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They released their first certified gold album in Canada in 1974.

Les400Coups, AKA Akouphen Teknomad & Damage Circuits are back in town !
After several oldschool Teknomad sound system music with Balistik, Full Bass or Haute Tension they deliver 3 collabs of total dancefloor and fun, party time !!!
Akouphen finish the job with an old school dark Hardtek track...

A banger !!!

Thanks to ExpExp for the 400 Coups movie poster remix ^^ and to Vstee FDB for the Visual !

Thanks to Simon The Exchange for the cut !!! BIG ONE !!!

Mit mehr Abwechslung denn je erweitern Tricklebolt die Möglichkeiten ihres von den 70ern beeinflussten Rock'n'Roll-Sounds. Tricklebolts neues Album "Honey From The Sky" wurde in acht verschiedenen Studios mit acht Gastkünstlern, Mitgliedern von DeWolff, Temples, Birth of Joy, Death Alley, Indian Askin, Automatic Sam und vielen mehr aufgenommen! Wenn man sich beim Cruisen durch Wiesen, entlang von Flüssen und über Hügel verirrt, könnte man sich durchaus im Gebiet von Tricklebolt wiederfinden. Aus dem Osten der Niederlande brauen sie den Soundtrack für die "Easy Rider"-Momente des Lebens. Naturnah und in einem großen Kupferkessel rührend, mischt Tricklebolt eine Prise Psychedelika und Rock'n Roll mit einem Hauch von Adrenalin, Schweiß und ursprünglichen Gefühlen. Ein Schluck aus dem Kessel reicht aus, um Tricklebolt voll und ganz zu erleben: ein energiegeladener Soundtrack, bei dem man im einen Moment völlig verträumt in psychedelischen Passagen versinkt und im nächsten Moment lautstark Refrains und Riffs mitsing

Toe is a Japanese music group long revered in post-rock circles, while their song structures and dynamics have taken on elements from all styles of music, ranging from math-rock, jazz, pop, and R&B. toe is composed of Kashikura Takashi on drums, Mino Takaaki on guitar, Yamane Satoshi on bass guitar, and Yamazaki Hirokazu on guitar. The band has formally played with this lineup since their inception in 1998. The vast majority of the music is instrumental and features the swift, agile drumming of Takashi. The band is also known for melodic, clean guitar, often employing the juxtaposition of electric and acoustic. While the compositions feature the repetition of typical rock motifs, the subtle changes in beat and rhythm form a unique rhythmic dialect. The band has consistently expanded their sound throughout their musical tenure by incorporating singing, rhodes piano, mallet percussion, and electronic production elements.

The sophomore album from acclaimed US musician Vanderwolf and follow-up to 2022 debut '12 Little Killers' ("Soul, gospel, theatrical rock and more" Mojo), 'The Great Bewilderment' is a major rock record full of big emotions and adventurous songs. Whereas '12 Little Killers' was written and recorded during Vanderwolf's final years in London following the break-up of his semi-legendary band Last Man Standing, 'The Great Bewilderment' was mostly written during the pandemic, during which he relocated from New York to Los Angeles. For the recording, Vanderwolf reached out to an old friend, drummer Angie Scarpa, while a recommendation from John Cale's guitarist, Dusty Meadows, led to bassist H Chris Roy joining the band. Tim Sonnefeld contributes a variety of guitars, including beautiful crying feedback throughout album centrepiece "Gaza", which also features a guitar solo from Portishead's Adrian Utley. The album title itself is drawn from the mood of writing music during the pandemic. "I think we're still in that great bewilderment," insists Vanderwolf. "With threats to democracy, the division of opinion, plus this latest war on top of the war in Ukraine, and the climate crisis becoming acute, there's a looming sense that there's nothing we can do. 14 years of Tory corruption in an alleged democracy...that is bewildering. That a twice impeached President with 91 indictments against him can be the frontrunner in a presidential election...that is bewildering." As a music programmer and concert producer, Max Vanderwolf has worked for some of the worlds' most celebrated clubs and concert venues. These include New York's legendary Knitting Factory and London's internationally renowned Royal Festival Hall, where for 9 years he produced the Meltdown Festival working closely with artists including David Bowie, Patti Smith, Jarvis Cocker, Massive Attack and Ornette Coleman.

Alternative rock.

Reissue of the classic 1987 LP by former Barracudas vocalist, Jeremy Gluck in collaboration with Nikki Sudden (Swell Maps + Jacobites) & Rowland S Howard (The Birthday Party + These Immortal Souls) with contributions from Jeffrey Lee Pierce (The Gun Club) and Epic Soundtracks (Swell Maps + Crime & The City Solution). The original LP track 'Hymn' has been removed (Jeremy never liked the vocal) and replaced with a different sounding reprise of the opening track 'Looking For a Place To Fall' at the end of side one, making it feel like a suite. New liner notes by Jeremy Gluck.

Original Movie Soundtrack to Grant McPhee's film 'The Other Side Of The Forest (AKA Lori and the Six Sixties' by Jowe Head (Swell Maps/TV Personalites. Original Score by Joe Head, featuring vocal performances by the film's star Lori Stott on Physic TV's 'Godstar', Marianne Faithfull's 'As Tears Go By', the Velvet Underground's 'Sunday Morning', Francoise Hardy's 'Tous les Garcons' and Strawberry Switchblade's 'Since Yesterday'. Also includes a previously unreleased Swell Maps track 'Elegia'.

Previously unreleased LP by two former Swell Maps, Epic Soundtracks & Jowe Head from 1981. A classic 12" single, 'Rain Rain Rain' b/w 'Ghost Town' was released by Rough Trade in 1981, but the duo ran oiut of funds to mix the LP, which has now been mixed by Jowe Head from the recently rediscovered original master tapes. Many of these pieces are intense rhythmic pieces, partly influenced by their emerging interest in African music, particularly the Burundi drumming style. They were also excited by some of the No Waqve sounds coming out of New York at the time, such as The Contortions, and Teenage Jesus & The Jerks, as well as the current German records by DAF, SYPH, Holger Czukay .

The last 3 critically acclaimed PiL albums on cassette for the first time… This is PiL first released in 2012, and the first PiL album in 20 years, followed by 2015's What The World Needs Now.... Completed by last years End of World. The cassettes were the last project that legendary PiL manager John Rambo Stevens worked on before his sad passing in December 2023. Released on the band's own PiL Official Limited label

The last 3 critically acclaimed PiL albums on cassette for the first time.

The last 3 critically acclaimed PiL albums on cassette for the first time.

At the time, Sizzla was part of Phillip Burrel's XTerminator stable, touring with Luciano and other roots&culture new wave artists. Sizzla is prolific, even by Jamaican standards. Since 1995, he has released over 30 albums and probably over 400 singles. With such an output, fans often complain about the mediocrity of many of them, but Sizzla always manages to surprise listeners with a quality album after a few mediocre ones.

This song, now a Gotan Project essential and their biggest hit, has gathered over 150 million streams worldwide. On the B-side, "Chunga’s Revenge" is a cover of Frank Zappa.

Recorded during her time with Belle and Sebastian, this was Isobel Campbell’s second The Gentle Waves album. It features Stuart Murdoch, Stevie Jackson, Chris Geddes, Richard Colburn and Mick Cooke from Belle and Sebastian, as well as Jonny Quinn from Snow Patrol and Eugene Kelly of The Vaselines.

The album features arrangements by the Scottish Bafta-winning, neo-classical composer PaulLeonard-Morgan, who has scored several movies and TV series (Fellow Travelers, The Pigeon Tunnel), and works in collaboration with Philip Glass.

The album was recorded in Glasgow at CaVa Studios during late 1999/early 2000 and the atmospheric retro video for ‘Falling From Grace’, set in a hair salon, was directed by Isobel. The standout tune, ‘Falling From Grace’ has featured in several ad campaigns (Ozdilek) and movies (Pumpkin, Swimfan). The song ‘Pretty Things’ has also appeared in ad campaigns and movies (Pringle, All The Days Before Tomorrow).

Remixes by DJ Krust and Gabe Gurnsey of The Condemned and Katal – tracks taken from Das Koolies’ debut EP and album.

