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Die HC-geneigten Punkrocker aus Schweden melden sich mit ihrem dritten Album zurück! "Liminal State" kann als Schwellenzustand beschrieben werden - der Übergang zwischen zwei verschiedenen Phasen, Orten oder Realitäten. Ein Dazwischen, in dem man nicht mehr der Mensch ist, der man einmal war, aber auch noch nicht der, der man werden wird. Genau in diesem Zustand befinden sich die Mitglieder von Death By Horse - oder sie haben ihn seit ihrem letzten Album "Reality Hits Hard" (2019) durchlebt. Dieses Album ist kein Hilferuf - es ist ein Schrei direkt ins Gesicht! Es ist ein Weg, die emotionale Achterbahnfahrt der letzten Jahre zu verarbeiten. Death By Horse stürzt sich kopfüber in diesen Sturm voller existenziellem Zorn, dem Kampf gegen toxische Muster, dem Tod von Familienmitgliedern und dem Tragen einer Maske aus falschem Selbstvertrauen, um Selbstzweifel und Selbsthass zu verbergen. Das ist Punkrock mit einer melodischen Hardcore-Kante - schnell, gnadenlos und mit Texten voller Widersprüche, unbequemer Wahrheiten, Ironie und der brutalen Selbstreflexion, für die Death By Horse bekannt ist. Keine geschönte Fassade, kein Filter - nur rohe, raue Energie und eine Ehrlichkeit, die weh tut. Gleichzeitig ist "Liminal State" eine Erinnerung daran, dass das alles nur eine Fahrt ist - nicht mehr und nicht weniger. Also: Genieß jede verdammte Sekunde davon! Wenn du dich jemals wie ein Freak, ein Geist oder wie eine Granate kurz vorm Explodieren gefühlt hast - willkommen zu Hause! Klassisch schwarze oder farbige Splatter Vinyl-LP, CD kommt im schmalen Cardboard.

Die 8. "Peace Chant"-Ausgabe legt den Fokus ein weiteres Mal auf deutsche Produktionen. Mit dabei ist Seltenes (Fences), Unveröffentlichtes (Music Community), aber auch die ein oder andere €10 Platte. Alleine die Tatsache, dass eine Original-LP selten/teuer ist, macht sie für die Tramp Records Crew nicht interessant. Es geht ihnen primär um die Musik. Und wenn sie ein Song überzeugt, kommt er in die engere Auswahl. In der Tat ist es so, dass viele etablierte Reissue-Labels zu oft Platten oder Songs ignorieren und nur deswegen nicht wiederveröffentlichen, weil sie in der Sammlerszene nicht gesucht sind. Tobias Kirmayer und seine Mitstreiter haben es sich auf die Fahne geschrieben, gegen diesen Missstand vorzugehen. Ein gutes Beispiel hierfür wäre "Sabanone", ein Titel von Büdi Siebert's Formation mit dem herrlichen Namen HerrGottSax. Die Original-LP kostet um die €15. Sämtliche Titel erscheinen zum ersten Mal auf CD und LP. Formate: * Deluxe-CD mit 24-seitigem Booklet mit ausführlichen Linernotes und unveröffentlichten Fotos * Schwarzes Bio-Vinyl im Gatefold mit ausführlichen Linernotes, unveröffentlichten Fotos und Download-Code

Phantoms bahnbrechendes Debütalbum „Handed to Execution“ von 2023 erscheint nun mit der Klangqualität, die es schon immer verdient hat. Unter der Leitung von Patrick W. Engel wurde es sorgfältig neu abgemischt und remastered, sodass diese definitive Edition den Speed/Thrash Metal der Mexikaner endlich in seiner ganzen knochenbrechenden Pracht präsentiert.
Mastermind, Sänger und Gitarrist J.C. erklärt: „Damals wussten wir noch nichts über Recording, wir haben es während der Arbeit an der Platte gelernt. Es war auch etwas unglücklich, da sich unser anderer Gitarrist Harel den Arm gebrochen hatte und ich schließlich das gesamte Album ohne Hilfe aufnehmen musste, während wir den Schlagzeuger wechselten. Es war eine Herausforderung, aber wir haben es geschafft.“
Was als ambitioniertes DIY-Projekt begann, wurde schnell zu „einem sehr beliebten Album, das uns Fans auf der ganzen Welt beschert hat“. Phantom wurden 2021 in der Underground-Szene von Guadalajara gegründet und etablierte sich mit drei Demos und einer Vierer-Split-LP, bevor sie „Handed to Execution“ herausbrachten.
High Roller Records freuen sich nun, diese unverzichtbare Neuauflage zu veröffentlichen, die die minderwertigen früheren Pressungen vergessen macht, die J.C. als „ziemlich chaotisch“ beschreibt. Jeder donnernde Drum-Schlag und jedes messerscharfe Riff ist nun perfekt ausbalanciert, um maximale Wirkung zu erzielen.
Phantom werden im September/Oktober 2025 mit Evilcult aus Brasilien durch Europa touren.

High Roller Records, bone vinyl, ltd 350, 425gsm heavy cardboard cover, insert.

Phantoms bahnbrechendes Debütalbum „Handed to Execution“ von 2023 erscheint nun mit der Klangqualität, die es schon immer verdient hat. Unter der Leitung von Patrick W. Engel wurde es sorgfältig neu abgemischt und remastered, sodass diese definitive Edition den Speed/Thrash Metal der Mexikaner endlich in seiner ganzen knochenbrechenden Pracht präsentiert.
Mastermind, Sänger und Gitarrist J.C. erklärt: „Damals wussten wir noch nichts über Recording, wir haben es während der Arbeit an der Platte gelernt. Es war auch etwas unglücklich, da sich unser anderer Gitarrist Harel den Arm gebrochen hatte und ich schließlich das gesamte Album ohne Hilfe aufnehmen musste, während wir den Schlagzeuger wechselten. Es war eine Herausforderung, aber wir haben es geschafft.“
Was als ambitioniertes DIY-Projekt begann, wurde schnell zu „einem sehr beliebten Album, das uns Fans auf der ganzen Welt beschert hat“. Phantom wurden 2021 in der Underground-Szene von Guadalajara gegründet und etablierte sich mit drei Demos und einer Vierer-Split-LP, bevor sie „Handed to Execution“ herausbrachten.
High Roller Records freuen sich nun, diese unverzichtbare Neuauflage zu veröffentlichen, die die minderwertigen früheren Pressungen vergessen macht, die J.C. als „ziemlich chaotisch“ beschreibt. Jeder donnernde Drum-Schlag und jedes messerscharfe Riff ist nun perfekt ausbalanciert, um maximale Wirkung zu erzielen.

'Rainy Sunday Afternoon' wurde im vergangenen Herbst in den Abbey Road Studios aufgenommen und ist das dreizehnte Album von The Divine Comedy, ihr erstes Studioalbum seit dem britischen Top-5-Album 'Office Politics' von 2019. Die letzte Veröffentlichung der Band war die Best-of-Compilation 'Charmed Life' von 2022, die ebenfalls Platz 5 der britischen Albumcharts erreichte. Neil Hannon schrieb zuletzt die Original-Songs für den Warner Bros. Blockbuster 'Wonka'.

Neil sagt: "Mein musikalisches Schaffen ist im Guten wie im weniger Guten ein Spiegelbild meiner Persönlichkeit. Ein großer Teil dieser Persönlichkeit genießt die Ausgelassenheit, zelebriert die Albernheit. Und davon habe ich in den Wonka-Liedern reichlich Gebrauch gemacht. Aber wie jeder Mensch habe auch ich eine dunkle, melancholische Seite. Und aus irgendeinem Grund war die in letzter Zeit sehr präsent. Ich brauchte dieses Album als Ventil für diese Gefühle. Um gewisse Dinge zu verarbeiten. Sterblichkeit, Erinnerungen, Beziehungen, politische und soziale Umwälzungen. Jeder sollte hin und wieder die Gelegenheit bekommen ein orchestrales Pop-Album zu machen. Es sollte Teil der Grundversorgung sein durch den National Health Service.“

'Rainy Sunday Afternoon' wurde im vergangenen Herbst in den Abbey Road Studios aufgenommen und ist das dreizehnte Album von The Divine Comedy, ihr erstes Studioalbum seit dem britischen Top-5-Album 'Office Politics' von 2019. Die letzte Veröffentlichung der Band war die Best-of-Compilation 'Charmed Life' von 2022, die ebenfalls Platz 5 der britischen Albumcharts erreichte. Neil Hannon schrieb zuletzt die Original-Songs für den Warner Bros. Blockbuster 'Wonka'.

Neil sagt: "Mein musikalisches Schaffen ist im Guten wie im weniger Guten ein Spiegelbild meiner Persönlichkeit. Ein großer Teil dieser Persönlichkeit genießt die Ausgelassenheit, zelebriert die Albernheit. Und davon habe ich in den Wonka-Liedern reichlich Gebrauch gemacht. Aber wie jeder Mensch habe auch ich eine dunkle, melancholische Seite. Und aus irgendeinem Grund war die in letzter Zeit sehr präsent. Ich brauchte dieses Album als Ventil für diese Gefühle. Um gewisse Dinge zu verarbeiten. Sterblichkeit, Erinnerungen, Beziehungen, politische und soziale Umwälzungen. Jeder sollte hin und wieder die Gelegenheit bekommen ein orchestrales Pop-Album zu machen. Es sollte Teil der Grundversorgung sein durch den National Health Service.“

Julia Wolf ist eine einzigartige Künstlerin, eine genreübergreifende Geschichtenerzählerin und eine Inspiration für Musikfans, Trendsetter und Musikkollegen gleichermaßen. Ihre Reise ist eine lebendige Erzählung von Verletzlichkeit, Wachstum, Experimentierfreudigkeit und menschlicher Erfahrung. Julias digitales Debütalbum ""Good Thing We Stayed"" (2023) verband eindringlich schöne Vocals und gefühlvolles Songwriting mit Trap-inspirierten Popmelodien. Mit ihrer neuen, auch physischen LP ""PRESSURE"" samt der Single ""In My Room"" kehrt die Künstlerin aus Long Island wieder zu ihren Rockwurzeln zurück, zeigt ihre vielseitige Kunstfertigkeit und Missachtung konventioneller Grenzen. Julias Bindung zu ihrem Publikum geht über die Musik hinaus; ihre Texte finden eine so tiefe Resonanz, dass Fans sie oft in Tattoos verewigen, während sie auf Spotify auf über 2 Millionen monatliche Hörer bauen kann.

S
oundtrack-Klassiker zum Kultfilm – neu aufgelegt auf rotem Vinyl

Monty Python’s The Meaning of Life erschien 1983 als Soundtrack zum gleichnamigen Film – und ist nun zum ersten Mal seit Jahrzehnten wieder erhältlich, diesmal als rote Vinyl-Edition.

Die Platte ist ein wilder Mix aus Sketchen, Songs und absurden Zwischenspielen – darunter „Every Sperm Is Sacred“, „Galaxy Song“ und das schräg-romantische „Penis Song (Not the Noël Coward Song)“. Ergänzt wird das Ganze durch Bonus-Dialoge, Soundeffekte und Auftritte von Michael Palin und Terry Gilliam, die eigens fürs Audioformat eingespielt wurden.

Ein absurdes, geniales Hörerlebnis – ganz in Monty Python-Tradition.

Die Boomtown Rats waren eine der erfolgreichsten Bands der 1970er Jahre in Großbritannien. Ihr erwachsener Ihre realistischen Geschichten beflügelten die Fantasie des Massenpublikums. Als Anführer der Rats
führte Bob Geldof seine Band aus Dubliner Post-Punkern mit den britischen Nummer-1-Hits ”Rat Trap”
und ”I Don’t Like Monday’s” direkt an die Spitze der britischen Charts . ”THE FIRST 50 YEARS: SONGS
OF BOOMTOWN GLORY” auf Vinyl feiert die Höhepunkte der geschichtsträchtigen Karriere der Gruppe.
In der Klappcover-Hülle mit brandneuem Artwork und Kommentar wurden alle Titel von der Band selbst
ausgewählt. Dies wurde zeitgleich mit ihrer 50. Jubiläumstour veröffentlicht und ist das Allerbeste von
den Boomtown Rats und eine Zusammenstellung ihrer Texte und Melodien aus eigener Hand.
Erhältlich ab dem 19. September!

TRON: Ares (Original Motion Picture Soundtrack)
24 neue Tracks von Nine Inch Nails: das Duo aus Trent Reznor und Atticus Ross veröffentlicht am 19.
September 2025 sein Album zum Disney-Kultfilm „TRON: Ares“, inklusive der neuen Single „As Alive As
You Need Me To Be”. Damit setzt die Band eine erfolgreiche Soundtrack-Geschichte fort: ihre vorherigen
Untermalungen zu Filmen wie „The Social Network“ (2010), „Soul“ (2020) oder „Challengers“ (2024)
wurden unter anderem mit zwei Oscars, drei Golden Globes, einem Emmy und einem Grammy ausgezeichnet. Die düstere Industrial-Handschrift Trent Reznors fängt die Stimmung der Sci-Fi-Reihe „TRON“, für
deren letzten Film Daft Punk komponierten, perfekt ein. Reznors Einfluss auf die alternative Musikwelt ist
seit den späten 80ern ungebrochen: mit Hits wie „Closer“ und „Hurt“ sowie Alben wie „The Downward
Spiral“ kombinierte das Mastermind elektronische Sounds mit Rockmusik wie nie zuvor. „TRON: Ares“ ist
die erste NIN Veröffentlichung seit fünf Jahren und liefert gleich 70 Minuten neue Musik – erhältlich ab
dem 19.09. auf CD und Vinyl.

'Rainy Sunday Afternoon' wurde im vergangenen Herbst in den Abbey Road Studios aufgenommen und ist das dreizehnte Album von The Divine Comedy, ihr erstes Studioalbum seit dem britischen Top-5-Album 'Office Politics' von 2019. Die letzte Veröffentlichung der Band war die Best-of-Compilation 'Charmed Life' von 2022, die ebenfalls Platz 5 der britischen Albumcharts erreichte. Neil Hannon schrieb zuletzt die Original-Songs für den Warner Bros. Blockbuster 'Wonka'.

Neil sagt: "Mein musikalisches Schaffen ist im Guten wie im weniger Guten ein Spiegelbild meiner Persönlichkeit. Ein großer Teil dieser Persönlichkeit genießt die Ausgelassenheit, zelebriert die Albernheit. Und davon habe ich in den Wonka-Liedern reichlich Gebrauch gemacht. Aber wie jeder Mensch habe auch ich eine dunkle, melancholische Seite. Und aus irgendeinem Grund war die in letzter Zeit sehr präsent. Ich brauchte dieses Album als Ventil für diese Gefühle. Um gewisse Dinge zu verarbeiten. Sterblichkeit, Erinnerungen, Beziehungen, politische und soziale Umwälzungen. Jeder sollte hin und wieder die Gelegenheit bekommen ein orchestrales Pop-Album zu machen. Es sollte Teil der Grundversorgung sein durch den National Health Service.“

'Rainy Sunday Afternoon' wurde im vergangenen Herbst in den Abbey Road Studios aufgenommen und ist das dreizehnte Album von The Divine Comedy, ihr erstes Studioalbum seit dem britischen Top-5-Album 'Office Politics' von 2019. Die letzte Veröffentlichung der Band war die Best-of-Compilation 'Charmed Life' von 2022, die ebenfalls Platz 5 der britischen Albumcharts erreichte. Neil Hannon schrieb zuletzt die Original-Songs für den Warner Bros. Blockbuster 'Wonka'.

Neil sagt: "Mein musikalisches Schaffen ist im Guten wie im weniger Guten ein Spiegelbild meiner Persönlichkeit. Ein großer Teil dieser Persönlichkeit genießt die Ausgelassenheit, zelebriert die Albernheit. Und davon habe ich in den Wonka-Liedern reichlich Gebrauch gemacht. Aber wie jeder Mensch habe auch ich eine dunkle, melancholische Seite. Und aus irgendeinem Grund war die in letzter Zeit sehr präsent. Ich brauchte dieses Album als Ventil für diese Gefühle. Um gewisse Dinge zu verarbeiten. Sterblichkeit, Erinnerungen, Beziehungen, politische und soziale Umwälzungen. Jeder sollte hin und wieder die Gelegenheit bekommen ein orchestrales Pop-Album zu machen. Es sollte Teil der Grundversorgung sein durch den National Health Service.“

Nach ihrem gefeierten Comeback-Album im Oktober 2024 melden sich Propaganda mit einem elektrisierenden Remix-Album zurück: Remix Encounters - eine klanggewaltige Hommage an ihr eigenes Werk, neu interpretiert von internationalen Größen wie Moby, Tangerine Dream, Rhys Fulber, Schiller und vielen mehr. Veröffentlicht auf Bureau B, vereint dieses Album die kreative Energie einer neuen Generation mit der visionären Kraft von Propaganda. Was als einzelne Remix-Anfrage begann, entwickelte sich zu einem globalen Projekt - von Düsseldorf über Helsinki bis Los Angeles. Jeder Track ist ein eigenständiges Kunstwerk, das elektronische Subgenres wie EBM, Ambient, House, Industrial und Rave aufgreift und neu verbindet. Remix Encounters ist mehr als ein Remix-Album - es ist ein Statement. Eine Feier der Transformation, der künstlerischen Freiheit und der ungebrochenen Relevanz einer Band, die seit ihrem Debüt A Secret Wish 1985 elektronische Musikgeschichte schreibt.

