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Eine Kollaboration zwischen den beiden Singer / Songwritern Reid Paley und Pixies-Sänger Black Francis. In gerade mal zwei Tagen in Nashville aufgenommen, wurde das Album von Producer Jon Tiven betreut. Begleitet wurden Paley & Francis von diversen renommierten Session-Musikern inkl. der Muscle Shoals-Legenden Spooner Oldham und David Hood.

WOUND bieten eindringlichen Death Metal aus Deutschland! 2CD Digipak im Schuber mit handnummerierte Auflage von 500 Stück

Nur wenige Doom Bands bekommen es hin, Trauer und Verzweiflung so eindringlich auszudrücken wie SHAPE OF DESPAIR.
Für Fans von: FUNERAL, EVOKEN, MOURNING BELOVETH, MAR DE GRISES

Curtis Stigers veredelt seine großen Hits und Lieblingssongs mit neuen, unter die Haut gehenden Versionen.
Vom langhaarigen Frauenschwarm mit Nummer-Eins-Balladen zum gereiften R’n’B- und Jazz-Sänger -
in den 30 Jahren seiner Karriere hat Curtis Stigers nicht nur Millionen von Alben verkauft, sondern auch
internationale Hits hervorgebracht, die man heute noch im Ohr hat.
Jetzt schließt sich der Kreis: auf seinem neuesten Album ”This Life” blickt Stigers zurück auf Welterfolge wie “I Wonder Why” und “Never Saw A Miracle”, und Songs aus seinem Schaffen, die ihm besonders
am Herzen liegen. Er interpretiert die Pop-Klassiker neu in der jazzig-intimen Weise, für die er heutzutage
beliebt ist. Das ist mehr als ein nostalgischer Rückblick: ein zeitloses Album eines Sängers und Musikers,
der lässig Genre-Grenzen überschreitet.

Erstmals 2010 veröffentlicht, ist 'NonStopErotik' das bisher letzte Soloalbum von Frank Black Francis. Die Aufnahmen wurden in Los Angeles, Brooklyn und den renommierten RAK Studios in London mit dem Produzenten Eric Drew Feldman gemacht. Erstmalig als LP erhältlich, erscheint das Album über Demon Records auf Purpur-farbigen Vinyl!

Das Album fühlt sich an, als höre man einem Storyteller zu, doch wenn man genau hinhört, sind es eigentlich eher Bilder, die der alte Ruhrpott-Indianer mit der sonoren Stimme im Kopf entstehen lässt. Der Ton macht die Musik, aber eben auch die Musik!

Sie treibt schon mitunter seltsame Blüten, diese Pandemie. Da haut ein nunmehr 65-jähriger Gitarrist und Songschreiber nicht nur ein hochgelobtes Album mit seiner 43 Jahre alten Band Extrabreit raus, das sogar nach heutigen Zeitmaßstäben durchaus als Comeback bezeichnet werden kann, sondern bastelt innerhalb von zwei Jahren noch zwei Soloalben zusammen. Mitnichten weil er musste.
Tief verwurzelt im sehr geschmackvollen Classic Rock sind die musikalischen Einflüsse nicht zu überhören. Gleichzeitig überfordern aber weder die Sounds noch die Texte den geneigten Hörer, so dass sich dieses zeitlose „Alterswerk“ problemlos in einem Rutsch durchhören lässt. Und über welches Album kann man das heute schon noch sagen.
Songs schreiben, Songs singen und vor allem Geschichten erzählen ... das kann er, dazu ist er auf der Welt. Deren Wirrungen Kleinkrieg nicht nur wahrnimmt, sondern in ihrer Absurdität und Melancholie schamlos für seine Lieder verwendet. Man sollte sich Stefan Kleinkrieg und sein Werk „Die Sonne scheint für alle" anvertrauen. In „Alte Liebe" heißt es: „Es wäre schön, wenn es schön gewesen wär‘." Dieses Resümee muss man hier nicht ziehen - Treffer versenkt. (Seb Hinkel)

Daemonicus kommen aus Schweden und spielen wuchtigen, meist midtempomäßigen Death Metal, der Erinnerungen an das 'Soulless'-Album von Grave aufkommen lässt.

Nach fast einem Jahrzehnt seit dem Vorgängeralbum, dem hochgelobten 'Deadwork', melden sich Daemonicus mit neuem Material zurück! Das dritte Daemonicus-Album trägt den Titel 'Eschaton' ist ein absolutes Muss für alle Old School Death Metal-Fans. Präzises Zusammenspiel, fette, geile Kettensägengitarrenriffs und tiefer, brodelnder Gesang sind Programm und wissen durchweg zu begeistern. Klingt wie Entombed, Dismember, LIK, Bloodbath oder Nihilist!

Purer, aggressiver traditioneller Metal, der den Geist von NWOBHM für das 21. Jahrhundert einfängt! Auf ihrem selbstbetitelten Album beleben Vancouvers Maule die Sounds der frühen 1980er mit einem frischen, energiegeladenen Twist und machen es zu einem der aufregendsten Debüts des Jahres! Mehr als vier Jahrzehnte nach ihrer Ankunft inspiriert die New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM) weiterhin neue Musiker. Ihre erste Welle trug natürlich dazu bei, Thrash zu kreieren und legte den Grundstein für die europäische und US- Metalszene, die im folgenden Jahrzehnt Gestalt annehmen sollte. Und während Iron Maiden und Saxon als Speerspitzen des Stils auftauchten, etablierten sich auch Bands wie Angel Witch, Blitzkrieg, Diamond Head und Tygers of Pan Tang, die jetzt durch Bands einer weiteren Generation entfernt weiterleben, darunter Vancouvers Maule.
CD & LP (Black Vinyl + Inner Sleeve & Download Card)

"Astreines Futter für diejenigen unter euch, die gerne einen Ausflug zum Keep It True, Headbanger´s Open Air oder Muskelrock machen, erreicht uns diesen Monat (wie so oft) aus Kanada. MAULE konnten schon 2019 mit ihrem "From Hell"-Demo erste Wellen schlagen, jetzt steht der Release der Debüt-Langrille ins Haus. Erfreulicherweise hat sich musikalisch im Vergleich zum ohnehin schon sehr guten Demo nicht allzu viel verändert, MAULE setzen auch drei Jahre später auf Heavy Metal mit starker NWOBHM-Schlagseite. Vor allem Sänger Jakob Weel hat in der Zwischenzeit aber einen ordentlichen Zahn zugelegt, der Mann klingt deutlich versierter, klarer und druckvoller als auf "From Hell". Der Rest der Band tritt derweil gut aufs Gaspedal und klöppelt sich in weiten Zügen mit ordentlich Schmackes durch die neun kurzweiligen Tracks. Sehr schönes Ding!"
(Rock Hard Soundcheck # 3)

Killing Joke sind seit ihrem Debüt vor über 40 Jahren für ihre wilden, kompromisslosen und elektrisierenden Studio-Veröffentlichungen bekannt. Jaz Coleman & Co. haben sich dabei einen wohlverdienten Ruf erworben, eine aus Feuer, Schwefel und Magie geschmiedete Klangkraft auf die Bühne zu bringen. Total Invasion - Live In The USA wurde am 24. November 2019 in der PNC Arena, Raleigh, North Carolina, aufgenommen und enthält ein Killerset von neun klassischen Tracks.

