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Oxblood & Gold Vinyl. Light In The Attic präsentiert in Zusammenarbeit mit Laurie Anderson und dem Lou Reed Archive die erste offizielle Anthologie von Lou Reeds Arbeiten für Pickwick Records 1964-1965. "Why Don't You Smile Now: Lou Reed At Pickwick Records 1964-65"enthält Raritäten, Kultklassiker (The Primitives' "The Ostrich") und bisher unveröffentlichtes Material (The Beachnuts' "Sad, Lonely Orphan Boy") und ist eine Zusammenstellung von Popsongs aus Reeds Feder, die er Mitte der 60er Jahre als angestellter Songwriter für das längst untergegangene Label Pickwick Records schrieb. Die Zusammenstellung ist der neueste Teil der Lou Reed Archive Serie und folgt auf Lou Reeds "Words & Music, May 1965" (2022) und die Wiederveröffentlichung von "Hudson River Wind Meditations" (2023). Als eine der originellsten und innovativsten Persönlichkeiten der Musikgeschichte erlangte Reed (1942-2013) zunächst als Mitbegründer und Frontmann der einflussreichen Band Velvet Underground Anerkennung. Im Laufe seiner fünf Jahrzehnte währenden Karriere brachte der zweifache Rock & Roll Hall of Famer seine einzigartige Vision in eine eklektische Bandbreite musikalischer Unternehmungen ein, darunter epochale Alben wie "Transformer" (1972) und wild experimentelle Werke wie der avantgardistische Noise-Klassiker "Metal Machine Music" (1975). Doch bevor er sich als Sänger, Songschreiber, Musiker und Dichter etablierte, begann Reed als interner Songschreiber (und gelegentlicher Session-Gitarrist/Sänger) bei Pickwick Records, einem Label, das sich auf Sound-ähnliche Aufnahmen spezialisierte, die die großen Pop-Hits der damaligen Zeit nachahmten. Von Garage-Rock und Girl-Group-Pop bis hin zu Blue-Eyed-Soul und Teenie-Idol-Balladen bietet Reeds Schaffen für Pickwick einen faszinierenden frühen Einblick in sein sich ständig weiterentwickelndes und wahrhaft grenzenloses künstlerisches Schaffen, das vom GRAMMYr-nominierten Mastering-Ingenieur John Baldwin restauriert und remastered wurde. Sowohl die 2xLP- als auch die CD-Editionen enthalten ausführliche Booklets mit ungesehenen Fotos, Linernotes von Richie Unterberger (renommierter Musikjournalist und Autor von "White Light/White Heat: The Velvet Underground day-by-day") und ein Essay von Lenny Kaye (dem legendären Gitarristen, Mitbegründer der Patti Smith Group, Autor, Produzent und Kurator der bahnbrechenden Garage-Rock-Anthologie "Nuggets"). Die Doppel-LP-Verpackung wurde von dem mehrfach mit dem GRAMMYr ausgezeichneten Künstler Masaki Koike gestaltet. Eine spezielle farbige Vinyl-Edition wird auf "Oxblood"-Wachs (A/B-Seite) und "Gold"-Wachs (C/D-Seite) gepresst.

Light In The Attic präsentiert in Zusammenarbeit mit Laurie Anderson und dem Lou Reed Archive die erste offizielle Anthologie von Lou Reeds Arbeiten für Pickwick Records 1964-1965. "Why Don't You Smile Now: Lou Reed At Pickwick Records 1964-65"enthält Raritäten, Kultklassiker (The Primitives' "The Ostrich") und bisher unveröffentlichtes Material (The Beachnuts' "Sad, Lonely Orphan Boy") und ist eine Zusammenstellung von Popsongs aus Reeds Feder, die er Mitte der 60er Jahre als angestellter Songwriter für das längst untergegangene Label Pickwick Records schrieb. Die Zusammenstellung ist der neueste Teil der Lou Reed Archive Serie und folgt auf Lou Reeds "Words & Music, May 1965" (2022) und die Wiederveröffentlichung von "Hudson River Wind Meditations" (2023). Als eine der originellsten und innovativsten Persönlichkeiten der Musikgeschichte erlangte Reed (1942-2013) zunächst als Mitbegründer und Frontmann der einflussreichen Band Velvet Underground Anerkennung. Im Laufe seiner fünf Jahrzehnte währenden Karriere brachte der zweifache Rock & Roll Hall of Famer seine einzigartige Vision in eine eklektische Bandbreite musikalischer Unternehmungen ein, darunter epochale Alben wie "Transformer" (1972) und wild experimentelle Werke wie der avantgardistische Noise-Klassiker "Metal Machine Music" (1975). Doch bevor er sich als Sänger, Songschreiber, Musiker und Dichter etablierte, begann Reed als interner Songschreiber (und gelegentlicher Session-Gitarrist/Sänger) bei Pickwick Records, einem Label, das sich auf Sound-ähnliche Aufnahmen spezialisierte, die die großen Pop-Hits der damaligen Zeit nachahmten. Von Garage-Rock und Girl-Group-Pop bis hin zu Blue-Eyed-Soul und Teenie-Idol-Balladen bietet Reeds Schaffen für Pickwick einen faszinierenden frühen Einblick in sein sich ständig weiterentwickelndes und wahrhaft grenzenloses künstlerisches Schaffen, das vom GRAMMYr-nominierten Mastering-Ingenieur John Baldwin restauriert und remastered wurde. Sowohl die 2xLP- als auch die CD-Editionen enthalten ausführliche Booklets mit ungesehenen Fotos, Linernotes von Richie Unterberger (renommierter Musikjournalist und Autor von "White Light/White Heat: The Velvet Underground day-by-day") und ein Essay von Lenny Kaye (dem legendären Gitarristen, Mitbegründer der Patti Smith Group, Autor, Produzent und Kurator der bahnbrechenden Garage-Rock-Anthologie "Nuggets"). Die Doppel-LP-Verpackung wurde von dem mehrfach mit dem GRAMMYr ausgezeichneten Künstler Masaki Koike gestaltet.

Nomad ist das brandneue Soloalbum des bahnbrechenden Rock'n'Soul-Sängers/Songwriters Richie Kotzen. Der für seine Gitarrenvirtuosität bekannte und hoch angesehene Solokünstler hat auch mit Mr. Big gespielt, ist Mitglied von The Winery Dogs und bildet zusammen mit Adrian Smith von Iron Maiden die eine Hälfte von Smith/Kotzen. Das Debüt „Cheap Shots“ gibt den Ton für das Album an, mit einem herrlich kraftvollen Stück Gitarren-Drive und Hard-Riffing Heavy Rock.

Das Londoner Post-Punk-Quartett Desperate Journalist kehrt im Herbst 2024 mit ihrem nunmehr fünften Studioalbum voller sardonischem, schrägem Humor und leidenschaftlicher Musik zurück. Auf ,No Hero", das die Vorab-Singles ,Unsympathetic Parts 1 & 2" und ,Afraid" sowie die kommende Leadsingle ,You Say You're Lonely" enthält, versucht die Band, ihren zerklüfteten, düsteren Trademark-Sound in immer interessantere Bahnen zu lenken. Als kreativer Neustart sind die vorab veröffentlichten Singles glänzende, strahlende Wegweiserfür die Richtung in die Desperate Journalist ihren ursprünglichen dunkelen Indie-Sound in neue, immer reizvollere Formen und zerklüftete Winkel schieben und ziehen, ohne dabei die ihnen ganz eigene glühende Essenz zu verlieren. Es gibt klirrende Synthesizer, erhabene Gothic-Anklänge, es gibt stürmische Melodien, es gibt gespenstische Klaviereinlagen, berserkerhafte Gitarrenausbrüche und das eine oder andere Stück, das ein bisschen nach den famosen The Icicle Works klingt. Und es gibt (mindestens) einen gigantischen, verzweifelten Desperate Journalist-Refrain im Song ,7", der mit höchster Logik tatsächlich als Track Nummer 7 des Albums fungiert. Die beste aller Album-Tracknummern, ganz sicher, in diesem Fall ein Song, der auch als mögliche Single funktionieren würde und deshalb Album Fokus Track ist. ,Immer wenn wir etwas Neues schreiben, möchte ich, dass es gleichzeitig verrückter und poppiger ist als das, was wir vorher gemacht haben, und ich denke, dies ist das Album, auf dem wir in dieser Hinsicht wirklich einen Sprung nach vorne gemacht haben." - Jo Bevan 2024 Desperate Journalist besteht aus Jo Bevan (Gesang, Synthesizer und Drum Machine), Robert Hardy (Gitarren, Synthesizer und Klavier), Caroline Helbert (Schlagzeug, Drum Machine und Percussion) und Simon Drowner (Bass und Synthesizer). Erhältlich als weiße Vinyl-LP, Digipack-CD & Musik-Kassette!

