In den letzten Jahren hat sich Griechenland als echte Fundgrube speziell für Metalbands entpuppt. Auch Cellar Stone kommen aus Griechenland ( Athen). Mit den beiden Bandgründern Aris Pirris (Vocals, Guitar/ Persona Non Grata) und George Maroulees (Guitar/ Diviner) haben sich 2018 zwei alte Hasen der Musikszene zusammengetan. Mit Akis Rooster (Bass/4Bitten, Band 13) und George Karlis (Drums) war das Line Up komplett. Tolle Hooks, famose Leads, Power und Gefühl, Cellar Stone liefern mächtig ab auf ihrem 2. Abum "Rise & Fall". Beeinflusst von den Rock & Metal Giganten wie Black Sabbath, Led Zeppelin, Thin Lizzy, UFO, Iron Maiden, Metallica, Alice In Chains, sowie den Bands von heute wie Black Stone Cherry, Shinedown, Mastodon und Alter Bridge, setzen Cellar Stone ihr eigenes Statement. Passend dass der Frontmann von Black Stone Cherry, Chris Robertson, zu Gast auf dem Album ist, mit einem feurigen Gitarrensolo auf Track "War We Can Win".Die Covid-Pandemie und die Auswirkungen, die sie auf das Leben der Menschen, insbesondere auf die Musikindustrie, hatte, spiegeln sich auf dem gesamten Album wider. Wie unsicher unser Leben plötzlich wurde, auf globaler Ebene, ist das Hauptthema in der Musik und den Texten. Refrains, die haften bleiben, starke Melodien, ein Pandämonium aus Gitarrenharmonien und massives Gitarrenriffing, 11 brandneue Heavy Rock Tracks die Eindruck hinterlassen.
Wie bringt man eines der populärsten Reggae Alben in ein bayerisches Wirtshaus? Wie klingt eigentlich die perfekte Symbiose von Hopfen und Hanf? Eine Antwort bieten "Kapelle So&So" und "Captain Yossarian" auf ihrem Album "BOB". Sie haben sich der klassischen Bob Marley Hit Sammlung "Legend" verschrieben und huldigen dem wohl populärsten Reggae Album aller Zeiten in einer für jamaikanische Verhältnisse eher ungewöhnlichen Besetzung: Den Bass übernimmt die Tuba, anstatt von E-Gitarre, Orgel und Clavinet erklingen Schrammel Gitarre, Ziach (diatonische Harmonika) und Tenorhorn. Den klassischen dreistimmigen Chor der "I-Threes" bedienen Basstrompete, Flügelhorn und Trompete und Manuel da Coll alias Captain Yossarian sitzt am Schlagzeug (bestehend aus einem alten Lederkoffer). Die Stimme Bob Marley ¦üs übernimmt dabei Song für Song ein anderer illustrer Solist. Zu hören sind u.v.a. Stofferl Well (ex Biermösl Blosn), Thomas Gansch (Mnozil Brass), Stefan Dettl (LaBrassBanda) und Florian Ritt (Folkshilfe).
Die Geschichte von The Boppers begann wie ein Märchen über ein paar Teenager aus Stockholm, die zur falschen Zeit am richtigen Ort waren.
Sie gründeten die Band 1977, als der Punkrock auf der ganzen Welt explodierte, und ihre Interpretation des Doo Wop und Rock n Roll der 50er Jahre hätte nicht unpassender sein können, aber sie weigerten sich, sich anzupassen und machten daraus einen Erfolg.
Ihr Debütalbum 'Number One', das hauptsächlich Coverversionen ihrer 50er-Jahre-Lieblingslieder von Roy Orbison, Dion & Belmonts usw. enthielt, verkaufte sich in Schweden über 450 000 Mal! Eine Empfehlung für Fans von Bands wie Rockpile, Drifters, Darts, Dion, Beach Boys, Chuck Berry, Marcels, Blasters, Stray Cats oder Coasters!
Die mehrfach mit Platin ausgezeichnete Rockband SEETHER veröffentlicht die Deluxe Version ihres achten Studioalbums ”Si Vis Pacem, Para Bellum”, übersetzt ”If You Want Peace, Prepare For War”, eine Mischung aus Euphorie und Elend, zweifellos die wohl stärksten Songs in SEETHERs illustrer Karriere.
”Si Vis Pacem, Para Bellum” wurde von ihrem Sänger Shaun Morgan produziert und von Matt Hyde (Deftones, AFI) in Nashville abgemischt. Das neueste Mitglied der Band, Corey Lowery (Ex-Gitarrist/Sänger
von Saint Ansonia und Stuck Mojo), ein langjähriger Freund von Morgan, ist auf dem Album zu hören.
”Corey has a lot of experience and is an inspiring guitarist as well; he’s the older brother I’ve always wanted”, fügte Morgan hinzu. SEETHER besteht aus dem Bassisten und Gründungsmitglied Dale Stewart und dem Schlagzeuger John Humphrey.
Das Push-Pull-Gefühl auf ”Si Vis Pacem, Para Bellum” ist ebenso dynamisch wie einprägsam, da Morgan die intime Sensibilität eines Singer-Songwriters in schwere Rockgrooves der Band einbringt. Mit Einflüssen wie der dunklen und rohen Ehrlichkeit von Grunges epischer Gitarrenattacke und dem südafrikanischen Underground-Punk und Metal, ist SEETHER’s klangliches Gebräu unverwechselbar und zeitlos.
Sechstes Album der norwegischen Kultband. Oliver und Svein Kersbergen zaubern einen neuen Mix aus Drones und Soundscapes mit wunderschönen Melodien. Mit dabei, eine sehr ungewöhnliche Zusammenstellung an Gästen: Kjetil Manheim (Mayhem, Order, Big Robot), Sandy Dedrick von der 60s Sunshine-Pop-Band Free Design sowie Mark Refoy von Spacemen 3 und Spiritualized.
Für Fans von Fans von Vintage, verträumtem Pop und Kraut.
Yellow Vinyl-Version in streng limitierter Auflage!
