys could be reduced, but you’d like to think that they will press enough stock for demand.






f B3. Untitled (Remastered)






f B3. Untitled (Remastered)






[f] B3. [Untitled] (Remastered)






[f] B3. [Untitled] (Remastered)






[f] B3. [Untitled] (Remastered)

The Rhythm Makers's Soul On Your Side is flawless proto-disco funk. The Bronx-based band - that later went on to form heavyweight disco outfit GQ - originally released this treasure in 1976 and it's long been a hard to find record. It's also rare to find a record this hard. Captivating funk at its rawest, no doubt.

Storming out the gate with the rollicking Loft/Garage staple "Can You Feel It (Part 1)", the listener is immediately put on notice that this LP is just a little bit special. The title track, "Soul On Your Side", is a classic dancer and the basis of GQ's future hit "Disco Nights". But it's perhaps "Zone", a huge Baldelli track, that the record is best known for. Hypnotic psyched-out cosmic-disco / cosmic funk, it's an unrelenting groove that really thrusts the party into hyperdrive. With doses of scintillating Latin and pulsating African rhythms driving the pumping tune, atop an unstoppable bassline and imaginative, soul-slathered keyboard figures, it's basically a full-on funk assault. You might need a lie-down after this.

But there's no let-up on the B-Side, immediately grooving thanks to "Funk-N-You", a laidback glider that just rolls in the sleek style. Gorgeous harmony skills are displayed on "Street Dreamin'". Beautiful and gritty funk, by turns. "You're My Last Girl" is an airy ballad with two leads before the legendary "Monterey" enters the fray. A much-sampled instrumental and heavy disco-funk nugget, it contains an amazing B-Boy drum break making the whole LP worth the price of admission. "Can You Feel It (Part 2)" closes out this spectacular set.

The Rhythm Makers had been gigging around New York City since the late ’60s, having initially come together as Sabu and the Survivors, named after bassist Keith “Sabu” Crier. They eventually - for this album at least! - settled on The Rhythm Makers and cut one record for the small De-Lite subsidiary Vigor. The core lineup featured Crier, keyboardist Herb Lane, drummer Kenny Banks and rhythm guitarist Rahiem Leblanc.

Mastered for vinyl by Simon Francis, cut by Cicely Balston for Alchemy at AIR Studios with artwork restored at Be With HQ, this new edition should hopefully bring this album into the homes and record boxes of many more people.

END[GER] Die Band Wednesday aus Asheville, North Carolina errichtet im Laufe der zehn Songs von "Rat Saw God" einen Schrein voller aufregender Details: Halb lustige, halb tragische Botschaften aus den Südstaaten, die sich klanglich irgendwo zwischen dem wimmernden Skuzz von Neunzigerjahre-Shoegaze und klassischem Country-Twang entfalten - mit verzerrter Pedal Steel und Frontfrau Karly Hartzman, die mit ihrer Stimme, den Lärm durchschneidet. Ein Song von Wednesday ist wie ein Quilt. Eine Kurzgeschichtensammlung, eine verschwommene Erinnerung, ein Flickenteppich aus Porträts des amerikanischen Südens, der disparate Momente einfängt und als Ganzes doch irgendwie einen Sinn ergibt. Karly Hartzman, die Songschreiberin, Sängerin, Gitarristin und Leiterin der Band, ist eine Geschichtensammlerin als auch eine Geschichtenerzählerin: Eine aufmerksame Beobachterin von Menschen und witzigen Bemerkungen. "Rat Saw God", das neue und beste Album des Quintetts aus Asheville, ist ekphrastisch, aber ebenso autobiografisch und vor allem sehr einfühlsam. Es wurde in den Monaten unmittelbar nach der Fertigstellung von dem zweiten Album der Band, "Twin Plagues", geschrieben und innerhalb einer Woche im Drop Of Sun Studio in Asheville aufgenommen. Die Songs auf "Rat Saw God" erzählen keine Epen, sondern das Alltägliche. Sie sind lebensnah, erzählen vom wahren Leben, sie sind verschwommen und chaotisch und seltsam zugleich - was Hartzmans eigenem Ethos entspricht: "Everyone's story is worthy. Literally every life story is worth writing down, because people are so fascinating." A Wednesday song is a quilt. A short story collection, a half-memory, a patchwork of portraits of the American south, disparate moments that somehow make sense as a whole. Karly Hartzman, the songwriter/ vocalist/guitarist at the helm of the project, is a story collector as much as she is a storyteller: a scholar of people and one-liners. Rat Saw God, the Asheville quintet's new and best record, is ekphrastic but autobiographical and above all, deeply empathetic. Across the album's ten tracks Hartzman, guitarist MJ Lenderman, bassist Margo Shultz, drummer Alan Miller, and lap/pedal steel player Xandy Chelmis build a shrine to minutiae. Half-funny, half-tragic dispatches from North Carolina unfurling somewhere between the wailing skuzz of Nineties shoegaze and classic country twang, that distorted lap steel and Hartzman's voice slicing through the din. Rat Saw God is an album about riding a bike down a suburban stretch in Greensboro while listening to My Bloody Valentine for the first time on an iPod Nano, past a creek that runs through the neighborhood riddled with broken glass bottles and condoms, a front yard filled with broken and rusted car parts, a lonely and dilapidated house reclaimed by kudzu. Four Lokos and rodeo clowns and a kid who burns down a corn field. Roadside monuments, church marquees, poppers and vodka in a plastic water bottle, the shit you get away with at Jewish summer camp, strange sentimental family heirlooms at the thrift stores. The way the South hums alive all night in the summers and into fall, the sound of high school football games, the halo effect from the lights polluting the darkness. It's not really bright enough to see in front of you, but in that stretch of inky void - somehow - you see everything. The songs on Rat Saw God don't recount epics, just the everyday. They're true, they're real life, blurry and chaotic and strange - which is in-line with Hartzman's own ethos: "Everyone's story is worthy," she says, plainly. "Literally every life story is worth writing down, because people are so fascinating." But the thing about Rat Saw God - and about any Wednesday song, really - is you don't necessarily even need all the references to get it, the weirdly specific elation of a song that really hits. Yeah, it's all in the details - how fucked up you got or get, how you break a heart, how you fall in love, how you make yourself and others feel seen - but it's mostly the way those tiny moments add up into a song or album or a person.