Die Band um Bandleader und Multi-instrumentalist Sam Fossbakk stammt ebenfalls aus Norwegen, einem Land, das ganz offensichtlich eine Progrock-Renaissance erlebt. Auf dem sechsten Album 'Lanes Of Time' das auf dem Genre-spezialisiertem Label Apollon Records erscheint, gibt sich wiederum die deutsche Sängerin und Keyboarderin Sonja Otto die Ehre. Wunderschöner Symphonic Prog mit deutlichem Retro-70er Anstrich. Fans von Bands wie Camel, Renaissance oder Earth & Fire sollten hier unbedingt reinhören.

Das Warten hat ein Ende! 30 Jahre nach Bandgründung melden sich die Diamond Dogs, Schwedens Boogie-Rock-Legende, mit einem neuen Studioalbum zurück. 'Slap Bang Blue Rendezvous' ist eine Doppel-Album mit insgesamt 24 Songs, das von Tomas Skogsberg produziert und gemischt wurde. Skogsberg beschreibt es wie folgt: 'This is my masterpiece, my White Album'! Musikalisch bieten die schwedischen Rock 'n' Roller ihre spezielle Mischung aus UK-Glam und Blue-Eyed-Soul der frühen 70er Jahre. Klingt wie The Faces, Slade, Mott The Hoople, Kinks oder Rolling Stones!

Das Warten hat ein Ende! 30 Jahre nach Bandgründung melden sich die Diamond Dogs, Schwedens Boogie-Rock-Legende, mit einem neuen Studioalbum zurück. 'Slap Bang Blue Rendezvous' ist eine Doppel-Album mit insgesamt 24 Songs, das von Tomas Skogsberg produziert und gemischt wurde. Skogsberg beschreibt es wie folgt: 'This is my masterpiece, my White Album'! Musikalisch bieten die schwedischen Rock 'n' Roller ihre spezielle Mischung aus UK-Glam und Blue-Eyed-Soul der frühen 70er Jahre. Klingt wie The Faces, Slade, Mott The Hoople, Kinks oder Rolling Stones!

Exploring hybrid music styles and outernational, borderless musical influences, DJ soFa’s Elsewhere compilation series continues with a sixth instalment, and the second to appear on Kalahari Oyster Cult.

Always ahead of the tide, the Kalahari Oyster is a fine specimen when it comes to the discipline of next-level sound-snooping. Meticulously curated by Belgian sonic globetrotter soFa, Elsewhere XX showcases a dozen outstanding tunes, each dwelling in their own personal space between the imaginary worlds of post-kraut, DIY synth-punk and odd-pop ballads.

Melting these genres with contemporary club music is the mission here. Doused in a thick fog of arcane machine talk, tribal rhythms and cosmic synths, Elsewhere XX is an invitation to escape the hall of LED-backlit mirrors that we’ve so mistakenly come to call our “reality”.

Gathering artists from all corners of the globe – including Radio Hito, Anatolian Weapons, Eylul Deniz, Dame Area and Electronic Body Girl – soFa’s curation lays the groundwork for a unique and thoroughly immersive listening and dancing experience. Through a carefully selected suite of like-minded, yet diverse joints, we run the gamut from distorted funk (“Anita”, “Confiture") and cross-pollinated electroid blueprints (“Walk Away”, “An Abhainn Mhor") to oddball synthpop (“Credo” & Twin Peaks cover "She Can't Die"), reverb-soaked audio safaris (“Fifty Fifty (Anatolian Weapons Dub)") and static-filled postpunk (“Umani”).

soFa's Elsewhere series started in 2017 and this is the sixth compilation to date. Shifting focus with every new instalment, the compilations have previously appeared on labels likes Music For Dreams, Emotional Response and Crevette Records.

Orange Vinyl

Support from Lane 8, Timo Jahns, Shane / Fish Go Deep, Adana Twins, Yves Tomas, Audiosmith, Florian Kruse, Kirill Slider / Goom Gum, Dave202, David Granha, Avidus, Sasha c/o, Claptone c/o, Rich Vom Dorf, Argia, Nick Wessaert, Dennis Ferrer c/o, Super Flu, Holger /
Smash TV, GLOWAL, Ruede Hagelstein, Riva Starr c/o, Peter Kruder, Chaim, Paul C, Paco Osuna, Alfa Romero, Adriatique, Rauschhaus, Elif (TR), Cammora, Mr.Diamond, John Digweed, Franco De Mulero, VONDA7, Nico Morano, Jerome Price, Nhar, Beatamines, Angelo
Ceci, Anthony Pappa, Undercatt, Praveen Achary, Ruben Mandolini, Marco Faraone, Sobek, Tocadisco, Rodg, and Eelke Kleijn

2022 may bring much much uncertainty to the world but one thing we know for a fact is that we are introducing our most innovative and intriguing new act in years – the French duo Archil & Leon with their five track debut (appropriately called) “Blooming”.

Having both released in the past independently, Archil & Leon were originally brought together thanks to their teenage band His Majesty and from there, their passion to create music together never has faltered. Leon is a veteran session and live drummer who also produces music for his own dance project Ongaeshi and the dance collective moovance. Archil is an accomplished solo electronic musician and the force behind Archil Lab handmade musical devices. Using elements like springs (Springophone) and wheels (Roulettophone), his instruments are lovingly manufactured in wood and somehow carry the characteristics of modular gear but in the most unconventional way possible.

At a first listen, Archil & Leon’s music comes off as a well oiled live jam but as you dig deeper, it’s clear these tracks have a precision and style that separates them into a category of their own. Their EP “Blooming” is the result of two full years of being locked in their studio, writing and experimenting together. Indeed, an underlying flow of 70’s funk permeates throughout their music, however pigeonholing them into such a stereotype would be a travesty as they have impeccable song writing skills and their self made instruments conjure an experimentalism which is through and through rooted in electronic music. We can only hope that fans of now-classic Jamie Lidell / Super_Collider will appreciate where they are coming from, and you agree their “sound” is brilliantly individual. After all, they created their tracks literally from the ground up.

