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Many of the greatest artists of all time found inspiration in their dreams... and pdqb is known to be an absolute pro when it comes to creatively exploiting the REM cycles.

Recently, for example, he dreamed of Gunnar, who had witnessed the rise and fall of electronic dance music, which had once held simple-minded creatures in its thrall. The beats had a peculiar effect on them, drawing them into euphoric trances. But Gunnar, allergic to its hypnotic frequencies, stood apart, unaffected. However, eventually, in a hidden enclave in the highlands of Reykjavík, he met Dr. Amara El-Amin, a neuroscientist fascinated by his unique immunity. Together, they discovered that Gunnar's resistance was a gift, offering insights into human consciousness and the power of music. With this knowledge, Gunnar inspired a global movement celebrating frequencies that resonate...differently. Though EDM had become a relic, Gunnar Oliasson remained a legend - a bad taste survivor who embraced a symphony of pure electrical potential, a language of circuits and oscillations beyond sound.

He woke with a jolt, the phantom music still echoing in his mind. He scribbled furiously, equations and diagrams mixing with strange, abstract notations. The dream, he knew, was a glimpse into a world where his inventions would dance, not just function.

For Synaptic Cliffs, it is an extraordinary honor to be able to offer you, dear listeners, the soundtrack of pdqb's world-changing dream: Four beautiful genre-defining Electrocognition tracks, embracing the depths of the human wetware. And three jaw-dropping sonic remodels from a human-like being called The Exaltics.

With French Lessons, Jeff The Fool delivers a dazzling display of musical diversity, exploring a myriad of styles and influences. From the melancholic rain of Paris to the warm rays of the Californian sun, each track showcases remarkable technical precision and infectious energy.


Set for release in 2025, this album stands out with its array of international guest artists such as Fleur de Mur, Oden & Fatzo, Mangabey, and Phat Kat. It brings together singers and rappers from Lagos, Detroit, and Atlanta, infusing the work with a unique cosmopolitan dimension. On compositions imbued with French accents, these artists lend their voices to traverse house, hip-hop, jungle, trap, and afro-soul. French Lessons is a true ode to innovation, illustrating Jeff The Fool’s determination to push genre boundaries and reinvent himself alongside talented collaborators. This album pays tribute to the electronic music scene while asserting his unique artistic identity.


Here, Jeff The Fool continues his creative journey, marked by a subtle blend of underground house sounds and more accessible grooves. Since his notable debut with the Pay Your House EP in 2018, he has consistently expanded the horizons of house music, skillfully combining soulful samples and deep rhythms, crafting tracks designed for the dance floor.
Building on the success of his 2022 album Russian Dolls, released under Nowadays Records and amassing millions of streams, Jeff The Fool continues to captivate house music purists while drawing in a broader audience. His live performances, intense and eclectic, blending house, techno, disco, and electro, have taken him to international stages, showcasing the breadth and richness of his talent.

The world of item expands. Small or significant, material, immaterial, items define much of our daily life. We are in the era of itemisation.

Itemise yourself

The first item in the catalogue, hardware evangelist and live performer Otis.

Presenting sounds for the higher self: Red Flags written and produced by Otis. Built for dark rooms and soggy limbs. A devout purveyor of hardware and analogue, Otis’ revered live performances are greedy with drive and dance. Machine-led but felt in toes and gut. His live act craft can be traced through this EP garnering influence from industrial, early 2000s electro and progressive trance. Sweat as currency the common thread.

This, another item for your dance directory. Trinket thing piece music. A keepsake.

Teal’s debut LP, Original Watercolour, is an album that feels like a canvas come to life. A sonic blend of street-soul, digi-dub, and downtempo. Original Watercolour explores the complexities of love, oneness, and intuition — themes that resonate deeply within the context of the history women have shared with what was once known as the “ladies’ medium.”

The bi-coastal family trio—Ashleigh and Melissa Ball, better known as the Ball Sisters, alongside producer N1_SOUND—bring a fresh, genre-defying sound to the table with their latest 6-track album. Running just under 30 minutes, this immersive collection weaves together skipping beats, addictive bass lines, three-dimensional flute textures & emotional vocal melodies. This musical portrait is as ethereal as it is powerful, inviting the listener to get lost in its depths while celebrating the beauty of self-expression.

The opening track, “Original Watercolour,” takes you on a psychedelic trip-hop journey. From the first reverberous snare hit, you’re whisked away to a sonic wetland — lush and euphoric. The soft yet poignant soundscapes set the tone for the album, inviting us into a world where the boundaries between earth and music, reality and imagination, automatically seem to blur.

“Locked In 2 Love” offers a boogie-fueled bassline that pushes Teal into dance-floor territory with soaring flutes and rhythmic intricacies that make it impossible not to move — it’s a track that exemplifies the magic of Teal’s ability to craft both intimate and expansive musical landscapes. And then, there’s the hypnotic flow of “One In The Same,” where stacked vocal harmonies and mantra-esque lyrics transport you to a place that could easily be mistaken for a lost Soulquarians demo. It’s gentle yet unrelenting in its depth.

The second side of the album opens with “Sleep on It,” a track that immediately grabs attention with its dancehall-driven rhythm. Ashleigh Ball's vocals set the stage for a song that’s both introspective and emotionally charged, yet unmistakably rooted in groove. The phased-out bassline creates an almost hypnotic atmosphere. Pulling the listener into a mood of contemplation—matching the restless, sleepless night that Ball describes. As the song progresses, this groove builds in intensity, culminating in an explosive ending that mirrors the emotional release of a long-held frustration.

Original Watercolour is more than just an album — it’s a meditation on the interconnectedness of life and art. “Frog Kingdom,” the longest and only instrumental track creates a contemplative space that builds upon the themes introduced earlier. It feels like a sequel to their earlier work, Frog Legacy from their debut Bluish Green 2024 12”, expanding on the familiar sound with even more complex layers.

Yet the real emotional power of the record lies in its closing track, “Can’t Shake the Feeling.” Simple in structure but profound in impact, this song captures a deep yearning and understanding — that everything, from the ecosystems we inhabit to the relationships we nurture and the art we create, is fundamentally interconnected. As the track crescendos in a falsetto peak, it becomes clear that the album is a reflection of both the world around us and the personal journey each member of the band has embarked upon to get to this point.

Just as the medium of watercolor has been traditionally linked to women artists, Teal carries this legacy into the modern musical landscape, blending the richness of history with a unique forward-thinking perspective. The album feels like both a celebration of the past and a bold declaration of a path forward — one that welcomes anyone ready to join in and shape the future of the art form.

The beauty of Teal’s work is that it feels familiar, while simultaneously offering something new and refreshing. Original Watercolour doesn’t just push musical boundaries; it redefines them, offering a lush and textured soundtrack for those willing to listen closely.

In a world that often feels over-saturated, Original Watercolour stands as a reminder of the power of simplicity, intuition, and connection. Teal’s debut album invites you to experience something both deeply personal and universally understood. The landscapes they create are vivid, yet soft, grounding yet expansive. With each track, Teal’s music reflects the interconnectedness of all things — a truly unique piece of work in the world of experimental soul and dub adjacent electronic music.

Rising and falling. We all live in the same pond. Peace to all.

Freddie McKay’s self-produced 1977 LP Harsh Words has finally returned to circulation. Initially released in Jamaica on Gorgon Records, a subsidiary of Sonic Sounds, it was issued in the US by Salsoul Records’ sister label Salsoul Salsa Series in 1982. The album includes 10 tracks, featuring previously issued singles from the ’70s along with exclusive songs like the title track Harsh Words, Feel So High, and Travelling. McKay’s gritty, soulful voice is backed by top-tier musicians, including Sly & Robbie, Fish Clarke, Flabba Holt, Bingi Bunny, Ranchy McLean, Ansel Collins, Winston Wright, Bobby Ellis, Don D Jr, and Sticky.

The nearly simultaneous reissue of Freddie McKay’s LP Harsh Words by France’s Only Roots under McKay’s Amethyst label and Switzerland-based Reggae Fever under the Kismet label raises some eyebrows. France’s Only Roots claims a licensed release from Freddie McKay’s estate, while Switzerland-based Reggae Fever acknowledges Patrick Harty as the producer behind their release. Harty owns Jamaican label Kismet, known for its unofficial releases.

Doris Brendel & Lee Dunham take an unexpected yet electrifying turn into the world of Blues with their latest album, Big Blue Sky. Known for her powerhouse vocals and genre-defying style, Brendel—who recently won the HRH Prog Angel Award 2024—delivers 13 beautifully crafted Blues tracks that blend raw emotion, soulful melodies, and top-tier musicianship. Featuring a stellar lineup, including Sam Brown (Hammond), Sam Blue (vocals), and Sam White (drums), Big Blue Sky is a masterclass in Blues with a contemporary twist. From classic blues ballads (‘Under the Covers’, ‘Red Letter Blues’) to the humour-infused ‘Slow Wi-Fi Weekend’ and soul-stirring duets (‘Is This the Last Time’), the album is a fresh and dynamic take on the genre. Produced by Lee Dunham, Big Blue Sky is available digitally, on CD, and on vinyl (featuring a special 9-track selection). Doris Brendel has performed with some of rock’s greats, including Fish (Marillion), Wishbone Ash, and Nils Lofgren, and was even invited to tour with Pink Floyd. With Big Blue Sky, she proves once again that she refuses to be boxed into a single genre, bringing her signature husky, bluesy vocals to a project that is both timeless and innovative.

In the madrigal-strewn world of neo folk-psychedelia, the queen of drones holds court…In this late teen decade, as green men are burnt, resources dwindle and naturalists plunder for authentic Englishness, the hunt for the grail-like Silver Globe continues. Back in 2014, the story was first whispered; A mythical jaunt set to a motorik rhythm, played out in an overgrown forest of ideas: Jane Weaver’s ‘The Silver Globe’ was a conceptual delicacy – “a synth-ridden post-apocalyptic prog-pop opus based on tightly embroidered, non-linear recurring themes inspired by esoteric stories, cosmic imagery and re-filtered past experiences”. Since those heady beginnings, our heroine has time travelled to darker times and been celebrated for her glorious ‘Modern Kosmology’ (top album of 2017, here, there, everywhere).
“A full-scale leap into the cosmic void of contemporary space rock” The Quietus

“As a child of the 1970’s I can thank my friends’ brothers for their space rock record collections and concept album sleeves that I would spend hours looking at, then my first love for Kate Bush followed by a heavy dose of disco and synth pop. I guess ‘The Silver Globe’ is just a subconscious inspired imprint of those things that have never left me, married with an accidental viewing of a vintage Polish sci-fi film that was so bizarre I couldn’t stop thinking about it and so it became my muse...” Jane Weaver. Set the controls…

Liebe existiert nicht isoliert - sie verweilt, verändert sich und taucht auf eine Weise auf, die wir nicht immer erwarten. So auch der 27-jährige Sänger, Songwriter und Multiinstrumentalist Brandon, der all das und mehr auf seinem Debütalbum „Before You Go“ erforscht, das am 9. Mai bei Secretly Canadian erscheint. „Before You Go“ ist eine grenzenlose Sammlung von Soul- und R&B-beeinflussten Alternative-Pop-Gitarrensongs. Heute stellt Brandon auch die Leadsingle „Right Back“ vor, ein gitarrengetriebener Alt-R&B-Song mit warmem Gesang und synkopierten Beats.