Die alternativen Brit-Pop-Punker Ash veröffentlichen ihr neuntes Studioalbum "Ad Astra" über Fierce Panda Records. Mit elf brandneuen Tracks, darunter die hervorragende Lead-Single "Give Me Back My World" und ihre mitreißende Interpretation des Harry Belafonte/"Beetlejuice"-Klassikers "Jump In The Line", ist auf ,Ad Astra" auch noch Blur-Gitarrist Graham Coxon auf zwei besonders kecken Songs zu hören, die die ewigen Power-Pop-Könige in besonders raketenartiger Form zeigen. "Ad Astra" folgt recht dicht auf "Race The Night" aus dem Jahr 2023 (das Album der Band mit der höchsten Platzierung in den britischen Charts seit 20 Jahren) und erscheint zwei Jahre und einen Monat später - und das ist kein Zufall. Als Band, die für Live-Musik lebt, schwor sich Ash, dass die durch die Pandemie verursachte fünfjährige Pause zwischen dem Alben "Islands" (2018) und "Race The Night" nie wieder vorkommen würde. Ash greifen auch 2025 noch nach den Sternen des Indieversums! Erhältlich als Gatefold-Jacket-Edition "Rocket Silver" LP, limitierte Spine-Sleeve-Edition "Transparent Martian Red" LP (Indie-Handel exklusiv) und Digi-Sleeve-CD (mit bedruckter Innenhülle bzw. Text-Booklet).

Die alternativen Brit-Pop-Punker Ash veröffentlichen ihr neuntes Studioalbum "Ad Astra" über Fierce Panda Records. Mit elf brandneuen Tracks, darunter die hervorragende Lead-Single "Give Me Back My World" und ihre mitreißende Interpretation des Harry Belafonte/"Beetlejuice"-Klassikers "Jump In The Line", ist auf ,Ad Astra" auch noch Blur-Gitarrist Graham Coxon auf zwei besonders kecken Songs zu hören, die die ewigen Power-Pop-Könige in besonders raketenartiger Form zeigen. "Ad Astra" folgt recht dicht auf "Race The Night" aus dem Jahr 2023 (das Album der Band mit der höchsten Platzierung in den britischen Charts seit 20 Jahren) und erscheint zwei Jahre und einen Monat später - und das ist kein Zufall. Als Band, die für Live-Musik lebt, schwor sich Ash, dass die durch die Pandemie verursachte fünfjährige Pause zwischen dem Alben "Islands" (2018) und "Race The Night" nie wieder vorkommen würde. Ash greifen auch 2025 noch nach den Sternen des Indieversums! Erhältlich als Gatefold-Jacket-Edition "Rocket Silver" LP, limitierte Spine-Sleeve-Edition "Transparent Martian Red" LP und Digi-Sleeve-CD (mit bedruckter Innenhülle bzw. Text-Booklet).

“It’s not often you find yourself recording alone in a churchat 3am. I’m not religious, but I experienced somethingunique while playing through the night as the streetsaround me slept. It felt like the music was telling me whatto play and I was the passenger. Lumen grew out of avariety of compositional seeds - from composed songsthat remain true to the score, leaving little room forfreedom, to wide open improvisations recorded in themoment with nothing predetermined.
“It’s in the space between composition and improvisationwhere the magic happens - and where, if the musiciansare willing, the music can lead. I recorded day and nighton a Yamaha grand and an upright felted piano. It felt likesome sort of solo retreat: sitting in a building of faiththrough the night, delving ever deeper into the music.When I finally resurfaced, I felt profoundly that it was themusic that had led me, rather than the other way around. “As a composer, it’s simplicity that I’m searching for - howto say the most with the least. My previous albums wereabout filling the space, both texturally and dynamically. Butsolo performance is different. There’s unlimited freedom,and while that can be liberating, it also comes with addedresponsibility. Beyond the recording, the music takes on anew life. The piano, the room, the acoustic, the mood ofthe audience, even how much sleep I’ve had - all of itinforms how the music evolves. So, each performance iscompletely unique and unrepeatable.
“The recording of Lumen is just the beginning of itsjourney. Where and how it evolves from here is whatkeeps me searching.” - Bill Laurance

In den 1970er Jahren unternahm der experimentierfreudige Vibrafonist und Marimba-Spieler Bobby Hutcherson bei Blue Note einige Ausflüge in kommerziellere Gefilde. Ein absoluter Höhepunkt dieser Schaffensphase war das 1975 entstandene Album “Montara”. Angetrieben von einer exzellent besetzten Band mit
sechs Perkussionisten bietet Hutcherson darauf eine berauschende Mischung aus Latin Jazz und FusionGrooves, die vor guter Laune nur so überschäumt

Mit seiner Mischung aus swingendem Hard Bop, wunderschönen Balladen, afrikanischen Rhythmen und
Blues hob sich das 1964 aufgenommene Album “In Memory Of” deutlich von den sehr erfolgreichen SoulJazz-Aufnahmen ab, die der Tenorsaxofonist Stanley Turrentine zuvor für das Label Blue Note gemacht
hatte. Das könnte der Grund gewesen sein, weshalb es nicht sofort, sondern erst fünfzehn Jahre später
veröffentlicht wurde. Denn in puncto musikalischer Qualität stand dieses Album, das Turrentine mit einem
großartigen Sextett aufgenommen hatte, in nichts nach.

Die verschollenen Originalaufnahmen des zweiten Cradle Of Filth-Albums erblicken endlich das Tageslicht! Aufgenommen 1995 im Original Line Up, welches auch das wegweisende Debüt »The Principle of Evil Made Flesh« einspielte, wurde diese Version aufgrund von Besetzungswechseln vor Veröffentlichung zurückgezogen.

Das neue Band-Lineup spielte dann das Album erneut ein, welches offiziell released wurde. Nun endlich nach 21 Jahren erscheinen die Original Aufnahmen plus zwei Bonustracks auf dem wiederbelebten britischen Extreme Metal Label Cacophonous.

»The Original Sin« bietet rohen, ungezähmten britischen Underground-Black Metal in seiner Urform.

Die verschollenen Originalaufnahmen des zweiten Cradle Of Filth-Albums erblicken endlich das Tageslicht! Aufgenommen 1995 im Original Line Up, welches auch das wegweisende Debüt »The Principle of Evil Made Flesh« einspielte, wurde diese Version aufgrund von Besetzungswechseln vor Veröffentlichung zurückgezogen.

Das neue Band-Lineup spielte dann das Album erneut ein, welches offiziell released wurde. Nun endlich nach 21 Jahren erscheinen die Original Aufnahmen plus zwei Bonustracks auf dem wiederbelebten britischen Extreme Metal Label Cacophonous.

»The Original Sin« bietet rohen, ungezähmten britischen Underground-Black Metal in seiner Urform.

Die verschollenen Originalaufnahmen des zweiten Cradle Of Filth-Albums erblicken endlich das Tageslicht! Aufgenommen 1995 im Original Line Up, welches auch das wegweisende Debüt »The Principle of Evil Made Flesh« einspielte, wurde diese Version aufgrund von Besetzungswechseln vor Veröffentlichung zurückgezogen.

Das neue Band-Lineup spielte dann das Album erneut ein, welches offiziell released wurde. Nun endlich nach 21 Jahren erscheinen die Original Aufnahmen plus zwei Bonustracks auf dem wiederbelebten britischen Extreme Metal Label Cacophonous.

»The Original Sin« bietet rohen, ungezähmten britischen Underground-Black Metal in seiner Urform.

