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Weiß-blaues Halstuch, das Dorf im Rücken, die große Bühne vor der Brust: TREAM hat in den vergangenen Jahren aus einer Welt, die lange eher nach Bierzelt, A-Klasse-Fußball und letzter Zigarette am
Weiher klang, eines der eigenständigsten Erfolgsmodelle der deutschen Poplandschaft gebaut. Der 27-
Jährige aus Büchelkühn bei Schwandorf verbindet HipHop, Pop und modernen Schlager zu einem Sound,
der genauso drückt wie er mitsingtauglich ist, genauso größenwahnsinnig wie bodenständig und genauso
laut wie herzlich. Oder, wie TREAM selbst es sagt: »Meine Musik klingt nach Leben«. Genau das ist auch
die Überschrift über seinem neuen Album »STAMMTISCHPAROLEN«.
Dass TREAM längst mehr ist als ein Phänomen mit Kultstatus, zeigt sein Weg der letzten Jahre ziemlich
eindeutig. Nach der restlos ausverkauften »Biergarnitour 2024«, einer Arena-Tour 2025 mit über 130.000
verkauften Tickets und drei Abenden hintereinander in der Münchner Olympiahalle geht es im Sommer
2026 auf die nächste Stufe: die erste große Open-Air-Tour. Dazu kommt in diesem Jahr seine Teilnahme
bei »Sing meinen Song – Das Tauschkonzert«. Das alles wirkt bei TREAM nicht wie der glattgebügelte
Aufstieg eines Künstlers, der sich für den Mainstream passend gemacht hat, sondern eher wie das konsequente Durchziehen einer eigenen Vision.
Genau deshalb passt auch der Albumtitel so gut. »STAMMTISCHPAROLEN« ist nicht politisch gemeint,
sondern ein selbstbewusstes Etikett für 15 Songs, die TREAMs eigenes Lebensgefühl bündeln: Provokation,
Herz, Heimweg, Heimweh, Abriss, Eskalation, Freundschaft, Sehnsucht und ein Humor, der nur funktioniert, wenn einer weiß, wo er herkommt. Das Album spielt mit bayerischen Bildern, ohne darin stecken zu
bleiben, und macht aus Klischees Gegenwart.
Schon der Opener »BAYERN GO HIGH (INTRO)« macht klar, dass hier niemand langsam anlaufen will:
808s drücken, Hörner dröhnen, irgendwo zwischen US-Rap-Sound und bayerischer Folklore wird sofort der
Claim abgesteckt. »DIE KENN ICH NICHT« zieht als vergnügter Spießrutenlauf weiter, »SAUNAKONTAKT« erzählt mit Uptempo-Beats den Wahnsinn einer Begegnung, und »HASENJAGD« liefert eine
Hymne, die klingt, als würde die Nacht schon beim Intro eskalieren.
Auch in den Kollabos zeigt sich die Erweiterung seiner Welt: »EISENBAHN« mit Bausa, »APRES SKI«
mit Gzuz oder »K2« feat. Blümchen verbinden scheinbar Gegensätzliches und funktionieren genau deshalb.
Dass »STAMMTISCHPAROLEN« mehr kann als Abriss, zeigen die ruhigeren Momente: »WUNSCH FREI«
erzählt von den Schattenseiten eines Lebens, das von außen nach Dauerparty aussieht, »99 LUFTBALLONS« ist ein Lovesong, während »PSYCHO« und »ALLERLETZTE FAHRT« die Platte in eine nachden-klichere Richtung ziehen.
Gerade darin liegt die Stärke des Albums: Es macht aus Bayern kein Postkartenmotiv und aus TREAM
keine Kunstfigur, sondern zeigt einen Künstler, der Wirtshaus, Wahnsinn und Weltoffenheit gleichzeitig
denken kann – laut, liebevoll, verletzlich und provokant.

"SABLE, fABLE" ist das fünfte Album des Projekts von Justin Vernon und enthält eine Liebesgeschichte, die mit üppiger, strahlender Popmusik unterlegt ist. Während das Album mit der verletzlichen Entlastung der im vorangegangenen Herbst erschienenen "SABLE," EP beginnt, geht das Triptychon nahtlos in eine neue, neunsongige Saga über, in der aus einer Person zwei werden, Dunkelheit sich in lachsfarbene Schönheit verwandelt und Traurigkeit in unbändige Freude umschlägt. Während SABLE eine karge und einsame Abrechnung mit einem Schmerz ist, der lange die Vergangenheit bestimmte, blickt fABLE in eine lebendige Zukunft voller Licht, Sinn und Möglichkeiten. "SABLE, fABLE" wurde von Justin Vernon und Jim-E Stack produziert und hauptsächlich in Vernons April Base in Wisconsin aufgenommen, nachdem das Studio während einer Renovierung jahrelang still lag. Das Konzept für das Album entstand am 22.2.22, als Stack mit Danielle Haim dort eintraf. Mehrere Tage lang eingeschneit, vereinten sich Vernons und Haims Stimmen auf "If Only I Could Wait", einem Duett mit entscheidender Perspektive, in dem es darum geht, dass man nicht die Kraft hat, die beste Version von sich selbst außerhalb des Glühens einer neuen Liebe zu sein. Wenn SABLE der Prolog war, ein Prolog in der Dunkelheit, eine kontrollierte Verbrennung, die den Weg für neue Möglichkeiten ebnet, dann ist fABLE das Buch, das folgt. Wo SABLE, ein Werk der Einsamkeit war, ist fABLE eine ausgestreckte Hand. Strahlende, verschnörkelte Popmusik umspielt Vernons Stimme, während er sich auf eine neue und schöne Ära konzentriert. Bei jedem Lied sind seine Augen auf eine bestimmte Person gerichtet. Es ist Liebe, was bedeutet, dass in fABLE eine intensive Klarheit, Konzentration und Ehrlichkeit herrscht. Es ist das Porträt eines Mannes, der von dieser ersten Begegnung überflutet und überwältigt ist ("Everything Is Peaceful Love"). Es ist ein Tableau, das von Sex und unbändigem Verlangen geprägt ist ("Walk Home"). Ein Mann, voller Licht und Tatendrang, der eine ganze Zukunft vor sich sieht. Verliebtheit hat etwas unbestreitbar Heilendes an sich, und die intensive Klarheit, Konzentration, Ehrlichkeit und Feierlichkeit, die sie in diese Songs bringt. Doch der Schatten von SABLE liegt noch immer in der Luft, und alte Gefühle können zurückkehren, selbst wenn man sich die Mühe gemacht hat, neu anzufangen. Wie in einer Fabel vermittelt jeder Track eine Lektion, und in fABLE geht es um den selbstlosen Rhythmus, der erforderlich ist, wenn man mit einer anderen Person verstrickt ist. Der vorletzte Song - und im weiteren Sinne das ganze Album - ist ein Versprechen. Er ist bereit, diesen Rhythmus zu finden.

aja monet ist eine surrealistische Blues-Dichterin, Musikerin und Bandleaderin, deren Werk fließend zwischen Poesie, Musik und politischem Ausdruck wechselt. Aus der Spoken-Word-Szene der Lower East Side in New York City hervorgegangen, wurde sie die jüngste Gewinnerin des Nuyorican Grand Slam Poetry-Titels, bevor sie ihr Schaffen auf genreübergreifende musikalische Darbietungen ausweitete, die ihre Wurzeln im Jazz, Blues und experimentellen Sound haben. Ihr Debüt-Poetry-Album ,when the poems do what they do" wurde 2024 für einen Grammy Award in der Kategorie ,Best Spoken Word Poetry Album" nominiert und etablierte Monetas als einzigartige Stimme in der zeitgenössischen schwarzen Musik- und Performance-Szene. Das Projekt verbindet Poesie mit Live-Instrumentierung und Improvisation und erkundet Themen wie Widerstand, Liebe und Freude durch einen kollaborativen, ensembleorientierten Ansatz. Als tourende Bandleaderin ist sie weltweit bei großen Festivals und in bedeutenden Veranstaltungsorten aufgetreten, darunter das Newport Jazz Festival, das North Sea Jazz Festival, das Montreal Jazz Festival, das Guggenheim, das Lincoln Center, das Barbican Centre und die Fremantle Biennale. Neben ihrer musikalischen Arbeit ist monet eine gefeierte Dichterin und Autorin. Ihr erster vollständiger Gedichtband, ,my mother was a freedom fighter" (2017), wurde für den NAACP Image Award in der Kategorie Poesie nominiert. Ihr jüngstes Buch, ,florida water", erschienen bei Haymarket Books, schöpft aus mehreren Jahren des Lebens und der Organisationsarbeit in Südflorida und setzt ihre Auseinandersetzung mit Ort, Bewegung und kollektivem Gedächtnis fort. Zu ihren Auszeichnungen zählen der Marjory Stoneman Douglas Award für Poesie, der Nelson Mandela Changemaker Award, der Harry Belafonte Voices for Social Justice Award, der EBONY 100 Artist in Residence Award sowie der Malcolm X & Dr. Betty Shabazz Vanguard Award. Zudem ist sie künstlerische Kreativdirektorin von V-Day, der globalen Bewegung zur Beendigung von Gewalt gegen Frauen und Mädchen, und Schöpferin von VOICES, einem Hörspiel aus dem Jahr 2022, das die Geschichten schwarzer Frauen in der Diaspora und auf dem afrikanischen Kontinent in den Vordergrund rückt. aja monet's zweites Studioalbum, ,the color of rain", wird im Mai 2026 bei drink sum wtr erscheinen.

Seit über 30 Jahren ist Simon Joyner eine Ausnahmeerscheinung - ein vollkommen unabhängiger Künstler, der sich ganz auf sein Handwerk konzentriert. Der in Omaha lebende Singer-Songwriter veröffentlichte Anfang der 90er Jahre erstmals Musik und ist seitdem seinem Weg treu geblieben. Joyners Songs voller stiller Freude und Herzschmerz haben verschiedene Generationen von Künstlerkollegen geprägt und zeigen sich als offensichtlicher Einfluss bei Acts wie Bright Eyes oder Kevin Morby sowie als Anklänge gemeinsamer Perspektiven bei den nachfolgenden Lenkers, Oldhams und Molinas. "Tough Love", Joyners 19. Studioalbum, setzt diesen Aufwärtstrend fort. Obwohl es untrennbar mit der persönlichen Trauer von "Coyote Butterfly" aus dem Jahr 2024 verbunden ist - dem autobiografischen Album, das Joyner nach dem Tod seines Sohnes aufgenommen hat - erforscht dieses neue Album das Konzept der ,tough love" als Dichotomie, die auf verschiedene fiktive Beziehungen angewendet wird, darunter romantische, familiäre und politische. Dieser Balanceakt zeigt sich in lebhaften Schilderungen alltäglicher Herzensschmerzen und in der Auseinandersetzung mit politischer Wut und dem Verrat am amerikanischen Traum. Eines der Wunder von Joyners Werk ist, dass sich seine Muster nicht wiederholen, sondern wandeln. Anspielungen auf Cohen, Dylan und die Velvets sind seit den frühen Lo-Fi-Tagen Teil seines Songwritings, doch die Art und Weise, wie diese Vorbilder einfließen, verändert sich ständig. Während Joyners raue Akustiksongs im Rampenlicht stehen, werden sie von E-Gitarren angestachelt und sind von experimentellen Tendenzen durchdrungen. Die Rocksongs bilden einen Mittelweg zwischen minimalistischen Grooves, die von Velvet Underground der Loaded-Ära übernommen wurden, und der ekstatischen rhythmischen Verrücktheit von Can. Wenn wir beim vorletzten Track, ,Anniversary Song", angelangt sind, haben die geisterhaften Vocals und die Scratches des mikrotonalen Synthesizers die Grenzen zwischen Joyners Folk-Sänger-Herz und seinem Avantgarde-Geist verwischt. All das mündet in den 20-minütigen Titeltrack, der "Tough Love" abschließt - ein erschütternder Sturz in einen scheinbar bodenlosen Abgrund aus Reue, Überlebensschuld und unverblümter Trauer. Er leiht sich eine repetitive Struktur aus Lou Reeds erzählter Suite ,Street Hassle" und kombiniert sie mit dem seitenfüllenden Zeugnis von Dylans ,Sad-eyed Lady of the Lowlands", Joyner erzählt dazu aus der Perspektive seines verstorbenen Sohnes, der zu seinem Vater spricht, all seine Fehler darlegt und schonungslos hervorhebt, dass nichts davon rückgängig gemacht werden kann. Bald jedoch öffnet sich diese Qual zu etwas Transzendentem, sowohl in ihrer eleganten Bildsprache als auch in ihrer ätherischen Atmosphäre. Die letzten Momente des Albums gewähren die Erlaubnis zur Selbstvergebung und hoffentlich eines Tages auch zum Verständnis. Dieses kathartische Ende bringt all die verworrenen Gefühle, die sich durch "Tough Love" ziehen, auf den Punkt. So wie Joyner das Songwriting aus ungewöhnlichen Blickwinkeln angegangen ist, die sich jedes Mal ändern, wenn er zur Gitarre greift, um ein neues Album aufzunehmen, so verändert sich auch auf "Tough Love" seine Beziehung zu Trauer, den alltäglichen Kämpfen und dem ewigen Streben nach etwas Besserem.

Ein authentischer Geschichtenerzähler der heutigen Indie-Rock-Szene ist der in Tampa geborene und in New Orleans lebende Singer/Songwriter Thomas Dollbaum, und ,Birds of Paradise" ist sein bisher kraftvollstes und dynamischstes Werk. Nach seinen von Kritikern hochgelobten Alben "Wellswood" (Big Legal Mess, 2022) und "Drive All Night EP" (Dear Life Records, 2025) ist "Birds of Paradise" ein Abschiedsbrief an verlorene Liebste und sein früheres Ich. In diesen Songs sucht Dollbaum nach Akzeptanz an vergänglichen Zwischenorten: in den Kiefernwäldern Floridas, auf Nebenstraßen, die zur 1-95 führen, wo Vögel über das Wasser fliegen. Und obwohl die Geister seiner Alt-Country-Vorgänger Townes und Molina definitiv präsent sind, tritt Dollbaum auf Birds of Paradise aus ihrem Schatten heraus - er winkt der Vergangenheit zu und klingt dabei umso mehr wie er selbst. Dieser Moment - dieses Album - ist längst überfällig. Die Aufnahmen zu Dollbaums beiden vorherigen Veröffentlichungen hatten aufgrund von Umständen, die außerhalb seiner Kontrolle lagen, viel zu lange gedauert, was ihn frustriert zurückließ. Nachdem er acht Jahre lang von zu Hause weg war, war der Ort, den er verlassen hatte, nicht mehr der Ort, an den er sich erinnerte, und die Unveränderlichkeit der Natur fühlte sich wie eine Konstante an, über die er schreiben wollte. Mit einem Gefühl der Unmittelbarkeit schrieb er ,Birds of Paradise" in drei Monaten. Er rief die Musiker an, denen er am meisten vertraute und die er am meisten bewunderte - Nick Corson, Josh Halper und Jake Lenderman - und bat sie, sich mit ihm bei Dial Back Sound in Water Valley, Mississippi, mit dem Produzenten/Toningenieur Clay Jones zu treffen. Sie lernten das Album in vier Tagen ein und nahmen es auf, wobei sie einen Blitz in einer Flasche einfingen, eine klangliche Offenbarung, auf die Dollbaums Songwriting schon immer gewartet hatte. Mit der Hilfe von Lenderman, Halper, Corson und Jones ist ,Birds of Paradise" Dollbaums hart erkämpfter Durchbruch. Lebendig und nachhallend wie Gedichte und Kurzgeschichten, die man nicht vergessen kann: Kojoten heulen, Vögel fliegen nach Süden, Kinder jagen Kaninchen durch das Zuckerrohr und Zigaretten kosten vier Dollar pro Packung. Birds of Paradise erinnert uns daran, woher wir kommen - an die Dinge in uns, die wir vergessen haben - wir brauchten nur Dollbaum, um uns das zu zeigen. So blickt man ohne Angst oder Scham zurück. So sieht Authentizität aus.