Brandon Joseph - einfach Brandon genannt - ist aus der reichhaltigen kreativen Landschaft Südkaliforniens mit einem Sound hervorgegangen, der eine Mischung aus unaufdringlicher Verletzlichkeit und genreübergreifendem Ehrgeiz darstellt. Brandon hat seine Stimme durch Ausprobieren, Beharrlichkeit und Visionen gefunden, und seine Songs tragen die Spuren seines Einfallsreichtums: Brandon hat sich das Gitarrenspiel selbst beigebracht, er spielt jedes Instrument auf praktisch jedem Track, und er hat sein Debüt nicht nur selbst produziert, sondern auch jeden Song selbst gemischt und die Harmonie in ihren unzähligen Schichten gefunden. Nach dem Erfolg der zwei EPs „Coming Clean“ und „Blush“ ist Brandons Debütalbum bei Secretly Canadian sowohl sehr persönlich als auch klanglich anspruchsvoll. Einige der Songs auf „Before You Go“, die er komplett in seinem Heimstudio geschrieben und aufgenommen hat, brüteten jahrelang vor sich hin, während Brandons Talent und Ressourcen den Visionen in seinem Kopf entsprachen. Eine erste Reise in die Heimat seiner Familie in Trinidad erwies sich ebenfalls als prägend. Dort wurde Brandons Weltanschauung entspannter und friedlicher, und seine Musik folgte ihm. „Ich habe gelernt, mir Zeit zu nehmen“, erklärt er, „das Leben anders zu betrachten und die Menschen nicht mehr nur aus dem Blickwinkel der Transaktion zu sehen“. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Songs, die sich nicht davor scheuen, selbstbewusst und zurückhaltend zu sein. Die Leadsingle „Right Back“ verkörpert dies mit einer hellen, minimalen Akustikgitarre unter Brandons warmem, romantischem Gesang. Der Song beginnt als Kreuzung aus Folk und R&B (man denke an den frühen Frank Ocean oder Steve Lacy), aber er öffnet sich zu etwas Größerem - ein nach unten gerichteter, in Dur-Tonarten gehaltener Floater mit wehmütigem Text, einem federleichten, synkopierten Beat und einem unwiderstehlichen, hymnischen Gefühl. Brandon ist bekannt für seine magnetischen Auftritte an der Seite von Omar Apollo und Mac Ayres und seine gefühlvolle Stimme zementiert seinen Platz als einer der fesselndsten neuen Singer-Songwriter, die in den letzten Jahren aufgetaucht sind.

Steve Bicknell returns to KR3, once again unleashing his mastery of power electronics!
Following his two reinterpretations of last year's "JK Flesh Remixes" and four years after his solo EP "A Day In The Life" in 2021, Bicknell takes us deep into the realms of his sonic mysticism, marking a significant milestone in the fifth anniversary of the label.
Several Streams of Thought LP - is an unrelenting and immersive odyssey, presented through nine tracks, seven of which will be available on a double 12-inch vinyl, with two exclusive cuts in a limited 7-inch format.
The album hits hard, straight to the brain, with no warning, across sides A, B, and C. Each side is a raw, untamed techno experience, with Bicknell's unmistakable signature dominating throughout, delivering unwavering intensity and relentless impact.
However, on side D, a transformation takes place: a 15-minute soundscape that turns the embedded waves into breath - a blinding light emerging from the darkness. It's a moment of tribalism and evocative magic, offering a refreshing pause, a return to balance after the intensity of the shadows.
The 7-inch, available in a limited edition under the title "the eye of the invisible world", contains two tracks - one on side E and the other on side F.
The mystical sounds complete this dual experience: one part filled with dark, untamed energy, while the other brings a sense of mental lightness, emphasizing breathwork and emotional self-
healing.
S | B is back, stronger than ever!

Calling Mattheis a pillar of Nous'klaer Audio would be an understatement. Founded in 2013, the label was at the time solely created to put out Mattheis' Isms EP. Now, twelve years on, we present his latest album: Waiting for the Silhouette. The forty minute LP full of dreamy techno bliss explorations starts out, and is glued throughout, with ethereal modulating synths. Dreamscapes fuse into scattered drums and shifting patterns briefly usher in changing phases. It's in these moments when the unworldly contours take form and are built upon by other emerging elements. Waiting for the silhouette is a record about things coming to life, outlines that start to appear and shapes evoking memories that could as well be premonitions. Minimalism and maximalism become indistinguishable on this album, through the trip in between. Artwork by Frederic Dumoulin. The record is cut inside-out and comes with a downloadcard.

Mit seinem ersten Full Length Album "Ruinenkampf" begibt sich Das Kinn auf einen musikalischen Parforceritt durch die Ruinen unserer Zeit. Mittels Kickbox Phonetik und Elektronik Armada führt es uns durch eindringliche Klanglandschaften irgendwo zwischen DAF, den Kosmischen Kurieren und Frankfurter Bahnhofsviertel. Beats auf Anschlag. Knochen klappern. Die Orgel leiert. Warme Synthlines, gespielt von kalten Händen. Ein Saxophon sinniert über das Danach. Hymnen für den Abriss. Musik zum feierlichen Untergang. Toben Piel geht gern auf Friedhöfe. Orte der Ruhe und Idylle. Abstand finden, Vergänglichkeit erahnen. Das Danach als konkreten Ort erkunden. Auch sein Debut-Album "Ruinenkampf" stammt aus diesem Mindset. Dort geht er in Distanz, um dann mit Anlauf auf den Punkt zu kommen. Nach Ruhe und Idylle klingt das nicht. Kassettenszene, 80er Jahre, Stakkatogesang, Synths zwischen DAF und den Kosmischen Kurieren. Ästhetik des Untergrunds. Reißende Melodieströme, Raffinesse, unentwegt pendelnd zwischen Hymne und Abriss. Dieser krasse, erhobene Kraftgesang. Acht Stücke Zuhören, ohne eine Sekunde des Abdriftens. Wie geht das? Wie erschafft man so etwas? Nun, der Mit-40er aus FFM, jung geblieben und hungrig, hat eben gut gelernt: Bei Antitainment (2005-2010), danach zusammen mit der großen Charlotte Simon bei les trucs, im Kontext seines Kassettenlabels MMODEMM, aber auch als Musiker für diverse Theaterbühnen. Zum ersten Mal hat er mit DAS KINN nun das Gefühl, Musik im Sinne einer Selbstbefreiung hervorgebracht zu haben. Vielleicht liegt das am Alter. Da, wo er zuvor oft verkopfte, die Kontrolle suchte, Dinge zerdachte, nicht aufhören konnte im Sinne eines Perfektionismus, hat er sich diesmal ein loses Konzept grundiert, um dieser Selbsterkenntnis entgegenzutreten: Schnelligkeit. Fokus. Abschluss, Absprung. Nicht in Abwertung seines bisherigen Werkes - sondern vielmehr im Sinne einer Geistesgegenwärtigkeit, diese Erfahrungen walten zu lassen, ohne sich ihrer bewusst zu sein. Es ist ihm äußerst gut gelungen!

LEPER COLONY kreuzen den deutschen und schwedischen Death Metal Stil mit klassischen Einflüssen aus der US-Szene. Die Band entstand aus der langjährigen Freundschaft und der gemeinsamen Liebe zum Death Metal der alten Schule, die den deutschen Sänger Marc Grewe und den schwedischen Gitarristen Rogga Johansson dazu brachten, im Jahr 2020 ein gemeinsames Album zu produzieren. Das Duo holte sich CONSUMPTION-Schlagzeuger Jon Skäre und Lead-Gitarrist Kjetil Lyngahug (PAGANIZER) ins Boot, um das selbstbetitelte Debütalbum aufzunehmen, welches im Jahr 2023 veröffentlicht wurde. Das Werk wurde von Kritikern und Fans gleichermaßen positiv aufgenommen. Es wurde schnell klar, dass es sich bei LEPER COLONY keineswegs bloß um ein weiteres "Superprojekt" handelte, sondern dass eingefleischte Death Metal Fanatiker mit einer Vielzahl von frischen Ideen aufwarten. Marc Crewe hat sich als ehemaliger Frontmann von MORGOTH, und später mit INSIDIOUS DISEASE sowie ASINHELL einen klangvollen Namen in der Szene erworben. Gitarrist und Bassist Rogga Johansson prägte den schwedischen Death Metal in einer Reihe von Bands wie PAGANIZER, RIBSPREADER und REVOLTING entscheidend mit. WOMBBATH-Gitarrist Håkan Stuvemark übernahm mittlerweile die Leadgitarre und Jon Rudin wurde ebenfalls als neues Mitglied verpflichtet. Der britische Schlagzeuger ist unter anderem von MONSTROUS und DEAD SUN bekannt. Mit "Those of the Morbid" geben LEPER COLONOY allen Old School Death Metal Fans exakt das brutale und kompromisslose Album, auf das sie lange warten mussten!

Die Liverpooler RATS sind knallhart der Wahrheit und den Beats verpflichtet. Furchtlos, gelegentlich wild und häufig zärtlich kommt dieser mitreissende Pöbel auf der Debüt-LP "Rule The World" zusammen, nachdem die Single "Patsy Decline" (2021) ein neugieriges Publikum zu ihren lebhaften Liveshows lockte. Der direkte und optimistische Mix der Band aus unerschrockener lyrischer Ehrlichkeit und Crossover-Rock, R&B und Ska ist der Soundtrack des modernen innerstädtischen Grossbritanniens. Frontmann/Texter Joe Maddocks wird mit Mike Skinner (Jamie T, The Streets) verglichen, und die Band ergatterte einen frühen Supportslot für Liam Gallagher bei seinem Auftritt in der Royal Albert Hall 2022. Der gewundene Weg zu einem vollständigen Album wurde geduldig beschritten, RATS brauchten über zwei Jahre, um den Spass und die Wut ihrer prickelnden Liveshows auf Band zu bannen. "Es ist eine Mischung aus unseren individuellen Charakteren, die zusammenkommen", sagt Drummer Alan Phillips. "Da sind Lowells Dub und Ska, Joes scharfe, fast schon Hip-Hop-artige Texte, und dann sind da noch Mikey und Chris mit ihren mitreissenden Indie-Gitarrenriffs. Es ist eine Mischung aus den unterschiedlichsten Melodien in uns."