Das Londoner Post-Punk-Quartett Desperate Journalist kehrt im Herbst 2024 mit ihrem nunmehr fünften Studioalbum voller sardonischem, schrägem Humor und leidenschaftlicher Musik zurück. Auf ,No Hero", das die Vorab-Singles ,Unsympathetic Parts 1 & 2" und ,Afraid" sowie die kommende Leadsingle ,You Say You're Lonely" enthält, versucht die Band, ihren zerklüfteten, düsteren Trademark-Sound in immer interessantere Bahnen zu lenken. Als kreativer Neustart sind die vorab veröffentlichten Singles glänzende, strahlende Wegweiserfür die Richtung in die Desperate Journalist ihren ursprünglichen dunkelen Indie-Sound in neue, immer reizvollere Formen und zerklüftete Winkel schieben und ziehen, ohne dabei die ihnen ganz eigene glühende Essenz zu verlieren. Es gibt klirrende Synthesizer, erhabene Gothic-Anklänge, es gibt stürmische Melodien, es gibt gespenstische Klaviereinlagen, berserkerhafte Gitarrenausbrüche und das eine oder andere Stück, das ein bisschen nach den famosen The Icicle Works klingt. Und es gibt (mindestens) einen gigantischen, verzweifelten Desperate Journalist-Refrain im Song ,7", der mit höchster Logik tatsächlich als Track Nummer 7 des Albums fungiert. Die beste aller Album-Tracknummern, ganz sicher, in diesem Fall ein Song, der auch als mögliche Single funktionieren würde und deshalb Album Fokus Track ist. ,Immer wenn wir etwas Neues schreiben, möchte ich, dass es gleichzeitig verrückter und poppiger ist als das, was wir vorher gemacht haben, und ich denke, dies ist das Album, auf dem wir in dieser Hinsicht wirklich einen Sprung nach vorne gemacht haben." - Jo Bevan 2024 Desperate Journalist besteht aus Jo Bevan (Gesang, Synthesizer und Drum Machine), Robert Hardy (Gitarren, Synthesizer und Klavier), Caroline Helbert (Schlagzeug, Drum Machine und Percussion) und Simon Drowner (Bass und Synthesizer). Erhältlich als weiße Vinyl-LP, Digipack-CD & Musik-Kassette!

Das Londoner Post-Punk-Quartett Desperate Journalist kehrt im Herbst 2024 mit ihrem nunmehr fünften Studioalbum voller sardonischem, schrägem Humor und leidenschaftlicher Musik zurück. Auf ,No Hero", das die Vorab-Singles ,Unsympathetic Parts 1 & 2" und ,Afraid" sowie die kommende Leadsingle ,You Say You're Lonely" enthält, versucht die Band, ihren zerklüfteten, düsteren Trademark-Sound in immer interessantere Bahnen zu lenken. Als kreativer Neustart sind die vorab veröffentlichten Singles glänzende, strahlende Wegweiserfür die Richtung in die Desperate Journalist ihren ursprünglichen dunkelen Indie-Sound in neue, immer reizvollere Formen und zerklüftete Winkel schieben und ziehen, ohne dabei die ihnen ganz eigene glühende Essenz zu verlieren. Es gibt klirrende Synthesizer, erhabene Gothic-Anklänge, es gibt stürmische Melodien, es gibt gespenstische Klaviereinlagen, berserkerhafte Gitarrenausbrüche und das eine oder andere Stück, das ein bisschen nach den famosen The Icicle Works klingt. Und es gibt (mindestens) einen gigantischen, verzweifelten Desperate Journalist-Refrain im Song ,7", der mit höchster Logik tatsächlich als Track Nummer 7 des Albums fungiert. Die beste aller Album-Tracknummern, ganz sicher, in diesem Fall ein Song, der auch als mögliche Single funktionieren würde und deshalb Album Fokus Track ist. ,Immer wenn wir etwas Neues schreiben, möchte ich, dass es gleichzeitig verrückter und poppiger ist als das, was wir vorher gemacht haben, und ich denke, dies ist das Album, auf dem wir in dieser Hinsicht wirklich einen Sprung nach vorne gemacht haben." - Jo Bevan 2024 Desperate Journalist besteht aus Jo Bevan (Gesang, Synthesizer und Drum Machine), Robert Hardy (Gitarren, Synthesizer und Klavier), Caroline Helbert (Schlagzeug, Drum Machine und Percussion) und Simon Drowner (Bass und Synthesizer). Erhältlich als weiße Vinyl-LP, Digipack-CD & Musik-Kassette!

Mehr als nur ein My Dying Bride Nebenprojekt.

High Parasite loten die Grenzen zwischen Metal, Gothic Rock und dunklem Synthie-Pop auf ihre unverwechselbare Art ganz neu aus.

Als verehrter und anerkannter Künstler, Gründungsmitglied und Sänger der bahnbrechenden My Dying Bride, die seit über drei Jahrzehnten Erfolge feiert, wird sich das Rampenlicht zweifellos auf Aarons unverwechselbares Profil richten. Zusammen mit Bassist, Sänger und Songwriter Tombs, der maßgeblich an der Entstehung von High Parasite beteiligt war, bildet er eine lebendige, atmende Einheit. Alle Songs tragen die klare Handschrift der Beiden. Zusammen bilden sie das schwarz schlagende Herz der fünfköpfigen Band, die von Sam Hill (Rhythmusgitarre), Jonny Hunter (Leadgitarre) und Dan Brown (Schlagzeug) ergänzt wird.

Zeitgleich mit der Veröffentlichung des Albums geht die Band auf ihre allererste UK-Tournee als Support von niemand Geringerem als Cradle of Filth.

Produziert von Gregor Mackintosh von Paradise Lost und gemastert von Tim Turan.

- Ltd. Col. LP: (White Vinyl)

We are delighted to present the debut record by pianist, poet and radio producer Phil Smith. Turning his attention away from BBC feature-making, and his cult Jazz-Disjunction NTS show, Phil offers us the diaristic, heartfelt and homespun "Tagebuch".

"Tagebuch" is a collection of musical journal entries, spanning Phil's time living in Berlin from 2013—2017. Using sweetly tumbling piano as a starting point, he flexes his storytelling chops, shifting from scene to scene via voice, folk-jazz arrangements, musique concrète and the occasional techno-synth chugger.

Don't be fooled by Phil's back-of-envelope charm, this is an expertly-crafted radio biopic without words; the minutiae of life percolated through layers of accordion, U-Bahn harmonics and beer foam. A talented cast of guests and friends, notably multi-instrumentalist Zac Gvi, add an unassuming weight and emotional muscle to this deeply personal source material.

Recommended if you like John Carroll Kirby, Penguin Cafe Orchestra or Alabaster DePlume. The vinyl edition of "Tagebuch" comes complete with a book of poems and photos by Phil.

Die neue EP, „blush“, ist eine Hommage an den eklektischen Sound der frühen 2000er Jahre, die nahtlos Elemente aus Club-, Rock- und Garagenmusik miteinander verbindet. Sie wurde von Girl Ultra in enger Zusammenarbeit mit ihren engen Freunden, Sam Katz und Kiddie, produziert. Die Songs mischen nahtlos Elemente von trockenem, klarem Gesang, resonanten akustischen Gitarren und pulsierenden Drums mit einem ansteckenden, von Clubmusik inspirierten Flair. Im Herzen der „blush“-EP liegt eine zutiefst emotionale Geschichte, die von der turbulenten Überschneidung von Anziehung, Verlangen und Melancholie erzählt. Girl Ultra teilt eine ehrliche Erkundung der modernen Weiblichkeit, die sich mit der komplexen Dynamik von Selbstbild und Sexualität auseinandersetzt, mit einem ergreifenden Hauch von Bitterkeit. Die neue Musik von Girl Ultra folgt auf ihre bahnbrechende, in Deutschland jedoch gänzlich übersehene EP, „EL SUR“, aus dem Jahr 2022, die in der New York Times, Pitchfork und Harper's Bazaar besprochen wurde. Der internationale Rolling Stone beschrieb die herausragende Single, „Punk“, mit Little Jesus, als „aufregende klangliche Wendung... ruhig, intensiv und unendlich eingängig“ - der Song hat mittlerweile mehr als sieben Millionen Streams. Nach der Veröffentlichung der EP nahm sie Sessions bei NPRs Tiny Desk Concert und KEXP in Seattle auf. Weitere Presseunterstützung erhielt sie von COLORS, DAZED und gal-dem.