MAN WITH A MISSION feierten im März 2025 mit der EP "XV e.p." ihre 15jähriges Band-Jubiläum. Die EP erschien digital (und in Japan auch physisch). Mit "XV e.p. Across the Globe" bringt die Band sie nun auch nach Europa, im Vorfeld ihrer Anfang Oktober startenden Headliner-Tour. Die EP enthält 14 Tracks auf CD und 8 Tracks auf Vinyl, darunter die neuesten Songs der Band: das schwere "Vertigo", das erhebende "Circles", die berührende Rockballade "Whispers of the Fake" und die Leadsingle "REACHING FOR THE SKY". Einen Vorgeschmack auf ihre mitreißenden Live-Auftritte geben die zusätzlichen Live-Tracks auf dem Album, die auf ihrer letzten "Kizuna no Kiseki"-Welttournee aufgenommen wurden. Die Live-Songs wurden 2024 im Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes in Mexiko-Stadt mit Songs aus ihrem umfangreichen Katalog aus 15 Jahren Bandgeschichte aufge-nommen. Zusätzlich wird die CD zwei exklusive Live-Bonustracks enthalten, die bisher noch nicht veröffentlicht wurden: "REACHING FOR THE SKY" und "VERTIGO", die auf der "PLAY WHAT U WANT TOUR 2025" der Band in Japan in diesem Jahr aufgenommen wurden.

Joan Shelley folgt ihrem von der Kritik gefeierten Album ,The Spur" aus dem Jahr 2022 mit ,Real Warmth". Ihr siebtes Album, das in Toronto mit dem Produzenten Ben Whiteley (The Weather Station) aufgenommen wurde, enthält 13 Titel mit zahlreichen Gästen aus der fruchtbaren Musikszene der Stadt (Tamara Lindenman, Doug Paisley). Shelley tourte bereits mit Richard Thompson, Patty Griffin, Wilco und anderen um die Welt. Sie spielte im Lincoln Center, beim Newport Folk Festival, war auf den Covern des Acoustic Guitar Magazine und des Fretboard Journal zu sehen und war zu Gast bei WTF with Marc Maron und Fresh Air.

„Fresh Outta 'P' University“ ist das vierte Soloalbum von BOOTSY COLLINS aus dem Jahr 1997, das seinen unverkennbaren P-Funk-Sound zelebriert. Das Album ist eine funkige Reise durch humorvolle Texte und groovige Basslines, allesamt geprägt von Bootsys einzigartigem Stil. Das Album festigte Bootsys Ruf als eine der wichtigsten Figuren des Funk, und seine kreative Energie ist in jedem Song spürbar. „Fresh Outta 'P' University“ ist ein Muss für jeden Funk-Liebhaber, der sich von guten Vibes und tanzbaren Rhythmen mitreißen lassen möchte.Nachdem es 20 Jahre lang vergriffen war, ist dieses essenzielle Funk-Meisterwerk nun als Wiederveröffentlichung auf 2x180g-LP und CD erhältlich, bereit, die Party einmal mehr zu starten.

Die bahnbrechende US-Power-Metal-Band Kamelot feiert dieses Jahr den 30. Jahrestag ihres Debütalbums
„Eternity“ mit einem Deluxe-Boxset mit 3 CDs und 5 Vinyl-LPs. Das Boxset enthält ihre ersten drei
Alben. „Eternity“, „Dominion“ und „Siége Perilous“ werden mit einem neuen, remasterten Element sowie
bisher unveröffentlichten Demotracks für „Look Through These King’s Eyes“, „Millennium“ und „Eternal
Flame“ zusammengestellt. Alle drei Alben waren seit zwei Jahrzehnten vergriffen, und dies ist ihre erste
Veröffentlichung auf Vinyl.

Der Co-Founder, Gitarrist, Sänger und Songwriter Jake Kiszka gründete 2023 gemeinsam mit dem britischen Sänger und Gitarristen Chris Turpin, einem Mitglied des Folk-Duos „Idea Mea“, ein neues Bandprojekt
unter dem Namen MIRADOR.
Gemeinsam erkunden sie die Grenzen des Rock’N’Roll und zeichnen sich durch ihren gitarrenlastigen Sound
aus.
Dieser unverwechselbare Stil verleiht MIRADOR ihr charakteristisches Rockband-Image.
Das gleichnamige Album „MIRADOR“ umfasst 12 Tracks und ist sowohl als CD als auch auf Vinyl erhältlich.

Mikalojus Konstantinas Čiurlionis war ein visionärer litauischer Komponist, Maler und Dichter. In seinem
außergewöhnlichen Werk verschmelzen Musik, Natur und Mythologie zu einer einzigartigen künstlerischen
Vision. Dieses Album feiert seinen 150. Geburtstag mit symphonischen Gedichten und Klavierwerken.
Mit der litauischen Stardirigentin Mirga Gražinytė-Tyla, ihrer Schwester, der Pianistin Onutė Gražinytė,
ihrem Vater Romualdas Gražinis, dem Chorleiter des AIDIJA-Kammerchors, sowie dem Lithuanian National
Symphony Orchestra und dem Orchestre Philharmonique de Radio France liegt die Interpretation der Werke
in den besten Händen. Die Sammlung der Werke auf diesem Album ist ein Zeugnis für das bleibende
Vermächtnis Čiurlionis’ an die litauische Kultur, genauso wie an die universelle Sprache der Kunst.

Vor zwanzig Jahren kam der Film „Brokeback Mountain“ heraus, der längst als jüngerer Klassiker Hollywoods gilt und mit seiner dramatischen und anrührenden Story ein riesiges Publikum erreicht hat. Oscars
gab es nicht nur für die beste Regie und das beste Drehbuch, sondern auch für die Filmmusik von Gustavo
Santaolalla (The Last Of Us, August: Osage County, Babel).
Das Soundtrack-Album zum Film wurde ebenfalls ein großer Erfolg, es enthält neben dem Score auch
Titel von u.a. Willie Nelson, Rufus Wainwright, Linda Ronstadt und Emmylou Harris. Zum zwanzigsten
Jubiläum des Films erscheint der Soundtrack jetzt weltweit erstmals als LP.

"Der britische Rapper Kojey Radical veröffentlicht am 19.09. sein zweites Studioalbum ""Don´t Look Down"".
In den letzten zehn Jahren hat sich Kojey Radical als einer der kreativsten und einzigartigsten Künstler der britischen Musikszene etabliert. Sein Debütalbum „Reason to Smile“ (2022) wurde von Kritikern hoch gelobt und machte ihn zu einer der prägenden Stimmen der britischen Kultur.


Begleitend zur Ankündigung veröffentlichte Kojey auch einen Trailer für einen Kurzfilm, der zusammen mit dem Album im September erscheinen soll. Seine Rückkehr war nichts weniger als beeindruckend: Er sorgte mit einem Überraschungsauftritt bei der Fête de la Musique im Juni für Aufsehen und lieferte eine herausragende Performance während des gefeierten Glastonbury-Auftritts von Ezra Collective."

Lebanon Hanover kehren mit Songs zurück, welche die Zeit bis zum nächsten termin mit der Lieblingstherapeut*inn überbrücken können. Fast fünf Jahre nach der Veröffentlichung ihres letzten Werkes "Sci-Fi Sky" hat Lebanon Hanover nun mit "Asylum Lullabies" einen Soundtrack für einen Besuch in einer psychiatrischen Klinik kreiert. Das neue Album ist die Weiterentwicklung eines noch kälteren, noch bissigeren Sounds einer Band, die seit über einem Jahrzehnt die Nu Wave/Post-Punk-Szene dominiert, es ist ein sehr schweres Album, das sich mit psychischen Problemen, einer Trennung, andauernden Kriegen und dem aktuellen Horror der Welt befasst, der einen letztendlich mit Angst, Furcht und einem ständigen Gefühl der Erdrückung zurücklässt. Alles bricht gleichzeitig zusammen. Die Mitglieder Larissa Iceglass und William Maybeline schrieben diese Songs aus polarisierenden Perspektiven, haben dabei ein schlüssiges Album produziert. Für Fans von Twin Tribes, Ash Code, Selofan, Cold Wave, Independent, Postpunk

In der Symbolik von JENS LEKMAN ist Bewegung ein Mittel, um den Wahnsinn abzuwenden - oder sich ihm hinzugeben. Die Songs auf der ,An Argument With Myself"-EP befassen sich mit vielen Arten der Fortbewegung, sowohl klein als auch groß, warum er nach einfachen Vorgaben der Landkarte von Melbourne samt gesellschaftlicher Veränderung zurück in seine alte Heimat Göteborg zog. Der Titeltrack beginnt mit einer typischen LEKMAN Geschichte, in der er sich an einen innerlichen Disput auf dem Heimweg in Melbourne erinnert. ,Waiting For Kirsten" behandelt auf der Oberfläche die am Ende erfolglose Suche nach Kirsten Dunst während eines Filmdrehs in Göteborg, ist aber am Ende doch der Versuch, die komplizierte Beziehung zur eigenen Heimatstadt zu durchleuchten. Passend dazu liefert das von Bläsern dominierte ,New Directions" eine verrückte Straßenkarte mit Hinweisen dazu, wie man jeden anderen Ort als das Hier und jede andere Zeit als das Jetzt erreicht. Die Songs sind geistreich, wörtlich zu nehmen und an ihren Ort gebunden; sie alle sind unterwegs, um entweder verrückt zu werden oder sich seine Zurechnungsfähigkeit zu bewahren. Mit Hörnern, Flöten, Streichern und Arpeggio Gitarren bleibt JENS auch musikalisch in Bewegung. Am Ende wird ,An Argument With Myself" immer relaxter, angehaucht mit Reggae, so wie eine Musikbox, die langsam zur Ruhe kommt. Für einen Moment hört die Bewegung beinahe auf. Bis auf weiteres.

Mit dieser exklusiven Vinyl-Collection erscheinen die unvergesslichen Klassiker von Ricky Nelson in geballter Form – ein musikalischer Rückblick auf eine der prägendsten Stimmen des Rock ’n’ Roll und Teen-Pop der 50er und 60er Jahre. Diese Vinyl ist eine Hommage an einen echten Musikpionier – perfekt zum Wiederentdecken, Genießen oder Verschenken. Die größten Hits von Ricky Nelson – der Soundtrack einer Ära!

Zur Feier des 25. Jubiläums von Saints & Sinners ist das ikonische Album von All Saints aus dem Jahr 2000 nun zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich. Diese spezielle, limitierte 2LP-Edition auf schwarz-rotem Vinyl präsentiert die charakteristische Mischung der Band aus R&B, Pop und Soul, einschließlich Hitsingles wie „Pure Shores“ und „Black Coffee“. Um dies gebührend zu feiern, enthält diese Vinyl-Edition außerdem verschiedene Remixe, die über die Jahre veröffentlicht wurden, wie den Neptunes Remix von Black Coffee sowie den kürzlich erschienenen Tourist-Remix von „Pure Shores“.

"„Ich habe sehr lange darauf gewartet, die Beethoven-Sinfonien aufzunehmen“, sagte Daniel Barenboim über diesen Zyklus, der im Jahr 2000 erstmals veröffentlicht wurde.
„Ich habe darauf gewartet, dass die Musik in mir reift – oder ich in ihr – und dass ich ein Orchester
finde, das nicht nur tut, was ich von ihm verlange, sondern das wirklich jedes Detail in der Musik genauso empfindet wie ich. Das ist die größte Freude, die ein Dirigent haben kann.“
Dies ist das zweite 3LP-Set mit Daniel Barenboim und Beethoven-Sinfonien-Aufnahmen nach dem ersten, das im Mai 2025 veröffentlicht wurde (Sinfonien 3–5). Diese Aufnahmen erscheinen nun zum ersten Mal auf Vinyl."

50 Jahre Wahnsinn – der erste Monty-Python-Soundtrack jetzt auf goldfarbenem Vinyl

Zum 50-jährigen Jubiläum des Films erscheint Monty Pythons legendärer erster Soundtrack in einer neuen, umweltfreundlichen Edition – als 1LP auf Gold Nugget Vinyl.

Mit dem herrlich absurden Titel The Album of the Soundtrack of the Trailer of the Film of Monty Python and the Holy Grail erschien das Original bereits 1975. Die LP enthält eine Mischung aus Filmszenen und eigens produziertem Studio-Material – darunter eine fiktive Kinoeinführung im „Classic Silbury Hill Theatre“ sowie der „Marilyn Monroe“-Sketch, geschrieben von Graham Chapman und Douglas Adams (Per Anhalter durch die Galaxis).

Ein urkomischer Meta-Soundtrack, der Monty Pythons anarchischen Humor perfekt auf Vinyl bannt.

Repress

Three harmonic and deep tracks which were made mid of the
town in a lab of Berlins Underground Basement. Created as a
reminiscence to the deep beauty of our souls and the sound
of labels like Tonika or Driftwood

After the success of GEMS001 they have unearthed yet another GEM in the shape of Pure Science 'Sunset' EP this goes for big money on discogs now remastered and freshly pressed for 2025.

Pure Science Underground House Tech Master..

Phivo's music has been referred to as 'Other Worldly' and he has been referred to as the 'Prince Of Tech House'. Pure Science has been at the forefront of electronic music since 1990 and pushes a timeless sound which has stood the test of time.

The Wee Small Hours: B-Sides and Other Detritus 2011-2025" besteht aus Raritäten, die das letzte Jahrzehnt von Real Estate bei Domino Records abdecken!

Der älteste Track der Compilation ist eine Coverversion von The Strokes' "Barely Legal", die für ein Stereogum-Tribute-Album aufgenommen wurde sowie die B-Seite der "It's Real" / "Blue Lebaron" 7". Weitere Cover sind "Paper Dolls" (The Nerves) von 2014, "Days" (Television) von 2021 und natürlich "Daniel" (Elton John) von 2024.
Außerdem enthält die Compilation "In My Car", das ursprünglich auf einer Record-Store-Day-Fanzine-Flexi-Disc aus dem Jahr 2012 veröffentlicht wurde, weitere B-Seiten, darunter die Tracks von der Atlas-Bonus-7" aus dem Jahr 2013, sowie einen unveröffentlichten Track namens "Two Part" aus den Atlas-Sessions.

The undiscovered recordings of jazz pianist Fumio Itabashi's iconic work Watarase were compiled from the perspective of a pioneering figure in the Japanese jazz scene, Minoru Wakatsuki, and garnered widespread acclaim with Watarase ECHO. The second installment, Watarase VOICE, focused on "voice" and featured unpublished tracks with a diverse range of vocalists. Now, as the third volume in the series, the complete version of the 2001 performance of Symphonic Poem “Watarase” by the Kanagawa Philharmonic Orchestra, conducted by Kazuhiko Komatsu, with Fumio Itabashi and Yukki Kaneko, will finally be released! The full version could only be heard on VHS video at the time, and is now being released for the first time as a physical edition, making it a highly anticipated and long-awaited release.