The critically acclaimed "Repatriation" album features 12 original tracks and boasts a dream team of legendary musicians, including Roots Radics, Mafia & Fluxy, Sly & Robbie, Dwight Pinkney, Bongo Herman, Russ D and Naram. With its fusion of genres between Digital and Rub A Dub, the album offers a nostalgic nod to the 80s while retaining a contemporary edge. King Kong, one of the pioneers of this era, shows the full extent of his musical prowess, making this a reference album for reggae aficionados and music lovers alike. for reggae aficionados and lovers of the iconic Jamaican soundscape.

To back such a legendary artist, TABOU1 asked Sly & Robbie and the Revolutionaries (Channel One studio band in the late 70's) to work the "old school" way: all musicians would play live, together and in one take, as opposed to recording their parts separately as is now done in modern music. The result is stunning, with luminaries Ansel Collins and Robbie Lyn on keyboards and organ, Sticky Thompson and Skully Sims on percussions, Dalton Browne and Dougie Bryan on guitar. Bob Marley's synth wizard Tyrone Downie added some musical pixie dust while Stepper did the horns.

FEUERSCHWANZ feiern ihr 20-jähriges Bandbestehen mit einem absoluten Novum in der Geschichte der Band! Das erste komplett in englischer Sprache aufgenommene Album der deutschen #1-Formation, Warriors, erscheint am 19. April 2024 über Napalm Records. Neben zehn bekannten, jedoch neu arrangierten und auf Englisch dargebotenen Hits, präsentiert Warriors auch einen brandneuen Song, sowie eine Coverversion. Als Gäste begrüßt die Band um Gründungsmitglied und Sänger Hauptmann Feuerschwanz, Songwriter, Sänger und Multiinstrumentalist Hodi, sowie Johanna an der Violine hochkarätige Namen: Chris Harms (Lord Of The Lost), Francesco Cavalieri (Wind Rose), Dominum, Orden Ogan und Patty Gurdy.

Die 2004 gegründeten FEUERSCHWANZ haben sich von ihren Wurzeln im Comedy Mittelalter-Folk Rock über die Jahre zu einer ernstzunehmenden Band entwickelt und gelten zurecht als eine der angesagtesten Acts der Szene. Nach Memento Mori (2021) konnte sich Deutschlands heißeste Band auch mit dem letzten Studioalbum Fegefeuer (2023) die Position an der Spitze der Album Charts sichern. Mit Premium Slots auf zahlreichen Festivals, etwa Co-Headline Slots auf den legendären Wacken und Summer Breeze Open Airs, sowie im Ausland, unter anderem am Masters Of Rock oder auf der 70.000 Tons Of Metal-Kreuzfahrt in der Karibik, sowie einer nahezu komplett ausverkauften Headliner-Tour untermauerten FEUERSCHWANZ im
vergangenen Jahr ihre herausragende Stellung umso mehr.

San Diego based psychedelic blues trio Radio Moscow's fifth studio album, "New Beginnings", reissued on vinyl on April 19th via Svart Records Formed in 2003, the power trio led by Stratocaster genius Parker Griggs carved their own sonic niche fusing crunching, heavy Black Sabbath -style chords with fiery "Hendrixian" solos and a raw intensity that is addictive and captivating. From the self-titled debut back in 2007, which was produced by Black Keys' Dan Auerbach, over to "Live! In California" from 2016, RADIO MOSCOW proved to be a direct descendant from the golden age of rock 'n' roll

At once a hazy relic and a digital snapshot of the human experience, Your Day Will Come is the debut album from Chanel Beads, arriving April 19 via Jagjaguwar. The remarkable project announces the arrival of New York-based musician Shane Lavers as a new force in experimental music, capturing the many contradictions of modern existence and the strange infiniteness of the digital world. The songs feel like a memory in which you can't distinguish between what actually happened or what was a false reproduction in your mind - although the burning emotion remains intact. Lavers pushed himself to strip his own sense of ego from “Your Day Will Come”. Throughout, Lavers weaves in contributions from his live bandmates, singer-songwriter Maya McGrory (Colle) and experimental instrumentalist Zachary Paul, who offer their own layers of feeling. As McGrory offers a more full-bodied tone and Lavers often sings with his higher-pitched head voice, the two collaborators meet in the middle; it's an intermingling of identities or a subconscious pining for androgyny. In this slippery space, different perspectives merge together, and there's a sense of empathy and humility that arises from the blending of these voices. These days, Chanel Beads live shows see all three performers weaving together in absolute catharsis. This catharsis is pushed to its peak on "Idea June," which sees McGrory taking over lead vocals to project Lavers' lyrics. As McGrory sings, "The waves wash onto my shore," in a voice that's both earnest and digitally processed, it's as though she's speaking as a separate embodiment of Lavers. In under two minutes, the track of clunky acoustic guitar and gutting strings lands somewhere between detachment and kinship. Similar to the off-kilter structure of "Police Scanner," these songs are strangely affecting in their unfinished and liminal forms. Lavers, who is drawn to poor MP3 rips and transitional moments in DJ mixes, knows that these inexact musical artifacts evoke human imperfection. The title of Your Day Will Come could be read as a promise of the arrival of good karma, or it could be a reminder of one's mortality, said out of spite. Yet as Lavers unpacks the haunting feelings of the past that he must release in order to move into his future, he reminds us that grief and hope might be closer than they seem to the naked eye.

At once a hazy relic and a digital snapshot of the human experience, Your Day Will Come is the debut album from Chanel Beads, arriving April 19 via Jagjaguwar. The remarkable project announces the arrival of New York-based musician Shane Lavers as a new force in experimental music, capturing the many contradictions of modern existence and the strange infiniteness of the digital world. The songs feel like a memory in which you can't distinguish between what actually happened or what was a false reproduction in your mind - although the burning emotion remains intact. Lavers pushed himself to strip his own sense of ego from “Your Day Will Come”. Throughout, Lavers weaves in contributions from his live bandmates, singer-songwriter Maya McGrory (Colle) and experimental instrumentalist Zachary Paul, who offer their own layers of feeling. As McGrory offers a more full-bodied tone and Lavers often sings with his higher-pitched head voice, the two collaborators meet in the middle; it's an intermingling of identities or a subconscious pining for androgyny. In this slippery space, different perspectives merge together, and there's a sense of empathy and humility that arises from the blending of these voices. These days, Chanel Beads live shows see all three performers weaving together in absolute catharsis. This catharsis is pushed to its peak on "Idea June," which sees McGrory taking over lead vocals to project Lavers' lyrics. As McGrory sings, "The waves wash onto my shore," in a voice that's both earnest and digitally processed, it's as though she's speaking as a separate embodiment of Lavers. In under two minutes, the track of clunky acoustic guitar and gutting strings lands somewhere between detachment and kinship. Similar to the off-kilter structure of "Police Scanner," these songs are strangely affecting in their unfinished and liminal forms. Lavers, who is drawn to poor MP3 rips and transitional moments in DJ mixes, knows that these inexact musical artifacts evoke human imperfection. The title of Your Day Will Come could be read as a promise of the arrival of good karma, or it could be a reminder of one's mortality, said out of spite. Yet as Lavers unpacks the haunting feelings of the past that he must release in order to move into his future, he reminds us that grief and hope might be closer than they seem to the naked eye.

Fünf Jahre haben die vier Linzer Musiker von Schmack an ihrem zweiten Studioalbum 'In Love' gefeilt. Unterstützt werden sie darauf von einer Reihe hochkarätiger Gastvokalist*innen. Denn 'In Love' mit seiner eklektischen Mischung aus unkonventionellem Jazz, vibrierendem Hip-Hop und eingängigen Popmelodien ist eine Ode an die musikalische Unberechenbarkeit. KOOB aus Belarus/Berlin, Fritz Fisherman aus Nürnberg und Mile (Sharktank), Tape Moon, Günther Paulitsch (Good Wilson) und Romc aus Wien jeweils mit auf eine Reise in komplett unterschiedliche Ecken des Schmack-Universums.

Maurice Fulton's outrageous remix of "The Fall" by Rhye has been cherished as a stone-cold masterpiece for the past decade. Out of print almost immediately, its legend has only grown and for too long it's been impossible to find a copy without parting with considerable cash. We've wanted to remedy this situation for years so we're delighted to announce that we've finally given it the Be With treatment.

