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"Volcanic Tongue" war ein Plattenladen, der von 2005-2015 in Glasgow von David Keenan und Heather Leigh betrieben wurde und zeitgenössische DIY-Musik aus der ganzen Welt in kleinen selbstgemachten CD-R-Auflagen veröffentliche. Parallel versuchte man, vergessene Künstler aus der Vergangenheit ins Rampenlicht zu rücken, die ihre Musik oft als Privatpressung veröffentlicht hatten. Der Laden war für seine wöchentliche Mailingliste bekannt, in der Keenan enthusiastisch über Neuankömmlinge rappte, insbesondere über die Platte der Woche, die den Spitznamen "tip of the tongue" (Zungenspitze) erhielt. Dieser eklektische Sampler mit 20 "tips of the tongue" - von Outsider-Synth über Psych-Folk bis zu kaputtem Rock'n'Roll, aufgenommen zwischen 1968-2013 - ist eine Hommage an eine lebendige und vielseitige Underground-Avantgarde. Black Vinyl 2LP in PVC-Hülle, von Julian House designt, mit bedruckten Innentaschen samt Linernotes von David Keenan zu jedem Künstler.

PS: Gleichzeitig erscheint beim White Rabbit-Verlag eine Deluxe-Ausgabe des gleichnamigen Buches mit einer CD-Version des Samplers, limitiert auf 1.000 Exemplare, und signiert von Autor David Keenan und Designer Julian House.

Als einer der am schnellsten aufsteigenden Stars im Avantgarde Metal präsentieren IMPERIAL TRIUMPHANT stolz eine 1LP-Neuauflage ihres hochgelobten vierten Studioalbums 'Alphaville'. Mit dieser Platte hat das New Yorker Metal-Trio seine unvergleichliche technische Exzellenz und atemberaubende musikalische Handwerkskunst unter Beweis gestellt. Kein Geringerer als der bekannte Künstler und Illustrator Zbigniew M. Bielak steuert zu diesem großartigen Meisterwerk eine seiner bisher besten Kreationen bei. Bitte beachten, dass die 1LP (im Unterschied zur urprünglichen 2LP-Version) ohne die Songs 'Experiment' (VOIVOD-Coverversion) und 'Happy Home' (THE RESIDENTS-Coverversion) und mit einer alternativen Song-Reihenfolge erscheint.

Nels Cline, Gitarrist der US-Independent-Rockband Wilco, den der Rolling Stone in seiner Liste der “100
Greatest Guitarists of All Time” führt, ist in seinem „zweiten Leben“ Jazz-Gitarrist, und das seit 2016 auf
dem weltweit renommiertesten Label des Genres: Blue Note Records. Sein viertes in einer Reihe stilistisch unterschiedlicher Blue-Note-Alben hat er jetzt nach seinem neuesten Ensemble „Consentrik Quartet“
benannt - mit Ingrid Laubrock (Saxofone), Chris Lightcap (Bass) & Tom Rainey (Drums) - dessen Debü-
taufnahme dies ist.
„Consentrik Quartet“ ist Nels Clines bis dato stilistisch vielseitigstes Blue-Note-Werk, auf dem es ihm
gelingt, swingenden Modern Jazz und Avantgarde, Virtuosität und Coolness zu verbinden.

Orange-farbenes Vinyl mit DLC sowie Digisleeve-CD! Memorial Waterslides" ist das Debütalbum von MEMORIALS, dem Duo bestehend aus Verity Susman und Matthew Simms (zuvor bei Electrelane und Wire). Es handelt sich um ein surrealistisches Pop-Album, das sowohl zeitlos als auch zeitgemäß ist und eine seltene Mischung aus klassischem Songwriting und Avantgarde-Attitüde aufweist. MEMORIALS kreieren einen Panorama-Pop, der auf Vertrautes und Fremdes zurückgreift, aber bekannte Pfade aber auch neue Wege beschreitet. Mit ihrem verspielten und experimentellen Stil, kombiniert mit einer Liebe zu Melodien, stehen sie in einer Reihe mit Broadcast, Portishead, Arthur Russell, The Velvet Underground, Yo La Tengo und Tortoise. Das Album ist voll von Bildern, die eine verlorene Zukunft, eine verschleierte Gegenwart und eine tagträumerische Vergangenheit heraufbeschwören, wobei jeder Song eine Rolle bei der Schaffung einer wirbelnden Breitwandatmosphäre spielt und den Hörer mit auf die Reise nimmt. Der Sound des Albums, das die beiden komplett selbst produziert haben, wurde von den Experimenten mit Tonbändern inspiriert, mit denen sie zunächst auf der Bühne herumspielten, als sie begannen, ihre vielschichtigen Aufnahmen für Live-Auftritte als Duo zu entwickeln. Nach ihren gefeierten 2023-Soundtracks "Women Against The Bomb" und "Tramps!", einer Europatournee mit Stereolab (sie wurden als "Stereolabs böser Zwilling" bezeichnet) und einem neuen Musikauftrag des Centre Pompidou in Paris kamen Verity und Matthew auf MEMORIALS in umgekehrter Richtung an, indem sie ihren Soundtrack-Alltagsjobs entflohen, um kosmische Reisen durch den Gartenschuppen in psychedelischen Rock, abgefahrenen Folk und wilde analoge Elektronik zu unternehmen. "Exciting and unpredictable" The Guardian. "Everything you'd expect from a duo adept in the strange and esoteric, while also in thrall to pop music's melodic bent." The Quietus.

Two records came out in 1988 that forever changed the perception of "experimental" or "serious" music produced in Portugal. These were "Plux Quba" by Nuno Canavarro and "Música de Baixa Fidelidade" by Tózé (António) Ferreira. Both were released by the same label - Ama Romanta -, an influential independent imprint closely linked to avantgarde pop band Pop Dell'Arte. Because those records appeared in what could be perceived as an "alternative pop" framework, they rescued this difficult music from Academia. It helps that Canavarro played in a successful new wave pop band (Street Kids) during the period 1980-83. By association, being a friend since 1976, António was in close contact with many of the musicians and bands that were part of the equally celebrated and detested Portuguese Rock Boom (roughly 79-82).

He was not a musician then but through his friendship with Canavarro, who had the means to acquire electronic equipment, António became involved with that equipment and shared Canavarro's passion for experimentation and curiosity for knowledge. They tried to get hold of as many technical magazines as possible and learn while testing ideas. In 1983, Street Kids were about to break up, young lives drafted into the Army and maybe, in Canavarro's case, a whole new passion for challenging music similar to his bandmate Nuno Rebelo, by then in the process of discovering a wide range of "other" music mainly through Jorge Lima Barreto. Barreto, who had started Telectu with Vítor Rua, possessed a huge book and record collection and, like Rua before them, Canavarro, Rebelo and Ferreira became fascinated by the pool of knowledge they now had access to by frequenting Barreto's house in Lisbon. He was roughly a decade older, had published several books and other writings throughout the 1970s, cultivated an anarchic stance and a penchant for cultural indoctrination. Rebelo was the first to be introduced via his contact with Rua (who had invited him to play in his other band GNR).

Overwhelmed, he felt the need to share his enthusiasm with friends and eventually took a few to the house in true pilgrimage fashion. To see the Light. Among the few he led there was even João Peste, founder of Ama Romanta. Canavarro and Ferreira preceded him.