Can a self-portrait be a collage? Can empathy be autobiographical? What's the point of living if we're not trying to understand all the horror and humor that surrounds everything? These are a few of the questions lurking under the bleachers of Wednesday's new album Bleeds, an intoxicating collection of narrative-heavy Southern rock that_like many of the most arresting passages from the North Carolina band's highlight reel so far_thoughtfully explores the vivid link between curiosity and confession. Bleeds is not only the best Wednesday record_it's also the most Wednesday record, a patchwork-style triumph of literary allusions and outlaw grit, of place-based poetry and hair-raising noise. Karly Hartzman_founder, frontwoman, and primary lyricist_credits Wednesday's tightened grasp on their own identity to time spent collaborating on previous albums, plus a tour schedule that's been both rewarding and relentless. "Bleeds is the spiritual successor to Rat Saw God, and I think the quintessential `Wednesday Creek Rock' album," Hartzman said, articulating satisfaction with the ways her band has sharpened its trademark sound, how they've refined the formula that makes them one of the most interesting rock bands of their generation. "This is what Wednesday songs are supposed to sound like," she said. "We've devoted a lot of our lives to figuring this out_and I feel like we did." Just like Rat Saw God, one of the defining rock & roll records of the 2020s so far, Bleeds came together at Drop of Sun in Asheville and was produced by Alex Farrar, who's been recording the band since Twin Plagues. Hartzman again brought demos to the studio, where she and her bandmates _X andy Chelmis (lap steel, pedal steel), Alan Miller (drums), Ethan Baechtold (bass, piano), and Jake "M.J." Lenderman (guitar) _ worked as a team to bulk-up the compositions with the exact right amounts of country truth-telling, indie-pop hooks, and noisy sludge. More than ever, the precise proportions were steered by the lyricism_not only its tone or subject matter, but also the actual sound of the words, as well as Hartzman's masterfully subjective approach to detail selection. Every image or scene is filtered through Hartzman's agile, writerly brain. The particulars deemed essential all contain revelations about Hartzman's specific obsessions and vulnerabilities, about the fragmented way she processes the world. Maybe sometimes the best way to locate truth or pain or dignity within your own life story, Bleeds suggests, is by crawling into someone else's.

Can a self-portrait be a collage? Can empathy be autobiographical? What's the point of living if we're not trying to understand all the horror and humor that surrounds everything? These are a few of the questions lurking under the bleachers of Wednesday's new album Bleeds, an intoxicating collection of narrative-heavy Southern rock that_like many of the most arresting passages from the North Carolina band's highlight reel so far_thoughtfully explores the vivid link between curiosity and confession. Bleeds is not only the best Wednesday record_it's also the most Wednesday record, a patchwork-style triumph of literary allusions and outlaw grit, of place-based poetry and hair-raising noise. Karly Hartzman_founder, frontwoman, and primary lyricist_credits Wednesday's tightened grasp on their own identity to time spent collaborating on previous albums, plus a tour schedule that's been both rewarding and relentless. "Bleeds is the spiritual successor to Rat Saw God, and I think the quintessential `Wednesday Creek Rock' album," Hartzman said, articulating satisfaction with the ways her band has sharpened its trademark sound, how they've refined the formula that makes them one of the most interesting rock bands of their generation. "This is what Wednesday songs are supposed to sound like," she said. "We've devoted a lot of our lives to figuring this out_and I feel like we did." Just like Rat Saw God, one of the defining rock & roll records of the 2020s so far, Bleeds came together at Drop of Sun in Asheville and was produced by Alex Farrar, who's been recording the band since Twin Plagues. Hartzman again brought demos to the studio, where she and her bandmates _X andy Chelmis (lap steel, pedal steel), Alan Miller (drums), Ethan Baechtold (bass, piano), and Jake "M.J." Lenderman (guitar) _ worked as a team to bulk-up the compositions with the exact right amounts of country truth-telling, indie-pop hooks, and noisy sludge. More than ever, the precise proportions were steered by the lyricism_not only its tone or subject matter, but also the actual sound of the words, as well as Hartzman's masterfully subjective approach to detail selection. Every image or scene is filtered through Hartzman's agile, writerly brain. The particulars deemed essential all contain revelations about Hartzman's specific obsessions and vulnerabilities, about the fragmented way she processes the world. Maybe sometimes the best way to locate truth or pain or dignity within your own life story, Bleeds suggests, is by crawling into someone else's.

Halima's debut album SWEET TOOTH is a bold declaration of power from an undeniable talent. Seductive, restless, and deeply assured, the record unspools like a night in motion. In the afterglow of her 2024 EP on drink sum wtr, praised by Clash Magazine, The Fader, BBC Radio, and others, the Brooklyn-based, UK/Nigerian musician solidifies her sound and expands it tenfold. If EXU was a spark, SWEET TOOTH is the full burn. Not so much genre-less as "genre-full"; the album spans a bright, lush world where club bangers meet deep ballads in a striking, fully-formed hybrid of honeyed Afro-pop and scorched R&B. Across its eleven tracks, Halima maps the push-pull of desire, transformation, and emotional reckoning. "Sweetness on my terms," she offers a mantra for reclaiming softness without surrendering strength. "The album is about the journey to reclaim one's self amidst the chaos of life and ultimately acts as a love letter to the pleasures and pain of these human pursuits." While SWEET TOOTH declares Halima's artistic arrival, she calls it an epilogue, a reflection on past behaviors and lessons learned. "Am I the person that I wanted to grow into becoming? I think so. I've given myself permission to be free of those things. To be bold. To take up space."

Ostinato as resistance: Rafael Anton Irisarri’s landmark work reimagined. Marking the tenth anniversary of the American composer’s critically acclaimed album 'A Fragile Geography', this new edition arrives renewed, both sonically and visually.

First released in 2015 (Room40) during a period of personal upheaval and creative reinvention, it endures as a testament to resilience, transformation, and the connection we hold with the places that shape us.

Written in the aftermath of a devastating theft, A Fragile Geography was born out of loss. Just days before a cross-country move to New York, Irisarri’s entire Seattle-based studio was wiped out. Instruments. Recordings. Archives. Gone without a trace. He arrived on the East Coast to an empty room and the daunting task of starting over.

“This album wasn’t just a record; it was a lifeline,” Irisarri reflects. “It became a way to process the emotional chaos that followed: uprooting, instability, and ultimately, the slow, intuitive rebuilding of a life.”

Composed and recorded in the rural woods of the Hudson Valley, the album took shape in seclusion, surrounded by nature, and through a process guided by improvisation. Embracing limitations, Irisarri wove textural layers of field recordings with half-remembered melodies from his Seattle years, piecing them together like fragments of memory. Tracks like “Displacement,” “Hiatus,” and “Persistence” juxtaposed haunting stillness with restless momentum, mapping an inner terrain of grief, catharsis, and rebirth.

Among its defining sounds is “Empire Systems,” a monumental centerpiece built around a simple four-chord progression, organ textures, and guitar drones. Gradually, the track expands into layers of immersive loops and thick, enveloping distortion that wash over the listener like a rolling wave. Often cited as the album’s most majestic passage, it captures Irisarri at his most sonically ambitious. With a harmonically saturated structure crafted from restraint and repetition, it remains one of his most recognizable compositions: an exercise in the art of maximal minimalism.

From the outset, “Reprisal” received praise from BBC’s Mary Anne Hobbs, who championed the track on her radio show. Her support played a key role in introducing Irisarri’s work to wider audiences and solidifying his place within the lineage of electronic, drone, and experimental sound artists. A slow-burning elegy, the piece emerges from a haze of distortion and sub-bass, with dense, unrelenting drones carrying a sense of mounting tension. Just as it seems to collapse under its own weight, flickers of guitar emerge like distant light through fog. It’s a meditation on dissonance, resolve, and the elusive possibility of release.

The closing track, “Secretly Wishing for Rain,” is steeped in saudade: a longing for Seattle’s dour grey skies, lush green landscapes, and desaturated sunsets. Through it, Irisarri mourns a vanished chapter of life bound to the city, a time documented in scattered mementos and cherished collections, now permanently gone. A reflection on what could never be recovered: an era lost to time. Julia Kent’s looped cello motifs added a melancholic warmth to the track, marking the first collaboration between the two artists and sparking a musical dialogue that would keep growing in the years that followed.

More than a career highlight, A Fragile Geography has laid the foundation for Black Knoll studio, which Irisarri rebuilt from the ground up. The studio has since grown into a creative hub for countless projects, with Irisarri engineering records for iconic music figures like Terry Riley, Ryuichi Sakamoto, William Basinski, MONO, Devendra Banhart, Grouper, Emeralds, Steve Hauschildt, Julianna Barwick, and many others. Carried by its lasting influence, the album has quietly captured the ear of a younger generation, its sound and emotional arc finding new listeners in unexpected corners.

The album’s new visual language was reimagined in collaboration with Mexico City–based designer Daniel Castrejón. Irisarri captured ghostly images at Gaztelugatxeko Doniene, a historic coastal site in Bermeo, Euskal Herria. Castrejón then treated the photographs with distressed textures and spectral overlays. The final artwork channels the rugged, elemental forces that shaped both the music and Irisarri’s aesthetic, renewing his ties to ancestral ground inspired by the Basque homeland of his bloodline.

Mastered by Stephan Mathieu with exceptional attention to detail, this anniversary edition uncovers every nuance in the sound design, enhancing clarity and presence. With each listen, new elements emerge, inviting discovery and reconnection.

“I don’t experience this album as a document of grief anymore,” says Irisarri. “I hear adaptation and I'm reminded that when everything falls apart, something meaningful, maybe even beautiful, can emerge.”

In 2022, Meral Polat released her debut album "Ez Ki Me" as a singer under the name Meral Polat Trio. "Ez Ki Me" roughly translates to "Who am I?". The album was a search by the singer for her Alevi Kurdish roots. In her lyrics, Meral incorporated many poems from her late father, Adi Ihsan Polat. The album received positive reviews and was nominated for a Music Award by Songlines.

On her new album MEYDAN, Meral primarily showcases her own voice, that of a woman exercising her right to live on her own terms, free from the oppressive interference of patriarchy. The album celebrates female strength, inspired by the philosophy of "JIN, JIYAN, AZADI" (WOMAN, LIFE, FREEDOM), a phrase originating from Kurdish-led women's movements. JIN, JIYAN, AZADI symbolise resistance to oppression and the fight for women's rights.

Musically, MEYDAN takes it a step further than the debut album. Meral welcomes drummer Jens Bouttery to the band, along with many inspiring guest musicians. The track "Cenek" features a determined choir of 26 women of various ages and cultural backgrounds. In "Çiya Icaro", Meral shares a duet with Bolivian artist Ibbelise Guarda Ferraguti.

On MEYDAN, Meral and her band continue their exploration of Anatolian and Mesopotamian music, particularly the Turkish psychedelic rock revolution of the 1970s and the ancient Kurdish Dengbej traditions. The band travelled to Istanbul to record with Murat Ertel from Baba Zula and trumpet player Can Omer Uygan. In addition to Anatolian music styles, influences from Mali Blues and Nigerian Afrobeat are embraced. Another notable guest is Senegalese musician Mola Sylla, who lent his voice and improvisational talent to the track "Govend".

While the drums, keyboards or guitar, and Polat's voice still form the core of the album, each track also contains its own collage of synthesisers, vocal harmonies, percussion, organ, piano, distorted guitars, and guest musicians. All tracks were mixed by the exceptional Belgian mixing engineer Pieterjan Coppejans, who added depth to their sound. All of this results in a particularly rich and uplifting album with a message.

Infoline proudly presents a compilation of tracks by Deo Cadaver on double 12' inch vinyl LP! Active from 1987 to 1993, Geneva-based trio Deo Cadaver stood at the vanguard of Switzerland’s electronic body music scene. Formed at just 17 years old, the group drew early influence from the visceral intensity of acts like The Young Gods, Front 242, Laibach, and Skinny Puppy—but quickly forged a sound and performative presence entirely their own. Their live shows became infamous: loud, theatrical, and uncompromising. Covered in grey-green clay and fake blood, suspended from chains, or locked in cages wired with sensors, projections, and video monitors, Deo Cadaver unleashed chaotic storms of samples, distorted drum machines, live percussion, and seismic basslines. At the center stood a vocalist whose voice and energy pushed the limits of physical endurance. Despite their undeniable force, Deo Cadaver remained largely unknown beyond their immediate circles. “There was no support structure—barely any venues, press, or labels for what we were doing,” they reflect. “Apart from our parents and a few community associations, we were completely on our own.” The internet, still confined, offered no relief. Connections were built face-to-face, and tapes were copied by hand. Still, the band found kinship in the Swiss experimental collective MXP, alongside other likeminded outliers pushing electronics beyond the dancefloor. Their spirit was one of invention, defiance, and independence.
While Belgium reveled in its New Beat wave and the UK fell into euphoric ecstasy, Deo Cadaver raged in the shadows—loud, isolated, and ahead of their time. This compilation finally brings their work into the light: a long- overdue snapshot of an uncompromising force from the margins of EBM history

Atmosphärische Instrumentals für den Post-Hardcore-Aussteiger. Tristezas Y2K-Album für Tiger Style kehrt ein Vierteljahrhundert später zurück auf den Konsummarkt. Aufgenommen in Chicago - der Post-Rock-Hauptstadt der Welt - verwebt "Dream Signals In Full Circles" schimmernde kontrapunktierte Gitarren, mathlete präzise Perkussion, Synthesizer-Glasur und dramatische Streicher zu einem Trance-induzierenden klanglichen Bildschirmschoner.

Atmosphärische Instrumentals für den Post-Hardcore-Aussteiger. Tristezas Y2K-Album für Tiger Style kehrt ein Vierteljahrhundert später zurück auf den Konsummarkt. Aufgenommen in Chicago - der Post-Rock-Hauptstadt der Welt - verwebt "Dream Signals In Full Circles" schimmernde kontrapunktierte Gitarren, mathlete präzise Perkussion, Synthesizer-Glasur und dramatische Streicher zu einem Trance-induzierenden klanglichen Bildschirmschoner.

Heavily influenced by Patrick Cowley’s Afternooners, Mark Churcher conjures up a fresh dose of electronic synth-funk under his new moniker, Funkin'ell

With album notes written by Mick Clark of 80s synth pioneers Naked Lunch, this LP is both a nod to the past and a step into something new.

Each vinyl comes with a unique digital download code.

Impressed is partnering with Burning Rope Records & Faction Records to bring you an exclusive Australian pressing of James Vincent McMorrow's debut album - Early in the Morning, celebrating it’s 15th anniversary and his forthcoming tour.

Originally released in 2010, and recorded in isolation at a house on the Irish coast, James Vincent McMorrow produced every sound on the album himself, including piano, guitar, and drums - resulted in an album that captivated the world.

The album quickly garnered critical acclaim for its warmth and intimacy. Critics highlighted McMorrow's soft falsetto and the Americana/Folk influences present in the tracks. The opening song, If I Had a Boat, begins with a cappella harmonies before developing into a reflective ballad, illustrating the album’s understated style.

5-Track-Minialbum (2013) der Brooklyner Punkband Parquet Courts, das eine geniale Mischung aus Punk, Garage-Rock & Alternative mit der rohen Energie und dem Spirit der legendären 70er CBGB-Szene abliefert.

Saul Williams meets Carlos Niño & Friends at TreePeople is the first collaborative album from poet/vocalist Saul Williams and percussionist/producer Carlos Niño. The album was recorded live underneath black oak and walnut trees in Coldwater Canyon Park, Los Angeles, on December 18, 2024. The performance, which was organized by Noah Klein of Living Earth on the grounds of longstanding conservationist organization TreePeople, was the first of its kind for Williams and Niño, who have been friends since the late 1990s.

D Stone debuts on Heist Recordings with a record that shows us why he's one of the hottest talents in house music right now

Chloe Caillet is in on it. Cinthie is in on it. SG lewis and Demi Riquísimo are in on it too. So are Folamour, Barry Can't Swim and, of course, Dam Swindle. In on what exactly?

In on the fact that D Stone might be the most exciting young producer and DJ you will find in the house scene right now. Oh, and he's also a great guy who says Heist was his dream label to release on. When we found out we were fans of on each other, it was only logical that we signed his 'Time Selection' EP; A 5-track record that shows us how cool and catchy underground house music can be if it's done well.

D Stone, born Daan Steenhuizen has had a meteoric rise in the scene in the past years and has only just finished his study at the Conservatory, where Lars was one of his mentors. His vinyl debut was on Cecille in 2023 with that absolute anthem 'Total unison'. He then released on Cinthie's 803 Crystal Grooves in 2024 and has a busy 2025 with releases on Chloe Caillet's label Smiile, Semi Delicious, a release planned for Barry Can't Swim's fresh label 'Earth's only paradise' and now, Heist. He's been touring relentlessly in between, already playing legendary places like Ibiza's Pikes, Amsterdam's Shelter and with big shows planned at Warehouse project and in Australia, you can just feel all the right things happening for him.

The 'Time Selection' EP kicks off with 'Yes I Am', an upbeat house track with plenty of hints of the old school, playful vocal chops and above all, some lovely piano work. It's stripped back, but full of energy, with driving 909 percussion, retro flutes and a rolling bass line. It's as much a pallet cleanser in a set as it is a teasing mid-set highlight.