The Freedom Affair hat von Anfang an tiefe Wurzeln in der Soulmusik geschlagen, aber nach fast einem Jahrzehnt gemeinsamer Arbeit konzentriert sich der Sound der Gruppe auf ihrem selbstbetitelten zweiten Album genau dort, wo Muscle Shoals und Memphis Soul aufeinandertreffen. Es ist eine Meisterleistung an leidenschaftlicher Message-Musik, die zeitlose Themen wie Ungerechtigkeit, Liebe und Zusammengehörigkeit erforscht. Eine schicksalhafte Begegnung mit dem Grammy-prämierten Toningenieur Boo Mitchell (Mark Ronson, Bruno Mars, Al Green) in den Royal Studios im Februar 2023 löste einen Funken aus, der die Band mit neuer musikalischer Überzeugung zurück nach Kansas City schickte. Im November kehrte die Band zurück, um in dem legendären Studio in Memphis völlig neue, vom Southern Soul inspirierte Songs aufzunehmen. Das stets starke weibliche Trio an der Spitze der Band - Paula Saunders, Seyko Groves und Shon Ruffin - ist das Markenzeichen des Sounds und der Identität von The Freedom Affair, und ihr kollektives stimmliches Können ist in vollem Umfang zu hören - von hart bis zart, von Herzschmerz und Hoffnung. Die Erfahrung in den Royal Studios hat die Band davon überzeugt, dass es keinen besseren Raum gibt, um Bläser aufzunehmen. Die ,One-Take"-Bläser von Pete Carroll an der Trompete und Brett Jackson am Saxophon beweisen, dass sich ihre jahrelange Zusammenarbeit mit ihrer Präzision und den perfekt auf die Stimmung abgestimmten Linien ausgezahlt hat. Das Personal der Rhythmusgruppe ist das gleiche wie auf dem Debütalbum "Freedom is Love", aber Chris Hazelton wechselt vom Bass zu seinem Hauptinstrument, der Hammond B3-Orgel, sowie zu verschiedenen Keyboards. Branden Moser tauscht den Bass, der auch sein Hauptinstrument ist, mit seiner früheren Rhythmusgitarre aus. Cole Bales greift an der Leadgitarre weiterhin zu zeitlosen Riffs, und Dave Brick sorgt am Schlagzeug für das Rückgrat mit dem schweren Boom-Bap. Dieses Album hat den Sound von The Freedom Affair zementiert: beständige Melodien mit reichhaltigen Arrangements, unterstützt von einem düsteren Puls. Royal war der perfekte Ort für dieses Album, und die Band nutzte die Geschichte des Studios in vollem Umfang, indem sie Studiogeräte und Relikte während des gesamten Prozesses einbezog. Da die Band nur vier Tage Zeit hatte, um das zehn Songs umfassende Album aufzunehmen, bestand sie darauf, das gleiche Ampex 1"-Bandgerät zu verwenden, mit dem alle Hi-Record-Hits von 1974 und davor aufgenommen wurden, um die Authentizität zu wahren. Es war das erste Mal seit 1974, dass dieses Gerät für ein Album verwendet wurde. Die Einschränkungen und Macken, die sich aus der Verwendung alter, analoger Geräte ergeben, machten Platz für magische Momente, die den Charme des Albums ausmachen. Die Platte erweckt den klassischen Southern Soul zu neuem Leben, mit all der Gemütlichkeit und Wärme, die man erwarten würde, wenn man Al Green oder Ann Peebles Aufnahmen aus dem selben Raum hört. Abgemischt von Vince Chiarito (Hive Mind, Jalen Ngonda, Charles Bradley) und gemastert von JJ Golden (Sharon Jones & the Dap Kings, The James Hunter Six, Antibalas), ist dieses Album eine wahre Lektion in Sachen Soulmusik.

Seit 2011 und mit sieben Alben hat das explosive Trio immer größere Erfolge gefeiert und sich Aufmerksamkeit und Anerkennung bei Rock-Fans und Jazz-Anhänger:innen gleichermaßen erarbeitet. Der Bandname lässt eventuell auf Jazz schließen, nur dass in der Besetzung vom Hedvig Mollestad Trio Klavier, Saxophon oder Trompete nicht auftauchen. Stattdessen: Gitarre, Schlagzeug, (Kontra-) Bass und Songs, die gerne mal die Melvins beschwören (Blood Witch). Jazz ist hier also in erster Linie Rock und keine Kammermusik. Mollestad lässt ihre Gitarre dabei unablässig und vom Overdrive getrieben jaulen, tänzelt die Skalen auf und ab, rifft sich durch die halsbrecherischsten Soli und spielt dennoch geerdet mit dem satten Groove von Schlagzeug und Bass. Nach arbeitsreichenJahren (solo, mit Weejuns, Soundtracks und Auftragsarbeiten) verspürte Mollestad den starken Drang, zum Kern zurückzukehren, der immer das Trio war, mit dem alles 2011 und dem starken Debütalbum Shoot! begann. Die Aufregung war groß, als es ins Studio ging, und da ein Großteil der Musik recht kompliziert ist, mit vielen kleinen Variationen und langen Strukturen, waren die Studio-Sessions extrem fokussiert und konzentriert. Hedvig betont, dass das Hauptziel des Trios darin besteht, immer Spaß zu haben, ob im Studio oder auf der Bühne, und diese Freude mit den Zuhörern zu teilen. Beim Hören von Bees In The Bonnet wird deutlich, wie sehr das Trio es vermisst hat, gemeinsam neue Musik zu machen, und dass sie sowohl als Songschreiber als auch als Musiker sehr gut sind. Frontfrau Hedvig Mollestad präsentiert sich hier nicht nur als Riffmeisterin, sondern auch als Sologitarristin, die den bereits angestellten Vergleichen mit Tony Iommi und Jimmy Page mehr als gerecht wird.

Recorded live in 1961, this album by the Horace Silver Quintet captures all the energy and groove of hard bop. Driven by Silver’s percussive and melodic piano, the quintet—featuring Blue Mitchell on trumpet and Junior Cook on tenor saxophone—delivers intense and spirited performances. Tracks like Filthy McNasty and Doin’ the Thing showcase remarkable musical chemistry, supported by a solid rhythm section provided by Gene Taylor and Roy Brooks.

Bob Moog’s invention of the analog Moog synthesizer ignited an explosion of creativity across the music spectrum. On the classical side, there was Isao Tomita and Wendy Carlos; on the more avant-garde side, such artists as Mort Garson and Craig Leon used the new technology to explore the limits of sound production while rockers like Keith Emerson incorporated the technology into their music. And, of course, there was also a silly pop side to the synth mania, or “moogsploitation” as some wags put it; albums by The Moog Machine, The Happy Moog, and other similarly-entitled acts provide good examples of that. But the one man straddling all these camps was Gershon Kingsley. Kingsley studied with John Cage before making a pair of groundbreaking albums with fellow electronic music pioneer Jean-Jacques Perry (their “Baroque Hoedown” was the theme for the Main Street Electrical Parade attractions in Walt Disney theme parks). Kingsley then embarked on a solo career and scored an instant hit with this album, 1968’s Music to Moog By, and its signature track, “Pop Corn.” “Popcorn” (one word) became an international smash for Hot Butter four years later, but Music to Moog By also caught consumer ears with its blend of originals, classical, and especially versions of Beatles tunes (though you will have to excuse the egregious misspelling of “Paperback Writer” as “Paperback Rider”)! Ever in pursuit of pop music’s most eccentric manifestations, we at Real Gone are proud to reissue Music to Moog By for the first time in the U.S., complete with the 8-page “The Book of Moog” that was inside some original copies. Strawberry with black swirl pressing limited to 900 copies!

Mit 'Never/Know' melden sich The Kooks eindrucksvoll zurück - authentischer, energiegeladener und eingängiger denn je. Nach 18 Jahren Bandgeschichte und einem radikalen kreativen Neuanfang besinnt sich die britische Erfolgsband auf das, was sie am besten kann: großartige Songs mit Hymnenpotenzial, zwischen Indie-Nostalgie und neu entfachtem Selbstbewusstsein.

Das siebte Studioalbum überzeugt mit einer Mischung aus Spontaneität, Gefühl und klassischem Pop-Appeal - getragen von der Vision, „Liebe und Freude durch gut gespielte, gut geschriebene Musik“ zu transportieren. 'Never/Know' ist ein moderner Klassiker in bester The-Kooks-Manier - ein Muss für Fans und Neuentdecker gleichermaßen.

Aufgenommen in einem kreativen Ausnahmezustand voller Leichtigkeit, Experimentierfreude und kindlicher Spiellust, fangen The Kooks auf 'Never/Know' das ein, was sie einst so besonders machte - und gehen dabei gleichzeitig den nächsten Schritt. Kein glattpolierter Pop, sondern echte Emotion, verpackt in Songs, die sofort ins Ohr gehen.

Mit 'Never/Know' melden sich The Kooks eindrucksvoll zurück - authentischer, energiegeladener und eingängiger denn je. Nach 18 Jahren Bandgeschichte und einem radikalen kreativen Neuanfang besinnt sich die britische Erfolgsband auf das, was sie am besten kann: großartige Songs mit Hymnenpotenzial, zwischen Indie-Nostalgie und neu entfachtem Selbstbewusstsein.

Das siebte Studioalbum überzeugt mit einer Mischung aus Spontaneität, Gefühl und klassischem Pop-Appeal - getragen von der Vision, „Liebe und Freude durch gut gespielte, gut geschriebene Musik“ zu transportieren. 'Never/Know' ist ein moderner Klassiker in bester The-Kooks-Manier - ein Muss für Fans und Neuentdecker gleichermaßen.

Aufgenommen in einem kreativen Ausnahmezustand voller Leichtigkeit, Experimentierfreude und kindlicher Spiellust, fangen The Kooks auf 'Never/Know' das ein, was sie einst so besonders machte - und gehen dabei gleichzeitig den nächsten Schritt. Kein glattpolierter Pop, sondern echte Emotion, verpackt in Songs, die sofort ins Ohr gehen.

Ground-breaking afro-rock and jazz with Memphis soul roots on this lost 1972 gem. Lovingly restored and reissued by Matsuli Music


'Black Soul' from 1972 is the third and last known album by The Anchors, a soul group originally formed in Johannesburg's Alexandra township in 1968. Their first two albums, 'Soul Upstairs' from 1969 and 'Everything' from 1971, were issued on Teal's City Special label alongside other prominent South African soul groups of the era like The Beaters, The Movers and The Flaming Souls.

On 'Black Soul', The Anchors undergo a notable shift, moving away from their early Memphis soul influences towards a pioneering African-driven sound. These changes laid the foundations for an emerging afro-fusion scene in the years to come from groups like Batsumi, The Drive and Harari.

'Black Soul' features a who's who of intergenerational musicians from great South African bands over the decades. In addition to Zacks Nkosi, the renowned bandleader of the Jazz Maniacs and long-time member of the African Swingsters in the 1940s and 50s, this album includes kwela star Little Kid Lex Hendricks, known for his Columbia recordings of the late 1950s; as well as Zack's son Jabu Nkosi who would go on to play with The Drive, Roots and Sakhile; and Banza Kgasoane later a member of The Beaters, Harari and then Mango Groove.

Now remastered for its first release since the original 1972 pressing, this lost gem offers a revealing glimpse into the evolution of South African music during a transformative era.