Watch more about Archil & Leon and their wonderfully outlandish instruments.Das Jahr 2022 mag viel Ungewissheit in die Welt bringen, aber eine Sache, die wir mit Sicherheit wissen, ist, dass wir euch mit dem französischen Duo Archil & Leon unseren innovativsten und faszinierendsten neuen Act seit Jahren vorstellen werden. Passenderweise trägt ihre ihre Debüt 5-Track EP den Titel "Blooming".

Archil & Leon haben beide in der Vergangenheit unabhängig voneinander Musik veröffentlicht haben und kamen ursprünglich durch die Teenager-Band His Majesty zusammen. Von da an hat ihre Leidenschaft, gemeinsam Musik zu machen, nie nachgelassen. Leon ist ein erfahrener Session-Musiker und Live-Schlagzeuger, der auch Musik für sein eigenes Tanzprojekt Ongaeshi Studio und das Tanzkollektiv moovance produziert. Archil ist ein versierter Solo-Elektro-Musiker und die treibende Kraft hinter den handgefertigten Musikinstrumenten des Archil Labs. Seine unter Verwendung von Elementen wie Federn (Springophone) und Rädern (Roulettophone) hergestellten Instrumente sind liebevoll aus Holz gefertigt und erinnern irgendwie an modulare Geräte, aber auf sehr unkonventionelle Art und Weise.

Auf den ersten Blick wirkt die Musik von Archil & Leon wie ein gut geölter Live-Jam, aber wenn man tiefer gräbt, wird klar, dass diese Tracks eine Präzision und einen Stil haben, die sie in eine eigene Kategorie einordnen. Ihre EP "Blooming" ist das Ergebnis von zwei Jahren, in denen sie sich im Studio eingeschlossen haben, um gemeinsam zu schreiben und zu experimentieren. Ein unterschwelliger Flow von 70er-Jahre-Funk durchdringt ihre Musik, aber sie in eine solche Schublade zu stecken, ginge gehörig am Thema vorbei, denn die beiden haben tadellose Fähigkeiten was das Songwriting angeht und ihre selbstgebauten Instrumente zaubern einen Experimentierfreude hervor, der durch und durch in der elektronischen Musik verwurzelt ist.

Wir sind uns sicher, dass Fans von dem jetzt schon klassischen Jamie Lidell / Super_Collider Material ahnen, woher der Wind hier weht und von welch individueller Brillanz Archil & Leon's Sound ist. Immerhin haben die Jungs ihre Musik wirklich von Grund auf neu kreiert. Schaut Euch ihre wundervollen, außerweltlichen Instrumente auf ihrer Website oder YouTube an

Es gibt keinen perfekten Weg, um das New Yorker Duo Water From Your Eyes zu beschreiben, sie allein auf Zahlen zu reduzieren wäre ungenau und leichtsinnig. Bestehend aus Nate Amos (er/sie) und Rachel Brown (sie/sie), die beide auch für ihre Soloarbeit unter den Namen This Is Lorelei bzw. Thanks For Coming bekannt sind, ist die Gruppe seit 2016 zusammen und hat einen klarsichtigen Ansatz für zukunftsweisende Tanzmusik entwickelt, die Strenge, Charme und Satire in einem Paket vereint, das durchweg innovativ und anders als alles ist, was ihre Zeitgenoss*innen in der Brooklyner DIY-Szene oder außerhalb davon machen. "Structure" ist ein Album, das sich an Widersprüchen erfreut und mit augenzwinkerndem Witz und unzweifelhaftem Know-How durch geradlinige Subgenres watet - ein Album, das das bisher erstaunlichste Projekt von Water From Your Eyes darstellt. Beeinflusst von Scott Walkers einziger Veröffentlichung aus den 80ern, "Climate Of Hunter", und den nachhallenden Werken des Farbfeldmalers Mark Rothko, ist "Structure" ein Konzeptalbum, das sich über die Idee von Konzeptalben lustig macht. Wie aus Höhlen zu kommende Tanzstücke dienen als hypnotisches Fundament zwischen Spoken-Word-Monologen, cineastischen Nummern und einem scheinbar fröhlichen Opener. Die siebenminütigen Epen "My Love's" und ""Quotations"" sind ausufernde, an Industrial gemahnende Stücke, wobei beide Tracks sägezahnartige Loops und Grooves einsetzen, die in der Lage sind, selbst die passivsten Zuhörer zu hypnotisieren. Wie Rothkos widersprüchliche Darstellung des Statischen und Kinetischen laden Water From Your Eyes dazu ein, an der stoischen Fassade von "Structure" zu kratzen, einen genaueren Blick auf die detaillierte Handarbeit zu werfen und die Risse im Spiegel zu verfolgen. Trotz der titelgebenden Implikationen und der kunstvollen konzeptionellen Ästhetik ist "Structure" eher unbeschwert als ernst. Sowohl Rachel Brown als auch Nate Amos, die in ihren jeweiligen Solo-Projekten bissig witzig sind, wenden ihren Humor natürlich auch auf "Structure" an, eine Platte, die den kreativen Prozess der Band widerspiegelt. Eifrige Hörer werden sich an wiederholten Durchläufen erfreuen, um die melodischen Feinheiten, die rhythmischen Kleinigkeiten und die lyrischen Wiederholungen der Platte zu entdecken. "Structure" ist eine erstklassige Errungenschaft des "brutalen" Pop: Es ist verträumt und dissoziativ, nuanciert und hypnotisch und webt Fäden zusammen, die der Hörer mit jedem Durchlauf neu entwirren kann.

Anlässlich des 25-jährigen Label-Jubiläums erscheint erstmalig seit zehn Jahren auf Thrill Jockey eine Wiederauflage des Jeff Parker Albums "The Relatives" aus dem Jahr 2005 als Vinyl mit MP3-Download Coupon. Jeff Parker ist Multiinstrumentalist und bekannt als Mitglied von Tortoise sowie für seine Arbeit mit Isotope 217, Fred Anderson, Rob Mazurek, Tricolor, Chicago Underground, Brian Blade Fellowship, Makaya McCraven, Toumani Diabaté, Matana Roberts und Meshell Ndegeocello. Das Album wurde von John McEntire aufgenommen und Parker wird von Percussionist Chad Taylor, Bassist Chris Lopes und Pianist Sam Barsheshet begleitet.