"Learning To Swim On Empty" ist die neue EP des Südlondoners Wu-Lu, sein erstes Material seit dem bahnbrechenden Debütalbum "LOGGERHEAD" (2022). Das im Mai 2024 digital veröffentlichte Vinylformat enthält zwei bisher unveröffentlichte Instrumentals. Auf der EP geht der Sänger/Musiker stärker als je zuvor in die Tiefe, wartet mit seinen bisher gefühlvollsten, intimsten Songs auf und erweitert seine Klangpalette. Die Scheibe klingt wie eine Reihe von Tagebucheinträgen, inspiriert vom Aufwachsen in Brixton, von Tod und Trauer, Wiedergeburt und dem Gefühl, unterzugehen oder zu schwimmen, das entsteht, wenn man ins kalte Wasser geworfen wird. Das Artwork stammt von Bráulio Amado.

Im Kopf eines Vigilanten tobt ein Krieg. A Killer's Confession erzählen ihn laut auf ihrem vierten Album und MNRK Music Group Debütalbum Victim 1.
Die Band um Sänger und Mastermind Waylon Reavis geht über den Punkt ohne Wiederkehr hinaus und kanalisiert die fesselnde Abscheulichkeit
wahrer Verbrechen zu einem Soundtrack aus melodischem Hardrock mit Anflügen von hämmerndem Metal und heimtückischem Industrial. Eine fast
ein Jahrzehnt dauernde Reise führte zu diesem Punkt. Nach drei bahnbrechenden Alben mit Mushroomhead zog sich Waylon von der Musik zurück,
bis sie ihn 2016 wieder einholte. Er tauchte wieder an der Spitze von A Killer's Confession auf und lieferte drei kultige Lieblingsalben: Unbroken
2017, The Indifference of Good Men 2019 und Remember [2021]. Auf dem Weg dorthin verzeichnete die Band zig Millionen Streams und arbeitete
mit jedem zusammen, von Brian "Head" Welch von Korn und Love And Death bis hin zu Chad Gray von Mudvayne und HELLYEAH.2022 ging Waylon
mit seinen Kollegen und Produzenten Dusty Boles [Make Me Famous] und Evan Mckeever [Nine Shrines] ins Studio. Als er diese Vision zum Leben
erweckte, entstand das zehn Tracks umfassende Äquivalent zu "falling down a YouTube rabbit hole of unsolved mysteries". Am Ende erzählt A Killer's
Confession eine Geschichte, von der man sich nicht mehr abwenden kann.

Im Kopf eines Vigilanten tobt ein Krieg. A Killer's Confession erzählen ihn laut auf ihrem vierten Album und MNRK Music Group Debütalbum Victim 1.
Die Band um Sänger und Mastermind Waylon Reavis geht über den Punkt ohne Wiederkehr hinaus und kanalisiert die fesselnde Abscheulichkeit
wahrer Verbrechen zu einem Soundtrack aus melodischem Hardrock mit Anflügen von hämmerndem Metal und heimtückischem Industrial. Eine fast
ein Jahrzehnt dauernde Reise führte zu diesem Punkt. Nach drei bahnbrechenden Alben mit Mushroomhead zog sich Waylon von der Musik zurück,
bis sie ihn 2016 wieder einholte. Er tauchte wieder an der Spitze von A Killer's Confession auf und lieferte drei kultige Lieblingsalben: Unbroken
2017, The Indifference of Good Men 2019 und Remember [2021]. Auf dem Weg dorthin verzeichnete die Band zig Millionen Streams und arbeitete
mit jedem zusammen, von Brian "Head" Welch von Korn und Love And Death bis hin zu Chad Gray von Mudvayne und HELLYEAH.2022 ging Waylon
mit seinen Kollegen und Produzenten Dusty Boles [Make Me Famous] und Evan Mckeever [Nine Shrines] ins Studio. Als er diese Vision zum Leben
erweckte, entstand das zehn Tracks umfassende Äquivalent zu "falling down a YouTube rabbit hole of unsolved mysteries". Am Ende erzählt A Killer's
Confession eine Geschichte, von der man sich nicht mehr abwenden kann.

Green Vinyl
Die norwegische Alternative-Folk-Band Gåte schließt mit ihrem neuen Full-Length-Album Nord eine akustische Ära ab.
Gåte hatten Anfang 2000 mit ihren fesselnden Darbietungen und ihrer bahnbrechenden Mischung aus traditionellem Folk und modernem Rock einen nationalen Durchbruch. Mit großem Respekt vor Folk und beispiellosem Talent gelang es Gåte, traditionelle Folksongs zu interpretieren und einer ganz neuen Generation von Zuhörern zu vermitteln. Im Jahr 2020 beschloss die Band, zu ihren Wurzeln zurückzukehren und in die riesige traditionelle Musikgeschichte Norwegens einzutauchen. Das Ergebnis ist eine sorgfältig schöne und emotionale Sammlung von Songs, die tief in die musikalische Vergangenheit ihres Landes eintauchen, mit einem zeitgenössischen Ansatz.

2024 Repress

140g schwarzes Vinyl, mit Spot UV-Sleeve, 2LP 45rpm. Das beste Post-Rock-Album aller Zeiten" - Fact Mag // ,Ihr Einfluss ist allgegenwärtig` - The Quietus // ,Mysteriös, eindringlich und atemberaubend visionär` - Allmusic // Bark Psychosis waren eine der innovativsten Bands ihrer Zeit und der Legende nach wurde der Begriff ,Post-Rock` erstmals von Musikkritiker Simon Reynolds verwendet. Nach mehreren Singles und EPs erschienen die avantgardistischen, auf Drones und Samples basierenden Klanglandschaften des 21-minütigen Titeltracks ,Scum" nur zwei Jahre vor ihrem bahnbrechenden Debüt ,Hex" (1994). Ihr Sound entstand aus ihren Improvisationen in einem provisorischen Studio in der St John's Church in Stratford. Die Fertigstellung von ,Hex" dauerte ein Jahr und brachte die Band an den Rand des Zusammenbruchs, so dass sie sich zum Zeitpunkt der Veröffentlichung bereits aufgelöst hatte. Indem sie ihre Songs zerlegten und im Studio neu zusammensetzten, entstanden charakteristische Ambient-Soundscapes und ein atmosphärischer, experimenteller Sound. Letztes Jahr hat das Fact Magazine das Album verdientermaßen auf den ersten Platz der ,30 Best Post-Rock Albums Of All Time" gesetzt. Neu gemastert im Jahr 2017 von den originalen analogen Bändern in den Metropolis Studios von Graham Sutton und Stuart Hawkes.

Nach 24 Jahren wird NIGHTINGALEs bahnbrechendes drittes Album "I" nun von Songwriter/Frontmann/Produzent Dan Swanö (Opeth, Katatonia, Oceans Of Slumber, etc.) remastered. Erstmals im Jahr 2000 veröffentlicht, wird diese Wiederveröffentlichung als Limited Deluxe 2CD Jewelcase mit O-Card (inkl. 7 Bonustracks sowie weiteren 18 Bonustracks auf der zweiten Disc) und zum ersten Mal überhaupt auch auf Vinyl erscheinen. "I" enthält einige von NIGHTINGALEs bekanntesten Songs, darunter "Alonely", "Scarred for Life", "The Game" und "I Return". Die Hinzufügung von zwei Coversongs - rockige Interpretationen von Uriah Heeps "Stealin'" und "From a Dry Camel" von der obskuren amerikanischen Hardrock-Band Dust - sowie einige andere seltene Ausschnitte, Rough Mixes, Remixe und Live-Tracks machen die Deluxe 2CD von NIGHTINGALEs "I" zu einem absoluten Superlativ für langjährige Fans und neue Anhänger.

delving ist ein Studioprojekt des Multiinstrumentalisten Nicholas DiSalvo, der vor allem als Frontmann der Heavy-Psych-Rock-Band Elder bekannt ist. 'All Paths Diverge' folgt auf das 2021 erschienene Debütalbum 'Hirschbrunnen' und setzt DiSalvos unvorhergesehenen Weg als einer der einzigartigsten Songwriter des Psychedelic-Rock-Genres fort. Nach anderthalb Jahrzehnten als Frontmann des bahnbrechenden progressiven Psychedelic-Quartetts Elder gründete DiSalvo delving als zweites Ventil, um musikalische Ideen auszudrücken, die nicht in das Paradigma seiner Hauptband passten. Später rief er noch die Projekte Weite und Eldovar (mit Kadavar) ins Leben. Delving erforscht Instrumentalmusik mit einem starken Fokus auf Psychedelic Rock, Krautrock, frühe elektronische Musik sowie Ambient-Sounds, und zeigt dennoch immer die eindrucksvollen Melodien und das einzigartige Songwriting, die seine Markenzeichen sind.
Die sieben langen Tracks des Albums wurden erneut aus einem ständig wachsenden Songbook voller Ideen ausgewählt, und sind eine Momentaufnahme von DiSalvos aktuellen musikalischen Interessen sowie seiner Liebe zur Klangerkundung und vermeiden Genre-Grenzen. Der Albumtitel ist als subtile Abfuhr des alten Sprichworts "Alle Wege führen nach Rom" gedacht und stellt klar, dass Veränderungen unvermeidlich sind und nichts in Stein gemeißelt ist.
'All Paths Diverge' ist auf cremeweißem 180Gr. Doppel-Vinyl inklusive Download-Karte