Zacks Nkosi (Sax), Patrick Jabu Nkosi (Organ and Flute), Anderson Nkosi (Lead Guitar), Given Sabela (Bass Guitar), Kid Lex Hendrix (Sax), Banza Kgasoane (Trumpet), Peter Morake (Drums), Hamilton Nzimande (Musical Director).
Original LP issued in South Africa on GRC’s CBS label (LAB 4037) in 1972.
Produced for reissue by Chris Albertyn and Matt Temple at Matsuli Music, and Siemon Allen at Flatinternational.
Original vinyl sourced from the Flatinternational Archive.
Artwork restoration and design by Siemon Allen.
Audio restoration, mastering and lacquers by Frank Merritt at The Carvery.
Manufactured at Pallas, Germany.

Carlos Santana ist der große musikalische Kollaborateur, der seinen einzigartigen Gitarrenstil und seine weitreichende musikalische Vision mit einer großen Vielfalt von Künstlern verbindet, um etwas Neues, Einzigartiges und Transzendentes zu schaffen. Santanas Vision für Sentient war es, seine jüngsten Kollaborationen aus einer neuen Perspektive zu betrachten und sie zu einer klanglichen Pilgerreise durch Jazz, Hip-Hop, Soul, Rock und lateinamerikanische Rhythmen zu verweben. Er hat die Songs nicht nur so arrangiert, dass sie seiner Vision entsprechen, sondern viele von ihnen auch neu interpretiert und einige Aspekte der Tracks verbessert, um ein kohärentes Hörerlebnis zu schaffen. Die Songs auf Sentient reichen von aktuellen Hits und Kollaborationen mit Superstars bis hin zu seltenen, unveröffentlichten und übersehenen Tracks, die Carlos in einem neuen Kontext präsentieren wollte. Das Ergebnis ist eine spirituelle Reise durch die unendlichen Möglichkeiten der Musik, geführt von Santanas kompromissloser Muse.

Emerging from the Minneapolis underground and heading straight towards the sky, IE arrive on Quindi with a full-length album of sparkling, sophisticated wonder. Touching on kosmische grandeur, Riley-esque cyclical patterns, lounge pop and dubbed out psychedelia, the five-piece allow their songs to unfurl with a natural, hypnotic elegance which can take many different forms.
There's a loose, live quality to the recordings IE's members commit to record, which reflects their steady presence gigging in Minneapolis and the surrounding area. Since putting out their first release in 2016, they've glided from drone and synth-led jam band ambience (2018's Pome) to strung out, stoner-tinted slowcore (on 2023's outstanding Junk Body). For Reverse Earth they strike a smoky note that wraps itself around your skull across extended run times that evolve with a meditative poise.
From the deceptively driving 4/4 thrum of the opening title track through 'Divination Bag's snaking tryptamine mantras on to 'Simplify's slow and smouldering indie-soul, IE's sound is bathed in a sumptuous warm glow that rounds out the lows and the mids, creating a nocturnal shroud in which their nebulous song structures can feel deliciously endless.
Meredith Gill's drums provide rolling and tumbling undercurrents for the slowly shifting phases of the instrumental players, as Michael Gallope and Travis Workman trade keyboard parts and Workman and Sam Molstad chop and pick at their six-strings. Atop the thrum of her bass, Mariel Oliviera's vocal adapts to the scenery, from a distant, dreamlike siren song on 'Reverse Earth' to a spoken word meditation on 'Babel'.
There's space in each track for every instrument to cut through and have its moment, from a spiralling key vamp to a chicken-scratch guitar flex. The gently twisting, head-feeding groove exercises of the first four tracks give way to a slow and powerful march on 'Dark Rome', closing the record on a noirish anti-ballad fit to peal out in the closing slot at Twin Peaks' Roadhouse (circa season three).
As much as the tracks teem with composition, musicianship, and production to savor, a sound like IE's has a soporific quality that soaks in unconsciously. It's an evocative portal where the band feel as if they could just play on each piece ad infinitum - where the time itself seems to dislodge from its moorings.

'Hand to Mouth' ist ein bewusster Umgang mit Raum und Zurückhaltung. Keeley Forsyth - Komponistin, Sängerin und Schauspielerin aus Oldham im Nordwesten Englands - und ihr langjähriger Kollaborateur Matthew Bourne schöpfen aus der Erfahrung, die sie in den letzten Jahren mit dem Zusammenspiel von Stimme und Harmonium gesammelt haben. 'Hand to Mouth' greift diese Sensibilität auf und verfeinert sie durch minimale, hypnotische Texturen und elliptische musikalische Strukturen.

Total Maniac ist von Herzen ein DIY-Projekt. Die ersten Songs entstanden im Laufe der Jahre von 2012 bis 2020, als die ersten Aufnahmen gemacht wurden. Alle Aufnahmen fanden im Beisein von Volker statt, der zwar den Prozess beendete, aber 2 Wochen nach der Aufnahme der letzten Phrasen verstarb.

Der Sound unterscheidet sich von den früheren WARHAMMER-Veröffentlichungen, indem er sich von den starken HELLHAMMER-Einflüssen zu einem eigenen, unverwechselbaren Sound entwickelt, aber dennoch seinen Ursprüngen treu bleibt.

Mit einer Coverversion von CRUDE SS und VELLOCET auf der Bonus-EP wird nicht nur die Sympathie, sondern auch der direkte Einfluss der Punk-Szene unterstrichen.

Total Maniac wurde 2022 ebenfalls in DIY-Manier von den verbliebenen WARHAMMER-Mitgliedern und Frederik Aderholz abgemischt und einem professionellen Mastering durch Obscured by Evil unterzogen.

- Weißes Vinyl, Inside out Druck mit Innenbedruckung, Einleger (offset Papier), schwarze polylined-innenhüllen, 180g vinyl

Total Maniac ist von Herzen ein DIY-Projekt. Die ersten Songs entstanden im Laufe der Jahre von 2012 bis 2020, als die ersten Aufnahmen gemacht wurden. Alle Aufnahmen fanden im Beisein von Volker statt, der zwar den Prozess beendete, aber 2 Wochen nach der Aufnahme der letzten Phrasen verstarb.

Der Sound unterscheidet sich von den früheren WARHAMMER-Veröffentlichungen, indem er sich von den starken HELLHAMMER-Einflüssen zu einem eigenen, unverwechselbaren Sound entwickelt, aber dennoch seinen Ursprüngen treu bleibt.

Mit einer Coverversion von CRUDE SS und VELLOCET auf der Bonus-EP wird nicht nur die Sympathie, sondern auch der direkte Einfluss der Punk-Szene unterstrichen.

Total Maniac wurde 2022 ebenfalls in DIY-Manier von den verbliebenen WARHAMMER-Mitgliedern und Frederik Aderholz abgemischt und einem professionellen Mastering durch Obscured by Evil unterzogen.

- Rotes Vinyl, Inside out Druck mit Innenbedruckung, Einleger (offset Papier), schwarze polylined-innenhüllen, 180g vinyl

Total Maniac ist von Herzen ein DIY-Projekt. Die ersten Songs entstanden im Laufe der Jahre von 2012 bis 2020, als die ersten Aufnahmen gemacht wurden. Alle Aufnahmen fanden im Beisein von Volker statt, der zwar den Prozess beendete, aber 2 Wochen nach der Aufnahme der letzten Phrasen verstarb.

Der Sound unterscheidet sich von den früheren WARHAMMER-Veröffentlichungen, indem er sich von den starken HELLHAMMER-Einflüssen zu einem eigenen, unverwechselbaren Sound entwickelt, aber dennoch seinen Ursprüngen treu bleibt.

Mit einer Coverversion von CRUDE SS und VELLOCET auf der Bonus-EP wird nicht nur die Sympathie, sondern auch der direkte Einfluss der Punk-Szene unterstrichen.

Total Maniac wurde 2022 ebenfalls in DIY-Manier von den verbliebenen WARHAMMER-Mitgliedern und Frederik Aderholz abgemischt und einem professionellen Mastering durch Obscured by Evil unterzogen.

- Rotes Vinyl, Inside out Druck mit Innenbedruckung, Einleger (offset Papier), schwarze polylined-innenhüllen, 180g vinyl

Izil Recordings, founded by Moroccan electronic music pioneer Amine K, is a platform dedicated to showcasing the depth and diversity of Morocco's underground scene. Named after the Berber word for "pure," the label stays true to its name embodying unfiltered artistic expression, blending rich cultural heritage with contemporary electronic innovation. Izil's debut release sets the tone for this vision, featuring a collaboration between Amine K and WAHM, alongside remixes from Rodriguez Jr. and Denis Horvat.
"Kill the Anger" introduces the label with a deep, pulsating energy, merging hypnotic rhythms with raw intensity to create a bold statement for Izil's sonic identity. Rodriguez Jr. elevates the track with a melodic, atmospheric touch, adding layers of emotive synths that transform it into an expansive and immersive experience. On the B-side, "Sundance" unfolds as a warm, flowing journey of organic textures and deep, rhythmic movement, capturing the essence of Moroccan influences within a contemporary electronic framework. Denis Horvat then reshapes it into a darker, driving rework, injecting moody synths and crisp percussion to craft a club-ready, high-energy take.
This release marks Izil Recordings' first venture, laying the groundwork for more forward-thinking, African centric music to come.



A1. WAHM X Amine K - Kill the Anger
"Kill the Anger" marks the launch of Izil Recordings, Amine K's new platform for Moroccan electronic music. A collaboration with WAHM, the track delivers deep, pulsating energy with an emotive intensity, setting the foundation for the label's sonic identity. It merges North African influences with forward-thinking underground sounds, offering a raw yet refined record.



A2. WAHM X Amine K - Kill the Anger Rodriguez Jr. Remix
Rodriguez Jr. takes on the "Kill the Anger" remix with his signature melodic approach, enriching the original with layered synths and atmospheric textures. His remix takes a more expansive, emotionally charged direction, transforming the track into a fluid, immersive soundscape. This fresh interpretation highlights Izil Recordings' commitment to artistic evolution and depth in electronic music.



B1. Amine K X WAHM - Sundance (Izil Recordings)
"Sundance" serves as the B-side, offering a deep, flowing rhythm infused with organic textures. The track's warm, evolving groove reflects Izil Recordings' vision-blending Moroccan heritage with contemporary electronic exploration. With its dynamic movement and rich tonal layers, "Sundance" delivers a hypnotic and transportive listening experience.