'Move Over' features the vocals of ELY and sees D Stone dive deeper into vintage house territory, with a classic bassline and percussion that stays true to the core of the classic drum machines, hinting as much towards the electro-pop sound of New Order and the futurism of early Mr. Fingers releases. The vocal is daring and cute at the same time, and does a great job tapping into the nostalgia of the pop-house cross-over songs of the early 90s.

'Time Selection' is arguably the heaviest cut of the record, much in style of his breakthrough track 'Total Unison'. This track is built around a strong piano theme, supported by driving 909 drums, strings and cleverly placed disco bleeps to keep the track accessible and uplifting. Add to that a big breakdown, and you'll understand why we've been reaching for this track peak set for the past months.

On the flip, we've got 'One Thing', a subtle and introverted track built around a bumpy disco bassline with a hook that's silly on first listen but will end up being the one thing you'll keep humming for the rest of the day. In short, it's a banger in disguise.

The last track of the EP is 'Everything from the Organ', a track where D Stone is not afraid to show his love for throwback ravey elements. There's organ licks, horns and chopped vocals that propel you straight to the front-left of whichever dancefloor D Stone is reigning at that moment.

Don't sleep on the Heist debut of one of Amsterdam's biggest talents, cause this one will go like hot cakes! As always, enjoy the music and play it loud!

Yours, Maarten & Lars

A1 - The Moon On The Moors
ASC opens the EP with a distinctive, purposeful and dancefloor-friendly piece, driven by an intensely memorable drum pattern that will have your head nodding instantly - that's before the deep, earthy room-filling bassline quakes below. Filtered metallic breakbeats join the mix periodically along with string melodies and a plethora of sci-fi effects and classic micro samples. Absolutely essential stuff from the atmospheric wizard that is ASC.

A2 - Persuasion
A measured approach introduces Persuasion, with light hats and a subtle bleepy melody gradually pulling us toward a stunningly crisp slice of breakbeat heaven. Impossibly detailed rapidfire snares dominate the mix with incredible clarity that just has to be heard to be believed. Light bongos and airy synthwork nestle beautifully alongside trademark old school high pitched female vocal hits to cap off another stunner.

AA1 - Time and Again
Setting the tone immediately with thunderous, deep Hot Pants breaks - finely crafted as ever - Time and Again sees ASC explore an other-worldly setting with an uneasy intrigue to the echoing keys, while rousing strings provide a suitably nervy backdrop to the mix. A mellow yet tense breakdown is quickly nudged aside with the crunching breaks and darkly bassline, while echoed vocal hits add further texture.

AA2 - Severance
A wonderfully old school slice of breakbeat action quickly unfolds as Severance sees ASC playfully experiment with varied break patterns riddled with delicious little details you will pick out with each repeated listen. Sublime intent is present throughout with a heavy undertone bassline, not to mention the excellent sampled quote from the show of the same name - eventually we all have to accept reality. If this is our reality, bring it on.

Words by Chris Hayes (Spatial / Red Mist)

Obwohl die Feelies im Laufe der Jahre sechs Alben mit eigenen Songs veröffentlicht haben, sind sie vor allem dafür bekannt, dass sie in ihren langen Zugabensets gerne Cover-Songs spielen. Rewind ist eine Zusammenstellung einiger ihrer Lieblingssongs von den Beatles, Neil Young, Bob Dylan, The Doors und anderen.

Dem Pianisten Sonny Clark (1931-1963) wurde gelegentlich nachgesagt, er habe sein Licht zu sehr unter
den Scheffel gestellt und sei auf seinen eigenen Platten zu oft in die Rolle des Begleiters geschlüpft. Für das
1957 entstandene Album ”Sonny’s Crib” gilt das jedoch nicht. Mit einem fantastischen Sextett interpretiert
er hier zunächst drei Standards, bevor er zwei seiner bekanntesten Eigenkompositionen vorstellt. ”Sonny’s
Crib” zählt neben John Coltranes ”Blue Coltrane” zu den Alben, die den aufregenden Hard-Bop-Sound der
späten 1950er Jahre bei Blue Note geprägt haben.

Der aus Harlem/New York stammende Pianist Freddie Redd (1928-2021) wurde 1959 durch die Musik
bekannt, die er für das mit mehreren Preisen ausgezeichnete Off-Broadway-Theaterstück “The Connection” geschrieben hatte. Der Soundtrack des Theaterstücks, in dem es um das Leben heroinabhängiger
Jazzmusiker geht, erschien ein Jahr später bei Blue Note. Noch im selben Jahr spielte der von Charlie
Parker, Thelonious Monk und Bud Powell beeinflusste Pianist mit “Shades Of Redd” sein zweites Album für
das Label ein. Darauf stellte er sein kompositorisches Können mit einem formidablen Hard-Bop-Quintett
noch nachhaltiger unter Beweis.

Human Leather have always been a ferocious live act, unbelievably loud for a 2 piece. Their gigs are often an overwhelming wall of sludge, howls and amphetamine-addled drums, with spectators flying joyously around the pit. Previous recordings did full justice to the impact of the live show; however, the second helping is something else. On Here Comes the Mind, There Goes the Body the sludge is still present, rising, and lapping at your ankles, but there's a new clarity showing off exactly how f*cking good those riffs are. There are ear worm riffs for days, shout along vocals that roar, shriek and reform into a Greek chorus, drums that thump you repeatedly in the chest and then the whole thing vanishes in just under 30 minutes, leaving you bruised, deafened and with Some Questions about your life. Squint your ears a bit and you'll hear the influences of bands like Karp, Torche and Big Business but they're thrown into a much crustier stew. The lyrics span a variety of political issues, not limited to the landed gentry, global warming and consumerist harbingers of doom. Importantly the songs are also not afraid to discuss class issues (unlike many political bands who you suspect have a much sturdier security net). While this could easily feel preachy, every line is delivered with the knowing wink of the underdog and good humour (I am going to smile every time I think of "clod damn" or "QVC Hands" staring up at me from the lyric sheet), and the vibes are as they've always been in difficult times - "we know we're fucked, tonight we mosh, tomorrow we march". And what is the point of a revolution you can't dance to? Speaking of dancing, the final track features an honest-to-god dance beat, acid squelches and disembodied vocal samples, pointing to an alternative universe in which Human Leather are a heavy electroclash band. Here comes the record of the year, bring what is left of your eardrums. You didn't need that body anyway

First released on August 18, 2023, "Outline of Nature" started as an experiment in building a modular synthesizer system and ended up as a voltage controlled outpouring of love for the natural world. Sylvan-born and pastoral-powered, sap-blooded and lightning-charged, this album grew out of the damp florescent corners of the woods, each note and sound, a fractal extension of their seedling sounds. It was nurtured into being at The Twilight Research Centre, a studio facility situated on the border of Somerset and Dorset. During Covid lockdown 1.0, I spent the outdoor hours we were permitted, wandering through the centre's surroundings, in the green lanes, woodlands and corridors of the wilds with their wary and flickering inhabitants, beneath the distant eyes of the soaring buzzards and the hulking red kites. I didn't expect it, but it was in the quiet, ferociously vibrant dens of nature, that I found a deeply profound connection with the natural world. It once again made sense to feel as much a part of the woods as the trees were; I felt like a natural entity in its habitat again, not something I'd properly felt since running wild through the gullies, dells and fells of the Midlands as a child. And I became afflicted with a powerful urge to build strange electronic sound systems that were organic, chaotic, fractal and in some way reflective of the awesome natural systems that surround us and surround the centre. I plugged in the modular, and went searching for signs of life. Adding to this, just before the lockdowns, I stumbled across a three volume nature encyclopedia in a local charity shop, called "Outline of Nature in the British Isles" by Sir John Hammerton. The sub-heading reads "A Comprehensive Photo-Survey of the Varied Life of Field and Hedgerow, Moor and Mountain, River, Pond and Sea", and it's a stunning collection of grainy photographs, beautiful illustrations and wondrously poetic writing, some of which inspired track titles and of course, the album title. I also rekindled my love of Ladybird nature books such as the "What to Look for in Spring/Summer/Autumn/Winter" series, "Birds and How They Live" and "Butterflies, Moths and Other Insects", rebuilding a small collection I had as a child and discovering numerous volumes new to me. Between the two literary sources, I had a rich well of imagery, writing and pastoral nostalgia to draw from; and coupled with the extended sessions of blissing out in my own heavily ecstatic awe descended on me in the sheer grandness of the wilderness, I set about enticing out of the woods an album of phosphorescent electrical music, abundant with comparatively microscopic, but persistent and wild life-forces.

Satisfaction comes in many forms. When the magical word Motown is uttered, most people are hard-wired to The Four Tops, the Temptations and The Supremes. But to reduce Motown to the effervescent sixties is only part of the label’s remarkable legacy.
By the 1970s, a different sound was gathering. America was on the verge of a nervous breakdown. The Vietnam War had been a disaster, urban street crime was epidemic and the nation’s college campuses were alive with political resistance. The joyful hope that had inspired “Baby Love” now felt anachronistic and out of time.

The music industry was changing too. The vinyl pop single on 45rpm which had been the staple of Motown’s success was being challenged by concept albums.   This was the era of Edwin Starr’s anti-war album War and Peace (1970), The Temptations mind-bending Psychedelic Shack (1970) and Marvin Gaye’s state-of-the-nation classic What’s Going On (1971).
By the early 1970s Motown had a stable of male vocalists that was arguably the best in the world, among them former lead singers from The Temptations - David Ruffin, Dennis Edwards and Eddie Kendricks. Alongside them singer-producers like Leon Ware and Frank Wilson were asserting their presence.

David Ruffin’s “Crime in the Street” captured the epidemic of violence in Detroit allowing his exquisite voice to quietly rage against gun crime. Recorded a few years before his underground classic “Rode by the Place”, both sound more modern today than when they were recorded.
If there is a common thread here, it’s the mid-tempo shifting soul soon to be christened as “quiet storm” including groups on the margins of Motown such as The Originals and The Fantastic Four led by the impassioned “Sweet” James Epps.
Just to keep you satisfied, immerse yourself in the overlooked creativity of Detroit’s male voices in the early 1970s.

Oriki Duuru ist ein Solojazzpianoalbum, das in einem einzigen Take im 2220 Arts + Archives in Los Angeles aufgenommen wurde. Das Konzert im 2220 Arts + Archives wurde von der Jazz-Archivarin Harmony Holiday kuratiert, die auch die Liner Notes für dieses Album verfasste. Eine Stunde lang improvisierte das Jazz-Wundertalent ein Solo-Piano-Set, in dem er nahtlos Eigenkompositionen, Improvisationen und seine Rekonstruktionen von Jazz-Standards miteinander verknüpfte. Oriki Duuru, was auf Yoruba „Klaviergedichte” bedeutet, ist eine ungekürzte Aufzeichnung dessen, was sich an diesem Abend ereignete.

Tyler Bates' original score for MaXXXine and selected songs from the film, pressed on sparkly red carpet glitter vinyl.

"Ethio Jazz" is an album released by the Ethiopian master musician Mulatu Astatke in 1974 on his homeland Ethiopia's Amha Records.
It stands as a milestone not only in his career but also in the history of contemporary Ethiopian music, continuing to shine brightly.
With melancholic melodies played by wind instruments, a polyrhythmic rhythm section creating robust waves, sultry vibes from the vibraphone, and smoky
organ tones, the album is enveloped in the sounds of jazz inherited from the States. This work, where various musical elements are miraculously fused in
perfect balance, undoubtedly reigns at the pinnacle of Ethio Jazz, showcasing Mulatu's ambitious creativity in seeking out new sounds.

Tin Fingers takes on a darker, melancholic direction on their second full album. Felix Machtelinckx' weeping vocals, preaching, searching, and trying to understand God, form the leitmotif. With rich melodies, haunting piano sounds, improvisations, first takes and no overdubs, Tin Fingers is searching for pureness and keeping things human and simple. The band is playing together intuitively, without a computer, without ego, just for the sake of music

The creation of the album was very fluent and spontaneous. Singer Felix wrote the backbones of the songs and the lyrics on acoustic guitar and piano. He wanted to have songs ready in order to be able to record and write arrangements fast. With an eye for details but without overthinking, keeping the ideas fresh. 'I wanted to stay in love with the music.' he explains. 'It needed to go fast, very fast, in just two weeks the entire album was recorded and ready to be mixed.'

In the studio, the band especially focused on picking the right mood rather than playing the right notes.

They were fed up with working on a computer for many hours, overthinking production choices, and adding instruments on top of each other as if they were Lego blocks. This time they decided to work in a more traditional way, going for first takes, jams, and essentially working with analog gear. No computers, no screens, no distractions. Only four humans in a studio trying to make a sound together by keeping things spontaneous and raw. They said goodbye to perfection and worked towards an unfinished product, a snapshot.

Tin Fingers also didn't want to sound like any other artist on this record. They decided not to listen to music during the sessions, and to never express ideas by referencing other bands. Just before the studio session, however, bass player Simen Wouters broke the rules and shared Bonnie 'Prince' Billy's, I See Darkness. Its dark and searching sound ended up inspiring the band unmistakably.

Once the recording was finished, the band decided to keep the volatile rhythm going and asked reputable NYC-based mixer and producer D. James Goodwin to finish the job. Goodwin, known for his analog folk productions with a real American punchy sound but a tender touch, proved the right man for the job. He opened up the songs and kept things poetic, minimal but impressive.

Nach seinem Comeback mit „The Healer“ (1989) begab sich John Lee Hooker zu Russian Hill Recording in San Francisco und The Record Plant in Sausalito, um einige seiner bekanntesten Songs neu zu
interpretieren, darunter „Boom Boom“, das diesem Album seinen Titel gibt. Eine Starbesetzung zeitgenössischer Bluesgrößen nahm an den Sessions teil, darunter Charlie Musselwhite, Jimmie Vaughan, Robert
Cray und Albert Collins.

Satya welcomes one of Romania’s most respected underground talents, Mihai Pol, for a standout vinyl-only release titled "Ebb And Flow". With a sound that embodies precision, groove, and an ever-evolving sense of storytelling, Mihai has carved a unique place within the minimal tech-house landscape since his breakout moment in 2016 with Goneta on Capodopere.

His music, known for its subtle emotional depth and dancefloor functionality, continues to evolve—each release revealing a new side of his sonic palette. From the acid-laced drive of Synkop to the dreamy momentum of Tango, no two records sound alike. A regular on Telum and a fixture at iconic venues like Hoppetosse, La Java, The Block, and Sunwaves Festival, Mihai’s artistry spans both the booth and the studio.

On Ebb And Flow, Mihai delivers a refined suite of tracks created over a focused one-to-two month period, all sharing a clean, underground, club-oriented spirit. "There was no cultural reference for them," he shares. "Just me putting together sounds and playing them live." Built using an analog-heavy arsenal—MPC1000, Rytm, Digitone, Virus, Modular, Prophet6, Octatrack—and a few choice samples, the EP captures Mihai’s organic approach to groove and texture.

"I like to make people dance and feel good, but I also try to tell a story," he says. Ebb And Flow is exactly that: a dancefloor journey that hits the body and speaks to the soul.

Leila Gamal’s ‘Abaleeh Abalingi’

At the height of Pan-Arabism, when the United Arab Republic fused Egypt and Syria in a fleeting but bold experiment, a new wave of popular music was emerging—vibrant, infectious, and universally danceable. Among its lesser-known stars was actress Leila Gamal, whose voice—delicate yet rich with longing—embodied the golden era of Egyptian cinema. Born in Alexandria to Syrian roots, Gamal’s vocals were a magnetic blend of sweetness and passion, with a timeless allure that echoed the silver-screen sweethearts of her time.

Abaleeh Abalingi pulses with the hypnotic drive of funky organ riffs, reminiscent of the blind visionary Ammar El Sheriyi, creating a sound both cinematic and undeniably catchy. The delicate lyrics by Khairi Fouad place the track firmly in the lineage of the Middle East’s most iconic pop divas, from Angham to Nawal El-Zoughbi who he subsequently wrote for. This reissue, lovingly remastered, brings this long-lost gem back to life, where it belongs—spinning on turntables, teasing dance floors, and transporting listeners to Egypt in the late sixties.


Adel Osman’s “Oriental Eyes”

Oriental Eyes captures the essence of the 60s Egyptian Franco-Arab movement, blending Western (often jazz) influences with Arabic melodies to mesh mystique with sensuality. Osman’s commanding yet delicate vocals deliver the bilingual lyrics with captivating sincerity, his voice effortlessly gliding over the swells of the arrangement. The trumpet, possibly connecting him to Zaki Osman of Salah Ragab’s legendary Cairo Jazz Band, adds a layer of flair, enriching the track’s Tarantino-esque eclecticism. Now remastered, ‘Oriental Eyes’ is not only a nostalgic gem but a timeless reminder of the boundary-defying spirit that defined the 1960s musical landscape.