Ferreira recalls an exciting learning process added to his experiments with Canavarro's array of synths such as the Korg Ms 20, Korg polysix, ARP Axxe, Roland SH-01, the Ensoniq Mirage sampler... He read in a magazine article about someone who had studied at the Institute of Sonology (then in Utrecht, Netherlands) and went there during a vacation trip in the Summer of 1983. He became excited by the prospect of studying at the Institute but money was a problem. Canavarro, on the other hand, was admitted there in the following year. Back in Portugal, Ferreira eventually abandoned his Chemical Engineering studies in Lisbon's Technical Institute in favour of a more focused music practice. He collaborated with Telectu during 1984 and 85 as a sort of technical engineer, implementing some recording solutions and background tapes and went to work at a thermoelectric power plant in Sines, hoping to make enough money to fund his musical studies. He did and proceeded with the paperwork for admission at the Institute of Sonology, now based in The Hague. António studied there in 1986-87 and the present album includes two compositions developed at the Institute: "More Adult Music" and "This Is Music, As It Was Expected", both featuring the voice of Rodney Waschka II. Among other activities and talents, Rodney is an expert in computer music and to António his voice sounded similar to Robert Ashley's, whose work he admired.

What happened at the Institute was a systematization of António's self-taught practice. Computer software, Musique Concrète, noise and silence, organisation of abstract ideas and sounds. The original notes on the back sleeve of the LP give some indication of process and thinking, but a more detailed account was given by António in the liner notes of the CD reissue in 2002, which are also included in this 2025 LP reissue.

The music sounds deep and detailed, despite the fact of António calling it low-fi ("Baixa Fidelidade"). It flows like an improvised performance where several musicians might be responding to each other, respectful of their mutual space. Drama occurs, as a natural emotional connection is sought by the listener. Piano, bells, drone, processed voices, even the clear narrative of Rodney Waschka II, contribute to create a sort of alternative perceptual reality. The sounds are almost tangible, more a part of the physical world than ethereal manifestations and thus it would not be correct to invoke "ambient music" as a selling point. But although "physical" and distinct, this music is still alien, more so in Portugal's 1988 environment. In March, helped by Canavarro, António set up a home studio and there he recorded the remaining material for this album: "Algumas Pessoas Olharam O Sul E Viram Deserto", "Um Som, Seguido De Uma Cena Negra E Malva" and "O Verão Nasceu Da Paixão De 1921".

"Música de Baixa Fidelidade" stands not only as a proof of great resilience but as one of those magnificent works of art coming from someone who balanced technical inclination and emotional sensibility. Because of that, Tózé Ferreira is able to decode the phantom world of sound for anyone who cares to experience the sensation of inhabiting a version of the Future. First ever vinyl reissue, reproduction of the original artwork with an additional insert. Made in collaboration with the artist and the support of Paulo Menezes (Plancton Music), who provided valuable assistance. Remastered by Taylor Deupree.

Memorial Waterslides" ist das Debütalbum von MEMORIALS, dem Duo bestehend aus Verity Susman und Matthew Simms (zuvor bei Electrelane und Wire). Es handelt sich um ein surrealistisches Pop-Album, das sowohl zeitlos als auch zeitgemäß ist und eine seltene Mischung aus klassischem Songwriting und Avantgarde-Attitüde aufweist. MEMORIALS kreieren einen Panorama-Pop, der auf Vertrautes und Fremdes zurückgreift, aber bekannte Pfade aber auch neue Wege beschreitet. Mit ihrem verspielten und experimentellen Stil, kombiniert mit einer Liebe zu Melodien, stehen sie in einer Reihe mit Broadcast, Portishead, Arthur Russell, The Velvet Underground, Yo La Tengo und Tortoise. Das Album ist voll von Bildern, die eine verlorene Zukunft, eine verschleierte Gegenwart und eine tagträumerische Vergangenheit heraufbeschwören, wobei jeder Song eine Rolle bei der Schaffung einer wirbelnden Breitwandatmosphäre spielt und den Hörer mit auf die Reise nimmt. Der Sound des Albums, das die beiden komplett selbst produziert haben, wurde von den Experimenten mit Tonbändern inspiriert, mit denen sie zunächst auf der Bühne herumspielten, als sie begannen, ihre vielschichtigen Aufnahmen für Live-Auftritte als Duo zu entwickeln. Nach ihren gefeierten 2023-Soundtracks "Women Against The Bomb" und "Tramps!", einer Europatournee mit Stereolab (sie wurden als "Stereolabs böser Zwilling" bezeichnet) und einem neuen Musikauftrag des Centre Pompidou in Paris kamen Verity und Matthew auf MEMORIALS in umgekehrter Richtung an, indem sie ihren Soundtrack-Alltagsjobs entflohen, um kosmische Reisen durch den Gartenschuppen in psychedelischen Rock, abgefahrenen Folk und wilde analoge Elektronik zu unternehmen. "Exciting and unpredictable" The Guardian. "Everything you'd expect from a duo adept in the strange and esoteric, while also in thrall to pop music's melodic bent." The Quietus. (Limitiertes) Pink farbenes Vinyl mit DLC sowie Digisleeve-CD!

"Porœs" ist das erste gemeinsame Album des Elektronikmusikers und No-Input-Mixing-Universalgelehrten Simon Grab und des Schlagzeugers und Komponisten David Meier, Mitglied der renommierten Avantgarde-Minimal-Rockband Schnellertollermeier. Der Sound von Grab & Meier ist roh und unbeständig und wechselt zwischen messerscharfen, rollenden, bröckelnden, unberechenbaren und wilden Zuständen. Er balanciert zwischen Meiers organischem Schlagzeugspiel und Grabs pulsierenden Pieptönen und Geräuschen, knurrenden Basslines und Dubbed-Feedbacks, die er aus seinem individuell angeschlossenen No-Input-Mixing-Setup extrahiert. Keines der Instrumente übernimmt die Führung, die beiden Musiker treten in einen ständigen Dialog. Als leidenschaftliche Improvisatoren haben sie dieses Album mit sieben Tracks in mehreren Studiosessions aufgenommen, was zu einem Ergebnis führte, das selbstbewusst und präzise ist, aber die Dringlichkeit einer Live-Improvisation beibehält.

- "Unser gemeinsamer Spielplatz ist das Grooven auf dem Risiko des Auseinanderfallens, wie das Surfen auf einem Unterwasser-Seil durch Wellen von Frequenzen, auf gebrochenen Rhythmen." – Simon Grab & David Meier

This album is often recommended for fans of modern jazz and is considered a notable addition to the discography of Lee Konitz and Jimmy Giuffre

It exemplifies the ethos of jazz as a medium for exploration and innovation, with a focus on personal expression and artistic dialogue. Released in 1959, featuring two influential figures in the genre this album captures a significant moment in jazz history, showcasing a unique collaboration that emphasizes improvisation and melodic exploration. In the late 1950s, jazz was undergoing significant transformations, with movements such as cool jazz, hard bop, and avantgarde emerging. Lee Konitz and Jimmy Giuffre were both pivotal figures in the cool jazz scene, and their collaboration was a meeting of two innovative minds. Known for his smooth tone and lyrical improvisation, Konitz was influenced by the bebop movement and studied under legendary figures like Lennie Tristano. He often pushed the boundaries of traditional jazz through his emphasis on melody and harmony. Jimmy Giuffre was notable for his unique approach to composition and improvisation, often incorporating elements of classical music and folk traditions. He was a key figure in the West Coast jazz scene and known for his use of space and silence in music. The album features a mix of standards and original compositions, highlighting the artists' ability to reinterpret familiar melodies with Giuffre's arrangements often incorporate complex harmonies, while Konitz's playing brings a sense of lyricism and warmth: an essential listen for fans of jazz.