B2. Amine K X WAHM - Sundance Denis Horvat Remix
Denis Horvat reworks "Sundance" into a darker, more driving rendition, intensifying its momentum with crisp percussion and moody synth layers. His remix injects a brooding, high-energy edge, reshaping the track into a club-driven powerhouse. This take further showcases Izil Recordings' fusion of global electronic innovation with deep-rooted cultural influences.
Originals Written and produced by Amine K & WAHM
Vocals by Hicham Belahmer
Guitar by Walid De La Morsaliere
Additional Production and Mixing by Julian Ganzer at Studio Kreuzberg Berlin
Remixes written and produced by Rodriguez Junior & Denis Horvat
PIcture by Sandra Levigne
Artwork by Mose

Lisa Wilhelms neues Album SO CLOSE erscheint am 9. Mai 2025 bei BERTHOLD records und bringt eine spannende Weiterentwicklung ihrer Musik. In Zusammenarbeit mit Lukas Wögler (Saxophon), Moritz Langmaier (Klavier), Franz Blumenthal (Bass) und Lisa Wilhelm (Komposition und Schlagzeug) kombiniert sie lyrischen Jazz mit verträumten Pop-Klängen. Das Album erweitert das ursprüngliche Jazz-Quartett um Gesangseinlagen von Mareike Riegert, Nate Dailey und Nico-Alexander Wilhelm sowie ein Streichquartett. Wilhelms Kompositionen sind tief von persönlichen Erlebnissen und literarischen Entdeckungen inspiriert. Die Reise von SO CLOSE führt die Hörer durch intime Erinnerungen und emotionale Momente, die in Klänge übersetzt werden. Lieder wie "Change the Game", geschrieben für ihren Bruder, sprechen von den Herausforderungen von Druck und Erfolg, während "Four Voices" die inneren Kämpfe junger Frauen thematisiert. Mit SO CLOSE setzt Wilhelm mehr auf arrangierte Kompositionen, während sie ihre jazzigen Wurzeln und improvisierten Elemente beibehält. Die Klanglandschaften des Albums, inspiriert von unerwarteten Begegnungen und Geschichten, bieten eine tiefgründige emotionale Reise, die Pop, Folk und Jazz vereint. SO CLOSE stellt Lisa Wilhelm als Komponistin und Schlagzeugerin auf ein neues kreatives Niveau und verspricht ein berührendes und vielschichtiges Hörerlebnis.

Mit „Stärker“ setzt der erfolgreiche Sänger und Musiker einen weiteren Höhepunkt in seiner Karriere und zeigt sich in musikalischer wie auch persönlicher Hinsicht von seiner stärksten Seite. Der Titel des Albums, "Stärker," spiegelt die persönliche Entwicklung und die tiefe Resilienz wider, die der Künstler in den letzten Jahren erfahren hat. Fans können sich auf eine Mischung aus eingängigen Popmelodien, tiefgründigen Texten und kraftvollen Botschaften, aber auch auf emotionale Balladen freuen, die sowohl zum Tanzen als auch zum Nachdenken anregen. Ein Großteil des Albums wurde auch diesmal von Christian Geller produziert, aber zum ersten Mal hat Eloy auch andere Produzenten ins Boot geholt. Die Kölner Erfolgsproduzenten Weiß und Straßer, die auch u.a. bereits mit Andrea Berg zusammengearbeitet haben, haben auch vier Songs auf „Stärker“ produziert.

After more than two decades of captivating fans with their signature harmonies and timeless love songs, 98 Degrees returns with Full Circle, an album that marks a new chapter in the group's storied career. This highly anticipated release features five brand new tracks that showcase the evolution of the band’s sound, while still staying true to the essence that made them icons of the '90s and 2000s. Collaborations with powerful vocalists Katrina Velarde and Janine Teñoso bring fresh, dynamic layers to the album, with each artist adding their unique touch to these modern pop-soul anthems. In addition to the new material, Full Circle includes five of 98 Degrees' classic hits, re-recorded and remastered for a new era. These beloved tracks have been given a polished, contemporary update, with richer instrumentation and renewed vocal energy, offering both longtime fans and new listeners a fresh experience of the band’s greatest hits.

From the soulful ballads to the infectious up-tempos, Full Circle perfectly blends the familiar smooth melodies that fans know and love with a more contemporary edge. The title Full Circle reflects the journey the group has taken—from their meteoric rise in the late '90s to their ongoing passion for making music together. With their signature harmonies stronger than ever, Full Circle is a testament to 98 Degrees' enduring legacy and their commitment to creating music that resonates across generations.

A forgotten tale, long buried beneath the snows of time, is about to be retold. “Midvintersagor” (‘Midwinter Sagas’) is the first music ever composed by Örnatorpet, a landmark in both personal and artistic discovery. Originally self-released in a small cassette run, this unaltered reissue allows listeners to experience the album exactly as it was conceived – pure, unrefined, and brimming with the wonder of creation.

At its core, “Midvintersagor” is a soundtrack to an unwritten legend. Each track weaves a narrative steeped in medieval fantasy, channelling the essence of forgotten folklore and the grandeur of winter’s stillness. Inspired by the interludes and atmospheric passages of 90s black metal, Örnatorpet sought to craft an instrumental world as evocative as the landscapes of his native Sweden.

Since its inception in 2018, Örnatorpet has become one of the foremost torchbearers of dungeon synth. With no formal musical training, he followed only instinct and inspiration, carving out a path that has since led him to the forefront of the genre. “Midvintersagor” is where that journey began – an unpolished gem gleaming with the spirit of discovery, now unearthed for a new audience to behold.

A Night at Birdland Volume 2 continues the energy of the first volume, capturing the essence of hard bop in its emergence. Recorded in 1954, it highlights the quintet led by Art Blakey, featuring Clifford Brown, Lou Donaldson, Horace Silver, and Curly Russell. This second volume delivers vibrant performances such as “Wee-Dot” and “Quicksilver”, where Brown and Silver’s virtuosity particularly shines. Blakey, through his rhythmic power, drives each track with unmatched intensity, foreshadowing the spirit of the Jazz Messengers.

The Bottle Rockets’ 1994 record The Brooklyn Side ranks right up there with Uncle Tupelo’s Anodyne in the pantheon of alt country albums…yet it has NEVER seen a widespread release on vinyl. We hooked up with original producer Eric “Roscoe” Ambel and mastering engineer Scott Hull to score the original tapes and create an all-analog release of this legendary record…but we didn’t stop there. We’ve also added six bonus tracks to flesh out this 2-LP Expanded Edition, winding up with the track that started it all, Brian Henneman’s “Indianapolis.” Reissued with the full consent and cooperation of the band!

Die beliebte New Yorker Rockband Sunflower Bean meldet sich neu belebt mit ihrem vierten Album zurück. In Eigenregie produziert, von Caesar Edmunds (The Killers, Wet Leg) gemischt und von Sarah Tudzin (Illuminati Hotties, Boygenius) engineert, liess sich die Band von Alternative Rock, verträumter Psychedelia und Arena-Ehrgeiz inspirieren, um mit "Mortal Primetime" das härteste und verletzlichste Album ihrer Karriere zu liefern. Die Songs sind ungeschminkt und offen, Dissonanz und Unsicherheit werden akzeptiert. Sunflower Beans breite Palette von Einflüssen würden die meisten Bands nicht wagen, in einem Satz zusammenzufassen, und diese Kühnheit hat sie undefinierbar gemacht. Der Power-Pop-Opener "Champagne Taste" kanalisiert Iggy Pops "The Idiot"-Phase, "Look What You've Done To Me" beschwört den beunruhigenden Wahnsinn und die Launenhaftigkeit von Kate Bush, und die hochfliegenden Powercords auf "Nothing Romantic" erinnern an Arena-taugliche 70/80er Hits von Heart, Pat Benatar und Joan Jett. "Manchmal denke ich, diese Platte ist wie eine Mischung aus Belle And Sebastian und Alice In Chains", sagt Frontfrau Julia Cumming.

The latest release in a new series from alt. folk trailblazers The Owl Service, 'Black Chapel Music part 3' sees the Essex-based collective once again drag traditional folk music into pastures new. On these two recordings The Owl Service venture into a kind of eighties goth/dream pop sound, heavy on airy synths, vintage drum machines, and modulated guitar tones.

The A side is a new take on a traditional folk ballad collected in their native Essex, while the AA side fuses original lyrics by late, great Brit-folk legend Peter Bellamy, set to music by the late and equally great German performance artist Klaus Nomi.

Guest vocalist Liz Overs (East Sussex-based folk singer formerly of Chalk Horse Music & Pocket Size) has just released her debut solo album 'Nightjar', recorded with guitarist Neill MacColl, which has received glowing reviews in Mojo, The Guardian and Americana UK among others, plus radio support from Mark Radcliffe (BBC Radio 2 Folk Show).

Standard weight black vinyl 7” in die-cut sleeve with postcard insert. 300 copies for the World.

Die Jazzwelt darf sich freuen, dass Blue Note Records das außergewöhnliche Talent von Trompeter Brandon Woody erkannt hat. Der junge, in Baltimore geborene und ansässige Künstler hat in den letzten Jahren in der US-Jazzwelt aufhorchen lassen. „Brandon ist einer der seltenen Künstler, der sowohl eine lebendige Vision als auch die Fähigkeit und das Wissen besitzt, diese umzusetzen“, sagt Blue-NotePräsident Don Was.

Der vielseitige Musiker hat trotz seiner jungen Jahre bereits einen ganz individuellen Sound zwischen Modern Jazz und souligen Elementen entwickelt, der an seinen großen Kollegen Freddie Hubbard erinnert. Um sich herum hat er eine herausragende Band versammelt und für sein Debütalbum sechs mitreißende Eigenkompositionen aufgenommen. „For The Love Of It All“ bezeichnet er als Hommage an die Kraft der Liebe. Die Besetzung besteht aus Troy Long (Klavier, Orgel, Rhodes, Keyboards), Quincy Phillips (Schlagzeug) und Michael Saunders (Bass), sowie den Special Guests Imani Grace (Gesang) und Vittorio Stropoli (Aux-Synthesizer).

Die Band The Head And The Heart aus Seattle existiert seit 2009 und hat sich eine große Fangemeinde mit Songs zwischen melodischem Folk-Rock und Independent Music erarbeitet. In den USA und Kanada haben sie bislang 4 x Gold- und 11 x Platin erhalten.

Die Songs von The Head And The Heart sind eingängig, aber niemals banal, ihre Lyrics über wirkliche Menschen und Gefühle treffen ins Schwarze.

Nach sieben Alben und Jahren ermüdender Studio- und Live-Arbeit hatte sich die Band nach ihrem letzten Album 2022 eine kreative Pause verordnet. Mit neuer Frische, großartigen Songs und zum ersten Mal auf dem Verve-Forecast-Label starten sie jetzt mit dem achten Album „Aperture“ neu durch.

Timbeau bezeichnet seine Musik schlicht als Pop - und meint damit seinen ganz eigenen Mix aus Synthpop, Neuer Deutscher Welle und Indie-Postpunk mit Discoeinflüssen. Als Multiinstrumentalist erschafft er intime und authentische Songs, die sich auf humorvolle und zugängliche Weise mit schweren Themen wie mentaler Gesundheit oder kritischer Männlichkeit auseinandersetzen. Seine Texte sind auf deutsch, wobei er es darauf anlegt, das Cringe-Gefühl der deutschen Sprache zu zelebrieren. Timbeau ist ein Grenzgänger, der großen Wert auf das Visuelle legt. Seinen Musikvideos ist das in der Liebe zum Detail deutlich anzumerken. Nach erster EP `Wundersam' in 2020 mauserte sich das Projekt Timbeau vom DIY-Bedroompop zur versierten Studioarbeit mit Bandintervention. Das Debutalbum `Sensitiv' ist nun da! In Der Stadt Havarie Brut Diorama Urlaub Jammertal Sensitiv Heute Nacht Melatonin Katamaran

TV Smith's first solo album reissued from the master tapes for the very first time. The Artwork has been professionally restored and packaged in deluxe gatefold gatefold sleeve with in depth liner notes by long-time fan and author Dave Thompson. Comes as a red vinyl pressing! January 1983 saw TV SMITH reunited with ex Advert Tim Cross and David Bowie's ex-guitarist Tim Renwick to record "Channel 5" in Wickham studios in Croydon. 3 weeks later the album was completed and scheduled for a June release. "War Fever" was earmarked as the first single but at the time the country was fighting a General Election with the card of the Falklands war victory played by the ruling Conservative Party, and as a result the single vanished without trace.