Man könnte meinen, das musikalische Erbe der 1960er-Jahre sei bis zur Erschöpfung gefeiert worden (und da hätte man recht), und dennoch, und was noch erstaunlicher ist, werden die Pretty Things unter all den großen bahnbrechenden britischen Bands dieser Zeit immer noch routinemäßig unterschätzt und unterschätzt oft übersehen.Mit ihrer einzigartig rauhen Interpretation des R&B-Repertoires legten die Pretties die Vorlage für einen Sound, der später als ,English Freakbeat" bezeichnet wurde, und gingen in einer Ära der beispiellosen Pop-R/Evolution hin zu Psychedelia und darüber hinaus immer an die sprichwörtlichen Grenzen, indem sie wohl die ersten schrieben und aufnahmen und möglicherweise die beste Rockoper in ihrem Meisterwerk S.F. Sorrow (and what about Parachutes then?).In diesem Jahr jährt sich ihr Debüt ,Rosalyn" zum 60. Mal, was ein guter Vorwand zu sein scheint, ihr Vermächtnis mit einer Tribute-EP zu feiern. Doch anstatt die Klassiker abzudecken, haben sich die vier hier versammelten Psych-Pop- und Mod-nahen Künstler, Bandkollegen und Gare du Nord-Mitarbeiter dafür entschieden, in die weniger bekannten Tiefen des Pretty Things-Katalogs einzutauchen:Der Produzent und Multiinstrumentalist Andy Lewis spielt ,Walking Down The Street" aus den Electric Banana-Sessions von 1967. Der Pariser Popmeister Popincourt übernimmt ,You Don't Believe Me" aus dem Pretties-Album "Get the Picture" aus dem Jahr 1965. Dann ist da noch Ian Buttons ,Papernut Cambridge", der sich der seltsamen Stop-and-Go-Seltsamkeit des Kult-Pop-Juwels ,Defecting Grey" stellt, während Canterburys eigener kontinentaler Pop-Korrespondent Robert Rotifer ,House of Ten"von der häufig vergessenen, aber allgemein glorreichen Kammerpop-LP "Emotions" von 1967 einen Besuch abstattet.,Das ist ein großes Kompliment an die Band", schrieb Dick Taylor, Gitarrist der Pretties, als er um Zustimmung zur Veröffentlichung gebeten wurde, was alle seine Fans bei Gare du Nord Records sehr glücklich machte.,House of Four" (VÖ: 23.08.24/Gare du Nord) wird in einer limitierten Auflage von 300 Exemplaren als 10" EP mit 45 U/min (und digital) erscheinen, mit einer zusätzlichen Postkarte mit dem von Robert Rotifer liebevoll gezeichneten Puppenhaus-Covermotiv. Es ist ein anglo-französisch-österreichisches Cross-Continental kulturelles Unterfangen zu Ehren einer großartigen britischen Band, die sechs Jahrzehnte später immer noch kein bekannter Name ist (außer in den besten Haushalten), es aber immer verdient hat.Schade nur, dass Phil May nicht mehr da ist, um es zu hören ...

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: Stereo, komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von den Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing),
wattierte Innenhülle.

In den 1960er Jahren ließen sich viele Jazzkünstler auf die eine oder andere Art und Weise von den bahnbrechenden Aufnahmen inspirieren, die John Coltrane damals für Impulse! Records einspielte. Selbst der große Sonny Rollins konnte sich diesem Einfluss nicht ganz entziehen. Bestes Beispiel dafür ist das 1966 entstandene Album “East Broadway Run Down”, auf dem der Saxofonist - kongenial unterstützt vom Rhythmus-Tandem des legendären Coltrane-Quartetts und Trompeter Freddie Hubbard - einen abenteuerlichen Ausflug in freiere Klanggefilde unternimmt. Das Album gilt als wahres Juwel in Rollins’ Œuvre der 1960er Jahre

Neues Studioalbum der Neuseeländischen Independent-Helden unter der Leitung des rätselhaften Martin Phillipps. Mit Artwork von Trees' David Costa, meerblaues Vinyl mit Mamor-Effekt, LP inklusive DLC. Dunedin's finest, The Chills, veröffentlichen ihr siebtes Studioalbum "Scatterbrain" zweieinhalb Jahre nach dem enorm erfolgreichen "Snowbound" (2018) und des von der Kritik gefeierten Films "The Chills: The Triumph And Tragedy Of Martin Phillipps' im Jahr 2019. "Es geht um künstlerische Integrität, Selbstverwirklichung, Selbstakzeptanz, und es ist eine Reflexion über Sterblichkeit." (The Guardian) Jetzt, im Jahr 2021, zieht Phillipps Bilanz - über alles. Ja, alles. Das Ergebnis ist das triumphale neue Chills'-Album "Scatterbrain", eine nachdenklich stimmende Aufnahme von einem Mann, der gute und schlechte Zeiten erlebt hat.Eine reife und ehrliche Reflexion über das Leben, das Schicksal und die Geschicke unserer Zeit, vorgetragen in wunderschönen Melodien und mit Phillipps' typischer, prägnanter Wortwahl.Aus der Sicht eines Mannes, der sich seines Alters und seiner eigenen Sterblichkeit bewusst ist, wirft das neue Album einen reifen Blick auf die Dinge, die da kommen, durchaus mit Perspektiven. Scatterbrain" ist ein Leben, das vor Ihren Ohren vorbeizieht, während die Ungewissheit zunimmt und die Fake News weiter rumoren, während Aliens eindringen, Verlassenheit groß wirkt, Welten innerhalb der Welten sich auftun und die Sanduhr sich füllt. Ein bahnbrechendes Album von einem der großen modernen Songwriter, es ist pure Popmusik für eine neue Normalität, spannend zu hören, wie all dies endet...oder weitergeht.

ReissuePIG DESTROYER kündigen zum 20-jährigen Jubiläum eine remixte und remasterte Neuauflage von Painter of Dead Girls an, einer Sammlung früher
Aufnahmen und B-Seiten! Zum ersten Mal seit fast 10 Jahren ist "Painter of Dead Girls" auf Vinyl erhältlich.
Die erste Hälfte der Compilation besteht aus zwei Teilen, wobei die erste Hälfte Songs enthält, die ursprünglich als Test für das Einspielen des
Equipments aufgenommen wurden, bevor die Band ihr bahnbrechendes Album "Prowler In The Yard" veröffentlichte. Die zweite Hälfte des Materials
enthält Songs von den kultigen Splits mit Gnob und Benümb, Covers von Helmet und The Stooges, den lange verschollenen Track 'Delusional
Supremacy 2K' und eine rohe Keller-Live-Aufnahme von "Rejection Fetish".
Das Cover wurde von Chris Taylor von Pg. 99 gestaltet, der später auch für das kultige Terrifyer-Album der Band verantwortlich zeichnete, das in
diesem Jahr ebenfalls 20 Jahre alt wird.

King Buzzo alias Buzz Osborne ist Sänger, Gitarrist und Gründer der einflussreichen Band The Melvins. Seine innovative Herangehensweise an Songwriting und Gitarrenspiel hat zahllose Musiker beeinflusst und unzählige Musikliebhaber zu begeisterten Fans gemacht. Buzzo, der für seine bahnbrechende Verwendung von heruntergestimmten Saiten bekannt ist, vermischte meisterhaft seine Punk- und Metal-Einflüsse und schuf so einen neuen, bahnbrechenden Sound in der Heavy Music. Im Laufe seiner langen Karriere, die 1983 in dem kleinen Örtchen Montesano im US-Bundesstaat Washington begann, hat Osborne mehr als 30 Alben unter dem Namen Melvins sowie zwei Soloalben 'Gift of Sacrifice' (2020) und 'This Machine Kills Artists' (2014) veröffentlicht. Desweiteren war er an einer Reihe von Kollaborationen beteiligt, darunter auch Fantômas und Crystal Fairy.

