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It is the year 1995 and it’s summer, the second extremely hot summer after 1994, and the asphalt on Gladbacher Straße in Cologne is glowing. Ravers in much too wide and much too colorful clothes doze off in the glaring midday heat. These are the last days of the legendary Delirium record store, a socio-cultural biotope that would later become KOMPAKT. In June 1995, the store moved deeper into the Belgian Quarter, to Brabanter Straße 42 near Friesenplatz.

Wolfgang Voigt liked to wear too-big sunglasses even back then, just as he already had the master plan for the next few years, the new store, the renaming to KOMPAKT, and the upcoming takeover of the musical world order by minimal techno in his head. On less sunny days, the musician Wolfgang Voigt was tinkering with his very own label Profan, a new sound, new pseudonyms and masquerades. His alter ego Mike Ink had grown tired, another self, one of many, was now pushing forward to become the next torch in the storm.

By early 1995, the first Grungerman EP, "Hout," had been released on Profan. A nucleus of ambient loops that already announced the sonic aesthetics of GAS, stoic rhythmic structures that would shape the coming decade of minimal house and techno, and an all-encompassing gloom and heaviness that didn't want to fit at all with the gaudy reality of the nineties between Loveparade, Mayday and VIVA House TV. This probably most hedonistic decade of the 20th century had celebrated, besides techno, above all a rough guitar music called Grunge, coined and immortalized by a depressive, hyperactive and narcoleptic young man with matted blond hair who had taken his own life a year before. In no other track has Wolfgang Voigt packed these inner and outer contradictions of his art as well as of the mid-nineties more ingeniously than in "In Tyrannis". From wall to wall there are four steps.

"Klang" by Wolfgang Voigt originally comes from the first and only GAS EP on Profan, "Modern", from the spring of 1995 and is one of the most beautiful exhibits of Voigt's sound of those years, which relentlessly runs its course somewhere between glistening sunrises on Ecstasy and bad drugs in the dark Liquid Sky Cologne. With "Hocker DJ 1" and "Hocker DJ 2" there are two more musical references to this myth-enshrouded place in Kyffhäuserstraße, where for a few years the entire, so-called Sound Of Cologne had literally settled down.


Wir schreiben das Jahr 1995. Es ist Sommer, der zweite extrem heiße Sommer nach 1994, und der Asphalt auf der Gladbacher Straße in Köln glüht. Raver in viel zu weiten und viel zu bunten Klamotten dösen ihren Rausch aus in der grellen Mittagshitze. Es sind die letzten Tage des legendären Delirium Plattenladens, eines soziokulturellen Biotops, aus dem später die Firma Kompakt hervorgehen sollte. Im Juni 1995 erfolgte der Umzug tiefer hinein ins Belgische Viertel, in die Brabanter Straße 42 in der Nähe des Friesenplatz.

Wolfgang Voigt trug schon damals gerne zu große Sonnenbrillen, so wie er bereits den Masterplan für die nächsten Jahre, den neuen Laden, die Umbenennung in KOMPAKT sowie die anstehende Übernahme der musikalischen Weltordnung durch Minimal Techno im Kopf hatte. An weniger sonnigen Tagen tüftelte der Musiker Wolfgang Voigt an seinem ureigenen Label Profan, an einem neuen Sound, neuen Pseudonymen und Maskeraden. Sein Alter Ego Mike Ink war müde geworden, ein anderes Ich, eines von vielen, drängte nun nach vorne, um die nächste Fackel im Sturm zu werden.

Anfang 1995 war die erste Grungerman EP “Hout” auf Profan erschienen. Ein Nukleus aus ambienten Loops, die bereits die klangliche Ästhetik von GAS ankündigten, stoischen rhythmischen Strukturen, die das kommende Jahrzehnt Minimal House und Techno prägen sollten, sowie einer allumfassenden Düsternis und Schwere, die so gar nicht zur knallbunten Realität der Neunziger Jahre zwischen Loveparade, Mayday und VIVA House TV passen wollte. Dieses wohl hedonistischste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts hatte neben Techno vor allem eine raue Gitarrenmusik namens Grunge gefeiert, geprägt und unsterblich gemacht von einem depressiven, hyperaktiven und an Narkolepsie leidenden jungen Mann mit verfilzten blonden Haaren, der sich ein Jahr zuvor das Leben genommen hatte. In keinem anderen Track hat Wolfgang Voigt diese inneren und äußeren Widersprüche seiner Kunst wie auch dieser Zeit Mitte der Neunziger genialistischer verpackt als in “In Tyrannis”. Von Wand zu Wand sind es vier Schritte.

“Klang” von Wolfgang Voigt stammt ursprünglich von der ersten und einzigen GAS EP auf Profan, “Modern”, aus dem Frühling 1995 und ist eines der schönsten Exponate des Voigtschen Sounds dieser Jahre; ein Track, der irgendwo zwischen gleisenden Sonnenaufgängen auf Ecstasy und schlechten Drogen im dunklen Liquid Sky Cologne unerbittlich seine Bahnen zieht. Mit “Hocker DJ 1” und “Hocker DJ 2” finden sich zwei weitere musikalische Referenzen an diesen mythenumrankten Ort in der Kyffhäuserstraße, an dem sich für einige Jahre der gesamte sogenannte Sound Of Cologne im wahrsten Sinne des Wortes niedergelassen hatte.

Das von der Kritik hochgelobte Debüt-Studioalbum der amerikanischen Rockband The Strokes. Aufbauend auf ihrer 2001 erschienenen EP "The Modern Age" formten die Bandmitglieder ihre Kompositionen hauptsächlich durch Live-Takes während der Aufnahmesessions, während Songwriter und Leadsänger Julian Casablancas weiterhin das Leben und die Beziehungen der urbanen Jugend detailliert beschrieb. Aus dem Album wurden drei Singles veröffentlicht: "Hard to Explain"/"New York City Cops", "Last Nite" und "Someday". Jetzt auf rotem Vinyl erhältlich.

Die Songs auf der EP erscheinen in der Reihenfolge, in der sie geschrieben wurden. Sie wurden in dem kleinen Gästezimmer seiner Wohnung in West Philadelphia direkt auf vier Spuren aufgenommen. Es ist ein Bogen von vier Liedern, ein gespenstischer Durchgang, ein kurzes und fließendes Werk, das von der schwermütigen Eröffnung von „Mountain Dew Hell“ bis zu den hochgepitchten Vocals von „Pain Meds“, einem winzigen Lied, das in der Unermesslichkeit der Trauer schwankt, zusammenhängt. Die Erfahrung des Durchhörens ist wie das Aufwachen aus einem halb erinnerten Traum, ein Schatten in der Zimmerecke, eine seltsame Einsamkeit, ein zeitlicher New Yorker Herbst mit grauem Himmel und nackten Bäumen. Aber während die Veröffentlichung spärlich und spontan ist, ist sie taktil und verzehrend, ein Einblick in die schönen, einsamen Welten, die im Kern eines Greg Mendez Songs leben.



Jeder Aspekt von Mendez' Welt trägt etwas Handgemachtes in sich. Das Cover von „First Time / Alone“ ist eine Sammlung von Sternen aus dem Skizzenbuch eines Freundes, die Mendez mit Ölpastellkreiden ausgemalt hat - jeder Strich fühlt sich schwer an, drückt sich von der Seite ab und lebt von einer menschlichen Note. Das Gleiche könnte man über das Cover des selbstbetitelten Albums sagen, eine Farbstift-Illustration einer verzweifelten Mutter Maria, gezeichnet von Mendez und seiner Frau und Bandkollegin Veronica; in dem Porträt sind ihre massiven Augen nach oben gerichtet, die Hand ausgestreckt, Gnade entweder angeboten oder weggenommen.