Presse: Eclipsed Interview, Jazzthing, Folker, OX, TAZ World Music, Bad Alchemy, Westzeit, Stadtrevue, Saarbrücker Zeitung, TIP Berlin, Zitty Konzert Tipp, Musikexpress, Choices, Journal Frankfurt, Süddeutsche Zeitung, FAZ, ...

Radio: WDR Cosmo, ByteFM Tour presentation, DLF Kultur Tonart Interview, BR 2 Nachtmix & Kulturwelt, DLF Corso, DLR Kultur Tonart, Radioeins Planet Fruit and other shows, BR 2 Zündfunk, NDR Info Nachtclub Radio Globo and Domingo, Radio Bremen Nordwestradio Sounds, SR 2 Voyages, NDR Kultur Neo, WDR 3 tba, HR 2 Hörbar, MDR Kultur, RBB kulturradio Musik der Kontinente, ByteFM, M94,5 Transglobal Express, Radio Querfunk Orsinos Lied, Oldenburg 1, Radio Dreyeckland, Freies Radio Stuttgart, Radio Darmstadt, tide Radio, Radio Corax, bermudafunk, Radio X, Radio Lora....


Türkischer Folk-Psych-Rock aus Amsterdam der brennt und funkt und treibt und unwiderstehlich außergewöhnlich ist. Wenn türkische Folk-Music Psych-Rock und Elektro-Pop trifft entstehen Altin Gün. Mit ihrem außergewöhnlichen Spagat zwischen scheinbar komplett unterschiedlichen Stilen gelingt dieser Band, die türkisch klingt, von deren sechs Mitglieder aber nur eines in der Türkei geboren wurde, etwas wirklich Außergewöhnliches. Als türkischen Psych Folk bezeichnen sich diese Niederländer selbst, und betonen, dass sie ihre Musik im Kern als Folk verstehen, freilich ein solcher, dem man die tiefe Liebe zur Musik der funkigen 60er und 70er anmerkt. Sehr groovig, elektrisch und voll explosiver psychedelischer Strukturen kommen die türkischen Stücke daher. Lieder, die zum Teil schon unzählige Male gehört und interpretiert wurden, die zur musikalischen Vergangenheit der Türkei gehören, ihr Erbe sind, aber völlig neu klingen. Bandgründer und Bassist von Altin Gün, Jasper Verhulst, betont, wie wichtig das identitätsstiftende Potential der Lieder ist, dass man diesem aber etwas Einzigartiges hinzufügen wollte, was die Hörer innehalten lässt. "Die Lieder stammen aus einer langen Tradition. Das ist Musik, die versucht, eine Stimme für Viele zu sein. (... Und dann) brauchen wir etwas, das die Leute dazu bringt zuzuhören, als wäre es das erste Mal." Der Sound von Altin Gün klingt gleichermaßen traditionell wie vollständig zeitgenössisch und zeigt auf fast schon märchenhafte Art und Weise, dass Musik ein kulturell durchlässiges, experimentelles Medium ist, in dem uns immer wieder wunderschöne Überraschungen begegnen. Mit "Gece", ihrem zweiten Album, hat sich die Band nun endgültig als unverzichtbarer Interpret des anatolischen Rock- und Folk-Erbes etabliert und ist eine absolut unverwechselbare Stimme in der aufstrebenden globalen Psych-Rock-Szene geworden.

Wer sich Drunks Debütalbum ,A Derby Spiritual" aus dem Jahr 1996 noch einmal anhört, wird feststellen, dass es charmanter, sanfter und - wenn ich das so sagen darf - farbenfroher ist, als es sein stoischer Slow-Core-Ruf aus den 90ern vermuten lässt. Und man könnte sogar bemerken, dass Rick Alversons Stimme einen bisher ungeahnten, von Niederlagen gezeichneten Tom-Petty-Singsang aufweist. Der Sound der Band aus Richmond ist zweifellos zurückhaltend, knarrend und karg. Doch die Jahrzehnte haben diesem alten, traurigen Kerl einen wärmenden bernsteinfarbenen Schimmer verliehen. Das Black-Hole-Radio-Stück am Ende des atemberaubenden Openers ,Collarbone" scheint das Kommen von ,Yankee Hotel Foxtrot" vorherzusagen. Und hier in der seltsamen Gegenwart könnten Stücke wie ,Germany Skies", ,Gideon's Trumpet" und ,Gizmo" nahtlos in den heutigen Indie-Country-Boom eingefügt werden. Der seltsame Walzer aus Akkordeon und Geige in Stücken wie ,Indeliberate Matrimony" und ,Coming Home" klingt - wage ich es noch einmal zu sagen - wie Mellencamp aus der ,The Lonesome Jubilee"-Ära am Boden eines Fasses Schnaps. Alversons Lyrik schwankt zwischen dem hoffnungsvollen Nihilismus seines zeitgenössischen Songwriter- und Dichterkollegen aus Virginia, David Berman, und dem tiefgründigen Post-Beat-Minimalismus von Robert Creeley. Ich schwöre, wenn er in dem hoch-und-einsamen, von der Mundharmonika getragenen ,Window Sill" seufzt: ,I feel willy-nill/I pissed upon your window sill", klingt das im Lenderman'schen Sinne des Wortes verdammt romantisch. Im Rahmen des 30-jährigen Jubiläums von Jagjaguwar wird ,A Derby Spiritual", Jags zweite Veröffentlichung überhaupt, zum ersten Mal auf Vinyl gepresst. Ein drei Jahrzehnte langes Unrecht wird endlich wiedergutgemacht. Tatsächlich erscheinen im Rahmen der Feierlichkeiten zum 30-jährigen Jubiläum des Labels eine Handvoll dieser frühen Veröffentlichungen aus der Charlottesville-Ära von Jagjaguwar auf Vinyl.

GER NOFX waren sauer (sind es möglicherweise immer noch) und wollten uns das wissen lassen! Ursprünglich 1999 veröffentlicht, war "The Decline" ein mutiges Werk und markierte einen großen Wendepunkt für NOFX. Der Song, der weithin als eines ihrer Meisterwerke gilt, ist ein 18-minütiges Punkrock-Spektakel, das die Entertainmentqualitäten, den lyrischen Witz und die Musikalität der besten Punkrockband aller Zeiten richtig zur Geltung bringt. Der Song, der den Zustand Amerikas satirisch darstellt und die gleichgültigen Massen und Politiker gleichermaßen aufs Korn nimmt, ist auch im Jahr 2026 natürlich leider noch aktuell und kritisiert somit weiterhin die Mächtigen auf eine Weise, zu der nur wenige Künstler den Mut haben. Die Vinyl-Single enthält auf der B-Seite die erste Version von "Clams Have Feelings Too" (das später auf dem Album "Pump Up The Valuum" wieder auftauchte) und ist ein Muss für jeden NOFX-Fan. Erneut auf schwarzem Vinyl wieder da und und limitiert in neuem farbigem Vinyl. Inklusive Beilage mit Texten und Bildern. NOFX were pissed off (possibly still are) and they wanted to let us know! Originally released in 1999,The Decline, was a brave release and marked a huge turning point for NOFX. Widely regarded as their magnum opus, the song is an 18-minute punk rock spectacle that showcases the showmanship, lyrical wit, and musicality of the best punk rock band of all time. Satirizing the state of America and skewering the indifferent masses & politicians alike, the song is eerily relevant in 2026 and continues to critique the powers that be in a way few artists have the courage to do. The vinyl adds first version of "Clams Have Feelings Too" (later resurfacing on the Pump Up The Valuum album) on the flip, the 12" is an essential release for any NOFX fan. Back on black and colored vinyl (ltd), includes insert with lyrics and pics.

Falls Sie Lowertown - die faszinierende Band bestehend aus Olivia Osby und Avsha Weinberg - noch nicht kennen, ist jetzt der ideale Zeitpunkt dafür dies zu ändern. Es hat einige Jahre gedauert, bis das in New York ansässige Duo wieder zu Atem gekommen ist: Nachdem die Band aufgrund von Streitigkeiten mit ihrem Label, kreativen Frustrationen und einer ungesunden Bindung an ihre künstlerische Partnerschaft jahrelang am Rande des Zusammenbruchs stand, war es Zeit für einen Neuanfang. Ihr neues Album ,Ugly Duckling Union" beginnt mit einem gelassenen Ausatmen von Osby, einem symbolischen Moment, der die Bühne für ihre bisher nachdenklichste, ungehemmteste, eingängigste und exzentrischste Sammlung von Songs bereitet. ,Ugly Duckling Union" ist ein Konzeptalbum, das auf den eigenen Erfahrungen der Band basiert, durch ihre Musik eine Gemeinschaft zu schaffen. Der Protagonist Dale und seine Gefährten schließen sich zusammen, um LBH zu besiegen, ein tyrannisches Medienunternehmen, das in seinem Streben nach Kontrolle auf Spaltung und Isolation setzt. Das Album enthält ein Handbuch mit Überlieferungen und illustrierten Comics von Doctor Nowhere (Silias Orion). Darüber hinaus können Fans mit Plüschpuppen und einer spielbaren Minecraft-Welt, die von ,Ugly Duckling Union" inspiriert ist, noch tiefer in die Materie eintauchen. Inspiriert von der konzeptionellen Kreativität von Bands wie Gorillaz und der Betonung des gemeinschaftlichen Konzerterlebnisses von Fugazi, verbindet Lowertown Online- und Offline-Fandoms zu einem umfassenden Erlebnis.,Ugly Duckling Union" wurde vollständig von Osby und Weinberg geschrieben, aufgenommen, produziert und gemischt. Obwohl Lowertown die alleinigen Hüter ihrer Kunst sind, ist der Titel ihres neuen Albums eine Hommage an die bedeutungsvolle Gemeinschaft, die sie aufgebaut haben.

Falls Sie Lowertown - die faszinierende Band bestehend aus Olivia Osby und Avsha Weinberg - noch nicht kennen, ist jetzt der ideale Zeitpunkt dafür dies zu ändern. Es hat einige Jahre gedauert, bis das in New York ansässige Duo wieder zu Atem gekommen ist: Nachdem die Band aufgrund von Streitigkeiten mit ihrem Label, kreativen Frustrationen und einer ungesunden Bindung an ihre künstlerische Partnerschaft jahrelang am Rande des Zusammenbruchs stand, war es Zeit für einen Neuanfang. Ihr neues Album ,Ugly Duckling Union" beginnt mit einem gelassenen Ausatmen von Osby, einem symbolischen Moment, der die Bühne für ihre bisher nachdenklichste, ungehemmteste, eingängigste und exzentrischste Sammlung von Songs bereitet. ,Ugly Duckling Union" ist ein Konzeptalbum, das auf den eigenen Erfahrungen der Band basiert, durch ihre Musik eine Gemeinschaft zu schaffen. Der Protagonist Dale und seine Gefährten schließen sich zusammen, um LBH zu besiegen, ein tyrannisches Medienunternehmen, das in seinem Streben nach Kontrolle auf Spaltung und Isolation setzt. Das Album enthält ein Handbuch mit Überlieferungen und illustrierten Comics von Doctor Nowhere (Silias Orion). Darüber hinaus können Fans mit Plüschpuppen und einer spielbaren Minecraft-Welt, die von ,Ugly Duckling Union" inspiriert ist, noch tiefer in die Materie eintauchen. Inspiriert von der konzeptionellen Kreativität von Bands wie Gorillaz und der Betonung des gemeinschaftlichen Konzerterlebnisses von Fugazi, verbindet Lowertown Online- und Offline-Fandoms zu einem umfassenden Erlebnis.,Ugly Duckling Union" wurde vollständig von Osby und Weinberg geschrieben, aufgenommen, produziert und gemischt. Obwohl Lowertown die alleinigen Hüter ihrer Kunst sind, ist der Titel ihres neuen Albums eine Hommage an die bedeutungsvolle Gemeinschaft, die sie aufgebaut haben.

Falls Sie Lowertown - die faszinierende Band bestehend aus Olivia Osby und Avsha Weinberg - noch nicht kennen, ist jetzt der ideale Zeitpunkt dafür dies zu ändern. Es hat einige Jahre gedauert, bis das in New York ansässige Duo wieder zu Atem gekommen ist: Nachdem die Band aufgrund von Streitigkeiten mit ihrem Label, kreativen Frustrationen und einer ungesunden Bindung an ihre künstlerische Partnerschaft jahrelang am Rande des Zusammenbruchs stand, war es Zeit für einen Neuanfang. Ihr neues Album ,Ugly Duckling Union" beginnt mit einem gelassenen Ausatmen von Osby, einem symbolischen Moment, der die Bühne für ihre bisher nachdenklichste, ungehemmteste, eingängigste und exzentrischste Sammlung von Songs bereitet. ,Ugly Duckling Union" ist ein Konzeptalbum, das auf den eigenen Erfahrungen der Band basiert, durch ihre Musik eine Gemeinschaft zu schaffen. Der Protagonist Dale und seine Gefährten schließen sich zusammen, um LBH zu besiegen, ein tyrannisches Medienunternehmen, das in seinem Streben nach Kontrolle auf Spaltung und Isolation setzt. Das Album enthält ein Handbuch mit Überlieferungen und illustrierten Comics von Doctor Nowhere (Silias Orion). Darüber hinaus können Fans mit Plüschpuppen und einer spielbaren Minecraft-Welt, die von ,Ugly Duckling Union" inspiriert ist, noch tiefer in die Materie eintauchen. Inspiriert von der konzeptionellen Kreativität von Bands wie Gorillaz und der Betonung des gemeinschaftlichen Konzerterlebnisses von Fugazi, verbindet Lowertown Online- und Offline-Fandoms zu einem umfassenden Erlebnis.,Ugly Duckling Union" wurde vollständig von Osby und Weinberg geschrieben, aufgenommen, produziert und gemischt. Obwohl Lowertown die alleinigen Hüter ihrer Kunst sind, ist der Titel ihres neuen Albums eine Hommage an die bedeutungsvolle Gemeinschaft, die sie aufgebaut haben.

Zeitgleich mit der Fußball-Weltmeisterschaft 2026 veröffentlicht das Label 4AD eine besondere Double-A-Side-7-Inch-Single mit zwei alternativen WM-Hymnen von Air Miami und Colourbox. Die Single trägt den Titel "Complicated Opposition". Das Artwork stammt von Chris Bigg und verwendet Fotografien von The Douglas Brothers. Der Song "World Cup Fever" von Air Miami erschien ursprünglich 1995 auf dem Album "Me. Me. Me.". Er entstand im Sommer 1994, als Mark Robinson mit Blast Off Country Style auf Tour war - während die USA erstmals Gastgeber der Fußball-WM waren. Robinson erinnerte sich, dass er sich damals Fußballschuhe und grellorange Trainer-Shorts aus einem Second-Hand-Laden kaufte. Seine Bandkollegen nannten ihn daraufhin "Coach". Bei einem Konzert in North Carolina meinte Esther Oliver zu ihm: "Du hast World-Cup-Fieber" - eine Bemerkung, die schließlich den Song inspirierte. Der Titel wurde von Pete Weiss neu gemastert. Der zweite Track, "The Official Colourbox World Cup Theme", erschien ursprünglich 1986 als Bonustrack einer CD-Neuauflage des Debüt-Mini-Albums von Colourbox. Das Stück war als Fußball-Thema gedacht und wurde sogar für die BBC-Sendung während der 1986 FIFA World Cup in Betracht gezogen, jedoch letztlich nicht verwendet. Das Remaster stammt von Kevin Vanbergen. Auch darüber hinaus gibt es Verbindungen zwischen 4AD und Fußball. Designer Vaughan Oliver war leidenschaftlicher Fußballfan und gestaltete unter anderem Artwork für Sunderland AFC. Die Indie-Supergroup The Lillies veröffentlichte zudem den Song "And David Seaman Will Be Very Disappointed About That...", der 1991 einem Fanzine von Tottenham Hotspur beilag.