Nach den Split-EP´s (unter anderem mit Spider Crew oder den großartigen Day Drinker) erscheint das erste Album der italienischen Streetcore / Oi Spezialisten! Druckvolle Härte, rotzige Mittelfinger-Attitüde und eine perfekte Mischung aus rough´n tough Oi-Shoutern, fetten Gitarren und peitschenden Drums mit ein bisschen oldschool NYHC-Anleihen, vielen Versatzstücken des klassischen UK-Streetpunks....dabei aber immer mit fetten Chorals und Bombast-Refrains versetzt ist "Stand your Ground" ein richtig großartiges Debüt-Album geworden. Sei es der grandiose Opener "No Restraints", oder "the flame still burns" oder die United-Hymne "Streetcore Worldwide" (den auch Agnostic Front hätten schreiben können)…. die Italiener haben ihre Hausausgaben gemacht, singen ausschließlich in Englisch und geben einen Scheiss auf Befindlichkeiten in ihren Texten. "Back to the Wall" und "They will never get us" ist keine aufgesetzte Attitüde, dies ist "the real Deal"! Für Fans von Lion´s Law, Last Resort, Hatebreed oder Agnostic Front eine sichere Bank.
1975 wurde das zweite Album der Berliner Elektronikgruppe MYTHOS veröffentlicht. Das jetzt vorliegende Album ist eine brandneue Produktion und die Neuveröffentlichung auf dem Label Kosmische Kuriere seit über 40 Jahren. Mastermind Stephan Kaske und seine Band präsentieren die typischen Klangkaskaden und Sequenzen der Berliner Schule.
Poltergeist has that strange power of attraction that these personalities with their icy, mysterious aura hold. As soon as Ari Girard (aka Poltergeist) appears, something happens, he catches the light and strikes the spirits.
Kämpfer LP is a ghost story where Poltergeist invites Joy Division, New Order, Talking Heads, The Cure, Can, Kraftwerk, Nine Inch Nails or Jeff Mills for its first album. At the Poltergeist banquet, the crows of cold wave and the barbarians of krautrock, the metallers of indus rock and the freaks of techno meet.
The epicentre is Berlin, the Wall, Lou Reed's Gotham, the Bowie/Eno trilogy and the toxic nights of underground clubs...
Kämpfer LP, Poltergeist's first album, reveals its dark and disturbing universe. Marked by a heavy, deep and majestic atmosphere, this project evokes, without ever saying it openly, the climatic urgency, the ineluctable destiny, the human obsession to be first, to leave a trace of its passage and the nightmares which agitate the nocturnal spirits.
Between frenetic synths, bewitching waves and marked foot, this implacable album marks the beginning of the Poltergeist era.
Scratching synths, a dark and heavy universe: we can understand Vitalic's crush, who decided to sign the project at the first listening on his label Clivage Music.
out of Stock
Last delivered 4 years ago available to reorder, subject to availability
Experimenteller, spiritueller Jazz vom renommierten Multiinstrumentalisten Thomas Bergsten auf dem renommierten, norwegischen Label Apollon Records. Das Album entstand in einer zweitägigen Session in Taakeheimen Lydrike. Thomas Bergsten hatte eine Riege vertrauenswürdiger Musiker eingeladen, plus eine "Wild Card", sprich einen Überraschungs-Gast den nur einer von ihnen zuvor getroffen hatte. Der Plan war, einige lange Improvisationsstücke kombiniert mit kompositorischen Elementen zu spielen, und die Aufnahmen im wahren 'Tago Mago' / 'Bitches Brew'-Geist zu bearbeiten. Das Ergebnis waren fast 8 Stunden Aufnahmen, und sogar Teile vom Drum-Soundcheck landeten auf dieser Platte.
Für Fans von Sun Ra Arkestra, Miles Davis, Archie Schepp.
2003 gegründet, gehört das Trio zur festen Institution der Extreme Metal Szene. Und immer gilt: so brutal wie möglich; so gnadenlos hart wie nur möglich. Das neue 12 Song Album "Mountain Fleshriders" bietet alles was brutalen Death Metal ausmacht.
wieder lieferbar 1983 kam es zur dritten Zusammenarbeit von Dieter Moebius (Cluster) und der Produzentenlegende Conny Plank. Für "Zero Set" holten sie sich als rhythmische Verstärkung einen der besten deutschen Schlagzeuger: Mani Neumeier von Guru Guru. Ihn hatte Moebius bereits als Drummer bei Liveauftritten von Harmonia (Moebius, Roedelius, Rother) und bei deren Aufnahme ihres zweiten Albums ("De Luxe") kennen- und schätzengelernt. Der Produzent Conny Plank steht hier zu Recht gleichberechtigt neben den Musikern. Plank spielt nicht nur mit den Möglichkeiten der Klangbearbeitung, er sorgt für Brillanz und Plastizität. Neumeier spielt mit der Präzision und Ausdauer einer Rhythmusmaschine, nur eben viel lebendiger und erfindungsreicher. Und Moebius schließlich erzeugt auf seinen Apparaten bizarrste Klangereignisse. Auf "Zero Set" fließt die Musik ebenso leicht wie kraftvoll. Das Trio bedient sich völlig unsentimental der Technik, benutzt sie als leistungsfähiges Werkzeug zur Verwirklichung seiner musikalischen Vision. Der Begleittext stammt von Asmus Tietchens.
Ursprünglich 2005 auf Dream Theaters YtseJam Records veröffentlicht, zollen Dream Theater mit dieser einzigartigen Performance erneut einigen ihrer historischen Musik-Ikonen Tribut. 'The Number of the Beast' ist Dream Theaters Interpretation des klassischen Albums der legendären britischen Heavy-Metaller Iron Maiden. Dieser einzigartige Auftritt aus dem Jahr 2002 vor einem französischen Publikum im La Mutualite in Paris ist die einzige verfügbare Aufnahme dieses einmaligen historischen Ereignisses, das für immer in der YtseJam-Sammlung bewahrt wurde und nun zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl und Streaming-Diensten erhältlich ist. 'The Number of the Beast', ein viel beachteter Auftritt aus dem Katalog von Dream Theater, ist eine unverzichtbare Live-Veröffentlichung in der wachsenden Lost Not Forgotten Archives-Reihe, die in ihrer Gesamtheit aufgeführt wird.