The word ‘genius’ is bandied about liberally but it's fair to anoint Maurice Fulton with such lofty praise. Sheffield’s king of oddball disco, Fulton is one of our favourite artists, an outerspace-minded producer with roots in Baltimore club music who has no problem injecting dank interplanetary funk into the smoothest of acts. And so it goes with his remix of "The Fall". Rich and typically off-kilter, this is spellbinding disco par excellance. Fulton arms the track with a juddering electro-funk synth-bassline before shifting to a twanging disco reverb and conga-led, crash-cymbal-elevated groove.

Essential doesn't even cover it; it's just astonishingly good.

The gorgeous original, situated here on the flip, is a sublime serenade, all twinkling strings and sweet, sumptuous vocals over smooth, jazzy piano styles. It earned comparisons to Sade, Air and the xx upon initial release and it's still easy to understand why; it's warm and buoyant yet deeply melancholy. Elegantly downlifting, you could say.

Simon Francis remastered the original audio for both tracks and Cicely Balston's precise cut for Alchemy at AIR Studios ensures this 12" well and truly slaps. The immaculate Record Industry pressing will ensure this incredibly sought-after masterpiece finds a home in many more DJ boxes this and every year.

Älter geworden sind sie, milde jedoch nicht, denn Anlass zum Wütend-Sein und Feiern gibt es noch immer. Über 40 Jahre später folgt nun mit ihrem zweiten Album also Die Rückkehr des Bumm! Ende der Siebziger begannen Annette "Bärchen" Simons und eine Gruppe Teenager-"Milchbubis", Hannover unsicher zu machen. Von da an war die Band mit ihren humorvoll-subversiven Texten breitflächig vertreten: Von Jugendzentren, Underground-Tapes und nischigen Fanzines über die Bravo bis ins BRD-Fernsehen sowie auf den großen Bühnen des Landes - viele waren dem Bärchen-Charme verfallen. Nach einer LP und einer EP folgte 1983 mit der Label- auch die Bandauflösung und die Gruppe verschwand vorerst von der Bildfläche. 2021 meldeten sich Bächen und die Milchbubis dann mit der Werkschau Endlich Komplett Betrunken zurück. Es folgten Auftritt-Anfragen kleinerer Punk-Festivals: Hätte die Band nicht Lust, nach all der Zeit mal wieder live aufzutreten? Und wie sie es hatte! Annette Simons, die zu Gründungszeiten "nur" Sängerin war, hat sich ganz in Punk-Manier das Gitarrenspielen beigebracht. Auch Kai Nungesser bleibt an Bass und Gesang erhalten. Neuzugang ist der ehemalige Rotzkotz-Schlagzeuger Markus Joseph. Bärchen und die Milchbubis kitzeln die Wut vom ernsten Punk-Habitus am verkrampften Bierbauch und vertonen das unfreiwillige Lachen, das dabei rauskommt. Entstanden ist so also ein Album, das den Punk ins Jahr 2024

Älter geworden sind sie, milde jedoch nicht, denn Anlass zum Wütend-Sein und Feiern gibt es noch immer. Über 40 Jahre später folgt nun mit ihrem zweiten Album also Die Rückkehr des Bumm! Ende der Siebziger begannen Annette "Bärchen" Simons und eine Gruppe Teenager-"Milchbubis", Hannover unsicher zu machen. Von da an war die Band mit ihren humorvoll-subversiven Texten breitflächig vertreten: Von Jugendzentren, Underground-Tapes und nischigen Fanzines über die Bravo bis ins BRD-Fernsehen sowie auf den großen Bühnen des Landes - viele waren dem Bärchen-Charme verfallen. Nach einer LP und einer EP folgte 1983 mit der Label- auch die Bandauflösung und die Gruppe verschwand vorerst von der Bildfläche. 2021 meldeten sich Bächen und die Milchbubis dann mit der Werkschau Endlich Komplett Betrunken zurück. Es folgten Auftritt-Anfragen kleinerer Punk-Festivals: Hätte die Band nicht Lust, nach all der Zeit mal wieder live aufzutreten? Und wie sie es hatte! Annette Simons, die zu Gründungszeiten "nur" Sängerin war, hat sich ganz in Punk-Manier das Gitarrenspielen beigebracht. Auch Kai Nungesser bleibt an Bass und Gesang erhalten. Neuzugang ist der ehemalige Rotzkotz-Schlagzeuger Markus Joseph. Bärchen und die Milchbubis kitzeln die Wut vom ernsten Punk-Habitus am verkrampften Bierbauch und vertonen das unfreiwillige Lachen, das dabei rauskommt. Entstanden ist so also ein Album, das den Punk ins Jahr 2024

Die schwedischen Power Metaller von BLOODBOUND feiern Geburtstag! Zwanzig Jahre Bandbestehen und zwanzig Jahre vollgepackt mit Studioalben und einer Liternei an großen Festivalauftritten und Tourneen. Nun ist es an der Zeit mit einem Livealbum die Band zu huldigen, welche durch Songs wie "Battle in the Sky", "The Warlock's Trail" oder "Drink with the Gods" einen nicht mehr weg zu denkenden Platz auf dem Power Metal Thron und ein Standing als grandiose Liveband erarbeiten konnten.
"The Tales of Nosferatu - Two Decades of Blood" ist das zweite Livealbum der Band und das Paket ist picke packe voll. Neben der 2LP Variante im passenden Blood Splatter-Design wird es ein CD Earbook geben, welches eine extra Blu-Ray mit verschiedenen Liveauftritten und allen Musikvideos beinhaltet. Beide Konfigurationen werden einen Comic beinhalten, welcher extra für dieses Album entworfen wurde und die fiktive Entstehungsgeschichte des Bandmaskottchens Nossen darstellt. Wer sich für das CD Earbook entscheidet, darf sich ebenfalls über Liner Notes jedes Bandmitgliedes freuen, wo auf zwei Dekaden Bandgeschichte reflektiert wird.
Es ist also nicht einfach nur irgendein Livealbum. Es ist eine Collage aus allem was BLOODBOUND so gut macht: ihre Shows, ihre Songs & ihre Kreativität.

As one of the most characteristic sounding groups in Europe today, PERRY DEAR & THE DEARSTALKERS display their very distinctive sound that has made them one of the most in demand groups on the Big Beat scene. Influences range from JET HARRIS, THE DAVE CLARK FIVE, BRIAN POOLE AND THE TREMELOES to Billy Childish

FOR FANS OF: SLEEP, MASTODON, BLACK SABBATH

Die Grammy®-Preisträger High on Fire liefern mit ihrem dynamischen Sound, der Sludge, Doom und Thrash Metal miteinander verbindet, ein
elektrisierendes Erlebnis. Tauche ein in eine klangliche Reise, während Musik Grenzen überschreitet und eine schwere und intensive Atmosphäre erzeugt. Ihre neueste Single Burning Down" unterstreicht die rohe Kraft ihres unverkennbaren Stils mit unerbittlichen Riffs und donnernden Beats.

Mit High on Fire begeben sich die Fans auf eine abenteuerliche Reise durch die Tiefen des Metals, bei der jede Note eine feurige eidenschaft für das Genre entfacht. Schalte ein und lass die lodernde Energie von "Burning Down" einen unauslöschlichen Eindruck in deiner Metal-Playlist hinterlassen.

How do you follow up a work described in the Independent on Sunday as “the best debut album since Marquee Moon”? That’s the question facing singer-songwriter John Canning Yates, twenty years on from the critically acclaimed ‘The First Album’ by his band Ella Guru.
‘The Quiet Portraits’ will appeal to anyone who loves the beautiful melodic soundscapes woven by Brian Wilson, Burt Bacharach, and Tom Waits, while Yates’s unique vocals evoke the emotional fragility and compelling narrative of Neil Young, Paul Buchanan, Mark Linkous and Elliott Smith.
Mastered by Jason Mitchell (PJ Harvey, Robert Forster), and featuring guest contributions from pedal steel maestro BJ Cole and friend and multi-instrumentalist Andy Frizell (Kevin Ayers, Wizards of Twiddly), those dedicated followers of Ella Guru who stayed the path will find their patience very well rewarded. ‘The Quiet Portraits’ is a remarkable achievement from an unassuming, yet hugely talented artist.