The North Irish progressive rock band Fruupp released their third album The Prince of Heaven's Eyes in 1974. Fruupp produced the concept album themselves. It is a beautifully presented, well-balanced and stunningly original story. Inspired by the Genesis sound they created an melodic and structured piece of music, combining rock with folk and classical influences. The album centered around the impressive keyboard work by Stephen Houston. Their own unique characteristics are presented by combining all the elements in their complete sound.

Fruupp was assembled by guitarist Vincent McCusker in 1971. During their five year existence they recorded four progressive rock albums.

MUCH LOVED LOW ALBUM BACK IN PRINT ON VINYL…NB NEW PRICE.NON -RETURNABLE.

The second Albini recorded and engineered Low album, Things We Lost in the Fire features such hits as Sunflower and Laser Beam.

#14 on Pitchfork 30 Best Dream Pop Albums.

#117 Pitchfork Top 200 Albums of the 2000s.

#93 The Guardian 100 Best Albums of the 21st Century list.

#36 NME Top 50 Darkest Ever Albums.

“Measuring out grief and resilience with a steady hand, these are the best songs of Low's quiet career.” Mojo 9/10

“Low's original stark minimalism has gradually given way to a broader sonic range, without sacrificing their strangely accessible otherness.” Wire

“Low have always sought to make music that can both swell the heart like a gospel tune and capture the amplified absence of a funeral parlour. It's difficult to imagine a more perfect expression of their vision than this.” NME

2025 Repress

Paris-based multi-instrumentalist Emile Sornin is currently on an impressive run of releases: two film soundtracks for De Nos Frères Blessés by Hélier Cisterne (2020) and Babysitter by Monia Chokri (2022), and a recent and acclaimed solo album, L'Idiophone on Born Bad Records, for which he has been touring Europe since march.

Forever Pavot is already back at it with his third film score for Monia Chokri's new movie Simple Comme Sylvain, inspired by Italian soundtracks and romantic grooves.

Bei einer Bandgeschichte wie bei ’The Kelly Family’ gibt es natürlich viele Highlights! Wenn es aber um
Konzerte geht, gibt es in dem Bereich ein paar, die ganz oben stehen.
Als die Band 1995 zum ersten Mal auf der Loreley spielen sollte, war die Aufregung immens. Grosse
Open Air Konzerte waren noch nicht der Alltag und dann sollte diese Show auch noch Live im Fernsehen
übertragen werden. Es gilt bis heute als eines ihrer besten Live-Konzerte, welches aufgezeichnet wurde.
Und auch nach 30 Jahren berühren die Aufnahmen dieser Show immer noch Menschen weltweit.
Jetzt zum 30. Jubiläum soll das gefeiert werden! Am 02.10.2025 erscheint dieses legendäre Konzert in
einer „Deluxe Edition“ auf DVD und 2 CD’s und über 30 Seiten voll mit tollen Fotos.
Alle Vinyl Fans dürfen sich auch auf eine 3LP Coloured Vinyl Edition inkl. 4-seitigem Booklet freuen. Diese
wird auf 1.000 Stück limitiert und nummeriert sein.

Fresh off producing a seminal documentary about the origin story of Portuguese rave culture, Shcuro returns to his mother tongue, music, to give us four slices of fresh yet classic Lisbon underground flavour right as the summer sets in. 'Echo Chamber' EP, Para?so's 17th outing, comes with two equally excellent remixes separated by the atlantic: Brooklyn's MoMA Ready and Berlin's Mareena. Side A starts with two tracks first blueprinted this past year as Shcuro prepared a new live set. 'No Expectations' opens the record with a high-paced sweat-breaker that elegantly evokes early rave culture as stabs, funk and feelings abound. A2 'Persistence' follows suit with the work that exudes proficiency: sound design, dub techno learnings and masterful layering all conspire to create a moment of pure techno draw. Closing side A, 'Deviation' pulls some of the previous track's energy even though it's a rework from the artist's earlier unreleased catalogue: another sign that we're talking realness here. Clever percussion and refreshing washes drive us well into dubby territories. 'Suspension' opens the B side, picking up where it left off with the last original: a beautifully produced piece with fleeting mutating stabs that seem to swim alongside us in an imaginary oceanic dancefloor. Liquid, refreshing sensorial motifs seem to underpin this record and that spirit spills into the remix pack, starting off with MoMA Ready's take on 'Persistence', bringing out the rawness in the original while adding a special sauce with Robert Hood-like funky yet minimalistic bleep work. Tresor's Mareena steps in for a centered, dancefloor-geared - but still mysterious - twist on 'Deviation', perfectly rounding up the record with the expertise of a club resident.

With the Scratch EP, Scottish techno powerhouse Gary Beck delivers four razor-sharp cuts that bring raw energy and dancefloor pressure to FJAAK's label CROWD. Known for his unmistakable grooves and stripped-down power, Beck presents a no-frills EP that bridges classic techno aesthetics with forward momentum. Opening with the single 'French System', the EP kicks off in full throttle. It's a propulsive roller built around tough drums, catchy synths, a female vocal leading the way and Beck's signature percussive tension. Title track 'Scratch' follows with a twitchy, angular rhythm that spirals around a fragmented vocal motif and bold machine-funk energy with tense breaks leading to ecstatic drops. On the record's flip side, 'How Do You Feel' keeps the level high, fusing jacking rhythms with a funky vocal and a Beck's heavy signature kicks. Finally, 'Eclipse' closes the EP pushing the energy into darker territories with relentless drive, its distorted pulse and industrial edge. This release marks a fierce debut on CROWD for Gary Beck - four no-nonsense weapons crafted for peak-time moments and the rawer corners of the club. A heavy-hitting addition to the label's catalog and a must-have for techno selectors with a taste for precision and punch.

Francois Kevorkian (Wave) : Lovely EP, atmospheric vibes.
Chris Udoh (Various) : Lovely !!!
Lea Lisa (Phonica Records / Folklor Club) : Fred P is a master of deep house. Live Long Love & When in Miami for me.
Will Hofbauer (Third Place, Wisdom Teeth, Rinse) : nice n deep ty!
Radio Slave (Rekids) : The King is back and what an EP ! Full support.
Jon Hester (Rekids, EDEC, Les Enfants Terribles, L.A.G.) : Lovely vibes on When In Miami and Live Long Love!
Jacques Renault : Nice EP, into When In Miami and The Heights in particular
Danny Howells (Dig Deeper) : Love Fred so much, always the highest quality music with soul. All four are stunners.
Dan Beaumont (Chapter 10 / NTS) : Always brilliant.. deeep! When in Miami for me
DJ Sprinkles (Comatonse) : thank you
Kai Alce (Real Soon) : Live Long Fred P!
Tomoki Tamura (Holic Trax) : pure class, deep house
Raresh (ar:pi:ar) : super! thanks
Laurent Garnier : FRED P alwayssssssssssssssss
Marcel Dettmann : thx
Archie Hamilton (Microhertz / FUSE) : Nice thanks
DVS1 : thanks
Alinka (Twirl, Classic, Crosstown Rebels, Batty Bass) : Beautiful tracks
Pat Hyland (Northside Loft Society) : Fred P is a master of deep. AWEsome EP!
Thor (Thor-Thule Records) : Another great release by the master of Deep House. Full support
Colin Dale : One of my fave producers from way back! Excellent 4 tracker with all the cuts 'hittin' the mark'. Will rotate & support.
Geir Aspenes (G-Ha (Sunkissed)) : Thank u
Jaye Ward (Dalston Super Store / Netil Radio) : Syncrophone just continues to churn out the goodness.. love Fred P too. so deep and full of the good soul ace! thx
Ame (Innervisions) : thanks
Domenic Cappello (Subclub) : love this
Greg Gow (Restructured / Transmat / KMS) : cool vibes full support
Jerome Sydenham (Ibadan) : When Miami is the business! Overall nice E.P!
Bill Brewster (NTS) : FRED P RETURNS!
Bailey Ibbs (Metafloor Records / Habits / Dansu Discs) : Live Long Love <3