Mendez ist ein intuitiver Songwriter, dessen Melodien durch den Äther gejagt werden, ein Geschichtenerzähler, der in seinem Katalog von Gewalt und Instabilität berichtet, aber auch von Liebesliedern, von Oden an die Freundschaft, an wahre Hingabe, an die Dinge, die einen durch das Schlimmste hindurch tragen können. Mendez hat die Angewohnheit, diese Dinge zu bemerken, das Licht zu finden und selbst aus den düstersten, beschissensten Situationen Poesie zu machen. In seinen Liedern gibt es eine angeborene Fähigkeit, Härte mit Sanftheit auszubalancieren, Grausamkeiten durch übernatürliche Süße umzuschreiben, ein Herz, das unaufhörlich, zuversichtlich, durch die Dunkelheit pocht.

Chapter 3 der erfolgreichen Compilation-Serie. 14 moderne Kraut-Elektronik-Tracks (3 davon exklusiv und vorher unveröffentlicht) inspiriert von Kraftwerk, Can, Neu!, Cluster, Klaus Schulze und vielen anderen. Kuratiert und zusammengestellt von Compost-Künstler Fred und Luna. Die Collage auf dem Cover wurde - wie schon auf Vol. 1 und 2 - exklusiv von der fantastischen Künstlerin Norika Nienstedt aus der Kraut-Metropole Düsseldorf gestaltet.

Rainer Buchmüller aka Fred und Luna ist leider nach langer Krankheit im Januar 2024 verstorben. Er war ein herzensguter Mensch, begnadeter Künstler, Freund und Wegbegleiter. Wir trauern sehr um ihn. Rainer Buchmüller hatte uns ein paar Tage vor seinem Tod das Tracklisting für Vol. 3 (und auch schon Ideen für Vol. 4) geschickt, mit der Bitte, dies posthum zu veröffentlichen, es würde ihn sehr freuen, wenn seine Fans und alle die es noch werden, ein „Lebenszeichen“ von ihm erhalten. Gar nicht einfach oder im Grunde unmöglich, den Begriff „Kraut“ stilistisch zu beschreiben. Dennoch begeben sich Compost Records und Fred und Luna auf eine Zeitreise, um die unterschiedlichen Elemente deutscher elektronischer Musik der 1970er- und 1980er-Jahre und ihre Auswirkungen auf die neuere deutsche und weltweite Musikszene zu entdecken. Nach dem großen Erfolg von Volume 1 und 2 knüpft Vol.3 stilistisch an seinen Vorgänger an, und darüber hinaus – da dies eine der Grundideen der Reihe ist – das musikalische Spektrum Schritt für Schritt um neue krautige Elemente erweitert.

In der Musik von Forndom atmet die Vergangenheit mit einer Vitalität, die die Zeit übersteigt. „Moþir“ ist so komplex wie die Gottheiten, die es porträtiert, und verwebt Themen wie Fruchtbarkeit und Treue, Liebe und Verrat, Licht und Schatten. Es ist eine Erkundung der göttlichen Zweideutigkeit, wo die nährende Umarmung einer Mutter ebenso leicht in die kalte Hand der Unausweichlichkeit verwandeln kann.
Ludvig Swärd entledigt sich des modernen Synthesizer-Equipments und wendet sich einem rein akustischen Klang zu. Die Musik fühlt sich an, als sei sie aus der Erde gemeißelt, geboren aus handgefertigten Instrumenten, mit Ehrfurcht für das Alte. Aufgenommen und abgemischt von Swärd selbst, wird „Moþir“ von den Talenten von Thomas von Wachenfeldt (Bards of Skaði), dessen Geige sowohl Licht als auch Dunkelheit beschwört; Janne Posti (Häxkapell, Sons of Crom), dessen Chorklänge eine numinose Tiefe verleihen; und Draugurinn, dessen eindringliche Präsenz wie ein Geist aus einem vergessen Zeitalter lingt, veredelt.
Forndoms neuestes Werk ist eine Meditation über den ewigen Kreislauf von Leben, Tod und Wiedergeburt, gesehen durch die Linse der alten skandinavischen Spiritualität. Ludvig Swärd steht weiterhin an der Kreuzung von Vergangenheit und Gegenwart und bietet einen Einblick in das Herz der alten Weisheit durch die Augen eines modernen Suchenden

Mit ihrem Debütalbum „Pairing Mode“ (2023) schuf Ray Lozano gemeinsam mit ihrem Co-Produzenten Samon Kawamura ein Werk mit Signalwirkung für die deutsch-asiatische Popkultur. Lob gab es unter anderem von Jamz Supernova, WDR Cosmo und Spiegel Online. Die deutsch-philippinische Sängerin und Produzentin wurde seitdem nicht nur mit dem renommierten Holger-Czukay-Preis und dem NICA-Artist-Residency-Programm gewürdigt, sondern begeistere Fans mit Konzerten in ganz Deutschland. Nun erscheint „Pairing Mode“ auch auf Vinyl.

Als ein Zusammensetzung aus zwölf musikalischen Kurzgeschichten, befasst sich „Pairing Mode“ mit dem zentralen Thema „Aloneness“ – Das zelebrierte Alleinesein. Großteils in den Jahren 2020 und 2021 geschrieben, spiegelt es das neu gewonnene Tempo des Lebens während der Pandemie wider. Für die visuelle Umsetzung hat sich Ray Parissa Charghi ins Boot geholt, die neben dem Artwork für Album und Singles einen ästhetisch detailverliebten Kurzfilm zu den Songs von „Pairing Mode“ produziert hat.

'Kaleidoscope' erschien ursprünglich 1999 und stellte Kelis' einzigartigen Stil vor, der R&B, Funk und die futuristische Produktion von The Neptunes vermischte. Schlüsseltracks wie 'Caught Out There' mit seinem ikonischen 'Ich hasse dich gerade so sehr!'-Schrei wurden zu einer prägenden Hymne, während 'Good Stuff' Kelis' grenzüberschreitende Fusion aus Hip-Hop und gefühlvollem Gesang präsentierte.

Zur Feier des 25-jährigen Jubiläums wurde das Album mit dieser speziellen 2LP-Vinylpressung, die den lebendigen Sound des Albums wiederbelebt und seine zeitlose Energie einfängt, neuaufgelegt. Für Fans und Sammler gleichermaßen ist diese Veröffentlichung eine Feier von Kelis' mutigem und einflussreichem Debüt.

Vor vierzig Jahren reiste Roman Bunka mit der legendären Gruppe Embryo nach Kolkata und überquerte die eindrucksvolle HowrahBrücke, die Jahrzehnte später den Hintergrund für ein unvergessliches JISR-Konzert am 24. März 2022 bildete. Die Aufführung am Ganges, eines von Roman Bunkas letzten Konzerten, ruft wertvolle Erinnerungen an sein Leben und seine friedvolle Botschaft des Miteinanders durch Musik wach. "JISR – Live in Kolkata" ist nicht nur ein musikalisches Denkmal für Roman Bunka, sondern ein starkes Manifest für die universelle Sprache der Musik – eine
Einladung, über die eigenen kulturellen Grenzen hinauszublicken und die fesselnden Klänge der Welt in sich aufzunehmen.

Bastille melden mit einem neuen Album „&“ zurück! Es handelt sich um ein Soloprojekt von Dan, das
unter ‘Bastille Presents‘ erscheinen wird.
Das Album ist in jeder Hinsicht zurückhaltend, von der Musik bis zum Kreativen. Textlich schöpft das
Album aus den Geschichten interessanter Individuen und Charaktere im Laufe der Geschichte. Dan spricht
über das Album: ”Ich wollte eine schöne Sammlung von Story-Songs machen - mit dem Leben von verschiedenen interessanten Menschen - um über das Leben, mein Leben und menschliche Erfahrungen zu
sprechen. Diese Sammlung von Tracks klingt intim, organisch und anders, als die Leute es vielleicht
erwarten, und ich bin sehr stolz auf das Gesamtwerk.”

Die deutschen Hard Rock Meister VOODOO CIRCLE veröffentlichen ihr 7 Studioalbum. Das mit Spannung erwartete Album erweckt den Hard Rock mit seinen kraftvollen Gitarrenriffs zum Leben. Das Album unterstreicht die Hard-Rock-Kante von "Hail to the King" und zeigt einmal mehr die ausgefeilten Arrangements und die hochenergetische Attitüde. Record Release Tour durch Deutschland mit Albumveröffentlichung.