It’s a welcome relief amid the rapidly changing musical landscape to find that all that has changed in John’s world is the number of musicians around him. The beautiful storytelling, the art of finding those magical musical moments that will remain with you for years to come: all of that has survived the passing of time intact.
Happiest with headphones on, working alone in the small hours from his Liverpool home, Yates has created another masterpiece.
He explains: “In the wee small hours, with loved ones safely asleep and the busy day done, there comes a hush. Within it, you can breathe and listen. Listen for the infinite possibilities. From those possibilities emerged these portraits. I have sought to find those precious moments: of love and peace in turbulent times, of truth and hope for calmer days ahead. I hope you find them too.”
Entitled ‘The Quiet Portraits,’ the new solo album from John Canning Yates tells tales of people and places, of time, family, history, belonging, forgetting and remembering.

Primary Wave Music und Legacy Recordings, die Katalogabteilung von Sony Music Entertainment, sind stolz darauf, die Wiederveröffentlichung der ersten beiden Alben des legendären R&B-Künstlers - "Luther" und "This Close to You" - bekannt zu geben und damit Musikliebhaber und Fans von Luther Vandross weltweit zu begeistern. Ursprünglich bei Cotillion Records erschienen, werden diese bahnbrechenden Alben nun zum ersten Mal seit über vierzig Jahren wieder im Handel erhältlich sein. Beide Alben können ab sofort in verschiedenen Konfigurationen vorbestellt werden, darunter Vinyl, CD und Digital. Die Wiederveröffentlichung erfolgt zeitgleich mit dem auf dem Sundance Film Festival vorgestellten Dokumentarfilm "Luther: Never Too Much", der als einer der am meisten erwarteten Dokumentarfilme des Jahres 2024 gepriesen wird und seinen ikonischen Status in der Musikwelt unterstreicht. Im Juni 1976 veränderte sich die R&B-Landschaft für immer mit dem Debütalbum "Luther" von Luther Vandross, das sein außergewöhnliches Gesangstalent, seine Songwriting- und Produktionsfähigkeiten unter Beweis stellte. Das Album enthielt den Hit "Funky Music (Is A Part Of Me)", den Luther Vandross und David Bowie für Bowies kultigen Film "Young Americans" zu "Fascination" umarrangierten, wobei Vandross' Einfluss durch seinen Hintergrundgesang und seine Arrangements deutlich wurde. Außerdem wurde "Everybody Rejoice (A Brand New Day)" aus dem preisgekrönten Musical "The Wiz" aufgenommen, was die einzige Aufnahme von Vandross' Interpretation des Songs darstellt. Am 23. März 1977 verzauberte Vandross' Album "This Close to You" mit seiner Band Luther die Zuhörer mit gefühlvollen Melodien und tiefgründigen Texten und festigte damit seinen Status in der Musikwelt

FOLTERKAMMER bietet ein Klangerlebnis, wie man es noch nie zuvor gehört hat. Das New Yorker-schweizerisch-französische Ensemble verschmilzt gekonnt Elemente von Barockmusik, Black Metal, Oper, Jazz und Klassik zu einer fesselnden und zugleich verstörenden Mischung. Ihr Century Media-Debüt "Weibermacht", ein Begriff, der von Sängerin Andromeda Anarchia mit oktavierendem Geschick als "Bitch Power" übersetzt wurde, taucht sofort ins Provokative ein und sprengt schon beim ersten Stück "Anno Domina" die Grenzen. Der komplett auf Deutsch gesungene Song leitet einen 45-minütigen thematischen Abstecher in die Tiefen des BDSM ein, wo Schmerz und Lust miteinander verschmelzen. Dieser Ausflug ins Tabu ist keine Überraschung, denn zur Band gehört auch der IMPERIAL TRIUMPHANT-Gitarrist Zachary Ezrin, und das Album bietet ein wirklich verstörendes Covermotiv des bekannten Künstlers Eliran Kantor (Immolation, Heaven Shall Burn). Unbehagliches Zuhören hat sich noch nie so gut angefühlt.

Ltd Fanbox mit: 1x LP light blue Vinyl Emilio – Blessings / CD Emilio – Blessings / Cap (unisex, onesize, navy) / Gewinnspielzugang für ein Meet&Greet mit Emilio in Kooperation mit Lacoste am 27.04.24 in Berlin / Notizbuch mit 80 Seiten, liniiert / Kunstdruck / DIN A5 StickerbogenDas langersehnte, dritte Studioalbum des deutschen Ausnahmekünstlers Emilio ist vielschichtig. "Blessings" kommt mit weder straightem Pop, noch R&B, noch Rap, noch mehr als "Roter Sand" und "1996" mit einem ganz eigenen Vibe daher. Smooth im Klang, trotzdem immer wieder auch über allen Maßen detailverliebt, dann wieder mit dem Mut zur Lücke und immer mit genug Raum für Emilios Stimme, Stories und Songs.

Das langersehnte, dritte Studioalbum des deutschen Ausnahmekünstlers Emilio ist vielschichtig. "Blessings" kommt mit weder straightem Pop, noch R&B, noch Rap, noch mehr als "Roter Sand" und "1996" mit einem ganz eigenen Vibe daher. Smooth im Klang, trotzdem immer wieder auch über allen Maßen detailverliebt, dann wieder mit dem Mut zur Lücke und immer mit genug Raum für Emilios Stimme, Stories und Songs.

Von dem Augenblick an, als Bobs Vater die drei ??? einlädt, ihn zum "Riff der Haie" zu begleiten, werden die Jungen in turbulentes und rätselhaftes Geschehen zu Lande und zu Wasser verstrickt: ein Hurrikan, Haie, U-Boote, Kriminelle und Morsezeichen aus Rauch.Nie zuvor sind die drei Detektive in einen so wilden, verwirrenden und gefährlichen Strudel von Ereignissen geraten!

Remixes JID020 is the twentieth installment in the Jazz Is Dead catalog. This remix album features London based artists Shabaka Hutchings and Theon Cross, New York tastemaker Melanie Charles, LA based producer Bei Ru, Brazil's Dj Nyack, Detroit based producer Tall Black Guy, Bay Area producer Mophono and the LA based house duo LO & Disko. Remixers sampled the previously released Jazz Is Dead records created by Adrian Younge, Ali Shaheed Muhammad and icons including the following: Lonnie Liston Smith, Jean Carne, Tony Allen, Henry Franklin, Phil Ranelin, Wendell Harrison, Garrett Saracho, and Katalyst.

sentiment is a meditation of the poignant emotional terrains of loneliness, nostalgia, sentimentality, guilt, and sex. The album"s narrative arc is guided by delicate musical gestures and artistic vulnerability, audaciously synthesizing disparate and unexpected influences. claire rousay is a singular artist, known for challenging conventions in experimental and ambient music forms. rousay masterfully incorporates textural found sounds, sumptuous drones and candid field recordings into music that celebrates the beauty in life"s banalities. Her music is curatorial and granular in detail, deftly shaped into emotionally affecting pieces. rousay"s vocals and guitar take center stage on sentiment. Her intimate, diaristic lyrics contrast with her mechanical-inflected vocal effects, emphasizing a powerful desire for connection, a deep yearning and a lingering sense of separation. The spare guitar playing and laconic tempo both drive the songs and exude a sense of resignation. Her delicate mastery of nuance draws on her explorative musical past that she, with sincerity and admiration, seamlessly interweaves into her adventurous textures and distinctive compositions. "I want to belong to the worlds and communities I look up to. Same as someone using a Fender guitar or dressing like Kurt Cobain. Emulate your heroes," says rousay. The album balances the poetic soul of her influences with a documentarian heart, rousay capturing moments of her life while living alone in houses across the country, learning to play guitar, and reconnecting with pop music. Her innate ability to conjure pure feeling from sound derives from her delightful embrace of pop forms, the vulnerability found in field recordings, minimalistic arrangements and innovative sound choices. sentiment is blissfully, achingly melancholic, and an undeniably sensual listening experience.

Ein bahnbrechendes Amalgam aus aufzugfreundlichem R&B und Synthesizer-lastigem Smooth Jazz. Tony Palkovics Debüt aus dem Jahr 1986 geht so leicht runter wie ein Hauch von zahnärztlichem Lachgas. Die seidigen Grooves und Ausbrüche der Drum Machine 1.0 auf "Born With A Desire" bleiben als 80er-Jahre-Vision einer zukünftigen Erde bestehen, mit 8-Bit-Grafiken und pastellfarbene Paletten in einem Synthesizer-Shangri-La.