Geboren aus den Herausforderungen einer weltweiten Pandemie, geboren unter höllisch-rot-orangen Himmeln, gezüchtet aus wütenden Waldbränden an der Westküste, und gebaut inmitten der jahrelangen politischen Unruhen und Kundgebungen in Portland, OR, Pikes Solodebüt „Pike
vs. Automaton“. ', ist sowohl eine musikalische als auch eine emotionale Erlösung. Die Platte wurde von Pike zusammen mit dem Schlagzeuger
Jon Reid geschrieben, enthält Beiträge von einer Reihe von Familienmitgliedern und Freunden und wurde mit dem langjährigen Verschwörer Billy
Anderson aufgenommen, dem Produzenten, der zuvor bei Prüfsteintiteln wie „Surrounded by Thieves“ das Beste aus Pike herausgeholt hat. und
'Der heilige Berg des Schlafes'

Geboren aus den Herausforderungen einer weltweiten Pandemie, geboren unter höllisch-rot-orangen Himmeln, gezüchtet aus wütenden Waldbränden an der Westküste, und gebaut inmitten der jahrelangen politischen Unruhen und Kundgebungen in Portland, OR, Pikes Solodebüt „Pike
vs. Automaton“. ', ist sowohl eine musikalische als auch eine emotionale Erlösung. Die Platte wurde von Pike zusammen mit dem Schlagzeuger
Jon Reid geschrieben, enthält Beiträge von einer Reihe von Familienmitgliedern und Freunden und wurde mit dem langjährigen Verschwörer Billy
Anderson aufgenommen, dem Produzenten, der zuvor bei Prüfsteintiteln wie „Surrounded by Thieves“ das Beste aus Pike herausgeholt hat. und
'Der heilige Berg des Schlafes'

Geboren aus den Herausforderungen einer weltweiten Pandemie, geboren unter höllisch-rot-orangen Himmeln, gezüchtet aus wütenden Waldbränden an der Westküste, und gebaut inmitten der jahrelangen politischen Unruhen und Kundgebungen in Portland, OR, Pikes Solodebüt „Pike
vs. Automaton“. ', ist sowohl eine musikalische als auch eine emotionale Erlösung. Die Platte wurde von Pike zusammen mit dem Schlagzeuger
Jon Reid geschrieben, enthält Beiträge von einer Reihe von Familienmitgliedern und Freunden und wurde mit dem langjährigen Verschwörer Billy
Anderson aufgenommen, dem Produzenten, der zuvor bei Prüfsteintiteln wie „Surrounded by Thieves“ das Beste aus Pike herausgeholt hat. und
'Der heilige Berg des Schlafes'

Geboren aus den Herausforderungen einer weltweiten Pandemie, geboren unter höllisch-rot-orangen Himmeln, gezüchtet aus wütenden Waldbränden an der Westküste, und gebaut inmitten der jahrelangen politischen Unruhen und Kundgebungen in Portland, OR, Pikes Solodebüt „Pike
vs. Automaton“. ', ist sowohl eine musikalische als auch eine emotionale Erlösung. Die Platte wurde von Pike zusammen mit dem Schlagzeuger
Jon Reid geschrieben, enthält Beiträge von einer Reihe von Familienmitgliedern und Freunden und wurde mit dem langjährigen Verschwörer Billy
Anderson aufgenommen, dem Produzenten, der zuvor bei Prüfsteintiteln wie „Surrounded by Thieves“ das Beste aus Pike herausgeholt hat. und
'Der heilige Berg des Schlafes'

Geboren aus den Herausforderungen einer weltweiten Pandemie, geboren unter höllisch-rot-orangen Himmeln, gezüchtet aus wütenden Waldbränden an der Westküste, und gebaut inmitten der jahrelangen politischen Unruhen und Kundgebungen in Portland, OR, Pikes Solodebüt „Pike
vs. Automaton“. ', ist sowohl eine musikalische als auch eine emotionale Erlösung. Die Platte wurde von Pike zusammen mit dem Schlagzeuger
Jon Reid geschrieben, enthält Beiträge von einer Reihe von Familienmitgliedern und Freunden und wurde mit dem langjährigen Verschwörer Billy
Anderson aufgenommen, dem Produzenten, der zuvor bei Prüfsteintiteln wie „Surrounded by Thieves“ das Beste aus Pike herausgeholt hat. und
'Der heilige Berg des Schlafes'

Mit nur zwei Demos seit Gründung im Jahr 2018 scheint es, dass MALIGNANT ALTAR nach modernen Maßstäben etwas zu ruhig gestartet waren. Doch dieses Monster hat nicht geschlafen oder sich auf seinen Lorbeeren ausgeruht, sondern das ranzigste, obszönste Album geschaffen, das man sich vorstellen kann. Aus dem tiefsten Schlund 80er-Horror-Einflüssen ergießt sich eine Flut von Innereien in Form von eitrig faulen Riffs und zermürbenden Drums in einem dicken teerigen Matsch instrumentalen Verfalls über den Hörer. Gesanglich wird purer Ekel ausgekotzt, der sich glorreich klebrig über die letzte Ritze bösartig hypnotisierender Rifflandschaft einfügt und wie verfaulte Leichenreste aus euren Lautsprechern tropfen. Wenn das alles nach einer Demo-Band mit begrenzten technischen Spielfähigkeiten klingt - Nichts wäre weiter von der Wahrheit entfernt, da MALIGNANT ALTAR mit gnadenlosem Drumming und technisch ausgefeilten Riffs aufwarten können.

Über fünf typische Tracks und einem spektralen Zwischeninstrumental ist die Platte zwar gnadenlos brutal, verzichtet aber dennoch nicht auf Dynamik. Diese Texaner haben Würze in ihrem Death Metal und wissen genau, wann unausweichliche Attacke oder zermürbender Groove bis hin zum Pulverisieren der Nackenwirbel gefragt ist!

Durch eine unerschütterliche Hingabe an die Progression schärfen Wage War mit jeder weiteren Entwicklung ihre patentierte Mischung aus schwerer, technischer Technik und hypnotischen Melodien, die man mitsummen muss. Das Debüt der Gruppe aus dem Jahr 2015, ”Blueprints”, brachte mehrere Fan-Lieblinge hervor: ”Alive” knackte die Marke von 12 Millionen Spotify-Streams und ”The River” überschritt bis heute 8 Millionen. In der Zwischenzeit etablierte das 2017er Album ”Deadweight” die Jungs als aufstrebende Kraft.

Mit insgesamt fast 50 Millionen Streams in zwei Jahren erreichte die Single ”Stitch” 14 Millionen Streams auf Spotify, während ”Deadweight” von Metal Injection, New Noise, Metal Hammer und Rock Sound gelobt wurde, die das Album als ”ein unerbittliches, das Genre veränderndes Vergnügen” bezeichneten. In der Zwischenzeit tourten sie mit Bands wie I Prevail, Of Mice & Men, Parkway Drive und A Day To Remember und legten unzählige Kilometer auf der Straße zurück.

Jetzt sind Wage War mit ihrem neusten Longplayer ”Manic” zurück und begeistern erneut Fans und Kritiker
zugleich.