Jess Holt aka. total tommy veröffentlicht ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum 'bruises' (= blaue Flecken, Prellungen). Mit auf dem Album sind ihre bisherigen Singles 'microdose', 'REAL', 'Adeline' und 'Losing Out', die in den britischen und australischen Medien bereits auf sehr viel Gegenliebe gestoßen sind. Die letzten Jahre waren für die in Sydney lebende Künstlerin Jess Holt, besser bekannt als total tommy, eine Zeit der radikalen Veränderungen: Die Songs entstanden während einer Phase , in der sie eine Trennung durchlebte, die Stadt wechselte, sich als queer outete und ihre jetzige Ehefrau kennenlernte. Aus diesen Erfahrungen entstand das dementsprechend mehr als passend betitelte Debütalbum 'bruises': Eine Sammlung von rohen, energiegeladenen Bedroom-Rockhymnen, die Holts mutige, ungeschönte und scharfzüngige Stimme in ihrer vollen Pracht zeigen. Auf 'bruises' zeigt sich total tommy von vielen Seiten: romantisch, hedonistisch, verloren, weise, manchmal als Arschloch, manchmal liebenswert. Was alles zusammenhält, ist ein neu gefundenes Selbstbewusstsein und die Gewissheit, zu wissen, wer sie wirklich ist.

Erstmals als Vinyl, 2009

Unangenehme Ereignisse neigen dazu, die wesentlich bedeutsameren glücklichen Momente in den Schatten zu stellen, - dieser Gedanke liegt Johannes Oerding's neuer Single "Engel" zugrunde. Und mal Hand aufs Herz: Braucht nicht jeder Mensch einen "Engel"? Ein Wesen, auf das er vertrauen kann, das einem Mut macht und in schlechten Tagen an die schönen Dinge des Lebens erinnert? Johannes Oerding hat diesen Engel offenbar gefunden. Wie sonst ist zu erklären, dass der charismatische Musiker mit seiner dritten Single ein derartig emotionales und lebensbejahendes Meisterstück in die Umlaufbahn schießt.
"Ich habe soviel Glück gehabt im Leben, dass ich mich einfach gefragt habe, wem ich das zu verdanken habe.", erklärt er über die Entstehung seines Songs. Nur wenige Wochen lagen zwischen den ersten Textzeilen aus Johannes Oerding's Feder und der finalen Produktion dieses Songs. Unterstützung bekam der moderne Singer/ Songwriter von den Produzenten Mark Smith und Sven Bünger.
Und wer sich jetzt fragt, wo oder wer sein ganz persönlicher Engel ist, der sollte seinem Gefühl folgen und die Sinne schärfen - "denn Engel haben ihre Flügel gut versteckt!"

Die "Spoiled Brats From Malibu" melden sich mit einer remastered Reissue ihres 1982er Klassikers "Locals Only" zurück. Diese erscheint als "Beach Gunk" Auflage auf Transparent Slime & Purple Splatter-Vinyl) und enthält zwei Bonustracks im Hochglanzcover im Redux-Artwork mit farbiger Innenhülle und grossem Faltposter. "Locals Only" ist eindeutig ein Produkt der 1980er, eine lebendige Mischung aus New Wave, Surfrock, Pop und SoCal-Punk, ein neonbespritzter punky Partyknaller, verpackt als eingängig-widerwärtig-respektloses Paket. Für Fans von Descendents, The Ramones, Agent Orange und Devo.

DERO GOI kehrt mit einem Paukenschlag zurück! Der ehemalige OOMPH!-Frontmann liefert mit "1984" ein bis zum Rand mit Synthie-Hits vollgepacktes Doppelalbum ab. Das Debüt seiner Solo-Karriere ist zugleich sowohl in musikalischer als auch lyrischer Hinsicht ein starkes Statement zu seiner künftigen Ausrichtung als Künstler. "1984" bietet eine faszinierende Verschmelzung von feinen Retro-Synth-Sounds, EBM und Synth-Wave mit zeitgenössischen elektronischen Elementen, die sogar mit einer Prise seines früheren Lebens als Rock- und Metal-Musiker gewürzt ist. DERO GOI, der schon immer als herausragender Songwriter gefeiert wurde, hat sein musikalisches Handwerk noch weiter verfeinert. Die Songs dieses umfangreichen Werks werden ihre Hörer zum Tanzen und Mitsingen bringen und sich als Ohrwürmer in den Köpfen festsetzen, wo sie noch jahrelang feiern. DERO GOI bleibt dabei seinem unbeugsamen Willen treu, als nonkonformistischer Künstler zu arbeiten. Sein Coming-out als wiedergeborener Christ, der jeder organisierten Religion nach wie vor kritisch gegenübersteht, und seine libertäre politische Einstellung haben ein breites Spektrum von Reaktionen hervorgerufen. Dazu gehören leider auch massive Hindernisse bei der Suche nach einem Label und einem Booking-Agenten. Zudem musste der Künstler erleben, dass bereits bestätigte Konzerte nur aufgrund seiner Meinung wieder abgesagt wurden. Das wirft die unbequeme Frage auf: Wie tolerant ist eigentlich eine Szene, die sich rühmt, für jede Gesellschaftsschicht und jeden Lebensstil offen zu sein, wenn diese Werte einer kritischen Probe unterzogen werden? Natürlich haben auch Worte Konsequenzen und jede Freiheit hat ihre Grenzen, aber was ist mit einem Künstler, der fest auf dem Boden der Verfassung seines Landes steht und keine Gesetze bricht? Beinhaltet Freiheit nicht auch das Recht auf Widerspruch gegen den Zeitgeist? Dass DERO GOI bei Themen eine andere Meinung vertritt, ist kein Verbrechen. Bevor der Musiker, der am 16. April 1970 als Stephan Musiol in Wolfsburg geboren wurde, im Jahr 1989 OOMPH! gründete, spielte er bereits im Alter von 15 Jahren in einer Band mit seinem Freund Thomas Döppner (alias OOMH!-Gitarrist und Mitbegründer Crap), als beide noch Gymnasiasten waren. Seine musikalischen Einflüsse zeigen einen offenen Geist für stilistische Vielfalt. DERO GOI zählt unter anderem D.A.F., NITZER EBB, FRONT 242, THE CURE, FAITH NO MORE, KILLING JOKE, EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN, AC/DC, DEPECHE MODE, EXTRABREIT, KRAFTWERK, THE BEATLES, ELVIS PRESLEY und ABBA zu seinen musikalischen Vorbildern. DERO GOI hat mit seinem neuen Werk einen Weg eingeschlagen, der elektronischer ist als die meisten seiner bisherigen Songs. "1984" ist das Zeugnis eines Künstlers, der sich einer breiten Palette diverser Einflüsse bedient, der aber zugleich auch seine weithin respektierte Fähigkeit, äußerst eingängige Melodien zu schreiben, noch weiterentwickelt hat. Was auch immer die Hörer von diesem massiven Beitrag zur elektronischen Szene halten werden, DERO GOI wird sich als Sänger und Künstler nie den Mund verbieten lassen. Liebt oder hasst "1984" - aber was auf diesem Album zu hören ist, wird immer zu 100% DERO GOI bleiben!

Ltd Edition!

Mit ihrem bahnbrechenden Album 'Here in the Pitch' hat sich die in Los Angeles lebende Künstlerin Jessica Pratt als Songwriterin einer neuen Generation etabliert und ist die klare Nachfolgerin von Folk-Ikonen wie Nick Drake und Joni Mitchell sowie von genialen orchestralen Pop-Komponisten wie Brian Wilson und Burt Bacharach. Das unaufdringliche und doch ehrgeizige Album hat bei Kritikern und Fans gleichermaßen Anklang gefunden und brachte ihr bis heute über 15 Millionen Albumstreams ein, wichtige Beiträge in der New York Times und bei Zane Lowe, ausverkaufte Shows von Los Angeles bis London, Kollaborationen mit den Modemarken Chanel, Valentino und Chloé und einen Live-Auftritt in der Late Show mit Stephen Colbert, wo sie ihre herausragende Single „Life Is“ vorstellte. Pratts einzigartige Stimme und ihr Stil erregten auch die Aufmerksamkeit von A$AP Rocky, was zu ihrer brillanten gemeinsamen Single „HIGHJACK“ führte, die im Sommer 2024 veröffentlicht wurde.