Ein bahnbrechendes Amalgam aus aufzugfreundlichem R&B und Synthesizer-lastigem Smooth Jazz. Tony Palkovics Debüt aus dem Jahr 1986 geht so leicht runter wie ein Hauch von zahnärztlichem Lachgas. Die seidigen Grooves und Ausbrüche der Drum Machine 1.0 auf "Born With A Desire" bleiben als 80er-Jahre-Vision einer zukünftigen Erde bestehen, mit 8-Bit-Grafiken und pastellfarbene Paletten in einem Synthesizer-Shangri-La.

LAKE's neues Album "Let's Build A Roof" KLP213 wurde von Nordwest Legende KARL BLAU produziert und ist süß, funky und nostalgisch - ein Inbegriff psychedelischen Pops. Das Vorgänger Album "Oh, The Places We'll Go" bestand aus leichteren, fröhlicheren Songs. Themen wie Wunder und Idealismus zeichneten aber bereits vor, in welche Richtung es beim nächsten Album gehen würde. "Let's Build A Roof" ist wie ein Reisebericht über die Plätze an denen die Band war, die Geschichten die sich da ergaben und die schönen und unschönen Erinnerungen, die aus ihnen hervorgingen. Eli Moore und Ashley Eriksson's strahlende Songwriting Chemie bildet die Grundlage für "Let's Build A Roof". Ihre Retro-Klimper Pop Ästhetik wird durch eine breite Instrumentierung (Synthesizer, Keyboards, Gitarren, Flöten und ausgewählte Percussion Instrumente) und wechselnde Tempi, die eine fragmentierende, kaleidoskopische Wirkung haben, ausgearbeitet. Jeder Track ist ein einzigartiges Juwel. Und ohne die wundersame und kindhafte Schönheit zu opfern, die LAKE in den letzten 4 Jahren ausgamacht hat, beweisen sie mit "Let's Build A Roof", dass Wundersames und Schönes nicht nur Kinderkram sind. Es ist LAKE's anspruchvollstes Werk bis jetzt.

Swedish synth-pop phenomenon Kite's second 7 inch since signing with Dais in 2023 finds the duo of Nicklas Stenemo and Christian Hutchinson Berg swinging for new heights of romantic desolation and baroque grandeur. They describe the A Side, "Losing," as a "six-minute empty call for emotional response." Stately piano and anguished voice reverberate in a vaulted hall, before gradually building into a widescreen anthem of synths, drums, and soaring vocals decrying the steady deadening of life and love: "It's deadly quiet in your old heart / Are you there? / I see dark skies on the rise / And daylight shows no remorse / And I realize it is my life / But It's losing all meaning." Swedish dark music icons Anna von Hausswolff and Henric de la Cour join the chorus as the song cascades towards an ominous horizon. The B Side, "Glassy Eyes," showcases Kite's mastery of somber, sweeping balladry. Hushed church organ elevates and anchors Stenemo's devastated confessional, swaying between resilience and defeat. The band describes the song as a reckoning with "the privileged and existential anxiety of drifting through life dispassionately," contrasted with "the yearning to connect profoundly with others and a desire for experiences that stir the soul before facing one's final moments." Like a hymn, the emotion thickens as it deepens, approaching both darkness and divinity: "Deep as I go, nothing to find / Oh catatonia, I won't cry / Nothing can grow, everything dies / Behind my glassy eyes."

Swedish synth-pop phenomenon Kite's second 7 inch since signing with Dais in 2023 finds the duo of Nicklas Stenemo and Christian Hutchinson Berg swinging for new heights of romantic desolation and baroque grandeur. They describe the A Side, "Losing," as a "six-minute empty call for emotional response." Stately piano and anguished voice reverberate in a vaulted hall, before gradually building into a widescreen anthem of synths, drums, and soaring vocals decrying the steady deadening of life and love: "It's deadly quiet in your old heart / Are you there? / I see dark skies on the rise / And daylight shows no remorse / And I realize it is my life / But It's losing all meaning." Swedish dark music icons Anna von Hausswolff and Henric de la Cour join the chorus as the song cascades towards an ominous horizon. The B Side, "Glassy Eyes," showcases Kite's mastery of somber, sweeping balladry. Hushed church organ elevates and anchors Stenemo's devastated confessional, swaying between resilience and defeat. The band describes the song as a reckoning with "the privileged and existential anxiety of drifting through life dispassionately," contrasted with "the yearning to connect profoundly with others and a desire for experiences that stir the soul before facing one's final moments." Like a hymn, the emotion thickens as it deepens, approaching both darkness and divinity: "Deep as I go, nothing to find / Oh catatonia, I won't cry / Nothing can grow, everything dies / Behind my glassy eyes."

The new album from the 'DeaThrash' trailblazers CARRION VAEL. Melodic Death Metal collides with furious Trash in an essential offering for fans of Alterbeast, The Black Dahlia Murder, At The Gates and Benighted!

Grain is the third Innode release following on from Gridshifter in 2013 and syn in 2021.

A new methodology to make the album is applied yet again from the trio of Bernhard Breuer, Steven Hess and Stefan Németh. The approach is more an anti approach where the trio let the process of creation itself steer the development of the recording, without any prior conceptual agenda.

Irregular rhythmic patterns often served as the initial springboard for each piece with Breuer creating a loop either by playing drums or with the aid of a modelling percussion synthesizer. The results often bypass existing formulaic grids. The outfit embraced these anti-precision steps building shapes around the tarnished templates.

The process of building upon the core structures laid forth alters throughout. In the case of "Splitter" you can hear an example of Bernhard´s core loops dominating a skeletal audio sphere. The title of the track "Impactopium" reflects the process of its construction being a conglomeration of individual titles meshed into a whole. The audio is a non-linear compendium of several fragments of individual elements. A conscious method of exploring a more decentralised architecture saw three disparate elements layered randomly on top of each other with some synths added as a sonic seasoning at the later stages.

Elsewhere sonic elements are restructured in unusual ways. One member's contribution is completely stripped away, quiet sounds captured with contact mics are highly amplified, the last track introduces twisted themes of the first track.

The title Grain refers to the roughness resulting from these explorations. It also takes note of the term grain as used in analogue photography or in the case of audio as a distorted signal, or "noise". All of these elements, normally eschewed, are here embraced as a thematic thread to instigate the exploratory proceedings.

This is a playbox of inventiveness, a hall of mirrors and an endless search for unusual tactics and fresh results.

Tackling the initial loop tracks from a wide variety of strategic approaches Innode has concocted a strangely cohesive work. From sparse source material to heavy overdubs of overdubs grain is a uplifting collection of works from this relentlessly curious and exploratory Austrian outfit. Humans make the work but the random embracing of unexpected processes means the gentleman of the outfit is not fully ruling what becomes of these works.

"Ein Großmeister der Pianoballaden" schrieb der Rolling Stone zu Martin Bechlers Solo Liedern, "betörend und souverän".
An zwei ausverkauften Abenden in der Kölner Kulturkirche wurde eben diese Magie in beeindruckender akustischer Kulisse eingefangen.
Der Kopf der Kölner Indie Abräumer Band Fortuna Ehrenfeld führt in einem der seltenen Solokonzerte beeindruckend intensiv sein Publikum durch die Aggregatszustände eines Schrammenlebens.
Blut, Schweiß, Tränen.

"Ein Großmeister der Pianoballaden" schrieb der Rolling Stone zu Martin Bechlers Solo Liedern, "betörend und souverän".
An zwei ausverkauften Abenden in der Kölner Kulturkirche wurde eben diese Magie in beeindruckender akustischer Kulisse eingefangen.
Der Kopf der Kölner Indie Abräumer Band Fortuna Ehrenfeld führt in einem der seltenen Solokonzerte beeindruckend intensiv sein Publikum durch die Aggregatszustände eines Schrammenlebens.
Blut, Schweiß, Tränen.

Experience the rebirth of Jim Spencer's musical vision through Piya Malik's captivating rendition in Say She She's limited 45 rpm edition of `Wrap Myself Up'. Malik's artistry infuses fierce elegance into the original tune, honoring Spencer's legacy, with Spencer himself featured on the B-side.

Bruno Berle, the young songwriter and poet originally hailing from Maceió, the capital of Brazil’s Alagoas state, crafts songs that are simple, direct, and full of tender nuance. With his first album No Reino Dos Afetos (which translates to "In the Realm of Affections” and was released in 2022), Berle firmly established himself as a unique and important voice in the burgeoning scene of new Brazilian artists making a global impact, including peers like Ana Frango Elétrico, Tim Bernardes, Bala Desejo, Sessa and more. Now back with his second album, No Reino Dos Afetos 2, he stretches that further.