Mit "Angriff auf"s Schlaraffenland" veröffentlicht Tapete Records eine umfassende, musikalisch kuratierte Reise durch 50 Jahre deutschsprachigen Punk - von den frühen Experimenten der späten 1970er bis zu modernen Positionen der Gegenwart. Die Compilation begleitet die Jubiläums-Veröffentlichungen des Ventil Verlags, der über 200 Autor:innen zu ihren prägendsten Punk-Songs versammelt und damit das Vermächtnis sowie die Relevanz des Genres würdigt. Wie ein gutes Mixtape verzichtet die Sammlung bewusst auf Chronologie und setzt auf rein musikalische Kriterien: rohe Energie, politische Haltung, Humor, Widerspruchsgeist und stilistische Vielfalt. Vertreten sind u. a. Die Radierer, Hans-A-Plast, Palais Schaumburg, Egotronic, Bärchen und die Milchbubis, Toxoplasma, Slime, Schnipo Schranke, Stereo Total, Die Nerven - Bands, die Punk mit Pop, Dada, Elektronik, Chanson oder Noise neu definiert haben. "Angriff auf"s Schlaraffenland" ist damit ein unverzichtbares Dokument für alle, die Punk nicht als Nostalgie, sondern als lebendige, widersprüchliche und weiterhin unbequeme Kulturform verstehen.

Big Crown freut sich, das zweite Album von Thee Marloes, ,Di Hotel Malibu", zu präsentieren. Es erweitert den Rahmen - ein selbstbewusster Schritt weg von den Grenzen, die ihren Sound einst klar definierten, hin zu etwas Durchlässigerem, Gesprächigerem und zutiefst Indonesischem. Zwei Jahre sind vergangen, seit ,Perak", das Debütalbum des Trios aus Surabaya bei Big Crown Records, ihren einzigartigen Sound vorstellte. Dieses neue Album bricht nicht mit dieser Tradition, sondern erweitert sie und zeigt, wie sehr sie als Band seit der Veröffentlichung ihres Debüts und all den damit verbundenen Erfahrungen gewachsen sind. Bestehend aus der Sängerin und Keyboarderin Natassya Sianturi, dem Gitarristen und Produzenten Sinatrya Dharaka und dem Schlagzeuger Tommy Satwick, haben Thee Marloes stets als Einheit gearbeitet, wobei ihre Songs von Satwick, haben Thee Marloes stets als Einheit gearbeitet, wobei ihre Songs von gemeinsamen Referenzpunkten und einem ausgeprägten Sinn für Groove geprägt sind.

Auf diesem Album erweitert sich diese gemeinsame Sprache. Die Arrangements bewegen sich über ein breiteres Spektrum, mit neuen instrumentalen Farben, unerwarteten rhythmischen Wendungen und einem lockereren Ansatz in Bezug auf die Struktur. Die Band beschreibt es als eine Reaktion auf die letzten zwei Jahre ihres Lebens: soziale Realitäten, Liebesleben in Der Album-Opener ,Under the Silver Moon" ist ein kühler Two-Stepper, der die bitteren und süßen Seiten von Fernbeziehungen vor einem luftigen musikalischen Hintergrund thematisiert. ,Six Years" ist eine Seite aus dem Leben der Sängerin Natassya Sianturi und ihrem Kampf, den Schritt zu wagen, einen bequemen und sicheren Tagesjob aufzugeben, um ihrem Traum von einem erfüllten Leben zu folgen.

Big Crown freut sich, das zweite Album von Thee Marloes, ,Di Hotel Malibu", zu präsentieren. Es erweitert den Rahmen - ein selbstbewusster Schritt weg von den Grenzen, die ihren Sound einst klar definierten, hin zu etwas Durchlässigerem, Gesprächigerem und zutiefst Indonesischem. Zwei Jahre sind vergangen, seit ,Perak", das Debütalbum des Trios aus Surabaya bei Big Crown Records, ihren einzigartigen Sound vorstellte. Dieses neue Album bricht nicht mit dieser Tradition, sondern erweitert sie und zeigt, wie sehr sie als Band seit der Veröffentlichung ihres Debüts und all den damit verbundenen Erfahrungen gewachsen sind. Bestehend aus der Sängerin und Keyboarderin Natassya Sianturi, dem Gitarristen und Produzenten Sinatrya Dharaka und dem Schlagzeuger Tommy Satwick, haben Thee Marloes stets als Einheit gearbeitet, wobei ihre Songs von Satwick, haben Thee Marloes stets als Einheit gearbeitet, wobei ihre Songs von gemeinsamen Referenzpunkten und einem ausgeprägten Sinn für Groove geprägt sind.

Auf diesem Album erweitert sich diese gemeinsame Sprache. Die Arrangements bewegen sich über ein breiteres Spektrum, mit neuen instrumentalen Farben, unerwarteten rhythmischen Wendungen und einem lockereren Ansatz in Bezug auf die Struktur. Die Band beschreibt es als eine Reaktion auf die letzten zwei Jahre ihres Lebens: soziale Realitäten, Liebesleben in Der Album-Opener ,Under the Silver Moon" ist ein kühler Two-Stepper, der die bitteren und süßen Seiten von Fernbeziehungen vor einem luftigen musikalischen Hintergrund thematisiert. ,Six Years" ist eine Seite aus dem Leben der Sängerin Natassya Sianturi und ihrem Kampf, den Schritt zu wagen, einen bequemen und sicheren Tagesjob aufzugeben, um ihrem Traum von einem erfüllten Leben zu folgen.

Big Crown freut sich, das zweite Album von Thee Marloes, ,Di Hotel Malibu", zu präsentieren. Es erweitert den Rahmen - ein selbstbewusster Schritt weg von den Grenzen, die ihren Sound einst klar definierten, hin zu etwas Durchlässigerem, Gesprächigerem und zutiefst Indonesischem. Zwei Jahre sind vergangen, seit ,Perak", das Debütalbum des Trios aus Surabaya bei Big Crown Records, ihren einzigartigen Sound vorstellte. Dieses neue Album bricht nicht mit dieser Tradition, sondern erweitert sie und zeigt, wie sehr sie als Band seit der Veröffentlichung ihres Debüts und all den damit verbundenen Erfahrungen gewachsen sind. Bestehend aus der Sängerin und Keyboarderin Natassya Sianturi, dem Gitarristen und Produzenten Sinatrya Dharaka und dem Schlagzeuger Tommy Satwick, haben Thee Marloes stets als Einheit gearbeitet, wobei ihre Songs von Satwick, haben Thee Marloes stets als Einheit gearbeitet, wobei ihre Songs von gemeinsamen Referenzpunkten und einem ausgeprägten Sinn für Groove geprägt sind.

Auf diesem Album erweitert sich diese gemeinsame Sprache. Die Arrangements bewegen sich über ein breiteres Spektrum, mit neuen instrumentalen Farben, unerwarteten rhythmischen Wendungen und einem lockereren Ansatz in Bezug auf die Struktur. Die Band beschreibt es als eine Reaktion auf die letzten zwei Jahre ihres Lebens: soziale Realitäten, Liebesleben in Der Album-Opener ,Under the Silver Moon" ist ein kühler Two-Stepper, der die bitteren und süßen Seiten von Fernbeziehungen vor einem luftigen musikalischen Hintergrund thematisiert. ,Six Years" ist eine Seite aus dem Leben der Sängerin Natassya Sianturi und ihrem Kampf, den Schritt zu wagen, einen bequemen und sicheren Tagesjob aufzugeben, um ihrem Traum von einem erfüllten Leben zu folgen.

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von den
Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing), wattierte Innenhülle.
McCoy Tyner - Inception
Als Pianist McCoy Tyner im November 1962 sein Debütalbum für Impulse! Records aufnahm, wollte er ein
eigenes musikalisches Statement setzen und sich damit von der modalen Musik abgrenzen, die er damals
mit John Coltrane spielte. Bei den Aufnahmesessions mit Bassist Art Davis und Schlagzeuger Elvin Jones
- beide Kollegen aus dem Coltrane-Ensemble - setzte er deshalb vor allem auf eigene Kompositionen, in
denen er seine unverwechselbaren Voicings und seinen rhythmischen Drive in den Vordergrund stellte. In
der AllMusic-Rezension von Alexander Gelfand heißt es: “Dieses Album gibt Hörern die Möglichkeit zu erfahren, wie ein sehr junger Tyner außerhalb der Grenzen des klassischen John Coltrane Quartet der frühen
60er Jahre klang; es offenbart einen lyrischen Ansatz für das Jazzpiano, der weit entfernt von Tyners reifem
Stil zu sein scheint.”

Wie jemand, der ein Signal aus Störgeräuschen herausfiltert, entdeckt Cosey Mueller immer wieder innovative Variationen von Punk und experimenteller Elektronik und entwickelt daraus in ihrer beeindruckenden Diskografie einen unverwechselbaren Stil - der mit „Embodiment of Denial" nun einen neuen Höhepunkt erreicht. Eine zunehmend treibende Tanzbarkeit bildet dabei die Kulisse für eine verstärkte Konzentration auf Muellers Stimme.

Die acht Tracks des Albums sind voller eingängiger Hooks, während sie, weit entfernt von den leeren Parolen, die in „Der Politiker" parodiert werden, die deklarative Aussage für die Kräfte des Guten zurückerobert.

Die Gegenkultur-Ikone Hyd bringt ihr zweites Album raus, voll mit dynamischen, abwechslungsreichen Popsongs. Hyd holt ihre kreativen Freunde mit rein, um die Musik zu machen, darunter Hudson Mohawke, Sophie, Finn Keane (der gerade ein mega Jahr hinter sich hat als Produzent für Charli xcx), Marcus Andersson, Saint Patrick und Sophies Bruder Benny Long. Das Artwork wurde vom Fotografie-Phänomen Michael Bailey Gates aufgenommen, die Vinyl-Schallplatte wurde vom Produzenten umru gestaltet und die Musikvideos wurden vom Schauspieler Bobbi Salvor Menuez gedreht. Hayden modelt regelmäßig für Courreges, Junya Watanabe und Balenciaga und wird von der Company Gallery (NYC) für ihre visuelle Kunst vertreten. Hyd war auch der Gründer von QT, einem Performance-Kunstprojekt, das aus Hayden, Sophie und AG Cook zusammensetzt und bei XL Recordings unter Vertrag steht. Hyds neues Album beschäftigt sich damit, was es bedeutet, sich zwischen Formen zu bewegen, eine Form zu übernehmen und sich gleichzeitig in eine andere zu verwandeln; queere Ökosysteme der Fürsorge. ,Als ich 2017 mein Augenlicht verlor, begann ich, anders zu sehen. In völliger Dunkelheit wird dir klar, dass du über deinen Körper hinaus existierst. Da habe ich angefangen, dieses Material zu schreiben."

Der Eurovision Song Contest feiert in diesem Jahr sein 70-jähriges Bestehen. Ausgetragen wird der Wettbewerb diesmal in Wien. Deutschland schickt Sängerin Sarah Engels mit dem Titel ”Fire” ins Rennen.
Ansonsten nehmen noch weitere 36 Länder teil. Alle Titel sind auf der 2CD und der limitierten und farbigen
3Vinyl zu finden. Die DVD erscheint dann nachgelagert im Juli. Wie immer lautet das Motto: United by
Musi

BILLY CHILDISH veröffentlicht seit 1979 Platten, HOLLY GOLIGHTLY seit 1990; 1999 taten sie sich für ein gemeinsames Projekt zusammen, das ursprünglich in den USA bei Wabana Records erschien. IN BLOOD ist ein großartiges Album, das bei der ersten Veröffentlichung in Europa so gut wie ignoriert wurde. Der Untertitel von IN BLOOD lautet ONE CHORD! ONE SONG! ONE SOUND!. Aber es ist so viel mehr als das: Tracks wie ,Demolition Girl" und ,Step Out" dröhnen aus deiner Stereoanlage - wirklich großartige, dreckige Ein-Akkord-Blues-Songs (mit vielen Noten), mit Gesangswechseln, klirrenden Gitarren und begleitet von der Medway Delta Review, zu der Bruce und Johnny von Thee Headcoats sowie Johnny Gibb von den Wildebeests gehören. Während Einfachheit, Wiederholung und purer Rock-'n'-Roll-Minimalismus das Herzstück des Albums bilden, verliert IN BLOOD nie an Reiz. Es macht einfach süchtig! Diese Neuauflage erscheint auf schwarzem Vinyl.

Tauche ein ins Herz des Londoner West Ends mit Paddington The Musical – Original Cast Recording, das
all die Wärme, Magie und den liebenswerten Humor von Paddingtons neuem Abenteuer einfängt. Inspiriert
von Michael Bonds zeitlosen Geschichten und den preisgekrönten STUDIOCANAL-Filmen präsentiert das
Musical neue Songs und Liedtexte von Tom Fletcher, ein Buch von Jessica Swale und die Regie von Luke
Sheppard.
Von mitreißenden Ensemble-Nummern bis hin zu gefühlvollen Balladen feiert der Soundtrack Familie, Freundschaft und die Suche nach dem eigenen Platz in der Welt. Begleite Paddington und die Browns durch
spannende Momente, herzliche Begegnungen - und natürlich ganz viel Marmelade.
Mit dem gesamten West-End-Ensemble aufgenommen, bringt dieses Album den Charme der Windsor Gardens direkt zu dir nach Hause. Erhältlich auf CD und als Sammler-Vinyl ist es ein freudiges Erinnerungsstück
für Fans jeden Alters - der perfekte Begleiter für Londons liebenswertesten Bären.