Ausgezeichnet als „Best Of The Year so far): Pitchfork, NPR, The New York Times, Paste, Stereogum, Rolling Stone

Wie Phoenix - mit „Zu Asche, Zu Staub” - hat sich das MOKA EFTI ORCHESTRA 2018 und 2019 zu ungeahnten Höhenflug erhoben. Geboren aus dem Bauch der international erfolgreichen TV-Serie Babylon Berlin spielt das 14-köpfige Ensemble um die Komponisten Nikko Weidemann und Mario Kamien sowie Arrangeur/ MD Sebastian Borkowski vor ausverkauften Häusern in ganz Deutschland. HERZ / Wo ich geboren bin sind die ersten Beiden Singles seit geraumer Zeit und bietet ein erstes Lebenszeichen zu dem 2025 erscheinenden neuen Album der Band. Mit Christian Friedel hat man einen kongenialen Gesangspartner gefunden. Christian Friedel ist nicht nur aus Babylon Berlin bekannt, sondern zudem Sänger bei Woods of Birnam und mit "The Zone of Interest" gerade in aller Munde. Die Vinyl kommt in einer liebevollen 10" Grösse und hat mit 45RPM die bestmögliche Soundqualität.

Über drei Jahrzehnte nach ihrer Gründung durch Leslie Mandoki, setzen Mandoki Soulmates mit ihrem Album "A Memory Of Our Future" nicht nur musikalisch neue Maßstäbe, sondern präsentieren ein produktionstechnisches Meisterwerk: Das gesamte Album wurde analog aufgenommen und produziert - vom ersten Ton bis zum fertigen Vinyl. Die Produktion des rund 80-minütigen Konzeptalbums ist ein seltenes Unterfangen in der heutigen Musiklandschaft. Mit durchgehend analoger Signalverarbeitung vom Mikrofon bis zur Vinylpressung ist die Produktion von "A Memory Of Our Future" ein Manifest von Präzision und Leidenschaft, die in jedem Ton des Albums zu spüren ist. Das Mastering des analogen Magnetbandes durch Greg Calbi im renommierten Sterling Sound Studio in New York und der Vinylschnitt in den Emil Berliner Studios sind ein Symbol für die audiophile Exzellenz des Albums. Mit einem Setup, das in der gegenwärtigen Musikproduktion kaum noch zu finden ist, und mit der die Band eine Wärme und Lebendigkeit in ihrer Musik eingefangen hat, die in digitalen Aufnahmen oft verloren geht, haben die Soulmates ein Werk musikalischer Vielfalt geschaffen, das von Prog bis Jazz Rock reicht, und kompositorische Reife, spielerische Leichtigkeit und kunstvolle Solos mit großen Spannungsbögen und tiefgründigen Texten zu gesellschaftspolitischen Themen verbindet. Die generationsübergreifende Supergroup von Rock- und Fusion-Großmeistern mit Ian Anderson (Jethro Tull), Mike Stern, Al di Meola, Randy Brecker, Till Brönner, Bill Evans, John Helliwell (Supertramp), Cory Henry, Richard Bona, Steve Bailey, Simon Phillips (Toto), Leslie Mandoki, Tony Carey (Rainbow), Nick van Eede (Cutting Crew), Jesse Siebenberg und Mark Hart (beide Supertramp) ruft mit dem Album zum Handeln gegen Spaltung und für Menschlichkeit auf. Mit "A Memory Of Our Future" gelingt den Soulmates eine einzigartige Verschmelzung audiophiler Exzellenz und gesellschaftspolitisch relevanter Musik. Dieses Album ist nicht nur für Fans von Prog und Jazz Rock, sondern für alle, die echte Musik zu schätzen wissen.

Die Regierung war die Band, auf die sich 1994 alle einigen konnten. Und womit? Mit Recht! Die Regierung stach aus den anderen Bands der damaligen Indie-Szene heraus, weil Pop. Gitarren-Indie in Deutschland neigte Anfang der 90er zu einem, vorsichtig formuliert, eher sperrigen, um nicht zu sagen, etwas anstrengenden Sound. Das Leben war hart und schwer - Irrungen hier, Wirrungen da und das sollte sich auch in der Musik widerspiegeln. Blaupause Sonic Youth et al. Für musikalische Leichtigkeit und solchen Tand hatte man eher nicht so viel übrig in Indiehausen. "Unten" enthält 14, zumeist quecksilbrige, Folk-Pop-Songs für moderne Liebende. Cool, realistisch und doch überromantisch vorgetragen mit so einer Art gainsbourgischer Distanziertheit. Die Texte sind natürlich spitze. Den Alltag adelnde Skizzen. Mit so wenigen Worten so viel sagen, das kann nicht jeder! Kann eigentlich keiner oder macht(e) keiner. Vielleicht noch die Ramones. Das Besondere an den Texten ist vermutlich auch diese Beiläufigkeit. Oft hat man ja bei deutschen Texten, auch von guten Textern und Texterinnen, das Gefühl, dass die einem da was einhämmern oder einen überzeugen wollen, das hatte man bei Der Regierung nicht, das war (und ist) anders.

Vor zwanzig Jahren veröffentlichte Matt Elliott (auch Third Eye Foundation) Drinking Songs, den ersten Teil einer bedeutenden Trilogie düsterer Folk-Alben mit acht Songs, die bis heute die meistgehörten auf Streaming-Plattformen sind und von den Fans des aus Bristol stammenden Musikers hoch gelobt werden. Drinking Songs ist eine tiefgründige Erkundung des menschlichen Zustands und eine Reise durch die unzugänglichsten Ecken der Seele. Zur Feier des 20-jährigen Jubiläums des ikonischen Werks präsentiert Matt Elliott nun Drinking Songs Live 20 Years On, eine Sammlung alternativer Versionen, die er als Trio live aufgenommen hat.Was Matt Elliott auszeichnet, ist seine Fähigkeit, verschiedene Stile miteinander zu verschmelzen, indem er kammermusikalischen Folk mit osteuropäischer Kabarettmusik mischt und gleichzeitig seinen Hintergrund in der elektronischen Musik, insbesondere seine Beherrschung von Sampling und Effekten, in den Dienst des Songs stellt. Nach mehreren hundert Konzerten in ganz Europa und sieben Alben präsentiert Matt Elliott nun Drinking Songs Live 20 Years On und lässt dieses bahnbrechende Album wieder aufleben. Aufgenommen im L'Autre Canal in Nancy, wo der Engländer seit einigen Jahren lebt, enthält dieses Album bisher unveröffentlichte Trio-Versionen, mit Musikern, die ihn regelmäßig auf der Bühne begleiten: Anne-Elisabeth de Cologne (Kontrabass) und Barbara Dang (Klavier). Jeder, der ihn schon einmal solo oder mit diesem Trio erlebt hat, weiß, wie gerne Matt Elliott auf die Stücke von Drinking Songs zurückgegriffen hat. Diese Zusammenarbeit geht über die Studioversion hinaus und fängt die rohen Emotionen eines Matt Elliott ein, der mit 50 Jahren auf dem Höhepunkt seiner Kunst zu sein scheint. Unabhängig davon, ob man die Studioversionen kennt oder nicht, muss man vom ersten Track an gefesselt sein, einer Verflechtung, einer Überlagerung der ersten beiden Tracks des Originalalbums: ,CF Bundy / Trying to Explain". Siebzehn Minuten, größtenteils instrumental, wunderbar zu Tränen rührend, vor Milz und Absinth triefend. Indem er seinen Drinking Songs zwanzig Jahre später neues Leben einhaucht, hat Matt Elliott uns ein kostbares Geschenk gemacht: die Möglichkeit, Drinking Songs zum ersten Mal wieder zu hören. Erhältlich als 2LP sowie CD!