Given the ongoing war efforts against Israel, this record wasn’t pressed by Sono Cairo till much later in 1975 once Egypt had recaptured the Sinai and restored national pride. Sono Cairo (Sawt el-Qahira) was the first Arab-owned and by far the largest record label in the Middle East, amassing an unmatched catalogue of music. With exclusive rights over much of Umm Kulthum’s works, Sono Cairo played a crucial role in disseminating the sounds of Arab Nationalism and projecting Egypt’s soft power across the region.

Muhammad Al-Najjar
London, April 2025

credits
Audio restoration and vinyl mastering: Colin Young
Lacquer cut: Timmion cutting lab
Sleeve and label artwork: Grotezk Studio
Under License of Sono Cairo

Maggid Tewfik – Mazzika Nicab Parts 1 & 2:

Released in 1973, Mazzika Nicab by Egyptian film director and iconic figure Maggid Tewfik is a trippy instrumental journey into the experimental realms of baladi music. Known for his prolific career as a director and DOP in over 30 Coptic films, Tewfik’s composition, split in two parts, presents a moody yet undeniably cheeky tune that is unlike anything found in Egyptian music over the ages.

The track is a hypnotic blend of Eastern rhythms and Latin grooves, featuring an early drum machine that guides the track through its jubilant and stormy atmosphere. This mechanical beat is paired with funky garage sounds, creating a psychedelic fusion that evokes images of an epic cinematic score, where belly dance meets the raw energy of late-60s experimental rock. Belly-dance sci-fi perhaps..?

Muhammad Al-Najjar
London, April 2025

credits
Audio restoration and vinyl mastering: Colin Young
Lacquer cut: Timmion cutting lab
Sleeve and label artwork: Grotezk Studio
Under License of Sono Cairo

Georgette Sayegh & Melhem Barakat – Belghi Kull Mawaidi & Instrumental:

Finally, hopping across from Egypt to Lebanon for this infectious number, Georgette Sayegh delivers what some consider her magnum opus in a captivating duet together with Melhem Barakat, and on the flipside a stripped-down instrumental version that’s equally catchy.

Georgette Sayegh is a legendary Lebanese singer and actress known for her tender and dulcet voice that echoed the grace and beauty of the inimitable Fairuz yet carried its own unique warmth. Her passion for collecting vinyl at an early age formed her eclectic musical palette, and she eventually caught the eyes of the Rahbani brothers and played the lead role in a monthly play written by Fairuz’s son, Ziad. Georgette’s household classic "Yay Yay Ya Nassini” shot her to stardom across the Arab world in the 1970’s, and till this day carries the exact same nostalgia of a Lebanese summertime anthem – flirtatious, jolly, and unfettered. In Belghi Kull Mawaidi (I cancel all my appointments), Sayegh’s voice entwines with compatriot and fellow household staple, Melhem Barakat in an emotional display of longing and depth - her voice delicate yet powerful, effortlessly blending with Barakat's commanding baritone.

The instrumental version on the flipside (surprisingly a stereo mix) reveals a highly catchy arrangement that is lush and emotive, driven by strings that glide smoothly through the melody, while brass instruments add a touch of drama. The rhythm section, punctuated by a steady percussion, anchors the track, allowing the interplay of instruments to build a sense of urgency and longing, accurately reflecting the struggles and emotional resilience that defined Sayegh’s own life.

This reissue, remastered with painstaking care, brings both versions of Belghi Kull Mawaidi back to life, making it an essential addition to any avid listener, DJ or collector’s shelf. It captures the timeless beauty of two of Lebanon's most cherished musical icons, their voices and instruments merging to create a track that resonates through the ages.

Muhammad Al-Najjar
London, April 2025

credits
Audio restoration and vinyl mastering: Colin Young
Lacquer cut: Timmion cutting lab
Sleeve and label artwork: Grotezk Studio
Under License of Voix de L'Orient

Candido Cameron was a Cuban percussion maestro who had played with luminaries such as Dizzy Gillespie, Buddy Rich and Count Basie throughout his illustrious musical career which started in 1952. Fast forward to 1979 and Candido finds himself caught up in the Disco boom that had engulfed his adopted New York City. Feeling he could add his trademark quick-fire Conga and Bongo playing to Disco's straight 4 x 4 syncopated rhythm he cut some records with legendary NYC label Salsoul. The fruits of this partnership were 2 full length LP's and a handful of 12" singles that changed the face of underground Disco."Jingo" is an all-time classic dance record, sampled, edited, re-configured and coveted by too many names to mention! It's a killer funky Disco version of master Nigerian drummer Olatunji's 1969 percussion suite of the same name, Salsoul style, while over on the flip we have one of the deepest Disco records of all time; "Thousand Finger Man" a testament to Candido's percussion prowess and a spacey, beautiful voyage that has left more than an indelible mark on modern House music, often being cited as a huge influence by artists such as Masters At Work and more. Essential stuff basically, every collection should have a copy!

This 12" has got to be one of the toughest Salsoul records to find. Changing hands for up to £300 a time for a used copy. Now it has been re-mastered, re-pressed and made available again with all original label artwork intact with the permission of Salsoul Records, New York City.

One of the most expansive instrumental Hip Hop series to date, MF DOOM’s lauded Special Herbs collection assembles a mountainous collection of his beats, ranging from series exclusives to slightly reworked favorites he produced for himself and others. Released under the alias Metal Fingers, Special Herbs succeeds at capturing DOOM’s highly influential sound which continually breaks and reinterprets the rules of the game in favor of The Super-Villain. The world is a treasure trove of sounds, and the Metal-Fingered DOOM accepts no limits; ’70s Soul/Funk classic, ’80s R&B hits, rap nostalgia, and even soundbites from children’s records & TV all find their place in the ingredients needed to perfect his recipes.

Auf ihrem neuen Album setzt das Trio ein kraftvolles Zeichen – musiɞ kalischɎ emotional und kulturellɍ Der Titel stammt aus dem RomanesɎ der Sprache der Sinti und RomaɎ und bedeutet „Wir sehen uns“ɍ Das Album verbindet VergangenheitɎ Gegenwart und Zukunft zu einer musikalischen ErzählungɎ in der sich die Instrumente in fantasievolɞ len Arrangements mit tiefer Melancholie und feurigem Temperament begegnenɍ Dabei trägt das Trio die klangliche Tradition der Vorväter frisch und weltoffen in die Zukunftɍ

Released under the July full moon, 2024.

Early support from Abstract Division, Brando Lupi, Evigt Morker, Iori, Svreca, Takaaki Itoh, Cassegrain, Forest on Stasys, Joachim Spieth, Ness, Norbak, Polygonia, Svarog and Yuka

Das 2004 erschienene MM..FOOD von MF DOOM wird inzwischen als Hip-Hop Klassiker-Album voller einfallsreicher Produktion, brillanter Wortspiele und einzigartiger Themen gewürdigt. Gefeiert für seine nahtlose Mischung aus Humor, Witz und sozialem Kommentar, entführt das Album den Hörer in eine bizarre Welt voller Lebensmittel-Metaphern und zeichnet ein bitter-komödiantisches Porträt eines Lebens, das von Laster, Gewalt und Eifersucht verdorben ist. Ein brillantes und damals neuartiges Konzept, das DOOM viel Raum zur Erkundung der Themen des Albums gab. Im Verlauf von MM..FOOD bettet DOOM komplexe Ideen in scheinbar einfache Erzählungen ein. Der Album-Opener "Beef Rapp" ist eine vielschichtige Metapher, die den Hörer an die Gefahren erinnert, die mit der Verherrlichung von Konflikten verbunden sind, insbesondere im Rap. "Hoe Cakes" leiht sich seinen Namen von den süßen, mit heißem Wasser gefüllten Maismehlfladen, die er als Symbol benutzt, um über Genuss und Exzess zu reimen. Mit dem von Madlib produzierten "One Beer" setzt DOOM das Motiv fort, um Schichten von Tiefe über Eskapismus und Ego zu falten, während das populäre "Rapp Snitch Knishes" die Verkaufsdiskriminierung und widersprüchlichen Verhaltensweisen einiger Rapper kritisiert. Insgesamt ist MM..FOOD sowohl ein sozialer Kommentar als auch ein Stück Gesellschaftssatire, das MF DOOMs Fähigkeit unter Beweis stellt, ernste Themen mit seinem einzigartigen, verspielten lyrischen Stil zu verbinden. Zur Feier des 20-jährigen Jubiläums des Albums wurde MM..FOOD mit einem komplett neuen Artwork von Sam Rodriguez neu verpackt!

Bereit für den Sound des Universums? Mit der „ZYX Italo Disco Spacesynth Box“ bekommst du eine einmalige Zeitreise zurück in die goldene Ära der 1980er Jahre, als Synthesizer den Kosmos eroberten. Diese exklusive Sammlerbox enthält drei LPs, vollgepackt mit ikonischen Tracks der größten Spacesynth-Legenden – Laserdance, Koto, Hypnosis, Cyber People und vielen mehr.

Ob pulsierende Basslines, galaktische Melodien oder futuristische Klanglandschaften – dieses Box-Set feiert den unverkennbaren Sound, der einst Tanzflächen, Videospiele und Science-Fiction-Träume gleichermaßen beherrschte.

BARRO #12 – Nebula Circuit (with remixes by Orlok 101 & Abraxas)

Limited to 200 units. Exclusive distribution: Melting Pot Records

The label BARRO returns with its twelfth release, reaffirming its commitment to vinyl culture and uncompromising club music.

This time, the spotlight is on Nebula Circuit, delivering a series of tracks that navigate between EBM, techno, and electroclash, all sharply designed for the dancefloor.

BARRO #12 vinyl release features four tracks:

• Three original productions by Nebula Circuit, where electronic darkness merges with tense rhythms and incisive basslines.

• A remix by Orlok 101, pushing the material into an even more abrasive, machine-driven territory that strengthens the label’s underground identity.

A Statement of Intent:
With this release, BARRO consolidates its place within the darker, more combative spectrum of electronic music. BARRO #12 is crafted for DJs, collectors, and all underground devotees — a punk-spirited record with a clear mission: the dancefloor.

BARRO #12 – available soon on vinyl and digital.

The above references have already been supported by artists such as Dave Clarke, Phase Fatale, The Hacker, Lokier, NX1, Unhuman, Alienata, Reka, and many more.

Indie exclusive Peak Edition on Orange & Black Swirl Vinyl, in a gatefold cover + poster.



It's spring of 2023 in the North Carolina Piedmont, and songwriter and singer M.C. Taylor - leader of the band Hiss Golden Messenger - is feeling alive. Joyful. Eternal, he might say. For the Grammy-nominated musician, whose albums have traced an internal path through adulthood, fatherhood, spirituality, and depression for well over a decade, this is something new. "The tunes on Jump for Joy were composed in free moments throughout 2022, a year during which Hiss was on the road more or less constantly," explains Taylor. "And perhaps because the post-pandemic energy out in the world felt so chaotic and uncertain, I found myself thinking a lot about the role that music has played in my life and how exactly I ended up in the rarefied position of leading a band and crew all over the globe through dingy graffiti-scrawled green rooms, venerated music halls, dust-blown roadside motels.

Sometimes playing in front of 5,000; sometimes 200. Sleeping sitting up. Laughing until my stomach hurts. Not being able to fall asleep at 3 a.m. in some anonymous bed because my mind is spinning with anxiety or depression or adrenaline, or because my ears are still ringing. Robbing Peter to pay Paul, then robbing Paul to pay Peter back. Over and over again. It's an outlaw life but one, I'm coming to realize, that makes me happy." The songs that make up Jump for Joy - the sharpest and most autobiographical that Taylor has written under the Hiss name - read as a sort of epistolary, postcards between the present-day songwriter and his alias Michael Crow, a teenaged dreamer very much like Taylor himself, who trips his way through the 14 tunes that make up the record. In this way, Jump for Joy is a meditation on a life lived with art, and the ways that our hopes and dreams and decisions bump up against_ and, with a little bit of luck, occasionally merge with real life. "Creating this character became the way that I could explore these vulnerable, tender moments that were so decisive in my life, even if I didn't know it at the time," explains Taylor.

Produced by Taylor and engineered by longtime Hiss compatriot Scott Hirsch over two weeks in the late fall of 2022 at the fabled Sonic Ranch studio in Tornillo, TX, just a short walk from the Mexican border, Jump for Joy dances with joyful, spontaneous energy that feels like a fresh chapter in the Hiss Golden Messenger oeuvre. Taylor is accompanied throughout the album by his crack live band: guitarist Chris Boerner, bassist Alex Bingham, keyboardist Sam Fribush, and drummer Nick Falk, a collection of musicians that have helped make Hiss Golden Messenger's live performances legendary affairs

A double vinyl helping of dripping-in-soul house from Toronto's Demuir. It originally surfaced digitally in 2021 but has been constantly in demand ever since. Not at all surprising when you start to dip into the likes of 'Aesthetics' (dub), with its constant synth washes and subtle funk underpinning, or the loopy, bongo-teased hypnotism of 'No Corazon, No Beat'. It's a varied selection here, from late night floor crushers to the softer, jazzier 'Bichano Doce', but there are two constants remaining throughout, namely quality production and a knack for irresistible grooves built for the floor. Demuir by name, demure by nature.

"Hyperglyph" is the first new album in 11 years from composer/trumpeter/synthesist Rob Mazurek and composer/percussionist Chad Taylor"s long-running Chicago Underground Duo project. Mazurek and Taylor have played music together in a multitude of formations over nearly three decades, including their ongoing partnership in Mazurek"s large-format-skyward-expressionism vehicle Exploding Star Orchestra, in the expanded Chicago Underground Trio, Quartet and Orchestra (all with guitarist Jeff Parker), as well as a plethora of other assemblages. The early albums by the Duo have proven to be embryonic blueprints for the avant-jazz / electronic / indie rock hybridizing of the time, making them majorly important moments in the articulation of the "jazz" dimensionality of the then-burgeoning "post rock" sound. That sound, of course, was being transmitted far and wide due to the success of these groups as well as the Mazurek/Parker project Isotope 217, and the Chicago Underground"s frequently-intersecting collaborators in Tortoise. Just as most of the still-working projects born of that era have evolved, reconfigured, and grown, the Chicago Underground Duo has undergone a number of musical moltings, with the project always in the background of disparate individual aural investigations. The concurrent personal evolutions of Mazurek and Taylor as the Duo project drops off and picks back up makes it a true reflection of their own lives and friendship.

Parisian label Chuwanaga is thrilled to announce the upcoming release of "The Milky Way", the first EP from the dynamic Milk & Honey duo, comprised of producers Saint-James and Tour-Maubourg. Known for their raw sound reminiscent of the late nineties house sound, Milk & Honey bring a fresh yet nostalgic energy to the scene, blending vintage hardware with modern sensibilities. Available as Limited Vinyl 12" (300ex) and Digital.

This EP, is a testament to their musical chemistry and shared passion for the classic deep house. Composed in just two days at Tour-Maubourg's studio in Ixelles, Belgium, "The Milky Way" captures the essence of their creative synergy.

From peak-time club heaters like "Back in the Hood", "Lost and Found" and "Sour" — the latter tinged with a darker UK sound - to deeper, more introspective cuts like "Deeper and Deeper","Venus Effect" and "City Stabs" the EP is a rich and textured journey. It's also a testament to friendship: a story told through syncopated rhythms, hypnotic melodies, and intricate drum programming.

Milk & Honey have previously challenged the deep house scene with releases on Groovence Records, drawing inspiration from legends like Glenn Underground.

"This is brilliant" - Gilles Peterson

Azymuth bassist Alex Malheiros doesn't remember recording this single. It's understandable—the sessions happened over forty years ago, and at the time, Malheiros, Ivan Conti and José Roberto Bertrami were backing countless MPB artists throughout the genre's golden age. As one of Brazil’s most influential groups, Azymuth's story is well known. Vocalist Luisa, however, remains something of an enigma. She recorded this, her one and only single, in 1981 for Carlos Lemos' Piramide Label.

With Luisa’s powerful yet understated vocal, Bertrami's futuristic synths and José Carlos Bigorna's brow-raising tenor sax licks, the stirring early-80s pop ballad "Romantica" should have been a radio hit. On B-side, "Lenha na Fogueira", Azymuth lock into an exceptional samba-funk groove with legendary guitarist Paulinho Guitarra. The record also features backing vocals from the lesser-known vocal group Arco Iris.