Für 'Gift of Sacrifice' hat sich Buzz mit Trevor Dunn zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Mr. Bungle bekannt sein dürfte, der eklektischen und unberechenbaren Band aus Nordkalifornien, die er 1985 mitbegründete. Doch ist seine Karriere auch außerhalb von Mr. Bungle nicht minder beeindruckend. So ist er zudem Mitglied von Fantômas, Trevor Dunn's Trio-Convulsant, Tomahawk und Melvins Lite.

Wiederveröffentlichung beider King Buzzo Alben zusammen in einem Paket mit 12-Seitigem Booklet + Bonus 'Sick As A Goat' Flexi Disk!

King Buzzo alias Buzz Osborne ist Sänger, Gitarrist und Gründer der einflussreichen Band The Melvins. Seine innovative Herangehensweise an Songwriting und Gitarrenspiel hat zahllose Musiker beeinflusst und unzählige Musikliebhaber zu begeisterten Fans gemacht. Buzzo, der für seine bahnbrechende Verwendung von heruntergestimmten Saiten bekannt ist, vermischte meisterhaft seine Punk- und Metal-Einflüsse und schuf so einen neuen, bahnbrechenden Sound in der Heavy Music. Im Laufe seiner langen Karriere, die 1983 in dem kleinen Örtchen Montesano im US-Bundesstaat Washington begann, hat Osborne mehr als 30 Alben unter dem Namen Melvins sowie zwei Soloalben 'Gift of Sacrifice' (2020) und 'This Machine Kills Artists' (2014) veröffentlicht. Desweiteren war er an einer Reihe von Kollaborationen beteiligt, darunter auch Fantômas und Crystal Fairy.

Für 'Gift of Sacrifice' hat sich Buzz mit Trevor Dunn zusammengetan, der vor allem für seine Arbeit mit Mr. Bungle bekannt sein dürfte, der eklektischen und unberechenbaren Band aus Nordkalifornien, die er 1985 mitbegründete. Doch ist seine Karriere auch außerhalb von Mr. Bungle nicht minder beeindruckend. So ist er zudem Mitglied von Fantômas, Trevor Dunn's Trio-Convulsant, Tomahawk und Melvins Lite.

Wiederveröffentlichung beider King Buzzo Alben zusammen in einem Paket mit 12-Seitigem Booklet + Bonus 'Sick As A Goat' Flexi Disk!

Alles endet. Selbst in den legendären Gefilden des Heavy Metal, wo Mythen und Legenden tagtäglich in die
alltägliche Realität eindringen. Mitglieder und Fans der amerikanischen Metal-Giganten Metal Church wurden
sich dessen schmerzlich bewusst, als sie im Juli 2021 ihren legendären Sänger und Frontmann Mike Howe
verloren. Von 1988 bis 1994 und noch einmal ab 2015 war Howe der Frontmann einer der meistgeliebten und
geschätzten Metal-Institutionen Amerikas und nahm bahnbrechende und essentielle Werke wie "Blessing in
Disguise" und "The Human Factor" auf.
Mike Howe war ein herausragender Sänger, ein charismatischer Frontmann und für viele die Stimme des
amerikanischen Heavy Metal. Am 26. Juli 2021 starb Howe im Alter von 55 Jahren in seinem Haus in Eureka,
Kalifornien. Die Welt hat an diesem Tag eine einzigartige Stimme und ein einzigartiges Talent verloren. Sein
Vermächtnis wird natürlich weiterleben, in seinen vielen Freunden, Anhängern und Fans, in seinen klassischen
Alben und in den Erinnerungen seiner Bandkollegen. Zum dritten Jahrestag seines tragischen Todes wird
Reaper Entertainment seinen eigenen Beitrag zum Gedenkaltar einer wahren Ikone leisten: ein Live-Album mit
dem Titel "The Final Sermon", aufgenommen bei seinen letzten Auftritten - am 24. und 25. August 2019 im Club
Citta in Kawasaki, Japan. "The Final Sermon" zeigt nicht nur Howe auf seinem stimmlichen Höhepunkt, der
singt, schreit und schmettert, als gäbe es buchstäblich kein Morgen, sondern auch eine Band in bestechender
Form. Thrash-Gitarren-Pionier und -Gründer Kurdt Vanderhoof, Gitarrist Rick Van Zandt, Bassist Steve Unger,
Schlagzeuger Stet Howland und Live-Bassist Bobby Ferkovich waren in diesen zwei langen Nächten in Japan in
Hochform, eine eingespielte Metal-Maschine, die zu allem bereit war. 14 Songs unterstreichen ihren Status als
Quintessenz amerikanischer Metal-Overlords, eine Band, die musikalisch alle Register zieht und gleichzeitig eine
politische, sozial bewusste, philosophische Denkweise verkörpert. Aktuelle Knaller wie das furiose
"Damned if you do", Klassiker wie die bedrohliche Riffwand von "Fake Healer" und frühe Klassiker wie "Beyond
the Black" zeigen eine Band, die sich ihrer Vergangenheit bewusst und stolz darauf ist, sich aber in der
Gegenwart wohl fühlt. Dies ist keine Veteranengruppe, die mit vergangenem Ruhm prahlt, sondern eine Band,
die auch vier Jahrzehnte nach ihrer Karriere noch ein hungriges und gefährliches Wolfsrudel ist.
Das ist das Schöne an Metal Church. Die Band wurde 1980 in der aufkeimenden Metalszene der Bay Area
gegründet und ließ sogar Lars Ulrich für den Posten des Schlagzeugers vorspielen, bevor er die Band verließ, um
eine andere Bay Area-Band zu gründen. Ihr Debütalbum "Metal Church" (1984) ist einer der großen Klassiker
des amerikanischen Heavy Metal und begründete eine internationale Karriere. Die Band spielte mit allen
großen Vier des Thrash (Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax), trat bei MTVs "Headbanger's Ball" auf und
prägte die amerikanische Metal-Landschaft wie keine andere. Die Band ist auch heute noch quicklebendig, aber
die legendäre Ära der achtziger und frühen neunziger Jahre wird durch die Spuren, die Sänger Mike Howe in
der Band hinterlassen hat, nie übertroffen werden: "The Final Sermon" ist der lebende Beweis dafür, dass, auch
wenn alle Idole irgendwann fallen, ihr Vermächtnis weiterlebt. Durch uns alle.

Alles endet. Selbst in den legendären Gefilden des Heavy Metal, wo Mythen und Legenden tagtäglich in die
alltägliche Realität eindringen. Mitglieder und Fans der amerikanischen Metal-Giganten Metal Church wurden
sich dessen schmerzlich bewusst, als sie im Juli 2021 ihren legendären Sänger und Frontmann Mike Howe
verloren. Von 1988 bis 1994 und noch einmal ab 2015 war Howe der Frontmann einer der meistgeliebten und
geschätzten Metal-Institutionen Amerikas und nahm bahnbrechende und essentielle Werke wie "Blessing in
Disguise" und "The Human Factor" auf.
Mike Howe war ein herausragender Sänger, ein charismatischer Frontmann und für viele die Stimme des
amerikanischen Heavy Metal. Am 26. Juli 2021 starb Howe im Alter von 55 Jahren in seinem Haus in Eureka,
Kalifornien. Die Welt hat an diesem Tag eine einzigartige Stimme und ein einzigartiges Talent verloren. Sein
Vermächtnis wird natürlich weiterleben, in seinen vielen Freunden, Anhängern und Fans, in seinen klassischen
Alben und in den Erinnerungen seiner Bandkollegen. Zum dritten Jahrestag seines tragischen Todes wird
Reaper Entertainment seinen eigenen Beitrag zum Gedenkaltar einer wahren Ikone leisten: ein Live-Album mit
dem Titel "The Final Sermon", aufgenommen bei seinen letzten Auftritten - am 24. und 25. August 2019 im Club
Citta in Kawasaki, Japan. "The Final Sermon" zeigt nicht nur Howe auf seinem stimmlichen Höhepunkt, der
singt, schreit und schmettert, als gäbe es buchstäblich kein Morgen, sondern auch eine Band in bestechender
Form. Thrash-Gitarren-Pionier und -Gründer Kurdt Vanderhoof, Gitarrist Rick Van Zandt, Bassist Steve Unger,
Schlagzeuger Stet Howland und Live-Bassist Bobby Ferkovich waren in diesen zwei langen Nächten in Japan in
Hochform, eine eingespielte Metal-Maschine, die zu allem bereit war. 14 Songs unterstreichen ihren Status als
Quintessenz amerikanischer Metal-Overlords, eine Band, die musikalisch alle Register zieht und gleichzeitig eine
politische, sozial bewusste, philosophische Denkweise verkörpert. Aktuelle Knaller wie das furiose
"Damned if you do", Klassiker wie die bedrohliche Riffwand von "Fake Healer" und frühe Klassiker wie "Beyond
the Black" zeigen eine Band, die sich ihrer Vergangenheit bewusst und stolz darauf ist, sich aber in der
Gegenwart wohl fühlt. Dies ist keine Veteranengruppe, die mit vergangenem Ruhm prahlt, sondern eine Band,
die auch vier Jahrzehnte nach ihrer Karriere noch ein hungriges und gefährliches Wolfsrudel ist.
Das ist das Schöne an Metal Church. Die Band wurde 1980 in der aufkeimenden Metalszene der Bay Area
gegründet und ließ sogar Lars Ulrich für den Posten des Schlagzeugers vorspielen, bevor er die Band verließ, um
eine andere Bay Area-Band zu gründen. Ihr Debütalbum "Metal Church" (1984) ist einer der großen Klassiker
des amerikanischen Heavy Metal und begründete eine internationale Karriere. Die Band spielte mit allen
großen Vier des Thrash (Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax), trat bei MTVs "Headbanger's Ball" auf und
prägte die amerikanische Metal-Landschaft wie keine andere. Die Band ist auch heute noch quicklebendig, aber
die legendäre Ära der achtziger und frühen neunziger Jahre wird durch die Spuren, die Sänger Mike Howe in
der Band hinterlassen hat, nie übertroffen werden: "The Final Sermon" ist der lebende Beweis dafür, dass, auch
wenn alle Idole irgendwann fallen, ihr Vermächtnis weiterlebt. Durch uns alle.