Ltd Edition!

Die avantgarde-Modular-Zauberin Kaitlyn Aurelia Smith + Joe Goddard von Hot Chip haben sich für die Produktion einer gemeinsamen EP zusammengetan. Mit knallharten Beats, komplexem Synthesizer-Programming und melodischer Sensibilität ist hier purer Body-Moving-Stoff entstanden, der alle Neuronen im Gehirn zum Feuern bringt.

Kaitlyn Aurelia Smith ist eine amerikanische Komponistin, Performerin und Produzentin mit klassischer Ausbildung, die die unendlichen Möglichkeiten elektronischer Instrumente und die Beziehung zwischen Klang, Form, Farbe, Körper, Bewegung und Ausdruck erforscht. Ihre Musik ist eine Form der auditiven Interpretation, die von Neugier und ihrem Instrumentarium aus modularen, analogen und seltenen Synthesizern angetrieben wird. Joe Goddard ist nicht nur Bandmitglied bei Hot Chip und The 2 Bears, sondern auch einer der führenden britischen Produzenten, der Sounds kreiert, die sein gesamtes musikalisches Spektrum von House, Techno und Disco bis hin zu UK-Garage, R&B und Elektropop abdecken. Joe Goddard hat vor kurzem sein drittes Soloalbum Harmonics veröffentlicht.

Nachdem er 2022 "The Consistent Brutal Bullshit Gong" schrieb, hat sich Nate Mendelsohn immer mehr in seiner Musikgemeinde in Brooklyn, NY, verwurzelt. Er produzierte die letzten FRANKIE COSMOS- und DOUGIE POOLE-Alben, trat bei VAGABON und SAM EVIAN auf und machte Aufnahmen mit YAEJI und LADY LAMB. Diese Erfahrungen mit abenteuerlichen Künstler*innen sind in Mendelsohns Songwriting eingeflossen und haben, zusätzlich zu seinen frühen Jahren in der Jazz- und Avantgarde-Welt, ein Album hervorgebracht, das so manchem wahrscheinlich den Kopf verdrehen wird, wenn man Alben namens "Pet Sounds", "Fantasma", "Insignificance", "Blonde" oder "XO" mag. Wie auf einigen der genannten Alben verschmilzt auch auf "Well I Asked You A Question" das Physische mit dem Synthetischen: gesampelte Orchester duellieren sich mit echten Orchestern ("Fantasy"), die gesprochenen Worte eines Roboters duettieren sich mit einem menschlichen Chor ("Around"), und Geräuschexplosionen üben sich in Soli über traditionelle Rockinstrumente ("Rachel's Getting Married"). Obwohl viele der Sounds auf dem Album erweitert und gebrochen sind, arbeitete Mendelsohn mit der vollen MARKET-Band - Stephen Becker, Natasha Bergman und Duncan Standish - zusammen, um die Songs zu entwickeln. Er wollte "musikalische Unfälle mit ausgefransten Rändern - immer noch eine Gruppe von Leuten, die in einem Raum sind und Songs spielen". Neben der Kernband leisteten Katie von Schleicher, Mike Haldeman (MOSES SUMNEY, ALTO PALO), Justin Felton (L'RAIN, BIG THIEF), Rose Droll (FEIST, ART FEYNMAN) und Helen Newby mit der Technik von Adam Hirsch (Sam Amidon, Stephen Steinbrink) weltumspannende Beiträge.

Duke Ellingtons Klassiker "Money Jungle", aufgenommen 1962 mit Charles Mingus am Kontrabass und Max Roach am Schlagzeug, gilt als Höhepunkt seines Schaffens, auf dem er traditionellen Jazz mit neuer Avantgarde kombinierte, ohne seinen unnachahmlichen Stil aufzugeben. Die LP erschien auf United Artists und wurde um die Jahrtausendwende von Blue Note als Remastered CD veröffentlicht. Die neue Ausgabe in der Vinyl-Story-Serie (Diggers Factory) erscheint mit einem farbenfroh illustrierten Comicheft samt Biografie von Alain Gerber (in engl. & franz. Sprache).

What if Japanese city pop met no wave? Neither in your wildest dream such occurrence could be real, but let’s make things clear. Frank Chickens could have been possibly forerunners for several famous alternative bands, Cibo Matto on top of all, but sure had a development on their own. Our history began in London, early eighties, art duo Frank Chickens is the original creation of Japanese performers Kazuko Hohki and Kazumi Taguchi. All of a sudden the band debuts with a pair of singles and a full length on Kaz Records, it’s 1984, but could have been easily 1994. Backed by the likes of Steve Beresford (Alterations, The Slits, General Strike, London Improvisers Orchestra), Annie Whitehead (Penguin Cafe Orchestra, Robert Wyatt), Lol Coxhill, Tony Coe and Clive Bell (the top of the cream of the English avantgarde) the band soon became a case in history. Now we have the pleasure – 37 years after its original release – to reissue their second album: Get Chickenized!

The record came out in 1987 on the british label Flying Lecords and showed a different side of the project, with a major focus on the so-called synth wave counterculture, still maintaining a certain avant feel. With original conspirator Steve Beresford still on board, the band was propelled in the studio by another key figure of the London underground: journalist, composer and producer David Toop. Being John Peel’s favorite for a while, the band built a cult following retaining some absurd live performances, well known for their idiosyncratic choreography. Later revamped in the year 2000 - thanks to cult label Ninja Tune – the band enjoyed a second wave of success, with a remix album featuring the likes of Pizzicato 5, Fink and Neotropic. With a cover embellished by the labor of Pere Ubu David Thomas, this second influential album is finally available for your listening pleasure. Here’s your chance to dive deep into this exotic pop extravaganza.

Following his debut album Bisou Genou, released in October 2021, Frise Lumière are preparing the release of his second album Ambo (Experimental, minimalism, Noise Jazz, Avantgarde) for October 2024.Ambo is the outcome of numerous interactions from the past and present, affirming and advancing the research of his prepared bass's acoustic possibilities. His use of broomsticks, mallets, and drumsticks enhances his rhythmic playing. Whether he plays his instrument more conventionally or flat on his lap. A method that is already audible in a few of the tracks on his first LP

"Immense Intense Suspense" war und ist immer noch ein Meilenstein des Death Metal, heute noch genauso relevant wie 1994!Was erhält man, wenn
man Demilich, das erste Album/EP von At The Gates und Nocturnus in einen Mixer gibt, um sie in ein gewaltiges, abscheuliches Monster zu
verwandeln, das die Majorsciences zum Weinen bringt und sie sich fragen lässt, warum man etwas erschaffen hat, das sie so herausfordert? Nun...
dies. In der Tat scheint dies das Einzige zu sein, was einer auditiven Form von Cthulhu nahe kommt... Das Full-Length-Debüt dieser
Doom/Avantgarde-Metal-Band bietet sowohl Originalität als auch Integrität und wird als klassisches Album angesehen.Phlebotomized begannen als
Grindcore-ähnliche DeathMetal-Band und veröffentlichten ihre frühen Demos, die so klangen. Irgendwann beschloss die Band, ihren Stil zu ändern,
denn "Immense, Intense, Suspense" legt Wert auf Melodien und symphonische Passagen. Das tat der bösen, bedrückenden Stimmung, die sich durch
die Musik zieht, keinen Abbruch. Das Album nimmt auf, was Demilich auf "Nespithe" geschrieben hat und baut darauf auf.

