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Zum ersten Mal seit über 50 Jahren hat sich die Originalbesetzung der Alice Cooper Band wiedervereint – und präsentiert mit "The Revenge of Alice Cooper" ein brandneues Studioalbum. Für die Aufnahmen fanden sich Alice, Neal, Michael und Dennis gemeinsam mit Produzent Bob Ezrin in einem klassischen Old-School-Studio in Connecticut ein. Das Werk wird bereits jetzt als würdiger Nachfolger legendärer Alben wie "School’s Out", "Billion Dollar Babies", "Love It to Death" und "Killer" gehandelt. "The Revenge of Alice Cooper" ist eine Hommage an den Vintage-Horror und den Shock Rock der 70er Jahre. Es fängt genau jene rohe Energie, den rebellischen Geist und den unverwechselbaren Sound ein, mit dem die Originalbesetzung einst Musikgeschichte schrieb. Ein besonders emotionaler Moment des Albums ist der posthume Auftritt von Glen Buxton, dem ursprünglichen Gitarristen der Band, der 1997 verstarb. Auf dem Song "What Happened To You" ist ein bislang unveröffentlichter Gitarrenpart von ihm zu hören – eine berührende Verbindung von Vergangenheit und Gegenwart. Das Album ist eine Hommage an Freundschaft, Nostalgie und den zeitlosen Sound, der die Alice Cooper Band zu RockIkonen machte. Die Fans dürfen sich auf ein kraftvolles, emotionales Hörerlebnis freuen. Vom giftigen Biss von "Black Mamba" über die rebellische Energie von "Wild Ones" bis hin zu den sanft-geisterhaften Klängen von "See You on the Other Side", jeder Song klingt wie ein moderner Rock’n’Roll-Klassiker.

Zum ersten Mal seit über 50 Jahren hat sich die Originalbesetzung der Alice Cooper Band wiedervereint – und präsentiert mit "The Revenge of Alice Cooper" ein brandneues Studioalbum. Für die Aufnahmen fanden sich Alice, Neal, Michael und Dennis gemeinsam mit Produzent Bob Ezrin in einem klassischen Old-School-Studio in Connecticut ein. Das Werk wird bereits jetzt als würdiger Nachfolger legendärer Alben wie "School’s Out", "Billion Dollar Babies", "Love It to Death" und "Killer" gehandelt. "The Revenge of Alice Cooper" ist eine Hommage an den Vintage-Horror und den Shock Rock der 70er Jahre. Es fängt genau jene rohe Energie, den rebellischen Geist und den unverwechselbaren Sound ein, mit dem die Originalbesetzung einst Musikgeschichte schrieb. Ein besonders emotionaler Moment des Albums ist der posthume Auftritt von Glen Buxton, dem ursprünglichen Gitarristen der Band, der 1997 verstarb. Auf dem Song "What Happened To You" ist ein bislang unveröffentlichter Gitarrenpart von ihm zu hören – eine berührende Verbindung von Vergangenheit und Gegenwart. Das Album ist eine Hommage an Freundschaft, Nostalgie und den zeitlosen Sound, der die Alice Cooper Band zu RockIkonen machte. Die Fans dürfen sich auf ein kraftvolles, emotionales Hörerlebnis freuen. Vom giftigen Biss von "Black Mamba" über die rebellische Energie von "Wild Ones" bis hin zu den sanft-geisterhaften Klängen von "See You on the Other Side", jeder Song klingt wie ein moderner Rock’n’Roll-Klassiker.

Protector Edition: Amethyst Swirl Vinyl. Mit "Sharon Van Etten & The Attachment Theory" präsentiert Sharon Van Etten eine aufregende neue Dimension ihres Sounds und Songwritings. Zum ersten Mal wurde das Album in völliger Zusammenarbeit mit ihrer Band - Jorge Balbi (Schlagzeug, Maschinen), Devra Hoff (Bass, Gesang) und Teeny Lieberson (Synthesizer, Klavier, Gitarre, Gesang) - geschrieben und aufgenommen, was Van Etten genau die Freiheit gab, die sich aus dem Loslassen ergeben hat. Die Themen sind zeitlos, klassisch Sharon, aber die Klänge sind neu, vollständig realisiert und scharf wie Glas. Diese neue Herangehensweise begann während der Proben in der Wüste für eine bevorstehende Tournee, als Van Etten ihre Band in den kreativen Prozess einbezog: "Zum ersten Mal in meinem Leben habe ich die Band gefragt, ob wir einfach jammen können. Worte, die nie aus meinem Mund kamen - niemals! Aber ich liebte alle Sounds, die wir bekamen. Ich war neugierig - was würde passieren?" Offenbar Magie. "In einer Stunde schrieben wir zwei Songs, aus denen schließlich "I Can't Imagine" und "Southern Life" wurden." Das Album wurde im ehemaligen Studio der Eurythmics, The Church, aufgenommen, das perfekt zu der mystischen Mischung aus Elektronik und analogen Texturen der Band passt. Die Produzentin Marta Salogni (Björk, Bon Iver, Animal Collective, Mica Levi) war sowohl als Bindeglied als auch als Produzentin unverzichtbar, da sie "die Synthesizer liebte und einen Sinn für Abenteuer hatte" und es verstand, "die Dunkelheit und die einzigartigen Klänge zu umarmen, die wir während des Schreibprozesses entwickelt hatten", so Van Etten. Über diese neue künstlerische Geisteshaltung und die Kunst des gemeinsamen Schreibens sinniert Van Etten: "Manchmal ist es aufregend, manchmal ist es beängstigend, manchmal fühlt man sich festgefahren. Jeder Tag fühlt sich ein wenig anders an - einfach in Frieden zu sein mit dem, was man fühlt und wer man ist und wie man in diesem Moment zu den Menschen steht. Wenn ich einfach offenbleiben kann und gleichzeitig weiß, dass sich meine Gefühle jeden Tag ändern, ist das alles, was ich im Moment tun kann. Das und versuchen, die beste Person zu sein, die ich sein kann, während ich andere Menschen so sein lasse, wie sie sind, und es nicht persönlich nehme und einfach nur bin. Ich bin noch nicht so weit, aber ich versuche, jeden Tag so weit zu sein." Mit "Sharon Van Etten & The Attachment Theory" vertieft Van Etten den Diskurs, der einen Großteil ihres Katalogs belebt, und erforscht, was es bedeutet, einfach nur ein Mensch zu sein. Das ist ihr Genie - schräg, aber auch relevant und persönlich.

Rachika Nayar und Nina Keith veröffentlichen am 18. Juli unter ihrem neuen Projekt Disiniblud ein selbstbetiteltes Album!

Rachika Nayar und Nina Keith, aka Disiniblud, treffen sich in Brooklyn, in einem Park, der so klein ist, dass man nicht aneinander vorbeigehen kann, ohne sich zu bemerken. Sie reden. Erst über Musik, dann über alles. Über das, was war, über das, was nicht mehr sein wird. Post-Lockdown-Liebe auf Distanz, als würde man sich an jemandem festhalten, den es nie ganz gab. Buddhismus, Hinduismus, ein Soundtrack, den sie beide als Teenager geliebt haben. Ein Gespräch ohne Worte. Eine Verbindung, die sich anfühlt wie eine längst vergessene Kindheitserinnerung. "Disiniblud", das selbstbetitetelte Album, das am 18.07.2025 via Smugglers Way erscheint, ist das Echo davon. Rachika Nayar und Nina Keith verfolgen unterschiedliche musikalische Ansätze, die sie im gemeinsamen Projekt Disiniblud zusammenführen. Rachika veränderte mit ihrer 2022er LP "Heaven Come Crashing" ihr Repertoire: Statt Ambient-Gitarren setzt sie nun auf maximalistische Synthesizer, tiefe Sub-Bässe und Amen Breaks. Diese Fusion aus Post-Rock und Elektronika wurde von Pitchfork als Best New Music ausgezeichnet und fand Anerkennung in Medien wie The New York Times, Stereogum, Fader und GQ - zudem eröffnete sie Tourneen mit M83. Nina Keith ist bekannt für ihren autodidaktischen Kompositionsstil. Ihr Debüt "MARANASATI 19111" präsentierte sie mit Instrumenten wie Cello, Klavier, Klarinette und Flöte, um persönliche Erfahrungen und Erlebnisse im Zusammenhang mit Gemeinschaftstraumata und paranormalen Ereignissen musikalisch zu verarbeiten. Mit neuen Veröffentlichungen wie "Come Back Different" featuring Julie Byrne erweitert sie ihr Spektrum durch den Einsatz modularer Synthesizer und komplexer Vokalarrangements.





e a5. [it could happen]




[j] b5. [as is most (bimbo it out)]





[e] a5. [it could happen]




[j] b5. [as is most (bimbo it out)]

Bring the epic Starfleet adventures to a new dimension!

We are proud to present the exclusive colored vinyl release of
the thrilling original soundtrack of Star Trek: First Contact!
Take a deep dive into the world of Captain Picard and his
crew with a soundtrack that perfectly captures the thrilling
moments and dramatic climaxes of this intergalactic classic.

Erleben Sie das epische Abenteuer der Sternenflotte in einer
neuen Dimension!

Wir freuen uns, Ihnen das exklusive farbige Vinyl-Release
des mitreißenden Original Soundtracks zu Star Trek: First
Contact anzubieten! Tauchen Sie ein in die Welt von Captain
Picard und seiner Crew mit einem Soundtrack, der die
packenden Momente und dramatischen Höhepunkte dieses
intergalaktischen Klassikers perfekt einfängt.

SASSYHIYA want to take you somewhere. The journey starts in Kathy and Helen's flat in South London. Sit down, close your eyes, and immerse yourself... You are on your way to a musical rainforest a long way from Camberwell. Explore your new surroundings, and you will find beautiful pop blooms like Let's See What We Can Find, as bright and vibrant as The Sundays, thrusting their colourful faces up from the forest floor. You'll find tangles of sharp-edged guitar, as if Swiss she-punks Kleenex had been left to evolve here in the rich fertile soil (I Had A Thought). You'll find dark pools full of lyrical complexity, deceptively deep and immersive, with shimmering reflections of The Go-Betweens (Perennial). And you'll come across delicate love songs, creeping up the trunks and branches of the bass and drums, displaying their fragile beauty (Thank You And Goodbye). And what's that exotic striped animal prowling through the undergrowth? Actually, it's Crayon Potato, Sassyhiya's pet cat, the other resident of their flat in South London, taking up her role as the feline star of a lilting, singalong anthem written in her honour. That's what is so great about this album. You are somehow, simultaneously, exploring the most exotic forest in the world while also sitting in a flat in an ordinary, familiar English street with Sassyhiya and their cat. This album transports you without pretending the real world doesn't exist: it doesn't get all mystical on you (Take You Somewhere is as unlike Enya as anything you've heard). Sometimes you might be reminded of Girls At Our Best, and then Delta 5. You might even, on occasion, think of Echo and the Bunnymen. Sassyhiya (pronounced "Sassy Hiya") were formed when Helen and Kathy, real-life partners and co-songwriters, joined up with Pablo and Neil (drums and guitar). Helen had previously been in Boys Forever and Basic Plumbing, collaborating with much-missed Veronica Falls musician Patrick Doyle. She and Kathy then formed Barry, a stripped-down queercore outfit, with Bart McDonagh (The Male Gays) and Mark Amura (My Executive Dysfunction). Sassyhiya feels like a culmination of all these elements, hitting the sweet spot between post-punk and indie pop. They know their way around a melody but still keep it wonky, with influences ranging from the Breeders and Broadcast to Dolly Parton.

Nach den Erfolgen des Merchcowboy Mixtapes Vol. 1 und Vol. 2 erscheint am 18. Juli 2025 der dritte Teil des Benefizsamplers. Dieses Mal unterstützt man #LeaveNoOneBehind sowie PRO ASYL und stellt sich so klar gegen Rechtsruck und Ausgrenzung und positioniert sich für bedingungslose Humanität. Unter anderen unterstützen Die Toten Hosen, Die Ärzte, Deichkind, Broilers, Heaven Shall Burn, Donots, Madsen, Grossstadtgeflüster, Sondaschule, Montreal, Deine Cousine, Juli, Ebow, Lara Hulo, H-Blockx, Heisskalt und viele weitere der bekanntesten Namen der deutschen, alternativen Musikszene das Projekt. Allesamt Bands und Künstler*innen, die politisch aktiv sind und sich für eine weltoffene, tolerante Gesellschaft einsetzen. Das Merchcowboy Mixtape Vol. 3 wird durch Musik Spenden für die Organisationen #LeaveNoOneBehind sowie PRO ASYL sammeln. Also genau die Organisationen, die sich täglich für die Förderung gelebter Demokratie, die Unterstützung von Geflüchteten sowie Bekämpfung von Faschismus einsetzen. Alle Bands und Künstler*innen verzich-ten hierbei auf Gagen - der Erlös aus dem Verkauf des Samplers wird vollständig zu gleichen Anteilen an beide Organisationen gespendet.

Ein Muss für alle Trekkies und Liebhaber epischer Filmmusik: Die Vinyl-Ausgabe des Original Soundtracks zu Star Trek: Generations bringt die majestätischen und dramatischen Klänge eines besonderen Kapitels der SternenflottenGeschichte direkt auf den Plattenteller. Dieser Soundtrack, komponiert von Dennis McCarthy, begleitet den siebten Star Trek-Kinofilm mit emotionaler Tiefe, spannungsgeladener Dynamik und dem typischen orchestralen Stil, der das Franchise über Jahrzehnte geprägt hat. Ob die legendäre Begegnung zweier Captains oder die epischen Weltraummomente – jedes Stück entfaltet auf Vinyl eine besondere Klangwärme und Nostalgie. Diese LP ist nicht nur ein Sammlerstück, sondern auch ein emotionales Hörerlebnis – ideal für ruhige Sternenstunden zu Hause oder als Geschenk für echte Starfleet-Enthusiasten

For the fourth release on her celebrated record label Uppers and Downers, Dr.Rubinstein returns to the producer's seat with Take This Pill, a new 3-track EP that showcases the dynamic, ever-widening range of her signature acid sound. Lacing lively dancefloor cuts with a dose of personal storytelling and a playful yet honest take on mental health, Take This Pill delivers on Rubi's distinct ability to honor classic rave sensibilities while also always imparting her own unique twist.

The title track journeys from dark, acid-laced electro breaks into a shimmering wash of euphoric synths, energized along the way by drumrolls, hoovers, and a vocal refrain repeatedly voicing the Doctor's prescription: "Take this pill!" More than just a nod to classic XTC bangers, "Take This Pill" explores the emotional spectrum of neurodivergence and the pharmaceutical pathways many embark upon on a quest to "fit in," mirroring the lived experience of internal struggle giving way to external composure.

Things shift up a few gears on track two, the aptly-titled "No Brainer," a relentlessly energetic, no-nonsense stomper designed with the soul purpose of making you move. The track features sidewinding Goa-tinged acid lines swirling through a hard trance kick scape adorned by with soaring strings and shimmering cymbal rolls.

The EP concludes with a gorgeous, melodic rave-infused cut that shows a more tender, reflective side of Rubinstein's repertoire. Referencing one of Rubi's favorite tunes, The KLF's iconic "3 AM Eternal," diaphenous ambient vocals soar over a melancholic acid ballad that, never to be taken too seriously, is punctuated by humorous woops and cheeky rave whistles.
With Take This Pill, Dr. Rubinstein invites listeners into her world-one where vulnerability, humor, and acid rave euphoria collide. A perfect addition to her label's growing catalog, Take This Pill upholds the mission of Uppers and Downers: to collect and circulate timeless, tried-and-true tunes that celebrate the uplifting, affirmative power of rave music.

Auf "At Tubby's" spielt Dougie Poole Live-Versionen seiner beliebtesten Songs in einem Veranstaltungsort, der von Musikern für seine Intimität und Akustik sowie für seine außergewöhnliche Behandlung von tourenden Musikern geliebt wird. Dieses Set war wie geschaffen für die Veröffentlichung als Live-Album, da es ein besonderer Abend für die Band war. Einer dieser Abende, an denen die Musik, das Publikum und der Raum zusammenkommen. Das Album wurde direkt am Mischpult aufgenommen, wobei Dougie selbst nur minimale Nachbearbeitungen vornahm. Dougies Live-Band auf "At Tubby's" besteht aus Mike Etten an der elektrischen Gitarre und Connor ,Catfish" Gallaher an der Pedal Steel. Beim ersten Song des Abends, ,Los Angeles", ergänzen Ettens klassische Country-Licks und Catfishs hochfliegende Slide-Linien perfekt Dougies beeindruckende akustische Arbeit und seinen goldenen Bariton. Man merkt, dass die drei schon seit Jahren zusammen spielen und in dieser Formation straßentauglich sind. Sie nehmen sich einiger von Dougies beliebtesten Songs an, von Rave-Up's (,Beth David Cemetery" & ,Vaping on the Job") bis hin zu Country-Balladen (,Must Be in There Somewhere", ,Don't You Think I'm Funny Anymore") und allen Punkten dazwischen. Es gibt hier einige Stücke, die für Fans von Dougies letzten Alben neu sein könnten. ,Toshiba Sky" ist eine einmalige digitale Single aus dem Jahr 2020 und ,Wild Motion` ist ein Stück, das Dougie für Drugdealer aus L.A. geschrieben hat, die es für ihr 2020er Album Raw Honey aufgenommen haben. Bei "At Tubby's" wurde auch eine neue Komposition von Dougie aufgenommen, ,Heaven Sent an Angel", die das Set mit einer herzlichen Note abschließt. "At Tubby's" entführt den Zuhörer an einen anderen Ort und in eine andere Zeit und ist für alte und neue Fans ein spannendes Erlebnis.