Space Drum Meditation’ first release on Paryìa dives deep into their artistic identity, blending tribal rhythms with hypnotic techno. Known for their ability to fuse ancient and modern soundscapes, the duo has developed a signature style, combining esoteric instruments with modern electronic elements to create an immersive genreblurring sound. This release embodies their signature style, balancing hypnotic textures and combining them with driving energy. Adding a new twist, the artist Blue Hour delivers a more fast and powerful techno remix, intensifying the rhythmic flow while staying true to the duo’s entrancing aesthetic.
Pushing their sonic vision forward, Space Drum Meditation once again showcase their ability to bridge fast and slow tempos, creating music that moves both — body and mind. For the first time, they step beyond their own label to release on Paryìa, marking their first debut- EP outside of their own Label.

From the smoky clubs of Harlem to vibrant orchestral jam sessions, this exclusive collection celebrates the voices that fused the soul of jazz with the visceral feeling of blues and gospel. Legendary artists such as Billie Holiday, Nina Simone, Sarah Vaughan, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, and many others come alive through their original recordings, carefully remastered to oer a rich and authentic listening experience.

Each "Green Star" vinyl is a window into an era of fervent creativity, fiery improvisations, and contagious rhythms. This collection is an unmissable treasure for audiophiles, experienced collectors, or newcomers eager to discover the roots of modern music. In "Green Star" branded records you can find: carefully remastered audio to rediscover the depth and dynamics of the original recordings, visually striking colored vinyl in iconic covers, an opportunity to own pieces of music history to start, enrich, or collect private discographies. "Green Star" – let yourself be transported by the magic of an unforgettable era.

Soul-Skasteady & Rocksteady Soulreggae von zwei neuen Bands: ARTE BELLA & THE FELLAS und TIGHTEN UP! Acht Instrumente, drei Sprachen, eine Liebe zur Musik: das sind ARTE BELLA & THE FELLAS Inspiriert durch ein musikalisches Spektrum von The Skatalites über Etta James bis hin zu Manu Chao ist die Berliner Band angetreten, um mit ihrer besonderen Soulful Ska Fusion eure Herzen zu erfreuen, eure Seelen zu trösten und natürlich eure Beine zum Tanzen zu bewegen. Respect the roots - enjoy the fruits! Wherever you are - let's do the Ska! - Mit dem Jahreswechsel 2021/22 erblickt die Band Tighten Up das Licht der Welt. Die sieben befreundete Musiker:innen aus Dresden und Berlin kennen sich schon seit vielen Jahren, gemeinsam waren und sind sie in den Bands Mola (Soul & Funk) und Yellow Cap (Ska & Rocksteady) aktiv. Der enthusiastische Yellow Cap Sänger überzeugte die sechs anderen Musiker:innen von seiner Vision einer ,Early Reggae & Rocksteady" Band, die sich vorerst ausschließlich mit jamaikanischen und britischen Cover-Songs aus den 60er und 70er Jahren beschäftigt. Und es wird Zeit, dass Tighten Up mit ihrer extrem tanzbaren und energetischen Musik überzeugen darf und mit ihr eine längst vergessene Zeit wieder erwachen lässt. 300 Stück weltwweit, klassisch schwarzes 180gr Vinyl, handnummeriert.

Das vierte Album der US-Amerikanischen Post-Hardcore-Supergroup aus Gitarrist Mark Engles (Dredg), Drummer Chris Robyn (Far) und Sänger & Gitarrist Ben Flanagan (The Trophy Fire).

Anfang 2024 zogen sich Black Map nach Südkalifornien zurück, um 'Hex' mit Saosin-Gitarrist Beau Burchell als Produzent aufzunehmen. Die Band verfolgte eine klare, kollektive Vision, die sich von der weitläufigen, ätherischen Natur von 'Melodoria' zu einem dringlicheren und direkteren Sound entwickelte.

Sänger/Bassist Ben Flanagan beschreibt 'Hex' als ein Werk mit einem starken „let's f*cking go“-Geist, während Gitarrist Mark Engles die Balance zwischen atmosphärischen Elementen und treibender Intensität hervorhebt. Das Album fängt den unverkennbaren Stil der Band ein, mit Marks markanter Gitarrenarbeit, die stets präsent ist, und einem erneuten Fokus auf Unmittelbarkeit und roher Energie.

Für Ben steht 'Hex' für die tiefgreifende Wirkung von Musik, die Trost und Verbindung bietet. Schlagzeuger Chris Robyn fügt hinzu, dass das Album einen unaufhaltsamen Schwung hat, der mit Kraft und Absicht nach vorne drängt. Verwurzelt in Themen wie persönlicher Kampf, Authentizität und Widerstandsfähigkeit, ist 'Hex' die bisher kraftvollste und eindringlichste Veröffentlichung von Black Map.

2025 REPRESS!

* The debut album, 17 from the late musician, XXXTENTACION will be available for the first time ever on CD and LP formats.

* The album was a departure from the single that gained him noteriety, Look At Me!, and foreshadowing of what was to come. With a talent ahead of his time, and a life cut too short, XXXTENTACION's legacy will forever live on in physical form via these releases.

* The album, which is certified GOLD also features the 2x PLATINUM songs, Jocelyn Flores & Fuck Love, and also features deluxe packaging.

* Album features Trippie Redd

Tone Def were one of the original batch of artists to sign to Moving Shadow back in 1991, who brought there early demos into the studio with label head honcho Rob Playford, releasing 4 records on the label between 91-92. At the same time Rog from the band was also building speakers and installing club and free party sound systems. His skills were unchallenged and he soon went on to be one of the top speaker/system makers in the UK, if not the world with his company Void Acoustics.

But not all the band’s music from back then ended up on Moving Shadow … some of it was lost to ¼” tape and forgotten about until 2019 when Vinyl Fanatiks reached out to the band, being that we are all Bournemouth based. Rog dug out the tapes and went through them, finding many tracks which have been released on Vinyl Fanatiks and sister label Acid Boom.

This is the final chapter of the lost tapes – two tracks written in 1992, finally getting a release after 31 years!

Big Love for Big Music!

Das Debütalbum des britischen DJs, Produzenten und Multiinstrumentalisten Lawrence Hart.

Harts Stil verbindet seine technisch versierten Fähigkeiten mit emotionalen Vibes und Dancefloor-Treibstoff und schafft so einen Sound, der sowohl für den Club als auch für das Eintauchen in die eigenen vier Wände geeignet ist. Das 12-Track-Album ist emotional ein Garagenalbum, euphorisch und therapeutisch. Es ist eine Reise durch cineastische Melancholie, schwebende Synthies und Momente der Zerbrechlichkeit, gespickt mit Sprachsamples. Tech-Wizard Lawrence Hart, der allein schon durch seinen Großvater, den berühmten Computerpionier Geoff Tootill, eine wissenschaftliche DNA hat, wurde schon als Kind zum klassischen Musiker ausgebildet. Bereits mit 15 Jahren sprach er an einigen der renommiertesten Musikschulen New Yorks vor und studierte dann Jazztrompete am SUNY Purchase College bei berühmten VertreterInnen des Fachs. Er spielte an der Seite von Größen wie Bob Mover (einem ehemaligen Kollegen von Charlie Mingus und Chet Baker) auf den Bühnen der Jazzclubs New Yorks. Bald entdeckte Hart die elektronische Musik und das Clubbing für sich.Seine Fähigkeiten als Produzent entwickelte er während der Zusammenarbeit mit dem Double Six/Domino-Künstler George FitzGerald, mit dem ihn eine langjährige musikalische Beziehung verbindet. Bis heute hat Hart Solo-Singles, EPs und Remixe auf Hotflush, Attack Decay Sweet Release, LG105 und seinem eigenen Label SSEM veröffentlicht.

Mit seinem Debütalbum „maybe it’s fine.“ setzt Moncrieff einen Höhepunkt seiner zehnjährigen musikalischen Reise. In den 12 Songs spiegelt der irische Künstler seine Entwicklung wider – vom Teenager, der den Verlust seiner Geschwister verarbeitete, bis hin zum gefeierten Musiker von heute.

„Es war schwer, diese Reise in nur zwölf Songs zu fassen“, sagt Moncrieff. „Aber dieses Album erzählt von meinem Wachstum: Woher ich komme, wo ich bin und wohin ich gehe.“

Wer die 2022 erschienene Single „Warm“ liebt, wird die Emotionen in „Somebody’s Baby“, „Float“ und „Drive“ wiederfinden. Doch auch neue Seiten zeigt Moncrieff in „Hard Feelings“, dem Popsong „Shangri-La“ und dem R&B-Track „High For Free“, der an Joni Mitchell erinnert. Ein Album, das persönliche Geschichten auf einzigartige Weise erzählt.

An architect of acoustic spaces, Fedo doesn't explore genre boundaries - he bypasses them, carving his own path between the familiar and the unexpected. Here, minimalism is no longer a synonym for austerity but an art of precision.

Four tracks, four expressions of the same artist. Without losing their individuality, they come together as a seamless whole - like fragments of a single narrative.

Ist das noch Familie oder ist das schon ein Kult?

Mit ihrem dritten Studioalbum "FREAKS" erreicht die Karriere von DEINE COUSINE einen neuen Höhepunkt und zelebriert die Kraft der Gemeinschaft in einer Zeit, die uns immer wieder versucht auseinanderzureißen.

DEINE COUSINE alias Ina Bredehorn muss magnetisch sein, anders kann man es nicht erklären. Was vor einigen Jahren noch in schimmligen Clubs in den schlechten Ecken der Stadt stattfand, passiert heute in ein paar der größten Spielstätten des Landes. Und das alles aus eigener Kraft, ohne Majorlabel, Riesen Budgets oder mediale Überpräsenz. Mit unendlicher Power auf und abseits der Bühne zieht DEINE COUSINE immer mehr Familienmitglieder in ihren Bann, die mit "Freaks" ein Album randvoll mit neuen Hymnen geliefert bekommen.

Die neuen Songs behandeln kollektive Emotionen - mal im big picture, mal anhand von persönlichen Episoden erzählt - und vermitteln ohne Plattitüden ein Gefühl von Zusammengehörigkeit, das auf Geschlecht, Sexualität, Religion oder sonstige, verstaubte Rahmen scheisst. Laut Ina versammelt "Freaks" Songs über "mich, meine Leute und meine zehn Persönlichkeiten", und damit sind alle gemeint, die mit offenem Herzen und Toleranz durch die Welt gehen.