Memorial Waterslides" ist das Debütalbum von MEMORIALS, dem Duo bestehend aus Verity Susman und Matthew Simms (zuvor bei Electrelane und Wire). Es handelt sich um ein surrealistisches Pop-Album, das sowohl zeitlos als auch zeitgemäß ist und eine seltene Mischung aus klassischem Songwriting und Avantgarde-Attitüde aufweist. MEMORIALS kreieren einen Panorama-Pop, der auf Vertrautes und Fremdes zurückgreift, aber bekannte Pfade aber auch neue Wege beschreitet. Mit ihrem verspielten und experimentellen Stil, kombiniert mit einer Liebe zu Melodien, stehen sie in einer Reihe mit Broadcast, Portishead, Arthur Russell, The Velvet Underground, Yo La Tengo und Tortoise. Das Album ist voll von Bildern, die eine verlorene Zukunft, eine verschleierte Gegenwart und eine tagträumerische Vergangenheit heraufbeschwören, wobei jeder Song eine Rolle bei der Schaffung einer wirbelnden Breitwandatmosphäre spielt und den Hörer mit auf die Reise nimmt. Der Sound des Albums, das die beiden komplett selbst produziert haben, wurde von den Experimenten mit Tonbändern inspiriert, mit denen sie zunächst auf der Bühne herumspielten, als sie begannen, ihre vielschichtigen Aufnahmen für Live-Auftritte als Duo zu entwickeln. Nach ihren gefeierten 2023-Soundtracks "Women Against The Bomb" und "Tramps!", einer Europatournee mit Stereolab (sie wurden als "Stereolabs böser Zwilling" bezeichnet) und einem neuen Musikauftrag des Centre Pompidou in Paris kamen Verity und Matthew auf MEMORIALS in umgekehrter Richtung an, indem sie ihren Soundtrack-Alltagsjobs entflohen, um kosmische Reisen durch den Gartenschuppen in psychedelischen Rock, abgefahrenen Folk und wilde analoge Elektronik zu unternehmen. "Exciting and unpredictable" The Guardian. "Everything you'd expect from a duo adept in the strange and esoteric, while also in thrall to pop music's melodic bent." The Quietus. (Limitiertes) Pink farbenes Vinyl mit DLC sowie Digisleeve-CD!

The trio of Japanese Saxophone legend Akira Sakata with the scandinavian rhythm section presents already his fifth album! While the trio was on a Japan tour in 2019, Sakata arranged for a handful of special collaborations, with some of Japan's most important artistic figures. Featuring the avantgarde dancer Min Tanaka, the pianist Yuji Takahashi and a heavyweight veteran of Japanese experimental music - drummer Takeo Moriyama. Moriyama was playing with Sakata in the Yosuke Yamashita Trio and is his unflinching sparring partner on the explosive 2022 Trost duo recording Mitochondria.

Exzellente, Karriere umspannende Werkschau zum 80-jährigen Geburtstag des französischen Modern-Jazz-Vertreters Frederic Rabold, der seit Ende der 1960er bis heute aktiv ist, mit Avantgarde-Musikern wie Gunter Hampel, Leszek Zadlo und Lester Bowie arbeitete und neben Albert Mangelsdorff, Klaus Doldinger und Dave Pike auf der Bühne stand. Limitierte Deluxe-Auflage auf schwarzem Bio-Doppelvinyl im Gatefold mit ausführlichen Linernotes (dt. & engl.), bislang ungesehenen Fotos und Download-Code. 17 Tracks.

FRAGMENTS geht in die zweite Runde. Im Fokus steht dieses Mal die französische Komponistin Lili
Boulanger. Die mit dem Prix de Rome ausgezeichnete Multiinstrumentalistin schrieb Musik, die zwischen
Tradition und Avantgarde oszillierte. „Lili Boulanger war eines der größten musikalischen Talente ihrer
Zeit. … Ihr immenses Talent ermöglichte es ihr, sich mit Mut und Autorität einen Platz in einer damals
noch sehr männlichen Sphäre zu erkämpfen“, schreibt die renommierte Boulanger- Expertin Alexandra
Laederich vom Centre international Nadia et Lili Boulanger, aus deren Feder auch der Booklettext für das
Album stammt. 13 zeitgenössische MusikerInnen und Künstler-Duos haben Lilis Werke neubearbeitet u.a.
Niklas Paschburg, Rodriguez Jr., Joplyn und Anja Schneider. Das Ergebnis ist ein hochmodernes und
facettenreiches Album, das als CD und hochwertige 180gr. Vinyl-Pressung erscheint

Auf 300 Exemplare limitiertes s/w Split-Vinyl.


Mit "Perpaura" erscheint die Debüt-EP von Privot Miller, dem neuen Alias von Young Meyerlack aka Ali Whales aka B&DBBB. Zwischen Trap, 2000er RNB und Avantgarde-Pop werden Licht und Schatten von Beziehungsfragen und Selbstzweifeln reflektiert. Assistenz in der Produktion gibt es von Hamburger Lo-Fi Legende Plusma. Über Babygroove in Kollaboration mit ETR kommt eine streng limitierte Sammler Vinyl Version in s/w Split Design mit Instrumental B Seite.

BLUE NOTE TONE POET EDITION: Stereo, produziert von Joe Harley, komplett analog von Kevin Gray
von den Originalbändern remastert, RTI-Pressung (180g), stabiles Tip-on-Single Sleeve, wattierte Innenhülle.
Auf seinem Album ”Let Freedom Ring” spiegelt Saxofonist Jackie McLean den Wandel wider, der 1962 in
der Luft lag: die musikalischen Freiheiten der aufkommenden Avantgarde und die sozialen Veränderungen,
die von der Bürgerrechtsbewegung gefordert wurden. Begleitet wird er von Walter Davis Jr. am Klavier,
Herbie Lewis am Bass und Billy Higgins am Schlagzeug.