4LP Vinyl-Box oder Doppel-CD-Set!

Vor zwanzig Jahren veröffentlichte Matt Elliott (auch Third Eye Foundation) Drinking Songs, den ersten Teil einer bedeutenden Trilogie düsterer Folk-Alben mit acht Songs, die bis heute die meistgehörten auf Streaming-Plattformen sind und von den Fans des aus Bristol stammenden Musikers hoch gelobt werden. Drinking Songs ist eine tiefgründige Erkundung des menschlichen Zustands und eine Reise durch die unzugänglichsten Ecken der Seele. Zur Feier des 20-jährigen Jubiläums des ikonischen Werks präsentiert Matt Elliott nun Drinking Songs Live 20 Years On, eine Sammlung alternativer Versionen, die er als Trio live aufgenommen hat.Was Matt Elliott auszeichnet, ist seine Fähigkeit, verschiedene Stile miteinander zu verschmelzen, indem er kammermusikalischen Folk mit osteuropäischer Kabarettmusik mischt und gleichzeitig seinen Hintergrund in der elektronischen Musik, insbesondere seine Beherrschung von Sampling und Effekten, in den Dienst des Songs stellt. Nach mehreren hundert Konzerten in ganz Europa und sieben Alben präsentiert Matt Elliott nun Drinking Songs Live 20 Years On und lässt dieses bahnbrechende Album wieder aufleben. Aufgenommen im L'Autre Canal in Nancy, wo der Engländer seit einigen Jahren lebt, enthält dieses Album bisher unveröffentlichte Trio-Versionen, mit Musikern, die ihn regelmäßig auf der Bühne begleiten: Anne-Elisabeth de Cologne (Kontrabass) und Barbara Dang (Klavier). Jeder, der ihn schon einmal solo oder mit diesem Trio erlebt hat, weiß, wie gerne Matt Elliott auf die Stücke von Drinking Songs zurückgegriffen hat. Diese Zusammenarbeit geht über die Studioversion hinaus und fängt die rohen Emotionen eines Matt Elliott ein, der mit 50 Jahren auf dem Höhepunkt seiner Kunst zu sein scheint. Unabhängig davon, ob man die Studioversionen kennt oder nicht, muss man vom ersten Track an gefesselt sein, einer Verflechtung, einer Überlagerung der ersten beiden Tracks des Originalalbums: ,CF Bundy / Trying to Explain". Siebzehn Minuten, größtenteils instrumental, wunderbar zu Tränen rührend, vor Milz und Absinth triefend. Indem er seinen Drinking Songs zwanzig Jahre später neues Leben einhaucht, hat Matt Elliott uns ein kostbares Geschenk gemacht: die Möglichkeit, Drinking Songs zum ersten Mal wieder zu hören.

Gracie Abrams veröffentlicht am 21.06.24 ihr mit Spannung erwartetes zweites Album „The Secret Of Us“. Nach zwei gefeierten EPs war das letzte Album ”Good Riddance” (2023) das erste musikalische Statement in voller Länge – Gracies Definition von vertonter Poesie und intimem Pop - mit lebensnahen Texten und ganz viel Tiefgang. Wie auch schon der Vorgänger ist „The Secret Of Us“ wieder von Aaron Dessner (The National) produziert. Schon als Achtjährige zu ersten eigenen Songideen inspiriert, gab Gracie Abrams ihr erstes musikalisches Lebenszeichen Ende 2019 von sich. Für ihre ersten beiden EPs „Minor“ und „This Is What It Feels Like“ als Rising Star gefeiert, verzeichnen viele ihrer bisherigen Songs (u.a. „I miss you, I’m sorry“, „21“ und „Feels Like“) Streamingzahlen in zwei- bis dreistelliger Millionenhöhe. Für ihr letztes Album „Good Riddance“ wurde Gracie Abrams für einen Grammy in der Kategorie „Best New Artist“ nominiert. Zuletzt war Gracie Abrams als gefeierter Support Act auf einigen Taylor Swift Konzerten zu sehen.

1975 veröffentlichte der Altsaxophonist Alan Braufman aus New York City sein Debütalbum Valley of Search auf dem Label India Navigation. Braufman nahm daraufhin Platten auf und tourte mit allen möglichen Leuten, von Carla Bley bis zu den Psychedelic Furs, und veröffentlichte erst 2020 mit The Fire Still Burns ein weiteres Album unter seinem Namen, das von The WIRE, Downbeat, Rolling Stone, Pitchfork und NPR begeistert aufgenommen wurde. Infinite Love Infinite Tears von 2024 ist ein überraschend eingängiger Free Jazz, detailreich und direkt, der eine Reihe von Emotionen und Umständen verkörpert, die Individualität, Kollektivität und Hoffnung vermitteln. Es steckt viel Geschichte und Liebe in dieser Band und in Alan Braufmans Kunst insgesamt. Rund fünfzig Jahre nach seinem Debüt auf Platte ist seine Klangwelt so lebendig und einladend wie eh und je.

Auf seinem neuen Album "Golden Age" bewegt sich der aus Brooklyn stammende, in New Orleans lebende Gitarrist und Grammy-nominierte Produzent Gitkin zwischen Surf, Psychedelia und Worldbeat-Einflüssen aus Lateinamerika, Nordafrika und Nahost. Gitkin ist Frontmann der Soulband The Pimps of Joytime aus New Orleans, seine Produktionscredits reichen von Corey Henry & The Treme Funktet über Bernard Purdy bis zu Cyril Neville und Cedric Burnside, für dessen Album "Benton County Relic" er bei den 61. Grammy Awards mit einer Nominierung für das "Beste Traditionelle Bluesalbum" geehrt wurde.

LP im Klappcover mit bedruckter Innenhülle. Nach zwei Jahren ist Coyote Butterfly das erste Album mit neuen Songs von Simon Joyner, dem Singer-Songwriter aus Omaha, NE. Zwei Jahre, nachdem sein Sohn Owen im August 2022 an einer Überdosis gestorben war. Das bekenntnissreiche Album ist zunächst eine Hommage an Owen, aber was Joyner hier ebenso großzügig wie berührend teilt, ist ein intimer Einblick in den Versuch, Unfassbares zu begreifen. "Wie geht es jetzt weiter?" Diese Frage hat Simon Joyner auf nahezu all seinen Alben als Ausgangspunkt seiner Songs versucht zu beantworten. Er schrieb über das menschliche Dilemma im Allgemeinen. Um schwierige Wahrheiten zu erzählen nutze er die Fiktion seiner Charaktere, die sich durch persönliche Krisen in einer unzureichenden amerikanischen Gesellschaft kämpfen. Etwas durchgängig düsteres lag über den Erzählungen, die im Wesen allerdings nie nihilistisch waren. Das Brüchige, das auch Stilmittel seiner Musik, vor allem seiner Stimme ist, war etwas, das es anzunehmen und auszuhalten galt. Um die Eingangsfrage zu beantworten, um im Leben zu Bestehen, um zu überleben, müssen wir wissen, wo wir stehen. Auf seinem neuen Album Coyote Butterfly fehlt erstmals dieser fiktive Charakter. Es ist sicher sein persönlichtes Werk. Dennoch bietet es einen universellen Aspekt und die Antwort auf Frage, wie es weiter geht, ist diesmal die Platte und der Prozess des Songwritings und der Aufnahmen selbst. Coyote Butterfly wurzelt im Schmerz des Vaters Simon Joyner über den Tod des Sohnes, der sich überraschend kurz nach Veröffentlichung seines 2022er Albums "Songs From A Stolen Guitar" ereignete. Zwei Jahre hat es gedauert, bis sich seine Trauer zu Liedern formen konnte. Joyner fand so ein Ventil für seinen Schmerz und einen Kanal, um die unzähligen Emotionen zu verarbeiten, die seine Erfahrung umkreisen. Umgeben von einer Reihe enger Freunde, darunter David Nance, James Schroeder, Kevin Donahue, Ben Brodin und Michael Krassner, ist das Album sparsam, aber nicht karg. Eingerahmt wird es von zwei field recording-artigen Instrumentals. Dazwischen setzt sich Joyner in acht Songs mit Trauer, Angst, Scham und Liebe auseinander, legt die Kämpfe derjenigen offen, die im Kielwasser einer persönlichen Katastrophe zurück bleiben. Mit einem Album von solcher Intimität erinnert uns Joyner daran, wie wichtig es ist, Kunst zu nutzen, um das zutiefst Persönliche, auch vermeintlich Unfassbare in Schönheit umzuwandeln. Der Hörer ist eingeladen, sich mit ihm in solch eine Situation zu denken und das eigene Herz zu öffnen. Coyote Butterfly ist eine ehrliche, somit wunderschöne Beschwörung der Trauer eines Vaters, aber auch ein universelles Zeugnis für die Liebe und für das Leben, das nach einem Verlust weitergeht.