Maria João Pires, die große und sensibel-feinsinnige Pianistin, wird besonders für ihre Chopin-Interpretationen
weltweit gefeiert. Erstmals auf Vinyl erscheinen jetzt die beiden Klavierkonzerte von Chopin mit dem Royal
Philharmonic Orchestra unter der Leitung von André Previn.
Auf der Doppel-LP: Die bereits legendäre Aufnahme des Klavierkonzertes Nr. 2 aus dem Jahr 1993 und das
Klavierkonzert Nr. 1, welches 1991 aufgenommen aber erst 2021 remastered und erstmals veröffentlicht
wurde. Eine Entdeckung aus den Archiven der Deutschen Grammophon.

Das dritte Album der Belgischen Doom/Black Metaller HEMELBESTORMER beschwört auf "Collide & Merge" die unumgängliche, erdrückende Schwere von Myriaden schwarzer Löcher!

Mit Download code für Bandcamp sowie 2-seitigem Din A2 Poster

Die EP 'The Wrong Car' von Twilight Sad jetzt zum ersten Mal seit Erscheinen im Jahr 2010 wieder auf Vinyl erhältlich.

Zwei Songs - The Wrong Car und Throw Yourself In The Water Again, die noch von den Album Sessions zu Forget The Night Ahead stammen, jedoch nicht mehr rechtzeitig fertiggestellt werden konnten - konnte man hier zum ersten Mal hören. Ebenso wie Remixe von Mogwai und Errors.

Mogwai nahmen sich der Single The Room an, während Errors dem Album-Opener Reflection Of The Television ein Makeover verpassten.

Nach Nino Rotas Meisterwerk „Amarcord“ präsentiert CAM Sugar mit „Profumo di Donna“ einen weiteren
Soundtrack-Klassiker in seiner „Heritage-Serie“.
Der Film von Dino Risi wurde 1975 bei den Filmfestspielen von Cannes gezeigt, im folgenden Jahr fand
er internationale Anerkennung mit zwei Oscar-Nominierungen für den besten ausländischen Film und das
beste Drehbuch. Der anhaltende Erfolg des Films veranlasste Hollywood, 1993 ein Remake mit Al Pacino
in der Hauptrolle zu drehen, der für seine Leistung einen Oscar als bester Hauptdarsteller gewann.
Der von Armando Trovajoli, einem Meister der italienischen Filmmusik, komponierte Score ist eine wunderbare Melange aus Orchesterklängen, Jazz, Easy Listening und sogar einer Prise Disco. Der bekannteste
Track ist „Che Vuole Questa Musica Stasera“, eine von Peppino Gagliardi gesungene Ballade, die Guy
Ritchie in seinem Film „The Man From U.N.C.L.E.“ (2015) erneut einsetzte.
Die Musik erscheint jetzt von den Originaltapes remastered, auf LP mit einem bisher unveröffentlichten
Track und auf CD mit acht unveröffentlichten Songs.

50 Jahre nach seiner Erstveröffentlichung wird der Original-Soundtrack zu Hal Ashbys Kultfilmklassiker
„Harold and Maude“ aus dem Jahr 1971 am 11. Februar als 1LP und 1CD veröffentlicht.
Der Erfolg und der Kultstatus des Films wurden durch den skurrilen und ergreifenden Soundtrack verstärkt, bei dem alle Lieder von Cat Stevens gesungen werden. Die neueste Ausgabe des Soundtracks wird
erstmals die 9 Originalsongs von Cat Stevens sowie zusätzliche Dialoge und Instrumentalmusik aus dem
Film kombinieren. Für „Don’t Be Shy“ und „If You Want To Sing Out, Sing Out“ wurden im Archiv von
Island Records bisher ungehörte Audio-Master entdeckt, und der gesamte Ton wurde in den weltberühmten
Abbey Road Studios neu gemastert. Diese Ausgabe enthält außerdem eine verbesserte Verpackung mit
Linernotes, Songtexten, Transkription der Filmdialoge und Fotos von der Paramount Pictures Produktion.

Das Game-Soundtrack-Label Black Screen Records aus Köln veröffentlicht in Zusammenarbeit mit dem Komponisten Olivier Derivière und Game-Entwickler Techland den fesselnden Soundtrack zum kommenden Action-Rollen-Videospiel Dying Light 2 Stay Human auf Vinyl und CD. Der Dying Light 2 Stay Human Soundtrack erscheint als limitierte Doppel-LP wobei jede Disc die Merkmale des Spiels, die Geschichte und die Welt von Dying Light 2 Stay Human widerspiegelt. Musikfans können beim Hören also perfekt in die Klänge der dunklen, postapokalyptischen Welt von Dying Light 2 Stay Human eintauchen. "Ich freue mich sehr über die Vinyl-Version meines Dying Light 2 Stay Human-Soundtracks. Auf der ersten Disc verfolgt ihr der Geschichte des Hauptcharakters und seiner persönlichen Reise durch die Stadt Villedor. Wie im Spiel, werdet ihr die verschiedenen Fraktionen und die schwierigen Entscheidungen, die er treffen muss, kennenlernen. Auf der zweiten Disc geht es mehr um die Welt, ihre Umgebungen und Gefahren, aber trotz aller Widrigkeiten gibt es immer auch Zeit für Trost und Freude. Es wird eine großartige Reise für jeden Hörer und jede Hörerin und, wie ich hoffe, ein wahrer Genuss für die Spieler*innen und Fans von Dying Light 2 Stay Human", sagt Komponist Olivier Derivière

Auslandsländer neigen dazu, südamerikanische Länder als „exotisch“ zu betrachten. Aber wir können Ihnen versichern, dass es nichts Exotisches
ist, wenn 95 % der Bevölkerung um ihre Grundbedürfnisse kämpfen, hohe Kriminalitätsraten und Regierungen nacheinander nichts tun, um die
Situation zu ändern – tatsächlich folgen sie ihrer eigenen Agenda, um den Ball am Laufen zu halten.
Aus diesem Grund haben Bands wie die brasilianischen NERVOCHAOS eine solche Atmosphäre echter Brutalität und Authentizität. Sie machen
keinen „südamerikanischen Death Metal“. Sie nahmen einfach ihre harte Realität, nahmen den Einfluss von frühen Death Metal-Bands wie Morbid Angel, Vader und Sinister auf und spuckten sie so aggressiv wie möglich aus. Nervochaos, 25 Jahre alt und Teil der ältesten Generation der
brasilianischen Extremszene – zusammen mit Sepultura, Krisiun, Rebaelliun oder Abhorrence, um nur einige zu nennen – haben natürlich die
Erfahrung, die Abstammung und das technische Know-how, um tun Sie es in Pik.
Genau das ist „All Colours Of Darkness“, das zehnte (!) Studioalbum des São Paulo-Fünflings: Pechschwarzer Death Metal, so rauh gemacht, wie
es eine Band nur kann, mit der brutalen Atmosphäre, die wir von brasilianischen Extrem-Metal-Bands zu erwarten. Mit lyrischen Themen, die
sich um die dunkelsten Gefilde des Satanismus und der dunklen Magie drehen, beschwört Nervochaos den Metal über den Tod, wie es heute nur
noch wenige Bands können – mit einem brutalen Ansatz, einem technischen Rückgrat und einer effektiven Tiefe der Themen.
Nervochaos haben durch ihre harte Arbeit in den letzten 25 Jahren Kultstatus in der Musikszene erlangt und bieten auf ihre einzigartige Weise
eine klangliche Extravaganz. Die Gruppe hat neun Studioalben in voller Länge herausgebracht und tourt ständig weltweit, um ihre Veröffentlichungen zu unterstützen, und gibt rund 100 Konzerte pro Jahr – von Clubs bis hin zu Festivals.