Schwarzes 140g Bio-Doppel-Vinyl mit bedruckten Innenhüllen ohne Beilagen



Einstürzende Neubauten präsentieren ihr neues Album. Sie suchen nach neuen Formen. Nach dem unentdeckten Ton und dem noch unausgesprochenen Wort. Seit ihrer Gründung am 1. April 1980 verschieben die Einstürzenden Neubauten die Parameter von Mainstream und Subkultur, um das Unhörbare hörbar zu machen. Und vielleicht auch das Unerhörte. Ein sich über vier Dekaden erstreckender Feldforschungsversuch, der nun ins nächste Stadium tritt. In ihrem 44. Bestehensjahr geht die Formation weit zurück zu ihren Wurzeln, um sich gleichzeitig neu zu definieren. Ein verändertes Selbstverständnis, für das das Berliner Quintett plus eins 2024 sein eigenes Genre kreiert hat: apm - alien pop music. Ständige Weiterentwicklung - so könnte man das Schaffen der Einstürzenden Neubauten kurz und knapp zusammenfassen. Eine musikalische Evolution, die beim 1981 veröffentlichten Albumdebüt "Kollaps" beginnt und sich nun auf dem im April 24 erscheinenden Album "Rampen - apm: alien pop music" manifestiert, auf diesem präsentieren sich Blixa Bargeld, N.U. Unruh, Alexander Hacke, Jochen Arbeit, Rudolph Moser und Felix Gebhard nun von ihrer unberechenbarsten und eigenwilligsten Seite. Auf ihrem neuen Album setzen die Neubauten nun allen Sound-Spekulationen ein - wenn auch spätes - Ende. Schon seit Mitte der 1980er-Jahre experimentieren die Einstürzenden Neubauten auf der Bühne mit sogenannten Rampen: Öffentliche Improvisationen mit offener Entwicklung und Ausgang; Abschussrampen ins noch Unerforschte, die die Band im Jahr 2022 auf ihrer letzten "Alles in Allem"-Tournee im Zugabenteil performte und deren Mitschnitte als Basis für das neue Album dienen. "Rampen - apm: alien pop music" ist Popmusik für Paralleluniversen und Zwischenwelten. Für Hyperräume und Interzonen. Mikrokosmisch und intergalaktisch zugleich. Eine demimondäne Behauptung außerhalb aller physikalischen Gesetze, mit der die Einstürzenden Neubauten ein stilistisches Niemandsland zwischen Vergangenheit und Zukunft betreten. Rückkehr zu den Wurzeln einerseits, andererseits entsteht aus lärmgewaltigen Kracheruptionen, auf kryptische, oftmals fragmentarische Lyrics treffend, eine neue Kunstform: Populäre Musik für Aliens und Außenseiter. Aus Anti-Pop ist Alien Pop geworden. Fremdartig. Kokonhaft versponnen. Ungehört. Sonus inauditus. Nicht ganz unabsichtlich erinnert das reduzierte Coverartwork an das ikonische Layout des "Weißen Albums" von den Beatles. "Ausgehend von der Idee, dass die Einstürzenden Neubauten in einem anderen Sonnensystem ebenso berühmt sind wie die Beatles in unserer Welt", so Blixa Bargeld über die Gratwanderung zwischen Avantgarde und Augenzwinkern, Provokation und popkultureller Diskontinuität. Womit auch direkt das zentrale Thema vorgegeben wäre, das sich wie ein roter Faden durch alle Songs zieht: Veränderung, utopische Gedankenspiele und Vergänglichkeit. "Ich habe auf der Platte ein paar Lösungen gefunden und Dinge formuliert, wie ich sie vorher noch nicht formuliert habe, weil sie mir noch nicht so klar waren. Ich bin jemand, der denkt, durch Musik Erkenntnisse zu gewinnen. Das war schon immer so. Die Überzeugung, in der Musik etwas zu finden, was ich vorher nicht wusste. Und etwas zu singen, was ich vorher nicht wusste. Etwas, was sich dann als Wahrheit herausstellt. Oder zumindest als sinnvoll, wenn man es ein wenig kleiner halten will." Dieses Album repräsentiert die nächste Stufe der Evolution, auf der man die bekannte Sprache schließlich hinter sich gelassen hat. Und die Eröffnung weiterer, unendlicher Möglichkeiten: alien pop music.

Mute veröffentlichen am 23. August das Album 'The Third Mind Movements' der britischen Avantgarde-Helden Throbbing Gristle erstmals offiziell auf CD und LP.

Die 1975 gegründete Band Throbbing Gristle, bestehend aus Chris Carter, Peter 'Sleazy' Christopherson (1955-2010), Cosey Fanni Tutti und Genesis Breyer P-Orridge (1950-2020), löste das gescheiterte Versprechen des Punk ein, extreme Kultur als Mittel zur Sabotage von Kontrollsystemen zu erforschen. Ihr Einfluss auf Musik, Kultur und Kunst ist unermesslich und bis heute spürbar.

'The Third Mind Movements' von Throbbing Gristle erschien zunächst als exklusive Veröffentlichung, die nur auf der letzten Amerikatournee der Band im Jahr 2009 erhältlich war, bevor sich die Band 2010 wieder trennte. Das Album ist eine Reise durch manipulierte, zeitlich gestreckte und verzerrte Samples, mit rhythmischen Breakbeats und hypnotischen Elektronikschwingungen.

Zusammen mit Bands wie Hans-A-Plast und Der Moderne Man gehören Rotzkotz Anfang der 80er zum Umfeld von No Fun Records, einem hannoverschen Label aus der linksalternativen Szene. Zunächst spielen sie klassischen Punk-Sound, den sie auf ihrem zweiten Album um elektronische Sounds und teils dadaistisch anmutende Texte ergänzen: Mit Lebensfroh + Farbenfroh veröffentlichen sie so 1981 eines der spannendsten Alben der alternativen deutschsprachigen Musik der 80er Jahre. Gute 40 Jahre später wird das Album jetzt inklusive der zwei Songs der "Kein Problem"-Single (ein kurzer Ausflug zum Major EMI) wiederveröffentlicht - neu gemastert und ergänzt um ausführliche Linernotes sowie bisher unveröffentlichtes Bildmaterial. Zwischen Punk und Avantgarde, zwischen elektronischen Sounds und digitaler Dystopie, zwischen Majorlabel-Deal und No Fun Records, zwischen 70ern und 80ern - Rotzkotz sitzen zwischen allen denkbaren Stühlen und schaffen es dabei, mit Farbenfroh + Lebensfroh ihre Nische auf eine auch heute noch außergewöhnliche Art zu besetzen.

Celebrated Norwegian singer and composer Susanna announces her new album, Meditations on Love, out August 23rd via her own label SusannaSonata. Having spent five years writing material, Meditations on Love reflects the complexities and difficulties of maintaining love. So many songs celebrate the giddy joy of a new connection or lick the wounds from a break-up, but Meditations on Love explores what happens in between, examining the work required by a healthy relationship and contemplating the conditions that turn love into something toxic. Susanna's mastery of balladry is well documented, but on Meditations on Love, she introduces a rhythmic presence new to her work. The result is one of Susanna's strongest and most dynamic recordings of her career. The Norwegian artist Susanna has released albums as Susanna and the Magical Orchestra/Susanna/Susanna Wallumrod since 2004 on labels like Rune Grammofon/ECM/Grappa Musikkforlag and since 2011 on her own label SusannaSonata. Critically acclaimed for both her own songs and her highly personal interpretations of other people's songs, she wanders lightly and intented between champer folk, avantgarde, electronica, jazz and independent pop. Highly riyl Joanna Newsom, Sufjan Stevens, Kate Bush

Geprägt durch die britische Punk Bewegung Anfang der 70er Jahre ist seine Musik getrieben von eingängigen Melodien und schnellen Beats. Seinen ganz eigenen Klang, der zwischen Post-Punk, Indierock und Avantgarde mäandert stellt er auch in seinem Album „Copperfield“ unter Beweis. Das Album ist das Erste, nach seinem Signing bei einem Label, wodurch bei vielen Liebhabern Angst aufkam, das Album würde seinen typischen Indie Sound verlieren. Doch ganz im Gegenteil. „Copperfield“ zeigt mit poetischen Texten
und avantgardistischen Melodien Grenzen des Konsums, wie in „ Laugh, Planet“ auf oder beweist in einem an die Punkband Clash erinnernden Song (”Kill Your Ideals”) den Post-Punk-Charakter der Band.