Coco & Clair Clair wussten von dem Moment an, als sie sich trafen, dass sie dazu bestimmt waren, gemeinsam Musik zu machen. Ebenso werden die Zuhörer sofort von dem Duo aus Atlanta durch seine cleveren, mitreissenden und genreübergreifenden Songs angezogen. GIRL ist ihr zweites Album nach dem gefeierten Debüt SEXY aus 2022, das Lob von Pitchfork, Stereogum, The Fader, Nylon, u.a. erhielt.

- "Pioniere des "Dämonen-Glam-Rock", ihr kompromissloser und unverkennbar Hip-Hop-beeinflusster Sound haucht dem Lo-Fi-Schlafzimmer-Pop-Genre neues Leben ein." dreamhaus.de

Mit "Nobody Loves You More" veröffentlicht Kim Deal am 22.11.24 auf 4AD ihr erstes Soloalbum. Die elf Songs umfassende Sammlung ist das erste Album der in Dayton, Ohio lebenden Künstlerin unter ihrem eigenen Namen. "Nobody Loves You More" ist Kim Deals Debütalbum, obwohl es nicht das erste Mal ist, dass sie einen Alleingang unternimmt - 2013 veröffentlichte sie im Eigenverlag eine fünfteilige Reihe von zehn Songs, die limitiert als 7" erschienen. Im Einklang mit Deals akribischer Herangehensweise an ihre Kunst, wurde das Album über mehrere Jahre hinweg verfeinert. Die ältesten Songs, "Are You Mine?" und "Wish I Was", wurden 2011 geschrieben und aufgenommen, kurz nachdem Deal von der "Lost Cities Tour" der Pixies zurückkam und nach Los Angeles umzog (frühe Versionen dieser Songs waren in der besagten Vinyl-Serie enthalten). Die letzten Aufnahmen für "Nobody Loves You More" fanden im November 2022 mit dem legendären Tontechniker und engen Freund Steve Albini statt, der den letzten Track "A Good Time Pushed" in seinem Electrical Audio Studio in Chicago einspielte. Auf dem Weg dorthin hat sie eine Vielzahl von Mitstreitern aus der Vergangenheit und Gegenwart hinzugezogen, von den Breeders (Mando Lopez, Zwillingsschwester Kelley Deal, Jim Macpherson, Britt Walford) oder auch Raymond McGinley (Teenage Fanclub), Jack Lawrence (Raconteurs) sowie Fay Milton und Ayse Hassan von den Savages. "Nobody Loves You More" wurde von Marta Salogni gemischt und von Heba Kadry gemastert. Zu jedem Song gibt es eine persönliche Geschichte. Sie handeln von den Winterferien mit ihren Eltern auf den Florida Keys ("Summerland"), einem Hochzeitsband-Cover von "Margaritaville" ("Coast") oder auch der Demenz ihrer Mutter ("Are You Mine?"). Die Platte zelebriert Deals unvergleichliche Kunstfertigkeit, die nicht nur auf die Höhepunkte ihrer Karriere mit gefeierten Bands der Alternative-Landschaft (Pixies, The Amps, The Breeders) verweist, sondern auch auf ihr unverrückbares kulturelles Gewicht, das über Generationen hinweg Musiker und Musikerinnen wie Kurt Cobain und Olivia Rodrigo beeinflusst hat.

Vulcano gelten als einer der Begründer der südamerikanischen Extrem-Metal-Szene und wurde 1981 in São Paulo, Brasilien, ins Leben gerufen. Mit einer nicht vorhandenen Infrastruktur für diese Art von Musik kämpfend, veröffentlichte die Band 1983 ihre Debüt-EP „Om Pushne Namah“, welches auf Portugiesisch gesungen wurde, gefolgt von „Live!“ im Jahr 1985, dem ersten Metal-Live-Album, das jemals in Brasilien veröffentlicht wurde. 1986 veröffentlichte die fünfköpfige Band ihr erstes Album „Bloody Vengeance“, das innerhalb von 24 Stunden von Vulcano selbst aufgenommen und abgemischt wurde. Das Album, das es in puncto Wildheit sogar mit den damaligen Vorreitern Slayer und Kreator aufnehmen konnte, wurde schnell zu einem Underground-Klassiker und hat diesen Status bis heute gehalten. Es ist daher nicht verwunderlich, dass High Roller Records, die bereits die 2004er LP „Tales from the Black Book“ der Gruppe 2012 auf Vinyl veröffentlicht haben, die ultimative Wiederveröffentlichung von „Bloody Vengeance“ vorbereitet haben, originalgetreu restauriert und remastered von Patrick W. Engel, der laut Band „all die Hörbarkeit gebracht hat, die 1986 bereits hätte da sein sollen“. „Bloody Vengeance“ wurde im Laufe der Jahre mehrfach wiederveröffentlicht und war in jeder Hinsicht minderwertig, vor allem was den Sound anbelangt. Erlebe es endlich so, wie es ursprünglich gedacht war!

Vulcano gelten als einer der Begründer der südamerikanischen Extrem-Metal-Szene und wurde 1981 in São Paulo, Brasilien, ins Leben gerufen. Mit einer nicht vorhandenen Infrastruktur für diese Art von Musik kämpfend, veröffentlichte die Band 1983 ihre Debüt-EP „Om Pushne Namah“, welches auf Portugiesisch gesungen wurde, gefolgt von „Live!“ im Jahr 1985, dem ersten Metal-Live-Album, das jemals in Brasilien veröffentlicht wurde. 1986 veröffentlichte die fünfköpfige Band ihr erstes Album „Bloody Vengeance“, das innerhalb von 24 Stunden von Vulcano selbst aufgenommen und abgemischt wurde. Das Album, das es in puncto Wildheit sogar mit den damaligen Vorreitern Slayer und Kreator aufnehmen konnte, wurde schnell zu einem Underground-Klassiker und hat diesen Status bis heute gehalten. Es ist daher nicht verwunderlich, dass High Roller Records, die bereits die 2004er LP „Tales from the Black Book“ der Gruppe 2012 auf Vinyl veröffentlicht haben, die ultimative Wiederveröffentlichung von „Bloody Vengeance“ vorbereitet haben, originalgetreu restauriert und remastered von Patrick W. Engel, der laut Band „all die Hörbarkeit gebracht hat, die 1986 bereits hätte da sein sollen“. „Bloody Vengeance“ wurde im Laufe der Jahre mehrfach wiederveröffentlicht und war in jeder Hinsicht minderwertig, vor allem was den Sound anbelangt. Erlebe es endlich so, wie es ursprünglich gedacht war!