Coral Grief, das Rocktrio aus Seattle, und Air Between Us, sein Debütalbum, sind treffend betitelt. Die ersten Töne von Sam Fasons Gitarre im Opener ,Starboard" treffen wie ein Windstoß Seeluft ins Gesicht. In nur wenigen Sekunden schwebt man, zu gleichen Teilen unter dem Himmel und über dem Meer. Es ist ein ähnliches Dazwischen, in dem Coral Grief gedeihen, denn sie konstruieren ein kunstvolles Geflecht aus doppelten Bedeutungen in dieser Hommage und Lobrede auf ihre Stadt und Community. Die Sängerin und Bassistin Lena Farr-Morrissey und Fason sind durch die psychische Chemie verbunden, die man nur durch jahrelanges gemeinsames Spielen in Bands entwickeln kann. Die Gitarre von Fason ist das Segel zu Farr-Morrisseys Anker, und hier schafft er Texturen, die so dicht sind wie der Wind. Das Bindeglied - der Motor in dieser nautischen Metapher - ist Schlagzeuger Cam Hancock, der von gemeinsamen Freunden wärmstens empfohlen wurde. Sein treibendes Spiel dient als Brücke der Ideen, als letztes Puzzlestück, als Meister der Dynamik und Übergängen, der ihre Songs in neue Gefilde treibt, ohne dabei aufzufallen. Gemeinsam lassen sie sich von Stereolab, Broadcast, Th' Faith Healers und Seefeel inspirieren, und umrahmen diese sehr spezifische Sorte von britischer Coolness auf eine einzigartige Weise wie es sie nur im pazifischen Nordwesten gibt. Um die Songs zum Leben zu erwecken, begab sich das Trio ins The Unknown - eine eine stillgelegte Kirche, die als Segelmanufaktur und Aufnahmestudio in Anacortes, WA dient. In Zusammenarbeit mit dem Toningenieur Nich Wilbur, der sich von fünf Matchas pro Tag ernährte, wurde der Arbeitsraum zu ihrem Workshop. ,Wir wollten die Dinge zu dritt angehen, aber auch, dass es so üppig und voll wie möglich klingt", erklärt Fason.

Eines wollen die Forth Wanderers vor der Veröffentlichung ihres dritten Albums "The Longer This Goes On" klarstellen: "Wir sind nicht zurück", sagt Gitarrist Ben Guterl mit Nachdruck. Das ist vielleicht eine unerwartete Aussage für das erste Album der Band seit ihrer Trennung vor sieben Jahren, aber die Band besteht darauf, dass es eine ehrliche Antwort ist - sie haben sich zusammengefunden, um die zehn kompliziert konstruierten Perlen aufzunehmen, die dieses neue Album ausmachen, und sie sind immer noch dabei herauszufinden, was es für sie bedeutet, in Forth Wanderers zu sein. Wenn man sich diese Songs anhört, von denen jeder einzelne ein glitzerndes Fest der eindringlichen und intuitiven Texte von Sängerin Ava Trilling und der natürlichen musikalischen Chemie der Band ist, hat man allerdings kaum das Gefühl, dass irgendetwas ungesagt bleibt. Das Album ist voller glänzender Melodien, klingender Gesangsharmonien und schlüpfriger, schräger Rhythmen und ist mehr als nur eine Rückkehr zur alten Form. Die Band scheut sich nicht, den Umweg über eine Hook zu gehen, indem sie instrumentale Schnörkel übereinander legt, um die leeren Stellen zu füllen, Raum für Trillings eindringliche Stimme zu schaffen oder ein Riff oder einen Text zu wiederholen, bis er zu einem Zen-Koan wird. Auf "The Longer This Goes On" klingen Forth Wanderers selbstbewusster und selbstsicherer als je zuvor. Man sollte es nur nicht als Comeback bezeichnen. Der Weg zu "The Longer This Goes On" begann im Sommer 2021 in einem Café in Brooklyn. Dort trafen sich Guterl und Trilling zum ersten Mal seit der Auflösung der Forth Wanderers im Jahr 2018. Die drei Jahre, die sie voneinander getrennt waren, hatten den Druck, den die Band während der Tourneen mit ihrer früheren Musik verspürte, teilweise abgebaut: "Wir fühlten uns alle frei, herumzualbern und Spaß zu haben", sagt Guterl. Die Wiedervereinigung mit dem Bassisten Noah Schifrin, dem Gitarristen Duke Greene und dem Schlagzeuger Zach Lorelli führte dazu, dass sich das Spielen so gut anfühlte, wie seit der Gründung der Band nicht mehr. "Es fühlte sich an, als wären wir wieder in der High School". Die Band hat die Art und Weise, wie sie bisher gearbeitet hat, neu definiert. "Dies ist das erste Mal, dass ein Großteil der Musik organisch entstanden ist", erklärt Schifrin. "Alle fünf von uns haben wirklich auf eine Art und Weise zum Schreibprozess beigetragen, wie wir es in der Vergangenheit nicht getan haben", fügte Guterl hinzu. Das daraus resultierende Album, das unter dem wachsamen Auge von Dan Howard produziert wurde, zeigt die Band so präsent und unbelastet, wie sie ihren Sound zum ersten Mal in Echtzeit geschaffen hat. Die Texte sind vollgepackt mit Bekenntnissen, die so breit gefächert sind, dass sich jeder, der sich in den Wirren einer unsicheren romantischen Vorhölle verirrt hat, verstanden fühlt, und doch so präzise geschrieben, dass sie eindeutig aus eigener Erfahrung stammen müssen. Das ist genau das, was Forth Wanderers sowohl so universell nachvollziehbar als auch so speziell macht. Auf "The Longer This Goes On" haben sie diese Fähigkeit, mit minimalistischen Texten und üppiger Instrumentierung an den starken Fäden der romantischen Langeweile zu ziehen, noch vertieft. Forth Wanderers sind sich nicht sicher, was als Nächstes kommt - sie wissen nicht, ob sie weiterhin neue Musik aufnehmen werden oder ob sie diese Songs jemals live aufführen werden. Diese Aufnahmen sind also zehn flüchtige, aber unschätzbare Eindrücke aus der Zeit, die sie als Band verbracht haben; das Wiederaufleben von Freundschaften zwischen Highschool-Kumpels, deren Träume sie ins Rampenlicht katapultiert haben, bevor sie alt genug waren, um Auto zu fahren; Songs, die die Ungewissheit der Zukunft ebenso einfangen wie ihre Musik ihr eigenes Selbstvertrauen in der Gegenwart zementiert. Auf "The Longer This Goes On" machen die Forth Wanderers Musik zu ihren eigenen Bedingungen.

"Crack" ist radikale Reduktion - Für das zweite Album hat die Berliner Band alle Differenzen und Summen weggestrichen und im Proberaum ein Punk-Album eingespielt, das keine weiteren Genrebezeichnungen braucht. DIY wird hier nicht als Gimmick, sondern als alternativlose Notwendigkeit verstanden - "Crack" entstand ohne Studio, ohne Produzent und ohne Ahnung. SEXBEAT interpretiert Punk geschichtsbewusst mit weitgefächerten Einflüssen, die von Oblivians über Suicide bis hin zu Hot Snakes reichen. Klanglich orientiert man sich am 90er-Jahre-Sound des Dischord-Katalogs: Bass und Drums drücken nach vorne, Gitarre und Gesang kotzen sich dazwischen aus. Die Songs klingen mal stark fragmentiert und mechanisch, mal detailliert ausgearbeitet, aber immer direkt und unverblümt. Textlich geht es um alles, was nervt: kaputte Politik, kaputte Gesellschaft und all die kleinen kaputten Dinge in einem selbst. Referenzen reichen von Gordon Solie Motherf**ers ("Give them a dirty floor for a stage. A five bucks show and I'm stoked for days") bis zu George Orwell ("Four legs good, two legs bad"*) - und am Ende muss sogar Grammy-Preisträger Beck herhalten, denn über allem steht: "You make me wanna try crack".

Wiederveröffentlichung des zweiten Milkshakes-Albums als schwarze Vinyl-Stereo-LP! ,Vom eröffnenden Raspeln von ,SEVEN DAYS" bis zu den ausklingenden Tönen von ,WO' NOW" geht der rasende Beat weiter. Sogar die ruhigeren Tracks sind mit dem unverwechselbaren MILKSHAKES-Branding versehen, was darauf hindeutet, dass THE MILKSHAKES die unbestreitbaren Anführer des World Beat sind!", heißt es hier. Nach dem imaginären internationalen Erfolg ihres Debütalbums ,Talking Bout...", und der 45er Single "It's You" c/w ,Please Don't Tell My Baby" beschlossen die Milkshakes, das wenige Geld, das sie noch hatten, für einen weiteren Longplayer zu verschwenden. Das Ergebnis war das clever betitelte, wenn auch etwas prahlerisch klingende ,Fourteen Rhythm & Beat Greats". In der Tat, wenn man die Augen schließt und den Plattenspieler ausschaltet, könnten alle 14 - zähle sie (wenn du das nächste Mal deine Augen öffnest) - fein gearbeiteten Stücke auf dieser LP fast als ,großartig" bezeichnet werden, je nachdem, wo du musikalisch stehst. Mit Live-Favoriten wie ,Black Sails In The Moonlight" und ,Red Monkey" war der allgemeine Konsens, dass dies das bisher beste Werk von THE MILKSHAKES sei (fragt sie selbst). Das muss zum Teil stimmen, denn das renommierte Londoner Label Big Beat Records fand das Album gut genug, um es auf seinem eigenen renommierten Label Big Beat wiederzuveröffentlichen - und das gleich zweimal. Aber das war vor über 40 Jahren, also versucht bitte, eure Begeisterung zu zügeln und bildet eine geordnete Schlange... obwohl, je schneller sie ausverkauft ist, desto eher kann sie - wieder einmal - nachgepresst werden. Bassist Russ Wilkins erinnert sich an die Aufnahme der LP: ,Die Aufnahmen fanden in Herne Bay in Oakwoods zweitem Studio statt. Ich glaube, ich war gerade mit den Prisoners dort gewesen und hatte "Taste of Pink" aufgenommen. Ich benutzte meinen Framus Star Bass und fing gerade an, einen Fender-Bassverstärker zu benutzen, der mich im Studio im Stich ließ, also musste ich einen AC30 Top verwenden, der ziemlich verzerrt und nicht das war, was ich wollte, aber wir mussten damit arbeiten. Man kann es bei "No-one Else" hören, das bei den Proben großartig klang. "Can You Tell Me" war der Beginn des Strippings, bei dem wir versuchten, so minimal wie möglich zu sein, und ich schaffte es später, es auf nur zwei Noten zu reduzieren. Es gab natürlich auch die Wall City Version der Platte, die von Hansi Steinmetz in Berlin herausgebracht wurde - mit einem andersfarbigen Logo auf der Vorderseite. Da sind auch viel mehr Backing Vocals drauf. Ich denke, dafür muss ich etwas Verantwortung übernehmen. Es wurde eher wie die vorherigen Pop Rivets-Alben aufgenommen, indem wir uns alle zusammen in einem Raum aufstellten und live spielten, mit sehr wenigen Overdubs, abgesehen von dem einen oder anderen Solo. Wir haben noch ein weiteres in dieser Art gemacht und dann die Richtung geändert, als wir die sieben Alben an einem Tag oder was auch immer veröffentlichten." RUSS WIILKINS, MAI 2025

Re-Release des Hardcore Klassikers auf silbernem Vinyl.

LP-Neuauflage auf blau-schwarzem Splatter-Vinyl.

2012 kamen Dokken mit „Broken Bones”, ihrem elften Studioalbum, zurück. „Broken Bones” ist eine Rückkehr zum klassischen Sound ihrer Hochphase und folgt damit dem Weg, den sie schon auf dem letzten Release „Lightning Strikes Again” eingeschlagen haben.

„Broken Bones” rockt ordentlich, ohne dabei die samtenen Melodien außer Acht zu lassen. Genau darauf haben die Fans gewartet!

Auf weltweit 1.000 Boxen limitiert, remastert sowie mit bearbeitetem Artwork ausgestattet - diese Boxset-Edition beinhaltet 5 farbige 180g-Doppel-Vinyle (inklusive D-Seiten Etching)!

Masterpeace (1999): Dieses Album markiert die triumphale Rückkehr von David Wayne am Gesang und verbindet den kultigen Metal Church-Sound mit einer modernen Produktion. Tracks wie "Sleeps With Thunder" und "Into Dust" strahlen rohe Kraft aus und machen dieses Album zu einem Meilenstein für Fans des traditionellen Heavy Metal.

The Weight Of The World (2004): Nach einer langen Pause meldete sich Metal Church mit Ronny Munroe am Ruder zurück. Songs wie "Leave Them Behind" und "Madman's Overture" unterstreichen die Unverwüstlichkeit der Band und zeigen eine neu belebte Energie, die ihren Platz im Pantheon des Metal bestätigt.

A Light In The Dark (2006): Dieses Album ist eine Hommage an die Vergangenheit und ein Schritt in die Zukunft. Es enthält Hymnen wie "Mirror Of Lies" und eine gefühlvolle Neuaufnahme von "Watch The Children Pray" Es fängt die Essenz von Metal Churchs Fähigkeit ein, ihre Wurzeln zu ehren und gleichzeitig neues klangliches Terrain zu erkunden.

This Present Wasteland (2008): Ein sehr nachdenkliches und intensives Album mit Tracks wie "Deeds Of A Dead Soul" und "Breathe Again", das persönliche und gesellschaftliche Themen mit eindringlichen Melodien und treibenden Rhythmen verbindet. Es ist ein herausragendes Kapitel in ihrer Karriere.

Generation Nothing (2013): Dieses Album ist eine Rückkehr zu den Heavy-Metal-Ursprüngen der Band und liefert modernisierte epische Hymnen. Songs wie "Scream" und der kraftvolle Titeltrack "Generation Nothing" spiegeln eine Band wider, die tief mit ihrer Vergangenheit verbunden ist, sich aber gleichzeitig entschlossen nach vorne bewegt.

Masterpeace (1999): Dieses Album markiert die triumphale Rückkehr von David Wayne am Gesang und verbindet den kultigen Metal Church-Sound mit einer modernen Produktion. Tracks wie "Sleeps With Thunder" und "Into Dust" strahlen rohe Kraft aus und machen dieses Album zu einem Meilenstein für Fans des traditionellen Heavy Metal.

The Weight Of The World (2004): Nach einer langen Pause meldete sich Metal Church mit Ronny Munroe am Ruder zurück. Songs wie "Leave Them Behind" und "Madman's Overture" unterstreichen die Unverwüstlichkeit der Band und zeigen eine neu belebte Energie, die ihren Platz im Pantheon des Metal bestätigt.

A Light In The Dark (2006): Dieses Album ist eine Hommage an die Vergangenheit und ein Schritt in die Zukunft. Es enthält Hymnen wie "Mirror Of Lies" und eine gefühlvolle Neuaufnahme von "Watch The Children Pray" Es fängt die Essenz von Metal Churchs Fähigkeit ein, ihre Wurzeln zu ehren und gleichzeitig neues klangliches Terrain zu erkunden.

This Present Wasteland (2008): Ein sehr nachdenkliches und intensives Album mit Tracks wie "Deeds Of A Dead Soul" und "Breathe Again", das persönliche und gesellschaftliche Themen mit eindringlichen Melodien und treibenden Rhythmen verbindet. Es ist ein herausragendes Kapitel in ihrer Karriere.

Generation Nothing (2013): Dieses Album ist eine Rückkehr zu den Heavy-Metal-Ursprüngen der Band und liefert modernisierte epische Hymnen. Songs wie "Scream" und der kraftvolle Titeltrack "Generation Nothing" spiegeln eine Band wider, die tief mit ihrer Vergangenheit verbunden ist, sich aber gleichzeitig entschlossen nach vorne bewegt.

THROATCUT präsentieren mit "RESILIENCE." ihr kompromissloses Debütalbum – ein Werk, das aus den Trümmern persönlicher Kämpfe und kreativer Neuausrichtung entstanden ist. Die Band, hervorgegangen aus einem früheren Projekt, verfolgt eine radikal ehrliche Vision: roh, ungeschönt und emotional intensiv. Das Album erzählt von inneren Dämonen, äußeren Konfl ikten und dem unermüdlichen Streben nach Selbstbehauptung. Mit einer Mischung aus brachialem Metalcore, atmosphärischen Soundscapes und schonungsloser Lyrik erschaffen THROATCUT. eine kathartische Klangreise durch Schmerz, Wut und Hoffnung.

Dana Schechter: Lap Steel Guitar, Bass, Electronics. - Paul Wallfisch: Piano, Organ, SOMA Pipe, Guitaret. Music from the Vienna Volkstheater production of Wolfram Lotz's play "Die Politiker" directed by Kay Voges; performed live in the theatre, spring 2022. These 2 beautiful exiles travel limbic landscapes and underwater dreams with a map that disintegrates instantly when viewed. Their fractured sounds dissolve and reconfigure endlessly in our cochlea and infest our imaginations with spiked armies of ultra-vivid, sentient and carnivorous coral predators, atavistically intent on devouring the sweet meat hiding deep in the center of the amygdala. Michael Gira (SWANS). Wallfisch has played in bands like Firewater and Little Annie, while Schechter has logged time with American Music Club, Angels of Light and her own Insect Ark, among others; both spent time touring and recording with SWANS. They've been friends since meeting in New York in the 1990s. Years later they forged a stronger connection as bandmates in Botanica. They renewed their artistic partnership in 2021, when Paul invited Dana to Vienna to develop the music for a theatrical spectacle called Die Politiker written by Kleist prize winner Wolfram Lotz. The music from the production provides the foundation for the duo's first album, The Heart of A Whale. Across its six intense tracks one can detect a subtle homage to storied Berlin musical traditions, as the pair puts a raw, often brutal veneer on songs steeped in Weimar cabaret (a la Tom Waits) but updated with a visceral mixture of noise, post-punk, and industrial elements. Performed on a panoply of instruments from bass, organ and lap steel to SOMA Synths, Guitaret, a variety of electronics and a grand piano hammered with a shoe, the music reflects the New York- Berlin nexus they've both been part of for decades. Echoes of Swans, Einstürzende Neubauten and The Birthday Party, but also hints of Throbbing Gristle, Eno and even William Basinski and Michael Gordon. The music can't be contained by any single tradition, with a decidedly experimental bent that ruptures the fixed rhythm of rock for something more theatrical and emotionally harrowing.