Für ”Copperfield” engagierte Phillip Boa den Briten John Leckie, der als Produzent bereits Platten von Pink Floyd, Simple Minds oder den Woodentops erfolgreich betreute. Das Album hielt sich über 6 Wochen
in den deutschen Albumcharts.

Für Plattenliebhaber und Fans von Phillip Boa And The Voodooclub erscheint jetzt am 09.08.2024 die ReEdition des Albums sowohl als hochwertige 2 LP transparent Vinyl, als auch als 2CD Digipack, Reworked & Remastered , inklusive 5 brandneuer, bisher unveröffentlichter Songs und neuer Live Recordings sowie
noch nicht veröffentlichter Mixes.

Vigil is a (heavy & avantgarde) doom/death metal band from the Unites States, with an aggressive sound - yet emotional and obscure, but also beautiful and emotional. A dark doomy road of sorrow and anger. With two bass players and some influences of post-rock, thrash and progressive metal, Vigil is a showpiece of the apocalypse filtered through ears, hands and emotions. The songs range from old-school European styled doom, with an aggressive death touch, like My Dying Bride, Paradise Lost and Katatonia, all the way to current atmospheric post-rock/metal acts as The Ocean, Isis and Intronaut. There are slow tempos to drag you through the emotional pain, and there are blast beats and thrashy grooves occasionally to spice things up

Das ist schon ein historischer Moment: Exile On Mainstream bringt erstmalig eine Wiederveröffentlichung einer Platte, die seit Jahren restlos ausverkauft ist und am 25. April 2008 nur auf CD erschien. Erstmalig auf Vinyl, remastered: Heavy Zooo von BEEHOOVER. Die Band schreibt dazu: "Endlich! Oft gewünscht, drüber nachgedacht und wieder verworfen. Aber jetzt, endlich, kann mit Hilfe unseres Lieblingslabels Heavy Zooo so kommen, wie wir uns das die letzten 15 Jahre gewünscht haben: auf Vinyl!" Ist es Metal? Ist es Stoner Rock? Ist es Jazz oder gar Avantgarde? Weißt du was? Vergiss doch einfach mal die ganzen Schubladen in deinem Kopf und beantworte folgende Frage: Wann hat das letzte Mal jemand versucht, die Melvins zu klassifizieren? Oder Primus? Siehst du! Ladies & Gentlemen - der Heavy Zooo öffnet seine Tore! Treten sie ein und bestaunen sie eine Sammlung der unglaublichsten Geschöpfe dieses Planeten. Schimären aus Groove und Intelligenz. Sounds, so vertraut und doch so neu. Nichts hier ist eindimensional. Nur mit Bass und Drums schaffen Beehoover die Quadratur des Kreises - verrückte Arrangements mit Arsch, die dir das Tanzbein zucken lassen, dich aber trotzdem große Augen machen lassen. Damit sind die Eckpfeiler gemauert, zwischen denen sich die Sounds einer der wohl außergewöhnlichsten deutschen Bands dieser Tage spannen. Eine Kategorisierung erscheint unmöglich, wenn auch Beehoover Einflüsse aus traditionellen Stilen miteinander verweben. Im wahrsten Sinne des Wortes - das Ergebnis ist ein Teppich aus Bass und Drums, aus emotionalen Ausbrüchen und psychotischer Melancholie. Claus-Peter Hamisch (Drums) und Ingmar Peterson (Bass) versuchen dabei konsequent herkömmliche Strukturen zu vermeiden und neue Wege zu gehen, ohne jedoch den Song aus dem Auge zu verlieren. Ihre Herangehensweise ist avantgardistisch, das Ergebnis aber trotzdem melodisch. Ihre Auseinandersetzung mit Sounds ist intelligent und Kopf-betont. Das Resultat hingegen geht direkt in den Bauch - eine Wirkung, die heute nicht viele Bands erzielen können. Die Presse schrieb im April 2008: Dieses Duo ist ein echter Geheimtipp! ... ein echtes Original! ... Einfach nur großartig! (Eclipsed) Ein erneut bärenstarkes Album! (Rock Hard) Amtlicher Irrendoom, nur mit Ballerbass und Drums fabriziert. Ein herrlicher, fachmännisch fröhlicher Krach. Funktioniert eins a, absolut nicht zu klassifizieren.(Intro) ... die schwäbische Antwort auf die Melvins ... brachial-tighte Riffmaschine unter Dampf ... fette Prog-Schwarte, nie affektiert oder klugscheißend, sondern immer mitreißend komplex. (VISIONS) _ eine Mischung aus der Verrücktheit und technischen Brillianz von Primus, dem feinsinnigen Humor und der Vielseitigkeit der Melvins, der Heaviness und Brachialität von Neurosis und der Rhythmik von Kyuss (METAL HAMMER) Beehoover sind sie der lebende Beweis dafür, dass ein Bass, ein Schlagzeug und ein gepflegter Testosteronüberhang ausreichen, um die Musikgeschichte auf Lightning Bolt, Led Zeppelin, Melvins und Unsane einzudampfen und dein Trommelfell inklusive allem was dahinter liegt in die ewigen Jagdgründe zu schicken. (VICE) _ Es grenzt an ein Wunder ... Heavy Zooo steht als untrüglicher Beweis dafür, dass musikalischer Minimalismus tatsächlich maximale Brachialität und Wirkung erzielen kann (Legacy)

Debutalbum by hard hitting avantgarde quartet featuring Wilco members Nels Cline & Glenn Kotche, plus improv heavyweights Chris Corsano & Darin Gray.

Debutalbum by hard hitting avantgarde quartet featuring Wilco members Nels Cline & Glenn Kotche, plus improv heavyweights Chris Corsano & Darin Gray.

Zweimal jährlich, wenn die Sonne direkt über dem Äquator steht, sind Tag und Nacht fast gleich lang. Sofia degli Alessandri-Hultquist, alias Drum & Lace, fasziniert diese Symmetrie. Ihr neuestes Album 'ONDA', inspiriert von den Wellen des Ozeans, spiegelt ihre musikalische Reise wider, von der Kindheit in Florenz bis zur elektronischen Avantgarde.

'ONDA' vereint Tanzrhythmen und tiefe Bässe, eine Hommage an ihre Zeit in Florenz und ihre Leidenschaft für europäische House-Musik und experimentelle Klänge. Drum & Lace verbindet darauf elektronische Texturen mit natürlichen Aufnahmen und schafft so eine erdverbundene, organische Klangwelt.

Sofia studierte Musiktechnologie an der NYU und wurde u.a. von Größen wie Morton Subotnik inspiriert. Ihre bisherigen Alben 'Natura' (2022) und 'Frost' (2023), sind beide stark von der Natur beeinflusst. In Live-Performances kombiniert sie audiovisuelle Elemente und teilte bereits die Bühne mit Künstlern wie Suzanne Ciani, William Basinski oder Kaitlyn Aurelia Smith.

'ONDA' (Fabrique Records), das sich tief in Tanzrhythmen und die Schönheit des Ozeans vertieft, markiert auch einen neuen musikalischen Weg für Drum & Lace.