Luisa will be reissued for the first time on 7" vinyl and digital on September 5th, 2025, via Far Out Recordings.

2nd release from the Disko Varasto series with another four Electroclash/Italo bangers recovered from the vault of the electro producer 'Konerytmi' under his alias 'The Klash' that remind us to the music of the news and/or social documentaries in the spanish TV and scifi movies soundtracks on the 80's decade.

DK takes ‘em to church! The connections between Black Gospel traditions and dance music are strong and deep, and in this latest masterclass from the Mr. K Edits series Danny Krivit explores two under-the-radar but powerful examples. After the success of his disco-funk hit ‘This Feelin’, the Washington DC-based Frank Hooker turned from the club to the chapel, releasing a full-length album of worship music set to the early ’80s sound of post-disco boogie. ‘Rise and Shine’ is a clear precursor to piano house — full of energy and giving all the hands in the air vibes of the best gospel. Danny’s edit extends the too short original and adds a sneaky isolation of the chorus vocals for an extra theatrical touch. Also hailing from the DC area, Lafreda’s ‘Church Girl Church’ is a quirky 12-inch from 1983 that has remained largely undiscovered, just the sort of left-field pick you’d expect the deep digging Krivit to have lurking in his crates. Mr. K’s edit melds Lafreda’s impassioned vocals with the stomping dub version to create an unexpectedly powerful cut that is the very embodiment of fierce.

Tender / Wading zeigt Matthew Sage, alias M. Sage, in den Ausläufern und Weiden Colorados, wo er schreibt, aufnimmt und zu einem Stück seiner Heimat und Identität zurückkehrt, wobei ein Akt der Fürsorge den nächsten nach sich zieht. Das Album, das hauptsächlich auf Klavier und Klarinette aufgebaut ist und dann mit Gitarre, modularem Synthesizer, Percussion und Feldaufnahmen aus der Umgebung seines Zuhauses verziert wurde, ist eine weitreichende, ruhige Vision von Vitalität, radikaler Sanftheit und dem beruhigenden Gefühl, nach Hause zu kommen, auch wenn sich das Zuhause verändert hat. Seit den frühen 2010er Jahren hat Sage ein eigenwilliges Musikrepertoire zusammengestellt, das sich in verschiedene Klangrichtungen erstreckt, sich in Veröffentlichungen auf Geographic North, Orange Milk und Moon Glyph manifestiert und sowohl kritische Aufmerksamkeit als auch eine treue Zuhörerschaft für jede neue Wendung erlangt hat. 2023 debütierte Sage bei RVNG Intl. mit Paradise Crick, das zeitgleich mit seiner laufenden Arbeit im improvisierten Ambient-Jazz-Quartett Fuubutsushi erschien. Nun präsentiert er sein nächstes Soloalbum und seine neue Richtung. Tender / Wading folgt auf Sages Rückkehr nach Colorado nach fast einem Jahrzehnt in Chicago, wo er nun mit seiner jungen Familie dreißig Meilen außerhalb seiner Heimatstadt ein paar Hektar verwildertes Land bewirtschaftet. In einem ganzheitlichen Kontrast zu Cricks synthetischer Klangwelt schafft Sage Kunst aus dem Akt des Pflegens neuen Wachstums, hinterfragt Konstrukte des häuslichen Lebens und versteht die Spuren seines früheren Selbst durch die schmutzverschmierte, schweißvernebelte Linse der Gegenwart. Das Ergebnis ist sein bisher autobiografischstes Material, geprägt von Zeit und Veränderungen in der Wahrnehmung sowie bedeutungsvollen Details aus Sages psychischer Suche. Sage vergleicht das Gefühl, verschiedene Versionen von sich selbst zu sehen, mit der berühmten Hase-Ente-Theorie des Philosophen Ludwig Wittgenstein. ,Es ist dieselbe Zeichnung, aber je nachdem, wer man ist, wo man ist und wann man ist, sehen manche Menschen einen Hasen und manche eine Ente oder beides", erklärt Sage. Hier sind das Subjekt und der Betrachter, zurück in vertrauten Landschaften, als Partner und Elternteil, der Gestrüpp zurückschneidet, gedemütigt von invasiven Pflanzen, Schädlingsbefall und verdichtetem Lehmboden, seine Prioritäten haben sich grundlegend geändert. Und doch ist auch dieses andere Ich da: ein gewiefter Akademiker, der oft in Memes denkt und das Ziehen seines Handys in der Hosentasche spürt. ,In diesem Album geht es darum, diese Wahrnehmungsverschiebungen zu ergründen und ihnen Raum zu geben, beides zu tun: hüpfen und quaken." Es ist ein inneres Kind, das Sages intermediale Praxis in seinem Atelier leitet, einer Scheune, die nach dem großen Umzug im Jahr 2022 im Rahmen einer hausweiten DIY-Renovierung umgebaut wurde. Im Inneren werden Gedichte zu Zeichnungen, zu Skulpturen im Hinterhof und darüber hinaus, und alberne Ausflüge in den Vogelgesang oder die Freude an der Herausforderung, Klarinette zu lernen, weichen ernsthafter Musik. ,Ich glaube, ich habe entdeckt, dass es diese Linien gibt, die alles miteinander verbinden", sagt er. ,Und dieses Album ist voller hartnäckigem Optimismus und Hoffnung, aber auch der Bewusstheit, dass wir uns in einer späten Phase befinden, und dem Versuch, mit der Rhetorik dieser Phase umzugehen." Für Tender / Wading setzt Sage einen unverwechselbaren Sound ein: eine pastorale Art von Folk Kosmiche, kontemplativer elektroakustischer Barn Jazz für die Front Range, voller blasser Puddle Blues und rostigen Oil Drum Reds. Die meisten Songs entstanden auf einem 1910er Hamilton-Klavier, das kurioserweise in Chicago gebaut, von den Vorbesitzern zurückgelassen und von Mäusen bewohnt worden war. Die zufällige Begegnung mit dem Instrument fühlte sich kosmisch an, nicht nur wegen seiner Verbindung zur Windy City, sondern auch wegen Sages sich weiterentwickelnder Herangehensweise an das Songwriting nach Fuubutsushi. Er fühlt sich hinter den Tasten wohler und kehrt zurück zum Schlagzeug (seiner Jugendliebe). In einem passenden Raum für Holzblasinstrumente umarmt er das Elementare und Absichtliche und verleiht der Musik von Anfang an mehr strukturelles Gewicht und Wärme. Tender's M. Sage verbindet die Studioexperimente und Improvisationen seiner Vergangenheit mit einem geschärften Ohr für melodische Phrasierungen und Akkordwechsel und hat seine übliche Fülle an Demos auf neun finale Stücke reduziert. Seine charakteristischen Weltbilder bleiben erhalten, von Holzhauskröten, die in statischer Elektrizität schwimmen, über raschelndes Gras und Regen, der in die Dachrinnen plätschert, bis hin zu walzenden Sternbildern im Mondlicht. Während Cricks Universum aus magischem Realismus und digitaler Fantasie entstanden ist, greift Tender / Wading direkter auf menschliche Erfahrungen zurück. Er weist schnell Vorwürfe zurück, es handele sich um ein hochkonzeptionelles Album: ,Ich mache einfach die Musik, die ich selbst gerne in meinen Kopfhörern hören würde, während ich Unkraut jäte oder so." Es könnte beides sein, wie der Hase und die Ente behaupten würden: zutiefst persönlich und abstrakt, eine faszinierende und natürliche Wendung eines experimentellen Künstlers des 21. Jahrhunderts, dessen Vermächtnis sich in Echtzeit weiterentwickelt und wächst.

Press Quotes:

Rock Hard 8.5/10: "...noch ausgereifter und dürften sich endgültig als eine feste Größe im britischen Prog Metal etablieren. Das Nebeneinander von modernen und traditionellen Elementen funktioniert ganz wunderbar... Eine der positivsten Überraschungen des Prog-Jahres 2025!"
"...even more mature and should finally establish themselves as a permanent fixture in British prog metal. The juxtaposition of modern and traditional elements works wonderfully... One of the most positive surprises of the prog year 2025!"

Metal Hammer 4.5/7: "Insofern gehört auch LEGACY zu den tiefschürfenden Statements einer modernen Band, die voll im Zeitgeist ist."
"In this respect, LEGACY is also one of the profound statements of a modern band that is fully in tune with the zeitgeist."

Legacy 13/15: "Diese Band ist manifestierte Kreativität, die dazu dient, den Geist mit Glück zu erfüllen. So viel Schönheit ist schon bemerkenswert. Dieses Werk ist wahrlich ein Vermächtnis, welches den Prog in ein neues Zeitalter führt und in der Musikwelt seine Spuren hinterlassen wird."
"This band is manifest creativity that serves to fill the spirit with happiness. Such beauty is truly remarkable. This work is truly a legacy that will lead prog metal into a new era and leave its mark on the music world."

eclipsed 8/10 (#2 in eclipsed Radar Top 20): "Die erzeugten Stimmungen - die mit den eine dystopische Zukunft beschreibenden Texten korrelieren - machen „Legacy" vielmehr zu einem Bauch-Album, das mit Atmosphäre punktet und einem bei jedem Durchlauf besser gefällt. ...Durchweg tolle Melodien, starker Gesang und abwechslungsreiche Gestaltung der Songs. ...Es ist ein moderner Kopfhörer-Traum, den Ihlo hier abgeliefert haben."
"The moods created—which correlate with the lyrics describing a dystopian future—make "Legacy" more of a gut-pumping album, one that scores with atmosphere and grows more likable with each listen. ...Consistently great melodies, strong vocals, and varied songwriting. ...It's a modern headphone dream that Ihlo have delivered here."

saitenkult.de 9/10: "Mit ´Legacy´ legen IHLO den Grundstein zu ihrem eigenen Vermächtnis. Ein Werk, das in die Zukunft strahlt und zugleich im Hier und Jetzt überwältigt."
"With 'Legacy,' IHLO lay the foundation for their own legacy. A work that radiates into the future and simultaneously overwhelms the here and now."

theprogspace 10/10: "Ihlo’s growth since their beginnings has been nothing short of spectacular, and to witness how far they’ve come is inspiring. After listening nonstop to ‘Legacy’, it is really hard for me to realize that it is just their second album (!). It is so well produced with its raw energy and depth. It is truly cementing their career, carving out a big bold name within the best of the best in the prog metal universe."

metal-heads.de: "Ein interessantes Prog-Werk haben IHLO da erschaffen."
"IHLO have created an interesting prog work."

moshpitpassion.de: "Manchmal hört man einen Song und weiß sofort: Das hier wird etwas Besonderes. Genau so wirkt „Replica“, die neue Single von IHLO. …macht deutlich, wie weit sich die Band seit ihrem Debüt entwickelt hat. Die Atmosphäre ist dicht, die Dynamikwechsel kommen plötzlich und hart, und der Breakdown bringt eine rohe Härte mit, wie man sie von IHLO in dieser Form noch nicht kannte. Und trotzdem bleibt alles stimmig, melodisch und emotional aufgeladen."
"Sometimes you hear a song and know immediately: This is going to be something special. That's exactly how "Replica," the new single from IHLO, feels. ...makes it clear how far the band has evolved since their debut. The atmosphere is dense, the dynamic shifts are sudden and harsh, and the breakdown brings a raw heaviness never before seen from IHLO. And yet everything remains coherent, melodic, and emotionally charged."


Press Quotes:

Rock Hard 8.5/10: "...noch ausgereifter und dürften sich endgültig als eine feste Größe im britischen Prog Metal etablieren. Das Nebeneinander von modernen und traditionellen Elementen funktioniert ganz wunderbar... Eine der positivsten Überraschungen des Prog-Jahres 2025!"
"...even more mature and should finally establish themselves as a permanent fixture in British prog metal. The juxtaposition of modern and traditional elements works wonderfully... One of the most positive surprises of the prog year 2025!"

Metal Hammer 4.5/7: "Insofern gehört auch LEGACY zu den tiefschürfenden Statements einer modernen Band, die voll im Zeitgeist ist."
"In this respect, LEGACY is also one of the profound statements of a modern band that is fully in tune with the zeitgeist."

Legacy 13/15: "Diese Band ist manifestierte Kreativität, die dazu dient, den Geist mit Glück zu erfüllen. So viel Schönheit ist schon bemerkenswert. Dieses Werk ist wahrlich ein Vermächtnis, welches den Prog in ein neues Zeitalter führt und in der Musikwelt seine Spuren hinterlassen wird."
"This band is manifest creativity that serves to fill the spirit with happiness. Such beauty is truly remarkable. This work is truly a legacy that will lead prog metal into a new era and leave its mark on the music world."

eclipsed 8/10 (#2 in eclipsed Radar Top 20): "Die erzeugten Stimmungen - die mit den eine dystopische Zukunft beschreibenden Texten korrelieren - machen „Legacy" vielmehr zu einem Bauch-Album, das mit Atmosphäre punktet und einem bei jedem Durchlauf besser gefällt. ...Durchweg tolle Melodien, starker Gesang und abwechslungsreiche Gestaltung der Songs. ...Es ist ein moderner Kopfhörer-Traum, den Ihlo hier abgeliefert haben."
"The moods created—which correlate with the lyrics describing a dystopian future—make "Legacy" more of a gut-pumping album, one that scores with atmosphere and grows more likable with each listen. ...Consistently great melodies, strong vocals, and varied songwriting. ...It's a modern headphone dream that Ihlo have delivered here."

saitenkult.de 9/10: "Mit ´Legacy´ legen IHLO den Grundstein zu ihrem eigenen Vermächtnis. Ein Werk, das in die Zukunft strahlt und zugleich im Hier und Jetzt überwältigt."
"With 'Legacy,' IHLO lay the foundation for their own legacy. A work that radiates into the future and simultaneously overwhelms the here and now."

theprogspace 10/10: "Ihlo’s growth since their beginnings has been nothing short of spectacular, and to witness how far they’ve come is inspiring. After listening nonstop to ‘Legacy’, it is really hard for me to realize that it is just their second album (!). It is so well produced with its raw energy and depth. It is truly cementing their career, carving out a big bold name within the best of the best in the prog metal universe."

metal-heads.de: "Ein interessantes Prog-Werk haben IHLO da erschaffen."
"IHLO have created an interesting prog work."

moshpitpassion.de: "Manchmal hört man einen Song und weiß sofort: Das hier wird etwas Besonderes. Genau so wirkt „Replica“, die neue Single von IHLO. …macht deutlich, wie weit sich die Band seit ihrem Debüt entwickelt hat. Die Atmosphäre ist dicht, die Dynamikwechsel kommen plötzlich und hart, und der Breakdown bringt eine rohe Härte mit, wie man sie von IHLO in dieser Form noch nicht kannte. Und trotzdem bleibt alles stimmig, melodisch und emotional aufgeladen."
"Sometimes you hear a song and know immediately: This is going to be something special. That's exactly how "Replica," the new single from IHLO, feels. ...makes it clear how far the band has evolved since their debut. The atmosphere is dense, the dynamic shifts are sudden and harsh, and the breakdown brings a raw heaviness never before seen from IHLO. And yet everything remains coherent, melodic, and emotionally charged.

Press Quotes:

Rock Hard 8.5/10: "...noch ausgereifter und dürften sich endgültig als eine feste Größe im britischen Prog Metal etablieren. Das Nebeneinander von modernen und traditionellen Elementen funktioniert ganz wunderbar... Eine der positivsten Überraschungen des Prog-Jahres 2025!"
"...even more mature and should finally establish themselves as a permanent fixture in British prog metal. The juxtaposition of modern and traditional elements works wonderfully... One of the most positive surprises of the prog year 2025!"

Metal Hammer 4.5/7: "Insofern gehört auch LEGACY zu den tiefschürfenden Statements einer modernen Band, die voll im Zeitgeist ist."
"In this respect, LEGACY is also one of the profound statements of a modern band that is fully in tune with the zeitgeist."