Coming 40 years after he first started performing in bands in his native North West of England, Butterfly Mind is the most surprising release yet from Tim Bowness. From the short, sharp shocks of Always The Stranger and Only A Fool to the long-form ambition of the sensuous Dark Nevada Dream, the cinematic Electro-Ballroom of Glitter Fades and the dystopian paranoia of Say Your Goodbyes Parts 1 and 2, Butterfly Mind delivers a thrilling fusion of Art Rock invention, Post-Punk energy and epic soulful ballads. Tim’s seventh solo album features the stellar rhythm section of Richard Jupp (in his first major session since leaving Elbow) and Nick Beggs alongside a spectacular guest list including Ian Anderson (Jethro Tull), Dave Formula (Magazine), Peter Hammill (Van Der Graaf Generator), Martha Goddard (The Hushtones), Gregory Spawton (Big Big Train), Mark Tranmer (The Montgolfier Brothers / GNAC), Saro Cosentino (Franco Battiato), Italian Jazz musician Nicola Alesini, US singer Devon Dunaway (Ganga), Stephen W Tayler (Kate Bush) and, marking his first studio work with Tim for nearly three decades, former No-Man violinist Ben Coleman. Produced by Tim Bowness and Brian Hulse (Plenty), the album was mixed and mastered by Steven Wilson. Available as Limited 2CD Edition (featuring alternate mixes and bonus material), and a Limited 180g LP + CD edition featuring special die-cut artwork by Carl Glover. Also available as Digital Album.
While Sass Jordan is celebrated as a multi-platinum selling premiere rock
singer, her 2020 album, Rebel Moon Blues, demonstrated that she sings
the blues with as much power and authenticity as she personified in the
rock world
Following up on the rave reviews garnered by Rebel Moon Blues, Sass continues
to mine her talent as a blues singer with 8 new tracks on Bitches Blues, on Stony
Plain Records.Reflecting on the impact the past two years has had on us all, Sass
has recorded songs that examine the visceral emotional territory of a pandemic,
and the multiple conflicts that the world is reeling from in the aftermath. "Still
Alive and Well' is Sass's triumphant take on a Rick Derringer song that leads off
the album. Her original song, "Still The World Goes Round" marks the mid-point
with a look at power structures, both within and without, while another new
creation" Change Is Coming" ends the collection with a trance- like chant that
offers an uplifting perspective.
As we have come to expect from Sass, the album features fierce guitar licks,
driving tempo's, the raw and soulful Sass Jordan rasp, and a glorious assortment
of rambling road dogs, known as the Champagne Hookers. This particular
collection of Hookers includes longtime associates and rebel rouser guitarists
Chris Caddell and Jimmy Reid, drummer Cass Pereira, keyboardist Jesse O'Brien
and the magnificent Mr. Steve Marriner on bass and harmonica.
Netherlands tour in June 2022.
"Séparée" ist Umses erstes Projekt, bei dem er sich neben den lyrics auch für alle Beats verantwortlich zeichnet.
Wie bei seinen Vorgänger-releases handelt es sich hier um klassischen, zeitlosen Boom Bap und True School Rap. Hier treffen penibel ausgesuchte Samples sowie satte Drums und Bässe auf Umses gewohnten laid-back Flow und seine selbstreflektierenden, strukturierten lyrics.
Nach dem Kollabo-Album mit Beatmaker-Legende Nottz und den zuvor erschienenen Alben mit Tag-Team Partner Deckah, kommt hier also ein Projekt um die Ecke, das Umses Schaffen von einer weiteren Seite präsentiert und seine Leidenschaft und seinen Geschmack in voller Gänze abbildet.
Umse konnte sich hier außerdem einen weiteren Traum erfüllen: Mit US-Rapper Masta Ace ist eines seiner Vorbilder und eine seiner größten Inspirationen auf der Platte vertreten.
out of Stock
Last delivered 4 years ago available to reorder, subject to availability
Numbers will release ‘Clear’, the debut album by FFT, on 24th June 2022.The result of three years of focused writing and programming by the London-based producer, ‘Clear’ is deeply psychedelic, defined by a mature sense of melody and structures crafted at a monumental scale.
Though FFT has previously released a handful of tracks under various names, it wasn’t until 2017’s ‘FFT1’ EP on theUncertainty Principle label that his production talents began to fuse into a distinct and personal style, especially evident in FFT’s‘Regional/Loss’ EP on The Trilogy Tapes in 2019, multiple releases on Bruk Records and2021’s ‘Disturb Roqe,’also released on Numbers.Through it all, FFT has mastered a complex sense of mood catalyzed by sound itself: He builds patches and presets from scratch, and feels these synths and software have their own objectives and reactions, creating a kind of compositional feedback loop.The result is an album that brings to mind a collision of electronic pioneers like Delia Derbyshire and Bernard Parmegiani, 2000’s braindance, the Max-imized wares of an OPN or Objekt and the rough rhythmatics of SND or Mika Vainio
The layering of sonic elements and intentions is starkly audible across these nine tracks.They can be seismically concussive and grandiose, but granular and fluid - echoing the Icelandic volcanic eruption that features in the artwork photography byGeorge Cowan. ‘Clear (Eight-Circuit Mix)’sets a euphoric tone immediately accelerated by the jagged sounds and vocal textures of ‘Redeemer’. ‘3 Sided’ channels hyper-urbanity from its almost entirely analogue palette, and by contrast ‘Disturb Roqe 2’is bracingly digital, gyrating in random cycles between clustered percussion, metallic splinters of audio and artificial vocal tics.