- Ltd. LP: (Transparent Vinyl)

Finally, it‘s happening: the „other“ Gerd appears on Running Back. Not counting in his remix for Losoul‘s Open Door and not to be confused with the label owner Gerd Janson. Based in the Netherlands and strongly associated with the Clone complex, Gerd has been releasing countless tracks and records since the dawn of the nineties. A true child of the „techno“ Zeitgeist back then, he is keeper of a dozen monikers, project names and joint ventures that tend to connect the dots between house and techno, functionality and avantgarde electronics. Gerd‘s frame of mind is second to none, when it comes to sound research, inspiration and imagination.
For Running Back he decided to put his own spin on some of the label’s signature dishes.
The opener Dance of Enjoyment is exactly that. Based on a cleared sample from Shakira by Quinton Madlala and imported by early South African kwaito and house, it is exactly that. Life-affirming dance-floor fun or pogo time for piano people.

Let the Music Take Control dials the peak time slightly back to being a party starter with its retrofuturistic speak and spell command and some evergreen breakbeats. An additional DJ tool allows to spread the gospel elsewhere, too.

Speaking of which, the flipside deals with that in the realm of an Italian influenced theme park. Sitting neatly between the disco and the house appendix of “italo“, Change Of Heart and Digital Illusion are sugar frosted and masterful produced versions of a style that might never go out of fashion. Earnest characters might be happy with the included bonus beats on their own. All’s well that ends well: Gerd and Running Back are here to save a party near you!

Yaya Beys neues Album ‘Ten Fold' knüpft an den kraftvollen Doppelschlag ihres 2022er-Albums, „Remember Your North Star“, und der Folge-EP, „Exodus The North Star“, aus dem Jahr 2023 an und ist ein frei gesprochenes und fließendes Selbstporträt, das von unmittelbaren Reflexionen über die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft geprägt ist. „Ten Fold“ ist vollgepackt mit den Nuancen von Yaya Beys Identität und den verschiedenen Facetten ihrer kreativen Bemühungen. Es richtet den Fokus nach innen und meditiert über ihr inneres Wesen, während es gleichzeitig Raum für den Humor und den bissigen sozialen Kommentar schafft, der ein bestimmendes Merkmal ihrer Arbeit ist.
Die als Hadaiyah Bey geborene Yaya Bey begann bereits im Alter von neun Jahren mit dem Schreiben von Songs und trat mit ihrem 2020 erschienenen Album, „Madison Tapes“, als neue Stimme in der Avantgarde der R&B-Storyteller:innen in Erscheinung. Ihre 2022 erschienene LP, „Remember Your North Star“ und die darauf folgende EP, „Exodus The North Star“, wurden vom Spiegel, Stern, Zeit Online, Rolling Stone Deutschland, Jazzthetik, Missy Magazine, Plattentests u.v.m. und im Radio von u.a. Deutschlandfunk Kultur, BR 2, Cosmo, ByteFM, RBB Radioeins und FluxFM sehr positiv aufgenommen, sowie international u.a. von der New York Times, Pitchfork, Rolling Stone, The Guardian, NPR, GQ, Crack Magazine, The Times, Clash ebenfalls hochgelobt.
Kürzlich spielte sie an der Seite von Immanuel Wilkins die Hauptrolle in einer Werbekampagne für die aktuelle Zusammenarbeit von Converse mit der New Yorker Marke AwakeNY. Bevor die in Brooklyn geborene Künstlerin offiziell das Jahr 2023 abschloss, spielte sie eine ausverkaufte Show im New Yorker SOBs für Spotify Stages und krönte damit eine Reihe von Live-Auftritten auf Festivalbühnen rund um den Globus in diesem Jahr, darunter Glastonbury, Pitchfork Festival in Chicago, Roskilde Festival in Dänemark und viele mehr.

Aufbruch in die Grenzbereiche der Musik: Bertrand Chamayou spielt John Cage Schon auf seinem Vorgängeralbum "Letter(s) to Satie" hatte der französische Spitzenpianist Bertrand Chamayou die faszinierende Klangwelt von John Cage erkundet. "Cage2" vertieft diese Erfahrung: Das Frühwerk von Amerikas originellstem Avantgarde-Musiker, komponiert für "präpariertes Klavier", führt in die Grenzbereiche von Musik und Bewegung. Neben einem Pianisten, einer imaginären Tänzerin und einem Klavier befinden sich Schrauben, Gummiteile, Bolzen, Münzen, und im Reisegepäck - Utensilien, die den Charakter des Instruments verändern, erweitern und es wie eine Gruppe von Schlaginstrumenten klingen lässt.

Die Sages Comme Des Sauvages sind nicht die, für die Du sie hälst. Du dachtest, sie seien naiv und nett, aber sie sind anarchistisch und wütend. In der Peripherie angesiedelt, bahnen sie sich ihren Weg zwischen dem Populären und dem Coolen. Ihre Lieder sind ein Gegenmittel gegen die schlechten Nachrichten, ein Versuch, den hohlen Raum wieder zu verzaubern. Ismaël Colombani begann im Alter von 6 Jahren mit dem Geigenspiel und spielte in mehreren Avantgarde-Musikgruppen. Er komponiert auch Musik für die Bühne, vor allem für die Tanzgruppe Peeping Tom. Ava Carrère studierte an den Beaux-Arts, bis sie das Bedürfnis verspürte, einen direkteren Weg zu finden, um die Menschen anzusprechen. In der Welt des Berliner Metakabaretts entdeckte sie, dass sie voll von Liedern war. Kaugummi und LSD sind Beispiele für Serendipität. Das sind Dinge, die man findet, ohne sie zu suchen. Sages Comme Des Sauvages ist ein anderes. Ismaël war nicht dazu bestimmt, Ava zu treffen, so wie griechische Instrumente nicht dazu bestimmt waren, die Musik von La Réunion zu spielen. Als sie ihre Stimmen mischten, entstand ein drittes Wesen, das der Gruppe. Sie fanden Spuren einer Musik, die nicht vollständig vom Kommerz beherrscht wurde, und brachten Instrumente, Freundschaften und die Idee mit, dass die Kreolisierung der Welt verstärkt werden sollte. Sages Comme Des sauvages wurde zu einem Begriff, veröffentlichte zwei Alben, wurde von französischsprachigen Radiosendern wie France Inter und RTBF gespielt und gab Hunderte von Konzerten. Und nun ist es an der Zeit sie zu entdecken.

Turman first came onto the industrial scene in the late 70’s as the ominous ‘other half’ of legendary noise outfit NON. Shortly after recording the classic 1977 single Mode of Infection, Turman went on to pursue his own unique vision as a solo artist. Fusing every possible influence at his disposal while laying his ideas down on self-released cassettes like Flux (1981), Spirals of Everlasting Change (1987), Way Down (1987) and the massive Chapter Eleven cassette box set (1988). After a hiatus Turman resurfaced in 2005 to team up with seminal noise musician Aaron Dilloway. Since then, he has been gradually adding new titled to his already impressive discography.

For this archival release Turman selected 7 tracks that were recorded between 1980 and 1984. A welcome supplement to his library of avantgarde music that was released in the 80s. This album fits in nicely between the early industrial noise, the long-form minimalism of Flux and the rhythmic industrial of Way Down. Focusing on slowly shifting hypnotic loop-based layers of sound, it covers a specific side of Turman. It feels like there’s a direct link to his earliest works but it’s also a precursor to some pieces that were recorded much later. A missing link that finally gives us the opportunity of a complete overview of his early audio work.

All 7 tracks on this album have a connection to the written word in the form of a poem. Scans of the original typewriter poems are included together with collages and drawings from this specific time frame to create an essential and singular piece of art.