Vulcano gelten als einer der Begründer der südamerikanischen Extrem-Metal-Szene und wurde 1981 in São Paulo, Brasilien, ins Leben gerufen. Mit einer nicht vorhandenen Infrastruktur für diese Art von Musik kämpfend, veröffentlichte die Band 1983 ihre Debüt-EP „Om Pushne Namah“, welches auf Portugiesisch gesungen wurde, gefolgt von „Live!“ im Jahr 1985, dem ersten Metal-Live-Album, das jemals in Brasilien veröffentlicht wurde. 1986 veröffentlichte die fünfköpfige Band ihr erstes Album „Bloody Vengeance“, das innerhalb von 24 Stunden von Vulcano selbst aufgenommen und abgemischt wurde. Das Album, das es in puncto Wildheit sogar mit den damaligen Vorreitern Slayer und Kreator aufnehmen konnte, wurde schnell zu einem Underground-Klassiker und hat diesen Status bis heute gehalten. Es ist daher nicht verwunderlich, dass High Roller Records, die bereits die 2004er LP „Tales from the Black Book“ der Gruppe 2012 auf Vinyl veröffentlicht haben, die ultimative Wiederveröffentlichung von „Bloody Vengeance“ vorbereitet haben, originalgetreu restauriert und remastered von Patrick W. Engel, der laut Band „all die Hörbarkeit gebracht hat, die 1986 bereits hätte da sein sollen“. „Bloody Vengeance“ wurde im Laufe der Jahre mehrfach wiederveröffentlicht und war in jeder Hinsicht minderwertig, vor allem was den Sound anbelangt. Erlebe es endlich so, wie es ursprünglich gedacht war!

In Zusammenarbeit mit WaterTower Records ist Waxwork Records begeistert, den lang erwarteten BEETLEJUICE BEETLEJUICE Original Motion Picture Soundtrack zu veröffentlichen! Beetlejuice ist zurück! Der Oscar-nominierte, einzigartige kreative Visionär Tim Burton und der Oscar-Nominierte und Hauptdarsteller Michael Keaton treffen sich für Beetlejuice Beetlejuice, die lang erwartete Fortsetzung von Burtons preisgekröntem Beetlejuice, wieder. Keaton kehrt in seine ikonische Rolle zurück, an der Seite der Oscar-Nominierten Winona Ryder als Lydia Deetz und der zweifachen Emmy-Gewinnerin Catherine O'Hara als Delia Deetz, mit den neuen Darstellern Justin Theroux, Monica Bellucci, Arthur Conti in seinem Spielfilmdebüt, der Emmy-Nominierten Jenna Ortega als Lydias Tochter Astrid und dem Oscar-Nominierten Willem Dafoe. Nach einer unerwarteten Familientragödie kehren drei Generationen der Familie Deetz nach Winter River zurück. Das Leben von Lydia, die immer noch von Beetlejuice heimgesucht wird, wird auf den Kopf gestellt, als ihre rebellische Teenager-Tochter Astrid das mysteriöse Modell der Stadt auf dem Dachboden entdeckt und das Portal zum Jenseits... -Exklusive Vinyl-Variante von Light In The Attic -Doppel LP gepresst auf violettem mit weißem Smoke Vinyl und fluoreszierendem grünen Vinyl -Etching/Gravur auf D-Seite -Gatefold-Jacket -Kommt mit limitiertem 11x11 Kunstdruck -Artwork von Jiro Fujita -Mit Songs von Donna Summer, Bee Gees, Richard Marx und vielen mehr!

Vulcano gelten als einer der Begründer der südamerikanischen Extrem-Metal-Szene und wurde 1981 in São Paulo, Brasilien, ins Leben gerufen. Mit einer nicht vorhandenen Infrastruktur für diese Art von Musik kämpfend, veröffentlichte die Band 1983 ihre Debüt-EP „Om Pushne Namah“, welches auf Portugiesisch gesungen wurde, gefolgt von „Live!“ im Jahr 1985, dem ersten Metal-Live-Album, das jemals in Brasilien veröffentlicht wurde. 1986 veröffentlichte die fünfköpfige Band ihr erstes Album „Bloody Vengeance“, das innerhalb von 24 Stunden von Vulcano selbst aufgenommen und abgemischt wurde. Das Album, das es in puncto Wildheit sogar mit den damaligen Vorreitern Slayer und Kreator aufnehmen konnte, wurde schnell zu einem Underground-Klassiker und hat diesen Status bis heute gehalten. Es ist daher nicht verwunderlich, dass High Roller Records, die bereits die 2004er LP „Tales from the Black Book“ der Gruppe 2012 auf Vinyl veröffentlicht haben, die ultimative Wiederveröffentlichung von „Bloody Vengeance“ vorbereitet haben, originalgetreu restauriert und remastered von Patrick W. Engel, der laut Band „all die Hörbarkeit gebracht hat, die 1986 bereits hätte da sein sollen“. „Bloody Vengeance“ wurde im Laufe der Jahre mehrfach wiederveröffentlicht und war in jeder Hinsicht minderwertig, vor allem was den Sound anbelangt. Erlebe es endlich so, wie es ursprünglich gedacht war!

Nach Releases mit namhaften Künstlern wie Blockhead und Stro Elliot kehrt die Def Pressé Editions x KPM Reihe zu dem Artist zurück, der sie 2021 ins Leben rief: Damu The Fudgemunk aus Washington D.C. Angekündigt bereits in den Linernotes des Vorgängers "Conversation Peace" hielt Damu Wort. "Peace Of Action" enthält 9 brandneue Instrumentals und ist damit sein erstes offizielles Instrumentalprojekt seit über 7 Jahren. In der Zwischenzeit produzierte er für MC's wie Raw Poetic oder Blu und arbeitete an aufregenden Jazz-Projekten wie dem gemeinsamen Album mit Archie Shepp, "Ocean Bridges" (2021), das Gilles Peterson bis heute abfeiert.

"Es ist mir eine Freude, Peace of Action vorzustellen. Es war so aufregend, mit KPM zusammenzuarbeiten und Teil ihrer Geschichte zu werden. Wenn ich mir das fertige Album anhöre, höre ich all die Aufregung und Leidenschaft, die ich für die Musik hatte. Das Entdecken von Dingen in ihrem Archiv hat mir geholfen, Dinge über mich selbst zu entdecken und wiederzuentdecken, die ich in früheren Arbeiten normalerweise einschränke. Es hat Spaß gemacht, einige Regeln zu brechen und dennoch einige Einschränkungen aufrechtzuerhalten, insbesondere nach über 20 Jahren des Musikmachens. Da ich mit dem künstlerischen und kommerziellen Erfolg meines ersten Def Pressé x KPM-Albums im Jahr 2021 sehr zufrieden bin, bin ich stolz darauf, die Handlung 2024 mit dieser besonderen Energie und diesen Themen zu erweitern." Earl Davis (Damu The Fudgemunk)

Vulcano gelten als einer der Begründer der südamerikanischen Extrem-Metal-Szene und wurde 1981 in São Paulo, Brasilien, ins Leben gerufen. Mit einer nicht vorhandenen Infrastruktur für diese Art von Musik kämpfend, veröffentlichte die Band 1983 ihre Debüt-EP „Om Pushne Namah“, welches auf Portugiesisch gesungen wurde, gefolgt von „Live!“ im Jahr 1985, dem ersten Metal-Live-Album, das jemals in Brasilien veröffentlicht wurde. 1986 veröffentlichte die fünfköpfige Band ihr erstes Album „Bloody Vengeance“, das innerhalb von 24 Stunden von Vulcano selbst aufgenommen und abgemischt wurde. Das Album, das es in puncto Wildheit sogar mit den damaligen Vorreitern Slayer und Kreator aufnehmen konnte, wurde schnell zu einem Underground-Klassiker und hat diesen Status bis heute gehalten. Es ist daher nicht verwunderlich, dass High Roller Records, die bereits die 2004er LP „Tales from the Black Book“ der Gruppe 2012 auf Vinyl veröffentlicht haben, die ultimative Wiederveröffentlichung von „Bloody Vengeance“ vorbereitet haben, originalgetreu restauriert und remastered von Patrick W. Engel, der laut Band „all die Hörbarkeit gebracht hat, die 1986 bereits hätte da sein sollen“. „Bloody Vengeance“ wurde im Laufe der Jahre mehrfach wiederveröffentlicht und war in jeder Hinsicht minderwertig, vor allem was den Sound anbelangt. Erlebe es endlich so, wie es ursprünglich gedacht war!