Opening side two, ‘You’ve Changed’ adheres to a more abrasive core, while ‘Heal’ and ‘Heal (Alt Mix)’evolved out of linked pieces in FFT’s live sets that grew into complete tracks in the months before Covid-19.The significant intensity of ‘Heal’ in particular was refined during strobe-heavy live performances and is the album at its most turbulent, the claustrophobia interrupted by dazzling arpeggios.The overall impact of 'Clear' is cinematic and precise, marking the arrival of an impressive electronic musician who is not new but has come into his own as a fully developed artist
out of Stock
Last delivered 3 years ago available to reorder, subject to availability
“I’m closing a chapter in my life,” Barbie Bertisch says to me from a park bench in Greenpoint, “I spent the last four years working towards gaining confidence around my ideas and my creative perspective. This feels like a culmination of that process” The “this,” in question is Bertisch’s debut record Prelude, a collection of eleven songs that chronicle 5 years of Bertisch’s life. The legendary musician Anna Domino describes the record best: “Prelude is a record of layers and depths. The melting phases and soaring distances.”
Raised in Buenos Aires and Miami, Bertisch has called New York home for most of her adult life. When she started piecing together Prelude, she was in her Brooklyn kitchen. It was early quarantine. Stuck at home instead of DJing at clubs, she found the space to parse through the archives. What she previously considered unworthy of attention in the era of distractions, finally made sense as a whole once all the noise was turned down. Compiling a list of songs in various states of completion, Bertisch dreamed up an album, a chronicle in growth and healing frustrations of the past, an honest account of someone trying to find her own voice. That in and of itself was a journey. It took years for Bertisch to accept that she was an artist. “I felt like I was surrounded by men who ruled every space. I constantly felt like I had to ask permission to enter, always around bands but never the girl in the band” she says.
Prelude is an introspective record. It explores all of the valences of being and feeling. Some songs are chaotic and choppy. Others are soft and searching. There is rage and innocence, and moments of forced stillness, like capturing the aftermath of panic attacks, as in “After The Storm”. Bertisch also focuses on rhythm, bass guitar being her main instrument, and no stranger to the power of the beat. The record also draws on influences as varied as Kaitlyn Aurelia Smith, Cocteau Twins, Berlin School, and pioneering producer François Kevorkian. Both sonically and conceptually, Prelude is a portrait of who Bertisch is as a person.“Is This What You Wanted?” is fiery, a pointed provocation to domineering figures from her past. It’s full of strobing, strident synths, and heady lines of bass. It gives off the same vibe as a fire alarm, as a big room dance track that subverts your expectations of what it means to dance in a sea of bodies. “28,” the record’s opening track is more peaceful. It’s all languid keyboard arpeggios with the occasional flourish of a cascading synth effect.
Since most of the songs already existed in some form or another, Bertisch’s job on Prelude was to refine and reimagine music that had previously been private. She spent time rearranging, rewriting, adding elements newly available to her, such as the saxophone, and pushing the limits of the rough mixes to mold the universe she envisioned. Along the way, Bertisch grew more excited about her abilities as a musician. The resulting record is one that is inherently confident.
He may not have known it before, but Toronto-born, New York-based
guitarist Matthew Stevens, prized for his forceful, distinctive electric
sound was an ideal candidate to make an album fully devoted to solo
acoustic guitar: the intimate, unadorned, straightforwardly titled
'Pittsburgh'
September 2020, Stevens was hunkering down in his wife's family's hometown of
Pittsburgh, while navigating his way through the crisis. He had with him a vintage
Martin 00-17, a small- body mahogany guitar. Practicing daily on the Martin, he
began generating a series of short song "starts" - ideas and sketches he thought
might lead somewhere. Then one rainy Pittsburgh day, Stevens' bike slid out from
under him and he broke his right elbow. Rather than getting derailed musically, he
became immersed in a creative process that led straight to 'Pittsburgh': a
document of those short song "starts" from the notebook, now hatched as
completed compositions. "Playing this music became a big part of my rehab,"
Stevens recalls.
As the album took shape, it became clear to Stevens that he was headed in the
direction of a wholly unaccompanied recital, with no overdubs or sound layering
of any kind. Just him and this special Martin, two Neumann U89 mics and enough
peace of mind across two separate sessions to make 'Pittsburgh' the triumph that
it is.
In addition to his extensive high-profile work with Esperanza Spalding (serving as
co- producer on 'Exposure' and '12 Little Spells'), Stevens is also a member,
songwriter and co-producer of Terri Lyne Carrington's GRAMMY-nominated Social
Science band. He has made vital contributions to groups led by Dave Douglas,
Linda May Han Oh, Christian Scott aTunde Adjuah, Ben Williams and more. With
tenor saxophonist Walter Smith III he co-leads the In Common collective. Stevens
has also amassed many credits beyond the jazz world, collaborating on
forthcoming releases by Anna B Savage, Jamila Woods, Tyler Armes
(Murdagang) and Berlin-based electronic artist Robag Wruhme.
”Sometimes, Forever” - das dritte Album von Soccer Mommy erscheint am 24.06. und beweist Sophie
Allison endgültig als einer der talentiertesten Songwriterinnen der Rockmusik unserer Zeit. Mit cleveren
Anspielungen auf Synthie-Subgenres wie New Wave und Gothic erweitert die heute 24-Jährige die Grenzen
ihrer Ästhetik. ”Sometimes, Forever” ist eine faszinierende Sammlung, die sowohl von der Vergangenheit
als auch von der Gegenwart geprägt ist und damit das gewagteste und ästhetisch abenteuerlichste Werk
von Soccer Mommy. Das Album lebt von widersprüchlichen Kräften: Verlangen und Apathie, Ekstase
und Elend, Gut und Böse, Selbstbeherrschung und Wildheit. Unverblümte Liebeslieder reiben sich an viel
düstererer Kost mit makabre Bildern, die selbst die fröhlichsten Passagen heimsuchen. Aber da es ihr heute
besser geht als zu der Zeit, als sie die Lieder schrieb, hat sie keine Probleme damit, in den Momenten des
unkomplizierten Glücks zu schwelgen, die neben der Dunkelheit existieren. Sie sagt: ”Ich wollte nicht etwas
super Deprimierendes ohne jeden Sinn für Magie machen”. Der Album-Titel bezieht sich auf die Idee, dass
sowohl gute als auch schlechte Gefühle zyklisch sind. ”Kummer und Leere gehen vorbei, aber sie kommen
immer wieder - genauso wie die Freude”, sagt Allison. ”Irgendwann ist man gezwungen zu sagen: Ich muss
einfach beides nehmen.”