Das Album erscheint als farbige Vinyl (Re-Vinyl) im Gatefold

Für Superfans und Neugierige ist dies der von der Band kuratierte Einstiegspunkt und gleichzeitig das karriereumspannende Best-Of-Album der einzigartigen Rilo Kiley, die in den 2000er Jahren eine ganze Generation geprägt und den Indie-Rock nachhaltig geprägt haben. Nach langer Abwesenheit meldet sich das Quartett aus LA mit ausgestreckten Armen wieder zurück. "That's How We Choose To Remember It" umfasst all ihre Key-Songs, darunter "The Execution Of All Things" (2003), "The Moneymaker" (2007), "Silver Lining" (2007) und das durch die TV-Serie "Grey's Anatomy" populäre "Portions For Foxes" (2005). Die neue Sammlung feiert die Musik, die vielen von uns so am Herzen liegt. Auf Rilo Kiley, ihre Wiedervereinigung und die nächste Generation von Zuhörern, die diese Band genauso lieben werden wie wir.

- "The directness of Rilo Kiley’s storytelling aims straight for the heart." - Pitchfork

Nach Kollaborationen mit den DIRTY PROJECTORS in der Vergangenheit oder zuletzt als DECISIVE PINK für ihr gefeiertes Gemeinschaftsalbum mit KATE NV im letzten Jahr, stehen die Zeichen für DERADOORIAN jetzt wieder auf solo. Es ist bemerkenswert, dass "Ready For Heaven" von einer einzigen Person gemacht wurde. Das wiederholte Überarbeiten der Songs bis zu ihrer Fertigstellung ist ein mühsamer Prozess, der eine Energie und einen Raum geschaffen hat, in dem DERADOORIAN voll eintauchen konnte. "I love the production more than the songwriting. ... In fact, I don't even feel like a songwriter at times, I feel like someone who is just inspired by so much music. And I want to try it all out! Like Lizzy MercierDescloux, Mingus, or ESG and Silver Apples, or making weird krautrock and industrial music. I love dub, and Sly and Robbie. I love the productions of those records and the collective energies released by their creators in the studio. It's just a weird thing to do it by yourself!" "Ready For Heaven" handelt von der Gegenwart und beschäftigt sich mit der schrecklichen Natur der Welt um uns herum. DERADOORIAN dazu: "This album is partly about watching humanity erode. It's about mental struggle, and it's avowedly anti-capitalist. I mean; would we have all these identity labels we have to live by, if we didn't live in a capitalist world?" "Ready For Heaven" ist DERADOORIANs kühne und offenherzige Antwort auf die Welt, in der wir uns befinden, und die Musikerin nutzt jedes Quäntchen ihrer Reserven an Witz und Wissen, um eine Quelle des Trostes und der Erleichterung für den Hörer zu schaffen. Verpackt wird dies in wissbegierige Popsongs, die mit einer Leichtigkeit und einem scharfen Fokus gesegnet sind, und den Zuhörer in ihren Bann ziehen.

Nach Kollaborationen mit den DIRTY PROJECTORS in der Vergangenheit oder zuletzt als DECISIVE PINK für ihr gefeiertes Gemeinschaftsalbum mit KATE NV im letzten Jahr, stehen die Zeichen für DERADOORIAN jetzt wieder auf solo. Es ist bemerkenswert, dass "Ready For Heaven" von einer einzigen Person gemacht wurde. Das wiederholte Überarbeiten der Songs bis zu ihrer Fertigstellung ist ein mühsamer Prozess, der eine Energie und einen Raum geschaffen hat, in dem DERADOORIAN voll eintauchen konnte. "I love the production more than the songwriting. ... In fact, I don't even feel like a songwriter at times, I feel like someone who is just inspired by so much music. And I want to try it all out! Like Lizzy MercierDescloux, Mingus, or ESG and Silver Apples, or making weird krautrock and industrial music. I love dub, and Sly and Robbie. I love the productions of those records and the collective energies released by their creators in the studio. It's just a weird thing to do it by yourself!" "Ready For Heaven" handelt von der Gegenwart und beschäftigt sich mit der schrecklichen Natur der Welt um uns herum. DERADOORIAN dazu: "This album is partly about watching humanity erode. It's about mental struggle, and it's avowedly anti-capitalist. I mean; would we have all these identity labels we have to live by, if we didn't live in a capitalist world?" "Ready For Heaven" ist DERADOORIANs kühne und offenherzige Antwort auf die Welt, in der wir uns befinden, und die Musikerin nutzt jedes Quäntchen ihrer Reserven an Witz und Wissen, um eine Quelle des Trostes und der Erleichterung für den Hörer zu schaffen. Verpackt wird dies in wissbegierige Popsongs, die mit einer Leichtigkeit und einem scharfen Fokus gesegnet sind, und den Zuhörer in ihren Bann ziehen.

Five Five is the second studio album from the Miami-born underground rap pioneer, Pouya. Marking a slight transition into a more mature sound, Five Five showcases Pouya’s evolution as an artist while maintaining the raw authenticity that has endeared him to his fans. With tracks like "Suicidal Thoughts in the Back of the Cadillac Pt. 2" and "Handshakes," Pouya delves into themes of struggle, resilience, and personal growth, offering listeners a glimpse into his journey. In what became truly a solo effort, Five Five is limited to one feature in Night Lovell, with production primarily handled by Mikey The Magician (Track 4 produced by Chevali). The album draws from elements of Bone Thugs-N-Harmony, yet remains uniquely rooted in Pouya’s own style. Over the years, Pouya has developed a long lasting core fanbase, first bubbling up in Miami alongside artists such as Denzel Curry, and then becoming a nationally celebrated artist. Back in print for the first time since originally released in 2018. Pressed on Wire Wheel Picture Disc Vinyl and cut at 45 RPM.

Der britische Jazz-Produzent Daylight Robbery kehrt mit seinem neuen Album Third Island Suite (auch bekannt als Third Eye Land) zurück, das über Melting Pot Music auf LP und digital veröffentlicht wird. Eine fesselnde Fusion aus Spiritual Jazz, Fusion und Hip-Hop, die in Zusammenarbeit mit dem renommierten New Yorker Pianisten Nick Marks entstand.

Als Nachfolger seines Debütalbums Moons of Jupiter aus dem Jahr 2022 lässt sich Third Island Suite von John Fowles’ metafiktionalem Klassiker The Magus inspirieren und erkundet klanglich eine Welt psychologischer Illusionen und meisterhafter Täuschungen. Das Artwork hat der Kölner Illustrator Jens Roth entworfen.

Es ist ein unwahrscheinlicher Eindruck, den Xmal Deutschland in den frühen Achtzigern nicht nur auf das hiesige, sondern auch auf ihr britisches Publikum gemacht haben. Es war wie gebannt von den unvermittelten Stakkato-Rhythmen, der mysteriösen (also: deutschen) Sprache und der Kraft und Vision der beteiligten Musikerinnen. 40 Jahre später, genauer am 9. Mai 2025, erscheint nun "Gift: The 4AD Years", mit dem das Londoner Label die Jahre 1983/1984 wieder aufleben lässt. Die 3xLP führt das fiebrige "Fetisch", das mächtige "Tocsin" und die korrespondierenden EP-Tracks zu einem Ganzen zusammen, das pulsiert vor Energie und Haltung. Enthalten sind auch die Bandklassiker "Incubus Succubus II" und "Qual". Das Coverartwork mit einer Fotoarbeit von Peter Schulte wurde auf Grundlage von 23 Envelope-Originalarbeiten von Timothy O"Donnell designt. Es kommt begleitend zu den originalen Sleeve-Fotografien von Nigel Grierson. Hinzu kommt ein Fotobuch mit Bildern von Kevin Cummins, Paul Slattery, Sheila Rock und weiteren sowie einem Text von Chris Roberts. "Gift: The 4AD Years" erscheint am 9 Mai digital, auf Doppel-CD sowie als 3xLP auf transparentem, rotem Vinyl sowie exklusiv in Deutschland als Crystal Clear Vinyl.

3xLP Boxset mit den remasterten 4AD-Alben Fetisch und Tocsin und den EPs Incubus Succubus II und Qual Es ist ein unwahrscheinlicher Eindruck, den Xmal Deutschland in den frühen Achtzigern nicht nur auf das hiesige, sondern auch auf ihr britisches Publikum gemacht haben. Es war wie gebannt von den unvermittelten Stakkato-Rhythmen, der mysteriösen (also: deutschen) Sprache und der Kraft und Vision der beteiligten Musikerinnen. 40 Jahre später, genauer am 9. Mai 2025, erscheint nun "Gift: The 4AD Years", mit dem das Londoner Label die Jahre 1983/1984 wieder aufleben lässt. Die 3xLP führt das fiebrige "Fetisch", das mächtige "Tocsin" und die korrespondierenden EP-Tracks zu einem Ganzen zusammen, das pulsiert vor Energie und Haltung. Enthalten sind auch die Bandklassiker "Incubus Succubus II" und "Qual". Das Coverartwork mit einer Fotoarbeit von Peter Schulte wurde auf Grundlage von 23 Envelope-Originalarbeiten von Timothy O"Donnell designt. Es kommt begleitend zu den originalen Sleeve-Fotografien von Nigel Grierson. Hinzu kommt ein Fotobuch mit Bildern von Kevin Cummins, Paul Slattery, Sheila Rock und weiteren sowie einem Text von Chris Roberts. "Gift: The 4AD Years" erscheint am 9 Mai digital, auf Doppel-CD sowie als 3xLP auf transparentem, rotem Vinyl sowie exklusiv in Deutschland als Crystal Clear Vinyl.

Die Progressive-Pioniere von Haken haben das Jahr 2024 damit verbracht, ihr jüngstes, hochgelobtes Studioalbum "Fauna" im Rahmen ihrer "An Evening With"-Tour rund um die Welt ausgiebig zu feiern. Die Band spielte zwei komplette Sets pro Abend und präsentierte "Fauna" in seiner Gesamtheit, bevor sie auf die Bühne zurückkehrte, um eine Auswahl der beliebtesten Songs aus ihrem Katalog zu spielen. Am 21. September 2024 spielte die Band im legendären Londoner O2 Forum, und die Dokumentation dieses besonderen Abends ist auf "Liveforms" zu finden. Die limitierte 3CD+Blu-ray-Edition fängt den Abend in voller Audio- und Videoqualität ein und enthält als Bonus bisher unveröffentlichtes Interviewmaterial mit der Band, die auf ihre glorreiche Karriere zurückblickt. Die 2LP-Edition im Klappcover enthält das komplette "Fauna"-Live-Set. Beide Formate enthalten ein atemberau-bendes Artwork von Dan Goldsworthy, der bereits das Cover von "Fauna" gestaltet hat.)