… oder Beastie Boys…oder Robert DeNiro…oder Banksy…oder Sportfreunde Stiller – klein anfangen und
dann mal schauen, was draus wird. Es wurde – zwar nicht wie alle erwähnten Künstler, aber der Weg
ist ja eventuell noch nicht vorbei für die Sportfreunde, die bei ihrem ersten Studioalbum auf vier Jahre
Liedansammlung zurückgreifen konnten. In Spanien mit und bei Uwe Hoffmann (Die Ärzte…) turbulente
Wochen verbracht, um in die Wunderwelt der Produktion eingeweiht zu werden. Daraus entstand eine
vorwärtsdrängende Musikplatte, die das zukünftige Spektrum der Sportfreunde definieren sollte. Zwischen
„Hockey (Feld)“ und „Fast wie von selbst“ liegen Punksongs, Balladen, verspielter Dadaismus, Neugier auf
Energie und tiefe Emotion. Sie schwebten damals auf Wolke sieben und waren auf Ochsentouren, auf den
10-Meter-Brettern (Video „Wellenreiten“), auf dem Mond (Video „Fast wie von selbst“), in Fernsehstudios
(Mit ihnen wuchsen und an ihnen verzweifelten MTV und VIVA), in Kochstudios (Video „Heimatlied“),
bouncten mit der Meute und Hans Rosendahl bei „Spitze“ um die Wette und sie klauten dem FC Bayern
die Meisterschale im Video zu „Wunderbaren Jahren“, dem Lied, das ihre erste musikalische Errungenschaft war und nach fast 30-Jahren immer noch deren Bandmotto darstellt. Denn, was soll denn noch
kommen? Außer eventuell ein Duett mit Mike D. und Ad Rock von Beastie Boys, ein Kurzfilm mit Robert
DeNiro, ein Mauerkunstwerk in New York mit Banksy oder eine Übernahme des königlichen Fußballclubs
Real Madrid…die wunderbaren Jahre sind noch nicht vorbei.
Auf dieser LP sind erstmalig auch die Lieder ”Rocket Radio”, ”Wir müssen gewinnen” und ”Money Mark”
enthalten, die es bisher nur auf der CD gab.
Nun kommt das Ganze in weiß daher, damit Nachzügler die reine Shellac-Weste bestellen können. Let´s
surf it!
180gr + weißes Vinyl, bedrucktes Beiblatt mit jeder Menge exklusiven Fotos von damals!

Mit »Schicksalsmelodien« schenken Eisbrecher 14 Songs aus vergangenen Tagen ein neues Leben. Aus knapp 3 Jahrzehnten werden hier Klassiker von Spider Murphy Gangs »Skandal im Sperrbezirk«, über Die Ärzte (»Bitte, Bitte«) bis Powerwolf (»Stoßgebet«) und ASP (»Schwarzes Blut«) in Eisbrecher-typischem Klangkosmos neu interpretiert. So zollt Eisbrecher Hommage an Bands, deren Songs wirklich »Schicksalsmelodien« für sie und bestimmt auch für viele Fans sind und waren.

Im Sommer 1968 traf sich der 18-jährige Genesis P-Orridge (damals Neil Andrew Megson) mit Freunden in einem bescheidenen Dachgeschoss, um mit Klängen zu experimentieren. Das Ergebnis war "Early Worm", eine Sammlung von Aufnahmen, die die aufkeimende Kreativität eines Künstlers einfing, der später eine Schlüsselfigur der Avantgarde-Musik werden sollte. Diese Sessions, die 1969 auf ein einziges Acetat gepresst wurden, zeigen eine furchtlose Erforschung von Geräuschen, Improvisationen und Tonbandexperimenten, die Einflüsse von Psychedelia, Fluxus, John Cage und Beatnik Bohemia widerspiegeln. "Early Worm" ist ein Zeugnis für P-Orridges frühes Engagement, musikalische Grenzen zu überschreiten. Die rohen und ungefilterten Klanglandschaften des Albums bieten dem Hörer einen seltenen Einblick in die Gründungsmomente, die schließlich zur Gründung von COUM Transmissions, Throbbing Gristle und Psychic TV führen sollten. Remastered und in einer limitierten Vinyl-Pressung, mit Linernotes geschrieben von Genesis Breyer P-Orridge, die den Zeitgeist des UK Undergrounds der späten 60er Jahre in Erinnerung rufen. "If nothing else, (Early Worm) revealed that P-Orridge's approach to music was defiantly left-field from the start: noise, improvisations and tape experiments that sounded a little like a more chaotic version psychedelic folkies the Incredible String Band." . The Guardian

Motel d'amour - A Lost Electro-Funk Gem from the NDW Era Resurfaces

When we first collaborated with Collage member Markus Kammann on the EP project "Mit den Puppen tanzen" at the end of last year, we never imagined what would follow: Kammann approached us with a completely unreleased full-length album by his former band. Upon receiving the first three preview tracks, we were floored. One of them was "Nachtcafé" - a track that kicks off with a funky bassline layered over the punchy rhythm of a Roland TR-808. Add shimmering synths and Katrin A. Kunze's sharp, distinctive vocals, and we instantly knew we were hearing something special.

For a label dedicated to rediscovering lost treasures, this was exactly what we'd been searching for. The next two tracks - "Rendezvous" and "Casanova" - were just as compelling. When Kammann sent us the full album, we realized we were holding an electro-funk grail from the late golden days of the German Neue Deutsche Welle (NDW). We were listening to "Motel d'amour".

"Motel d'amour" is a concept album, offering a sharp, vibrant perspective from a confident, intelligent, and radiant young woman eager to experience nightlife, love, and music. Kunze's lyrics paint vivid scenes of flirtation ("Nachtcafé", "Rendezvous"), encounters with men ("Casanova"), the pulse of nightlife ("Die Nacht ist noch jung"), love ("Rotes Licht für rote Liebe"), one-night stands ("Motel d'amour"), and more. Rarely has a German album from that era captured emotional nuance and social dynamics so insightfully. Without veering into the overly personal, Kunze's direct, daring lyrical style was groundbreaking at the time - and remains refreshingly bold today.

While German listeners will fully appreciate the lyrical depth, the music speaks volumes on its own. Kunze's words are masterfully complemented by the production of Markus Kammann and Jürgen Grah. As heard on the in-demand "Mit den Puppen tanzen", their creativity seemed boundless. Each track is tightly composed, catchy, and full of character. While many German bands at the time leaned into rock, Kammann drew from the deep grooves of Earth, Wind & Fire, The Isley Brothers, Brothers Johnson, The Commodores, and the electro-futurism of Afrika Bambaataa's "Planet Rock" and "Looking for the Perfect Beat". The result: tracks with unmistakable electro-funk flair, powered by the classic 808 drum sound.

Though primarily rooted in funk and electro, the album retains flashes of NDW aesthetics - "Wir haben getanzt heut' Nacht" being a prime example. The instrumentation is a dream list for vintage gear lovers: Yamaha keyboards, Roland Juno-60, vocoder, Micromoog, Hohner D6 Clavinet, Fender bass, and a Telecaster guitar all feature prominently.
Recorded in 1985 at the high-profile Delta Studio by Richard Rossbach, the album attracted interest from Polydor. However, the label proposed using the compositions for a solo project with singer Inga Humpe (of Neonbabies), who was already signed to their roster. This would have required replacing Kunze as the vocalist, an idea the group firmly rejected. As a result, "Motel d'amour" was shelved, and Kammann, Grah, and Kunze moved on to form Cold End.
The album cover features a rare archival photo of Katrin A. Kunze - rediscovered by Kammann and now finally seeing the light of day, 40 years later.

We believe Motel d'amour deserves recognition alongside cult German classics like P!OFF?, 1. Futurologischer Congress' "Wer spricht?", Ami Marie's "Verrückt nach Glück", the funkier cuts of Cosa Rosa, or Piet Klocke's groove classic "Heute ist nicht sonst". It's a record that fits into adventurous DJ sets but also rewards a full, start-to-finish listen.

A note on audio quality: Sadly, the original master tapes were lost. The tracks were restored from a vintage TDK cassette. Thanks to modern digital tools, we were able to remaster them to a high standard - but in some songs light distortions remain. We appreciate your understanding and hope you enjoy this lost and undiscovered gem.

Motel d'amour - A Lost Electro-Funk Gem from the NDW Era Resurfaces

When we first collaborated with Collage member Markus Kammann on the EP project "Mit den Puppen tanzen" at the end of last year, we never imagined what would follow: Kammann approached us with a completely unreleased full-length album by his former band. Upon receiving the first three preview tracks, we were floored. One of them was "Nachtcafé" - a track that kicks off with a funky bassline layered over the punchy rhythm of a Roland TR-808. Add shimmering synths and Katrin A. Kunze's sharp, distinctive vocals, and we instantly knew we were hearing something special.

For a label dedicated to rediscovering lost treasures, this was exactly what we'd been searching for. The next two tracks - "Rendezvous" and "Casanova" - were just as compelling. When Kammann sent us the full album, we realized we were holding an electro-funk grail from the late golden days of the German Neue Deutsche Welle (NDW). We were listening to "Motel d'amour".

"Motel d'amour" is a concept album, offering a sharp, vibrant perspective from a confident, intelligent, and radiant young woman eager to experience nightlife, love, and music. Kunze's lyrics paint vivid scenes of flirtation ("Nachtcafé", "Rendezvous"), encounters with men ("Casanova"), the pulse of nightlife ("Die Nacht ist noch jung"), love ("Rotes Licht für rote Liebe"), one-night stands ("Motel d'amour"), and more. Rarely has a German album from that era captured emotional nuance and social dynamics so insightfully. Without veering into the overly personal, Kunze's direct, daring lyrical style was groundbreaking at the time - and remains refreshingly bold today.

While German listeners will fully appreciate the lyrical depth, the music speaks volumes on its own. Kunze's words are masterfully complemented by the production of Markus Kammann and Jürgen Grah. As heard on the in-demand "Mit den Puppen tanzen", their creativity seemed boundless. Each track is tightly composed, catchy, and full of character. While many German bands at the time leaned into rock, Kammann drew from the deep grooves of Earth, Wind & Fire, The Isley Brothers, Brothers Johnson, The Commodores, and the electro-futurism of Afrika Bambaataa's "Planet Rock" and "Looking for the Perfect Beat". The result: tracks with unmistakable electro-funk flair, powered by the classic 808 drum sound.

Though primarily rooted in funk and electro, the album retains flashes of NDW aesthetics - "Wir haben getanzt heut' Nacht" being a prime example. The instrumentation is a dream list for vintage gear lovers: Yamaha keyboards, Roland Juno-60, vocoder, Micromoog, Hohner D6 Clavinet, Fender bass, and a Telecaster guitar all feature prominently.
Recorded in 1985 at the high-profile Delta Studio by Richard Rossbach, the album attracted interest from Polydor. However, the label proposed using the compositions for a solo project with singer Inga Humpe (of Neonbabies), who was already signed to their roster. This would have required replacing Kunze as the vocalist, an idea the group firmly rejected. As a result, "Motel d'amour" was shelved, and Kammann, Grah, and Kunze moved on to form Cold End.
The album cover features a rare archival photo of Katrin A. Kunze - rediscovered by Kammann and now finally seeing the light of day, 40 years later.

We believe Motel d'amour deserves recognition alongside cult German classics like P!OFF?, 1. Futurologischer Congress' "Wer spricht?", Ami Marie's "Verrückt nach Glück", the funkier cuts of Cosa Rosa, or Piet Klocke's groove classic "Heute ist nicht sonst". It's a record that fits into adventurous DJ sets but also rewards a full, start-to-finish listen.

A note on audio quality: Sadly, the original master tapes were lost. The tracks were restored from a vintage TDK cassette. Thanks to modern digital tools, we were able to remaster them to a high standard - but in some songs light distortions remain. We appreciate your understanding and hope you enjoy this lost and undiscovered gem.

Whitechapel - A New Era of Corruption (2010)15 Jahre - das kraftvolle dritte Album der US-Deathcore-PioniereMit A New Era of Corruption veröffentlichte Whitechapel im Jahr 2010 ihr drittes Studioalbum - ein zentraler Meilenstein in der Entwicklung der Band und ein fester Bestandteil der modernen Deathcore-Geschichte.Das Album markiert eine dunklere, intensivere Phase im Sound der Band. Technisch versierte Gitarrenarbeit, tiefgestimmte Riffs und eine durchgehend aggressive Atmosphäre prägen das Gesamtbild. Sänger Phil Bozeman überzeugt mit brutalem, aber kontrolliertem Gesang, der zwischen Growls und Screams kraftvoll variiert.Im Vergleich zu den Vorgängern geht A New Era of Corruption stärker in Richtung Groove und strukturierterem Songwriting, ohne an Härte zu verlieren. Mit Gastauftritten von Vincent Bennett (The Acacia Strain) und Chino Moreno (Deftones) wird das Klangspektrum zusätzlich erweitert.Ein Album für Fans kompromissloser Härte, das auch 15 Jahre nach Veröffentlichung nichts von seiner Durchschlagskraft eingebüßt hat.

Das anglo-australische Indiepop-Quartett Allo Darlin' meldet sich nach über zehn Jahren mit dem neuen Album ,Bright Nights" zurück. Es ist die Rückkehr ihrer intelligenten, schönen Popmusik mit Texten, in denen Erfahrung mitschwingt, und Melodien, die klingen, widerhallen und schweben. Da sie sich und die Musik, die sie zusammen gemacht haben, vermissten, kündigten Allo Darlin' an im Oktober 2023 ein paar Konzerte in UK zu spielen, und die Reaktion der Fans war überwältigend. Die Tickets waren innerhalb Minuten ausverkauft, und die Fans reisten aus der ganzen Welt an, so dass die Band ihr Konzert in London in einen doppelt so große Halle verlegen musste. Es schien, als hätten ihre Fans Allo Darlin' genauso vermisst wie sie sich selbst. In diesem Jahr war die Band außerdem Headliner einer exklusiven Deutschland-Show auf dem Cologne Pop Fest und antwortete auf die herzliche Einladung mit einem speziellen Song mit dem Titel "Cologne". Bright Nights folgt den emotionalen Gezeiten der vorangegangenen zehn Jahre: "Es ist ein Album, das von Herzen kommt und sich mit Themen wie Liebe, Geburt und Tod beschäftigt - "Dinge, über die wir mehr nachdenken als bei unserem ersten Album. Ich hoffe, dass das Album zeitlos und fröhlich klingt, aber auch nachdenklich und emotional", sagt Songschreiberin und Sängerin Elizabeth Morris Innset. Inspiriert von einer Mischung aus klassischem (Indie-Guitar) Pop, Folk und Country, knüpft Bright Nights dort an, wo Allo Darlin' mit dem We Come From The Same Place von 2014 aufgehört hat, und erinnert an den selbstbewussten und anspruchsvollen Sound ihres zweiten Albums Europe. "Wenn ich es höre, denke ich an die Wüste, aber ich kann das Meer sehen. Die süßen Klänge der hellen Sommernächte in der nördlichen Hemisphäre, aber auch das Bewusstsein, dass der Winter eines Tages zurückkehren wird". Die Aufnahmen auf dem Album sind Live-Aufnahmen, die nach Meinung der Band die beste Art war, diese neuen Songs aufzunehmen. Allo Darlin' bringen uns an einen Ort, an dem wir uns geliebt fühlen. In einer wechselhaften Welt ist die warme Umarmung ihres neuen Albums ebenso notwendig wie willkommen. "Breezy rom-pop brilliance." 8/10, NME - "Classic indie pop... doesn't rewrite the formula for wistful bedsit charm as much as show that it can still be carried out masterfully." Pitchfork - "A masterclass of modern cult pop." The Guardian - "Terrific, witty and heartfelt, like a less moody Belle & Sebastian." The New York Times

Das anglo-australische Indiepop-Quartett Allo Darlin' meldet sich nach über zehn Jahren mit dem neuen Album ,Bright Nights" zurück. Es ist die Rückkehr ihrer intelligenten, schönen Popmusik mit Texten, in denen Erfahrung mitschwingt, und Melodien, die klingen, widerhallen und schweben. Da sie sich und die Musik, die sie zusammen gemacht haben, vermissten, kündigten Allo Darlin' an im Oktober 2023 ein paar Konzerte in UK zu spielen, und die Reaktion der Fans war überwältigend. Die Tickets waren innerhalb Minuten ausverkauft, und die Fans reisten aus der ganzen Welt an, so dass die Band ihr Konzert in London in einen doppelt so große Halle verlegen musste. Es schien, als hätten ihre Fans Allo Darlin' genauso vermisst wie sie sich selbst. In diesem Jahr war die Band außerdem Headliner einer exklusiven Deutschland-Show auf dem Cologne Pop Fest und antwortete auf die herzliche Einladung mit einem speziellen Song mit dem Titel "Cologne". Bright Nights folgt den emotionalen Gezeiten der vorangegangenen zehn Jahre: "Es ist ein Album, das von Herzen kommt und sich mit Themen wie Liebe, Geburt und Tod beschäftigt - "Dinge, über die wir mehr nachdenken als bei unserem ersten Album. Ich hoffe, dass das Album zeitlos und fröhlich klingt, aber auch nachdenklich und emotional", sagt Songschreiberin und Sängerin Elizabeth Morris Innset. Inspiriert von einer Mischung aus klassischem (Indie-Guitar) Pop, Folk und Country, knüpft Bright Nights dort an, wo Allo Darlin' mit dem We Come From The Same Place von 2014 aufgehört hat, und erinnert an den selbstbewussten und anspruchsvollen Sound ihres zweiten Albums Europe. "Wenn ich es höre, denke ich an die Wüste, aber ich kann das Meer sehen. Die süßen Klänge der hellen Sommernächte in der nördlichen Hemisphäre, aber auch das Bewusstsein, dass der Winter eines Tages zurückkehren wird". Die Aufnahmen auf dem Album sind Live-Aufnahmen, die nach Meinung der Band die beste Art war, diese neuen Songs aufzunehmen. Allo Darlin' bringen uns an einen Ort, an dem wir uns geliebt fühlen. In einer wechselhaften Welt ist die warme Umarmung ihres neuen Albums ebenso notwendig wie willkommen. "Breezy rom-pop brilliance." 8/10, NME - "Classic indie pop... doesn't rewrite the formula for wistful bedsit charm as much as show that it can still be carried out masterfully." Pitchfork - "A masterclass of modern cult pop." The Guardian - "Terrific, witty and heartfelt, like a less moody Belle & Sebastian." The New York Times

'A Necessary Escape' ist der Soundtrack zum demnächst erscheinenden Film 'Dakar: Race Against The Desert'. Die physischen Formate umfassen CD, Vinyl und eine limitierte Farbvinyl-Edition in Curacao-Blau. Es ist der vierte Album-Soundtrack von M83 und wurde in Frankreich und den USA von M83s Anthony Gonzalez zusammen mit den regelmäßigen M83-Mitwirkenden Joe Berry und Clement Libes aufgenommen. Der Film erscheint am 12. Mai digital bei Universal Pictures und feiert seine weltweite Kinopremiere am 26. Juni in der MK2 Bibliothèque in Paris. Unter der Regie des französischen Schauspielers und Regisseurs Jalil Lespert wird hier die weltberühmte Rallye Dakar begleitet - ein Event, das seit 45 Jahren die ultimative Bewährungsprobe für Belastbarkeit, Können und Ausdauer im Motorsport darstellt. Das 9.000 Kilometer lange Rennen dauert 14 strapaziöse Tage durch raues Wüstengelände. Mit beispiellosem Zugang taucht dieser Film in das härteste Autorennen der Welt ein. Begleitet wird dies von einem wunderbaren Score den Gonzalez perfekt auf den Film zugeschnitten hat. Ambient trifft auf sphärische Klangcollagen und ist damit der perfekte Ausgleich zu den im Film dokumentierten Strapazen um die berühmte Rallye. Nach dem fantastischen 'Fantasy'-Album von 2023 oder dem 2011er Klassiker 'Hurry Up, We're Dreaming' ein weiterer Geniestreich des französischen Sound-Magiers und seinem M83-Projekt!