Bruno Berle’s music lives between two worlds – a traditional Brazilian folk talent steeped in history, and a contemporary, dreamy electronic pop; the result is songwriting that’s genre-bending, intentional, iconoclastic and consuming, spacious and sinewy and singular, a striking reflection of its composer while leaving space for the listener to settle in. The album follows Bruno’s relocation to São Paulo, and the songs are a reflection of his past and present. A rebuke of former categorizations of his work in Brazilian music scenes, and an idea of where his music can move, unfettered.

Berle’s music is purposeful in being a true portrait of himself, and a reflection of the music, art, and fashion scenes he personally moves through. Berle aims to provide an entrypoint for Black queer joy in his music, in his storytelling, in his presence and vision as a creative. For him, it feels subversive to be playing MPB laced with dubstep and lo-fi, a sort of intentional sacrilege, capturing a dialogue of modernity in traditional music.

Berle wrote most of the arrangements and co-produced his new album, Reino Dos Afetos 2 with longtime friend and musical partner Batata Boy, who is also from Maceió; the album was recorded in Rio de Janeiro, Maceió, and São Paulo, his new home, and picks up the conversation begun in 2022 on Berle’s debut album No Reino dos Afetos. Both records are the result of a nonlinear but coherent seven-year music creation process culminating in these albums, holding hands across space and time.

“Tirolirole,” the first single from the record, was released at the end of 2023; sun-soaked rhythms and soft voice coat the song, the lilting refrain of “Tirolirole” throughout – hushed, gentle, but somehow almost tactile, a golden-hour moment unlocked in the mind. “Tirolirole” is a triumphant future classic about the temporality of a blossoming love, with Bruno’s stunning vocal soaring over melodies which ebb and flow like the waters on the Atlantic shore. Of the track, Berle explains: “Despite ‘Tirolirole’ being an expression that evokes my childhood, just like the light words about nature, the harmony, and the poetry are epic, carrying a great hope for love.”

In fact, the guiding theme of No Reino dos Afetos 2 is a relationship, unfolding in the arc of a weekend. It traverses the innocence of an early young love, how that can be formative, can stretch on to take new shapes, or shape you. The album happens at the genesis of meeting someone and falling for them, before the relationship is thrown into overdrive – set in a big city, against a backdrop of major life changes, rising energy, the sound of São Paulo.

Something transcendental emerges in “Dizer Adeus,” with an arrangement that echoes a gospel atmosphere (evangelical and Catholic environments were pivotal to Berle’s upbringing). On “É Só Você Chegar,” piano and flute gracefully intertwine, a dance, while “Quando Penso” skews sparser, the voice-and-guitar minimalism somehow cultivating an entirely different shape – somehow both cozy and melancholy, with the background sound of a rainy day. Coupled with the lo-fi aspects that shape much of the album’s personality in the vocals and the production, No Reino Dos Afetos 2 is meticulously elaborated by Berle’s sonic alchemy, like on the mid-album instrumental “Sonho,” which feels like floating. “It’s the apex. It’s when lovers are sleeping together,” Berle explains of the feeling he wanted to encapsulate in the song.

On “Love Comes Back” Berle interprets Arthur Russell, the late Iowa musician who only reached greater visibility after he died in 1992. “His way of making music is similar to mine,” Berle explains. “He sings in a more fragile way, has more of an experimental way of recording, letting ‘chance’ appear in the final work.”

Even so, Berle doesn’t want his music to be buried in sentimentality – and the purposefulness of his craft serves as a sort of north star. The production, the arrangements, his restraint and intentionality in crafting his songs feel just as vital as their emotional cores. His songwriting is amorphous, fluid, an encompassing genre-bending movement in-and-of-itself, quietly daring. The songs are often in conversation with other works – drinking in fountains as diverse as the filmmaking of Ingmar Bergman, the poetry of Walt Whitman, the rhythm of Djavan, and the painting of Maxwell Alexandre. Musically he weaves together a rich tapestry of Brazilian folk, UK 2-step garage/dub, trip hop and sun soaked west coast songwriters; something akin to the worlds of Milton Nascimento, Arthur Russell, James Blake, Feist, and Sade colliding into one. But even then No Reino Dos Afetos 2 floats separately, a romanticism driven by a simplicity and intimacy, an open-ended possibility, Berle’s singularity as an artist at the helm of the ship.

Best Of Bruce Springsteen is a collection of original songs spanning his storied 50-year recording career, from 1973's Greeting from Asbury Park, NJ to 2020's Letter To You. It will be available as an 18-track set across 2 LPs or 1 CD - and digitally as an expanded 31-song package. The collection will span early-career favorites like "Growin' Up" and "Rosalita (Come Out Tonight)," staples of Springsteen's live shows from "Dancing In The Dark" to "The Rising," best-selling breakouts like "Born To Run" and "Hungry Heart," as well as recent releases "Hello Sunshine" and "Letter To You." Here, these career-spanning works appear together in one set for the first time. The packaging includes archival photos and a new essay.

Pt. 2 of the 'Dub me crazy' series by Mad Professor. Reggae meets twisted electronics for wild dub trips!

Originally released in 1982 on the same Ariwa imprint.
True D.I.Y. business from this UK dub pioneer.

Wie alle Bands, die unterschiedliche Ausprägungen des Metal vereinen, lassen sich auch Atræ Bilis aus Vancouver nicht so leicht in eine Schublade stecken. Death Metal, atmosphärische Dissonanz, technische Brutalität und vieles mehr werden in den Fleischwolf geworfen und verschmelzen auf wunderbare und verstörende Weise zu ihrer eigenen, unverwechselbaren Mischung - wie eine perfekt funktionierende, innovative Maschine.

Auf dem neuen Album "Aumicide", dem Nachfolger des 2021 erschienenen Debüts "Apexapien", haben Atræ Bilis den Umfang ihrer verwirrenden Melange aus lodernden Beschwörungen noch einmal deutlich erweitert. Die Band, die sowohl drückend direkt als auch glatt und organisch klingt, sprengt alle Grenzen, indem sie Cyberdyne-Slams, mystische Unergründlichkeit und ungezügelte neue Ausmaße bei den Vocals einführt. Konzeptuell ebenso engagiert wie technisch versiert, erzählt "Aumicide" von einem Testexemplar, das Experimenten zur Glaubensentfernung unterzogen wird, indem es durch Höllensimulationen gezwungen wird, um das Selbst vom Multiversum zu trennen - was zur Entstehung einer neuen Ära führt; einem Egregor, der durch absolute Gottlosigkeit erzeugt wird.

Produziert, produziert, gemischt und gemastert von Christian Donaldson von Cryptopsy, katapultiert die massive Produktion von "Aumicide" die kanadische Power zu ungeahnten Extremen. Das Ergebnis ist eine der ambitioniertesten Underground-Veröffentlichungen des Jahres 2024, die das oft rückwärtsgewandte Death Metal-Genre unbeirrt in eine weitaus erschreckendere Zukunft katapultiert.