Auslandsländer neigen dazu, südamerikanische Länder als „exotisch“ zu betrachten. Aber wir können Ihnen versichern, dass es nichts Exotisches
ist, wenn 95 % der Bevölkerung um ihre Grundbedürfnisse kämpfen, hohe Kriminalitätsraten und Regierungen nacheinander nichts tun, um die
Situation zu ändern – tatsächlich folgen sie ihrer eigenen Agenda, um den Ball am Laufen zu halten.
Aus diesem Grund haben Bands wie die brasilianischen NERVOCHAOS eine solche Atmosphäre echter Brutalität und Authentizität. Sie machen
keinen „südamerikanischen Death Metal“. Sie nahmen einfach ihre harte Realität, nahmen den Einfluss von frühen Death Metal-Bands wie Morbid Angel, Vader und Sinister auf und spuckten sie so aggressiv wie möglich aus. Nervochaos, 25 Jahre alt und Teil der ältesten Generation der
brasilianischen Extremszene – zusammen mit Sepultura, Krisiun, Rebaelliun oder Abhorrence, um nur einige zu nennen – haben natürlich die
Erfahrung, die Abstammung und das technische Know-how, um tun Sie es in Pik.
Genau das ist „All Colours Of Darkness“, das zehnte (!) Studioalbum des São Paulo-Fünflings: Pechschwarzer Death Metal, so rauh gemacht, wie
es eine Band nur kann, mit der brutalen Atmosphäre, die wir von brasilianischen Extrem-Metal-Bands zu erwarten. Mit lyrischen Themen, die
sich um die dunkelsten Gefilde des Satanismus und der dunklen Magie drehen, beschwört Nervochaos den Metal über den Tod, wie es heute nur
noch wenige Bands können – mit einem brutalen Ansatz, einem technischen Rückgrat und einer effektiven Tiefe der Themen.
Nervochaos haben durch ihre harte Arbeit in den letzten 25 Jahren Kultstatus in der Musikszene erlangt und bieten auf ihre einzigartige Weise
eine klangliche Extravaganz. Die Gruppe hat neun Studioalben in voller Länge herausgebracht und tourt ständig weltweit, um ihre Veröffentlichungen zu unterstützen, und gibt rund 100 Konzerte pro Jahr – von Clubs bis hin zu Festivals.

Wes Andersons neuester Film ”The French Dispatch” erweckt eine Sammlung von Geschichten aus der
letzten Ausgabe einer amerikanischen Zeitschrift zum Leben, die in einer fiktiven französischen Stadt des
20. Jahrhunderts erschien.
In den Hauptrollen spielen Benicio del Toro, Adrien Brody, Tilda Swinton, Léa Seydoux, Frances McDormand, Timothée Chalamet, Lyna Khoudri, Jeffrey Wright, Mathieu Amalric, Stephen Park, Bill Murray
und Owen Wilson. Der Film feierte im Juli bei den Filmfestspielen von Cannes 2021 in Frankreich Premiere
und wird am 21./22. Oktober weltweit in die Kinos kommen.
Der ”The French Dispatch” OST wird zeitgleich mit dem Kinostart des Films veröffentlicht. Auf dem
eklektischen Soundtrack sind Jarvis Cocker, Grace Jones, Ennio Morricone, Charles Aznavour und viele
andere zu hören.
ab 11.02.2022 auch als 2LP erhältlich

Auf dieser LP mit zwei Oden, die Purcell zu Ehren von
Königin Maria komponiert hat, betören die natürlichen
rhythmischen und sanft expressiven Qualitäten der Kunst
Gardiners den Hörer, während er in den Funeral
Sentences eine geradezu umwerfende Ausgewogenheit
und Leichtigkeit erreicht. Auch die Polyphonie des
Monteverdi Choir, die bereits in den 1970er Jahren als
eine der besten galt, bewahrt eine heitere, leuchtende
Klarheit.
"Der Gesang des Monteverdi-Chores ist überragend gut.
Eine prächtige Aufnahme." Gramophone

Mit der Veröffentlichung von "Illmatic" etablierte sich Nas schnell als Hip-Hop-Ikone und hatte sich zu einem der angesagtesten Künstler in der Musikszene gemausert. Das legendäre Album wurde von den Kritikern als eine der beispielhaftesten Hip-Hop-Aufnahmen aller Zeiten gelobt. "Illmatic" trug auch viel zur Wiederbelebung der New York City Rap-Szene bei und ist heute eines der meistgefeierten und einflussreichsten Alben in der Geschichte. Nas stammt aus der Queensbridge Nachbarschaft von Long Island City, einer Hochburg der Rap-Künstler seit den 80er Jahren, und verkaufte weltweit über 20 Millionen Alben, ein Botschafter für die Hip-Hop-Kultur auf der ganzen Welt.

”Unforgettable... with Love” ist das bisher erfolgreichste Album der legendären Sängerin und Songschreiberin Natalie Cole. Seit seiner Erstveröffentlichung im Jahr 1991 hat es sich über sieben Millionen Mal verkauft und Cole sieben GRAMMY Awards eingebracht.

Auf dem Album singt Natalie Cole mehrere Songs, die ihr Vater Nat King Cole aufgenommen hat, fast 20 Jahre, nachdem sie sich zunächst geweigert hatte, die Lieder ihres Vaters bei Live-Konzerten zu covern. Cole produzierte die Gesangsarrangements für die Songs,
die von ihrem Onkel Ike Cole am Klavier begleitet wurden. Der Titelsong des Albums, ein interaktives Duett mit ihrem Vater, sollte zu einer ihrer denkwürdigsten Aufnahmen werden.

”Unforgettable... with Love” erscheint als 1CD und als 2LP.