Schweiengötter nehmen menschliche Gestalt an und veröffentlichen ,Debütalbum"? Wenn man in einer Kleinstadt aufwächst, muss man entweder seine Freizeit kreativ gestalten oder man radikalisiert sich im Internet. Über dem San Fernando Valley von Los Angeles erhebt sich der süße, schwüle Sound von The Toxhards. Mit halb Psych, halb Prog, halb Rocktheater und halb Indie (das sind vier Hälften) hauchen The Toxhards dem längst obsoleten Genre des ROCK 'n' Roll neues Leben ein. Von ,existenziellen Doom-Bops" bis zu mitreißenden Hymnen über Schweinegötter, bieten The Toxhards einen genreübergreifenden, elektrischen und exzentrischen neuen alternativen Sound. Ihre Musik wird bereits auf TikTok Reels millionenfach angeklickt, ihre unterhaltsamen Bits und Sketche millionenfach geschaut (135k Follower auf TikTok, 75k Follower auf Instagram und 13k auf YouTube). Im Laufe der zwölf Tracks plus vier Zwischenspielen folgt ,Your Neighborhood" dem Protagonisten Adam und seiner Unzufriedenheit mit dem Leben - er hat Freundin verloren, ihm fehlt der Mut, seinen Ambitionen zu folgen - und er beginnt, die schlimmste Version seiner selbst zu werden, die er nur sein kann: ein unsicheres, reaktionäres Individuum, das Trost darin findet, sich in dunklen Online-Ecken über ,andere" zu beschweren. Ursprünglich aus dem Midwestern, nun in der smoggefüllten Höllenlandschaft des San Fernando Valley von Los Angeles lebend, ist die Band auch für ihre unterhaltsamen und mitreißenden Live-Auftritte bekannt, bei denen sie aufblasbare Schweinekostüme tragen, T-Shirts verschenken, unveröffentlichte Songs präsentieren, Kaffeepausen einlegen, Instrumente tauschen und gelegentlich einer ausgedehnten Jam (oder zwei oder drei oder...) fröhnen. Mit jeder neuen Veröffentlichung und bei jeder Show beweisen sie, dass sie die Zukunft von was auch immer sind. The Toxhards haben uns viel zu erzählen und zu bieten. 2023 bei Hopeless Records unterschrieben und direkt ihre erste Single "(The) Coffee Song / October" veröffentlicht.2024 gab's die limitierte und aktuell ausverkaufte Vinyl-Compilation ihrer bisherigen Songs und Singles zwischen 2022 und 2024. Obwohl es sich um eine Zusammenstellung handelt, betrachtet die Band es als ihr "eigentliches Debütalbum", aber nun ist "Your Neighborhood" dran! Für Fans von Ween, Car Seat Headrest, White Reaper, Pigeons Playing Ping Pong, symphonischen Weezer, Indie-Prog, Alterntive Pomp, Psychpunk....

Punk is the Preacher, Rock`n`Roll is the Teacher! Mäd Lynx ist die deutsch-schwedische Punkcore (Hard) Rock Band um Heicore & Anni, die zwischen Berlin und Stockholm 2020 im Umfeld von The Baboon Show und Mona Reloeaded geboren wurde. Ihr Sound ist beeinflusst von Motörhead, Misfits, und The Runaways, feinster & purer MÄDCORE, wie sie es selbst nennen, eine Mischung aus Hard Rock, Rock und Punkrock. Die Debüt-EP, welche auf dem 2022 Kassettenlabel Tape Or Die erschien, brachte ihnen viel Kritikerlob und eine erste Reihe von Live-Shows ein. Die zweite EP - benannt nach einem Song von der ersten - mit fünf neuen Tracks (auch als Kassette bei Tape or Die) kommt nun als limitiertes, einseitig bespieltes 12"-Vinyl (klassisch schwarz, nummeriert) über Smith & Miller Records.

A Study of Losses", das siebte Studioalbum von Beirut, ist eine Odyssee mit 18 Tracks. Das Projekt entstand im Frühjahr 2023, als Viktoria Dalborg, Direktorin des schwedischen Zirkus Kompani Giraff, Condon fragte, ob er Interesse hätte, die Musik für ihr nächstes Projekt zu liefern, eine Show, die auf einer Adaption eines Romans der deutschen Autorin Judith Schalansky basiert. Die Hauptthemen in Schalanskys Buch "Verzeichnis einiger Verluste" und in der Adaption für die Zirkusshow befassen sich mit dem Konzept des Verlusts und der Vergänglichkeit von allem, was uns bekannt ist: von ausgestorbenen Tierarten, verlorenen architektonischen und literarischen Schätzen bis hin zu abstrakteren Konzepten des Verlusts durch den Prozess des Alterns. "A Study of Losses" reist durch elf Songs und sieben erweiterte instrumentale Themen, die nach den Mondmeeren benannt und von der erschreckenden Geschichte eines Mannes inspiriert sind, der davon besessen ist, alle verlorenen Gedanken und Schöpfungen der Menschheit zu archivieren. Musikalisch jedoch taucht er wieder in Chorgesang, Renaissance und andere Stile ein, die seine frühe Arbeiten inspiriert haben, sowie in Variationen von Klängen und Ideen, die sich auf eine seiner Lieblingsplatten, "69 Love Songs" von The Magnetic Fields, beziehen. Mit einer Länge von fast einer Stunde ist es das bei weitem umfangreichste Album, das Beirut je gemacht hat, und es gehört fraglos zu Condons bisher schönsten Arbeiten. "A Study of Losses" ist das zweite neue Beirut-Album innerhalb von nur zwei Jahren und die Fortsetzung eines weiteren, charakteristisch produktiven Kapitels für Zach Condon. Nach einem halben Jahrzehnt, das er damit verbrachte, sich von hartnäckigen Halsproblemen und einem drohenden mentalen Zusammenbruch zu erholen - was ihn daran zweifeln ließ, ob er jemals wieder vor Publikum auftreten würde - folgt "A Study of Losses" auf "Hadsel", das "einen neuen Anfang für Beirut" markierte, lobte Pitchfork und nannte es "eine aus Verzweiflung und Einsamkeit geborene Platte, die sich dennoch voller Leben anfühlt". Während sich "Hadsel" um eine gewaltige, antike Kirchenorgel drehte, die Condon während eines dunklen arktischen Winters in Nordnorwegen entdeckte, wird "A Study of Losses" durch Streichquartette und Arrangements der Cellistin und "No No No"-Mitarbeiterin Clarice Jensen aufgehellt. Geschrieben und aufgenommen von Zach Condon in Berlin (DE) und Stokmarknes (NO), wobei die Wurzeln des Albums in Schweden und Deutschland liegen, erweitert "A Study of Losses" auch die weite Welt, die er durch die Musik von Beirut aufgebaut hat, seit er das Projekt als neugieriger und umherziehender 14-Jähriger begonnen hat. "Als ich zum ersten Mal angesprochen wurde, einen Soundtrack für einen Zirkus zu schreiben, kam zunächst ein gewisses Trauma der 'Elephant Gun'-Ära hoch", erklärt Condon, als er Ende 2024 ,Caspian Tiger' von "A Study of Losses" vorstellt. "Ich war jahrelang in eine Schublade gesteckt worden, in der ich ein skurriles Zirkuskind war, voller sepiafarbener Bilder von Groschenromanen und vielleicht Löwendompteuren mit Schnurrbärten. Es hätte nicht weiter davon entfernt sein können, wie ich mir die Musik vorstellte, die ich machte. Es ist also eine Ironie, dass ich das Projekt von Kompani Giraff so verlockend fand."

20 Jahre - das letzte Studioalbum der britischen Death-Metal-LegendeThose Once Loyal ist das siebte und letzte Studioalbum der britischen Death-Metal-Band Bolt Thrower. Ursprünglich 2005 veröffentlicht, zählt es bis heute zu den stärksten Werken der Band. Mit präzisem Songwriting, markanten Riffs und einer kompromisslosen Produktion verkörpert das Album alles, wofür Bolt Thrower bekannt sind: kraftvoller, schnörkelloser Death Metal mit Haltung.Die Texte behandeln Themen wie Loyalität, Erinnerung und die Auswirkungen von Krieg - ernst, reflektiert und ohne Klischees. Musikalisch bleibt die Band sich treu: midtempo-lastige Songs, eingängige Gitarrenarbeit und ein wuchtiger Sound, der auch nach zwei Jahrzehnten nichts an Wirkung verloren hat. Ein Album, das sich nicht nur an Fans der Band richtet, sondern auch an alle, die klassischen Death Metal mit Substanz schätzen.Jetzt erhältlich als 20th Anniversary Edition in der neuen Farbe Military Green.01. At First Light - 4:0202. Entrenched - 3:4203. The Killchain - 4:5704. Granite Wall - 3:4705. Those Once Loyal - 4:1706. Anti-Tank (Dead Armour) - 4:1507. Last Stand of Humanity - 3:2308. Salvo - 5:3209. When Cannons Fade - 5:44

The Kinks kündigen den dritten und letzten Teil ihrer ganz besonderen Anthologie-Reihe an: „The Journey
– Part 3“.
„Part 3“ behandelt ihre transformative RCA/Arista-Zeit von 1977 bis 1984, eine Zeit, in der die Band
endgültig in Amerika durchbrach, ihre legendären Pop- und Experimentalphasen hinter sich ließ und zu
einem frischen und prägnanten Stil des klassischen Songwritings zurückkehrte, der von ihrem eigenen,
ausgeprägten britischen Selbstverständnis zeugt.
CD 1 / LP 1 enthält Klassiker und Hits aus dieser Zeit, persönlich von der Band ausgewählt und von den
Original-Sampler- und Produktionsbändern remastert, darunter „Come Dancing“, „Destroyer“ und „Living
On A Thin Line“.
CD 2 / LP 2 enthält bisher unveröffentlichte Aufnahmen des Hit-reichen Auftritts der Band in der Royal
Albert Hall im Juli 1993, darunter fesselnde Interpretationen von „You Really Got Me“ und „Till The End
of the Day“ und vielen anderen.
Sowohl unsere 180-g-Doppel-LP als auch die Doppel-CD enthalten Track-by-Track-Kommentare der Band
sowie neue Linernotes von Phil Alexander.

Spirituelle Musik mit tiefer Resonanz, übertragen durch Klavier, Orgel und Harmonium von der geliebten Komponistin und äthiopischen orthodoxen Nonne Emahoy Tsege Mariam Gebru. "Church of Kidane Mehret" versammelt das gesamte musikalische Werk von Emahoys gleichnamigem Privatpress-Album von 1972 sowie zwei zusätzliche unveröffentlichte Klavieraufnahmen mit Emahoys ,Äthiopischer Kirchenmusik". Die Aufnahmen entstanden in Kirchen in ganz Jerusalem. Zum ersten Mal hören wir Emahoy auf dem Harmonium und der massiven, dröhnenden Pfeifenorgel, neben einigen ihrer bewegendsten Klavierstücke. Bei ,Ave Maria" hallt ihr läutendes Klavier gegen alte Steinmauern. Ihre vertrauten melodischen Linien erhalten eine neue Resonanz, wenn sie in ,Spring Ode - Meskerem" durch das Harmonium gespielt werden. Zwei überragende Orgelstücke bilden die B-Seite, die Emahoys klassische europäische Ausbildung mit ihrem lebenslangen Studium der äthiopischer religiöser Musik kombinieren. Nirgendwo ist Emahoys einzigartige Kombination von Einflüssen deutlicher als bei ,Essay on Mahlet", einem meditativen Dauerbrenner, in dem Emahoy die freien Verse der orthodoxen Liturgie Note für Note auf dem Klavier interpretiert. Dieses aufschlussreiche Stück stammt, neben der dramatischen Klavierkomposition ,The Storm", von einem anderen selbstveröffentlichten Album, "Der Sang Des Meeres" von 1963. Eines der einzigen bekannten Exemplare wurde vor dem Müll gerettet und von einer Mitschwester aus Emahoys Kloster am Rande von Emahoys Beerdigung im März 2023 an Mississippi Records weitergegeben. Die Vinylausgaben kommen im Oldschool Tip-On-Jacket mit metallischer Silberfolienprägung und einem 12-seitigen Booklet mit ausführlichen Linernotes des Gelehrten und Pianisten Thomas Feng.

Spirituelle Musik mit tiefer Resonanz, übertragen durch Klavier, Orgel und Harmonium von der geliebten Komponistin und äthiopischen orthodoxen Nonne Emahoy Tsege Mariam Gebru. "Church of Kidane Mehret" versammelt das gesamte musikalische Werk von Emahoys gleichnamigem Privatpress-Album von 1972 sowie zwei zusätzliche unveröffentlichte Klavieraufnahmen mit Emahoys ,Äthiopischer Kirchenmusik". Die Aufnahmen entstanden in Kirchen in ganz Jerusalem. Zum ersten Mal hören wir Emahoy auf dem Harmonium und der massiven, dröhnenden Pfeifenorgel, neben einigen ihrer bewegendsten Klavierstücke. Bei ,Ave Maria" hallt ihr läutendes Klavier gegen alte Steinmauern. Ihre vertrauten melodischen Linien erhalten eine neue Resonanz, wenn sie in ,Spring Ode - Meskerem" durch das Harmonium gespielt werden. Zwei überragende Orgelstücke bilden die B-Seite, die Emahoys klassische europäische Ausbildung mit ihrem lebenslangen Studium der äthiopischer religiöser Musik kombinieren. Nirgendwo ist Emahoys einzigartige Kombination von Einflüssen deutlicher als bei ,Essay on Mahlet", einem meditativen Dauerbrenner, in dem Emahoy die freien Verse der orthodoxen Liturgie Note für Note auf dem Klavier interpretiert. Dieses aufschlussreiche Stück stammt, neben der dramatischen Klavierkomposition ,The Storm", von einem anderen selbstveröffentlichten Album, "Der Sang Des Meeres" von 1963. Eines der einzigen bekannten Exemplare wurde vor dem Müll gerettet und von einer Mitschwester aus Emahoys Kloster am Rande von Emahoys Beerdigung im März 2023 an Mississippi Records weitergegeben.

25th anniversary edition of the widely acclaimed tribute album celebrating the music of Brian Wilson & The Beach Boys. 24 exclusive tracks. New remaster on 2 LPs in a gatefold sleeve with extensive liner notes and many rare photographs.

Sweet Free Association is back with new productions this time, an essential debut EP from London-based producer Convertible.
A three track 12inch that touches on all areas of house but stays driving and DEEP! TIP!

The label says:
"Every once in a while something special comes along and this is one of those moments!
Sensitively crafted over time, the result is lush and timeless electronic music that is full of emotion and depth and that invokes the highest feelings of ecstasy!
Teased over the last 6 months in clubs and on radio, the music is consistently the highlight of my set, with the reaction from both the floor and the amount of messages I have received about these ‘unknown’ being staggering. But try it for yourself and you will find out!

Support from Chaos in the CBD, Ryan Elliott, Alex Kassian, Kléo and Millos Kaiser."

All tracks written and produced by Convertible.
Mastered by Frank at The Carvery.
Like The Rain additional mixing by Brain Rays.
Comes in gradient-coloured sleeve.

Erstmals veröffentlicht 2010 - 'Barking' (Reissue).

Underworld sind ein echtes Unikat, das auf den größten Festivals und Veranstaltungen der Welt als Headliner auftritt, in Underground-Techno-Clubs und Lagerhäusern spielt, Theaterproduktionen vertont oder Kunstgalerien, stillgelegte Schuhläden und japanische Kaufhäuser bespielt.

- Ltd. 2LP: (180g schweres schwarzes Doppelvinyl. Auf halber Geschwindigkeit geschnitten und sorgfältig auf höchste Audioqualität getestet. Double-Gatefold mit dem klassischen Design der Originalpressung und neuem LP-Cover-Rücken-Artwork, das neben den anderen 2025er LP-Reissues der Band ein einheitliches Bild ergibt.)

Erstmals veröffentlicht in 2016 - 'Barbara, Barbara, we face a shining future' (Reissue).

Underworld sind ein echtes Unikat, das auf den größten Festivals und Veranstaltungen der Welt als Headliner auftritt, in Underground-Techno-Clubs und Lagerhäusern spielt, Theaterproduktionen vertont oder Kunstgalerien, stillgelegte Schuhläden und japanische Kaufhäuser bespielt.

- Ltd. LP: (180g schweres schwarzes Vinyl. Auf halber Geschwindigkeit geschnitten und sorgfältig auf höchste Audioqualität getestet. Double-Gatefold mit dem klassischen Design der Originalpressung und neuem LP-Cover-Rücken-Artwork, das neben den anderen 2025er LP-Reissues der Band ein einheitliches Bild ergibt.)

It’s been a short time since the van-dwelling singer-songwriter Olive Klug has fully pursued the life of a touring musician. Their DIY career has resulted in a huge following with over 20 million Spotify streams and 100,000+ Instagram followers. Self-described as “someone who floats on the breeze, letting the wind take me wherever I’m meant to be,” Klug’s sophomore album and label debut, Lost Dog finds them contemplating this propensity for adventure no matter which avenue of love and loss it leads down. Although still very young, Klug artfully addresses “aging as a neurodivergent free spirit” on the road with a compelling ability to voice honest emotions through captivating storytelling. Audiotree praised, ”equal parts vulnerable and powerful, ebullient and heartbreaking, reminding us how powerful the journey of music can be.” Olive Klug is a singular voice for the future of folk: honest, fearless, often unsure, but willing to try anyway.