Wie Amerika selbst ist auch die Geschichte von Chess Records eine Geschichte von Chancen in neuen Ländern, in denen Grenzen zwischen Hautfarbe und Kultur überwunden wurden, um Rhythm and Blues-Musik
zu schaffen, die Zuhörer auf der ganzen Welt beeinflusste. Das beeindruckende Künstleraufgebot von Chess
– und seine Gründer – haben den Blues von Volksmusik zu populärem Sound weiterentwickelt und verändert.
Chess Records wurde 1950 von den polnischen Einwanderern Leonard und Phil Chess gegründet und entstand im Süden Chicagos, aber der Einfluss ist weltweit und über Generationen der Popmusik hinweg spürbar
– von Acts der British Invasion wie den Beatles, den Rolling Stones und Eric Clapton, die Chess-Künstler
als ihre Vorbilder nannten, bis hin zu den heutigen Stars wie Beyoncé, Jack White, Questlove und Bruce
Springsteen.
Im Jahr 2025 feiert Chess Records sein 75-jähriges Jubiläum.
Am 22.05.2026 erscheint die Vinyle von Howlin’ Wolf ”The Real Folk Blues” und Muddy Waters ”The
Real Folk Blues”

Wie Amerika selbst ist auch die Geschichte von Chess Records eine Geschichte von Chancen in neuen Ländern, in denen Grenzen zwischen Hautfarbe und Kultur überwunden wurden, um Rhythm and Blues-Musik
zu schaffen, die Zuhörer auf der ganzen Welt beeinflusste. Das beeindruckende Künstleraufgebot von Chess
– und seine Gründer – haben den Blues von Volksmusik zu populärem Sound weiterentwickelt und verändert.
Chess Records wurde 1950 von den polnischen Einwanderern Leonard und Phil Chess gegründet und entstand im Süden Chicagos, aber der Einfluss ist weltweit und über Generationen der Popmusik hinweg spürbar
– von Acts der British Invasion wie den Beatles, den Rolling Stones und Eric Clapton, die Chess-Künstler
als ihre Vorbilder nannten, bis hin zu den heutigen Stars wie Beyoncé, Jack White, Questlove und Bruce
Springsteen.
Im Jahr 2025 feiert Chess Records sein 75-jähriges Jubiläum.
Am 22.05.2026 erscheint die Vinyle von Howlin’ Wolf ”The Real Folk Blues” und Muddy Waters ”The
Real Folk Blues”

Ray Barrettos Acid ist mehr als nur ein Debütalbum – es ist ein Moment, in dem sich die Energie der New
Yorker Latin-Szene der späten 60er entlädt. Zwischen Salsa, Boogaloo, Funk und Afro-Cuban Jazz entsteht
hier ein Sound, der bis heute nachhallt. Besonders der Titeltrack „Acid“, in einem Take aufgenommen,
entwickelt sich von einem reduzierten, treibenden Groove zu einem explosiven Percussion-Feuerwerk. Songs
wie „A Deeper Shade of Soul“ verbinden Latin und Soul auf eine Weise, die damals wie heute sofort zündet,
während „El Nuevo Barretto“ direkt zu Beginn klar macht, mit welcher Selbstverständlichkeit Barretto
seinen eigenen Stil definiert. Mit „Espíritu Libre“ endet das Album in einer fast schon hypnotischen,
atmosphärischen Reise, die die afro-kubanischen Wurzeln noch einmal eindrucksvoll in den Fokus rückt.
Acid ist damit nicht nur ein Klassiker, sondern ein prägender Soundtrack einer ganzen Ära – roh, lebendig
und voller ikonischer Momente.

Anders als das 7 Jahre zurückliegende Album Hill West, das sehr zurückhaltend produziert war, gibt es auf dem neuen Album Alchemy von Todd Thibaud kaum leise, nachdenkliche, akustische Americana-Töne, sondern es ist - ganz im Gegenteil - lauter, voll elektrischer Gitarrenrock mit einer dementsprechend ausgerüsteten 5-Mann-Combo aufgenommen! Mit seinem lauten, dynamischen Sound, den süffigen Gitarrenläufen und rockigen Bandarrangements ist das Musik mit einem klaren Pop/Rock-Auftrag und einem erstklassigen Mix zwischen Westcoast, Heartland & Prairie Rock auf Basis von handfestem Singer/Songwritertum und melodieseligem Indie Roots/Guitar Pop, und so besitzt Alchemy die Grundtugenden all der Heartbreakers, Wallflowers, Jayhawks, BoDeans und Gin Blossoms mit einer ordentlichen Prise Springsteen/Mellencamp/Hiatt & Co. Aber das Endergebnis trägt natürlich die deutliche Handschrift von Todd Thibaud! Alchemy kommt mit geschmackvollem Artwork und komplett mit allen wichtigen Credits und sämtlichen Texten. Alle 10 Songs wurden von Todd Thibaud geschrieben und in derselben Quintettbesetzung eingespielt, die uns im April und Mai 2026 auch live begeistern wird: der Meister selber an der elektrischen Rhythmusgitarre (mitunter auch etwas Tasten) und mit seiner einzigartigen, sonoren Stimme, dazu die ewigen Mitstreiter Thomas Juliano an der Electric Lead (auch E-Piano, Chamberlin) sowie Multiinstrumentalist Sean Staples (hier auch mehr elektrische Leadgitarre als Banjo, Mandoline und Keyboards), dazu die Rhythm Section Ed Valauskas am Bass (plus Keyboards) und Drummer Chris Anzalone; alle beteiligen sich durchweg am prächtigen Harmoniegesang.

Rot/gelbes Splatter Vinyl, limitiert auf 600 Exemplare. Nach Jahren als Frontmann einiger der ikonischsten Rockbands kehrt Erik Grönwall mit einem Soloalbum mit dem Titel ,Bad Bones" zurück, das am 22. Mai erscheint.Weltweit bekannt für seine kraftvolle Stimme und seine beeindruckende Bühnenpräsenz, hat sich Erik als Frontmann von Skid Row, H.E.A.T. und zuletzt durch Tourneen in ganz Europa und Japan (sowie durch die Aufnahme eines UFO-Jubiläumsalbums) einen Namen gemacht, bei denen er die Lead-Vocals für Gitarrenlegende Michael Schenker übernahm.Mit ,Bad Bones" richtet er den Fokus nun ganz nach innen und liefert ein rohes und ehrliches Statement ab, das ein mutiges neues Kapitel in seiner Karriere einläutet. Die Single ,Bad Bones" gibt die Richtung für ein Album vor, das furchtlos, persönlich und kompromisslos ist. Das kommende Album BAD BONES besteht ausschließlich aus Originalmaterial und markiert eine Rückkehr zum Kern des Songwritings - ehrlich, kraftvoll und zutiefst persönlich.Neben seiner Arbeit auf der Bühne und im Studio hat Erik einen äußerst erfolgreichen YouTube-Kanal aufgebaut, der Millionen von Aufrufen verzeichnet und ein weltweites Publikum anzieht, das von seinen kraftvollen Interpretationen und seiner Authentizität begeistert ist. Mit ,Bad Bones" verleiht genau diese unmittelbare, unverfälschte Verbindung nun auch seiner eigenen, originären Stimme neue Energie.

Nach Jahren als Frontmann einiger der ikonischsten Rockbands kehrt Erik Grönwall mit einem Soloalbum mit dem Titel ,Bad Bones" zurück, das am 22. Mai erscheint.Weltweit bekannt für seine kraftvolle Stimme und seine beeindruckende Bühnenpräsenz, hat sich Erik als Frontmann von Skid Row, H.E.A.T. und zuletzt durch Tourneen in ganz Europa und Japan (sowie durch die Aufnahme eines UFO-Jubiläumsalbums) einen Namen gemacht, bei denen er die Lead-Vocals für Gitarrenlegende Michael Schenker übernahm.Mit ,Bad Bones" richtet er den Fokus nun ganz nach innen und liefert ein rohes und ehrliches Statement ab, das ein mutiges neues Kapitel in seiner Karriere einläutet. Die Single ,Bad Bones" gibt die Richtung für ein Album vor, das furchtlos, persönlich und kompromisslos ist. Das kommende Album BAD BONES besteht ausschließlich aus Originalmaterial und markiert eine Rückkehr zum Kern des Songwritings - ehrlich, kraftvoll und zutiefst persönlich.Neben seiner Arbeit auf der Bühne und im Studio hat Erik einen äußerst erfolgreichen YouTube-Kanal aufgebaut, der Millionen von Aufrufen verzeichnet und ein weltweites Publikum anzieht, das von seinen kraftvollen Interpretationen und seiner Authentizität begeistert ist. Mit ,Bad Bones" verleiht genau diese unmittelbare, unverfälschte Verbindung nun auch seiner eigenen, originären Stimme neue Energie.

,Jeîta ou murmure des eaux", ein Hauptwerk im Repertoire von François Bayle, bietet eine Reise und ein Eintauchen in eine Welt entfesselter Energien, wobei die Jeîta-Höhle sowohl als Kulisse als auch als Teilchenbeschleuniger dient. Hier steht die Höhle in der Tat ebenso sehr für die konkrete Quelle der Inspiration des Komponisten wie für den geistigen Raum, in dem Metamorphosen stattfinden. Durch die Verbindung solcher bildlicher Räume und immaterieller Klangprojektionen beschwört François Bayle ein weiteres Subjekt herauf, einen Bewohner der vielschichtigen und symbolischen Höhle: das hörende Subjekt, das sich immer implizit im Zentrum von François Bayles musikalischen Anliegen und dem von ihm stets vertretenen Weg offenbart: dem akusmatischen Ansatz. - françois J. Bonnet, Paris, 2025

Seit mehr als drei Jahrzehnten bahnt sich David Eugene Edwards einen einzigartigen Weg durch die amerikanische Musikszene. Zunächst mit dem dunklen Folk-Dringlichkeit von 16 Horsepower, dann mit der andächtigen Intensität von Wovenhand und in jüngerer Zeit durch die reduzierte Klanglandschaft seiner Soloarbeiten. Auf seinem zweiten Soloalbum "Mercurial Silence" setzt Edwards den Weg fort, den er auf seinem Debütalbum "Hyacinth" aus dem Jahr 2023 eingeschlagen hat, und dringt gleichzeitig durch den erweiterten Einsatz elektronischer Produktion und vielschichtiger Texturen in neue Klangwelten vor. Auf dem Album kanalisiert Edwards die krasse Intensität, die einen Großteil seiner Karriere geprägt hat, und greift gleichzeitig auf eine breitere Klangpalette zurück, die sich zugleich uralt und modern anfühlt. Seine unverwechselbare Stimme bewegt sich durch die Schichten aus Streichern, perkussiven Drones und gespenstischer Elektronik und verleiht dem Album die Aura einer Welt außerhalb unserer Reichweite. Über seine 12 Songs hinweg verfeinert Edwards hier die thematische Ausrichtung, die erstmals auf seinem Debüt erkundet wurde, und erweitert gleichzeitig seinen Fokus, um die wiederkehrenden Geschichten zu betrachten, die verschiedene Kulturen über Himmel und Erde und deren stetes Miteinander erzählen. Musikalisch zeichnet sich das zweite Solowerk durch die bewusste Verschmelzung akustischer Instrumente mit ausgeprägten elektronischen Elementen aus. Synthesizer, programmierte Rhythmen und dichte Ambient-Texturen verbinden sich mit Edwards' eher traditionellen Arrangements und schaffen einen Klang, der zwar karg bleibt, aber gleichzeitig die räumliche Tiefe der Songs erweitert. Während frühere Projekte oft auf rohe physische Kraft setzten, wirkt "Mercurial Silence" mit einer anderen Art von Kraft. Das Album entfaltet sich geduldig, atmosphärisch und überwältigend.

Seit mehr als drei Jahrzehnten bahnt sich David Eugene Edwards einen einzigartigen Weg durch die amerikanische Musikszene. Zunächst mit dem dunklen Folk-Dringlichkeit von 16 Horsepower, dann mit der andächtigen Intensität von Wovenhand und in jüngerer Zeit durch die reduzierte Klanglandschaft seiner Soloarbeiten. Auf seinem zweiten Soloalbum "Mercurial Silence" setzt Edwards den Weg fort, den er auf seinem Debütalbum "Hyacinth" aus dem Jahr 2023 eingeschlagen hat, und dringt gleichzeitig durch den erweiterten Einsatz elektronischer Produktion und vielschichtiger Texturen in neue Klangwelten vor. Auf dem Album kanalisiert Edwards die krasse Intensität, die einen Großteil seiner Karriere geprägt hat, und greift gleichzeitig auf eine breitere Klangpalette zurück, die sich zugleich uralt und modern anfühlt. Seine unverwechselbare Stimme bewegt sich durch die Schichten aus Streichern, perkussiven Drones und gespenstischer Elektronik und verleiht dem Album die Aura einer Welt außerhalb unserer Reichweite. Über seine 12 Songs hinweg verfeinert Edwards hier die thematische Ausrichtung, die erstmals auf seinem Debüt erkundet wurde, und erweitert gleichzeitig seinen Fokus, um die wiederkehrenden Geschichten zu betrachten, die verschiedene Kulturen über Himmel und Erde und deren stetes Miteinander erzählen. Musikalisch zeichnet sich das zweite Solowerk durch die bewusste Verschmelzung akustischer Instrumente mit ausgeprägten elektronischen Elementen aus. Synthesizer, programmierte Rhythmen und dichte Ambient-Texturen verbinden sich mit Edwards' eher traditionellen Arrangements und schaffen einen Klang, der zwar karg bleibt, aber gleichzeitig die räumliche Tiefe der Songs erweitert. Während frühere Projekte oft auf rohe physische Kraft setzten, wirkt "Mercurial Silence" mit einer anderen Art von Kraft. Das Album entfaltet sich geduldig, atmosphärisch und überwältigend.

Geboren in Medellín und geprägt von New York, vereint OMERTÁ zwei der einflussreichsten musikalischen
Kräfte Kolumbiens, J Balvin und Ryan Castro, für eine Geschichte über Ehre, Loyalität und Respekt. Das
Album greift den italienischen Begriff „Omertà“ auf und verleiht ihm eine paisa-typische Note. Es ist ein
Album, welches die Grundwerte Medellíns feiert: Vertrauen, Familie und Stärke. OMERTÁ ist noch viel
mehr als nur Musik, es ist ein gelebter Kodex, der eine Welt definiert, in der Schweigen lauter spricht als
Worte.
Mit OMERTÁ erklären J Balvin und Ryan Castro ihren eigenen Lebens- und Musikkodex.

Geboren in Medellín und geprägt von New York, vereint OMERTÁ zwei der einflussreichsten musikalischen
Kräfte Kolumbiens, J Balvin und Ryan Castro, für eine Geschichte über Ehre, Loyalität und Respekt. Das
Album greift den italienischen Begriff „Omertà“ auf und verleiht ihm eine paisa-typische Note. Es ist ein
Album, welches die Grundwerte Medellíns feiert: Vertrauen, Familie und Stärke. OMERTÁ ist noch viel
mehr als nur Musik, es ist ein gelebter Kodex, der eine Welt definiert, in der Schweigen lauter spricht als
Worte.
Mit OMERTÁ erklären J Balvin und Ryan Castro ihren eigenen Lebens- und Musikkodex.

"Blinded by Fame", das zweite Studioalbum von Dutch Interiors, ist ein Fan-Favorit. Es wurde noch nie zuvor auf Vinyl gepresst. Die sechsköpfige Band aus Long Beach begleitet sich schon seit fast zwei Jahrzehnten. Jack Nugent, Conner Reeves, Shane & Hayden Barton, Davis Stewart und Noah Kurtz waren alle Freunde aus Kindertagen, und die Band ist das Ergebnis einer kreativen Verbindung, die durch bereits bestehendes Vertrauen und vertraute Verbundenheit entstanden ist. Man kann die unterschiedlichen Stile und Persönlichkeiten der Bandmitglieder an den Songs erkennen, die sie unabhängig voneinander schreiben, bevor sie sie der gesamten Band vorstellen, wo die Stücke oft zu ganz neuen Formen heranwachsen. Trotz dieser individuellen Herangehensweise an das Songwriting beschreiben sie sich gegenseitig als ,Zweige desselben Lebensstamms", deren aufeinanderprallende Einflüsse und Erfahrungen alle in die Songs einfließen. Mit Einflüssen, die von Ambient über Southern Rock und Jazz bis hin zu Dance-Musik reichen, wandelt sich die Band und oszilliert zwischen Alternative Country, kantigem Indie-Rock und Anklängen an dissonante Ambient-Klänge, während sie dennoch wie eine Band klingt, die sowohl ihre eigene private Sprache spricht als auch diese in etwas Universelles übersetzt. Nach der Veröffentlichung ihres jüngsten Albums ,Moneyball" und einer neuen EP, ,It's Glass", über Fat Possum ist Dutch Interior gekommen, um zu bleiben. Lob für Dutch Interior kommt von Pitchfork, Rolling Stone und anderen.