"Laurel Hell" ist ein Soundtrack zur Transformation. Eine Landkarte für den Ort, an dem Verletzlichkeit und Widerstandsfähigkeit, Trauer und Freude, Fehler und Transzendenz in unserer Menschlichkeit Platz finden und als würdig angesehen werden können - um letztendlich anerkannt und geliebt zu werden. "I accept it all," verspricht MITSKI. "I forgive it all." Auf "Laurel Hell" festigt MITSKI ihren Ruf als Künstlerin, die die Kraft besitzt, unsere wildesten und zwiespältigsten Erfahrungen in ein heilendes Elixier zu verwandeln. "I wrote what I needed to hear. As I've always done." Nach der Veröffentlichung von "Be The Cowboy", einem der meistgelobten Alben des Jahres 2018, das von Outlets wie Pitchfork (u.a.) zum Album des Jahres gekürt wurde, stieg MITSKI vom Kultliebling zum Indie-Star auf. Mit spürbaren Folgen: Die Schinderei des Tourlebens und die Fallstricke die mit der erhöhten Sichtbarkeit einhergingen, beeinflussten ihre Musik ebenso wie ihren Geist, die sich in der ersten Single "Working For The Knife" niederschlägt. Ein Song, wie ein Prüfstein für das Gesamtgefühl von "Laurel Hell": "I start the day lying and end with the truth / That I'm dying for the knife." "Be The Cowboy" wurde von weiblicher Stärke und Trotz angetrieben, lebte jedoch von seinem Spiel mit Masken. Wie der Berglorbeer bzw. die "laurel hell", nach dem das neue Album benannt ist, kann die öffentliche Wahrnehmung, wie das berauschende Prisma des Internets, eine verlockende Fassade bieten, hinter der sich eine tödliche Falle verbirgt. Die sich immer enger zieht, je mehr man sich anstrengt. "I got to a point, where I just knew that if I kept going this way, I would numb myself to completion." Erschöpft von diesem verzerrten Spiegel und unserer Sucht nach falschen Binaritäten, begann MITSKI, Songs zu schreiben, die die Masken abstreifen und die komplexen und oft widersprüchlichen Realitäten dahinter offenbaren. MITSKI dazu: "I needed love songs about real relationships that are not power struggles to be won or lost. I needed songs that could help me forgive both others and myself. I make mistakes all the time. I don't want to put on a front where I'm a role model, but I'm also not a bad person. I needed to create this space mostly for myself where I sat in that gray area." Die daraus entstanden Songs verkörpern genau diesen Raum. Wie die zweite Single des Albums, "The Only Heartbreaker", die gemeinsam mit Dan Wilson geschrieben wurde und der erste Song dieser Art in ihrer Diskografie ist. "The Only Heartbreaker" verbindet treibenden 80er-Pop mit einem trügerisch einfachen Text, dessen aufrichtiger Refrain ins Ironische kippt, sobald dieser "the person always messing up in the relationship, the designated Bad Guy who gets the blame," beschreibt und sich zugleich fragt, ob "the reason you're always the one making mistakes is because you're the only one trying." MITSKI schrieb viele Songs für "Laurel Hell" während und teilweise vor 2018. Das Album wurde allerdings erst im Mai 2021 final abgemischt. Es ist die längste Zeitspanne, die MITSKI jemals für ein Album gebraucht hat und für die Musikerin inmitten einer radikal veränderten Welt endete. MITSKI nahm "Laurel Hell" mit ihrem langjährigen Produzenten Patrick Hyland in der Zeit der Isolation während der Pandemie auf, als einige der Songs "slowly took on new forms and meanings, like seed to flower." Das Album als Ganzes entwickelte sich "to be more uptempo and dance-y. I needed to create something that was also a pep talk" erklärt MITSKI. Die Spannung, die zwischen ihren raffinierten, aber wehmütigen Texten und dem sprudelnden Pop-Sound der 1980er Jahre entsteht, ist eine dringend benötigte Infusion in Zeiten wie diesen und das Werk einer reifen wie unwiderstehlichen Künstlerin, die auch zu fröhlich ansteckenden Dance-Beats immer noch etwas Profundes beizutragen hat.

"Laurel Hell" ist ein Soundtrack zur Transformation. Eine Landkarte für den Ort, an dem Verletzlichkeit und Widerstandsfähigkeit, Trauer und Freude, Fehler und Transzendenz in unserer Menschlichkeit Platz finden und als würdig angesehen werden können - um letztendlich anerkannt und geliebt zu werden. "I accept it all," verspricht MITSKI. "I forgive it all." Auf "Laurel Hell" festigt MITSKI ihren Ruf als Künstlerin, die die Kraft besitzt, unsere wildesten und zwiespältigsten Erfahrungen in ein heilendes Elixier zu verwandeln. "I wrote what I needed to hear. As I've always done." Nach der Veröffentlichung von "Be The Cowboy", einem der meistgelobten Alben des Jahres 2018, das von Outlets wie Pitchfork (u.a.) zum Album des Jahres gekürt wurde, stieg MITSKI vom Kultliebling zum Indie-Star auf. Mit spürbaren Folgen: Die Schinderei des Tourlebens und die Fallstricke die mit der erhöhten Sichtbarkeit einhergingen, beeinflussten ihre Musik ebenso wie ihren Geist, die sich in der ersten Single "Working For The Knife" niederschlägt. Ein Song, wie ein Prüfstein für das Gesamtgefühl von "Laurel Hell": "I start the day lying and end with the truth / That I'm dying for the knife." "Be The Cowboy" wurde von weiblicher Stärke und Trotz angetrieben, lebte jedoch von seinem Spiel mit Masken. Wie der Berglorbeer bzw. die "laurel hell", nach dem das neue Album benannt ist, kann die öffentliche Wahrnehmung, wie das berauschende Prisma des Internets, eine verlockende Fassade bieten, hinter der sich eine tödliche Falle verbirgt. Die sich immer enger zieht, je mehr man sich anstrengt. "I got to a point, where I just knew that if I kept going this way, I would numb myself to completion." Erschöpft von diesem verzerrten Spiegel und unserer Sucht nach falschen Binaritäten, begann MITSKI, Songs zu schreiben, die die Masken abstreifen und die komplexen und oft widersprüchlichen Realitäten dahinter offenbaren. MITSKI dazu: "I needed love songs about real relationships that are not power struggles to be won or lost. I needed songs that could help me forgive both others and myself. I make mistakes all the time. I don't want to put on a front where I'm a role model, but I'm also not a bad person. I needed to create this space mostly for myself where I sat in that gray area." Die daraus entstanden Songs verkörpern genau diesen Raum. Wie die zweite Single des Albums, "The Only Heartbreaker", die gemeinsam mit Dan Wilson geschrieben wurde und der erste Song dieser Art in ihrer Diskografie ist. "The Only Heartbreaker" verbindet treibenden 80er-Pop mit einem trügerisch einfachen Text, dessen aufrichtiger Refrain ins Ironische kippt, sobald dieser "the person always messing up in the relationship, the designated Bad Guy who gets the blame," beschreibt und sich zugleich fragt, ob "the reason you're always the one making mistakes is because you're the only one trying." MITSKI schrieb viele Songs für "Laurel Hell" während und teilweise vor 2018. Das Album wurde allerdings erst im Mai 2021 final abgemischt. Es ist die längste Zeitspanne, die MITSKI jemals für ein Album gebraucht hat und für die Musikerin inmitten einer radikal veränderten Welt endete. MITSKI nahm "Laurel Hell" mit ihrem langjährigen Produzenten Patrick Hyland in der Zeit der Isolation während der Pandemie auf, als einige der Songs "slowly took on new forms and meanings, like seed to flower." Das Album als Ganzes entwickelte sich "to be more uptempo and dance-y. I needed to create something that was also a pep talk" erklärt MITSKI. Die Spannung, die zwischen ihren raffinierten, aber wehmütigen Texten und dem sprudelnden Pop-Sound der 1980er Jahre entsteht, ist eine dringend benötigte Infusion in Zeiten wie diesen und das Werk einer reifen wie unwiderstehlichen Künstlerin, die auch zu fröhlich ansteckenden Dance-Beats immer noch etwas Profundes beizutragen hat.