Produziert wurde der neue Longplayer von Daniel Lopatin aka Oneohtrix Point Never.
Nika Roza Danilova, die Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die seit 2009 unter ihrem Künstlernamen ZOLA JESUS veröffentlicht, hat eine Stimme, die die Faszien der Realität durchschneidet und den rohen Nerv der Erfahrung trifft. Auf früheren Alben hat ZOLA JESUS weitgehend die Rolle der Autorin und Alleinherrscherin gespielt und jeden Aspekt des Sounds und des Aussehens ihres Projekts akribisch für sich ausgearbeitet. Diesmal erkannte sie jedoch, dass ihr gewohntes Bedürfnis nach Kontrolle sie von ihrer Kunst abschnitt. Als die Frustration darüber, dass sie nicht in der Lage war, etwas zu erschaffen, unerträglich wurde, bat sie zum ersten Mal in der Geschichte von ZOLA JESUS um externen Input. "At some point, I had to work with other people. I needed new blood. I needed somebody else." Sie schickte ihre Demos an den Produzenten Randall Dunn, der für seine Arbeit mit Sunn O))) und an Johann Johannssons Filmmusik für "Mandy" bekannt geworden ist. Außerdem begann sie, mit dem Schlagzeuger und Perkussionisten Matt Chamberlain zusammenzuarbeiten, der bereits an Alben von FIONA APPLE, BOB DYLAN und DAVID BOWIE mitgewirkt hat. In ihrem kreativen Prozess begann Danilova, eine Beziehung mit dem Unbekannten aufzubauen...
Nika Roza Danilova, die Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die seit 2009 unter ihrem Künstlernamen ZOLA JESUS veröffentlicht, hat eine Stimme, die die Faszien der Realität durchschneidet und den rohen Nerv der Erfahrung trifft. Auf früheren Alben hat ZOLA JESUS weitgehend die Rolle der Autorin und Alleinherrscherin gespielt und jeden Aspekt des Sounds und des Aussehens ihres Projekts akribisch für sich ausgearbeitet. Diesmal erkannte sie jedoch, dass ihr gewohntes Bedürfnis nach Kontrolle sie von ihrer Kunst abschnitt. Als die Frustration darüber, dass sie nicht in der Lage war, etwas zu erschaffen, unerträglich wurde, bat sie zum ersten Mal in der Geschichte von ZOLA JESUS um externen Input. "At some point, I had to work with other people. I needed new blood. I needed somebody else." Sie schickte ihre Demos an den Produzenten Randall Dunn, der für seine Arbeit mit Sunn O))) und an Johann Johannssons Filmmusik für "Mandy" bekannt geworden ist. Außerdem begann sie, mit dem Schlagzeuger und Perkussionisten Matt Chamberlain zusammenzuarbeiten, der bereits an Alben von FIONA APPLE, BOB DYLAN und DAVID BOWIE mitgewirkt hat. In ihrem kreativen Prozess begann Danilova, eine Beziehung mit dem Unbekannten aufzubauen...
Nika Roza Danilova, die Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die seit 2009 unter ihrem Künstlernamen ZOLA JESUS veröffentlicht, hat eine Stimme, die die Faszien der Realität durchschneidet und den rohen Nerv der Erfahrung trifft. Auf früheren Alben hat ZOLA JESUS weitgehend die Rolle der Autorin und Alleinherrscherin gespielt und jeden Aspekt des Sounds und des Aussehens ihres Projekts akribisch für sich ausgearbeitet. Diesmal erkannte sie jedoch, dass ihr gewohntes Bedürfnis nach Kontrolle sie von ihrer Kunst abschnitt. Als die Frustration darüber, dass sie nicht in der Lage war, etwas zu erschaffen, unerträglich wurde, bat sie zum ersten Mal in der Geschichte von ZOLA JESUS um externen Input. "At some point, I had to work with other people. I needed new blood. I needed somebody else." Sie schickte ihre Demos an den Produzenten Randall Dunn, der für seine Arbeit mit Sunn O))) und an Johann Johannssons Filmmusik für "Mandy" bekannt geworden ist. Außerdem begann sie, mit dem Schlagzeuger und Perkussionisten Matt Chamberlain zusammenzuarbeiten, der bereits an Alben von FIONA APPLE, BOB DYLAN und DAVID BOWIE mitgewirkt hat. In ihrem kreativen Prozess begann Danilova, eine Beziehung mit dem Unbekannten aufzubauen...
Nika Roza Danilova, die Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die seit 2009 unter ihrem Künstlernamen ZOLA JESUS veröffentlicht, hat eine Stimme, die die Faszien der Realität durchschneidet und den rohen Nerv der Erfahrung trifft. Auf früheren Alben hat ZOLA JESUS weitgehend die Rolle der Autorin und Alleinherrscherin gespielt und jeden Aspekt des Sounds und des Aussehens ihres Projekts akribisch für sich ausgearbeitet. Diesmal erkannte sie jedoch, dass ihr gewohntes Bedürfnis nach Kontrolle sie von ihrer Kunst abschnitt. Als die Frustration darüber, dass sie nicht in der Lage war, etwas zu erschaffen, unerträglich wurde, bat sie zum ersten Mal in der Geschichte von ZOLA JESUS um externen Input. "At some point, I had to work with other people. I needed new blood. I needed somebody else." Sie schickte ihre Demos an den Produzenten Randall Dunn, der für seine Arbeit mit Sunn O))) und an Johann Johannssons Filmmusik für "Mandy" bekannt geworden ist. Außerdem begann sie, mit dem Schlagzeuger und Perkussionisten Matt Chamberlain zusammenzuarbeiten, der bereits an Alben von FIONA APPLE, BOB DYLAN und DAVID BOWIE mitgewirkt hat. In ihrem kreativen Prozess begann Danilova, eine Beziehung mit dem Unbekannten aufzubauen...