The Alien Dub Orchestra is ragtag collective of Bavarian musicians, featuring members of The Notwist and G.Rag y los hermanos Patchekos. The cohort formed around the idea of performing the standards of the fabled Breadminster Songbook, aka the back-catalogue of lone dubman Elijah Minnelli. Minnelli is known for constructing wheezy, forlorn odes to his hometown, both as highly sought-after self-released 7" singles, and a critically-acclaimed debut album, ‘Perpetual Musket’ for FatCat Records, lauded by the likes of The Guardian, The Wire, and The Quietus. ‘The Alien Dub Orchestra: Plays the Breadminster Songbook’ finds group covering Minnelli’s cumbia-infused dub reggae with full band, playing an eclectic array of instruments including: guiro, accordion, melodica, sousaphone, trumpet and assorted percussion.

The tale begins in 2022, when Minnelli was invited to lend his unique dubbing style to a pair of remixes for The Notwist, and what followed was an ever-flourishing relationship between the Breadminster native and the wider Munich scene. The seeds of the Alien Dub Orchestra were sown during a support gig for The Notwist, where assorted musicians joined Minnelli for a encore, reinterpreting one of his dub remixes across woodwind, brass and assorted percussion.

“The idea of real, competent professionals playing something you’ve muddled together on a computer in a damp basement is quite overwhelming,” reflects Minnelli on the process, “hearing them interpret and improve these melodies is a real joy and privilege.”

Despite the non-traditional origins of the source material, the inherent musicality of Minnelli’s songwriting shines through across his releases, and this creative kinship is what attracted the Orchestra to reimagining his work. The first live collaboration led to recording sessions and further gigs, with the Orchestra building a full set of Minnelli’s music.

The resulting album puts forward the strongest case yet of the shared musical throughline between the acts, where cumbia, dub and folk sensibilities coalesce to something all together unique. The tracks are wrought new, with melodies fleshed out and broader instrumentation expanding the sonic possibilities of the compositions. The tactility of the tracks is perhaps best demonstrated on the gorgeous ‘Vine and Fig Tree’, with it’s layed vocals and expressive bassline returning as a cavorting sousaphone line. Elsewhere, fan favourite ‘SLATS’ sounds as if it was simply written to be performed this way.

To further instill the cylindrical nature of these collaborations, the entire second half of the album is made up of dub versions of the Orchestra’s renditions. For these dubs, Minnelli is joined by Raimund Wong, who had caught his ear with his ambitious live sets, a daisy chain of tape machines and FX pedals. Again, despite their differing creative processes, the two bonded over a shared love of dub music. Each dub was a one-take, with Minnelli riding the faders and Wong’s filters and FX supplying a sound that doesn’t seek to imitate dub, so much as it tries to be it’s own chaotic self. The droning, psychedelic hypnosis of ‘Pundit Dub’ stretches the material to a whole new realm that feels outside of anything else Minnelli has produced before, an ode to the benefits of recycling sound if ever there was one. The whole second half is a perfect closing note to an album that is undoubtedly a love letter to folk tradition, dub ideology and, most importantly, the joy of uninhibited collaboration.

​Elijah Minnelli - voc, guiro, percussion
Philip Gross - accordion, melodica
Theresa Loibl - clarinet, melodica
Cico Beck - electronics, keyboards
Sascha Schwegeler - congas, steel drum, percussion
Micha Acher - sousaphone, trumpet
Markus Acher - drums, voc
Dub mixes performed live by Elijah Minnelli & Raimund Wong at Breadminster County Council Studios

Ostinato as resistance: Rafael Anton Irisarri’s landmark work reimagined. Marking the tenth anniversary of the American composer’s critically acclaimed album 'A Fragile Geography', this new edition arrives renewed, both sonically and visually.

First released in 2015 (Room40) during a period of personal upheaval and creative reinvention, it endures as a testament to resilience, transformation, and the connection we hold with the places that shape us.

Written in the aftermath of a devastating theft, A Fragile Geography was born out of loss. Just days before a cross-country move to New York, Irisarri’s entire Seattle-based studio was wiped out. Instruments. Recordings. Archives. Gone without a trace. He arrived on the East Coast to an empty room and the daunting task of starting over.

“This album wasn’t just a record; it was a lifeline,” Irisarri reflects. “It became a way to process the emotional chaos that followed: uprooting, instability, and ultimately, the slow, intuitive rebuilding of a life.”

Composed and recorded in the rural woods of the Hudson Valley, the album took shape in seclusion, surrounded by nature, and through a process guided by improvisation. Embracing limitations, Irisarri wove textural layers of field recordings with half-remembered melodies from his Seattle years, piecing them together like fragments of memory. Tracks like “Displacement,” “Hiatus,” and “Persistence” juxtaposed haunting stillness with restless momentum, mapping an inner terrain of grief, catharsis, and rebirth.

Among its defining sounds is “Empire Systems,” a monumental centerpiece built around a simple four-chord progression, organ textures, and guitar drones. Gradually, the track expands into layers of immersive loops and thick, enveloping distortion that wash over the listener like a rolling wave. Often cited as the album’s most majestic passage, it captures Irisarri at his most sonically ambitious. With a harmonically saturated structure crafted from restraint and repetition, it remains one of his most recognizable compositions: an exercise in the art of maximal minimalism.

From the outset, “Reprisal” received praise from BBC’s Mary Anne Hobbs, who championed the track on her radio show. Her support played a key role in introducing Irisarri’s work to wider audiences and solidifying his place within the lineage of electronic, drone, and experimental sound artists. A slow-burning elegy, the piece emerges from a haze of distortion and sub-bass, with dense, unrelenting drones carrying a sense of mounting tension. Just as it seems to collapse under its own weight, flickers of guitar emerge like distant light through fog. It’s a meditation on dissonance, resolve, and the elusive possibility of release.

The closing track, “Secretly Wishing for Rain,” is steeped in saudade: a longing for Seattle’s dour grey skies, lush green landscapes, and desaturated sunsets. Through it, Irisarri mourns a vanished chapter of life bound to the city, a time documented in scattered mementos and cherished collections, now permanently gone. A reflection on what could never be recovered: an era lost to time. Julia Kent’s looped cello motifs added a melancholic warmth to the track, marking the first collaboration between the two artists and sparking a musical dialogue that would keep growing in the years that followed.