David Bowies bahnbrechendes Debütalbum erlebt mit einer Neuauflage ein pulsierendes Revival und bietet exklusive Tracklisten, die alte und neue Fans begeistern werden.

Kritiker der damaligen Zeit äußerten sich wie folgt: Der NME lobte Bowies frischen Sound als „durch und durch sehr erfrischend“ und pries ihn als „ein sehr vielversprechendes Talent“. Melody Maker lobt das Album als „eine außergewöhnlich lohnende Sammlung“ mit „exzellenter“ Produktion und zeigt sich überrascht, dass Bowie die Popszene noch nicht stärker beeinflusst hat. Disc & Music Echo schwärmt unterdessen von dem Album, beschreibt es als „ein bemerkenswertes, kreatives Debütalbum eines 19-jährigen Londoners“ und bezeichnet Bowie als „ein neues Talent, das Aufmerksamkeit verdient“. Mit solch aufschlussreichen Kritiken verspricht diese Neuauflage, Bowies frühes Erbe wiederzubeleben und sein visionäres künstlerisches Schaffen einer neuen Generation von Zuhörern vorzustellen.

Cassandra Jenkins ist ganz einfach eine der besten Songwriter-Geschichtenerzählerinnen, die derzeit Musik machen. Sie gehört zu den großen amerikanischen Songwritern, zu Künstlern wie David Berman, Adrianne Lenker, Jeff Tweedy und Sufjan Stevens. Es sind Künstler, die durch ein Gefühl der Unmittelbarkeit verbunden sind, nicht nur durch ihre Texte - die präzise, aufrüttelnd, manchmal brutal und im richtigen Moment witzig sind -, sondern auch durch die Art und Weise, wie sie singen, mit einer tiefgehenden, totalen Überzeugung, die einen durch ihre Lieder trägt. Das sind die Künstler und Lieder, die sich anschleichen und wirklich für immer mit uns leben, und auf „My Light, My Destroyer“ reiht sich Jenkins in diese Reihe ein. Das Bemerkenswerteste an „My Light, My Destroyer“ ist, dass es eine Künstlerin an einem aufregenden Sprung in ihrer Entwicklung zeigt. Vieles an diesem Album unterscheidet sich von seinen Vorgängern; Field Recordings und Found Sound durchdringen es, erzählerisches Songwriting kracht in berauschende, wirbelnde Kompositionen. Jenkins singt mit einer Stimme, die man nur als Powerwhisper bezeichnen kann (man denke an Sufjan Stevens, Annie Lennox, Margo Timmins oder Tweedy aus der YHF-Ära), ihr Gesang ist nah und intim, aber subtil konfrontativ. Aber hier fühlt sich alles größer an, ausgefeilter, kühner und reichhaltiger als bei ihren früheren Arbeiten. Geboren und aufgewachsen in New York City, ist Jenkins seit ihrer Kindheit auf Tournee und tritt auf. Ihre ersten Aufnahmen veröffentlichte sie im Eigenverlag, bevor sie 2021 ihr bahnbrechendes Album „An Overview auf Phenomenal Nature“ veröffentlichte. Auf „My Light, My Destroyer“ sind viele der Songs bestimmten Gefühlen gewidmet, und es geht darum, sich in diese Gefühle hineinzuversetzen, im Gegensatz zu einem erzählerischen Bogen. Die Leadsingle "Only One" ist ein Beispiel dafür, dass ein Moment oder ein Song völlig kurzsichtig sein kann; er kann ein einzelnes Gefühl verkörpern und bietet keine Antworten. Songs wie "Devotion", "Delphinium Blue", "Clams Casino", "Echo" und "Only One" sprechen von der befreienden Qualität einer fokussierten Beobachtung, selbst bis zum Punkt der Desillusionierung. "Es gibt diese Idee der Desillusionierung, an der ich festgehalten habe", sagt sie. "Ich schätze Desillusionierung als einen Prozess, bei dem man neue, unerwartete Ergebnisse entdeckt. Wir lassen auf diese Weise Erwartungen los. Erwartungen halten uns zurück. Es ist leicht, sich auf Abstumpfung oder Enttäuschung zu konzentrieren, aber ich sehe es eher als Freiheit".

Cassandra Jenkins ist ganz einfach eine der besten Songwriter-Geschichtenerzählerinnen, die derzeit Musik machen. Sie gehört zu den großen amerikanischen Songwritern, zu Künstlern wie David Berman, Adrianne Lenker, Jeff Tweedy und Sufjan Stevens. Es sind Künstler, die durch ein Gefühl der Unmittelbarkeit verbunden sind, nicht nur durch ihre Texte - die präzise, aufrüttelnd, manchmal brutal und im richtigen Moment witzig sind -, sondern auch durch die Art und Weise, wie sie singen, mit einer tiefgehenden, totalen Überzeugung, die einen durch ihre Lieder trägt. Das sind die Künstler und Lieder, die sich anschleichen und wirklich für immer mit uns leben, und auf „My Light, My Destroyer“ reiht sich Jenkins in diese Reihe ein. Das Bemerkenswerteste an „My Light, My Destroyer“ ist, dass es eine Künstlerin an einem aufregenden Sprung in ihrer Entwicklung zeigt. Vieles an diesem Album unterscheidet sich von seinen Vorgängern; Field Recordings und Found Sound durchdringen es, erzählerisches Songwriting kracht in berauschende, wirbelnde Kompositionen. Jenkins singt mit einer Stimme, die man nur als Powerwhisper bezeichnen kann (man denke an Sufjan Stevens, Annie Lennox, Margo Timmins oder Tweedy aus der YHF-Ära), ihr Gesang ist nah und intim, aber subtil konfrontativ. Aber hier fühlt sich alles größer an, ausgefeilter, kühner und reichhaltiger als bei ihren früheren Arbeiten. Geboren und aufgewachsen in New York City, ist Jenkins seit ihrer Kindheit auf Tournee und tritt auf. Ihre ersten Aufnahmen veröffentlichte sie im Eigenverlag, bevor sie 2021 ihr bahnbrechendes Album „An Overview auf Phenomenal Nature“ veröffentlichte. Auf „My Light, My Destroyer“ sind viele der Songs bestimmten Gefühlen gewidmet, und es geht darum, sich in diese Gefühle hineinzuversetzen, im Gegensatz zu einem erzählerischen Bogen. Die Leadsingle "Only One" ist ein Beispiel dafür, dass ein Moment oder ein Song völlig kurzsichtig sein kann; er kann ein einzelnes Gefühl verkörpern und bietet keine Antworten. Songs wie "Devotion", "Delphinium Blue", "Clams Casino", "Echo" und "Only One" sprechen von der befreienden Qualität einer fokussierten Beobachtung, selbst bis zum Punkt der Desillusionierung. "Es gibt diese Idee der Desillusionierung, an der ich festgehalten habe", sagt sie. "Ich schätze Desillusionierung als einen Prozess, bei dem man neue, unerwartete Ergebnisse entdeckt. Wir lassen auf diese Weise Erwartungen los. Erwartungen halten uns zurück. Es ist leicht, sich auf Abstumpfung oder Enttäuschung zu konzentrieren, aber ich sehe es eher als Freiheit".