Sie machen keine großen Worte, hampeln nicht 24/7 auf allen Social-Media-Kanälen herum, verzichten auf Werbung und große Worte jeglicher Art und spielen nicht wahllos an jeder Steckdose. Eigentlich ein Unding in der heutigen Zeit. Geschäftsschädigung in eigener Sache, quasi. Und dennoch ist die im Jahr 2009 gegründete Formation aus Tübingen mit jedem ihrer immer stoisch und schlicht mit dem Bandnamen betitelten Alben stets aufs Neue in vieler Munde, genießt mindestens Respekt, bei etlichen Fans gar unantastbaren Kultstatus - und das nicht nur innerhalb der Punk(Rock)-Basis, sondern auch bis tief in die Alterna- und Metalszene hinein. Große Riffs - mal episch, mal punkruppig, mal schmissig, und so gut wie immer nackenbrechend - und der zuweilen zweistimmige Gesang sind die Kerntrademarks des Vierers, dazu spartanische, aufs Bitternötigste reduzierte englische Lyrics sowie ein magnetisierender Groove, für den unzählige andere Musiker töten würden: HYSTERESE at it's very best. Auch mit Album Nummer fünf pflügen HYSTERESE durch eure Herzen. Wie nicht anders zu erwarten, walzt das Quartett seinen schwermütigen Punk-Rock in die nächste Metamorphose. Die riesigen Melodien sind getragen von krachigen Breitwand-Gitarren, mal Shoegaze, mal 80s Rockismus, zeitlos und integer. Und hat da jemand tatsächlich Manilla Road gesagt?

Seit fast zwei Jahrzehnten verbreiten der King und seine Cumberland Three ihren Rhythm & Punk-Spaß in der ganzen Welt und bringen jede Menge ausgelassene Energie, Albernheiten, gute Laune und Schweiß mit! Mit diesem Quartett ist jede Show eine Party! Anlässlich ihres 20-jährigen Jubiläums, in dem sie unermüdlich weltweit auftraten und Dutzende von Platten veröffentlichten, haben King Salami & The Cumberland Three tief in ihrem umfangreichen Katalog gegraben, um 16 ihrer besten Tracks auszuwählen. Das Ergebnis ist diese energiegeladene Zusammenstellung, ein Album voller Spaß, das verrückte Klassiker wie ,The Pulpo Dance", ,Pineapple Mama", ,Shake it Wild" und ,Do the Wurst" enthält, neben ihrem weniger bekannten Instrumentalstück ,Itch!", das kürzlich in der Dreamies-Katzenfutter-Fernsehwerbung zu hören war. ENG For nearly two decades, the King and his Cumberland Three have been spreading the Rhythm & Punk grease all around this big old world, bringing along with them buckets of fun, raucous energy, silliness, smiles and sweat! With this quartet, every show is a party!! To mark their 20 years anniversary of relentlessly playing shows around the globe and releasing dozens of records, King Salami & the Cumberland Three have dug deep into their extensive catalogue to select 16 of their most killer tracks. It makes for a fun-packed album which contains wacky classics such as `The Pulpo Dance', `Pineapple Mama', `Shake it Wild' and `Do the Wurst, alongside their lesser-known instrumental `Itch!' that recently featured on the Dreamies cat food TV ad.

Transparentes Vinyl, limitiert auf 300 Exemplare. BLKE ist eine in Berlin ansässige Psych-Noise-Rock-Band, die aus Londons Underground hervorgegangen ist und sich an der Schnittstelle von roher Intensität und hypnotischer Wiederholungen bewegt. Beeinflusst von Krautrock, Noise Rock, Garage Punk und Psychedelia ist ihr Sound unmittelbar, körperlich und emotional aufgeladen - gemacht sowohl für dunkle, enge Räume als auch für große Bühnen. Neun Tracks eröffnen einen hypnotischen Einblick in die Welt von BLKE. Geschichtete Lyrics und psychoakustische Elemente formen eine poetische Erzählung, geprägt vom sozialen Umfeld der Band der letzten vier Jahre. Psychedelisch, roh und krautgetrieben hallt das Album lange nach seinem Ende nach.

Captain Asshole, ein Name, der leicht im Gedächtnis bleibt. Aber zum Glück sind die Songs besser als der Bandname der Münchener vermuten lässt. Punkrock mit melodischen Gitarren und vielen Mitsing-Momenten, deutlich inspiriert von Bands wie The Copyrights, Dear Landlord und Latterman.

Melodic Techno 2026 ist der eindrucksvolle Nachfolger der erfolgreichen Melodic Techno 2025 und präsentiert eine exklusive Auswahl moderner, melodischer Clubsounds. Gemixt von Seriös & Legendär sowie Little Duracell, verbindet die Compilation atmosphärische Klangwelten, treibende Beats und emotionale Peak-Time-Momente zu einem stimmigen Hörerlebnis.

Die abwechslungsreiche Track-Zusammenstellung vereint starke Originale und hochkarätige Remixe von etablierten Szenegrößen und spannenden Artists der aktuellen MelodicTechno-Szene. Zu den bekanntesten Namen dieser Ausgabe zählen unter anderem Resistance D, Alexander Bollinger, Klartraum und No Hopes.

Mit ihrer Mischung aus bekannten Artists, modernen RemixVersionen und zeitgemäßen Me

Mit ”Peter und der Wolf”, einer außergewöhnlichen Einspielung des beliebten Orchesterklassikers von
Sergej Prokofjew, setzt Gustavo Dudamel ein Ausrufezeichen ans Ende seiner Amtszeit als Music & Artistic
Director des Los Angeles Philharmonic. In seinem letzten Album als Leiter des Orchesters lässt Dudamel
mit seiner farbenreichen Interpretation jedes Instrument zu einem erlebbaren Charakter der Geschichte
werden. Mit klarem, pointiertem Ton und großer Ausdruckskraft begeistert die vielfach preisgekrönte USamerikanische Schauspielerin, Hollywood-Legende und EGOT-Gewinnerin Viola Davis als Erzählerin. In
dieser einmaligen Konstellation wird Prokofjews Märchen zu einem Orchesterwerk und lebendigen Hörspiel
zugleich.
Das Album erscheint digital und auf Vinyl, mit einem eigens für die Veröffentlichung gestalteten Artwork
der amerikanischen bildenden Künstlerin Alexandra Grant.

Im Mai 2026 würde Miles Davis seinen 100. Geburtstag feiern. Dazu gratuliert auch die TONE POET
EDITION mit der audiophilen Wiederveröffentlichung eines seiner absoluten Albumklassiker, wie immer produziert von Joe Harley, komplett analog von Kevin Gray von den Originalbändern remastert, RTI-Pressung
(180g), Gatefold, stabiles Tip-on-Sleeve, wattierte Innenhülle.
Mit “Birth of the Cool” schuf Miles Davis eines der stilbildenden Werke des Jazz. An der Einspielung des
Albums, das Davis’ erste Zusammenarbeit mit dem Arrangeur Gil Evans markierte, waren einige Musiker
beteiligt, die in den folgenden Jahren neben Miles zu den führenden Protagonisten des neuen Stils avancieren
sollten: Gerry Mulligan, Lee Konitz, J.J. Johnson, Kai Winding, Gunther Schuller, John Lewis, Al Haig,
Max Roach, Kenny Clarke. Die Arrangements, die für das einzigartig instrumentierte Nonett geschrieben
wurden, ließen neue Klangtexturen entstehen, die von impressionistischer klassischer Musik beeinflusst und
dennoch tief im Jazz verwurzelt waren.

Schwarzes Vinyl. Das 2004 erschienene MM..FOOD von MF DOOM wird inzwischen als Hip-Hop Klassiker-Album voller einfallsreicher Produktion, brillanter Wortspiele und einzigartiger Themen gewürdigt. Gefeiert für seine nahtlose Mischung aus Humor, Witz und sozialem Kommentar, entführt das Album den Hörer in eine bizarre Welt voller Lebensmittel-Metaphern und zeichnet ein bitter-komödiantisches Porträt eines Lebens, das von Laster, Gewalt und Eifersucht verdorben ist. Ein brillantes und damals neuartiges Konzept, das DOOM viel Raum zur Erkundung der Themen des Albums gab. Im Verlauf von MM..FOOD bettet DOOM komplexe Ideen in scheinbar einfache Erzählungen ein. Der Album-Opener "Beef Rapp" ist eine vielschichtige Metapher, die den Hörer an die Gefahren erinnert, die mit der Verherrlichung von Konflikten verbunden sind, insbesondere im Rap. "Hoe Cakes" leiht sich seinen Namen von den süßen, mit heißem Wasser gefüllten Maismehlfladen, die er als Symbol benutzt, um über Genuss und Exzess zu reimen. Mit dem von Madlib produzierten "One Beer" setzt DOOM das Motiv fort, um Schichten von Tiefe über Eskapismus und Ego zu falten, während das populäre "Rapp Snitch Knishes" die Verkaufsdiskriminierung und widersprüchlichen Verhaltensweisen einiger Rapper kritisiert. Insgesamt ist MM..FOOD sowohl ein sozialer Kommentar als auch ein Stück Gesellschaftssatire, das MF DOOMs Fähigkeit unter Beweis stellt, ernste Themen mit seinem einzigartigen, verspielten lyrischen Stil zu verbinden. Zur Feier des 20-jährigen Jubiläums des Albums wurde MM..FOOD 2024 mit einem komplett neuen Artwork von Sam Rodriguez neu verpackt!

Das bahnbrechende Debütalbum ,Oshin" von DIIV kommt mit einem neuen Cover zurück in die Läden! Das erste Album von DIIV verbindet auf coole Weise Erinnerungen mit Halbvergessenem und schafft so eine musikalische Welt aus alter Luft und frischem Wind. Diese Songs erinnern uns an die Liebe in all ihrer irdischen Perfektion und Perversion. Ein Großteil der Anziehungskraft von DIIV entstand in dem Prozess, den Zachary Cole Smith durchlief, um diese ersten Kompositionen mitten im Sommer zu entdecken, während er sich in einer Ecke eines Malerateliers in Bushwick ohne Klimaanlage und mit Blick aus dem Fenster verkrochen hatte. Er umgab sich mit Kassetten und LPs von Lucinda Williams, Arthur Russell, Faust, Nirvana und Jandek, mit Schriften von N. Scott Momaday, James Welsh, Hart Crane, Marianne Moore und James Baldwin sowie mit Träumen von Außerirdischen, Zuneigung, Geistern und der fernen Natur (wie er sie sich von seinem Fenster mit Blick auf die Morgan L-Bahn aus vorstellte). Die daraus resultierende Musik ist ebenso tiefgründig wie einhüllend und lädt dazu ein, sich in einer Zeit von Kurzform-Inhalten und endlosem Scrollen in ihren Verflechtungen zu verlieren.

Ambient-Post-Rock aus San Diego, dem Rückzugsort der Millennials für Post-Hardcore. Aufgenommen zwischen den Tourneen zu "Tristeza", verwebt das zweite Album von The Album Leaf zarte Gitarrenklänge, klimperndes Klavier, nachdenkliche Synthesizer, unheimliche Feldaufnahmen und treibende Percussion zu einer Meditation über das Vergehen der Zeit. Diese remasterte 25-jährige Jubiläumsausgabe entspricht dem Original, mit neuen Anmerkungen des Autors Adam Gnade und bisher unveröffentlichten Fotos. Eine beeindruckende Stunde akustischer Photosynthese.

Crystal Clear Vinyl. Ambient-Post-Rock aus San Diego, dem Rückzugsort der Millennials für Post-Hardcore. Aufgenommen zwischen den Tourneen zu "Tristeza", verwebt das zweite Album von The Album Leaf zarte Gitarrenklänge, klimperndes Klavier, nachdenkliche Synthesizer, unheimliche Feldaufnahmen und treibende Percussion zu einer Meditation über das Vergehen der Zeit. Diese remasterte 25-jährige Jubiläumsausgabe entspricht dem Original, mit neuen Anmerkungen des Autors Adam Gnade und bisher unveröffentlichten Fotos. Eine beeindruckende Stunde akustischer Photosynthese.

"Singled Out" kommt als auf 1000 Stück limitierte Doppel-LP auf farbigem Vinyl (LP1 blau / LP2 kirschrot) im Klappcover oder als glänzende CD! Dreiunddreißig Tracks! Alle 7"-Singles der Band bis jetzt! Das sind alle ihre A- und B-Seiten! Mit dabei sind zwei bald erscheinende Singles, von denen eine als kostenlose 7" der nächsten Ausgabe des SAFETY PIN MAGAZINE beiliegt. Die andere gibt's als streng limitierte Lathe-Cut-7". Um Komplettisten zu begeistern oder zu ärgern, wird gleichzeitig eine dritte (Standard-)7"-Single veröffentlicht, deren A- und B-Seite hier nicht enthalten sind. Cyanide Pills veröffentlichten 2009 ihre erste 7"-Single ,Break It Up", gefolgt von weiteren 14 fantastischen 45er-Singles, zuletzt eine Split-Single mit den Schweizer Nasty Rumours Anfang letzten Jahres. Die meisten dieser Veröffentlichungen enthielten exklusive B-Seiten, die auf keinem Album zu finden sind und die Damaged Goods für ,Singled Out" zusammengestellt haben. Schön, sie alle an einem Ort zu haben, oder? Alle Tracks wurden im Billiard Room in Leeds mit dem Produzenten Carl ,Razorblade" Rosamond aufgenommen. ,Einflüsse? Hmm, nun, wir hören nicht nur Punkrock, das taten auch die frühen Bands nicht, weil es noch keinen gab", sagte Leadsänger Phil 2023 im Gespräch mit dem Magazin ,Vive le Rock". ,Wir mögen natürlich die üblichen Verdächtigen, unsere Favoriten sind die belgische Band The Kids, X-Ray Spex und Buzzcocks. Wir mögen Satan's Rats, The Tours, Knots, The Fingers, Panic, Kleenex, Crime, The Terrorways, Victims, Wipers, The Briefs, The Spits, The Plugz, Bad Nerves, Nasty Rumours, solche Sachen, jede Menge Sachen, Syd Barrett, The Kinks, MC5, Stooges, Bowie, Ruben and the Jets, Kim Fowley, John Lee Hooker, Howlin' Wolf. Die Liste geht weiter und weiter und weiter."

Future Islands feiern ihr 20-jähriges Bestehen mit From a Hole in the Floor to a Fountain of Youth, einer besonderen Sammlung aus Raritäten, alternativen Versionen und Fanlieblingen, von denen viele erstmals digital verfügbar sind. Statt eines klassischen Best-of-Albums zeigt die Band damit ihre Entwicklung und künstlerische Tiefe jenseits ihrer bekanntesten Momente. Die 20 Songs spiegeln 20 Jahre Bandgeschichte wider - von frühen Auftritten in kleinen Clubs bis hin zu einer gefestigten, zeitlosen Klangidentität. Der Titel steht sinnbildlich für diesen Weg: vom Alltag ("Hole in the Floor") hin zur Verwirklichung von Träumen ("Fountain of Youth"). Musikalisch bleibt die Band ihrem Stil treu: treibende Basslinien, atmosphärische Synthesizer und der eindringliche Gesang von Samuel T. Herring sorgen für einen roten Faden. Themen wie Sehnsucht, Liebe, Vergänglichkeit und emotionale Erinnerung durchziehen das Album. Die Veröffentlichung ist keine nostalgische Rückschau, sondern eine bewusste Neupositionierung. Sie macht verborgene Facetten sichtbar und zeigt eine Band, die in ihrer Zurückhaltung, Reife und Beständigkeit überzeugt. Gleichzeitig wird deutlich, dass ihr Erfolg nicht nur auf Musik, sondern auch auf langjähriger Freundschaft und echter Verbundenheit beruht. So entsteht ein vielschichtiges Porträt, das die Geschichte von Future Islands vervollständigt und ihre besondere künstlerische Identität unterstreicht.