Mit einer großartigen Auswahl an Tracks hält Ace Records die Singlebox 'High Time' als New Release im Label-Jubiläumsjahr bereit. Nochmal Grund genug, diese legendäre Garage-Band mit diversen fulminanten Garage-Rock-Krachern auf 7inch aus dem Rock'n'Roll-Nirvana zu holen und gebührend zu feiern.
Die Box präsentiert die heißesten Singles der Band aus ihrer Glanzzeit von 1964 bis 1966, zeitlose Klassiker wie 'Psycho', 'Cinderella', 'Boss Hoss' und natürlich das Debüt der Tacoma-Legenden, 'The Witch'. Dazu kommen einige Klassiker die ursprünglich nie auf einer Single erschienen, wie 'Strychnine' und 'Have Love Will Travel'. Darüber hinaus erscheinen erstmals Tracks aus der Etiquette- und der Jerden-Ära zusammen. Letztere sind vertreten durch die beliebten Nummern 'Head On Backwards', 'Like No Other Man', 'High Time' und - erstmals auf Vinyl - die seltene Audio-Recording-Version von 'Maintaining My Cool'. 'High Time', zusammengestellt und kommentiert von Alec Palao, ist ein attraktives Paket mit einem ausführlichen Booklet voller seltener Bilder aus der Linse des unnachahmlichen Nordwest-Fotografen Jini Dellaccio. Lang leben die Sonics!

Am 4. Juli 2025 erscheint das mit Spannung erwartete neue Album von VINTER, das Fans und Kritiker gleichermaßen in ihren Bann ziehen wird. Nach ihrem erfolgreichen Debütalbum "Seasons" entfaltet sich nun auf diesem Werk ein vielschichtiger, emotionaler Klangkosmos, der die faszinierende Entwicklung der Künstlerin dokumentiert. Produziert von Joshua Lange und co-produziert von VINTER selbst, verbindet das Album tiefgründige Texte mit einem abwechslungsreichen Sound, der von Alt Pop über Indie Folk bis hin zu eleganten Singer/Songwriter-Klängen reicht.

Mit ihrem markanten Signaturesound - einer Mischung aus organischen Instrumenten, modernen Beats und atmosphärischen Vintage-Vibes - gelingt es VINTER, in jeder Note Geschichten zu erzählen, die die Zuhörer:innen direkt ins Herz treffen. Ihre Texte, die mal melancholisch, mal unbeschwert leicht sind, spiegeln die Widersprüche und Kontraste wider, die VINTER so gekonnt in ihre Musik einfließen lässt. Ihre Stimme, die sowohl zart und verletzlich als auch kraftvoll sein kann, verstärkt die emotionale Tiefe ihrer Songs und macht jedes Stück zu einem einzigartigen Hörerlebnis. Jedes Lied auf diesem Album ist wie ein eigenständiges Kapitel aus einem unvollendeten Buch, das von zwischenmenschlichen Erfahrungen, introspektiven Momenten und poetischen Bildern handelt.

Zur Veröffentlichung des Albums wird VINTER mit einem exklusiven Record-Release-Konzert im Meistersaal der legendären Hansa Studios in Berlin die Bühne betreten - und das mit voller Band sowie einer beeindruckenden Streicherbegleitung. Ein unvergesslicher Abend für alle Musikfans. Tickets sind bald erhältlich.

Amanda entführen auf ihrem neuen Album Perpetuum einmal mehr in ihren eigenen klanglichen Kosmos!
Ausufernder Psychedelic Rock der 70er Jahre, feingliedrig verwoben mit verschiedenen Facetten österreichischer Musiktradition. Was sich zunächst wie ein stilpluralistisches Potpourri liest, formt die Band Amanda zu einer harmonischen Einheit und malt mit Klängen vielgestaltige Bilder.
Vermeintliche Gegensätze wie weitläufig-atmosphärische Klangwelten, vom Drive getriebener Rock und fragile Melancholie verschmelzen zu einem in sich geschlossenen Ganzen.

Nach einer achtjährigen Auszeit, was Neuveröffentlichungen betrifft, meldet sich der weltweit gefeierte italienische Künstler Pupo mit seinem mit Spannung erwarteten neuen Album "Insieme" zurück. Die gleichnamige Single erschien am 17. Januar und gibt einen ersten, vielversprechenden Vorgeschmack auf das kommende musikalische Meisterwerk, das bereits jetzt große Erwartungen weckt. Insieme enthält nicht nur brandneue Kompositionen, sondern auch wunderschön neu interpretierte italienische Versionen von Klassikern seines langjährigen Produzenten David Brandes. Diese Neuaufnahmen verbinden die Magie vergangener Zeiten mit modernen, frischen Klängen und bieten ein einzigartiges Hörerlebnis, das sowohl die treuen Fans als auch neue Zuhörer begeistern wird.

Der Perkele Album-Klassiker 'A Way Out' jetzt erhältlich als Ltd. Transparent Yellow Vinyl!

Mit 'A Way out' gelingt PERKELE, Göteborgs finest since 1993, erneut ein Street Rock'n'Roll-Blueprint, ein maßgeschneidertes Statement. 10 Old School Bootboy Anthems, eine mächtige PERKELE-Stampede aus Zorn und Leidenschaft. Rough, kickin', catchy! PERKELE sind wieder bissiger geworden, klingen wieder "schwedischer". Ihr Sound orientiert sich an eigenen Meisterwerken, vereint die schroffe Aggro-Kante von 'Voice of Anger' mit den goldenen Singalongs von 'Confront' und den grandiosen Melodien von 'Forever'. Dazu dirty UK'79 Basics, griffige R'n'R Traditionals und eine deutliche Working Class/Way of Life-Message. "Dagegen"-Klartext von der Straße, antisocial for life: Der A.C.A.B.-Smasher 'He loves violence' bringt es amtlich auf den Punkt, die Gier-Gesellschaft bekommt mit 'Dedicated to nothing' ihre Widmung ins Gesicht gespuckt und auch "Leave me alone" läßt keine Fragen offen. Und die Party kommt auch nicht zu kurz: 'The boots will dance tonight, to the sound of the street!'. Das ist ein Versprechen. 'A way out' liefert die neuen Hymnen.

"Lern ma Deutsch!" - Die seit fast zwei Jahrzenten ausverkaufte und hochgehandelte Kultscheibe der Emscherkurve77 als Sammler-Edition mit fetter Bonus-LP ("und anderen Lektionen") endlich wieder - streng limitiert - erhältlich! Für das "Lern ma Deutsch!" Album haben die Jungs seinerzeit (2002) ihre Oi! & Punk- & Hardcore-Lieblingssongs zusammen mit den Original-Sängern der Bands neu aufgenommen, mit augenzwinkernden Humor interpretiert und "perfekt" eingedeutscht! Von The Cracks "This is my world/ Meine Welt" bis hin zu The Toasters, Murphy's Law, (Secret Agent Skin..ääh Spiller), Cockney Rejects, Agnostic Front, The Business, Dropkick Muphys, Antiseen...ach, schaut einfach die Tracklist selbst an. So eine Scheibe mit dieser prominenten Beteiligung wird wohl nie wieder kommen! Zeitlos, vom Kulturminister garantiert nicht empfohlen und auch heute noch etwas ganz Besonderes! Aber damit nicht genug, denn auf der Bonus-LP finden sich "andere Lektionen" in Form von Demo-Raritäten und gesuchten Sampler-Beiträgen, z.B. vom Johnny Cash-Tribute Sampler ("San Quentin") mit Gunter Gabriel), einen Coversong von Gunter selbst (Intercity Linie Nr.4) oder alle Songs von der ebenfalls vergriffenen Split-Scheibe mit Hudson Falcons "One Size Slits All" von 2003. Insgesamt 27 Songs (oder sind es sogar 28?) auf erstmals Doppel-Vinyl! Eine Nachhilfestunde der punkigeren Art!. Woanders hieß das wohl Deluxe Edition mit Röstaroma, hier "Lern ma Deutsch! und andere Lektionen" Doppel-Vinyl als 2LP schwarz, 2LP zwei Farben oder 2LP zwei Splatter! In Klappcover, mit Insert und verstecktem Bonustrack auf der D-Seite.

"Lern ma Deutsch!" - Die seit fast zwei Jahrzenten ausverkaufte und hochgehandelte Kultscheibe der Emscherkurve77 als Sammler-Edition mit fetter Bonus-LP ("und anderen Lektionen") endlich wieder - streng limitiert - erhältlich! Für das "Lern ma Deutsch!" Album haben die Jungs seinerzeit (2002) ihre Oi! & Punk- & Hardcore-Lieblingssongs zusammen mit den Original-Sängern der Bands neu aufgenommen, mit augenzwinkernden Humor interpretiert und "perfekt" eingedeutscht! Von The Cracks "This is my world/ Meine Welt" bis hin zu The Toasters, Murphy's Law, (Secret Agent Skin..ääh Spiller), Cockney Rejects, Agnostic Front, The Business, Dropkick Muphys, Antiseen...ach, schaut einfach die Tracklist selbst an. So eine Scheibe mit dieser prominenten Beteiligung wird wohl nie wieder kommen! Zeitlos, vom Kulturminister garantiert nicht empfohlen und auch heute noch etwas ganz Besonderes! Aber damit nicht genug, denn auf der Bonus-LP finden sich "andere Lektionen" in Form von Demo-Raritäten und gesuchten Sampler-Beiträgen, z.B. vom Johnny Cash-Tribute Sampler ("San Quentin") mit Gunter Gabriel), einen Coversong von Gunter selbst (Intercity Linie Nr.4) oder alle Songs von der ebenfalls vergriffenen Split-Scheibe mit Hudson Falcons "One Size Slits All" von 2003. Insgesamt 27 Songs (oder sind es sogar 28?) auf erstmals Doppel-Vinyl! Eine Nachhilfestunde der punkigeren Art!. Woanders hieß das wohl Deluxe Edition mit Röstaroma, hier "Lern ma Deutsch! und andere Lektionen" Doppel-Vinyl als 2LP schwarz, 2LP zwei Farben oder 2LP zwei Splatter! In Klappcover, mit Insert und verstecktem Bonustrack auf der D-Seite.

Back in an unmissable picture disc reissue: THE MOOD MOSAIC
Vol.1 – The Hashish Party, ready to win over collectors and vintage sound lovers. Originally released in 1997 by Yellowstone
Records, this iconic compilation blends jazz-funk, lounge, Latin
jazz, soul-jazz, and psychedelia into a truly unique musical
journey.

The tracklist features legendary artists like Serge Gainsbourg,
Michel Legrand, Gábor Szabó, George Shearing, and Shocking
Blue, delivering an irresistible mix of exotic grooves and retro
atmospheres. The picture disc format enhances the series’ visual
appeal, making every copy a true collector’s item

"Lern ma Deutsch!" - Die seit fast zwei Jahrzenten ausverkaufte und hochgehandelte Kultscheibe der Emscherkurve77 als Sammler-Edition mit fetter Bonus-LP ("und anderen Lektionen") endlich wieder - streng limitiert - erhältlich! Für das "Lern ma Deutsch!" Album haben die Jungs seinerzeit (2002) ihre Oi! & Punk- & Hardcore-Lieblingssongs zusammen mit den Original-Sängern der Bands neu aufgenommen, mit augenzwinkernden Humor interpretiert und "perfekt" eingedeutscht! Von The Cracks "This is my world/ Meine Welt" bis hin zu The Toasters, Murphy's Law, (Secret Agent Skin..ääh Spiller), Cockney Rejects, Agnostic Front, The Business, Dropkick Muphys, Antiseen...ach, schaut einfach die Tracklist selbst an. So eine Scheibe mit dieser prominenten Beteiligung wird wohl nie wieder kommen! Zeitlos, vom Kulturminister garantiert nicht empfohlen und auch heute noch etwas ganz Besonderes! Aber damit nicht genug, denn auf der Bonus-LP finden sich "andere Lektionen" in Form von Demo-Raritäten und gesuchten Sampler-Beiträgen, z.B. vom Johnny Cash-Tribute Sampler ("San Quentin") mit Gunter Gabriel), einen Coversong von Gunter selbst (Intercity Linie Nr.4) oder alle Songs von der ebenfalls vergriffenen Split-Scheibe mit Hudson Falcons "One Size Slits All" von 2003. Insgesamt 27 Songs (oder sind es sogar 28?) auf erstmals Doppel-Vinyl! Eine Nachhilfestunde der punkigeren Art!. Woanders hieß das wohl Deluxe Edition mit Röstaroma, hier "Lern ma Deutsch! und andere Lektionen" Doppel-Vinyl als 2LP schwarz, 2LP zwei Farben oder 2LP zwei Splatter! In Klappcover, mit Insert und verstecktem Bonustrack auf der D-Seite.

Drei essenzielle Metalalben aus drei Ländern! In dieser Vinyl-Box findet man remasterte und wertige Neuauflagen von Alben, für die man im Original heute ein kleines Vermögen bezahlen muss. TARAMIS aus Australien spielen epischen Heavy Metal, der sowohl Fans von Manilla Road und Cirith Ungol, aber auch Liebhaber der frühen Iron Maiden gefällt. Die LP wurde 1987/1988 von Metal Blade (USA) und Roadrunner (Europa) lizensiert. QUARTZ sind aktuell immer noch die dienstälteste aktive Heavy Metal Band (zwischen 75 und 80 Jahre alt) und spielten erst kürzlich bei Festivals wie Up The Hammers (Griechenland) und Coursts Of Chaos (Frankreich). Sie gelten zudem als Miterfinder der NWOBHM. Auf “Satan´s Serenade” wurden zwei rare EPs (“Satan´s Serenade” und “Nantucket Sleighride”) erstmals zusammengefasst. Album Nummer drei ist von der belgischen Band SCAVENGER, die in verändertem Line Up auch heute wieder aktiv sind. Ihr traditioneller Heavy Metal begeisterte bereits 1985, als “Battlefields” auf Mausoleum Records erschien.

Movie Rock - ein neues Genre wird definiert. Den beiden Komponisten Sven Bergmann & Oliver Bartkowski ist eine wunderbare Symbiose aus Rock und Pop gelungen, die mit klassischen und sogar jazzigen Elementen, sowie Ausflügen ins Reich des Musicals neue Maßstäbe setzen kann. Der Fan von Film-Scores wird gleichermaßen bedient wie der Rockfan, bei dem es auch gerne einmal krachen darf. Bergmann und Bartkowski konnten bereits mit "The Movie Trip Show" ihr Publikum begeistern. Sie komponierten die Musik für den international prämierten Euro-Western "Durch seine Venen fließt Blei - Bullet Vain" und präsentieren nun mit HEAVEN"S SAPPHIRE "Welcome To Wonderworld" ihr erstes Movie-Rock-Album.

Für damalige Verhältnisse derbster, schneller, krachiger Hardcore-Deutschpunk diese Band ist ganz oben in europäischen Thrash-King-Historie. Die Gitarren dominieren, während das Schlagzeug und der Leadgesang darum kämpfen müssen, gehört zu werden. Unglaublich kraftvolle Musik, die ihre früheren Werke in den Schatten stellt. Von Anfang an rasen OHL auf dem Highway der antikommerziellen Musik. "1. Oktober" ist zugleich Auftakt und erster Höhepunkt. Wer einmal die hysterischen "Deutschland, Deutschland"-Rufe des Deutscher W. gehört hat, wird sie nicht mehr vergessen. Viele Songs folgen dem manischen Rausch des Eröffnungstitels. "Freut Euch", "Glocken der Revolution" oder "Neue Macht" gehören zu diesen Liedern und sie zelebrieren eine energiegeladene Orgie aus kompromissloser Geschwindigkeit und grimmig entschlossener Kampfeslust. Klappcover, neues Artwork & Linernotes. Rough, fast, noisy hardcore German punk for the time, this band is at the top of European thrash king history. The guitars dominate while the drums and lead vocals struggle to be heard. Incredibly powerful music that puts her previous works to shame. From the start, OHL race on the highway of anti-commercial music. "1. Oktober" is both the start and the first highlight. Anyone who has ever heard German W.'s hysterical calls of " Deutschland, Deutschland " will never forget them. Many songs follow the manic rush of the opening title. Freut Euch", "Glocken der Revolution" and "Neue Macht" are among these songs and they celebrate an energetic orgy of uncompromising speed and grimly determined fighting spirit. Comes in an nice inside/out gatefold sleeve with new Artwork and linernotes.

Repress !

Oscar-Gewinner Steven Spielberg führt Regie in der Neuverfilmung von Bernsteins “West Side Story” – der klassischen Geschichte von junger Liebe vor dem Hintergrund von Gang-Rivalitäten in New York 1957. Basierend auf einem Drehbuch von Pulitzer Prize and Tony Award-Gewinner Tony Kushner imaginiert Spielberg das legendäre Musical neu und bleibt doch auch wieder nah am Original. Ein durch und durch gelungener, mitreißender Film mit einem aufregenden Soundtrack, der jetzt auch auf einer Doppel-Vinyl erhältlich ist.

Voller Hits wie ”Maria”, ”Tonight”, ”America” und ”I feel pretty”.
Die Schauspieler singen dabei selbst - ein Ereignis. Mit Ansel Elgort (Tony), Ariana DeBose (Anita), David Alvarez (Bernardo) und erstmalig Rachel Zegler, die in der Rolle der Maria brilliert. Oscarpreisträgerin Rita Moreno schließlich, die bereits im originalen Film dabei war, singt ”Somewhere” - ganz bei sich, brüchig, berührend: Gänsehaut pur!
GRAMMY-Gewinner Gustavo Dudamel ist der Dirigent dieses packenden Soundtracks und dirigiert dabei unter anderem the New York Philharmonic. Das Booklet enthält liner notes vom “West Side Story” Music Consultant, dem Oscar®-Preisträger John
Williams.

Repress !

Oscar-Gewinner Steven Spielberg führt Regie in der Neuverfilmung von Bernsteins “West Side Story” – der klassischen Geschichte von junger Liebe vor dem Hintergrund von Gang-Rivalitäten in New York 1957. Basierend auf einem Drehbuch von Pulitzer Prize and Tony Award-Gewinner Tony Kushner imaginiert Spielberg das legendäre Musical neu und bleibt doch auch wieder nah am Original. Ein durch und durch gelungener, mitreißender Film mit einem aufregenden Soundtrack, der jetzt auch auf einer Doppel-Vinyl erhältlich ist.

Voller Hits wie ”Maria”, ”Tonight”, ”America” und ”I feel pretty”.
Die Schauspieler singen dabei selbst - ein Ereignis. Mit Ansel Elgort (Tony), Ariana DeBose (Anita), David Alvarez (Bernardo) und erstmalig Rachel Zegler, die in der Rolle der Maria brilliert. Oscarpreisträgerin Rita Moreno schließlich, die bereits im originalen Film dabei war, singt ”Somewhere” - ganz bei sich, brüchig, berührend: Gänsehaut pur!
GRAMMY-Gewinner Gustavo Dudamel ist der Dirigent dieses packenden Soundtracks und dirigiert dabei unter anderem the New York Philharmonic. Das Booklet enthält liner notes vom “West Side Story” Music Consultant, dem Oscar®-Preisträger John
Williams.