Legacy 13/15: "Diese Band ist manifestierte Kreativität, die dazu dient, den Geist mit Glück zu erfüllen. So viel Schönheit ist schon bemerkenswert. Dieses Werk ist wahrlich ein Vermächtnis, welches den Prog in ein neues Zeitalter führt und in der Musikwelt seine Spuren hinterlassen wird."
"This band is manifest creativity that serves to fill the spirit with happiness. Such beauty is truly remarkable. This work is truly a legacy that will lead prog metal into a new era and leave its mark on the music world."

eclipsed 8/10 (#2 in eclipsed Radar Top 20): "Die erzeugten Stimmungen - die mit den eine dystopische Zukunft beschreibenden Texten korrelieren - machen „Legacy" vielmehr zu einem Bauch-Album, das mit Atmosphäre punktet und einem bei jedem Durchlauf besser gefällt. ...Durchweg tolle Melodien, starker Gesang und abwechslungsreiche Gestaltung der Songs. ...Es ist ein moderner Kopfhörer-Traum, den Ihlo hier abgeliefert haben."
"The moods created—which correlate with the lyrics describing a dystopian future—make "Legacy" more of a gut-pumping album, one that scores with atmosphere and grows more likable with each listen. ...Consistently great melodies, strong vocals, and varied songwriting. ...It's a modern headphone dream that Ihlo have delivered here."

saitenkult.de 9/10: "Mit ´Legacy´ legen IHLO den Grundstein zu ihrem eigenen Vermächtnis. Ein Werk, das in die Zukunft strahlt und zugleich im Hier und Jetzt überwältigt."
"With 'Legacy,' IHLO lay the foundation for their own legacy. A work that radiates into the future and simultaneously overwhelms the here and now."

theprogspace 10/10: "Ihlo’s growth since their beginnings has been nothing short of spectacular, and to witness how far they’ve come is inspiring. After listening nonstop to ‘Legacy’, it is really hard for me to realize that it is just their second album (!). It is so well produced with its raw energy and depth. It is truly cementing their career, carving out a big bold name within the best of the best in the prog metal universe."

metal-heads.de: "Ein interessantes Prog-Werk haben IHLO da erschaffen."
"IHLO have created an interesting prog work."

moshpitpassion.de: "Manchmal hört man einen Song und weiß sofort: Das hier wird etwas Besonderes. Genau so wirkt „Replica“, die neue Single von IHLO. …macht deutlich, wie weit sich die Band seit ihrem Debüt entwickelt hat. Die Atmosphäre ist dicht, die Dynamikwechsel kommen plötzlich und hart, und der Breakdown bringt eine rohe Härte mit, wie man sie von IHLO in dieser Form noch nicht kannte. Und trotzdem bleibt alles stimmig, melodisch und emotional aufgeladen."
"Sometimes you hear a song and know immediately: This is going to be something special. That's exactly how "Replica," the new single from IHLO, feels. ...makes it clear how far the band has evolved since their debut. The atmosphere is dense, the dynamic shifts are sudden and harsh, and the breakdown brings a raw heaviness never before seen from IHLO. And yet everything remains coherent, melodic, and emotionally charged."


Press Quotes:

Rock Hard 8.5/10: "...noch ausgereifter und dürften sich endgültig als eine feste Größe im britischen Prog Metal etablieren. Das Nebeneinander von modernen und traditionellen Elementen funktioniert ganz wunderbar... Eine der positivsten Überraschungen des Prog-Jahres 2025!"
"...even more mature and should finally establish themselves as a permanent fixture in British prog metal. The juxtaposition of modern and traditional elements works wonderfully... One of the most positive surprises of the prog year 2025!"

Metal Hammer 4.5/7: "Insofern gehört auch LEGACY zu den tiefschürfenden Statements einer modernen Band, die voll im Zeitgeist ist."
"In this respect, LEGACY is also one of the profound statements of a modern band that is fully in tune with the zeitgeist."

Legacy 13/15: "Diese Band ist manifestierte Kreativität, die dazu dient, den Geist mit Glück zu erfüllen. So viel Schönheit ist schon bemerkenswert. Dieses Werk ist wahrlich ein Vermächtnis, welches den Prog in ein neues Zeitalter führt und in der Musikwelt seine Spuren hinterlassen wird."
"This band is manifest creativity that serves to fill the spirit with happiness. Such beauty is truly remarkable. This work is truly a legacy that will lead prog metal into a new era and leave its mark on the music world."

eclipsed 8/10 (#2 in eclipsed Radar Top 20): "Die erzeugten Stimmungen - die mit den eine dystopische Zukunft beschreibenden Texten korrelieren - machen „Legacy" vielmehr zu einem Bauch-Album, das mit Atmosphäre punktet und einem bei jedem Durchlauf besser gefällt. ...Durchweg tolle Melodien, starker Gesang und abwechslungsreiche Gestaltung der Songs. ...Es ist ein moderner Kopfhörer-Traum, den Ihlo hier abgeliefert haben."
"The moods created—which correlate with the lyrics describing a dystopian future—make "Legacy" more of a gut-pumping album, one that scores with atmosphere and grows more likable with each listen. ...Consistently great melodies, strong vocals, and varied songwriting. ...It's a modern headphone dream that Ihlo have delivered here."

saitenkult.de 9/10: "Mit ´Legacy´ legen IHLO den Grundstein zu ihrem eigenen Vermächtnis. Ein Werk, das in die Zukunft strahlt und zugleich im Hier und Jetzt überwältigt."
"With 'Legacy,' IHLO lay the foundation for their own legacy. A work that radiates into the future and simultaneously overwhelms the here and now."

theprogspace 10/10: "Ihlo’s growth since their beginnings has been nothing short of spectacular, and to witness how far they’ve come is inspiring. After listening nonstop to ‘Legacy’, it is really hard for me to realize that it is just their second album (!). It is so well produced with its raw energy and depth. It is truly cementing their career, carving out a big bold name within the best of the best in the prog metal universe."

metal-heads.de: "Ein interessantes Prog-Werk haben IHLO da erschaffen."
"IHLO have created an interesting prog work."

moshpitpassion.de: "Manchmal hört man einen Song und weiß sofort: Das hier wird etwas Besonderes. Genau so wirkt „Replica“, die neue Single von IHLO. …macht deutlich, wie weit sich die Band seit ihrem Debüt entwickelt hat. Die Atmosphäre ist dicht, die Dynamikwechsel kommen plötzlich und hart, und der Breakdown bringt eine rohe Härte mit, wie man sie von IHLO in dieser Form noch nicht kannte. Und trotzdem bleibt alles stimmig, melodisch und emotional aufgeladen."
"Sometimes you hear a song and know immediately: This is going to be something special. That's exactly how "Replica," the new single from IHLO, feels. ...makes it clear how far the band has evolved since their debut. The atmosphere is dense, the dynamic shifts are sudden and harsh, and the breakdown brings a raw heaviness never before seen from IHLO. And yet everything remains coherent, melodic, and emotionally charged.

Im Januar 1977 veröffentlichten Pink Floyd ihr zehntes Studioalbum „Animals“. Das Werk eroberte Platz 1 der deutschen Charts, gilt als eines ihrer besten – und es wird nun, 45 Jahre später, als Deluxe Gatefold, CD, LP und Blu-ray wiederveröffentlicht. Zum ersten Mal überhaupt wird das Album in 5.1 Surround-Sound zu hören sein. Die einzelnen Versionen werden ab dem 16. September 2022 erhältlich sein, die Deluxe-Version folgt am 7. Oktober.

Pink Floyd – David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters und Richard Wright – nahmen „Animals“ 1976 und Anfang 1977 in den bandeigenen Britannia Row Studios in London auf und produzierten auch selbst.

„Animals 2018 Remix“ wird als CD, LP (mit Klapphüllen-Artwork), Blu-Ray und als Deluxe-Gatefold-Format veröffentlicht. Die Deluxe-Gatefold-Version beinhaltet eine LP, CD, Audio-Blu-Ray, Audio-DVD und ein 32-seitiges Booklet. Die Audio-Blu-Ray und -DVD enthalten den Remix von 2018 in Stereo, in 5.1 Surround (beide von James Guthrie) und den ursprünglichen Stereo-Mix von 1977. Das 32-seitige Booklet gewährt mit selten gezeigten Fotos einen Blick hinter die Kulissen des Shootings für die Plattenhülle sowie Live-Bilder und Memorabilia. Das Album-Artwork wurde für diese Veröffentlichung mit einem zeitgemäßen Motiv neu interpretiert.

„Animals“ ist ein Konzeptalbum, das sich kritisch mit den sozialpolitischen Verhältnissen im Großbritannien der mittleren 1970er-Jahre auseinandersetzt und damit eine Abkehr vom Stil der früheren Arbeiten der Band markierte. Aus einer Ansammlung ursprünglich nicht miteinander zusammenhängender Songs entwickelten Pink Floyd ein Konzept, das den offenkundigen sozialen und moralischen Verfall der Gesellschaft beschreibt. Inspiriert von George Orwells „Farm der Tiere“, verbildlichen sie die menschliche Natur mit einer Analogie zum Tierreich und teilen die Menschen in drei Klassen von Tieren ein: Die Schweine stehen an der Spitze der sozialen Kette, die Schafe tun als hirnlose Herde, was man ihnen sagt, und die Hunde sind die Geschäftsbosse, die sich am Profit und ihrer Macht über andere schamlos bereichern. Seit 1977 ist viel Zeit vergangen – und dann wieder gar nicht, denn die Erzählung des Albums hat als Kommentar auf unsere gesellschaftliche und wirtschaftliche Situation nichts von ihrer Aktualität verloren.

Das berühmte Cover von „Animals“ zeigt ein aufblasbares Schwein (heute bekannt als Algie), das in luftigen Höhen zwischen zwei Schornsteinen der Battersea Power Station in London schwebt. Die Idee für das Cover kam von Roger Waters, die Umsetzung übernahm der langjährigen Kreativpartner der Band, Storm Thorgerson von Hipgnosis Studios. Für die jetzige Neuveröffentlichung wurde das Artwork von Storms Hipgnosis-Partner Aubrey „Po“ Powell für die heutige Zeit neu gestaltet. Basierend auf neuen Aufnahmen des Gebäudes während der jüngsten Umgestaltungsarbeiten (das ehemalige Kraftwerk wird für die kulturelle und gewerbliche Nutzung umgebaut, gestaltet von Frank Gehry und Norman Foster), experimentierte Po mit neuen Blickwinkeln und erschuf einige beeindruckende neue Varianten des berühmten Originals. Po dazu: „Das Original-Albumcover von 1977 ist ikonisch und steht so sehr für sich, dass ich eine Menge Respekt davor hatte, ihm ein Update zu verpassen. Doch Hipgnosis nahm die Gelegenheit zum Anlass, das Motiv neu zu fotografieren und damit eine sich verändernde Welt widerzuspiegeln. Durch den Einsatz moderner digitaler Färbetechniken konnte ich Pink Floyds düstere Botschaft des moralischen Verfalls beibehalten, und auch die Orwellsche Tier-Analogie in Form des Schweins Algie lebt in dem neuen Artwork fort.“

Pink Floyds „Animals 2018 Remix” kann ab jetzt hier vorbestellt werden.

"Room for the Moon Live" dokumentiert einen ekstatischen Abend, den die facettenreiche Produzentin und Performerin Kate NV ins Leben gerufen hat. Das Album wurde während einer einmaligen Show aufgenommen, die einige Jahre nach der Veröffentlichung von "Room for the Moon" (2020) stattfand. NV malt innerhalb und außerhalb der expressionistischen Linien ihrer Solo-Persönlichkeit und steht an der Spitze einer eklektischen achtköpfigen Band, die Material aus ihrem skurrilen und endlos faszinierenden zweiten Album aufgreift und weiterentwickelt. Für NV ist "Room for the Moon Live" mehr als nur ein Meilenstein, der die fünf Jahre seit der Veröffentlichung ihres zweiten Albums markiert. Die Aufnahme dokumentiert einen wichtigen und seitdem einmaligen Abend, an dem der Sound und die Seele des Albums und ihrer musikalischen Vertrauten einen Raum der Zuflucht in einer besonders schweren und isolierenden Zeit schufen. ,Das wichtigste Thema des Konzerts war, ein Team zu sein - zusammen", sagt NV. ,Musik zu spielen und zu versuchen, in dunklen Zeiten Freude zu verbreiten. Das war für mich sehr wichtig." Die Band wurde von NV aus einer eng verbundenen Gruppe von Musikerfreunden und häufigen Kollaborateuren zusammengestellt, wobei der Kern aus Mitgliedern von Glintshake besteht, der Post-Punk-Band, die sie 2012 mitbegründet hat. Unter NVs leichtfüßiger Leitung begann das Ensemble, die Richtung der Performance zu skizzieren und sich vorzustellen, wie sie einige der synthlastigeren Stücke von Room mit neuen Ideen und akustischen Texturen neu gestalten könnten, unterstützt durch ihre Offenheit für Improvisation, ,Jam"-Ästhetik und vor allem durch ihren freigeistigen Spaß an der Sache. ,Der Ansatz war in etwa: ,Leute, wir spielen Songs, aber hier können wir richtig wild werden`", erinnert sie sich. ,Ich hatte einige ,Musts`, die wir so originalgetreu wie möglich nachbilden mussten, weil sie für die Songs entscheidend waren, aber es war nie eine Priorität, alle in einen Käfig der Originale zu stecken. Die Tracks haben dadurch nur gewonnen und klingen kraftvoller als die Originalversionen." NV hebt ,Marafon 15" und ,Telefon" als besonders eindrucksvolle Beispiele für die tief groovenden, groovigen Art-Rock-Kräfte hervor, die die Originale auf der Bühne belebten. Aber auch über diese beiden Tracks hinaus sind alle Songs weiter ausgelegt und fließen freier, oft eine Minute oder mehrere Minuten länger als die Originale, da die Band einige der eher poporientierten Arrangements von Room aufbricht. NV verweist auch auf die ausgedehnten Solo-Passagen in ,Ça commence par" und die euphorische Coda von ,Lu Na", die während einer Probe der Band entstanden sind und dann für immer Teil des Songs geblieben sind, als einige der verspieltesten Momente des Albums. Live-Alben folgen, sei es aus Notwendigkeit oder aus Gewohnheit, meist einem altbewährten Muster: Sie dokumentieren eine Reihe von Abenden auf Tournee, an denen Künstler vor einem aufgeschlossenen, aber oft verschwommenen Publikum in fremden Städten spielen, die in einem impressionistischen Nebel aus Orten, Räumen, Bildern und Geschmäckern vorbeiziehen. Die Performance auf "Room for the Moon Live" ist etwas ganz anderes. Es ist Musik, die von Freunden für Freunde gemacht wurde, um zu heilen und zu fühlen, voller Freude und grenzenloser Großzügigkeit. Kate NVs "Room for the Moon Live" erscheint fast genau fünf Jahre nach der Veröffentlichung des Originalalbums, als limitierte Doppel-LP und in unbegrenzter digitaler Auflage.

pen·ti·men·to - eine sichtbare Spur früherer Malerei unter einer oder mehreren Farbschichten auf einer Leinwand - frühes 20. Jahrhundert: aus dem Italienischen, wörtlich "Reue". Auf ihrem ersten Album seit "Still Life" (2022) bewegt sich Carson McHone an der Grenze ihrer musikalischen Vorstellungskraft und kanalisiert so unterschiedliche und überraschende Einflüsse wie Gitarrenrock, pastoralen Folk, Poesie, Feldaufnahmen, visuelle Kunst, Erinnerung, Familie und Landschaft zu ihrem bisher tiefgründigsten Werk. "Pentimento" ist ein kühnes und lohnendes Album. Es ist auch eine Abrechnung: Wie können Liebe und Schönheit in der Gegenwart von Brutalität existieren? Beunruhigend. Dissonant. Gegen ihren Schatten und mit ihre Spuren. Das ist es, was McHone und ihre Mitstreiter (zu denen Daniel Romano, Steve Lambke von den Constantines und andere gehören) auf "Pentimento" mit der Subtilität von Aquarellmalerei und dem Reichtum von Versen einfangen, mit Geisterstimmen und Kinderstimmen gleichermaßen. Jede Schicht ist ein Universum für sich und offenbart den Puls, der Carson McHones kreativen Antrieb belebt. Hier arrangiert und als Ganzes ausgedrückt, ist es ein Meisterwerk. "Alle Lieder von Pentimento entstanden als Gedichte vor dem Hintergrund globaler Krisen, nationaler Grenzen, ziviler Unruhen, Geburt, Tod, schlechter Liebe, neuer Liebe, wahrer Liebe. Sie wurden im Frühling und Sommer in der Wüste geschrieben. Dort werden Geschichte und Zeit in der Dramatik großer Felsbrocken sichtbar, in Schichten auf einer Felswand - das Potential und die vergangene Energie des alten Meeresbodens. Einige dieser Texte wurden auf Postkarten und in Briefen geschrieben. Andere entstanden als Verzierungen auf Aquarellbildern oder als Bildunterschriften für ein Foto in einem Tagebuch, oder sie wurden als Antworten am Rande eines Tagebuchs an ein neugeborenes Kind aus einer vergangenen Generation geschrieben. Diese "Artefakte" des Schreibens/Lebens gaben Aufschluss darüber, was schließlich zum Material für diese Aufnahmen wurde. Später, am Meer und während des ersten Schnees der Saison, kam eine besondere Gruppe von Musikern zusammen, um das Album zum Leben zu erwecken. Während die Hälfte der Songs nach einem strengen "Plan" aufgebaut wurde, kam die andere Hälfte bei dieser Gelegenheit zum ersten Mal zusammen und wurde an Ort und Stelle geprobt und live eingespielt. Über sechs Tage hinweg wurde alles auf einem 8-Spur-Bandgerät aufgenommen, einschließlich zufälliger Rückkopplungen, Bassdröhnen und spontanem Gelächter." - Carson McHone