14 sorgfältig ausgewählte, atemberaubende, dämonische Tracks aus den legendären Demo Sessions Vol. 1 bis 7 der Meister des modernen Psychedelic Rock. Ein fuzziger Best Of-Tauchgang in die wilden Archive der australischen Psych-Meister und ein faszinierender Einblick in ihren mitreißenden kreativen Prozess. Enthält einige essentielle Tracks aus ihrem Repertoire, präsentiert in frühen Stadien, oder als Instrumentalversionen oder in alternativer psychedelischer Leckerbissen für die stetig wachsende Fangemeinde dieser Heavy-Psych-Freak-Out-Truppe. Mit Insert und exklusivem Psych-Artwork. Ermöglicht im Rahmen King Gizzard Official Bootleg Initiative. Unverzichtbar für Fans von knalligem, überdehtem, modernem Psychedelic Rock'n'Roll.

Mit dieser exklusiven Best Of Vinyl wird der legendäre Italo-Disco-Künstler Alan Ross gebührend gefeiert. Erstmals erscheint eine umfassende Sammlung seiner größten Hits auf einem einzigen Album – ein echtes Highlight für Sammler und Liebhaber des Genres.

Freuen Sie sich auf zeitlose Klassiker wie „Valentino Mon Amour“ und „The Last Wall“, die bis heute zu den bekanntesten Tracks der Italo-Disco-Ära zählen. Das Besondere: Alle Titel sind in verschiedenen Versionen enthalten – von Original-Mixen über Extended Versions bis hin zu seltenen Varianten.

Diese Vinyl bietet nicht nur nostalgischen Hörgenuss, sondern auch einen spannenden Einblick in das musikalische Schaffen von Alan Ross. Ein unverzichtbares Album für alle Fans von Italo Disco und 80er-Sound – und für alle, die es noch werden wollen

Nach einer Phase der Reflektion und Transformation kehrt 6LACK mit einem kraftvollen neuen Album
zurück: „Love is the New Gangsta“ markiert den Beginn seiner bislang persönlichsten Ära. Das Projekt,
das auf Selbstfindung, Heilung und radikaler Ehrlichkeit basiert, zeigt den GRAMMY-nominierten, mit
Multi-Platin ausgezeichneten Künstler, wie er jede Schicht abträgt – und dabei Liebe, Identität, Wachstum
und die stillen Kämpfe untersucht, die uns prägen – als Mensch, als Vater und als Mann. Es ist ein Album,
das auf Transparenz und Verletzlichkeit aufbaut, auf dem sich jeder Text wie ein Gespräch anfühlt, zu dem
er endlich bereit ist, ehrlich zu führen.
Für 6LACK wird Liebe zum ultimativen Statement: Wachstum statt Ego, Mitgefühl statt Stolz und
Ehrlichkeit statt emotionaler Rüstung. Es ist eine Vision von Liebe, die weit über Romantik hinausgeht –
und Freundschaft, Gemeinschaft, Selbstliebe und die universelle Verbindung berührt, die uns alle verbindet.
Klanglich geht das Album über die alternativen R&B-Landschaften hinaus, die seinen Sound ursprünglich
geprägt haben. Diesmal bedient sich 6LACK einer aufgefrischten Palette, in der er gefühlvolle Melodien,
atmosphärische Produktionen und Momente rohen Minimalismus miteinander verbindet, die seinem Storytelling neue Impulse verleihen. Mit diesem neuen Kapitel kehrt 6LACK nicht nur zur Musik zurück, sondern
lädt die Zuhörer ein, gemeinsam mit ihm zu wachsen und zu lernen.

Limitierte Auflage von Alex Gs Original-Soundtrack zu ,I Saw the TV Glow", gepresst auf blauem Glow-Vinyl, mit holografischem Cover und einem ,Mr. Melancholy"-Aufkleber. Der von Alex G komponierte Soundtrack zu ,I Saw The TV Glow" (Original Motion Picture Score) wurde am 16. Mai 2024 von A24 Music veröffentlicht und umfasst 20 atmosphärische und eindringliche Titel. Das Album hat eine Spieldauer von 41 Minuten und enthält Titel wie ,Opening Theme from The Pink Opaque" und ,Downed Power Line", die die unheimliche Klangwelt für Jane Schoenbruns Film untermalen. Dieses Projekt ist Alex Gs zweiter Film-Score nach seiner Arbeit an ,We're All Going to the World's Fair". Der Alex G Original Score von "I Saw The TV Glow" unterscheidet sich vom Soundtrack-Album des Films, auf dem Künstler wie Caroline Polachek, Phoebe Bridgers und Sloppy Jane zu hören sind.

Richard Pinhas" Projekt Heldon zählt zu den markantesten Außenseitern des europäischen Undergrounds der 1970er Jahre, eine Verbindung aus den avancierten Spielarten des Progressive Rock und früher elektronischer Musik, die bis heute nichts von ihrer Dringlichkeit verloren hat. 1976 erschienen, markiert Agneta Nilsson einen Moment der Verdichtung: Die ausgedehnten Stücke entfalten sich in Zyklen aus Spannung, Schwebezustand und Entladung. Dabei folgt das Album einer inneren Logik, die zugleich präzise und offen wirkt, kontrolliert und doch jederzeit bereit, in Intensität umzuschlagen. Zum 50-jährigen gibt es nun eine Sonderedition in rotem Vinyl, handnummeriert und limitiert. Ein zentrales Album im Katalog Heldons, hier in einer sorgfältig produzierten Neuausgabe.

Robert Hoods interstellares Projekt Monobox gab 2003 mit diesem Debütalbum gleichzeitig seinen Einstand bei Logistic. Der Meister des Minimalismus nimmt uns mit auf eine Reise durch eine andere Ecke seines Universums, irgendwo zwischen "Minimal Nation" und "Nighttime World". Eine tiefe und hypnotische Reise durch Zeit und Raum. Ein Meilenstein des Minimal Techno.

Sudd WAX is a vinyl only label of Sudd Records. K'Alexi Shelby, considered one of the Chicago's true heroes and known as pioneer of Chi-town's sound. Deeply connected with Frankie Knuckles, Ron Hardy, Robert Owens, Larry Heard, Derrick May, Paul Johnson, names that prove his respect into the House Music Scene. Shelby's K.A.S. Sounds shows all those influences. Turn up the volume, and let the release gets into your mind.

DJ Support: Gilles Peterson and Lauren Laverne on 6Music, with club play from the likes of Axel Boman, Peter Kruder and Erol Alkan.

Photay drops epic acid breakbeat magic on ALWAYS COSMIC. The A-side features his remix of United Freedom Collective’s ‘Always Open’ (featuring the vocal talents of Falle Nioke) in both original and instrumental form. With early plays by Gilles Peterson & Lauren Laverne, the hype around this incredible track is building for good reason. There is an exceptional combination at play: slick, detailed, hifi dance production with powerful, prodigious talent on the drums – we call it ‘the PHOTAY advantage.’ The B-side brings expansive cosmic dub versions, the first track derived from the Always Open session, the second from Photay’s recent remix for Conclave & Toribio. Deep, emotional stuff that doesn’t lose track of fun-factor with sheer, un-fakeable excitement in the rhythm section!

Gravity Pleasure welcomes Maude Vôs for their most intimate EP offering to date, Medicinal Properties. Dripping in serenity and grounded in connection, Medicinal Properties is a musical elixir concocted with the healing modalities of the natural world and derived from the intentional planting and nurturing of sapphic seeds. Through minor modes, swimming cinematics and mineral-rich textures, Vôs traverses an ecosystem of sensuality and bonding, a symbiotic journey of long-distance love colored and shaped by their affinity for the earth.

Taking root in California and continuing throughout Ireland, Iceland, and Montreal, the EP translates this cross-continental connection by blurring the lines of timezones, genres, and natural landscapes. Inspired by sea swims, country oyster cottages, diner pancakes, snow flurries, geothermal soaks, mossy mornings, and adventures to igneous formations, Vôs invites you to experience this potent body of work, which forms the harmonious emotional bedrock of both kinship and creation.

Support comes from Yushh (“LOVE, so good!!!”), Jossy Mitsu (“Incredible <3”), Mixtress (“v pretty”), Peder Mannerfelt (“hot”), Batu (“like Maude Vos, downloading”), Vladimir Ivkovic (“Good! Thank you”), and OM UNIT (“Orr kore is lush”), amongst others.

Irish drone-doom-folk act One Leg One Eye, the project of founding Lankum member Ian Lynch and veteran noise monger George Brennan, announce their new album, CRONE, out on 1 May on AD 93.

Today the group share the first track on the album, ‘Many are my Names Besides’, on which they are joined by the elemental force that is legendary actor, performer, writer and director Olwen Fouéré (Operating Theatre) contributing vocals.

Olwen Fouéré comments:

“When Ian and George first approached me to work with them, they were already creating the Crone album as a sonic invocation of the ‘sovereignty goddess’, who personifies the land and the legitimacy to rule it, in her darkest and most terrifying form. As we spoke, the triple goddess figure of the Morrigan entered my mind, reinforced by a marked presence of crows every time we met. The Morrigan is essentially a war goddess, frequently appearing as a crow in a battlefield, a death prophet, a guardian of sovereignty, and a very powerful figure in Irish Mythology.

So I invoked her energy as a starting point, using text extracts that Ian sent me from the Ulster Cycle and other sources. The voice recording was done in one day, improvising the source material while the already composed music occupied my psyche through headphones.

Listening back, at this time in our world, I can only wonder at how much blood and war the Crone/ Crow of sovereignty is preparing to unleash now. Watch out.”

CRONE is the second album from Lynch and Brennan, following on from 2022’s slowburn slab of ambient grit, …And Take The Black Worm With Me. Bewildering, psychedelic and ultimately transcendental, the four tracks of One Leg One Eye’s CRONE shapeshift and morph endlessly in a coarse miasma. Traditional song structures and vocal melody are eschewed, instead the trio directly channel energies from the rich seams of mythological significance submerged below the Irish psyche. The anger, rage and beauty of the sovereignty goddess burn a consistent and deliberate line through the album in the form of obscure incantations and dire pronouncements, the gnarled sinews that bind it all together.

Just as the subject matter of the tracks delve deeper into Irish myth and the remote past, the temporal reality of the album reaches back into the bands prehistory, with the majority of it the material being recorded by Lynch and Brennan in 2021 before One Leg One Eye was conceived of as an entity with Brennan working on the CRONE project while Lynch worked on …And Take The Black Worm With Me.

When they were there they saw a lone woman coming to the door of the Hostel, after sunset, and seeking to be let in. As long as a weaver’s beam was each of her two shins, and they were as dark as the back of a stag-beetle. A greyish, wooly mantle she wore. Her lower hair used to reach as far as her knee. Her lips were on one side of her head.

She came and put one of her shoulders against the door-post of the house, casting the evil eye on the king and the youths who surrounded him in the Hostel. He himself addressed her from within.

"Well, O woman," says Conaire, "if thou art a wizard, what seest thou for us?"

"Truly I see for thee," she answers, "that neither fell nor flesh of thine shall escape from the place into which thou hast come, save what birds will bear away in their claws."

"It was not an evil omen we foreboded, O woman," saith he: "it is not thou that always augurs for us. What is thy name, O woman?"

"Calib," she answers.

"That is not much of a name," says Conaire.

"Lo, many are my names besides."

"Which be they?" asks Conaire.

"Easy to say," quoth she. "Samon, Sinand, Seisclend, Sodb, Caill, Coll, Díchóem, Dichiúil, Díthím, Díchuimne, Dichruidne, Dairne, Dáríne, Déruaine, Egem, Agam, Ethamne, Gním, Cluiche, Cethardam, Níth, Némain, Nóennen, Badb, Blosc, Bloár, Huae, óe Aife la Sruth, Mache, Médé, Mod."

On one foot, and holding up one hand, and breathing one breath she sang all that to them from the door of the house.

For its 30th anniversary, Kruder & Dorfmeister’s DJ-Kicks is available for the first time in mixed form on 3LP, remastered by Bernie Grundman and packaged in a special box set including original imagery. Kruder & Dorfmeister's rendition of the series created an era defining moment, which tied together a glowing array of musical registers. The Viennese downtempo royalty blended a fusion of slowed down moments across many genres with rolling Drum and Bass from the likes of Aquasky, the melting acid lines of deep Hardfloor and the 90s boom bap sampling, smoked out atmospherics of Thievery Corporation amongst many more.

These masters of mood channeled the sound of a moment with their DJ-Kicks, which still retains a certified cinematic sheen, the patina of the real – curation and mixing at its most playful and refined. It remains to this day one of the most recognizable DJ-Kicks and mixes of all time. Containing two certified cuts from K&D themselves; the wooze is strong on “High Noon” with Dorfmeister's intoxicating jazz flute licks and a trembling harmonica atop a mirage of breaks. Their DJ-Kicks original and legendary tune “Black Baby” closes the mix providing a piece of grandeur, riding off into the distance deep to the vanishing point.

When the mix dropped in 1996, the slo-beat pioneers were among the hottest producers in the dance universe. Even though they only produced two unreleased maxis, names like Count Basie, Bomb The Bass, Alex Reece or United Future Organization had some of their tracks remixed by these exceptional producers. Rumour has it during the work for DJ-Kicks and their debut album they refused doing remixes for U2, Grace Jones, Elvis Costello and the Fantastic Four! ‘DJ-Kicks: Kruder & Dorfmeister’ took its place in the pantheon a long while back, effortless in its ability to traverse sounds, styles and tempos while retaining a selection which remains timelessly recognisable as: Kruder & Dorfmeister.

Crimson Roots schöpfen tief aus dem Blues und erschaffen weiträumige, eindringliche Musik, in der progressive Strukturen und psychedelische Klangfarben auf Emotion und Erzählkunst treffen. Ihr Sound entsteht aus gefühlvollem Gitarrenspiel, ausdrucksstarkem Gesang, markanten Basslinien, warmen Vintage-Keyboards und dynamischem Schlagzeugspiel. Jedes Instrument dient dem Lied und formt eine Musik, die lebendig, ehrlich und zutiefst menschlich wirkt. Jedes Stück ist ein Spiegel ihrer gemeinsamen Reise - aufrichtig und stets im Wandel, genau wie die Band selbst.

Die erste britische Pressung seit der Vinyl-Ausgabe von Hangman Records aus dem Jahr 1991! Jetzt erweitert um zwei zusätzliche Titel: ihre ersten beiden Singles - ,Headcoat Girl" und ,Davey Crockett"! "Da saßen wir also, um einen Küchentisch herum, und tüftelten an Ideen und Melodien für ,Girlsville". ,Wild Man" - wow! ,Round Every Corner" (von Billy für uns geschrieben), ,First Plane Home", ein Kinks-Cover, das wir immer live spielten, ebenso wie ,Meet Jacqueline" (anscheinend von Albert Hammond geschrieben, seltsam!). Jeder Track war ein Hit, finde ich. Dann machten wir uns auf, die Welt zu erobern - mit unseren Alben ,Have Love Will Travel", ,Bozstik Haze" (nicht lila!) und ,Punk Girls" sowie zahlreichen 7"-Knallern. Was für ein Spaß, bis ,Here Comes Cessation" kam. Na ja, dachten wir zumindest..." - MISS LUDELLA BLACK - JAN 20206

Nur um es uns kompliziert zu machen, wollten die Cyanide Pills zeitgleich mit der Veröffentlichung ihres kompletten Singles-Albums eine neue Single herausbringen. Also, ja, diese limitierte 7"-Single enthält zwei neue Tracks, die NICHT auf ihrer neuen Doppel-LP/CD ,Singled Out" zu finden sind. Cyanide Pills veröffentlichten 2009 ihre erste 7"-Single ,Break It Up", gefolgt von weiteren 14 fantastischen 45ern, zuletzt eine Split-Single mit den Schweizer Nasty Rumours Anfang letzten Jahres. Die meisten dieser Veröffentlichungen enthielten exklusive, nicht auf Alben enthaltene B-Seiten, die Damaged Goods für ,Singled Out" zusammengestellt haben. Schön, sie alle an einem Ort zu haben, oder? Alle Tracks wurden im Billiard Room in Leeds mit Produzent Carl ,Razorblade" Rosamond aufgenommen.