"Laurel Hell" ist ein Soundtrack zur Transformation. Eine Landkarte für den Ort, an dem Verletzlichkeit und Widerstandsfähigkeit, Trauer und Freude, Fehler und Transzendenz in unserer Menschlichkeit Platz finden und als würdig angesehen werden können - um letztendlich anerkannt und geliebt zu werden. "I accept it all," verspricht MITSKI. "I forgive it all." Auf "Laurel Hell" festigt MITSKI ihren Ruf als Künstlerin, die die Kraft besitzt, unsere wildesten und zwiespältigsten Erfahrungen in ein heilendes Elixier zu verwandeln. "I wrote what I needed to hear. As I've always done." Nach der Veröffentlichung von "Be The Cowboy", einem der meistgelobten Alben des Jahres 2018, das von Outlets wie Pitchfork (u.a.) zum Album des Jahres gekürt wurde, stieg MITSKI vom Kultliebling zum Indie-Star auf. Mit spürbaren Folgen: Die Schinderei des Tourlebens und die Fallstricke die mit der erhöhten Sichtbarkeit einhergingen, beeinflussten ihre Musik ebenso wie ihren Geist, die sich in der ersten Single "Working For The Knife" niederschlägt. Ein Song, wie ein Prüfstein für das Gesamtgefühl von "Laurel Hell": "I start the day lying and end with the truth / That I'm dying for the knife." "Be The Cowboy" wurde von weiblicher Stärke und Trotz angetrieben, lebte jedoch von seinem Spiel mit Masken. Wie der Berglorbeer bzw. die "laurel hell", nach dem das neue Album benannt ist, kann die öffentliche Wahrnehmung, wie das berauschende Prisma des Internets, eine verlockende Fassade bieten, hinter der sich eine tödliche Falle verbirgt. Die sich immer enger zieht, je mehr man sich anstrengt. "I got to a point, where I just knew that if I kept going this way, I would numb myself to completion." Erschöpft von diesem verzerrten Spiegel und unserer Sucht nach falschen Binaritäten, begann MITSKI, Songs zu schreiben, die die Masken abstreifen und die komplexen und oft widersprüchlichen Realitäten dahinter offenbaren. MITSKI dazu: "I needed love songs about real relationships that are not power struggles to be won or lost. I needed songs that could help me forgive both others and myself. I make mistakes all the time. I don't want to put on a front where I'm a role model, but I'm also not a bad person. I needed to create this space mostly for myself where I sat in that gray area." Die daraus entstanden Songs verkörpern genau diesen Raum. Wie die zweite Single des Albums, "The Only Heartbreaker", die gemeinsam mit Dan Wilson geschrieben wurde und der erste Song dieser Art in ihrer Diskografie ist. "The Only Heartbreaker" verbindet treibenden 80er-Pop mit einem trügerisch einfachen Text, dessen aufrichtiger Refrain ins Ironische kippt, sobald dieser "the person always messing up in the relationship, the designated Bad Guy who gets the blame," beschreibt und sich zugleich fragt, ob "the reason you're always the one making mistakes is because you're the only one trying." MITSKI schrieb viele Songs für "Laurel Hell" während und teilweise vor 2018. Das Album wurde allerdings erst im Mai 2021 final abgemischt. Es ist die längste Zeitspanne, die MITSKI jemals für ein Album gebraucht hat und für die Musikerin inmitten einer radikal veränderten Welt endete. MITSKI nahm "Laurel Hell" mit ihrem langjährigen Produzenten Patrick Hyland in der Zeit der Isolation während der Pandemie auf, als einige der Songs "slowly took on new forms and meanings, like seed to flower." Das Album als Ganzes entwickelte sich "to be more uptempo and dance-y. I needed to create something that was also a pep talk" erklärt MITSKI. Die Spannung, die zwischen ihren raffinierten, aber wehmütigen Texten und dem sprudelnden Pop-Sound der 1980er Jahre entsteht, ist eine dringend benötigte Infusion in Zeiten wie diesen und das Werk einer reifen wie unwiderstehlichen Künstlerin, die auch zu fröhlich ansteckenden Dance-Beats immer noch etwas Profundes beizutragen hat.

Vangelis, ein Pionier der elektronischen Musik, hat mit seiner sich ständig erweiternden Fantasie und seinen innovativen Experimenten wie niemand zuvor die perfekte Verbindung zwischen der akustischen und der elektronischen Welt geschaffen. Seine Orchestrierungen für das neue Album „Juno to Jupiter“ erweitern erneut die Horizonte der elektronischen Musik und verwischen die Grenze zwischen ihr und der akustischen symphonischen Musik. Das Ergebnis ist eine atemberaubende und gleichzeitig beruhigende musikalische
Reise durch den Weltraum.

Das Werk fand seine Inspiration in der wegweisenden NASA-Mission, der Raumsonde Juno und ihrer laufenden Erkundung des Jupiters. Es handelt sich um eine multidimensionale Musikreise, begleitet von
der Stimme des Opernsuperstars Angela Gheorghiu .Das Album enthält Klänge vom Juno-Start auf der Erde, von der Sonde und ihrer Umgebung sowie von Junos anschließender Reise, die von der Sonde zur Erde zurückgeschickt wurden. Die Sonde untersucht weiterhin den Jupiter und seine Monde: 365 Millionen Meilen entfernt von der Erde an ihrem nächstgelegenen Punkt.

Die NASA hat Vangelis mit ihrer Public Service Medal ausgezeichnet. Außerdem hat das Minor Planet Center der Internationalen Astronomischen Union den Asteroiden 6354, der sich zwischen Jupiter und Mars befindet, ihm zu Ehren „Vangelis“ genannt, um die internationale Wirkung und Wertschätzung seiner Arbeit sowie seine Beziehung zum Universum zu unterstreichen.