Demenz ist ein Dieb. Die bösartige Krankheit raubt ihren Opfern erst Stück für Stück ihr Gedächtnis, dann ihre Identität, schließlich Familie und Freunde - und oft genug sogar ihre Menschenwürde. Die in Los Angeles ansässigen Electro-Forscher THIEF nehmen auf ihrem vierten Album "Bleed, Memory" das Thema "Erinnerung" sowohl lyrisch als auch musikalisch unter die Lupe, was sich wie ein roter Faden durch das gesamte Album zieht. Der Kopf des Soloprojekts, Dylan Neal, wurde zu diesem Album durch das Schicksal seines Vaters inspiriert, der nach der Diagnose einer Demenz von leichter Vergesslichkeit und Verwirrung unaufhaltsam zu akuten Episoden von falschen Erinnerungen, Wahnvorstellungen, Visionen und seltsamem Verhalten überging. Das macht "Bleed, Memory" zu einer sehr persönlichen Schöpfung. Durch die harte Erfahrung begann Neal damit, erst seine eigenen Erinnerungen zu hinterfragen und dann mit der Erforschung, wie sie seine Identität und Realität formen. Erinnerung besteht nicht nur aus den Geschichten, die wir uns selbst und anderen erzählen. Neal vergleicht sie mit Geistern, die keine physische Existenz haben und dennoch unter denen Schrecken verbreiten, die an sie glauben. Das Rückgrat von THIEF bilden wieder einmal gesampelte sakrale Gesänge. Einige wurden beim Wühlen in digitalen Kisten gefunden und gesampelt, andere in verschiedenen orthodoxen Kirchen aufgenommen. Diese Samples wurden gedehnt, geschnitten, verstümmelt, umgeformt und gepitcht, um letztlich so wie jedes andere Instrument zu funktionieren. Neal hat "Bleed, Memory" bewusst so gestaltet, dass es gespenstisch klingt. Eine der Techniken, die er zur Erzielung dieses Effekts einsetzte, ist "Granular Synthesis". Der verstärkte Einsatz der Methode auf diesem Album bedeutet, dass Samples in kleine Audioschnipsel zerlegt wurden, die kaum mehr als 100 Millisekunden andauern. Dieser einzigartige Ansatz, der musikalische Elemente aus Ambient, Industrial, Chormusik, Black Metal und Trip-Hop sowie andere Einflüsse zu einem neuen Klangerlebnis verschmelzen lässt, hat THIEF unter Eingeweihten längst Kultstatus verschafft. Den Großteil des Albums hat Neal wieder einmal in seiner Wohnung aufgenommen und abgemischt. Für das Mastering konnte er erneut John Greenham gewinnen, der mit Künstlern von THE LOCUSTS über KATY PERRY bis hin zu DEATH GRIPS zusammengearbeitet hat und für sein Mastering für BILLIE EILISH im Jahr 2019 mit drei Grammy Awards ausgezeichnet wurde. Mit "Bleed, Memory" liefern THIEF eine verstörende und doch wunderschöne künstlerische Betrachtung eines grausamen Leidens, die gleichzeitig Emotionen wie Wut, Melancholie, Trauer und Verlust als lyrisches, musikalisches und visuelles Gesamtkunstwerk verarbeitet. Aber Vorsicht! Dieser Geist aus Klängen wird lange in der Erinnerung seiner Hörer spuken!

Nach der Veröffentlichung ihres kathartischen, dunklen Psych-Blues-Epos Outside The Dream setzte die Pandemie die Band außer Gefecht. Die Band blieb am Leben, indem sie weiter schrieb und komponierte. Der Weg war genauso wichtig wie das Ziel, und so wurden es zwei Alben in einem: die Songs, die getrennt voneinander geschrieben wurden, sind in Chrononaut Cocktailbar zusammengefasst. Nachdem sie wieder zusammen kamen, bündelten sie ihre ganze Live-Power in einem massiven Biest von einem Song namens Flight Of The Sloths. Die zwei Seiten des Albums zeigen perfekt die zwei Seiten, die in der Band stecken: der eine Wolf schreibt gerne Songs mit solider Struktur und Melodie, während der andere Wolf gerne völlig durchdreht, wenn es um progressive Kreativität geht. Das war schon immer so, aber noch nie war der Kontrast so krass, das Dunkle und das Helle, die Sanftheit und die Aggressivität. Psychedelische Klänge, die an die Zeiten von The Doors und Pink Floyd erinnern, ringen mit düsterem Post-Punk in den Gassen von The Gun Club und Nick Cave & The Bad Seeds um Aufmerksamkeit. Mal tanzbar, mal introvertiert, immer spannend und ein wenig schräg. Schließen Sie die Augen und lassen Sie sich ins No Man's Valley führen...

Medieval Steel wurden ursprünglich im Frühling 1982 in Memphis, Tennessee gegründet. Die Band trat in lokalen Clubs auf, bevor sie ihr eigenes Material zu schreiben begann (welches später mit Queensryche und Crimson Glory verglichen wurde).

"Sobald wir unsere Besetzung gefestigt hatten, intesivierten wir unsere Live-Aktivitäten", erklärt Sänger Bobby Franklin heute."Außerdem war uns klar, dass wir als nächsten Schritt unser eigenes Material komponieren mussten, um in diesem Geschäft Fuß fassen zu können."

Zwei weitere Jahre dauerte es, bis mit "Medieval Steel", "Warlods", "Battle Beyond The Stars" und "Echoes" die vier Songs für ihre heute legendäre Debüt-EP gefunden waren. "Als ich das Material geschrieben und aufgenommen hatte, konnte ich noch nicht ahnen, dass es einmal ein Eigenleben annehmen würde", meint Bobby Franklin. Und weiter: "Ich glaube, wir konnten unter zehn oder elf Stücken auswählen. Aus finanzielen Gründen nahmen wir kein vollständiges Album auf. Die Recordings an sich gingen schnell und problemlos über die Bühne. Wir haben zwei Wochen lang drei oder vier Stunden am Tag geübt, um bestmöglich vorbereitet zu sein. Zu jener Zeit waren wir alle noch junge Burschen und hatten reguläre Jobs. Wir waren uns sicher, dass unsere Musik das gewisse Etwas besaß."

Die besagte EP erschien 1984 über das in Memphis ansässige Label SUR Records, das auch ein eigenes Studio betrieb: "Sie hatten keine Metal-Bands unter Vertrag und haben überwiegend Country und Blues gemacht. Es war ein wirklicher Schock für sie, als wir angekommen sind. Aber es waren nette Leute, die uns gut behandelt haben. Jack Holder war der Tontechniker und Co-Produzent. Er spielte in einer Band namens Cobra und hat danach entschieden, Tontechniker zu werden, worin er sehr gut war. Ich glaube mich zu erinnern, dass 3.000 Vinyl-Exemplare sowie 1.000 Kassetten gefertigt wurden. Sofort nachdem man in Europa von der EP Wind bekommen hatte, war sie im Nu ausverkauft."

Medieval Steel arbeiten zurzeit an einem brandneuen Studioalbum!

Medieval Steel wurden ursprünglich im Frühling 1982 in Memphis, Tennessee gegründet. Die Band trat in lokalen Clubs auf, bevor sie ihr eigenes Material zu schreiben begann (welches später mit Queensryche und Crimson Glory verglichen wurde).

"Sobald wir unsere Besetzung gefestigt hatten, intesivierten wir unsere Live-Aktivitäten", erklärt Sänger Bobby Franklin heute."Außerdem war uns klar, dass wir als nächsten Schritt unser eigenes Material komponieren mussten, um in diesem Geschäft Fuß fassen zu können."

Zwei weitere Jahre dauerte es, bis mit "Medieval Steel", "Warlods", "Battle Beyond The Stars" und "Echoes" die vier Songs für ihre heute legendäre Debüt-EP gefunden waren. "Als ich das Material geschrieben und aufgenommen hatte, konnte ich noch nicht ahnen, dass es einmal ein Eigenleben annehmen würde", meint Bobby Franklin. Und weiter: "Ich glaube, wir konnten unter zehn oder elf Stücken auswählen. Aus finanzielen Gründen nahmen wir kein vollständiges Album auf. Die Recordings an sich gingen schnell und problemlos über die Bühne. Wir haben zwei Wochen lang drei oder vier Stunden am Tag geübt, um bestmöglich vorbereitet zu sein. Zu jener Zeit waren wir alle noch junge Burschen und hatten reguläre Jobs. Wir waren uns sicher, dass unsere Musik das gewisse Etwas besaß."

Die besagte EP erschien 1984 über das in Memphis ansässige Label SUR Records, das auch ein eigenes Studio betrieb: "Sie hatten keine Metal-Bands unter Vertrag und haben überwiegend Country und Blues gemacht. Es war ein wirklicher Schock für sie, als wir angekommen sind. Aber es waren nette Leute, die uns gut behandelt haben. Jack Holder war der Tontechniker und Co-Produzent. Er spielte in einer Band namens Cobra und hat danach entschieden, Tontechniker zu werden, worin er sehr gut war. Ich glaube mich zu erinnern, dass 3.000 Vinyl-Exemplare sowie 1.000 Kassetten gefertigt wurden. Sofort nachdem man in Europa von der EP Wind bekommen hatte, war sie im Nu ausverkauft."

Medieval Steel arbeiten zurzeit an einem brandneuen Studioalbum!

Medieval Steel wurden ursprünglich im Frühling 1982 in Memphis, Tennessee gegründet. Die Band trat in lokalen Clubs auf, bevor sie ihr eigenes Material zu schreiben begann (welches später mit Queensryche und Crimson Glory verglichen wurde).