More than a career highlight, A Fragile Geography has laid the foundation for Black Knoll studio, which Irisarri rebuilt from the ground up. The studio has since grown into a creative hub for countless projects, with Irisarri engineering records for iconic music figures like Terry Riley, Ryuichi Sakamoto, William Basinski, MONO, Devendra Banhart, Grouper, Emeralds, Steve Hauschildt, Julianna Barwick, and many others. Carried by its lasting influence, the album has quietly captured the ear of a younger generation, its sound and emotional arc finding new listeners in unexpected corners.

The album’s new visual language was reimagined in collaboration with Mexico City–based designer Daniel Castrejón. Irisarri captured ghostly images at Gaztelugatxeko Doniene, a historic coastal site in Bermeo, Euskal Herria. Castrejón then treated the photographs with distressed textures and spectral overlays. The final artwork channels the rugged, elemental forces that shaped both the music and Irisarri’s aesthetic, renewing his ties to ancestral ground inspired by the Basque homeland of his bloodline.

Mastered by Stephan Mathieu with exceptional attention to detail, this anniversary edition uncovers every nuance in the sound design, enhancing clarity and presence. With each listen, new elements emerge, inviting discovery and reconnection.

“I don’t experience this album as a document of grief anymore,” says Irisarri. “I hear adaptation and I'm reminded that when everything falls apart, something meaningful, maybe even beautiful, can emerge.”

Ostinato as resistance: Rafael Anton Irisarri’s landmark work reimagined. Marking the tenth anniversary of the American composer’s critically acclaimed album 'A Fragile Geography', this new edition arrives renewed, both sonically and visually.

First released in 2015 (Room40) during a period of personal upheaval and creative reinvention, it endures as a testament to resilience, transformation, and the connection we hold with the places that shape us.

Written in the aftermath of a devastating theft, A Fragile Geography was born out of loss. Just days before a cross-country move to New York, Irisarri’s entire Seattle-based studio was wiped out. Instruments. Recordings. Archives. Gone without a trace. He arrived on the East Coast to an empty room and the daunting task of starting over.

“This album wasn’t just a record; it was a lifeline,” Irisarri reflects. “It became a way to process the emotional chaos that followed: uprooting, instability, and ultimately, the slow, intuitive rebuilding of a life.”

Composed and recorded in the rural woods of the Hudson Valley, the album took shape in seclusion, surrounded by nature, and through a process guided by improvisation. Embracing limitations, Irisarri wove textural layers of field recordings with half-remembered melodies from his Seattle years, piecing them together like fragments of memory. Tracks like “Displacement,” “Hiatus,” and “Persistence” juxtaposed haunting stillness with restless momentum, mapping an inner terrain of grief, catharsis, and rebirth.

Among its defining sounds is “Empire Systems,” a monumental centerpiece built around a simple four-chord progression, organ textures, and guitar drones. Gradually, the track expands into layers of immersive loops and thick, enveloping distortion that wash over the listener like a rolling wave. Often cited as the album’s most majestic passage, it captures Irisarri at his most sonically ambitious. With a harmonically saturated structure crafted from restraint and repetition, it remains one of his most recognizable compositions: an exercise in the art of maximal minimalism.

From the outset, “Reprisal” received praise from BBC’s Mary Anne Hobbs, who championed the track on her radio show. Her support played a key role in introducing Irisarri’s work to wider audiences and solidifying his place within the lineage of electronic, drone, and experimental sound artists. A slow-burning elegy, the piece emerges from a haze of distortion and sub-bass, with dense, unrelenting drones carrying a sense of mounting tension. Just as it seems to collapse under its own weight, flickers of guitar emerge like distant light through fog. It’s a meditation on dissonance, resolve, and the elusive possibility of release.

The closing track, “Secretly Wishing for Rain,” is steeped in saudade: a longing for Seattle’s dour grey skies, lush green landscapes, and desaturated sunsets. Through it, Irisarri mourns a vanished chapter of life bound to the city, a time documented in scattered mementos and cherished collections, now permanently gone. A reflection on what could never be recovered: an era lost to time. Julia Kent’s looped cello motifs added a melancholic warmth to the track, marking the first collaboration between the two artists and sparking a musical dialogue that would keep growing in the years that followed.

More than a career highlight, A Fragile Geography has laid the foundation for Black Knoll studio, which Irisarri rebuilt from the ground up. The studio has since grown into a creative hub for countless projects, with Irisarri engineering records for iconic music figures like Terry Riley, Ryuichi Sakamoto, William Basinski, MONO, Devendra Banhart, Grouper, Emeralds, Steve Hauschildt, Julianna Barwick, and many others. Carried by its lasting influence, the album has quietly captured the ear of a younger generation, its sound and emotional arc finding new listeners in unexpected corners.

The album’s new visual language was reimagined in collaboration with Mexico City–based designer Daniel Castrejón. Irisarri captured ghostly images at Gaztelugatxeko Doniene, a historic coastal site in Bermeo, Euskal Herria. Castrejón then treated the photographs with distressed textures and spectral overlays. The final artwork channels the rugged, elemental forces that shaped both the music and Irisarri’s aesthetic, renewing his ties to ancestral ground inspired by the Basque homeland of his bloodline.

Mastered by Stephan Mathieu with exceptional attention to detail, this anniversary edition uncovers every nuance in the sound design, enhancing clarity and presence. With each listen, new elements emerge, inviting discovery and reconnection.

“I don’t experience this album as a document of grief anymore,” says Irisarri. “I hear adaptation and I'm reminded that when everything falls apart, something meaningful, maybe even beautiful, can emerge.”

First released in 2016, Continuum sees Shook exploring a more introspective side, trading funk for spacious ambient compositions and stripped-down piano work recorded on his Yamaha CP70B. Inspired by Vangelis, Ryuichi Sakamoto, and Japanese Kankyo Ongaku, this is Shook at his most minimal and meditative. A personal journey inward, now reissued on vinyl for the first time.

Metroplex is proud to welcome Italian producers CEM3340 & 2030 to the label with the release of their new project "A Future Tribe"and their Machines Awake EP. This five-track release delivers a bold and immersive journey into electro, blending razor-sharp production with deep atmospheres and driving rhythms. Produced at their headquarters in Bari, the EP reflects both artists' precise craftsmanship and forward-looking approach to electronic music. With Machines Awake EP, CEM3340 & 2030 pay homage to the classic foundations of the genre while pushing it into new and exciting territory. Their sound aligns seamlessly with Metroplex's legacy of innovation, and we're thrilled to present this release as part of our ongoing commitment to groundbreaking electronic music. Machines Awake EP is available now across all major platforms.