Gravity Freeze ist die andere Seite derselben Medaille und entstand im gleichen Zeitraum wie Electric War.
Beide Alben wurden parallel aufgenommen, wobei bei Gravity Freeze Tony Coote am Schlagzeug sitzt. Die
Songs wurden in derselben Phase geschrieben und aufgenommen, allerdings gab es Stücke, die sich natürlicher in den Little Barrie-Kosmos einfügten – Gravity Freeze verfolgt dabei einen stärker songorientierten
Ansatz mit einer direkten Verbindung zu Rhythm & Blues, während Electric War experimenteller angelegt
ist.
Barrie hatte zuvor bereits mit dem Produzenten Rupert Lyddon an verschiedenen Soundtrack- und Filmprojekten gearbeitet, darunter der Dokumentarfilm-Soundtrack zu Dogs On The Streets sowie Barries
musikalische Beiträge zu Elvis und The Black Phone von Scott Derrickson.
Dies ist das erste Little Barrie-Album seit dem tragischen Tod von Virgil Howe im Jahr 2017.

Eine Hommage an das bahnbrechende Debütalbum von Irlands beliebtester Alternative-Band, The Cranberries. Mit neu remastertem Tonmaterial, das vom ursprünglichen Produzenten des Albums, Stephen
Street, in den Abbey Road Studios in London überarbeitet wurde.
Die spezielle 2CD-Deluxe-Edition enthält neu remastertes Material vom ursprünglichen Produzenten des
Albums, Stephen Street, sowie einen komplett neuen Mix des Albums, beides aufgenommen in den Abbey
Road Studios in London. Diese Ausgabe umfasst Titel, die während der ursprünglichen Sessions aufgenommen wurden, unveröffentlichte Live-Aufnahmen von ihrem Konzert im Londoner Astoria II im Jahr 1994
sowie den gefeierten Iain-Cook-Remix von „Linger“.
Erhältlich als CD, 2CD Deluxe Edition und LP

Mit Africanism Vol. 5 kehrt das legendäre Afro-House-Kollektiv rund um Bob Sinclar zurück und präsentiert ein kraftvolles, globales Club-Statement voller Rhythmus, Identität und musikalischer Verbindung. Das Album vereint herausragende Produzenten und Artists wie DJ Gregory, Moonlight Benjamin, Boddhi Satva, Arkadyan, Jesús Fernández, Bonga u. v. a. in zwölf Tracks, die moderne House-Produktionen mit afrikanischer Energie, traditionellen Instrumenten und organischen Grooves verschmelzen lassen. Von der voodoo-getränkten Intensität von "Zanmi Kanmarad" über die angolanische Tiefenwärme von "Mulemba Xangola" bis hin zum treibenden Club-Momentum von "Block Party (Baron Remix)" oder "Salsa House" liefert Africanism Vol. 5 ein Panorama aktueller Afro-House-Kultur. Die musikalische Bandbreite reicht von haitianischer Soul-Elektronik über pan-afrikanische Percussion bis zu modernen House-Arrangements mit französischer Produktionshandschrift. Ein hochkarätiges Producer-Album, das die DNA des Africanism-Sounds konsequent fortschreibt: international, zeitgemäß, tanzbar und voller musikalischer Identität.

Basement Jaxx greifen ihre Hymne "Where"s Your Head At" erneut auf - mit einem 2026-tauglichen Remix von Steve Angello. Der Track lädt die Big-Beat-Energie des Originals neu auf und passt sie an die wiederbelebte britische UK-Bassline-Clubkultur von heute an - nostalgisch, aber zugleich nach vorn gerichtet. Die Veröffentlichung folgt auf Angellos Auftritt beim Ultra Music Festival in Miami und geht einem Sommer voller Tourtermine für Basement Jaxx voraus, darunter ein großes Headline-Set beim Boiler Room Festival in London.

Sternenhimmel ist ein eindrucksvolles Klangwerk von Ulrike Haage und Eric Schaefer, das den nächtlichen Himmel als ältestes "Kino der Menschheit" musikalisch erfahrbar macht. Inspiriert von Raoul Schrotts kosmologischen Erzählungen und einem begleitenden Hörspiel entfaltet das Album zwölf Stücke, die um einen komponierten Kern frei improvisiert wurden. Haage verbindet Klavier, Harmonium und die schimmernde Celesta mit großer Sensibilität, während Schaefer mit Gongs, Becken, Pauken und seltenen Klangelementen wie "Mondgestein" eine fein modulierte Klangarchitektur entwirft. Die Stücke verzichten bewusst auf Hall- und Raumeffekte und schaffen so intime, präzise definierte musikalische Räume, die dem Hörer Zeit zum Nachspüren geben.

,Free Your Mind And Your Ass Will Follow" ist das zweite Album der Funk-Pioniere Funkadelic, das 1970, nur wenige Monate nach ihrem bahnbrechenden Debüt, erschien. Das Album, das bekanntermaßen aus einer einzigen, von LSD begleiteten Marathon-Session hervorgegangen ist, zeigt die Band bei der Verfeinerung ihres Songwritings, lässt aber dennoch viel Raum für experimentelle Jamsessions. Es markierte den offiziellen Einstieg des legendären Keyboarders Bernie Worrell und erreichte Platz 92 der Billboard Pop-Charts.

Die Original Vinyl-LP von 1984 wurde in einer kleinen Auflage neu aufgelegt. Die Songs wurden von Barrington Levy im Channel One Studio eingesungen, mit den Roots Radics als Backing Band, um dann von Soldgie Hamiltion, Scientist und Sylvan Morris im Harry J und Channel One Studio abgemischt zu werden, als Produzent zeichnete Henry "Junjo" Lawes verantwortlich. Das Titelstück "Prison Oval Rock" war als Single bereits 1982 erfolgreich in Jamaika erschienen und ist hier neben dem Original auch in der Dubversion zu hören, und wurde später von Collie Buddz in "Hustle" (2001) und von Mr. Vegas' "Mus Come A Road" (2008) gesampled. Als weitere klassische Reggae Riddims wurden identifiziert "Skylarking" ( Song"Good Loving"), Pressure And Slide (Song "Please Jah Jah") und "Boops" (Song "Rip & Run Off").

Der Score Soundtrack des Oscar-nominierten Komponisten Daniel Pemberton zum Film Project Hail Mary (dt. "Der Astronaut") ist jetzt auf CD und Vinyl erhältlich.Das Doppelalbum enthält beeindruckendes Bildmaterial aus dem Film sowie Pembertons atemberaubenden, cineastischen Score und lässt Fans noch tiefer in die außergewöhnliche Mission von Grace und Rocky zwischen den Sternen eintauchen. Die 2LP-Edition erscheint auf transparenten Schallplatten.Der mit dem Ivor Novello-Award ausgezeichnete und Oscar-nominierte Komponist Daniel Pemberton (Spider-Man: Into/Across the Spider-Verse, The Trial of the Chicago 7) präsentiert mit Project Hail Mary einen kraftvollen und mitreißenden Soundtrack. Episch, modern und emotional: Der Score verbindet treibende Percussion, beeindruckende Chöre, orchestrale Klangwelten sowie Synthesizer und elektronische Elemente zu einem einzigartigen Hörerlebnis.Basierend auf dem New York Times Bestseller von Andy Weir, mit Oscar-nominierten Ryan Gosling in der Hauptrolle und und inszeniert von den Oscar-prämierten Filmemachern Phil Lord und Christopher Miller, erzählt der Film die Geschichte von Ryland Grace: Einem Naturwissenschaftslehrer, der ohne Erinnerung auf einem Raumschiff erwacht - Lichtjahre entfernt von der Erde. Nach und nach kehrt sein Gedächtnis zurück, und er beginnt, seine Mission zu begreifen: das Rätsel um eine mysteriöse Substanz zu lösen, die die Sonne zum Erlöschen bringt. Um die Menschheit vor dem Aussterben zu bewahren, muss er sein wissenschaftliches Wissen und unkonventionelle Ideen einsetzen ... doch eine unerwartete Freundschaft zeigt ihm, dass er diese Aufgabe nicht allein bewältigen muss.

Auf ihrem zweiten Album erweitern Psyché ihre einzigartige Mischung aus Groove und Psychedelia um eine subtile politische Dimension. In Psychés Vision dient ihre Heimatstadt Neapel als pulsierender Schmelztiegel, in dem Klänge aus Nordafrika und dem Nahen Osten auf die Echos ferner Küsten wie Brasilien und Kolumbien treffen. Ihr Sound bewegt sich zwischen Cosmic Funk und Desert Blues, Cumbia, Dub und Jazz und wird durch den Einsatz analoger Synthesizer und treibender Basslines getragen. Die LP gewinnt dank der Zusammenarbeit mit dem tunesischen Sänger Ziad Trabelsi und der türkischen Sängerin MERVE (Altın Gün) an internationaler und politischer Bedeutung. Psyché II ist die Essenz einer Reise durch Kulturen und Identitäten: ein Album, in dem die gegenseitige Befruchtung und ein nomadischer Geist die Grundpfeiler eines zeitgenössischen Sounds bilden – verwurzelt im Mittelmeerraum und gleichzeitig weltoffen.



b 02: Hurriya (We Must Resist) feat. Ziad Trabelsi


b 02: Hurriya (We Must Resist) feat. Ziad Trabelsi


[b] 02: Hurriya (We Must Resist) [feat. Ziad Trabelsi]


[b] 02: Hurriya (We Must Resist) [feat. Ziad Trabelsi]


[b] A2 | Hurriya (We Must Resist) [feat Ziad Trabelsi]

,In the Grace Of Your Love" kam ursprünglich 2011 raus und war ein Neustart für The Rapture und eine willkommene Rückkehr zu DFA, dem Label, das ihnen zu ihrem sofort erfolgreichen Debüt ,Echoes" verholfen hatte. Der Schwung und Erfolg dieser Jahre führte zu einer Achterbahnfahrt mit einem großen Label, die sie wieder da landete, wo sie angefangen hatten - mit Narben, aber jetzt frei, die Grenzen der Erwartungen zu sprengen. Begleitet wurden sie dabei vom verstorbenen, großartigen Philippe Zdar, einer Hälfte des französischen Dance-Duos Cassius und Produzent von Künstlern wie Phoenix und den Beastie Boys. Zdars Begeisterung und technisches Können sind schon in den ersten 30 Sekunden des Albums zu hören: ,Sail Away" ist The Rapture in voller Pracht und Strahlkraft, ein fünfminütiger Ausatem mit Disco-Drums. Natürlich gibt es auch jede Menge Futter für die Dance-Kids - ,How Deep Is Your Love" rockt immer noch die Tanzflächen der New Yorker Bars, ,Miss You" ist ein unwiderstehlicher kleiner Streich in Moll -, aber insgesamt herrscht das Gefühl vor, dass man langsamer wird, Bilanz zieht und an den richtigen statt an den falschen Orten nach Sinn und Liebe sucht. Daher auch das Finale: ,It Takes Time To Be a Man", ein charmant ehrlicher, von Klavierklängen untermalter Song über Verantwortung übernehmen und anderen helfen. Er klingt wie nichts anderes im Repertoire von The Rapture und rundet es dennoch perfekt ab. Der Abspann läuft, die Zeit vergeht, Platten bedeuten immer noch alles.

“duo,” a collaboration between norwegian jazz heavyweight bugge wesseltoft and german house visionary henrik schwarz, is finally being reissued. it stands as one of the finest albums in the history of club music to so beautifully fuse jazz and electronic music. deep and experimental yet irresistibly melodic, this gem of a record possesses a captivating sensibility that draws in listeners of every kind. newly remastered by kuniyuki, this long-awaited reissue comes pressed on 180g vinyl. the refreshed artwork has been created by emerging japanese artist joji nakamura

happy 15th anniversary!

„Duo“, eine Zusammenarbeit zwischen dem norwegischen Jazz-Schwergewicht Bugge Wesseltoft und dem deutschen House-Visionär Henrik Schwarz, wird endlich neu aufgelegt. Es gilt als eines der besten Alben in der Geschichte der Clubmusik, das Jazz und elektronische Musik so wunderschön miteinander verbindet. Tiefgründig und experimentell, aber dennoch unwiderstehlich melodisch, besitzt dieses Juwel von einem Album eine fesselnde Sensibilität, die Zuhörer aller Art in ihren Bann zieht. Neu gemastert von Kuniyuki, erscheint diese lang erwartete Neuauflage auf 180-Gramm-Vinyl. Das überarbeitete Artwork stammt vom aufstrebenden japanischen Künstler Joji Nakamura.

Herzlichen Glückwunsch zum 15-jährigen Jubiläum!

We here at TSTD are longtime fans of UK producer/musician/Label maker MATT HUGHES. For a few years he is delivering tasteful, deep, dubbed reworks for Too Slow To Disco, some in Edit form, but also his 2 official remixes for Goodvibes Sound on The Sunset Manifesto 2.
Both new TSTD Edits on this 7 inch are slow disco masterworks, he is giving the originals his trademark deep, warm versions. Who is the guy….?
Matt Hughes is a music producer from the north of England. A purveyor of all things funk, soul, disco, jazz and house! Most recent releases have been with Outcross Records, Bubblegum Pop, Editorial and Too Slow To Disco. A large number of Matt's works have been released under the MAM project with Miguel Campbell remixing the likesof the Climbers, Deadmau5 and Flight Facilities, as well as putting out releases via Wolf+Lamb, Future Classic, Hot Creations, Outcross Records, BPitch Control and Editorial Records to name a few.
Among his most notable collaborations are works with Derrick McKenzie, drummer of Jamiroquai; Drop Out Orchestra, Art Of Tones, amongst others. Each of these collaborations has allowed him to explore new musical dimensions, enriching his characteristic sound with diverse and fresh influences.

With a musical style deeply rooted in disco, funk and jazz, Monsieur Van Pratt combines classical elements with contemporary touches, creating a sound experience that is both nostalgic and innovative. His work not only stands out for its technical quality, but also for its ability to connect emotionally with the listener, making him a central figure in the evolution of modern dance sound.