Seit mehr als zwei Jahrzehnten verfolgen Dr. Dog ihre Hingabe an die Alchemie des Musikmachens. Als es an der Zeit war, ihr elftes Studioalbum aufzunehmen, wählte die aus Philadelphia stammende Band einen vielschichtigen Prozess aus, der eine tiefere Synergie zwischen den fünf Mitgliedern (Bassist Toby Leaman, Lead-Gitarrist Scott McMicken, Rhythmusgitarrist Frank McElroy, Keyboarder Zach Miller und Schlagzeuger Eric Slick) erforderte. Diese Reise begann mit einer gemeinsamen Session in einer Hütte in den Wäldern von Pennsylvania, von wo aus Dr. Dog sich nach und nach ihren Weg zu dem fröhlich-unbefangenen Psych-Rock ihrer neuen, selbstbetitelten LP bahnten. McMicken übernahm bei "Dr. Dog" zum ersten Mal in der Geschichte der ausgesprochen egalitären Band das Ruder als Produzent, abgemischt wurde das Album vom mehrfachen Grammy-Gewinner Matt Ross-Spang (Jason Isbell, Drive-By Truckers). Getreu dem eklektischen Geist, der die Band schon immer beseelt hat, wechseln die 11 Tracks auf "Dr. Dog" von Soul über Surf-Rock bis hin zu symphonischem Pop mit einer Ausgelassenheit, die durch die wiederbelebte kreative Energie beflügelt wurde. Ihr erstes komplettes Album seit "Critical Equation" von 2018 zeigt Dr. Dog als eine Band, die noch immer, nach über zwanzig Jahren ihrer Karriere, zusammenwächst und sich weiterentwickelt.

„Drifts and Surfaces“ ist ein dreiteiliges Set, wobei jedes Werk aus Auftragsarbeiten hervorgeht und durch gemeinsame Themen vereint wird: der Fluss zwischen ephemerer Bewegung und alltäglichem Stillstand, das Paradoxon von außergewöhnlicher und alltäglicher Schönheit und der Ehrgeiz und Müßiggang, der das Leben im 21. Jahrhundert ausmacht Saxl nutzt weiterhin kammermusikalische Ensembles neben analogen Synthesizern und digitalen Experimenten und vertieft sich dabei in strukturelle Emotionen und die lebendigen Details kleiner Handlungen. Während ihre bahnbrechende LP „The Blue of Distance“ (2021) Feld-Aufnahmen aus den Adirondacks und dem Lake Superior verarbeitete, stammt Saxls Quellenmaterial hier vor allem aus Live-Percussion und anderen Instrumenten. Das Projekt begann 2018 im Brooklyner Stadtteil Red Hook in dem Proberaum, den sich Saxls Band mit dem Percussion-Trio Tigue teilt. Später im selben Jahr spielten sie gemeinsam eine Residency und nahmen das Stück auf. 2021 begann sie ein neues Auftragswerk mit Third Coast Percussion aus Chicago. Der Titel „Drifts“ bezieht sich auf den Roman von Kate Zambreno aus dem Jahr 2020, in dem die Protagonistin von der Arbeit von Chantal Ackerman fasziniert ist, die die typisch weiblichen, unsichtbaren Formen der häuslichen Arbeit als ebenso wertvoll darstellt wie Tätigkeiten, die gemeinhin als produktiv angesehen werden. Saxl stellt „Drifts“ im Geiste dieser feministischen These auf: „Es fühlt sich an, als gäbe es hier eine kleine Reihe von Frauen, die diese Idee erforschen und kleine Aktionen feiern, von denen ich hoffe, dass ich deren Arbeit fortsetze.“ Das letzte Stück, „Surfaces“, wurde vom Guggenheim Museum in Verbindung mit der Alex Katz-Retrospektive im Jahr 2022 in Auftrag gegeben. Die Gruppe - bestehend aus Henry Solomon am Baritonsaxophon, Robby Bowen am Glasmarimbaphon und Saxl - lehnt sich an leichte, nachdenkliche Töne an, die von der Gegenwartsbezogenheit des bahnbrechenden Malers inspiriert sind. Katz' Arbeit beschäftigt sich mit der optischen Wahrnehmung von „schnell vergehenden Dingen“, wie der Liminalität der Dämmerung, wenn die Umrisse eines Objekts beginnen, undeutlich zu werden. „Die Art und Weise, in der sich unsere Wahrnehmung der Dinge verändert, nicht weil sie sich verändern, sondern weil wir uns verändern“, erklärt Saxl. „Ich wollte, dass sich diese wirklich kleinen Veränderungen dramatisch anfühlen, um die imaginäre Bewegung in seinen Gemälden widerzuspiegeln.“ Tritt man zurück, um „Surfaces“ innerhalb des Sets zu betrachten, findet Saxl den Strom, der sich durch die gesamte Arbeit zieht, das Konzept des Selbst als Teil von etwas Größerem. „Katz‘ Darstellung mehrerer Generationen von New Yorker Künstlern hat mich dazu inspiriert, darüber nachzudenken, dass es kein individuelles ‘Ich' als Künstler gibt, ohne die Künstler, die vor mir kamen, und die Gemeinschaft der Künstler, mit denen ich zusammengewachsen bin. Die Grenzen zwischen uns verschwimmen, und ich habe das Gefühl, dass ich auf einer verwobenen Oberfläche getragen werde, die von der Gemeinschaft um mich herum gebildet wird. Gleichzeitig weiß ich aber auch, dass ich mich irgendwann nach innen wenden und allein hinausschwimmen muss.“

"Hollow Bone" ist der neueste Track der australischen Metalcore-Pioniere In Hearts Wake und die erste Single aus ihrem sechsten Studioalbum Incarnation.

Ihr letztes Album Kaliyuga (2020) landete auf Platz 3 der Aria Charts und wurde von Fans und Presse gleichermaßen gelobt. KERRANG! schrieb: "In Hearts Wake haben eine LP mit der Substanz und Zugänglichkeit abgeliefert, die ein möglichst breites Publikum anspricht - und der Qualität, die ihren Platz an der Spitze des australischen Metalcore festigt."

Thematisch wird Incarnation als die Umkehrung des bahnbrechenden In Hearts Wake-Albums Divination betrachtet - das Konzept, dass sich jeder Song auf eine bestimmte Major Arcana Tarotkarte konzentriert, wird auf Incarnation auf den Kopf gestellt. Jeder Song erforscht die Schattenseiten, ein Album, das im Sound und in der Thematik diametral zu Divination steht.

Als LACRIMOSA 1994 ihr bahnbrechendes " Schakal
veröffentlichten, waren sie die erste Szene-Band, die
Gothic und Metal kombinierten, und dies in eine
klassische Orchestrierung einbetteten! Von der
Metal-Presse als zu düster und von der Gothic-Presse als
zu hart verrissen, fand sich der Band zunächst auf
einsamen Posten.
Zwei Jahre später waren LACRIMOSA Headliner der
Dark Winter Nights Festivals, der ersten Festival-Tour, die
Gothic- und Metal Bands wie THE GATHERING,
SENTENCED oder DREAMS OF SANITY auf einer
Bühne vereinten.
Der Rest ist Geschichte: Viele Bands, sowohl aus der
Metal- als auch aus der Gothic-Szene, folgten ihrem
Beispiel und Gothic-Metal, sowie Symphonic-Metal wurden
bis heute zu etablierten Musikstilen.
In der Zwischenzeit haben LACRIMOSA ihre
musikalischen Fähigkeiten weiterentwickelt und
perfektioniert, während sie seit mehr als 20 Jahren Shows
auf der ganzen Welt von Argentinien bis China spielen
und nun alles in diesem Meisterwerk zusammenführen:
Leidenschaft trifft auf Vollkommenheit, Schmerz trifft auf
Erlösung und Dunkelheit trifft auf das leitende Licht der
Liebe!
"Inferno" war 1995 mehr als ein neues Album, es ist ein
magisches Erlebnis purer Hingabe - und nun erstmals auf
zwei verschieden farbigen Doppel-LPs mit Booklet
erhältlich!