Before he became better known as Porn Sword Tobacco (PST), Swedish producer Henrik Jonsson released two albums under the name of Stress Assassin. Like his later oeuvre, the tunes are spacious, cinematic and multi-layered, influenced by the likes of Harold Budd and Tangerine Dream, but for this project there is additional guidance from Lee Perry and Moritz von Oswald.

Released on vinyl for the first time, Within the Office of Eye and Ear’s smoked-out ambience and blissful beats are permeated with melodic bass and cinematic space. Found sounds, floating voices and intermittent pops ripple amongst the sweet harmonies, lush atmospheres and pulsating basslines, creating a captivating other-worldly dreamspace.

As Henrik explains: “Made often at night in an attic in Gothenburg, it’s music I did in a world far away from today: the music was, and is, about not running along with a stress-y society soaked in TV, media and materialism, out of touch with the calm beauty this world gives us”

He certainly succeeded as Within the Office of Eye and Ear offers the ultimate stress assassination.

Offthesky (Jason Corder) is experimental-ambient multimedia artist based in Denver, CO. He has been producing music, video art, audio software, and the occasional interactive sound sculpture, for over 20 years. He teaches private courses on generative music and occasionally lectures on various sound design topics at Denver University. He currently is the Audio Director at the Denver based videogame studio Dire Wolf. Over the years, he has worked with labels such as Home Normal, 12k's term, Facture, LAAPS, IIKKI and more. Over the years he has performed at Mutek, Decibel, Communikey and other festivals, sharing the bill with likeminded artists Pole, Matmos, William Basinski, and more.

Living in the present is an album built around the work of American minimalist poet, Robert Lax (1915-2000) who is widely praised for his artistic concept of reduction, in which a pause becomes as important as the things said.

The album brings together the sound of Robert Lax reading his poetry, narrative field recordings by Nicolas Humbert and subtle yet imaginative timbres by Carina Khorkhordina (trumpet) and Miki Yui (electronics) who is also behind the final mixing of the album.

Living in the present is drawing from an archive of audio recordings originally made by film maker Nicolas Humbert while shooting a film on Robert Lax entitled Why Should I Buy A Bed When All That I Want Is Sleep?, ( Nicolas Humbert and Werner Penzel, Germany, 1999) The film was made on the Greek island of Patmos where Lax has lived withdrawn for 3 decades.

More than 25 years after the premiere of Why Should I Buy A Bed When All That I Want Is Sleep?, Humbert, Khorkhordina and Yui are revisiting the original audio material and patiently open worlds within worlds, pointing to new harmonic textures and isolating timbres, synchronizing different layers of time and traces of various locations into a new composition in its own right.

In some ways this album feels like an expansion of the work Humbert and Penzel did with Lax across six years, between 1993 and 1999, where they developed a unique intimacy in their textual-visual collaboration. On two long pieces, for each side of the album, “Where do i begin” and “One moment passes, another comes on” respectively – Yui’s electronics and Khorkhordina’s trumpet interweave beautifully with Humbert’s field recordings, in a manner that shadows the reflective reduction of Lax’s poetry. Indeed, it's no surprise that Lax’s poetry draws musicians into its orbit; it offers the curious a welcoming reduction in which only individual words and syllables represent the essence of language.

Lax’s poetry is notable for its qualities of near-stillness and its capacity to pause the reader’s thought, asking them to hold the sensuality of language for an extended, quietly revelatory moment. His readings on this album share a similar cadence, interested in settling with syllables, with single or several words, for an extended time.

Ultimately, Living in the present unfolds with unforced grace and poetics – one moment passes, then another comes on. (Jon Dale)

Off The Record (faitiche 39), the new album by French collagist Roméo Poirier, is an amusing romp through the discarded history of recording studios. It contains fourteen miniatures based on accidental recordings of studio talk, revealing things that were never meant for the public: we hear instructions from studio staff, scraps of talk between musicians, or just microphones being adjusted, as well as false notes, false starts: everyone stops. Start again: 1, 2, 3, 4!

Poirier’s approach recalls Accumulation, an artform practiced by Arman, Jean Tinguely and Daniel Spoerri that involved piling up everyday items into assemblages. The objects themselves often remained unaltered, the artistic gesture consisting in the careful curating of a distinctive selection. Poirier’s audio collages explore similar terrain. The fourteen pieces on Off the Record combine more than a thousand found sounds from studio archives into complex miniatures. The audio content of these outtakes is twisted, stretched, cut, reassembled, slowed down and accelerated. Voices cut into a microgroove, from a very old recording, intertwine with digital voices gleaned from YouTube. All of them in dialogue, engaging the listener with the impression of being part of a new music group.

Poirier uses the mundane routine of setting up before the actual recording gets underway to tell a universal story about working in a recording studio. And he manages something few achieve, transforming specialist knowledge into a narrative whose beauty goes far beyond its immediate subject. It speaks to everyone, because the story is told in a musical language that is open and accessible, evoking magical images reminiscent of Oz – a world consisting less of events than of camp hallucinations, captured in grainy black-and-white photographs. En passant, Poirier shows us how the notion of material accumulation can produce great art.

Written and produced by Roméo Poirier, mastered by Stephan Mathieu, photos by Roméo Poirier, graphic design by Tim Tetzner.

Animistic Resonance marks a new stage for artist and electronic musician Leslie García, as it is her first album under her own name, following several releases as Microhm and her parallel work as founder of the contemporary art studio Interspecifics, where she has developed an extensive body of sonic projects presented in major museums and programs around the world. The album is the culmination of a profound and extended exploration of sound as language. It is also a statement against the classicism of long-form ambient pieces. Narratively, each track is conceived as a finely detailed work that functions as a condensed temporal fragment, each with its own individuality while simultaneously forming part of a broader universe.

The compositional language of the album draws on minimalist structures, deep listening strategies, and experimental approaches to electronic sound. Each track offers a meditation on repetition, density, and micro-variation, unfolding like a sonic landscape shaped by temporal tension and perceptual ambiguity. Animistic Resonance resists categorization, situating itself between ambient, noise, and abstract rhythm, while grounding its aesthetic in a Latin American sensibility that embraces technological poetics, affective depth, and critical imagination.

The album invites listeners to move beyond the surface and inhabit a world of vibrational and animistic temporalities. It offers a refuge in sound, a suspended space where calm can emerge. In the midst of contemporary turbulence, Animistic Resonance opens the door to imagining new ways of listening and feeling, demanding an embodied and visceral form of engagement.

Composition sound synthesis and programming by Leslie García. Composed between 2022—2024 in Mexico City.
Mastered by Rafael Anton Irisarri at Black Knoll Studio, NY. Artwork by Daniel Castrejón.

A stunning re-envisaging of Sade ‘Cherish The Day’ in a upfront reggae style from singer Sailor Jane. It is produced by the great Michael Goldwasser. A side mixed by the maestro mixer Gregory Morris, the B side features a magnificent dub piece from Jallanzo The Dub Wizard.

The release comes on a criss 7inch housed in a beautiful picture sleeve designed by Madein876 Productions / Streets of Jamaica & formatted by Classic Blends.