Record Kicks freut sich, die Vinyl-Neuauflage zum 10-jährigen Jubiläum von ,Late Nights & Heartbreak" zu präsentieren, dem Durchbruchsalbum von Hannah Williams & The Affirmations, auf dem der Song zu finden ist, der zum emotionalen Rückgrat von Jay-Zs wegweisendem Album ,4:44" wurde. ,Late Nights & Heartbreak" kam 2016 raus und wurde von Kritikern gelobt. Seitdem ist es ein moderner Soul-Klassiker. Sein Vermächtnis wurde besiegelt, als Jay-Z den Titelsong von ,4:44" komplett um Hannah Williams' Originalaufnahme herum aufgebaut hat. Der Song, der als unverfälschtes Geständnis der Untreue genutzt wurde, war Jay-Zs Antwort auf ,Lemonade" von seiner Frau Beyoncé und machte Hannahs unverwechselbare Stimme einem weltweiten Publikum bekannt. Aufgenommen im Quatermass Studio in London - der Heimat der Kulthelden The Heliocentrics - zeigt ,Late Nights & Heartbreak" Hannah, begleitet von ihrer neu gegründeten Band The Affirmations. Produziert wurde das Album von Malcolm Catto, der für seine Arbeit mit Künstlern wie Mulatu Astatke, Orlando Julius, Floating Points, Quantic, DJ Shadow und Madlib. Das Album wurde komplett analog gemischt und auf Band gemastert und bietet einen rohen, druckvollen und zutiefst eindringlichen Sound. Auf 13 Tracks erkundet ,Late Nights & Heartbreak" viszeralen, kraftvollen Soul mit einem subtilen psychedelischen Touch. Von der eindringlichen ersten Single ,Tame in the Water" bis zum unerbittlichen achtminütigen Groove von ,Still in My Head" zeigt das Album die schiere Kraft und Kontrolle von Hannahs Stimme in ihrer elektrisierendsten Form. ,Woman Got Soul" liefert fünf Minuten mitreißenden, kraftvollen Funk, während tiefgründigere Stücke wie ,Another Sunrise" und ,Your Luck Can Change" einen üppigen, emotionalen Hintergrund für Themen wie Liebe, Lust, Sehnsucht, Wut und Verletzlichkeit bieten. Alle Songs sind Originalkompositionen, die von dem in Bristol ansässigen Kollektiv um The Affirmations unter der Leitung von Musikdirektor James Graham geschrieben wurden - mit Ausnahme einer atemberaubenden, psychedelisch-souligen Neuinterpretation von ,Dazed and Confused", die stark von der Originalversion von Jake Holmes inspiriert ist. Hannah Williams, die schon früh von der verstorbenen Sharon Jones gesegnet wurde, eroberte 2012 mit ihrem Debütalbum ,A Hill of Feathers" die Soul-Szene. Die Single ,Work It Out" wurde ein Indie-Radiohit und ebnete den Weg für eine Karriere, die von moderner Soul-Mythologie geprägt ist. Aufgewachsen in einem musikalischen Haushalt, sang Hannah ab dem Alter von sechs Jahren im Kirchenchor und konnte Noten lesen, bevor sie richtig lesen konnte. Heute ist sie eine unaufhaltsame Kraft - eine Künstlerin mit einem seltenen Talent, wie es nur einmal in einer Generation vorkommt. Zehn Jahre später kehrt ,Late Nights & Heartbreak" in dieser speziellen Jubiläumsausgabe auf Vinyl zurück und bestätigt erneut, warum Hannah Williams & The Affirmations nach wie vor zu den kraftvollsten Stimmen des zeitgenössischen Soul gehören.

Greg Mendez war schon immer ein sparsamer Songwriter - er nutzt Zurückhaltung und Einfachheit als Werkzeuge, um den Kern seiner Songs zu schärfen. Auf Beauty Land, seinem neuen Album und Debüt-LP für Dead Oceans, werden wir von einem ironischen, aber nachsichtigen Erzähler begleitet, einem Underdog, der gelernt hat, Zynismus und Glauben in Einklang zu bringen. Diese Songs sind zurückhaltend, ohne selbstmitleidig zu sein, sorgfältig konstruierte Altäre der Unvollkommenheit, vermittelt durch Pop-Melodien, schimmernde, aber eindringliche Gitarren und eine Stimme, die nach der Unschuld eines Chorknaben strebt. Der Großteil von ,Beauty Land" wurde direkt auf Band aufgenommen, fast ganz allein in Mendez' provisorischem Heimstudio in Philadelphia - einem kleinen Raum ohne Tageslicht. Es ist sein erstes Album in voller Länge seit seinem unerwarteten Durchbruch mit dem selbstbetitelten Album im Jahr 2023, das nach 15 Jahren des Schreibens und Aufnehmens von Musik in relativer Unbekanntheit zwischen Philly und New York ein langsamer Erfolg wurde. ,Beauty Land" knüpft dort an, wo wir vor drei Jahren aufgehört haben - es lotet die Tiefen von Trauer, Liebe und Sucht aus -, aber seine intensive, ruhige Klarheit zeigt Mendez von seiner besten Seite als Songwriter. Teile von ,Beauty Land" fühlen sich wie ein luzider Traum an, in dem angeschlagene Charaktere sich ihren Weg durch eine karikaturhafte und verzerrte Welt bahnen - der gebrochene Uhrentakt von ,I Wanna Feel Pretty", das klingende Spielzeugklavier in ,Gentle Love". ,Mary / Dreaming" beginnt als spärliche, fingergezupfte Klage, bevor es abrupt zu einer enttäuschten, Beach-Boys-artigen, aber verkorksten Auflösung übergeht, die sowohl Melancholie als auch Freude hervorruft; ein Gefühl, dass alle Dinge gleichzeitig wahr sein können. Keiner der 14 Tracks ist länger als drei Minuten, aber sie erzählen Geschichten, die ein ganzes Leben umfassen. Der Tod schwebt durch das Album, sei es als Erinnerung oder als Bedrohung. Alles fühlt sich prekär an. Die Art und Weise, wie diese Songs aufgebaut sind, hat etwas Zerbrechliches: die Art und Weise, wie die Begräbnisorgel neben dem Morphium in ,Looking Out Your Window" erklingt, die verheerende Einfachheit von ,Frog" mit seinem verlangsamten Keyboard und dem nackten Refrain: ,Bitte vergib mir meine Fehler." Beauty Land fühlt sich manchmal unmöglich einsam an. Umso mehr zählt es, wenn das nicht der Fall ist - wie zum Beispiel, wenn Mendez gegen Ende von ,So Mean" im Duett mit seiner Frau und Bandkollegin Veronica singt und es sich wie ein lang ersehntes Wiedersehen anfühlt, wie ein flüchtiger Moment der Erlösung, wie eine vorübergehende Teilung der Meere.

Greg Mendez war schon immer ein sparsamer Songwriter - er nutzt Zurückhaltung und Einfachheit als Werkzeuge, um den Kern seiner Songs zu schärfen. Auf Beauty Land, seinem neuen Album und Debüt-LP für Dead Oceans, werden wir von einem ironischen, aber nachsichtigen Erzähler begleitet, einem Underdog, der gelernt hat, Zynismus und Glauben in Einklang zu bringen. Diese Songs sind zurückhaltend, ohne selbstmitleidig zu sein, sorgfältig konstruierte Altäre der Unvollkommenheit, vermittelt durch Pop-Melodien, schimmernde, aber eindringliche Gitarren und eine Stimme, die nach der Unschuld eines Chorknaben strebt. Der Großteil von ,Beauty Land" wurde direkt auf Band aufgenommen, fast ganz allein in Mendez' provisorischem Heimstudio in Philadelphia - einem kleinen Raum ohne Tageslicht. Es ist sein erstes Album in voller Länge seit seinem unerwarteten Durchbruch mit dem selbstbetitelten Album im Jahr 2023, das nach 15 Jahren des Schreibens und Aufnehmens von Musik in relativer Unbekanntheit zwischen Philly und New York ein langsamer Erfolg wurde. ,Beauty Land" knüpft dort an, wo wir vor drei Jahren aufgehört haben - es lotet die Tiefen von Trauer, Liebe und Sucht aus -, aber seine intensive, ruhige Klarheit zeigt Mendez von seiner besten Seite als Songwriter. Teile von ,Beauty Land" fühlen sich wie ein luzider Traum an, in dem angeschlagene Charaktere sich ihren Weg durch eine karikaturhafte und verzerrte Welt bahnen - der gebrochene Uhrentakt von ,I Wanna Feel Pretty", das klingende Spielzeugklavier in ,Gentle Love". ,Mary / Dreaming" beginnt als spärliche, fingergezupfte Klage, bevor es abrupt zu einer enttäuschten, Beach-Boys-artigen, aber verkorksten Auflösung übergeht, die sowohl Melancholie als auch Freude hervorruft; ein Gefühl, dass alle Dinge gleichzeitig wahr sein können. Keiner der 14 Tracks ist länger als drei Minuten, aber sie erzählen Geschichten, die ein ganzes Leben umfassen. Der Tod schwebt durch das Album, sei es als Erinnerung oder als Bedrohung. Alles fühlt sich prekär an. Die Art und Weise, wie diese Songs aufgebaut sind, hat etwas Zerbrechliches: die Art und Weise, wie die Begräbnisorgel neben dem Morphium in ,Looking Out Your Window" erklingt, die verheerende Einfachheit von ,Frog" mit seinem verlangsamten Keyboard und dem nackten Refrain: ,Bitte vergib mir meine Fehler." Beauty Land fühlt sich manchmal unmöglich einsam an. Umso mehr zählt es, wenn das nicht der Fall ist - wie zum Beispiel, wenn Mendez gegen Ende von ,So Mean" im Duett mit seiner Frau und Bandkollegin Veronica singt und es sich wie ein lang ersehntes Wiedersehen anfühlt, wie ein flüchtiger Moment der Erlösung, wie eine vorübergehende Teilung der Meere.

Greg Mendez war schon immer ein sparsamer Songwriter - er nutzt Zurückhaltung und Einfachheit als Werkzeuge, um den Kern seiner Songs zu schärfen. Auf Beauty Land, seinem neuen Album und Debüt-LP für Dead Oceans, werden wir von einem ironischen, aber nachsichtigen Erzähler begleitet, einem Underdog, der gelernt hat, Zynismus und Glauben in Einklang zu bringen. Diese Songs sind zurückhaltend, ohne selbstmitleidig zu sein, sorgfältig konstruierte Altäre der Unvollkommenheit, vermittelt durch Pop-Melodien, schimmernde, aber eindringliche Gitarren und eine Stimme, die nach der Unschuld eines Chorknaben strebt. Der Großteil von ,Beauty Land" wurde direkt auf Band aufgenommen, fast ganz allein in Mendez' provisorischem Heimstudio in Philadelphia - einem kleinen Raum ohne Tageslicht. Es ist sein erstes Album in voller Länge seit seinem unerwarteten Durchbruch mit dem selbstbetitelten Album im Jahr 2023, das nach 15 Jahren des Schreibens und Aufnehmens von Musik in relativer Unbekanntheit zwischen Philly und New York ein langsamer Erfolg wurde. ,Beauty Land" knüpft dort an, wo wir vor drei Jahren aufgehört haben - es lotet die Tiefen von Trauer, Liebe und Sucht aus -, aber seine intensive, ruhige Klarheit zeigt Mendez von seiner besten Seite als Songwriter. Teile von ,Beauty Land" fühlen sich wie ein luzider Traum an, in dem angeschlagene Charaktere sich ihren Weg durch eine karikaturhafte und verzerrte Welt bahnen - der gebrochene Uhrentakt von ,I Wanna Feel Pretty", das klingende Spielzeugklavier in ,Gentle Love". ,Mary / Dreaming" beginnt als spärliche, fingergezupfte Klage, bevor es abrupt zu einer enttäuschten, Beach-Boys-artigen, aber verkorksten Auflösung übergeht, die sowohl Melancholie als auch Freude hervorruft; ein Gefühl, dass alle Dinge gleichzeitig wahr sein können. Keiner der 14 Tracks ist länger als drei Minuten, aber sie erzählen Geschichten, die ein ganzes Leben umfassen. Der Tod schwebt durch das Album, sei es als Erinnerung oder als Bedrohung. Alles fühlt sich prekär an. Die Art und Weise, wie diese Songs aufgebaut sind, hat etwas Zerbrechliches: die Art und Weise, wie die Begräbnisorgel neben dem Morphium in ,Looking Out Your Window" erklingt, die verheerende Einfachheit von ,Frog" mit seinem verlangsamten Keyboard und dem nackten Refrain: ,Bitte vergib mir meine Fehler." Beauty Land fühlt sich manchmal unmöglich einsam an. Umso mehr zählt es, wenn das nicht der Fall ist - wie zum Beispiel, wenn Mendez gegen Ende von ,So Mean" im Duett mit seiner Frau und Bandkollegin Veronica singt und es sich wie ein lang ersehntes Wiedersehen anfühlt, wie ein flüchtiger Moment der Erlösung, wie eine vorübergehende Teilung der Meere.

Colemine freut sich, die ersten neuen Songs vom Delvon Lamarr Organ Trio seit über vier Jahren vorzustellen. Die Songs sind von den ,I Told You So"-Sessions und von einer bald erscheinenden LP. Auf der A-Seite gibt's den superfunkigen ,Chicken Leg" und auf der B-Seite den langsamen ,If I Could". Mit dabei sind Lamarr an der Orgel, der unschlagbare Jimmy James (Parlor Greens, True Loves) an der Gitarre und der tiefe Pocket von Grant Schroff (Polyrhythmics, Champagne Bubblebath) am Schlagzeug. Mit dabei sind Lamarr an der Orgel, der unvergleichliche Jimmy James (Parlor Greens, True Loves) an der Gitarre und der tiefgründige Grant Schroff (Polyrhythmics, Champagne Bubblebath) am Schlagzeug.

Nach den jazzigen Library-Klängen der 2023 erschienenen gemeinsamen LP ,Dolphin" mit Greg Foat und Moses Boyd kehrt der venezianische Maestro Gigi Masin zu dem Ambient-Sound zurück, für den er bekannt ist - mit ,Movement", seinem ersten Solo- Album seit ,Calypso" aus dem Jahr 2020 und seinem Debüt bei Sacred Bones Records. Angetrieben von kreativer Neuerfindung und rhythmischer Bewegung bewegt er sich nahtlos zwischen melancholischen MIDI-Klängen, technoider Robotik, groovigen, liminalen Wolkenlandschaften und meeres tiefem Ambient. Seit seinen frühen Anfängen in der Anonymität baute sein Debütalbum ,Wind" aus dem Jahr 1986 langsam eine organische Anhängerschaft im Late-Night-Radio auf, die später noch verstärkt wurde, als ,Clouds" von Künstlern wie Björk, Post Malone und anderen gesampelt wurde. Zu seinen Fans zählen heute Oneohtrix Point Never, Devendra Banhart, Caroline Polachek und der verstorbene Kenny Wheeler. Das neue Album ,Movement" reflektiert Masins Stellung im Pantheon der Ambient-Meister, seine anhaltenden künstlerischen Ambitionen und seine Bestrebungen für eine Szene, deren exponentielles Wachstum er seit ihren bescheidenen Anfängen miterlebt hat. Die LP ist zudem eine Ode an die wörtliche Bewegung, sowohl in der Natur als auch in den körperlichen Ausdrucksformen des Menschen gegenüber dem Klang. Masin strebte danach, Ambient-Musik für Bewegung zu schaffen, nicht im üblichen Sinne von Tanzmusik, sondern ,dynamische Musik, mit einem schlagenden Herzen voller Liebe". Indem er die Assoziation von Ambient mit einsamen Hörerlebnissen und kühler Akademik auflöste, wandte sich Gigi nach außen und kanalisierte etwas Somatisches, das sich mit dem Körper verbindet, nicht nur mit dem Geist. ,Bed on Mars" gibt den titelgebenden Ton für Masins neu entfachte Neugier an, mit kosmischen Atmosphären, die das Gefühl hervorrufen, auf einem neuen Planeten ohne Furcht zu erwachen, während die ergreifende synthetische Trompete und der schwebende liminale Schwebezustand von ,Lost" sich anfühlen, als würde man in einem unbekannten Meer treiben. Noch tiefer in die exzentrischen Beats taucht der himmlische Techno-Funk von ,Deception Dance" ein, der klingt, als würden Sun Electric mit Carl Craig und Kraftwerk jammen. Das strahlende Licht von ,Golden" strahlt Wärme aus und klingt wie der Bossa-Nova-Bruder von Göttschings Balearic- Klassiker E2 E4. Trotz des Todes seiner Frau nach langer Krankheit und des Verlusts seines musikalischen Archivs durch eine Überschwemmung bleibt Gigi im Herzen rein und positiv und legt seine ganze Seele in das Streben nach Schönheit. Als jüngstes Werk einer langsam beginnenden, aber stetig wachsenden Karriere festigt Masin mit ,Movement" weiterhin seinen Platz unter den wahren Ambient-Größen.