"Sobald wir unsere Besetzung gefestigt hatten, intesivierten wir unsere Live-Aktivitäten", erklärt Sänger Bobby Franklin heute."Außerdem war uns klar, dass wir als nächsten Schritt unser eigenes Material komponieren mussten, um in diesem Geschäft Fuß fassen zu können."

Zwei weitere Jahre dauerte es, bis mit "Medieval Steel", "Warlods", "Battle Beyond The Stars" und "Echoes" die vier Songs für ihre heute legendäre Debüt-EP gefunden waren. "Als ich das Material geschrieben und aufgenommen hatte, konnte ich noch nicht ahnen, dass es einmal ein Eigenleben annehmen würde", meint Bobby Franklin. Und weiter: "Ich glaube, wir konnten unter zehn oder elf Stücken auswählen. Aus finanzielen Gründen nahmen wir kein vollständiges Album auf. Die Recordings an sich gingen schnell und problemlos über die Bühne. Wir haben zwei Wochen lang drei oder vier Stunden am Tag geübt, um bestmöglich vorbereitet zu sein. Zu jener Zeit waren wir alle noch junge Burschen und hatten reguläre Jobs. Wir waren uns sicher, dass unsere Musik das gewisse Etwas besaß."

Die besagte EP erschien 1984 über das in Memphis ansässige Label SUR Records, das auch ein eigenes Studio betrieb: "Sie hatten keine Metal-Bands unter Vertrag und haben überwiegend Country und Blues gemacht. Es war ein wirklicher Schock für sie, als wir angekommen sind. Aber es waren nette Leute, die uns gut behandelt haben. Jack Holder war der Tontechniker und Co-Produzent. Er spielte in einer Band namens Cobra und hat danach entschieden, Tontechniker zu werden, worin er sehr gut war. Ich glaube mich zu erinnern, dass 3.000 Vinyl-Exemplare sowie 1.000 Kassetten gefertigt wurden. Sofort nachdem man in Europa von der EP Wind bekommen hatte, war sie im Nu ausverkauft."

Medieval Steel arbeiten zurzeit an einem brandneuen Studioalbum!

Sony Music feiert die Musik von Bruce Springsteen mit einer Sammlung von Original-Songs aus seiner 50-jährigen Karriere, vom Debütalbum GREETINGS FROM ASBURY PARK, N.J. aus dem Jahr 1973 bis zum Album LETTER TO YOU aus dem Jahr 2020.

Die Sammlung umfasst Favoriten der frühen Karriere wie "Growin' Up" und "Rosalita (Come Out Tonight)", Grundpfeiler von Springsteens Live-Shows von "Dancing In The Dark" bis "The Rising", Bestseller wie "Born To Run" und "Hungry Heart" sowie die jüngsten Veröffentlichungen "Hello Sunshine" und "Letter To You". Auf dieser Kollektion erscheinen die wichtigsten karriereübergreifenden Werke zum ersten Mal zusammen als Set. BEST OF BRUCE SPRINGSTEEN enthält ein Albumcover, das vom Fotografen Eric Meola während der BORN TO RUN-Sessions aufgenommen wurde, sowie neue Liner Notes von Erik Flannigan.

Sony Music feiert die Musik von Bruce Springsteen mit einer Sammlung von Original-Songs aus seiner 50-jährigen Karriere, vom Debütalbum GREETINGS FROM ASBURY PARK, N.J. aus dem Jahr 1973 bis zum Album LETTER TO YOU aus dem Jahr 2020.

Die Sammlung umfasst Favoriten der frühen Karriere wie "Growin' Up" und "Rosalita (Come Out Tonight)", Grundpfeiler von Springsteens Live-Shows von "Dancing In The Dark" bis "The Rising", Bestseller wie "Born To Run" und "Hungry Heart" sowie die jüngsten Veröffentlichungen "Hello Sunshine" und "Letter To You". Auf dieser Kollektion erscheinen die wichtigsten karriereübergreifenden Werke zum ersten Mal zusammen als Set. BEST OF BRUCE SPRINGSTEEN enthält ein Albumcover, das vom Fotografen Eric Meola während der BORN TO RUN-Sessions aufgenommen wurde, sowie neue Liner Notes von Erik Flannigan.

Factor City kicks off its third decade in full swing, led by Undo solo and accompanied by its usual partners Casiowaves and Vicknoise.

It all began in 2003 when Undo & Vicknoise laid the foundation for the label with "Noctámbula," and over the years, they continued to collaborate closely, managing the label and producing "hits" such as "Orca" or "Happy Monday." From 2011 onward, following an amicable parting, Undo began to run the label solo while maintaining the same spirit and distinctive sound of the Barcelona-based label, always at the forefront of dance music produced in Spain.

Now, in 2024, in a "digital” world where fewer and fewer things can be touched with our fingers and where 100,000 songs are uploaded to Spotify every day, Factor City is charting a different course and starts a new decade on the dance floors by returning to vinyl releases and persisting in their low key and relaxed approach, releasing few and carefully curated records from their artists each year.

“Ciudad Futura” opens with "Good Times," a track by Undo that radiates joy and positivity. An euphoric ride through landscapes of analog synthesizers and drum machines. The second track on side A is signed by Undo & Vicknoise, who hadn't produced together in 15 years. And we hope they won't take as long to get back in the studio together after hearing the fantastic track "Electric Rainbow." A delightful slice of electro-disco. The B side is signed by the recent combo of Undo and Casiowaves. The first track, "Secret Worlds," follows in the wake of their recent releases on Factor City and Melodize with that winning combination of retro 80s and 90s synths with vocoders and a more contemporary production. Closing out the record is "Astralia," a vibrant "power synth pop" anthem adorned with FM synths and acid-tinged melodies. Thanks for listening!

Limitierte Neuauflage des Albums aus dem Jahr 1982 - auf farbigem Vinyl.

Limitierte Neuauflage des Albums aus dem Jahr 1983 - auf farbigem Vinyl.

2024 Limited edition LP & CD reissues of this cult minimalist pop album by japanese singer songwriter Ai Aso, originally released in 2014 on Ideologic Organ. Tokyo's Ai Aso (???, Aso Ai) is a Japanese psychedelic pop singer-songwriter whose work has a whisper-thin acid folk quality to it. She started performing as a solo singer around 2000. Her solo work, infrequent collaborations with White Heaven members You Ishihara and Michio Kurihara, Yurayura Teikoku, and Boris bring a level of fragility and hypnotism to the stage recalling lost memories, small flavors of COIL and serial playing on the verge of evaporation. As for her recent activities, she has performed on bills together with Sunn O))), Boris, Masaki Batoh (Ghost), Touri Kudoh, Kim Doo Soo, Mark Fry, Simon Finn etc.

Für das aktuelle Album lassen die Sidewalk Surfers den rissigen Asphalt des Hometown-Skateparks endgültig hinter sich und präsentieren stattdessen einen doomigen Soundtrack zu Road Movie und Klassenkampf. Mit zwölf Songs, die den düsteren Zeitgeist einfangen und dennoch den letzten Schluck aus der Calippo Cola zelebrieren, kann man getrost auf Tour gehen. So sicher waren sich Kinzi, Dom, Pecko und Kiwi in ihrem Schaffen noch nie. Dafür pennt man auch gern mal zu fünft im 90cm-Bett. Spätestens der Pizzaautomat macht alles wieder gut.

Joey Tempest is best known as the lead vocalist of the rock band Europe. His debut solo album A Place To Call Home was originally released in 1995 and features a guest appearance by his band member John Norum on guitar. The LP includes the singles ""Under The Influence"", ""A Place To Call Home"", ""Don't Go Changin' On Me"" and ""We Come Alive"". A Place To Call Home is available on vinyl for the first time and includes an insert with lyrics.

A Place To Call Home by Joey Tempest, released 19 April 2024, includes the following tracks: "A Place To Call Home", "Elsewhere", "Don't Go Changin' On Me", "Right To Respect" and more.

This version of A Place To Call Home comes as a 1xLP. This release comes with (a) Insert(s).

Haus by Nichtseattle, released 11 April 2024, includes the following tracks: "Treskowallee (Zelt)", "Schikane (Plattenbauwohnung Q59)", "Frau Sein (Werkstatt)", "Haus aus Papier (Papierhaus)" and more.