LAVENDER, das Debütalbum der Alternative-R&B-Musikerin MULAY, ist ein zutiefst persönliches Projekt. In zwölf kunstvoll intimen Songs verarbeitet sie eine intensive, schmerzhafte Erfahrung mit toxischer Liebe. Aber LAVENDER ist viel mehr als ein klassisches Heartbreak-Album. Es ist ein Plädoyer dafür, an Verletzungen und Enttäuschungen zu wachsen. Ein Leuchtfeuer im Sturm dunkler Zeiten, das von Heilung, Selbstentdeckung und Empowerment erzählt. Stärke durch Verletzlichkeit – das ist das Mantra dieser Platte.

Mit LAVENDER setzt die in Berlin lebende Singer-Songwriterin, Produzentin und Künstlerin den Weg fort, den sie mit zwei EPs begonnen hat: ANTRACYTE (2021) und IVORY (2022) ergänzten sich konzeptionell zu einem interdisziplinären Gesamtkunstwerk aus Sound, Gesang, Visuals und Performance, bei dem ambivalente Gefühle, Licht und Dunkelheit, zusammengedacht werden. Entstanden sind die Songs zwischen Paris, London und Berlin – zusammen mit alten (Llucid, Novaa), aber vor allem mit neuen Kreativpartnern wie den französischen Produzenten/Multiinstrumentalisten Elie Zylberman und Jules Minck. Auf der Suche nach ihrer kompromisslosen Wahrheit bewegt MULAY sich fließend zwischen innovativem Songwriting und ambitionierten Produktionen, die weite, kaleidoskopartige Soundräume voll von souligem R&B, Hip Hop und Electronica aufmachen. MULAY verwandelt Schmerz und Wut in fiebrig aufgeladene, ansteckende Soundscapes, in denen Downtempo-Momente und schnellere, tanzbare Beats sirupartig zu einem emotionalen Rausch zusammenfließen.

COMET GAIN hatte sich 1997 eigentlich aufgelöst, aber David Christian wollte den Traum nicht sterben lassen und machte weiter. Alter Name, neue Band. Und ein neues Album! "Tigertown Pictures" wurde erstmals 1999 von Fortuna Pop in UK/EU und Kill Rock Stars in den USA veröffentlicht und wird nun von Tapete Records weltweit neu aufgelegt. "Tigertown Pictures" ist ein wilder Ritt durch alles, was mit Post-Punk, DIY, Indie-POP, internationalem Pop-Underground, Lo-Fi, Garagebeat und Folk & Rock zu tun hat., Boy-/Girl-Gesang, kratzige Gitarren, süßer Lärm und raue Melodien, Enthusiasmus und Schmerz, sogar einige undefinierbare elektronische Klänge. Es ist alles da. "Tigertown Pictures" ist eine dieser Platten, die man auflegt und sich endlich wieder lebendig fühlt.

In den 1970er Jahren wurde Romy Schneider durch ihre französischen Filme mit Regisseur Claude Sautet
ein internationaler Star. Besonders diese Meisterwerke bewegen und begeistern bis heute ihre Fans.
Die wunderbar sentimentale Musik zu den Filmen stammt vom berühmten Oscar-Gewinner Philippe Sarde.
Die Compilation „Romy Schneider, un portrait musical“ versammelt jetzt das erste Mal die Musik aus den
vier Filmklassikern „Die Dinge des Lebens“, „Das Mädchen und der Kommissar“, „César und Rosalie“ und
„Eine einfache Geschichte“. Ebenfalls zu hören ist Romy Schneider als Sängerin des „Chanson d’Hélène”
zusammen mit Michel Piccoli (französische und italienische Version) und “La Lettre de Rosalie”.

Dennis Bovells produktive und vielseitige Karriere umfasst ein riesiges Spektrum an Musik: von Dub Poetry über Lovers Rock und Post-Punk bis hin zu Disco, Pop und mehr. Seine Produktionsarbeit umfasst so unterschiedliche Persönlichkeiten wie The Slits, I Roy, Maximum Joy, Fela Kuti, The Pop Group, Janet Kay, Saada Bonaire, Orange Juice, Golden Teacher, Steel Pulse und mehr.

Diese Zusammenstellung konzentriert sich auf die Zeit während und unmittelbar nach Bovells Engagement beim Jah Sufferer Sound System und gräbt tief, um deepe Cuts und weniger bekannte Versions zu finden, hauptsächlich aus den Jahren 1976-1980, samt eines umwerfenden und weniger bekannten Dub des ikonischen Tracks "Silly Games". Sorgfältig restauriert und remastered bei Dubplates & Mastering in Berlin, sodass diese Jahrzehnte alten Tracks makellos und dynamisch klingen und so angeordnet sind, dass sie den Hörer auf eine Reise durch Bovells Produktions- und Arrangement-Genie mitnehmen.

Die beiliegenden Sleevenotes sind das Ergebnis eines langen Gesprächs mit Dennis über diese Zeit seines Lebens, mit Erinnerungen an jeden einzelnen Track und faszinierenden biografischen Anmerkungen. Die Vinyl- und CD-Versionen weisen unterschiedliche Cover auf, wobei jedes Format ein einzigartiges Foto von Syd Shelton verwendet.

Knapp vier Jahre nach ihrem Debut Patterns veröffentlicht Jenobi im Mai 2024 ihr zweites Album. Ein halbes Jahr lang schloss sich die in Hamburg lebende Musikerin Jenny Apelmo Mattsson in ihrem Studio ein und ließ für "Irregularity" 11 neue Songs entstehen, die sie nicht nur selbst geschrieben, sondern auch eigenständig aufgenommen und produziert hat.

Die bereits aus Patterns bekannte mystisch-skandinavische Melancholie trifft nun auf markante Beats, die zusammen mit der charakteristisch zarten Stimme eine ganz neue Dimension eröffnen. Außergewöhnliche, elektronische Elemente erinnern teilweise an Björk und The Knife, während selbstbewusster Sprechgesang zu lässigen Basslines eine Attitüde hervorbringen, die wir bei Künstlerinnen wie Rosalia und Noga Erez wiederfinden.
Irregularity steht dabei längst nicht nur für musikalische Innovation, sondern liefert auch eine starke Message, die Apelmo Mattsson nun aus ihrer Oase in die Welt heraustragen möchte. Viele Talfahrten und Herausforderungen prägten die 13-jährige Erfahrung als Musikerin, die sich stehts in einer männerdominierten Branche behaupten musste. Doch während Patterns destruktive Verhaltensmuster thematisiert, berichten die neuen Songs von einem neu erlangten Bewusstseinszustand und Stärke. Nach der Trauer kommt die Wut – das spiegelt sich in Texten, gespickt mit cleverironischem Humor, die ein bittersüßes Gefühl hinterlassen, dass sofort süchtig macht. So gelingt es Apelmo Mattsson patriarchalische Strukturen mit
einem selbstbewussten Schmunzeln zu kritisieren.

Die türkisch-italienische DJ, Produzentin und Multiinstrumentalistin Carlita (bürgerl. Carla Frayman) veröffentlicht ihr lang erwartetes Debütalbum, „Sentimental“ bei Ninja Tune!
„Sentimental“ ist der bisherige Höhepunkt von Carlitas musikalischer Reise, an der sie jahrelang gearbeitet hat. Das Album stellt einen kreativen Meilenstein in ihren Produktionen dar, indem es eine klangliche Erzählung aufbaut, die ihre Lebenserfahrungen als Bausteine nutzt. Ein paar dieser Momente, zusammen mit einer Reihe von talentierten Freunden, sind auf „Sentimental“ aus erster Hand zu hören. „Trouble Symphony“ eröffnet das Album mit DJ Tennis, der wie schon zu Beginn von Carlitas Karriere mit am Start ist. SG Lewis, der gefeierte Produzent, der Carlita letztes Jahr bei der New York Fashion Week Show von Senza Fine begleitete, leiht der Leadsingle, „The Moment“, seine Stimme. „Comme Ça Voce“ greift ihre italienischen Wurzeln auf und wird von dem sizilianischen Musiker, Orofino, gesungen. Mascolo, Elderbrook, Julietta und Cleo Simone vervollständigen die Liste der geschätzten Kolleg:innen, die ihre Zeit und ihr Talent zu „Sentimental“ beigetragen haben.