Sailor Jane is out of Florida but has spent a lot of time in Jamaica honing her skills as a singer and musician. This track is taken from her album of Sade covers which is certainly worth checking out called No Ordinary Dub.

Deux Filles were Simon Fisher Turner, former child star/teen idol and future soundtrack composer, and songwriter/technician Colin Lloyd Tucker. Turner and Tucker left an early incarnation of The The in 1981 to pursue a different musical direction.

Turner claims that the idea of Deux Filles came to him in a dream, and the novel fiction/roleplay would be strictly maintained throughout the girls' short career. As well as posing in costume for the album covers, the duo even performed live without the audience realizing that the girls on-stage were actually a pair of blokes from south London having a giggle.

Deux Filles released two highly collectable albums: Silence & Wisdom (1982) and Double Happiness (1983)

"Na Rua, na Chuva, na Fazenda" is a landmark 1975 album by Hyldon, a key figure in Brazilian soul music. His debut release was one of the top-selling albums that year, capturing the vibrant musical spirit of the 1970s and reflecting the influence of the black power movement alongside artists like Tim Maia and Cassiano. With a mix of MPB, soul, and funk, Hyldon brought his unique sound to life, collaborating with influential artists and contributing to the Brazilian music scene. With a mix of MPB, soul, and funk, Hyldon brought his unique sound to life, collaborating with influential artists like Azymuth. The album, which features the iconic title track, is a celebration of love with timeless songs like 'As Dores do Mundo', 'Na Sombra de uma Arvore' and 'Meu Patuá.' Produced by Guti Carvalho with arrangements by Hyldon and Waldir Arouca Barros, the studio band included the talented musicians from Azymuth (José Roberto Bertrami, Alex Malheiros and Ivan Conti "Mamao"), making it a memorable piece of Brazilian musical history. This album has earned cult status over the years, securing its place as one of the most coveted Brazilian records of all time. Once incredibly rare and expensive, it's now at the top of every serious collector's wishlist. After being unavailable outside of Brazil for years, it's finally been reissued - don't miss your chance to own this legendary piece of music history.

Already deemed one of the best releases of 2025 (Vulture), Mark William Lewis' timeless self-titled album moves between nostalgic, deep-rooted poems and upbeat, indie rock grooves. Presented as A24 Music's first independent artist release.

Papacha is no other then famous Pacha Ibiza resident DJ Pippi in a colloboration with Beat Access (Giuseppe Tuccillo & Ciro Bianco) from Italy.

Benimussa is the name of this tribal killer !!
Included Original mix and the “Chus & Ceballos Iberican Remix”

This is one of the “historical records” linked to the techno and progressive movement of the nineties; it was one of the most used records as the “last record” in the most important Italian clubs and included in all the sets of the most important European DJs. Available in original print and in a rare limited edition blue vinyl version.

Eager Buyers is an observation of longing, of memory, of attempted connection, of lost innocence, and irreconcilable dreams. It"s the sound of broken promises for a bright future, where rose-tinted glasses have lost their clarity, dirtied with disaffection over time. Across this sultry, smoky, cinematic epic, JASSS attempts to process mixed feelings amidst the modern malaise. Alluringly atmospheric and cerebral, but bold and direct, with high-spec sound design, JASSS spaces each element with expert definition. Searing swathes of noise nestle with crisp breakbeats, billowing bass, dark ambience, prepared piano, phosphorescent electronics and calibrated percussion.

Clear Vinyl. ,A Series of Actions in a Sphere of Forever" ist eine Sammlung von neun Soloklavierwerken, die sich mit Widerstand, Resonanz und Raum mit einer ausgeprägten spektralen Sensibilität auseinandersetzen. Diese Stücke sind Nocturnes, die tief in der Stille des Winters in einem kleinen ländlichen Studio in Valens, Kanada, geschrieben wurden. A Series of Actions in a Sphere of Forever ist der Nachfolger von From Where You Came, das im Mai veröffentlicht wurde und eine RA-Empfehlung sowie die Auszeichnung ,Experimentelles Album des Monats" von The Guardian erhielt, das es als ,stille Ekstase eines Komponisten ohne Grenzen" bezeichnete.

,A Series of Actions in a Sphere of Forever" ist eine Sammlung von neun Soloklavierwerken, die sich mit Widerstand, Resonanz und Raum mit einer ausgeprägten spektralen Sensibilität auseinandersetzen. Diese Stücke sind Nocturnes, die tief in der Stille des Winters in einem kleinen ländlichen Studio in Valens, Kanada, geschrieben wurden. A Series of Actions in a Sphere of Forever ist der Nachfolger von From Where You Came, das im Mai veröffentlicht wurde und eine RA-Empfehlung sowie die Auszeichnung ,Experimentelles Album des Monats" von The Guardian erhielt, das es als ,stille Ekstase eines Komponisten ohne Grenzen" bezeichnete.

The downtempo legacy of Tosca continues. Originally released in 2005, J.A.C. is the fourth studio album by the Austrian duo - an album dedicated to their then newly born sons, "Joshua, Arthur, Conrad". For its 20th anniversary, which also marks !K7"s 40th anniversary, it has been fully remastered and compiled into a beautiful gatefold 2LP. Between the release of their classic Dehli 9 and J.A.C., the two entered fatherhood. As all Tosca albums relate to biographic events in the life of Huber and Dorfmeister, the birth of their sons naturally called for an album dedication. J.A.C. is perhaps the most consistent formulation of both, the carefree and melancholic sound of Tosca.

Tauche ein in die magische Klangwelt von Olafur Arnalds: Found Songs kehrt zurück - erstmals als transparente Vinyl-Edition! Ursprünglich 2009 auf schwarzem Vinyl veröffentlicht und lange vergriffen, erscheint dieses intime Meisterwerk nun in einer streng limitierten Neuauflage. Die sieben Stücke entstanden in einem außergewöhnlichen Projekt: ein Song pro Tag, sieben Tage lang - direkt geteilt mit der Welt. Zwischen zarten Klaviermotiven, subtilen Elektronik-Elementen und kammermusikalischer Tiefe entfaltet sich ein eindrucksvolles Porträt eines jungen Komponisten, der die Grenzen zwischen Klassik, Pop und Ambient neu definiert. Found Songs ist ein poetisches Zeitdokument - roh, ehrlich und voller Gefühl. Ein Muss für alle, die Musik als Kunstform erleben. Step into the delicate sound world of Olafur Arnalds: Found Songs returns - for the first time ever on clear vinyl! Originally released in 2009 on black vinyl and long sold out, this intimate masterpiece is now reissued in a strictly limited edition. Born from a unique project - one song per day for seven days, shared instantly with the world - these seven pieces blend fragile piano, subtle electronics, and chamber textures into a deeply personal portrait of a young composer redefining the boundaries between classical, pop, and ambient. Found Songs is a poetic time capsule - raw, honest, and profoundly moving. A must-have for those who experience music as art.