Der musikalische Werdegang der japanischen Gesangskünstlerin Hatis Noit begann einst unter ganz besonderen Vorzeichen. Nun mündet diese Reise in die Veröffentlichung ihres ersten Longplayers. Das acht Stücke umfassende Debüt ist die perfekte Eintrittskarte in ihre unvergleichliche Klangwelt. Genau genommen begann die Reise mit einem Initiationserlebnis , einem musikalischen Erweckungsmoment im zarten Alter von 16 Jahren, als die Japanerin gerade pilgernd zu Buddhas Geburtsstätte in Neapel unterwegs war. Sie hatte die Nacht in einem Frauentempel verbracht und vernahm am nächsten Morgen den Sologesang einer buddhistischen Nonne: Das Jenseitige in diesen Gesängen berührte sie so sehr, dass ihr schlagartig die unvergleichbare Kraft der menschlichen Stimme bewusst wurde. Was sie da hörte, war ein wirklich ursprüngliches, auf uralten Instinkten basierendes Instrument, das uns unweigerlich mit dem Kern des Menschseins, unserer Umwelt und unserem Universum verbindet. Ab diesem Moment wusste sie, dass das Singen ihre Berufung ist. Der Albumtitel Aura ist vom Werk des Philosophen Walter Benjamin inspiriert, der darin die Essenz der Kunst erkannte, da für ihn die Aura eines Werks unter anderem durch Echtheit und Einmaligkeit geprägt war. Hatis teilt diese Auffassung, denn sie musste feststellen, dass sie "während der Pandemie wirklich sehr zu kämpfen" hatte. "Als Sängerin bin ich einfach nicht besonders gut darin, am Computer zu arbeiten. Ich ziehe Live-Auftritte in wirklichen Räumen vor. Mit anderen Menschen zusammen zu sein, denselben Raum mit ihnen zu teilen und die einzigartige Energie und Atmosphäre des jeweiligen Moments zu spüren - das ist etwas, das mich immer wieder inspiriert. Für mich bedeutet Kunst tatsächlich genau das: dieser geteilte Augenblick."
Der musikalische Werdegang der japanischen Gesangskünstlerin Hatis Noit begann einst unter ganz besonderen Vorzeichen. Nun mündet diese Reise in die Veröffentlichung ihres ersten Longplayers. Das acht Stücke umfassende Debüt ist die perfekte Eintrittskarte in ihre unvergleichliche Klangwelt. Genau genommen begann die Reise mit einem Initiationserlebnis , einem musikalischen Erweckungsmoment im zarten Alter von 16 Jahren, als die Japanerin gerade pilgernd zu Buddhas Geburtsstätte in Neapel unterwegs war. Sie hatte die Nacht in einem Frauentempel verbracht und vernahm am nächsten Morgen den Sologesang einer buddhistischen Nonne: Das Jenseitige in diesen Gesängen berührte sie so sehr, dass ihr schlagartig die unvergleichbare Kraft der menschlichen Stimme bewusst wurde. Was sie da hörte, war ein wirklich ursprüngliches, auf uralten Instinkten basierendes Instrument, das uns unweigerlich mit dem Kern des Menschseins, unserer Umwelt und unserem Universum verbindet. Ab diesem Moment wusste sie, dass das Singen ihre Berufung ist. Der Albumtitel Aura ist vom Werk des Philosophen Walter Benjamin inspiriert, der darin die Essenz der Kunst erkannte, da für ihn die Aura eines Werks unter anderem durch Echtheit und Einmaligkeit geprägt war. Hatis teilt diese Auffassung, denn sie musste feststellen, dass sie "während der Pandemie wirklich sehr zu kämpfen" hatte. "Als Sängerin bin ich einfach nicht besonders gut darin, am Computer zu arbeiten. Ich ziehe Live-Auftritte in wirklichen Räumen vor. Mit anderen Menschen zusammen zu sein, denselben Raum mit ihnen zu teilen und die einzigartige Energie und Atmosphäre des jeweiligen Moments zu spüren - das ist etwas, das mich immer wieder inspiriert. Für mich bedeutet Kunst tatsächlich genau das: dieser geteilte Augenblick."
Der 23-jährige Londoner David Omoregie ist ein Ausnahmetalent. Unter dem Künstlernamen Dave legt
sich der britische Rapper in seinen Songs mit Premierminister:innen an, spricht über Rassismus, soziale Ungleichheit und das nicht universelle Erleben von Schwarzsein. Heute erscheint sein zweites Album ”We‘re
All Alone In This Together”, das laut der englischen GQ ”meist erwartete britische Rap-Nachfolgealbum
aller Zeiten”.
Das Cover zu ”We´re All Alone In This Together” ist eine Neuinterpretation von Claude Monets ”Impression, Soleil Levant”, ein Ölgemälde des französischen Malers aus dem Jahr 1872, das sich als namensgebend
für die Bewegung des Impressionismus herausstellen sollte. Auf den Albumtitel ”We´re All Alone In This
Together” brachte ihn der deutsche Filmkomponist Hans Zimmer während eines gemeinsamen Videochats.
Beide steuerten im letzten Jahr die Musik für eine Episode von Sir David Attenboroughs ”Planet Earth”
bei. Natürlich bezieht sich der Titel auch auf die vergangenen anderthalb Jahre während der Pandemie.
Musikalisch ist ”We´re All Alone In This Together” abwechslungsreich in Tempo und Inhalt, so rappt
Dave beschwingt mit Stormzy auf der ersten Single Auskoppelung ”Clash” über Konsum und was dieser
mit einem anstellt, holt sich für seinen nächsten Sommer Hit WizKid ins Boot. Weitere Features wie James
Blake, Boj & Snool Aalegra dürften auch nicht enttäuschen.
”We´re All Alone In This Together” könnte das wichtigste britische Musikalbum des Jahres werden.
Der 23-jährige Londoner David Omoregie ist ein Ausnahmetalent. Unter dem Künstlernamen Dave legt
sich der britische Rapper in seinen Songs mit Premierminister:innen an, spricht über Rassismus, soziale Ungleichheit und das nicht universelle Erleben von Schwarzsein. Heute erscheint sein zweites Album ”We‘re
All Alone In This Together”, das laut der englischen GQ ”meist erwartete britische Rap-Nachfolgealbum
aller Zeiten”.