Als LACRIMOSA 1994 ihr bahnbrechendes " Schakal
veröffentlichten, waren sie die erste Szene-Band, die
Gothic und Metal kombinierten, und dies in eine
klassische Orchestrierung einbetteten! Von der
Metal-Presse als zu düster und von der Gothic-Presse als
zu hart verrissen, fand sich der Band zunächst auf
einsamen Posten.
Zwei Jahre später waren LACRIMOSA Headliner der
Dark Winter Nights Festivals, der ersten Festival-Tour, die
Gothic- und Metal Bands wie THE GATHERING,
SENTENCED oder DREAMS OF SANITY auf einer
Bühne vereinten.
Der Rest ist Geschichte: Viele Bands, sowohl aus der
Metal- als auch aus der Gothic-Szene, folgten ihrem
Beispiel und Gothic-Metal, sowie Symphonic-Metal wurden
bis heute zu etablierten Musikstilen.
In der Zwischenzeit haben LACRIMOSA ihre
musikalischen Fähigkeiten weiterentwickelt und
perfektioniert, während sie seit mehr als 20 Jahren Shows
auf der ganzen Welt von Argentinien bis China spielen
und nun alles in diesem Meisterwerk zusammenführen:
Leidenschaft trifft auf Vollkommenheit, Schmerz trifft auf
Erlösung und Dunkelheit trifft auf das leitende Licht der
Liebe!
"Inferno" war 1995 mehr als ein neues Album, es ist ein
magisches Erlebnis purer Hingabe - und nun erstmals auf
zwei verschieden farbigen Doppel-LPs mit Booklet
erhältlich!

”Artificial Paradise” ist das sechste Studioalbum der GRAMMY®-nominierten Band OneRepublic, bestehend aus Singer/Songwriter und Leadsänger Ryan Tedder, den Gitarristen Zach Filkins und Drew Brown,
Keyboarder Brian Willett, Bassist und Cellist Brent Kutzle und Schlagzeuger Eddie Fisher. Als Band haben
sie weltweit über 16 Millionen Platten verkauft. ”Artifical Paradise” enthält die Platin-Single „I Ain’t Worried“, die bahnbrechende Single ‚I Don’t Wanna Wait‘ mit David Guetta und die beliebten Hits ‚West
Coast‘, ‚Sunshine‘ und viele mehr. Frontmann Ryan Tedder ist dreifacher Grammy-Preisträger und u.a.
auch für seine Songwriting-Arbeit mit Adele und Taylor Swift bekannt. Außerdem hat er große, weltweite
Hits für die Jonas Brothers, Ed Sheeran, Tate McRae, Miley Cyrus, 5SOS, OneDirection, John Mayer,
Maroon 5 und viele mehr geschrieben.

Animal Collective feiern das 15-jährige Jubiläum ihres bahnbrechenden Albums Merriweather Post Pavilion mit einer Deluxe-Vinyl-Neuauflage, die am 28. Juni bei Domino erscheint. Das Album wird zum ersten Mal auf farbigem Vinyl gepresst und ist als 2xLP in Translucent Green und Bluish erhältlich.

- 140G 2LP im blau-violetten und translucent grünen Vinyl inkl. bedruckten Innenhüllen und Downloadkarte

Die geschätzten Unique Leader Records-Alumni Fallujah haben die 10-Jahres-Edition von "The Flesh Prevails" angekündigt, die von Zack Ohren neu
abgemischt und remastered wurde.
"The Flesh Prevails" hat bei seiner ersten Veröffentlichung 2014 die Technical Death Metal-Welt im Sturm erobert und ist nach wie vor eines der
wichtigsten Alben im Katalog des Labels. Fallujahs bahnbrechende Mischung aus epischen Klanglandschaften, die in ihre komplexen Strukturen
verwoben wurden, schufen eine Platte, die für sich allein steht und ein überragendes Werk darstellt. 10 Jahre später wirkt das Album frischer und
wichtiger denn je. Ein Remix und ein Remaster von den begnadeten Ohren von Zack Ohren haben dieses großartige Album auf ein noch höheres
Niveau gebracht.

Graham Keith Gouldman (geboren am 10. Mai 1946) ist ein englischer Sänger, Musiker und Songschreiber, der vor allem als Co-Leadsänger und Bassist der Art-Rock-Band 10cc bekannt ist. Nicht viele Musiker können die größten britischen Gitarristen aller Zeiten und den bekanntesten Schlagzeuger der Welt für ihr Soloalbum gewinnen.
Aber der legendäre Sänger, Songwriter und Hüter der 10cc-Flamme Graham Gouldman hat im Laufe seiner 60-jährigen Karriere einige
bahnbrechende Freunde gefunden. Unter anderem haben Brian May, Hank Marvin, Albert Lee und Ringo Starr zu Gouldmans kommendem sechsten Soloalbum I Have Notes beigetragen.

I Have Notes bietet eine breite Palette an musikalischen Stilen und Texturen, die die Vielfalt von Gouldmans Katalog widerspiegeln. Von der choralen Eröffnung I'm Not In Love, der wortwörtlichen Weltraumballade Floating In Heaven (mit Brian May), dem erhebenden Country-Stomp von We're Alive, über den liebenswerten romantischen Walzer von When You Find Love (mit Hank Marvin), und der überschwänglichen kindlichen Freude von Play Me, dem frechen, festlichen Swing von Christmas Affair (mit Beth Nielsen Chapman) bis hin zum Abschlussstück der Seite A dem unverhohlen von den Beatles inspirierten Couldn't Love You More (mit Ringo Starr).

In einem elektrisierenden Kreativitätsschub sind die Southern-Rock-Giganten Robert Jon & The Wreck bereit, ihr bisher ehrgeizigstes Projekt vorzustellen: Red Moon Rising. Dieses bahnbrechende Album, das am 28. Juni über Bonamassas Journeyman Records erscheint, ist eine mutige Erklärung der Evolution und Wiedergeburt, fängt die Essenz der transformativen Jahre der Band ein und legt einen neuen Kurs für ihre musikalische Odyssee fest. Leadsingle und Titeltrack des Albums erweisen sich als Leuchtturm dieser neuen Ära der Rockmusik. CD mit Bonustrack, LP auf rot-schwarzem Splatter-Vinyl.

Nach 30 Jahren wird EDGE OF SANITYs bahnbrechendes viertes Album "Purgatory Afterglow" nun remastert und sogar von Songwriter/Frontmann/Produzent Dan Swanö (Opeth, Dissection, Katatonia, etc) neu abgemischt. Die Wiederveröffentlichung des 1994 erstmals erschienenen Albums ist nun endlich wieder als Limited Deluxe 2CD Jewelcase mit O-Card (mit der "Until Eternity Ends" 4-Track EP als Bonus) und auf verschiedenen 180g-Vinyl-Editionen erhältlich. Mit dem eingängigen "Twilight", dem fulminanten "Of Darksome Origin", dem langsamen "Velvet Dreams" und EDGE OF SANITYs Durchbruchshit "Black Tears" ist "Purgatory Afterglow" ein Triumph des modernen Death Metal. Diese 30th Anniversary Edition enthält den Original-Mix/Master und als Bonus einen Total Mix Rework des Albums, den Swanö als "lebendig und frisch" bezeichnet. Entdecke EDGE OF SANITYs "Purgatory Afterglow" neu, bevor X-Machines uns alle auslöschen!

LIMBONIC ART kehren mit "Opus Daemoniacal" zurück! Das neunte Album der norwegischen Black Metal Pioniere ist schwarz wie ein Rabe, grimmig wie ein Wolf, majestätisch wie ein Adler und so mächtig wie die frühen Werke der legendären Band, die Sänger und Multi-Instrumentalist Vidar "Daemon" Jensen im Jahr 1993 gegründet hat. Auf "Opus Daemoniacal" bleibt der Norweger seinem geradlinigen schwarzen Kurs treu, den er zuletzt eingeschlagen hatte. Doch das Album lehnt sich gleichzeitig auch bewusst an die atmosphärische Dichte und das cineastische Gefühl von LIMBONIC ARTs bahnbrechenden Frühwerken an. Nach dem Anwachsen zu einem Duo erschien das Debütalbum "Moon in the Scorpio" im Jahr 1996 bezeichnenderweise über Nocturnal Art Productions - dem Label von EMPEROR-Gitarrist Samoth alias Tomas Thormodsæter Haugen. Die einzigartige Kombination aus hartem nordischen Black Metal mit erhabenen Kopfkino-Elementen, die ihre Inspiration aus romantischer und klassischer Orchestermusik bezogen, erwies sich in den folgenden Jahren als äußerst einflussreich. Mit dem Nachfolger "In Abhorrence Dementia" (1997) und dem dritten Album "Epitome of Illusions" (1998) reduzierten LIMBONIC ART allmählich die symphonischen Elemente in ihrem Sound. Im Februar 2003 löste sich das Duo auf, aber Daemon reformierte die Band im Jahr 2006. Es folgten die LIMBONIC ART Alben "Phantasmagoria" (2010) und "Spectre Abysm" (2017). "Opus Daemoniacal" verbindet die Gegenwart mit dem frühen Klanggefühl der norwegischen Kultband, was sowohl Freunde der ersten Werke als auch eine neue Generation von Liebhabern des klassischen nordischen Black Metal ansprechen wird.