"Different Talking", das sechste und bisher beste Album der vierköpfigen New Yorker Indie-Rock-Band Frankie Cosmos, scheint über Zeit und Raum hinweg zu existieren, so wie wir alle es irgendwie tun. Es ist eine Sammlung von Fragmenten und Erinnerungen, erinnerten Orten und neu interpretierten Gefühlen, die sich zu einem leuchtenden, summenden Ganzen zusammenfügen: eine robuste, weltgewandte Indie-Rock-Platte über das Altern und den Lauf der Zeit, die es dennoch schafft, sich hochaktuell zu fühlen. Die Sängerin, Gitarristin und Songschreiberin von Frankie Cosmos, Greta Kline, gilt seit langem als eine der gewandtesten und notwendigsten Autorinnen zeitgenössischer Indie-Musik, doch auf "Different Talking" werden ihre Texte etwas weicher, und der schräge Zynismus, der die letzten Alben prägte, weicht nun einer Anerkennung der großartigen und notwendigen Fehlbarkeit des menschlichen Gehirns und Herzens. "Different Talking" als Rückkehr zur alten Form oder zumindest zur üppigen Direktheit früherer Frankie Cosmos-Platten zu bezeichnen, wäre unhöflich, aber auch völlig falsch: Wie "Different Talking" deutlich macht, kann man nie mehr zu der Bequemlichkeit und dem Mut seiner frühen Zwanziger zurückkehren, aber diese Person lebt irgendwie immer in einem, egal wie sehr man sich verändert. Bei Different Talking geht es darum, diese Person zu finden, sie zu ehren und von ihr zu lernen. "Ein großer Teil des Albums handelt davon, erwachsen zu werden und herauszufinden, wie man sich selbst erkennt - wie zum Beispiel: 'Was ist ein Weitermachen?'", sagt Kline. "Wie kommen wir weiter, wenn wir süchtig nach einem Kreislauf sind, der uns in unserer Vergangenheit verfolgt? Das Schreiben von Songs ist nur ein Weg, um das zu überwinden". Kline ist seit ihren späten Teenagerjahren ein fester Bestandteil des amerikanischen Indie-Undergrounds. Ihre zahlreichen Bandcamp-Veröffentlichungen und ihr Debüt bei dem Indie-Label Zentropy aus dem Jahr 2014 führten dazu, dass sie als "Poet laureate of New York City DIY" bezeichnet wurde. Ein solches Etikett ist eine Menge für junge Schultern, aber es ist schwer zu leugnen, dass sie einen einzigartigen Einfluss auf die zeitgenössische Popmusik hatte. Wenn die Vorstellung, dass eine junge Frau in ihrem Schlafzimmer einen Synthesizer in die Hand nimmt, ein paar Songs ins Internet stellt und schnell zum Superstar wird, heute gang und gäbe ist, dann liegt das daran, dass Kline und ihre Kolleginnen das (weibliche) DIY-Genie normalisiert und verherrlicht haben, lange bevor sie in den Marketingbüros der Major-Labels an die Pinnwände geheftet wurden. Seitdem hat sich viel verändert: Nachdem Frankie Cosmos in den letzten zehn Jahren eine Handvoll verschiedener Permutationen durchlaufen hat, besteht die Band heute aus vier Mitgliedern: Greta Kline, Alex Bailey, Katie Von Schleicher und Hugo Stanley. Kline ist die einzige Konstante, aber Stanley, Bailey und Von Schleicher sind wichtige Mitstreiter, und es wäre falsch, die Namen "Greta Kline" und "Frankie Cosmos" synonym zu verwenden. Kline ist nach wie vor die primäre Songschreiberin, und die Musik auf "Different Talking" wurde von der Band als Ganzes arrangiert, aber dies ist das erste Album, das von der Band selbst aufgenommen und selbst produziert wurde. Nicht zufällig fühlt es sich wie eine reinere, destilliertere Aufnahme an. "Es fühlt sich an wie die beste Version von dem, was ich machen wollte, seit ich ein Teenager war", sagt Kline. "Obwohl dies in einem Wohnzimmer aufgenommen wurde, ist es so originalgetreu wie alles, was wir im Studio gemacht haben."

"Different Talking", das sechste und bisher beste Album der vierköpfigen New Yorker Indie-Rock-Band Frankie Cosmos, scheint über Zeit und Raum hinweg zu existieren, so wie wir alle es irgendwie tun. Es ist eine Sammlung von Fragmenten und Erinnerungen, erinnerten Orten und neu interpretierten Gefühlen, die sich zu einem leuchtenden, summenden Ganzen zusammenfügen: eine robuste, weltgewandte Indie-Rock-Platte über das Altern und den Lauf der Zeit, die es dennoch schafft, sich hochaktuell zu fühlen. Die Sängerin, Gitarristin und Songschreiberin von Frankie Cosmos, Greta Kline, gilt seit langem als eine der gewandtesten und notwendigsten Autorinnen zeitgenössischer Indie-Musik, doch auf "Different Talking" werden ihre Texte etwas weicher, und der schräge Zynismus, der die letzten Alben prägte, weicht nun einer Anerkennung der großartigen und notwendigen Fehlbarkeit des menschlichen Gehirns und Herzens. "Different Talking" als Rückkehr zur alten Form oder zumindest zur üppigen Direktheit früherer Frankie Cosmos-Platten zu bezeichnen, wäre unhöflich, aber auch völlig falsch: Wie "Different Talking" deutlich macht, kann man nie mehr zu der Bequemlichkeit und dem Mut seiner frühen Zwanziger zurückkehren, aber diese Person lebt irgendwie immer in einem, egal wie sehr man sich verändert. Bei Different Talking geht es darum, diese Person zu finden, sie zu ehren und von ihr zu lernen. "Ein großer Teil des Albums handelt davon, erwachsen zu werden und herauszufinden, wie man sich selbst erkennt - wie zum Beispiel: 'Was ist ein Weitermachen?'", sagt Kline. "Wie kommen wir weiter, wenn wir süchtig nach einem Kreislauf sind, der uns in unserer Vergangenheit verfolgt? Das Schreiben von Songs ist nur ein Weg, um das zu überwinden". Kline ist seit ihren späten Teenagerjahren ein fester Bestandteil des amerikanischen Indie-Undergrounds. Ihre zahlreichen Bandcamp-Veröffentlichungen und ihr Debüt bei dem Indie-Label Zentropy aus dem Jahr 2014 führten dazu, dass sie als "Poet laureate of New York City DIY" bezeichnet wurde. Ein solches Etikett ist eine Menge für junge Schultern, aber es ist schwer zu leugnen, dass sie einen einzigartigen Einfluss auf die zeitgenössische Popmusik hatte. Wenn die Vorstellung, dass eine junge Frau in ihrem Schlafzimmer einen Synthesizer in die Hand nimmt, ein paar Songs ins Internet stellt und schnell zum Superstar wird, heute gang und gäbe ist, dann liegt das daran, dass Kline und ihre Kolleginnen das (weibliche) DIY-Genie normalisiert und verherrlicht haben, lange bevor sie in den Marketingbüros der Major-Labels an die Pinnwände geheftet wurden. Seitdem hat sich viel verändert: Nachdem Frankie Cosmos in den letzten zehn Jahren eine Handvoll verschiedener Permutationen durchlaufen hat, besteht die Band heute aus vier Mitgliedern: Greta Kline, Alex Bailey, Katie Von Schleicher und Hugo Stanley. Kline ist die einzige Konstante, aber Stanley, Bailey und Von Schleicher sind wichtige Mitstreiter, und es wäre falsch, die Namen "Greta Kline" und "Frankie Cosmos" synonym zu verwenden. Kline ist nach wie vor die primäre Songschreiberin, und die Musik auf "Different Talking" wurde von der Band als Ganzes arrangiert, aber dies ist das erste Album, das von der Band selbst aufgenommen und selbst produziert wurde. Nicht zufällig fühlt es sich wie eine reinere, destilliertere Aufnahme an. "Es fühlt sich an wie die beste Version von dem, was ich machen wollte, seit ich ein Teenager war", sagt Kline. "Obwohl dies in einem Wohnzimmer aufgenommen wurde, ist es so originalgetreu wie alles, was wir im Studio gemacht haben."

By now an essential part of the Mindgames story, Kloke follows up his LP with Tim Reaper on Hyperdub with 4 tracks of Jungle vitality. As always with Andy's productions, there are fragments of memories that you can't quite identify embedded in the tunes framework, but the Kloke magic is using these familiar elements to build new tunes that enhance and embody this era of sound perfectly albeit with a distinctly recognisable identity. Of course this is the raison d'être of the Jungle revivalist producer set, but very few have mastered it like Kloke.

Slightly more floor-centric than his last Mindgames set, Mindgame 8 has a rugged vibe with punchy b lines and jagged breaks, doubling down on it's embedded authenticity.

Macht euch bereit für das lang erwartete, brandneue Album "Psychotic Mutilation" von DEMENTED ARE GO! 39 Jahre nach ihrem Debutalbum und 13 Jahre nach "Welcome Back To Insanity Hall" veröffentlicht eine der legendärsten original Psychobilly-Acts um den charismatischen, außergewöhnlichen (manche würden sagen "frenzy") Bandleader Mark "Sparky" Philips ein Dutzend neue Songs, oder sind's nicht doch 13? Schon von jeher scheren sich DAG einen Dreck um den klassischen Psychobilly-Purismus: Ihr Sound ist immer noch eine einzigartige Mischung (Hellbilly) und kombiniert Elemente von Rockabilly, Punk, höllischem Rock'n'Roll mit mal Country-esken Einflüssen oder dunkelsten Blues, alles immer geprägt von Sparkys rauem, giftigem Gesang. Und als ganz besonderer Gast tritt Emanuela Hutter von The Hillbilly Moon Explosion wieder im Duett mit Sparky bei ,Cast A Lonesome Shadow" an. Eine wilde und schräge musikalische Reise durch menschliche Abgründe, Wahnsinn und dunkle Sehnsüchte. "Psychotic Mutilation" mit genau den Songs, die diese kranke Welt verdient. Simply a masterpiece!! Die Pressung der LP-Erstauflage dürfte ein jedes Sammlerherz höherschlagen lassen, denn neben 180g Vinyl, klassisch schwarz oder Multicolour, gibt es noch ein Plakat und am Ende der der endlos B-Seiten-Rille ein verstecktes Special zu finden, oder genauer gesagt: ganz in der Mitte der B-Seite....lasst euch überraschen. LP als 180g Vinyl, Glanz-Cover & A2 Poster, CD als Digipack. Diese Version hier ist klassisch schwarzes Vinyl!

Macht euch bereit für das lang erwartete, brandneue Album "Psychotic Mutilation" von DEMENTED ARE GO! 39 Jahre nach ihrem Debutalbum und 13 Jahre nach "Welcome Back To Insanity Hall" veröffentlicht eine der legendärsten original Psychobilly-Acts um den charismatischen, außergewöhnlichen (manche würden sagen "frenzy") Bandleader Mark "Sparky" Philips ein Dutzend neue Songs, oder sind's nicht doch 13? Schon von jeher scheren sich DAG einen Dreck um den klassischen Psychobilly-Purismus: Ihr Sound ist immer noch eine einzigartige Mischung (Hellbilly) und kombiniert Elemente von Rockabilly, Punk, höllischem Rock'n'Roll mit mal Country-esken Einflüssen oder dunkelsten Blues, alles immer geprägt von Sparkys rauem, giftigem Gesang. Und als ganz besonderer Gast tritt Emanuela Hutter von The Hillbilly Moon Explosion wieder im Duett mit Sparky bei ,Cast A Lonesome Shadow" an. Eine wilde und schräge musikalische Reise durch menschliche Abgründe, Wahnsinn und dunkle Sehnsüchte. "Psychotic Mutilation" mit genau den Songs, die diese kranke Welt verdient. Simply a masterpiece!! Die Pressung der LP-Erstauflage dürfte ein jedes Sammlerherz höherschlagen lassen, denn neben 180g Vinyl, klassisch schwarz oder Multicolour, gibt es noch ein Plakat und am Ende der der endlos B-Seiten-Rille ein verstecktes Special zu finden, oder genauer gesagt: ganz in der Mitte der B-Seite....lasst euch überraschen. LP als 180g Vinyl, Glanz-Cover & A2 Poster, CD als Digipack. Diese Version hier ist klassisch schwarzes Vinyl!

Macht euch bereit für das lang erwartete, brandneue Album "Psychotic Mutilation" von DEMENTED ARE GO! 39 Jahre nach ihrem Debutalbum und 13 Jahre nach "Welcome Back To Insanity Hall" veröffentlicht eine der legendärsten original Psychobilly-Acts um den charismatischen, außergewöhnlichen (manche würden sagen "frenzy") Bandleader Mark "Sparky" Philips ein Dutzend neue Songs, oder sind's nicht doch 13? Schon von jeher scheren sich DAG einen Dreck um den klassischen Psychobilly-Purismus: Ihr Sound ist immer noch eine einzigartige Mischung (Hellbilly) und kombiniert Elemente von Rockabilly, Punk, höllischem Rock'n'Roll mit mal Country-esken Einflüssen oder dunkelsten Blues, alles immer geprägt von Sparkys rauem, giftigem Gesang. Und als ganz besonderer Gast tritt Emanuela Hutter von The Hillbilly Moon Explosion wieder im Duett mit Sparky bei ,Cast A Lonesome Shadow" an. Eine wilde und schräge musikalische Reise durch menschliche Abgründe, Wahnsinn und dunkle Sehnsüchte. "Psychotic Mutilation" mit genau den Songs, die diese kranke Welt verdient. Simply a masterpiece!! Die Pressung der LP-Erstauflage dürfte ein jedes Sammlerherz höherschlagen lassen, denn neben 180g Vinyl, klassisch schwarz oder Multicolour, gibt es noch ein Plakat und am Ende der der endlos B-Seiten-Rille ein verstecktes Special zu finden, oder genauer gesagt: ganz in der Mitte der B-Seite....lasst euch überraschen. LP als 180g Vinyl, Glanz-Cover & A2 Poster, CD als Digipack. Diese Version hier ist klassisch schwarzes Vinyl!

45 Jahre alt – und jetzt so frisch wie nie:

Am 27. Juni erscheint das selbstbetitelte Ideal-Debütalbum von 1980 in einer neu abgemischten Version. Für den „2025 Mix“ wurden die originalen Mehrspurbänder digitalisiert und von Moritz Enders (u.a. Kraftklub, Casper) und Annette Humpe neu abgemischt. Das Ergebnis klingt verblüffend direkt, greifbar und gegenwärtig – als wäre die Berliner Band gerade erst ins Studio gestiegen.

Der Clou: Für den neuen Mix kam ausschließlich Technik zum Einsatz, die bereits 1980 zur Verfügung stand. Der Sound ist also nicht einfach nur neu – sondern neu gedacht im Geist der alten Zeit. „Ideal (2025 Mix)“ ist nicht bloß ein nostalgischer Rückblick, sondern ein eindrucksvolles Update: Songs wie „Berlin“, „Blaue Augen“ oder „Hundsgemein“ wirken heute so kompromisslos, radikal und relevant wie eh und je.

The Southern Fold wurde 2014 in Kilkenny, Irland, von Sänger/Gitarrist/Songwriter Emlyn Holden gegründet. Die Band integriert Elemente aus Country, Blues und Gospel in einen Folk-/Roots-Sound und findet Einflüsse von so weit her wie Hank Williams, Nirvana und alles dazwischen. Holden griff mit zehn Jahren zum ersten Mal zur Gitarre, als er Elvis Presley hörte, und war in seinen frühen Teenagerjahren völlig in die alten Sun-Aufnahmen vertieft. Über die Roots-Rocker Creedence Clearwater Revival und den Punkrock schuf er sich eine vielseitige Inspirationsquelle. Die Entdeckung der Alt-Country-Pioniere Uncle Tupelo und Wilco brachte Country zurück in sein Songwriting und führte ihn auf den Weg zu The Southern Fold. Ursprünglich als Duo im Stil von Gram Parsons/Emmylou Harris gestartet, enthielt die erste EP der Band - "A True Ascension from the Wayward Path" aus dem Jahr 2016 - fünf eigene Songs sowie ein Cover von "Where Did You Sleep Last Night". Es war eine reduzierte Folk-Country-Nummer, gepaart mit sehr persönlichen Texten und zusätzlicher Instrumentierung durch Klavier, Cello und E-Gitarre. Es folgten einige Jahre intensiver Konzerttätigkeit, und bis zum Erscheinen des Albums "Bible Fear"s" im Jahr 2019 hatte sich die Band zu einer vollständigen fünfköpfigen Band entwickelt, die einen eher Folk-Rock-orientierten Sound hervorbrachte. In dieser Post-Covid-Zeit erlebten wir den Aufstieg der Southern Fold aus der Asche mit einigen neuen Singles ("Nothing to Fear" und "Before the Fall"), die 2024 im Eigenverlag veröffentlicht wurden. Zu Holden in einer neuen Live-Besetzung gesellen sich der ehemalige Blackbird & Crow-Gitarrist Stephen Doohan, die aus Mauritius stammende Madeline Leclezio am Gesang, der kanadische Schlagzeuger Gregor Beresford und der ehemalige Midnight Union Band-Bassist Brian McGrath. Diese Kernbesetzung spielte einige äußerst gut aufgenommene Konzerte bei den Kilkenny Roots 2024, im Whelan"s, Dublin mit den Frank and Walters und bei der britischen Ramblin" Roots Revue im April 2025.

'A Necessary Escape' ist der Soundtrack zum demnächst erscheinenden Film 'Dakar: Race Against The Desert'. Die physischen Formate umfassen CD, Vinyl und eine limitierte Farbvinyl-Edition in Curacao-Blau. Es ist der vierte Album-Soundtrack von M83 und wurde in Frankreich und den USA von M83s Anthony Gonzalez zusammen mit den regelmäßigen M83-Mitwirkenden Joe Berry und Clement Libes aufgenommen. Der Film erscheint am 12. Mai digital bei Universal Pictures und feiert seine weltweite Kinopremiere am 26. Juni in der MK2 Bibliothèque in Paris. Unter der Regie des französischen Schauspielers und Regisseurs Jalil Lespert wird hier die weltberühmte Rallye Dakar begleitet - ein Event, das seit 45 Jahren die ultimative Bewährungsprobe für Belastbarkeit, Können und Ausdauer im Motorsport darstellt. Das 9.000 Kilometer lange Rennen dauert 14 strapaziöse Tage durch raues Wüstengelände. Mit beispiellosem Zugang taucht dieser Film in das härteste Autorennen der Welt ein. Begleitet wird dies von einem wunderbaren Score den Gonzalez perfekt auf den Film zugeschnitten hat. Ambient trifft auf sphärische Klangcollagen und ist damit der perfekte Ausgleich zu den im Film dokumentierten Strapazen um die berühmte Rallye. Nach dem fantastischen 'Fantasy'-Album von 2023 oder dem 2011er Klassiker 'Hurry Up, We're Dreaming' ein weiterer Geniestreich des französischen Sound-Magiers und seinem M83-Projekt!