,Slapped By My Life" ist eine bittersüße Hymne an Jessys Ehemann. Musikalisch tendiert der Song eher zu einem tanzflächenorientierten Sound, verspielt und schwebend bei schnellen 158 bpm. Die ,Existential Edit"-Version drängt noch weiter auf die Tanzfläche und betont die mitreißenden, üppigen Synth-Texturen mit Akzenten und Phrasen, die dem Track einen treibenden Schwung verleihen. Textlich schwankt der Song zwischen offener Liebe, Dankbarkeit und Unsicherheit und ist das Einfachste, Direkteste und Persönlichste, was Jessy je geschrieben hat, entstanden in Zusammenarbeit mit Pearson Sound.

Eco Coloured Edition
Elena Tonra ist zwar keine passionierte Schwimmerin, aber der Sound auf dem neuen Daughter Album "Stereo Mind Game" klingt wie ein Ozean, in den man eintauchen möchte. Das dritte Album der britischen Band, gleichzeitig das erste Studioalbum seit sieben Jahren, setzt sich damit auseinander, was es bedeutet, von geliebten Menschen und auch von sich selbst getrennt zu sein - ein komplexes Thema. Daughter, das Trio bestehend aus Elena Tonra, Igor Haefeli und Remi Aguilella - wurde 2010 gegründet. Nach der Veröffentlichung von zwei Studioalben, "If You Leave" (2013) und "Not to Disappear" (2016), und dem Videospiel-Soundtrack Music "From Before the Storm" (2017), beschlossen sie, eine Auszeit voneinander zu nehmen. Kurz zuvor jammten sie allerdings noch gemeinsam in Los Angeles, zwischen einer Support-Tour für The National und ihren ersten Headline-Shows in Südamerika. Hier begann die Arbeit am neuen Album. Danach herrschte erst einmal Stille - als Band und untereinander. In den nächsten Jahren, in denen die Mitglieder an ihren eigenen Projekten arbeiteten, darunter auch Tonras Soloplatte als Ex:Re, trafen sich Daughter gelegentlich zum gemeinsamen Schreiben in Studios in London, Portland und San Diego, wo Haefeli 2019 für sechs Monate lebte. Die zentrale romantische Figur der Platte ist jemand, den Tonra dort kennengelernt hat, als sie aus London zu Besuch kam. Sie teilten eine bedeutende Verbindung, aber sie wusste, dass der Atlantik zwischen ihnen liegt. Daughter begann 2021 konkret mit den Aufnahmen für die zwölf Songs des Albums. Haefeli, der in Bristol lebt, traf sich mit Tonra in den Middle Farm Studios in Devon. Aguilella, der in Portland, Oregon, lebt, nahm seine Schlagzeugparts im Bocce Studio in Vancouver, Washington, auf. Haefeli produzierte eine Reihe der Songs, während Tonra "Junkmail" produzierte. Den Rest haben sie gemeinsam produziert. Die Sehnsucht, physische Entfernungen zu überwinden, ein Gefühl, das sich während der Pandemie noch verstärkt hat, ist in viele dieser Stücke eingeflossen. Auf "Wish I Could Cross the Sea" hören wir Sprachnotizen von Tonras junger Nichte und ihrem Neffen, die in Italien leben. "(Missed Calls)" enthält eine weitere Sprachnotiz, in der ein Freund einen Traum beschreibt. Gefüttert mit einigen modularen Effekten, klingt er geisterhaft eindringlich. Diese Nachrichten, Versuche einer Verbindung von geliebten Menschen, die man nicht sehen kann, "können einen aus dem Brunnen ziehen", sagt Tonra - aber nur, wenn man den Hörer abnimmt. Wenn man andere hereinlässt, kann Schönheit entstehen. Tiefes Gefühl kommt von den Bögen des 12 Ensemble, dem in London ansässigen Streichorchester, das bei vielen Stücken des Albums zu hören ist. Die von Haefeli und Tonra arrangierten und von Josephine Stephenson orchestrierten Stücke wurden, passenderweise, im The Pool aufgenommen, einem Raum in Bermondsey im Süden Londons, der eine ehemalige Badeanstalt war. Ein Blechbläserquartett verleiht auch "Neptune" und "To Rage" eine wohlig klangliche Wärme. Während Daughters frühere Arbeiten ihre Kraft in ihrer entwaffneten und emotionalen Ehrlichkeit fanden, handelt "Stereo Mind Game" von gegensätzlichen Gefühlen. "Es geht darum, nicht in absoluten Kategorien zu arbeiten", sagt Haefeli. Nach mehr als einem Jahrzehnt, in dem sie die dunkelsten Emotionen darstellten, haben Daughter ihr bisher optimistischstes und ein fast schon strahlendes Album aufgenommen.

All Things Must Pass wurde im November 1970 von Apple Records veröffentlicht. An dem von Harrison
und Phil Spector koproduzierten Album wirkten viele Musiker mit, darunter Eric Clapton, Ringo Starr,
Billy Preston, Pete Drake, Gary Wright, Klaus Voormann, Mitglieder von Badfinger, Musiker der Delaney
and Bonnie Band und John Barham. Die Dreifach-LP stürmte die Charts auf der ganzen Welt und wurde
allgemein als Rock-Meisterwerk gefeiert. George war der erste Beatle, der sowohl in Großbritannien als
auch in den USA eine Solo-Nummer-eins-Single hatte, und zwar mit der ersten Single des Albums, „My
Sweet Lord“, auf der er sein charakteristisches Slide-Gitarrenspiel vorstellte. George schrieb den Opener
des Albums, „I’d Have You Anytime“, zusammen mit seinem Freund Bob Dylan, der auch einen weiteren
Song auf diesem bahnbrechenden Album schrieb: „If Not For You“. Die Vinylplatte enthält einen neuen
Remix des Originalalbums und ein Originalposter, auf dessen Rückseite Notizen von Dhani Harrison und
Paul Hicks zum Remixen des Albums zu finden sind.
Musikrichtung: Pop international

Collecting Orders For 2025 Repress

Nick Curly celebrates the 50th release on his imprint with label partner Marc Scholl. Together, they present Nick Curly’s Altrip EP, featuring a guest remix by Manda Moor.

The EP commences with the title track 'Altrip,' where robust sub-bass melds seamlessly with vigorous drum programming. Following suit, 'It's You And Me' maintains the same potent energy, featuring cascading note arpeggios and intricate percussive elements that traverse the mix. Manda Moor's 'Burning Remix' of 'Altrip' injects her high-octane sonic signature into the original, employing rave-inspired stabs, panning drums, and sliced vocal samples.

As the year '23 enters its final quarter, Cécille Records is set to reinvigorate its event series in collaboration with Peoples Agency. Two official dates stand as markers of this revival. Alongside Nick Curly, an array of artists including Sidney Charles, Manda Moor, Fabe, Leon, De La Swing, Dennis Quin, Timmy P, Reboot and more are poised to join the festivities. The launch will take place under Cécille tent owned by Groove Fest London, while another event is scheduled at ADE in partnership with promoter Hush, hosted at Amsterdam's Melkweg Club.