Tom Wax & Rico Puestel team up as ROMPAX on this special double vinyl bundle to showcase their unique teamwork and avantgarde Techno sound!

One of the most essential works from Nurse With Wound, coming in an extended luxury 3x picture LP and 2CD edition, with many unreleased, alternative versions and songs.

This album is the sister album to Current 93’s same titled album and it’s a crownjewel for collectors of avantgarde and experimental music.

The original release of Nurse with Wound’s gargantuan “Thunder Perfect Mind” in 1992 coincided with that of Current 93’s homonymous genre-defining album. Legend has it that the gnostic name initially appeared to Steven Stapleton in a dream as the title of Tibet’s then still nameless upcoming album. Both records feature contributions from David Tibet, Colin Potter, Rose McDowall, John Balance of Coil, Alan Trench of Orchis and Joolie Wood amongst others. The title and the partial overlap of the personnel on both albums isn’t quite where the similarities end, both albums have since become undisputed milestones in their respective artists’ oeuvre. At the core of the definitive 2023 Infinite Fog re-release fully overseen by Steven Stapleton are the two original tracks “Cold” – a classic unsettling rhythmic Nurse collage-fest, significantly closer to jittery psychelia than the oft-cited “industrial feel” and the epic “Colder Still”, easily one of the most mind-bending breathtaking NWW compositions up to this point and well beyond. The track soothes ghostly atmosphere and reveals new surprises with every listen, not least of which is a direct link to its sister release from c93 as well as the first appearance of the signature rhythm loop that would mutate and re-emerge on several later tracks. The album also is the first full-length collaboration with genius sound wizard Colin Potter who has since become a ubiquitous sidekick both on Nurse albums as well as in live performances. As a follow-up to what is widely acknowledged as one of the best-loved exercises in drone of the 20th century “Soliloquy for Lilith”, TPM is a much more varied but at least equally rewarding experience. Infinite Fog are beyond pleased to be able to offer a significantly enhanced, remastered and extended 3 LP version for old and new fans alike.

BOTANIST nehmen uns auf ihrem zwölften Album "Paleobotany" auf eine Reise mit, die 70 Millionen Jahre zurück in eine Zeit führt, in der Dinosaurier den Planeten beherrschten und die ersten Wälder zu Kohle wurden. Bevor der apokalyptische Einschlag des Chicxulub-Asteroiden das Zeitalter der Giganten in Flammen untergehen ließ, wuchsen auch viele Pflanzen, deren Artenfamilien auch heute noch Nachkommen haben, zu erstaunlichen Größen heran. "Paleobotany" kommt mit all jenen Markenzeichen daher, die BOTANIST aus der Masse aller Metal-Acts auf diesem Planeten hervorheben. Lyrisch dreht sich bei der Band aus San Francisco, Kalifornien alles um Pflanzen - ein klarer Bruch mit den üblichen Genre-Klischees wie Satan, Drachen und Bier. Ihre Musik ist einerseits deutlich im "Metal" verankert, doch statt 6-saitiger Gitarren verwenden die Amerikaner 110-saitige Hackbretter. Zur Verwirrung aller Traditionalisten statten BOTANIST die perkussiven Saiteninstrumente aus der Folklore mit magnetischen Tonabnehmern aus und verzerren sie mit verschiedenen Mitteln, die von Verstärkern über analoges Tonband bis hin zu digitaler Manipulation reichen. Der daraus resultierende Sound ist ebenso einzigartig wie spektakulär. Die kontinuierliche klangliche Entwicklung von BOTANIST begann an einem hörbar vom nordischen Black Metal geprägten Ausgangspunkt. Die Band entwickelte aber bald einen offeneren, avantgardistischeren Stil, der zu einer wachsenden Komplexität führte. Auf "Paleobotany" haben die Kalifornier einige der verschlungenen progressiven Elemente zugunsten songorientierterer Arrangements wieder abgelegt, die dennoch weiterhin detailreich bleiben und voller Überraschungen stecken. Dies wird dadurch verstärkt, dass das Album vom renommierten schwedischen Produzenten Fredrik Nordström (DIMMU BORGIR, OPETH, AT THE GATES) im Studio Fredman abgemischt wurde. BOTANIST bleiben eine einzigartige Band. "Paleobotany" erweitert die dunkelgrüne Klangpalette ihres Avantgarde-Metal-Sounds zu einem zugänglicheren und dynamischeren Klangerlebnis. Pflanzen bevölkerten schon weit vor den vierbeinige Giganten die Erde - und sie werden immer noch wachsen, wenn die Menschheit längst wieder zu Sternenstaub zerfallen ist. BOTANIST gewinnen ihre musikalische Zukunft, indem sie mit "Paleobotany" Millionen von Jahren in die Vergangenheit reisen!

Seit 2013 arbeitet Douglas Dare im Spannungsfeld zwischen Klassik und Chamber Pop, Folk und Avantgarde-Experimenten immer neue verblüffende Perspektiven heraus - und singt dazu mit einer Ausnahmestimme, die einen regelrecht umhauen kann. So hat er sich im zurückliegenden Jahrzehnt u.a. bereits die Bühne mit Größen wie Nils Frahm, Perfume Genius und Olafur Arnalds geteilt und wurde zudem von David Lynch und Robert Smith von The Cure für die von ihnen kuratierten Festivals nach Manchester (MIF) bzw. London (Meltdown) eingeladen. Mit seinem vierten Album Omni schlägt Douglas nun jedoch ein ganz neues Kapitel auf. Alles klingt nach Aufbruch, alles ist elektrisiert. Vor allem Robert Raths, der Gründer von Erased Tapes, ermutigte Douglas dazu, die angestammten Instrumente hinter sich zu lassen, alles Akustische auszuklammern. So löste er sich auch vom Klavier, mit dem er aufgewachsen war, und beschäftigte sich stattdessen intensiv mit Synthesizern und Drum Machines. Tatsächlich erinnern die neuen Aufnahmen vielfach an das Werk von Arca oder auch die Aufnahmen der verstorbenen SOPHIE - zwei Künstler:innen, für die der künstlerische Ausdruck vor allem ein Akt der Befreiung ist bzw. war. "Wir haben auch zusammen im Studio abgehangen", sagt Douglas über letztere. "Ihre ganze Herangehensweise als Musikerin hat mich extrem beeindruckt." Und doch ist auch Omni durchzogen von jenem intelligenten Storytelling, dem Schwung der Streicher, dem eleganten Kontrastreichtum und den fast schon märchenhaften Stimmungen, die man von Douglas kennt - und die seine künstlerische Handschrift so einzigartig machen. Passiert sonst ja nicht so oft, dass man einen massiven Electro-Banger hört, der auch aus dem Soho der Neunziger stammen könnte, und darüber Vocal-Loops, die von den experimentellen Sounds der US-Pionierin Meredith Monk inspiriert sind. Letzten Endes versucht Douglas mit Omni, all diese unterschiedlichen Facetten seiner Persönlichkeit - Songwriter, Raver, Beobachter, Lover - unter einen Hut zu bringen. Das Ergebnis klingt maximal queer: verführerisch und sexy, lüstern und vollkommen frei vom Korsett binärer Kategorien. "Selbst Matrosen begegnet man auf diesem Album!", sagt Douglas abschließend und muss lachen. "Noch queerer geht"s echt nicht."