Das Cover zu ”We´re All Alone In This Together” ist eine Neuinterpretation von Claude Monets ”Impression, Soleil Levant”, ein Ölgemälde des französischen Malers aus dem Jahr 1872, das sich als namensgebend
für die Bewegung des Impressionismus herausstellen sollte. Auf den Albumtitel ”We´re All Alone In This
Together” brachte ihn der deutsche Filmkomponist Hans Zimmer während eines gemeinsamen Videochats.
Beide steuerten im letzten Jahr die Musik für eine Episode von Sir David Attenboroughs ”Planet Earth”
bei. Natürlich bezieht sich der Titel auch auf die vergangenen anderthalb Jahre während der Pandemie.
Musikalisch ist ”We´re All Alone In This Together” abwechslungsreich in Tempo und Inhalt, so rappt
Dave beschwingt mit Stormzy auf der ersten Single Auskoppelung ”Clash” über Konsum und was dieser
mit einem anstellt, holt sich für seinen nächsten Sommer Hit WizKid ins Boot. Weitere Features wie James
Blake, Boj & Snool Aalegra dürften auch nicht enttäuschen.
”We´re All Alone In This Together” könnte das wichtigste britische Musikalbum des Jahres werden.
Entrails umfasst den Death Metal-Sound der frühen 90er Jahre in einem absolut kriminellen Ausmaß!
Dieses Album hat den klassischen schwedischen Stil des Death Metal der frühen 90er Jahre. Es ist sehr stark an die alten Entombed und Dismember angelehnt, aber sie haben ihren eigenen Sound. Die Riffs sind frisch und tödlich, ebenso wie die Energie, die diese Veröffentlichung umgibt.
Das musikalische Können ist unübertrefflich und es ist großartig, dass der schwedische Death Metal-Sound in Bands wie Entrails lebendig geblieben ist. Die Musik ist geradezu brutal, der Gesang und die Gitarrenriffs sind explosiv. Wir würden es wagen zu sagen, dass dies eine Top-Veröffentlichung für das Jahr 2011 ist.
Für eine Band, die fast 20 Jahre lang im Dornröschenschlaf lag, sind sie ziemlich stark zurückgekommen und haben einige der Wurzeln des alten Landes mitgebracht. Ist dieser Sound bereits nahezu perfekt umgesetzt worden? Ja, aber man könnte Entrails eine kleine Gnadenfrist gewähren, denn im Ernst, sie sind einfach wahnsinnig schwer und schrecklich brutal von Anfang bis Ende. Man kann sehen, wo Bands wie Bloodbath diesen elitären Sound gefunden haben. Die Produktion ist von erstklassiger Qualität und jede Note wird entsprechend geschreddert. Diese Jungs kennen ihren Death Metal.
Er gründete die Band im Oktober 1982 gemeinsam mit Schlagzeuger Vinny Appice, nachdem beide ihre Band Black Sabbath verlassen hatten. Ergänzt wurde die Band durch den irischen Gitarristen Vivian Campbell (Sweet Savage) und Bassist Jimmy Bain (Rainbow, Wild Horses). Im Mai 2010 verstarb Ronnie James Dio. Dies war der Grund für die Auflösung der Band. 1994 war für DIO eines der erfolgreichsten Live-Jahre. Am 10.Juli 1994 absolvierte die Band ein grandioses Konzert in den USA, welches vom US-Radiosender FSW-5 mitgeschnitten und nun freigegeben wurde. Diese strikt limitierte
Schallplatte enthält alle großen Hits und Alltime-Klassiker der US-Rock-Gruppe und kann als zeitliches Dokument angesehen werden.
Nach dem Erfolg seines Debüt-Albums „Kid Krow“ (2020), veröffentlicht Conan Gray jetzt sein zweites
Studioalbum „Superache“. Der 23-Jährige gilt mittlerweile als eine der interessantesten Stimmen der
amerikanischen Gen-Z Pop-Kultur.
Fans können sich auf einiges gefasst machen. Conan selbst sagt über sein neues Album: „‘Kid Krow‘ was
just the introduction“. Mit „Superache“ beginnt für Conan ein neues Kapitel seiner Karriere, hier möchte
er jetzt all das sagen, dass er sich vorher nicht getraut hat.
Einen Vorgeschmack lieferte schon seine Single „Memories“, die das Thema des Albums gut einfängt. Conan sagt: „(The Album is) just about that ache of being young and sometimes dramatic about the way that
you deal with pain and heartbreak and mourning.” Zusätzlich zu seinem neuen Album, können Fans seine
ausgefallenen Bühnenoutfits jetzt auch weltweit live bestaunen. Conan ist 2022 auf Welttournee, 4 Konzerte davon sind in Deutschland. Neben der digitalen Variante gibt es das Album als CD und Vinyl zu kaufen
Mit ,Happy Hour" reift HOLLIE COOK endgültig zur Königin des modernen ,Lovers Rock", dem opulenten wie harmoniebetonten Reggae-Stil, der in Großbritannien seit den 1970er Jahren beliebt ist. Als Teenagerin tourte sie mit den Punk-Legenden THE SLITS (auf deren EP ,Revenge Of The Killer Slits" sie 2006 mitsang) und entfachte so die wilde Seite ihrer liebenswürdigen Persönlichkeit. HOLLIEs Mentorin war Ari Up, die inzwischen verstorbene Leadsängerin der legendären Punk-Formation und eine lebenslange Freundin von COOKs prominenten Eltern. Sie ist die Tochter des Sex Pistols-Schlagzeugers Paul Cook und der Culture Club-Sängerin Jeni Cook (ihr Patenonkel ist Boy George!). ,My father always said I would be a singer. But I discovered lovers rock on my own. I heard it on pirate radio and with friends, and I was bewildered, enchanted," erinnert sich COOK. "The Slits are the reason I have pursued this career. I was surrounded by powerful women at a young age, and when my time came, I was never fazed by male dominance. They were my wall of courage." Auf diesen kämpferischen Fundament ist HOLLIEs Liebe zur Musik entstanden. Ihre gefühlvolle Direktheit auf ,Happy Hour" ist so nachvollziehbar wie authentisch. ,I can't get away from it" sagt sie. ,Making this music that I love, I do turn deep inside myself. It makes me explore a lot of human truths and feelings that we should not shy away from, and it feels like a release to turn them into songs."