Was tun die Menschen um uns herum? Wie tun sie’s? „Wollen wir das nicht alle die ganze Zeit verstehen?“, fragt Alli Neumann, die mit ihrem dritten Studioalbum methaphorisch als funkelnder Stern auf hartem Asphalt landet. Als „ROQUESTAR“ muss sie sich dort erstmal orientieren. Inspiriert von David Bowies Ziggy Stardust, der fürs Seltsamsein bekannt wurde und sich was traut, auch um gesehen zu werden, blinkt Alli zwischen Auffallen und Anpassung. Die Musikerin bewegt sich längst fließend in dieser Dualität und changiert zwischen den Polen – man will ja doch von allen geliebt werden, oder?! Die Musikerin spielt mit diesem ambivalenten Gedanken, der unlösbar scheint und liefert mit ihrem Album „ROQUESTAR“ 12 Songs, die von genau diesem dringlichen Hunger nach Anerkennung getrieben sind. „Sie erzählen von dem Willen, geliebt zu werden.“ Eine Wahrheit und auch psychosoziale Utopie, vielleicht, „in der sich viele wiederfinden“, meint Alli, und ja doch schambehaftet daherkommt, weil deutlich wird: Wir sind schrecklich abhängig vom Außen, von dem wir so oft die Schnauze voll haben. Mit „Ich kann gar nichts“ schreibt Alli genau dagegen an: Eine selbstironische Hommage an die Imperfektion – wider jeder Erwartung. Geliebt werden wollen, trotz oder gerade wegen ... Rockstar sein, Alli sagt: „everybody’s favorite misfit“. Wie es geht, das mit dem Lieben, das ja auch immer damit einhergeht, wie es um die Liebe zu sich selbst steht, zeigt sich in der Gleichzeitigkeit ihrer Songs: Während Alli in „Vom anderen Stern“ zu Funk eine neue Liebe als Eskapismus zeichnet, „Baby lass dich fallen, um fliegen zu lernen“, erinnert sie in der Grungerock-Ballade „Nie wieder verlieren“ daran, wie giftig es sein kann, sich für einen Menschen aufzugeben. Auf „ROQUESTAR“ scheint alles in Bewegung. Es sind Anstöße, die die Musikerin gibt. Manchmal Anklagen, Aufforderungen, aus denen Sehnsüchte sprechen, nur nie Antworten. Auch weil das nicht zu Alli, der Artist, passen würde, die sich doch so gerne bewegt, wie die Welt, durch die sie fliegt. Durch Genres und Formate – als Musikerin, Schauspielerin, auf Bühnen, auch im Fernsehen, eine Künstlerin, die sich erfährt, (er)lebt, ein bunter Hund, Alli liebt, auch ihre Integrität. Und während die Songs in sich und auch im Miteinander organisch aufgehen, hört man mit etwas Genauigkeit zwei ungewöhnliche Instrumente spielen. Zwei barocke, die Allis „ROQUESTAR“-Modus musikalisch markieren. Zusammen mit ihrer Produzentin Novaa lässt sie Cemberlo und Fagott sich an vorherrschende Synthie- und Kraut-Pop-Sounds schmiegen, während das Fagott von den allermeisten aus der Popmusik verbannt wird. Sich wirklich zeigen, das kann Alli. „Being loved for not being loved“, beschreibt sie selbst, nur immer als Versuch. Bemerkenswert ist, dass die Musikerin bei ihrem Tempo und ihren Kurven der vergangenen Jahre nie Splitter ihres Ichs verloren hat. Während sie also 2025 zwischen den Zeilen über eine „ROQUESTAR“-Identität textet, ist sie es längst: Ein Stern, der vom Himmel auf den Boden einer steinigen Realität fällt, sich umschaut und unaufhörlich probiert. Im ewigen Gerangel zwischen laut und leise, Kraut und Folklore, Protest und Rückzug. Zwischen amüsiert und politisch, Großstadt und Landleben, 80ies und Barock. Alli und ihre Musik strahlen manchmal gleißend hell und manchmal gedimmt hinein in diese Welt, aber leuchten, das tun sie wirklich immer.

"Songs For Other People's Weddings" ist ein Begleitalbum zum gleichnamigen Buch von Jens Lekman und dem preisgekrönten Bestsellerautor David Levithan, das am 5. August 2025 über ABRAMS erscheint. Das Projekt wurde von der überraschenden Nebenkarriere des beliebten schwedischen Künstlers als Hochzeitssänger inspiriert, die zufällig zustande kam, nachdem Fans seinen Song "If You Ever Need A Stranger (To Sing At Your Wedding)" aus dem Jahr 2004 wörtlich nahmen und ihn einluden, auf ihren Hochzeiten aufzutreten. "Songs For Other People's Weddings" ist ein fiktives Werk über J, einen unglücklich verliebten Musiker, der nebenbei als Hochzeitssänger arbeitet. J trifft sich mit Paaren vor ihrem großen Tag, um mehr über die intimen, seltsamen Dinge zu erfahren, die sie zusammengebracht haben, um einen originellen Song zu schreiben, den er ihnen auf ihrer Hochzeit vorträgt. Aber trotz Js Vorliebe, die perfekten Worte für andere zu finden, scheint er nicht in der Lage zu sein, dasselbe für seine eigene Liebe zu seiner Freundin V. zu tun. Lekman bemerkt: "Die Idee, ein erzählerisches Konzeptalbum (eine Rockoper?) zu machen, fühlte sich verboten an. Was für mich normalerweise ein Zeichen dafür ist, dass ich auf dem richtigen Weg bin. Als ich mich mit dem Genre der narrativen Konzeptalben beschäftigte, wurde mir klar, dass eines meiner Lieblingsalben, Frank Sinatras "Watertown", genau das war - eine Platte, die eine chronologische Geschichte über die Länge einer LP erzählte. Da ich nie ein Fan von Musicals oder Rockopern war, diente mir dieses Album als Inspiration. Ich schrieb das Album, während das Buch noch in Arbeit war, und an einigen Stellen begann ich mir vorzustellen, was zwischen den Kapiteln des Buches geschah. Das Buch und das Album waren schließlich miteinander verflochten, gingen aber auch ihre eigenen Wege. Das Buch gab die Struktur der Geschichte vor, aber das Album schlich sich manchmal hinter die Kulissen. Geschichten aus den Liedern fanden ihren Weg in das Buch und umgekehrt." "Songs For Other People's Weddings" folgt der Beziehung von J und V und verändert sich musikalisch, während das Paar durch die Höhen und Tiefen der Liebe navigiert - wobei jede neue Hochzeit ihren eigenen klanglichen Hintergrund bietet. Das Album ist eine orchestrale, romantische Sammlung, die sich zwischen pastoralen Streichern, verträumtem Pop, sanftem Jazz-Saxophon und traurigen House-Beats bewegt. "Die Figur des J kann seine eigenen Emotionen nicht aus seinen Liedern heraushalten, und Jens unterstreicht dies auf eine Weise, die den Hörer immer wieder überrascht", sagt Levithan. "Oft wird er von Matilda Sargren begleitet, die Vs Gefühlen und Gedanken eine Stimme gibt. Ursprünglich sollte sie nur auf den Demos singen, aber als sie anfing, V zu singen, war es keine Frage, dass sie auf dem endgültigen Album zu hören sein würde. Wenn Jens und ich unsere Arbeit getan haben, erzählen der Roman und das Album beide Seiten von Js und Vs Geschichte - und die Spannung entsteht dadurch, wie diese Seiten zusammenpassen." Lekman fügt hinzu: "Auch wenn es in dieser Geschichte um eine Beziehung geht und darum, wie sie sich in den Beziehungen und Hochzeiten anderer widerspiegelt, denke ich, dass es vor allem eine Liebesgeschichte über Musik und ihren Wert in einer Zeit ist, in der sie von Tech-Unternehmen abgewertet und in Inhalte verwandelt wird. Ihre Fähigkeit, zu beruhigen und zu verbinden und ihre Rolle in den Übergangsmomenten unseres Lebens, wie zum Beispiel bei Hochzeiten. Es ist ein Liebeslied an Liebeslieder."

pen·ti·men·to - eine sichtbare Spur früherer Malerei unter einer oder mehreren Farbschichten auf einer Leinwand - frühes 20. Jahrhundert: aus dem Italienischen, wörtlich "Reue". Auf ihrem ersten Album seit "Still Life" (2022) bewegt sich Carson McHone an der Grenze ihrer musikalischen Vorstellungskraft und kanalisiert so unterschiedliche und überraschende Einflüsse wie Gitarrenrock, pastoralen Folk, Poesie, Feldaufnahmen, visuelle Kunst, Erinnerung, Familie und Landschaft zu ihrem bisher tiefgründigsten Werk. "Pentimento" ist ein kühnes und lohnendes Album. Es ist auch eine Abrechnung: Wie können Liebe und Schönheit in der Gegenwart von Brutalität existieren? Beunruhigend. Dissonant. Gegen ihren Schatten und mit ihre Spuren. Das ist es, was McHone und ihre Mitstreiter (zu denen Daniel Romano, Steve Lambke von den Constantines und andere gehören) auf "Pentimento" mit der Subtilität von Aquarellmalerei und dem Reichtum von Versen einfangen, mit Geisterstimmen und Kinderstimmen gleichermaßen. Jede Schicht ist ein Universum für sich und offenbart den Puls, der Carson McHones kreativen Antrieb belebt. Hier arrangiert und als Ganzes ausgedrückt, ist es ein Meisterwerk. "Alle Lieder von Pentimento entstanden als Gedichte vor dem Hintergrund globaler Krisen, nationaler Grenzen, ziviler Unruhen, Geburt, Tod, schlechter Liebe, neuer Liebe, wahrer Liebe. Sie wurden im Frühling und Sommer in der Wüste geschrieben. Dort werden Geschichte und Zeit in der Dramatik großer Felsbrocken sichtbar, in Schichten auf einer Felswand - das Potential und die vergangene Energie des alten Meeresbodens. Einige dieser Texte wurden auf Postkarten und in Briefen geschrieben. Andere entstanden als Verzierungen auf Aquarellbildern oder als Bildunterschriften für ein Foto in einem Tagebuch, oder sie wurden als Antworten am Rande eines Tagebuchs an ein neugeborenes Kind aus einer vergangenen Generation geschrieben. Diese "Artefakte" des Schreibens/Lebens gaben Aufschluss darüber, was schließlich zum Material für diese Aufnahmen wurde. Später, am Meer und während des ersten Schnees der Saison, kam eine besondere Gruppe von Musikern zusammen, um das Album zum Leben zu erwecken. Während die Hälfte der Songs nach einem strengen "Plan" aufgebaut wurde, kam die andere Hälfte bei dieser Gelegenheit zum ersten Mal zusammen und wurde an Ort und Stelle geprobt und live eingespielt. Über sechs Tage hinweg wurde alles auf einem 8-Spur-Bandgerät aufgenommen, einschließlich zufälliger Rückkopplungen, Bassdröhnen und spontanem Gelächter." - Carson McHone

Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von ,Lost Dogs & Mixed Blessings" erscheint über Oh Boy Records eine Deluxe-Edition von John Prines beliebtem Album mit fünf bisher unveröffentlichten Demos und alternativen Takes sowie dem bisher unveröffentlichten Titel ,Hey Ah Nothin'". Dieses lange verschollene Juwel wird sowohl langjährige Fans als auch Neulinge begeistern und bietet einen intimen Einblick in die Entstehung des Albums und den spontanen Geist, der die Sessions geprägt hat. Das für einen Grammy nominierte Album wird außerdem zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht, neu gemastert von den Originalbändern. ,Lost Dogs & Mixed Blessings" wird wegen seiner Wärme, seinem Witz und seiner Tiefe sehr geschätzt, und diese Neuauflage bietet einen noch genaueren Einblick in eine der fröhlichsten und kreativsten Phasen in Prines legendärer Karriere. "Lost Dogs & Mixed Blessings" erschien ursprünglich 1995 nach Prines Grammy-prämiertem Album "The Missing Years" und festigte seinen Ruf als einer der größten Songwriter Amerikas. Produziert von Howie Epstein von Tom Petty and the Heartbreakers, zeigt das Album Prine auf einem persönlichen und künstlerischen Höhepunkt, erfüllt von der Freude über eine neue Liebe, seine Vaterschaft und einer unerschütterlichen kreativen Chemie. Unterstützt von einem All-Star-Ensemble, darunter Heartbreakers-Pianist Benmont Tench und Gastsängerinnen Carlene Carter und Marianne Faithfull, ist ,Lost Dogs & Mixed Blessings" ein lebendiges Beispiel für Prines unvergleichliches lyrisches Talent. Das Album fließt mühelos von der ironischen Zufriedenheit von ,Ain't Hurtin' Nobody" zu der epischen Erzählung von ,Lake Marie", einem Song, den Bob Dylan einmal als einen seiner Lieblingssongs bezeichnet hat. Mit seiner Mischung aus herzlichen Balladen, surrealen Erzählungen und verspieltem Humor bleibt ,Lost Dogs & Mixed Blessings" eines der umfangreichsten und beliebtesten Werke von Prine. Mit 14 Titeln und einer Länge von fast einer Stunde fängt es die Fülle der Erfahrungen der Lebensmitte ein, ehrlich, entspannt und voller Leben. Dreißig Jahre später lädt diese Veröffentlichung dazu ein, ein Album wiederzuentdecken, das weiterhin tröstet, überrascht und inspiriert.

Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von ,Lost Dogs & Mixed Blessings" erscheint über Oh Boy Records eine Deluxe-Edition von John Prines beliebtem Album mit fünf bisher unveröffentlichten Demos und alternativen Takes sowie dem bisher unveröffentlichten Titel ,Hey Ah Nothin'". Dieses lange verschollene Juwel wird sowohl langjährige Fans als auch Neulinge begeistern und bietet einen intimen Einblick in die Entstehung des Albums und den spontanen Geist, der die Sessions geprägt hat. Das für einen Grammy nominierte Album wird außerdem zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht, neu gemastert von den Originalbändern. ,Lost Dogs & Mixed Blessings" wird wegen seiner Wärme, seinem Witz und seiner Tiefe sehr geschätzt, und diese Neuauflage bietet einen noch genaueren Einblick in eine der fröhlichsten und kreativsten Phasen in Prines legendärer Karriere. "Lost Dogs & Mixed Blessings" erschien ursprünglich 1995 nach Prines Grammy-prämiertem Album "The Missing Years" und festigte seinen Ruf als einer der größten Songwriter Amerikas. Produziert von Howie Epstein von Tom Petty and the Heartbreakers, zeigt das Album Prine auf einem persönlichen und künstlerischen Höhepunkt, erfüllt von der Freude über eine neue Liebe, seine Vaterschaft und einer unerschütterlichen kreativen Chemie. Unterstützt von einem All-Star-Ensemble, darunter Heartbreakers-Pianist Benmont Tench und Gastsängerinnen Carlene Carter und Marianne Faithfull, ist ,Lost Dogs & Mixed Blessings" ein lebendiges Beispiel für Prines unvergleichliches lyrisches Talent. Das Album fließt mühelos von der ironischen Zufriedenheit von ,Ain't Hurtin' Nobody" zu der epischen Erzählung von ,Lake Marie", einem Song, den Bob Dylan einmal als einen seiner Lieblingssongs bezeichnet hat. Mit seiner Mischung aus herzlichen Balladen, surrealen Erzählungen und verspieltem Humor bleibt ,Lost Dogs & Mixed Blessings" eines der umfangreichsten und beliebtesten Werke von Prine. Mit 14 Titeln und einer Länge von fast einer Stunde fängt es die Fülle der Erfahrungen der Lebensmitte ein, ehrlich, entspannt und voller Leben. Dreißig Jahre später lädt diese Veröffentlichung dazu ein, ein Album wiederzuentdecken, das weiterhin tröstet, überrascht und inspiriert.