New Artwork. Lucrecia Dalt ist eine produktive und grenzenlose Musikerin, Performerin, Komponistin und Klangkünstlerin, die sowohl Genre als auch Form herausfordert, indem sie vertraute Elemente der Pop- und experimentellen Musik auseinander nimmt und sie auf unerwartete Weise neu zusammensetzt. Mit ihrem hochgelobten Album "¡Ay!" aus dem Jahr 2022 gelang ihr der Durchbruch bei einem breiteren Publikum. Dalt hat sich auch als Komponistin für Film und Fernsehen einen Namen gemacht, unter anderem mit ihrer originellen Filmmusik für die HBO-Serie "The Baby" und den in Cannes 2024 ausgezeichneten Spielfilm "On Becoming a Guinea Fowl". Mit ,cosa rara", ihrer neuen Single, die von Kultmusiklegende David Sylvian gemischt, produziert und mit einem seltenen Gastbeitrag versehen wurde, wird das Thema des eigenen Ichs zu einer unwahrscheinlichen Verliebtheit. "cosa rara" ist eine kühne Rückkehr von Dalt, die die Höhen der Liebe destilliert und mit Produktionspräzision und hyperfokussierter Klarheit klanglich umsetzt und den Hörer auf eine aufregende Eskapade aus Sound und Psychologie einlädt. Die B-Seite der 7" enthält Mabe Frattis "cosa rara (en la playa)"-Version, eine geisterhafte, von Fratti produzierte und gesungene Version desselben Songs, sowie eine 7" exklusive, erweiterte Version von Matias Aguayos, "cosa rara (dopamine dub)". Abgemischt von Sylvian und gemastert von Heba Kedry, ist die 7" eine einmalige, auf 500 Exemplare limitierte Pressung. RIYL: PJ Harvey, Broadcast, St. Vincent, ML Buch, Stereolab, Cate LeBon, Aldous Harding, Mabe Fratti, Dry Cleaning, Juana Molina.

J Mahon lässt sich von Künstlern wie Sparklehorse und Daniel Johnston inspirieren und erschafft eine erbauliche und zugängliche "Chamber-Pop"-Klanglandschaft, die an Bands wie Spiritualized und Sigur Ros erinnert, während seine gefühlvolle Stimme und seine Lyrik an andere Koryphäen wie Jeff Buckley, Townes Van Zandt und Joanna Newsome erinnern.
2023 machte sich J Mahon daran, ein Album zu kreieren, das sich wie ein "echtes" Album anfühlt. Ein Album, das Erinnerungen an die Stunden weckt, die man als Teenager mit Kopfhörern im Bett verbracht hat, während man an die Decke starrte und sich Gedanken über die Zukunft machte.
"Begin Again, Again" wird begleitet von Callum Brown (Ulrika Spacek) am Schlagzeug, Victoria RH am Gesang, Geige und Bratsche von Clementine Brown (The Penguin Cafe), wobei alle anderen Instrumente und Streicherarrangements von Jarrod geschrieben und gespielt wurden. Co-produziert und gemischt mit Syd Kemp und gemastert von Jason Mitchell (PJ Harvey, XTC, Aldous Harding).

Mit seinem siebten Studioalbum kehrt der Musiker und Singer-Songwriter Juan Wauters mit einem Liebesbrief an seine Geburts- und Heimatstadt Montevideo, Uruguay, zurück. "MVD LUV" erscheint am 27. Juni 2025 über Captured Tracks. Mehr als ein Jahrzehnt nach Beginn seiner Solokarriere hat Wauters seine musikalische Identität zu einem charismatischen und charmanten, authentischen und fesselnden Drahtseilakt geformt, der auf dem schmalen Grat zwischen Aufrichtigkeit und Performativität balanciert. Auf seinem neuen Album kommen seine Fähigkeiten als Songwriter voll zur Geltung. Die meisten Songs auf "MVD LUV" sind weniger als zwei Minuten lang und strotzen nur so vor Lebensfreude, aber das Album als Ganzes zeigt Wauters von seiner liebenswertesten Seite, denn er schreibt mit Zuneigung und Mitgefühl über die uruguayische Stadt, die er liebt und sein Zuhause nennt. Die klare Absicht, mit der Wauters Montevideo und seinen Charakter illustriert, zeichnet das Porträt eines Künstlers, der sich seinem Handwerk und seinem Thema mit großer Hingabe widmet. So gesehen ist "MVD LUV" mehr als nur ein Album - es ist eine Heimkehr. Dabei hat er sich die reichen musikalischen Traditionen von Montevideo zu eigen gemacht und gleichzeitig die Grenzen seines unverwechselbaren Songwritings weiter verschoben. "MVD LUV" ist eine Liebeserklärung an seine Wurzeln und seine Gegenwart und bringt uruguayische Klänge auf die Weltbühne, indem es Candombe- und Murga-Rhythmen in Wauters' charakteristische Mischung aus Folk, Pop und Experimenten einbezieht. Da Wauters einen Großteil seiner Karriere in den Vereinigten Staaten verbracht hat, trägt er seit langem die doppelte Identität eines Einwanderers und eines Einheimischen. Mit "MVD LUV" wollte er eine Brücke zwischen diesen beiden Welten schlagen und die Essenz der Straßen, Häuser und des Gemeinschaftsgeistes von Montevideo einfangen. Das Album wurde an verschiedenen Orten in der Stadt aufgenommen, von seinem eigenen Studio bis hin zu Bürgersteigen, Dächern und den Wohnungen der beteiligten Musiker. Dieser Ansatz verleiht dem Projekt eine unverfälschte Authentizität und lässt Montevideo selbst wie eine aktive Präsenz in der Musik erscheinen. Thematisch beschäftigt sich "MVD LUV" mit Identität, Nostalgie und menschlichen Beziehungen. Tracks wie "Manejando por Pando" und "Siempre Vuelven" reflektieren über die Rückkehr nach Hause und den Lauf der Zeit, während "If It's Not Luv" und "Dime Amiga" sich mit Liebe, Kameradschaft und persönlicher Reflexion beschäftigen. "Ando con Miedo" fängt urbane Ängste ein und stellt Introspektion den pulsierenden Rhythmen der Stadt gegenüber. Wauters schafft damit eine zutiefst persönliche und doch universelle Meditation über Zugehörigkeit. Mit "MVD LUV" präsentiert Juan Wauters eine lebendige, tief empfundene Erkundung von Ort und Identität und schafft ein Album, das sich sowohl tief verwurzelt als auch universell anfühlt. Dieses Album führt den Hörer nicht nur in Montevideo ein, sondern lädt ihn ein, sich dort zu Hause zu fühlen.

Als William J. Tsamis, Gründer der Epic-Metal-Heroen Warlord, am 13. Mai 2021 im Alter von nur 60 Jahren viel zu früh für immer von uns gegangen ist, schien dies für viele das Ende einer der kreativsten Metal-Formationen Amerikas zu markieren. Doch überraschender Weise schlugen Warlord zurück, mit neuer Besetzung und einem neuen Studioalbum, "Free Spirit Soar" (auf High Roller Records). Auf besagtes Studioalbum folgte im selben Jahr die limitierte Compilation "From The Ashes To The Archives - The Hot Pursuit Continues", die Appetit machen sollte auf die 2024er Festival-Tour von Warlord mit ihrem neuen Sänger Giles Lavery (der auch bei Jack Starr und Alcatrazz das Mikro schwingt). Auf dem Plan standen: Trveheim (Deutschland), Golden R Festival (Griechenland), Pyrenean Warriors (Frankreich) und Metalitalia (Italien). Für diese Shows hatten sich Warlord etwas ganz Besonderes ausgedacht: Im Vorfeld eines jeden Auftritts wurde exklusiv ein neuer Song im Internet veröffentlicht. Alle vier befinden sich auf "The Lost Archangel" zum ersten Mal in physischer Form. Giles Lavery schwärmt von besagten Auftritten: "Die Reaktionen bei diesen Shows waren unfassbar. Sie haben unsere kühnsten Träume übertroffen. Die Fans sangen jedes Wort mit uns mit - die Energie, die von diesem Festival-Publikum ausging, kannte keine Grenzen." Die vier Songs, um die es sich handelt, sind "Golgotha (Place Of The Skull)", "The Rainbow", "Lost Archangel" und "Stygian Passage". Giles Lavery geht ins Detail: "Es sind alles brandneue Aufnahmen. 'The Rainbow' stammt von einem alten Warlord-Demo aus den ganz frühen achtziger Jahren. Wir haben den Song umgearbeitet. Die anderen drei Stücke sind von Lordian-Guard-Alben. Wir waren der Meinung, dass wir sie sehr gut zu Warlord-Nummern umarrangieren konnten. Also warum sie nicht auch veröffentlichen? Unser Gitarrist Eric und ich haben die vier neuen Nummern produziert, mithilfe digitaler Heimtechnik aber auch in professionellen Studios." Zusätzlich zu den besagten vier neuen Aufnahmen bietet "The Lost Archangel" neben älteren und neuen Live-Mitschnitten auch Neuinterpretationen einiger Warlord-Klassiker. Für Fans und Sammler ein rundum gelungenes Paket.

Als William J. Tsamis, Gründer der Epic-Metal-Heroen Warlord, am 13. Mai 2021 im Alter von nur 60 Jahren viel zu früh für immer von uns gegangen ist, schien dies für viele das Ende einer der kreativsten Metal-Formationen Amerikas zu markieren. Doch überraschender Weise schlugen Warlord zurück, mit neuer Besetzung und einem neuen Studioalbum, "Free Spirit Soar" (auf High Roller Records). Auf besagtes Studioalbum folgte im selben Jahr die limitierte Compilation "From The Ashes To The Archives - The Hot Pursuit Continues", die Appetit machen sollte auf die 2024er Festival-Tour von Warlord mit ihrem neuen Sänger Giles Lavery (der auch bei Jack Starr und Alcatrazz das Mikro schwingt). Auf dem Plan standen: Trveheim (Deutschland), Golden R Festival (Griechenland), Pyrenean Warriors (Frankreich) und Metalitalia (Italien). Für diese Shows hatten sich Warlord etwas ganz Besonderes ausgedacht: Im Vorfeld eines jeden Auftritts wurde exklusiv ein neuer Song im Internet veröffentlicht. Alle vier befinden sich auf "The Lost Archangel" zum ersten Mal in physischer Form. Giles Lavery schwärmt von besagten Auftritten: "Die Reaktionen bei diesen Shows waren unfassbar. Sie haben unsere kühnsten Träume übertroffen. Die Fans sangen jedes Wort mit uns mit - die Energie, die von diesem Festival-Publikum ausging, kannte keine Grenzen." Die vier Songs, um die es sich handelt, sind "Golgotha (Place Of The Skull)", "The Rainbow", "Lost Archangel" und "Stygian Passage". Giles Lavery geht ins Detail: "Es sind alles brandneue Aufnahmen. 'The Rainbow' stammt von einem alten Warlord-Demo aus den ganz frühen achtziger Jahren. Wir haben den Song umgearbeitet. Die anderen drei Stücke sind von Lordian-Guard-Alben. Wir waren der Meinung, dass wir sie sehr gut zu Warlord-Nummern umarrangieren konnten. Also warum sie nicht auch veröffentlichen? Unser Gitarrist Eric und ich haben die vier neuen Nummern produziert, mithilfe digitaler Heimtechnik aber auch in professionellen Studios." Zusätzlich zu den besagten vier neuen Aufnahmen bietet "The Lost Archangel" neben älteren und neuen Live-Mitschnitten auch Neuinterpretationen einiger Warlord-Klassiker. Für Fans und Sammler ein rundum gelungenes Paket.

Da Taylor Nordberg und Jeramie Kling den Titel der 1992er Massacre-EP "Inhuman Condition" als Namen für ihre neue Band wählten, nachdem sie das Death-Metal-Flaggschiff 2020 verlassen hatten, erscheint es plausibel, dass in den letzten fünf Jahren an diesem bewährten Old-School-Sound festgehalten haben. Das dritte Inhuman-Condition-Album "Mind Trap" ist jedoch mehr als nur Massacre 2.0 und markiert eine Steigerung auf allen Ebenen. Die Tatsache, dass sich das ursprüngliche Trio, das durch den altgedienten Bassisten Terry Butler (zu verschiedenen Zeiten ebenfalls Mitglied von Massacre) vervollständigt wird, bei der Arbeit an neuem Material nie Ziele setzt, hat sich als Segen erwiesen: "Wir haben das Gefühl, dass wir unsere Identität gefunden haben und endlich über die Verbindung zu Massacre hinweg sind", sagt Nordberg. "Beim Schreiben, Aufnehmen, Mischen und so weiter wurde nichts überstürzt. Dieses Album zeichnet sich durch eine gewisse Behaglichkeit aus, hat aber immer noch diese knallharte Kante." Die Songs auf "Mind Trap" sind dem Gitarristen zufolge ein "Kommentar zu der Welt, in der wir leben". "Einige meiner Texte befassen sich mit dem erdrückenden Einfluss der Technologie auf unsere Spezies. Die Platte hat alles - Blut, Eingeweide, Serienmörder, Sci-Fi-Horror, schlechte Menschen." Die Band produzierte das Album vollständig in ihrem eigenen Studio, und das Ergebnis kann sich mehr als hören lassen. "Mind Trap" kommt mit einem weiteren bestechenden Artwork von Dan Goldsworthy (Accept, Alestorm) und zeugt von der besonderen Chemie des produktiven Duos hinter Inhuman Condition.

BPitch Berlin setzt die Erweiterung seiner Klangwelt fort und präsentiert die neunte Ausgabe von WE ARE NOT ALONE, einer 12-Track-Compilation, die eine Brücke zwischen verschiedenen Formen und Rahmen schlägt, die von einer echten Liebe für den Underground zusammengehalten werden.

Jede WE ARE NOT ALONE-Compilation ist ein Beweis für die stilistische und genreübergreifende Vielfalt, die BPitch ausmacht, und bietet einen Einblick in verschiedene Subkulturen und verbindet Künstler aus aller Welt mit einer gemeinsamen Vision. Von Acid bis Industrial, von EBM bis Trance - Genrebezeichnungen verpuffen und machen einem Gefühl Platz, das jedem Künstler die Möglichkeit gibt, seine eigene Interpretation einer Energie zu dokumentieren, die das Label und die Veranstaltungsreihe seit ihren Anfängen getragen hat. Verspielt wie immer, ohne dabei den funktionalen Kern von Techno aus den Augen zu verlieren, ist WE ARE NOT ALONE pt. 9 ein Versuch, ein Gefühl zu dokumentieren, und eine wichtige Momentaufnahme einiger der aufregendsten Stimmen der elektronischen Musik.

Andy Jenkins neues Album Since Always entstand aus dem Loslassen von Selbstwahrnehmungen, Erwartungen und Annahmen. Jenkins fand Raum in sich selbst als Gitarrist seinen eigenen Songs zu vertrauen, und Produzent Nick Sanborn schlüpfte in eine neue Art von Produktionsrolle, indem er Ideen entwarf und filterte sie gemeinsam durch. Kurzum, es war ein sehr erwachsenes Vorgehen, zwei Fans, die zusammenarbeiten, um etwas zu schaffen; eine Platte, auf der der Verlust und die Liebe, der Kompromiss und der Gewinn des Erwachsenseins sichtbar werden. Beide waren in ihren jeweiligen, aber miteinander verflochtenen Musikszenen in Richmond und Durham, schon seit Jahren Fans voneinander, hatten aber nie offiziell zusammengearbeitet. Jenkins hatte ein paar Jahre damit verbracht, Songs für den Nachfolger seines 2018 erschienenen Debüts "Sweet Bunch" zu sammeln; die neuen Songs waren kunstvoll gestaltete Oden an die verschiedenen Zusicherungen und Ängste, die damit einhergehen können, ein gewisses Maß an Zufriedenheit zu finden, wenn man auf die 30 zugeht. Als Jenkins seine Stücke einspielte, hörte Sanborn zu und ließ seiner seiner Fantasie freien Lauf und überflutete Jenkins mit Ideen - Rhythmusverschiebungen, Keyboard-Verzierungen, Gesangseffekten. Es gab ein Doppel-Takt-Piano, einen Fehler in ,Too Late", den sie beide liebten. Da war die Vocoder-Auswahl während ,Emptiness Is", eine Wahl, die es dem Paar ermöglichte einen großen Teil des Songs allein mit Bass und Schlagzeug zu bestreiten. Da war die Sequenz, die unter ,Leaving Before" brodelt, ein Spiegel des lyrischen nervösen Herzens. Als Amelia Meath und Jenn Wasner von Flock of Dimes im Studio herumhingen im Studio herumhingen, fragte Sanborn, ob sie bei ein paar Stücken singen wollten. Das ist Meath bei ,Blue Mind", die Jenkins' Zeilen über den Zauber der Liebe singt, als würde sie eine Beschwörung anbieten, und Wasner erhebt sich durch die statische Morgendämmerung von ,Lovesick". ,Andy wollte jemanden, der Entscheidungen trifft, die er nie treffen würde", erinnert sich Sanborn. ,Es war diese Minenarbeit, die wir zusammen machen mussten." Als die Songs jedoch immer mehr zusammenwuchsen, bestand Jenkins darauf, dass es endlich an der Zeit war, seine Gitarren abzulegen. ,Ich war noch nie ein besonders kompetenter Gitarrist", sagt er jetzt mit einem kleinen Lachen, aber Sanborn liebte die eigenwillige Art und Weise, wie sich seine Gitarrenschläge mit seiner Stimme verbanden, also hielt er sie hin. Sie würden auf Jenkins' langjährigen Mitarbeiter, ein Ass namens Alan Parker, warten, der aus Richmond kommen und die Teile ersetzen sollte. Als Parker kam, hörte er dasselbe wie Sanborn - ja, er war technisch versierter, aber seine Overdubs hatten nicht dieselbe Persönlichkeit, nicht die gleiche erzählerische Wahrheit. Jenkins lenkte ein, und so blieben seine Gitarren und verankern das Album.