Schwedischer Death Metal seit 1990, möge die HM-2 mit dir sein!
Obwohl Entrails in den frühen 90er Jahren gegründet wurde und somit zur "First Wave of Old School Swedish Death Metal" gehörte, wurden sie im Jahr 2008 wiederbelebt, um in den folgenden Jahren zu emblematischen Mitglied dessen zu werden, was man mit Recht als "New Wave of Old School Swedish Death Metal" bezeichnen kann.
Die Aufnahmen der Band überzeugten schon immer durch Kraft und Atmosphäre, aber es gibt immer Raum für Verbesserungen, oder? "An Eternal Time of Decay" markiert jedoch eine willkommene Abwechslung, denn es stellt einen dringend benötigten Neustart dar, mit ausgefeilteren und originellen Songs, die auch eine ausgewogene Technizität beinhalten, ohne dabei die old-schoolness zu verlieren. Entrails scheinen sich einfach nicht um die neumodischen Wege zu kümmern, die sie gehen. Sie lieben ihr geliebtes Genre und versuchen einfach, es zu ehren; hey, wenn es nicht kaputt ist, warum es reparieren, oder? Diese Musik ist unverkennbar Old School, ganz im Sinne von Bands wie Grave und Dismember, und auch mehr als 30 Jahre nach diesen Bands, gelingt es Entrails, einen sehr rohen Geist für dieses Genre und diese Melodien zu bewahren. Fans des "Stockholm-Sounds" werden sofort die wunderbar horrenden
Töne des Boss HM-2-Pedals wiedererkennen, das jede Note in reinen Klangbrei verwandelt... und wir Fans beschweren uns nicht, wenn wir es als solches bezeichnen. Irgendetwas an diesem Ableger des skandinavischen Metals ist so schön hässlich, und diese Band trifft es genau.
Mit diesem Album ist es Entrails endlich gelungen, ihren eigenen Stil zu finden, indem sie die Horrorfilm-Riffs, die ihre Songs durchdringen, vermischen und gleichzeitig viel von dem retten, worum es geht: eine düstere Atmosphäre mit punkigem Schlagzeugspiel und melodischen Riffs, die gut mit einem respektablen Maß an technischer Komplexität gemischt sind. Dies ist eines der besten schwedischen Death- und Death Metal-Alben, die man je gehört hat. Das allgemeine Arrangement und die Platzierung der Songs sind angemessen und es fühlt sich zusammenhängend an.
Das schwedische Quartett UNLEASHED gehört schon seit Ewigkeiten zu einer der agilsten und gleichzeitig
besten Bands der weltweiten Death Metal-Szene. Keine andere Band haut in regelmäßigen Abständen
so unberechenbare Todesblei-Longplayer unters Volk, und versteht es dabei, sich von Album zu Album
zu steigern. Hammer Battalion aus dem Jahr 2009 war ein weiterer Geniestreich aus dem Hause UNLEASHED und steht hochkarätigen Vorgängern in nichts nach. Noch heute gehört dieser Kracher zu
den besten Longplayern der Schweden-Combo. UNLEASHED liefern haargenau das ab, was die Fans von
ihnen erwarten. Hier gibt es reihenweise Elchtod-Granaten am Fließband !!! Gradlinige Songs wie ”Midsummer solstice” , ”Home of the brave”, ”Entering the hall of slain” oder ”Warriors of midgard” stehen
in allerbester Stockholm-Tradition, und lassen dabei andere Death Metal Bands locker im Regen stehen.
Hammer Battalion gibt es nun als LP in strikt limitierter Auflage!
Das zweite Album der US Thrasher ATROPHY erstmals seit 1990 erhältlich als limitierter Vinyl LP Re-release!
Im Vergleich zum Debütalbum der Band, bietet "Violent By Nature" eine gewisse musikalische Weiterentwicklung, wobei das Material ein größeres Bewusstsein für Melodien und einen etwas weniger extremen Ansatz aufweist.
Das zweite Album der US Thrasher ATROPHY erstmals seit 1990 erhältlich als limitierter Vinyl LP Re-release!
Im Vergleich zum Debütalbum der Band, bietet "Violent By Nature" eine gewisse musikalische Weiterentwicklung, wobei das Material ein größeres Bewusstsein für Melodien und einen etwas weniger extremen Ansatz aufweist.
Das zweite Album der US Thrasher ATROPHY erstmals seit 1990 erhältlich als limitierter Vinyl LP Re-release!
Im Vergleich zum Debütalbum der Band, bietet "Violent By Nature" eine gewisse musikalische Weiterentwicklung, wobei das Material ein größeres Bewusstsein für Melodien und einen etwas weniger extremen Ansatz aufweist.
Mit „Deathrider“ erscheint das 2. Album der rheinischen Hard Rocker von 2006 nun endlich auch auf limitiertem Vinyl feat. den Live Granaten „Destroyer“ „Legion of Rock“ & „The Howling“ - Vollgas Rock bis der Auspuff Knallt!
Ltd. Auflage 500
Tracklist: Side A 1. Legion Of Rock 2. Destroyer 3. 10 Feet Underground 4. Deathrider 5. Distortion Sleep 6. The Howling Side B 7. The Undertaken 8. Hellmachine 9. Invisible Man 10. Black Fuel Domination 11. Death Hammer Overload 12. The Evil
Mit „Deathrider“ erscheint das 2. Album der rheinischen Hard Rocker von 2006 nun endlich auch auf limitiertem Vinyl feat. den Live Granaten „Destroyer“ „Legion of Rock“ & „The Howling“ - Vollgas Rock bis der Auspuff Knallt!
Ltd. Auflage 500
Tracklist: Side A 1. Legion Of Rock 2. Destroyer 3. 10 Feet Underground 4. Deathrider 5. Distortion Sleep 6. The Howling Side B 7. The Undertaken 8. Hellmachine 9. Invisible Man 10. Black Fuel Domination 11. Death Hammer Overload 12. The Evil