Mit "But remember what you have had" setzt Stephen O'Malley seinen musikalischen Ansatz fort und erweitert ihn auf multiphonisches elektroakustisches Schreiben und akusmatisches Hören. Stephen O'Malley schöpft nicht nur aus seiner umfangreichen Erfahrung als Komponist und Live-Instrumentalist, sondern auch aus den zahllosen Studioproduktions- und Mixing-Sessions, an denen er im Laufe seiner vielen Projekte (solo, mit SUNN O))) oder KTL, um nur einige zu nennen) teilgenommen hat. Die Arbeit von Stephen O'Malley an diesem neuen Stück ist ehrgeizig, eine inspirierte Forschung, die sich mit den tiefen Verwicklungen zwischen Polyphonie, Intonation und Timbralität beschäftigt, die durch melodische Motive verstärkt werden. Dazu beschwört O'Malley sein ganz persönliches Klanguniversum herauf, das sich aus verstärkten Texturen, instrumentalen Dauertönen und roher Energie zusammensetzt, um sie in Wellenfronten, Wellen und Schlägen zu brechen, die eine komplexe, reiche und faszinierende Materie weben. "But remember what you have had" ragt als wichtiges Werk in Stephen O'Malleys Repertoire heraus: Es vereint die Vielfalt seines musikalischen Ansatzes auf beispielhafte Weise und legt gleichzeitig die Grundlagen und Versprechen für die Zukunft einer bereits außergewöhnlichen Reise.

Das dritte Album von Mission to the Sun, Seven Years, markiert eine bemerkenswerte Entwicklung für das Projekt. Während sie ihrer Mischung aus atmosphärischem Sounddesign und gespenstischen Gesangsséancen treu bleiben, dringt das Duo weiter in melodisches Territorium, wobei es die Zugänglichkeit mit seiner Grundlage von elektronischem Lärm und grüblerischen Texturen beibehält. Christopher Samuels' akribische Musikproduktion erschafft eine Welt aus hypnotischen Rhythmen, gebrochenen Melodien und dichten Klanglandschaften, während Kirill Slavin's Gesang rohe Emotionen kanalisiert und den Hörer durch Themen wie Sucht, Besessenheit, Macht, urbane Isolation, nächtliche Verletzlichkeit und die unausweichlichen physischen Zwänge der Realität führt. Von den Basslines und gefundenen Samples von ,Dead Friends", bis hin zu ,Black Hole Soul", dem dem einzigen Stück des Albums mit erkennbarem Beat, wo Samuels üppiger Orgelsynthesizer und IDM-infizierter Rhythmus eine geisterhafte Grundlage für Slavins Meditation über Selbstzerstörung bietet, ist Seven Years unerbittlich in seiner Tiefe. Der Schlusstrack ,Infection" schwillt mit schwermütiger Intensität an, während Samuels Streicherarrangements und Klavier ineinander greifen. Mit "Seven Years" verfeinern und erweitern Mission to the Sun ihr klangliches Universum und dringen mit ihrem Sound in neue emotionale und melodische Gefilde vor und erschaffen dabei die raue, eindringliche Atmosphäre, die ihre Arbeit definiert. Ein Album der Transformation und Abrechnung und die bisher eindrucksvollste und vollständigste Veröffentlichung von Mission To The Sun.

"Word on the Street" ist das amerikanische Debütalbum der kanadischen Avant-Pop-Singer-Songwriterin und Performance-Künstlerin Elle Barbara und geht auf das Konto von Elle Barbara's Black Space - einer Gruppe von Instrumentalisten aus Montreal, die Barbara zusammengerufen hat, um mit anderen schwarzen Musikern ins Gespräch zu kommen und dabei nicht den Erwartungen an den Klang schwarzer Musiker zu entsprechen. "Word on Street" wurde von Elle Barbara in enger Zusammenarbeit mit Renny Wilson geschrieben, komponiert, arrangiert und produziert. Renny Wilson hat das Album über einen Zeitraum von acht Jahren aufgenommen, bearbeitet und abgemischt, in denen Elle, eine schwarze Trans-Person, sich sozial und medizinisch neu orientieren musste, während sie von Sozialhilfe lebte und sich häufig von nur 11 CAD pro Woche ernährte. In diesem Sinne ist "Word on the Street" ein Sieg gegen Klassenkampf und Vetternwirtschaft und ein unverschämtes Zeugnis dafür, wie eine einkommensschwache, von der Sozialhilfe unterstützte, schwarze Mann-zu-Frau-Transsexuelle mittleren Alters es geschafft hat, alle Ressourcen zu nutzen, um die Musik zu machen, die ihr vorschwebt, und die Konventionen der Musikindustrie völlig zu ignorieren. "Word on the Street" ist auch vehement radikal und unabhängig; ein Meisterwerk der DIY-Prog-High-Production, inspiriert von der Art und Weise, wie das Konsumverhalten und die gegenwärtige technologische Zeit dazu führen, dass sich unser Leben verschlechtert und wir uns zunehmend voneinander entfremdet fühlen. Mit einer breiten Palette von Einflüssen, darunter Todd Rundgrens "A Wizard, a True Star", Prince and the Revolution mit "Purple Rain" und "Running Out of Time" von Rexy, beschwört jeder Track auf "Word on the Street", abgesehen davon, dass sie sehr melodisch sind, einzigartige Bilder herauf, die sich aus scheinbar unvereinbaren Bildern zusammensetzen, wie z. B. korrupte Justizsysteme, die Prophezeiungen von Nostradamus und das Eishockeyteam Montreal Canadiens. "Word on the Street" ist eine gemischte Tüte, deren verschwörerische Ästhetik eine antikonsumistische Haltung verbirgt, die zum Widerstand gegen den Aufstieg der künstlichen Intelligenz und anderer Werkzeuge der technologischen Unterdrückung aufruft und außerhalb der aktuellen Überwachungssysteme arbeitet, was wiederum mit Elle Barbaras Vorstoß für Low-Tech-Unterstützung wie Vinyl-Schallplatten übereinstimmt.

Als die selbstveröffentlichte und mit dem Bandnamen betitelte "Domkraft" EP im Jahr 2015 erschien, war sie für viele das erste Lebenszeichen der Schweden. Dass die 250 Originalexemplare schnell ausverkauft waren, zeugt von der großen Anziehungskraft des psychedelischen Doom-Kosmos mit seinen Fuzz-Riffs, den DOMKRAFT von Anfang an zu schaffen begannen. Dieser ist im Verlauf der letzten zehn Jahre mit vier Alben, zwei EPs und einer Live-Platte beständig weiter gewachsen. Obwohl DOMKRAFT mit jeder neuen Veröffentlichung ihrem musikalischen Kurs treu geblieben sind, hat sich das nordische Trio gleichzeitig konstant weiterentwickelt. DOMKRAFT sind hörbar gereift und haben ihr Songwriting auf allen Ebenen verfeinert. Dies macht ihr aktuelles Album "Sonic Moons" (2023) mehr als deutlich. Ihr Markenzeichen, die wuchtigen Doom-Hymnen, stehen noch immer im Vordergrund, jedoch sind eine leichte Verschiebung in Richtung Heavy Rock sowie zahlreiche kleine Verbesserungen und neue Nuancen hinzugekommen. Als schönes Jubiläumsgeschenk für ihre treue Fangemeinde legen DOMKRAFT endlich ihre gesuchte Debüt-EP neu auf, die obendrein mit zwei neuen Songs liebevoll zu einem kompletten Album aufgewertet wurde.

Sie spielt in Melodic MetalɞBandsɎ tourt mit populären israelischen Indieɞ und CrossoverɞActsɎ tritt mit elektronischer Musik in Clubs und auf Festivals auf und gibt akustische SoloɞPianoɞKonzerteɍ Mit ihrem Trio vereint sie all diese Einflüsse und schafft ein farbenfrohes und erstaunlich stimmiges Ganzesɍ Kraftvolle Rhythmen und Melodiɞ enɎ die an Mansurs Metalɞ und KlassikɞHintergrund erinnernɎ stehen neben cineastischenɎ ätherischen Stückenɍ

First vinyl album ever by the infamous Hague rap formation De Kraaien!
Released on neon green vinyl. Live already a sensation and also tens of
millions of streams on Spotify, now there is the new album on poisonous
green vinyl.

"Super Killer Aptocalyptic Noise and ultra Desperate Drowning Garage Punk from Toulouse France , members of the Fatals, Blow up! Amphetamine penis etc.." Die Jungs aus Toulouse sind zurück auf der Bühne der Anti-Pop Szene und sprengen mit ihrem super killer apokalyptischen Noise und ultraver Desperate, Drowning Garagenpunk das Hirn weg. Mitglieder von The Fatals, Blow up! oder Amphetamine Penis, und so weiter... die französischen Gitarrenwand-Könige sind zurück und haben diese 11 Songs im legendären Swampland Studio aufgenommen (The Monsters, Bad Mojos, The Spits, Sloks, Oh Telephone, Nestter Donuts...) um ihr bereits viertes Album!! bei Voodoo Rhythm Records zu veröffentlichen (You Can't Save Me - 2015 Death of an Angel - 2017 Nervous Breakdown 2020). Wie üblich spielen sie mit dröhnenden Gitarrenwänden (Hawkwind, Jesus und Mary Jane) und flirten mit ihren Musikfreunden The Limiñanas (französische, verzweifelte, herzzerreißende, traurige Liebes Lieder) und ihrem ganz eigenen Garage-Punk aus Toulouse zu zelebrieren... das ist deine Chance, dieses Album zu erwerben, das nur auf Vinyl erschienen ist ... keine CD, kein Tape ... nur Vinyl!! Genre/Stil: Hard Rock/Psych-Rock/Garagerock - Klassisch schwarzes Vinyl mit Booklet & DLC

1976, ein Jahr nach der Gründung der Band, stand die bahnbrechende Besetzung von Motörhead fest. Die „Drei-Amigos“-Ära von Motörhead – Lemmy (Bass/Gesang), Fast Eddie Clarke (Gitarre) und Phil „Philthy Animal“ Taylor – schlossen sich zusammen und begannen ihre außergewöhnliche Reise an die Spitze der Hardrock-Elite. Im August 1976 traf sich die Band im legendären Manticore Studio von Emerson, Lake & Palmer in Fulham, um zu proben und die neue Besetzung zu präsentieren. Dort nahmen sie zum ersten Mal gemeinsam auf. 49 Jahre später wurde das lange verschollene Band entdeckt, entstaubt und in all seiner Pracht restauriert, um das 50-jährige Bandjubiläum zu feiern. Erhältlich als klassische schwarze 1-LP, CD und als Deluxe-2-LP-Bookpack. Alle Formate enthalten zusätzliche alternative Takes und Instrumentalstücke für einen einzigartigen Einblick in die Entstehung dieser legendären Band. Darüber hinaus enthält das Deluxe-Bookpack eine zusätzliche Bonus-LP – den klassischen Bonus „Live: Blitzkrieg on Birmingham ’77“ sowie eine Bonus-7-Zoll-Platte mit zwei bisher unveröffentlichten LiveTracks von Barbarellas Birmingham 1977. Außerdem gibt es ein 24-seitiges Booklet mit Linernotes von Kris Needs, unserem langjährigen Kollaborateur.

1976, ein Jahr nach der Gründung der Band, stand die bahnbrechende Besetzung von Motörhead fest. Die „Drei-Amigos“-Ära von Motörhead – Lemmy (Bass/Gesang), Fast Eddie Clarke (Gitarre) und Phil „Philthy Animal“ Taylor – schlossen sich zusammen und begannen ihre außergewöhnliche Reise an die Spitze der Hardrock-Elite. Im August 1976 traf sich die Band im legendären Manticore Studio von Emerson, Lake & Palmer in Fulham, um zu proben und die neue Besetzung zu präsentieren. Dort nahmen sie zum ersten Mal gemeinsam auf. 49 Jahre später wurde das lange verschollene Band entdeckt, entstaubt und in all seiner Pracht restauriert, um das 50-jährige Bandjubiläum zu feiern. Erhältlich als klassische schwarze 1-LP, CD und als Deluxe-2-LP-Bookpack. Alle Formate enthalten zusätzliche alternative Takes und Instrumentalstücke für einen einzigartigen Einblick in die Entstehung dieser legendären Band. Darüber hinaus enthält das Deluxe-Bookpack eine zusätzliche Bonus-LP – den klassischen Bonus „Live: Blitzkrieg on Birmingham ’77“ sowie eine Bonus-7-Zoll-Platte mit zwei bisher unveröffentlichten LiveTracks von Barbarellas Birmingham 1977. Außerdem gibt es ein 24-seitiges Booklet mit Linernotes von Kris Needs, unserem langjährigen Kollaborateur.

Die Globale Girl Group KATSEYE veröffentlicht am 27. Juni 2025 ihre EP „BEAUTIFUL CHAOS“, welche ab sofort als CD und Vinyl erworben werden kann. Mit millionenfachen Streams sowie viralen Performances auf Social Media, zählt KATSEYE zu einer der spannendsten Girl Groups die nationale, kulturelle und künstlerische Grenzen überschreitet. Seit der Entstehung durch die in Zusammenarbeit mit HYBE und Greffen Records, begeistert die sechsköpfige Gruppe mit einem unverwechselbaren Sound aus Pop- und K-Pop Einflüssen und kombiniert starke Vocals, aussagekräftige Performances und einer klaren visuellen Identität. Mit ihren ersten Singles „Debut“ (2024), die vom Rolling Stone als einer der „Songs You Need to know“ gelistet wurde und „Touch“ (2024), die auf der Billboard-Liste der Top Songs 2024 landete, erzielte KATSEYE internationale Aufmerksamkeit. Heute hat die Gruppe eine wachsende Fanbase, die über verschiedene Kontinente hinweg aktiv ist. Das neue Album knüpft an der vorherigen EP „SSI (Soft is Strong)“ (2024) und läutet eine neue Ära ein, die sich musikalisch stark von den früheren Projekten unterscheidet.

In den frühen 70er Jahren war Fernsehen ein wichtiges Mittel, um Musiker in den eigenen vier Wänden bekannt zu machen. Frank Zappa, der mit seiner Tournee-Lichtshow und seinem Bühnenaufbau voll ausgestattet war, versuchte, Videomaterial für seine eigene Fernsehproduktion aufzunehmen, um es den großen Sendern anzubieten. Genau wie bei den Dreharbeiten zu The Roxy Performances Monate zuvor gab es technische Probleme, die letztendlich dazu führten, dass das Filmmaterial beiseite gelegt wurde. 50 Jahre später, mit den Fortschritten bei den Bearbeitungswerkzeugen für die Nachbearbeitung, präsentieren wir ”Cheaper Than Cheep”. Dieses neue 2-stündige Konzertprogramm bietet klassische Auftritte der Mothers-Besetzung von 1974, direkt von den neu restaurierten Original-Audio- und Videoband-Mastern aus dem Archiv. Die offzielle Zappa-Veröffentlichung Nr. 130 erscheint in einer speziellen, limitierten Super Deluxe-Edition mit dem remasterten Konzertvideo und brandneuem Dolby Atmos, 5.1 Surround sowie Stereo-Mix auf einer Blu-ray, dem Stereo-Soundtrack auf 2 CDs und 3 LPs auf 180 Gramm schwarzem Vinyl, einem ausführlichen Booklet mit seltenen, bisher unveröffentlichten Bildern und Linernotes von Ruth Underwood und Joe Travers, alles in einem ausziehbaren Schuber verpackt. Weitere Formate sind eine komplette 2-CD + Blu-ray und ein eigenständiger Soundtrack auf 3 LPs auf 180 Gramm schwarzem Vinyl

In den frühen 70er Jahren war Fernsehen ein wichtiges Mittel, um Musiker in den eigenen vier Wänden bekannt zu machen. Frank Zappa, der mit seiner Tournee-Lichtshow und seinem Bühnenaufbau voll ausgestattet war, versuchte, Videomaterial für seine eigene Fernsehproduktion aufzunehmen, um es den großen Sendern anzubieten. Genau wie bei den Dreharbeiten zu The Roxy Performances Monate zuvor gab es technische Probleme, die letztendlich dazu führten, dass das Filmmaterial beiseite gelegt wurde. 50 Jahre später, mit den Fortschritten bei den Bearbeitungswerkzeugen für die Nachbearbeitung, präsentieren wir ”Cheaper Than Cheep”. Dieses neue 2-stündige Konzertprogramm bietet klassische Auftritte der Mothers-Besetzung von 1974, direkt von den neu restaurierten Original-Audio- und Videoband-Mastern aus dem Archiv. Die offzielle Zappa-Veröffentlichung Nr. 130 erscheint in einer speziellen, limitierten Super Deluxe-Edition mit dem remasterten Konzertvideo und brandneuem Dolby Atmos, 5.1 Surround sowie Stereo-Mix auf einer Blu-ray, dem Stereo-Soundtrack auf 2 CDs und 3 LPs auf 180 Gramm schwarzem Vinyl, einem ausführlichen Booklet mit seltenen, bisher unveröffentlichten Bildern und Linernotes von Ruth Underwood und Joe Travers, alles in einem ausziehbaren Schuber verpackt. Weitere Formate sind eine komplette 2-CD + Blu-ray und ein eigenständiger Soundtrack auf 3 LPs auf 180 Gramm schwarzem Vinyl

Lee Morgan war ein amerikanischer Jazztrompeter und Komponist. Als einer der wichtigsten Hard BopMusiker der 1960er Jahre wurde Morgan bereits in seinen späten Teenagerjahren bekannt. Er nahm mit Bandleadern wie John Coltrane, Curtis Fuller, Dizzy Gillespie, Hank Mobley und Wayne Shorter auf und spielte in Art Blakeys Jazz Messengers. Morgan blieb bis 1961 bei Blakey und begann in den späten 50er Jahren, als Leader Platten aufzunehmen. Seine Komposition „The Sidewinder“, die auf dem gleichnamigen Album enthalten ist, wurde 1964 zu einem überraschenden Crossover-Hit in den Pop- und R&B-Charts. Nach einem zweiten Engagement in Blakeys Band arbeitete Morgan bis zu seinem Tod 1972 sowohl als Leader als auch als Sideman weiter. Ursprünglich 1960 auf dem Vee-Jay-Label veröffentlicht, ist ”Here’s Lee Morgan” Lee Morgans 10. Album. Auf der Sammlung von 6 Hard Bop-Stücken wird Morgan von Clifford Jordan (Tenorsaxophon), Wynton Kelly (Klavier), Paul Chambers (Bass) und Art Blakey (Schlagzeug) unterstützt. Diese Neuauflage des Albums erscheint als Teil der Original Jazz Classics Series auf 180-Gramm-Vinyl, das bei RTI gepresst wurde, mit analogem Mastering von den Originalbändern bei Cohearent Audio und einem Stoughton TipOn Jacket.