Keith Hudson’s Nuh Skin Up Dub is a deep, heavyweight dub album that stands as one of the most potent statements in the genre’s history. Released in 1979, this sonic masterpiece showcases Hudson’s signature dark, almost mystical production style, where heavy basslines, echo-drenched drums, and ghostly fragments of vocals swirl together in a hypnotic haze. Unlike the more polished, accessible dub records of the time, Nuh Skin Up Dub is raw, unfiltered, and experimental, pushing the boundaries of rhythm and space. Tracks like "Nuh Skin Up" and "Felt We Felt the Strain" pulse with an eerie, almost menacing energy, while Hudson’s masterful use of reverb and delay creates a soundscape that feels simultaneously expansive and claustrophobic. Often referred to as the “Dark Prince of Reggae,” Hudson had an uncanny ability to craft music that was both deeply meditative and unsettling, and Nuh Skin Up Dub is a prime example of his genius. It's a record that rewards deep listening—every spin reveals new layers of sonic detail, hidden textures, and dub wizardry. For fans of heavy, atmospheric dub, Nuh Skin Up Dub is an essential listen, a landmark recording that solidifies Keith Hudson’s status as one of the most visionary figures in reggae history.

Neon Pink Vinyl. For their tenth LP in a career spanning more than two decades, Tulsa's Unwed Sailor deliver their heaviest riffs, loudest squalls, and most deeply textured arrangements yet. Cruel Entertainment is a catalogue of contrasts - dissonance and harmony, hardcore crunch and post-rock grandeur, complexity and catchiness - that adds a vibrant new dimension to the second phase of their discography, spanning thus far from 2019's landmark Heavy Age up to the "vivid, starry-eyed psychedelia" (AllMusic) of 2024's Underwater Over There. Opener and lead single, "Rock Candy", roars in with a gale of feedback, pounding drums, and nimble bass, until a latticework of howling guitars ushers us into a more goth-tinged space. It's a characteristically intricate, energetic composition that flows with remarkable ease between its parts, and wastes not a moment of its three minutes. "Monster Collecting" brings a rare combination of melancholic and driving energy, reminiscent of avowed heroes New Order, but ups the ante with a tight, fastpaced rhythm section and litany of guitar lines, until opening up into a cascade of reverberating textures and tenuous sweetness. According to Ford, the title Cruel Entertainment refers to "the hardships of being an artist and musician in the crowded, imbalanced world of social media and streaming," where the completion of a new work demands that the creator also be a promoter, content strategist, and agent, among many other intensifying challenges. Pointedly drawing inspiration from noisier, rowdier bands - including Fugazi, Quicksand, and Cherubs - here they seek a much-needed catharsis in the ongoing fight to keep the creative soul intact. Second side standout, "Monty Donahue", typifies this form of release, as massive, mid-tempo percussion leads a fluid low end theme - inspired by the dual bass assault of Dianogah - and Swatzell's chords burst into shimmering nebulas across a labyrinthine arrangement that's equally loud and beautiful. Title track, "Cruel Entertainment", is a mosaic of sound for which Ford's bass provides the mortar: taut drums list between the channels, washes of guitar stretch to the horizon, and metallic heaviness punctuates the drift. There is a confident immensity here, proving that, although Unwed Sailor have witnessed a wild amount of changes in the music industry, their knack for creating complex, vital, and masterfully produced work remains untouched.

Ein dynamisches und erhabenes Werk voller Emotionen und Sensibilität, "From Where You Came" als eine Reihe nächtlicher Übertragungen, altertümlicher Verfeinerungen und lebendiger Geschichten, die reich an erhellenden Qualitäten sind. Die Kombination von programmatischer Musik des 19. Jahrhunderts mit Jazz aus der Mitte der 70er Jahre und ihrem unverwechselbar farbenfrohen und mehrdimensionalen Kompositionsansatz, der die Improvisation einschließt, ermöglicht Coverdale die Synthese mit Live-Instrumenten in einer genrefreien, aber deutlich erkennbaren Geste der Wiederverbindung mit Land und Körper durch Klang zu verbinden. Sie betrachtet Komposition als diagnostische Methodik zu spirituellen Zwecken, leitet emotionale Resonanz wie Ladungsströme und verdrahtet das rein Gefühlte in elektronische Signale. Obwohl sie auf mehreren Kontinenten komponiert und aufgenommen hat, unter anderem im GRM Studio in Paris und dem Elektronmusikstudion EMS in Stockholm, wurde "From Where You Came" im ländlichen Ontario, Kanada, fertiggestellt. Mit Beiträgen der multidisziplinären Klangkünstlerin und Cellistin Anne Bourne und dem mit einem Grammy ausgezeichneten Posaunen-Wunderkind Kalia Vandever, enthalten die 11 ausgedehnten und doch verdichteten Kompositionen des Albums Streicher, Holzbläser, Blechbläser, Tasten, Software und modulare Synthese, die eine musikalische Sprache einschreiben, die Animationen mit ungefilterter, beeindruckender Klarheit wiedergibt. ,Alles kann eine Stimme haben", sagt sagt Coverdale. ,Für mich ist die Stimme mehr als nur menschlich." Passenderweise ist es die eigene Stimme der Künstlerin die sich im einhüllenden Schwellwerk des Albumauftakts in Luft auflöst: ,Everything you know is real", singt sie in ,Eternity`, "I'm sorry, life is beautiful." Als zwischen Animismus und Animalismus oszilliert, ist das folgende Album absolut voll von Leben in all seiner atemberaubenden Komplexität. Coverdale rechnet mit der Erfahrung von Trauer, Entwurzelung und dem Druck der totalen Freiheit und Unabhängigkeit ab, und beweist eine übernatürliche Fähigkeit, die Trübsal in höchst fantasievolle und inspirierende Fantasy-Epen aus Klang zu verwandeln.

To celebrate the 30th Anniversary of its release in 1995, Roadrunner Records is making available again the sixth album by legendary Florida metallers Death on vinyl.



“Symbolic” received widespread critical acclaim when it was originally released and has been regarded as one of the greatest death metal albums of all time.

Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen, vulgo DLDGG, 2012 aus den Ruinen der verblichenen Superpunk entstanden, bestechen auf ihren nun sieben regulären Alben (+einer Best Of) mit ihrer Version von Popmusik an der sie mit einer erfrischenden Sturheit festhalten. Beherzt setzen sie sich seitdem zwischen alle Stühle. Beseelt von der Idee des ursprünglichen Punk (Man muss kein Virtuose sein um tolle Musik zu machen), veröffentlichen sie seit Jahren großartige Popsongs, stark beeinflusst von den drei großen "M"s (Madness, Motown, Modern Lovers). Mit einer herzerfrischenden Kompromisslosigkeit Umarmen und Zementieren sie ihren Außenseiterstatus gleichermaßen. Auf Anbiederung an den Zeitgeist zwecks Erfolgsmaximierung haben sie entweder keine Lust oder, was auch sein kann, da haben sie einfach noch nicht drüber nachgedacht. Ziel der Liga war und ist es immer, dass jeder Albumtrack auch eine Single sein kann. Auf "Egg Benedict" haben sie es eigentlich geschafft. Erfrischend weit weg ist DLDGG vom zeitgenössischem Staatstheater- und Feuilletonrock welcher hierzulande so beliebt ist. Immer wenn ein neues Liga-Album erscheint ist es so, als würde in einer etwas vermufften Wohnung am ersten warmen Frühlingstag das Fenster geöffnet werden und eine herrlich leichte Brise weht herein. Toll, dass es sie gibt!

Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen, vulgo DLDGG, 2012 aus den Ruinen der verblichenen Superpunk entstanden, bestechen auf ihren nun sieben regulären Alben (+einer Best Of) mit ihrer Version von Popmusik an der sie mit einer erfrischenden Sturheit festhalten. Beherzt setzen sie sich seitdem zwischen alle Stühle. Beseelt von der Idee des ursprünglichen Punk (Man muss kein Virtuose sein um tolle Musik zu machen), veröffentlichen sie seit Jahren großartige Popsongs, stark beeinflusst von den drei großen "M"s (Madness, Motown, Modern Lovers). Mit einer herzerfrischenden Kompromisslosigkeit Umarmen und Zementieren sie ihren Außenseiterstatus gleichermaßen. Auf Anbiederung an den Zeitgeist zwecks Erfolgsmaximierung haben sie entweder keine Lust oder, was auch sein kann, da haben sie einfach noch nicht drüber nachgedacht. Ziel der Liga war und ist es immer, dass jeder Albumtrack auch eine Single sein kann. Auf "Egg Benedict" haben sie es eigentlich geschafft. Erfrischend weit weg ist DLDGG vom zeitgenössischem Staatstheater- und Feuilletonrock welcher hierzulande so beliebt ist. Immer wenn ein neues Liga-Album erscheint ist es so, als würde in einer etwas vermufften Wohnung am ersten warmen Frühlingstag das Fenster geöffnet werden und eine herrlich leichte Brise weht herein. Toll, dass es sie gibt!

Nach einigen Jahren Stille sind MORAST mit ihrem dritten Album FENTANYL zurück. Getragen von Trauer, Verlust und dem Abgrund des emotionalen Schmerzes, haben sie es geschafft, diese Energie in eine feierliche Auferstehung zu verwandeln. Ihr Drang, eine düstere und unheimliche Atmosphäre zu schaffen, ist immer noch vorhanden, aber dieses Mal scheint ihr Ansatz aggressiver, ekstatischer und roher zu sein. Eine sechs Songs umfassende Reise in die düstersten Ecken der menschlichen Existenz. Ein Monolith aus Abscheu und Dreck.

"FURIE" ist Musik. Freude. Gegenwart und Avantgarde. Im Mai 2025 löst Alicia Edelweiss mit ihren zweiten Studio-Album "FURIE" das Versprechen ein, das ihr sechs Jahre zuvor erschienenes Debut-Album gab: der Pop-Landschaft etwas tatsächlich Neues und ehrlich Interessantes hinzufügen. "FURIE" enthält 8 Songs von heute sehr selten gewordener Länge. Sie haben ausreichend Raum und Zeit, um ihre eigenen kleinen Panoramen zu entfalten - die Künstlerin selber vergleicht sie mit Kurzfilmen, auf deren Handlungswendungen und Plot Twists man achten muss. Es sei gar nicht ihre Entscheidung, die Songs so lang zu machen, erzählt sie, sondern sie nicht zu kürzen. Für deren Länge und Konsequenz nutzt die Künstlerin das Wort Integrität. Was für ein wunderschöner Anspruch an die eigene Musik. Daher ist "FURIE" auch ein Album im fast altmodischen, im engsten, Sinne: Was einem heute wirklich sehr selten begegnet und was es zu einer echten Ausnahme macht, ist, dass wir tatsächlich vor gleichberechtigten und gleichermaßen qualitätvollen Songs stehen. Diese Stücke sind, da darf man das Wort Pop nicht falsch verstehen, nie vorhersehbar, niemals nur geschrieben - sie sind erdichtet, erdacht und komponiert. Zuweilen erkämpft. Das freilich, merkt man ihnen nicht an. Die Musikerin hat das Heavy Lifting übernommen - wir bekommen den Schwebezustand. Dieser gestaltet sich vor allem über Klang, Sound und Melodie, die als vielschichtige, komplexe Stimmungsträger funktionieren. Instrumentiert ist "FURIE" ungewöhnlich reich - mit Gitarre, Drums, Klavier, Akkordeon, vor allem mit Streichern, mit Tierstimmen, Geräuschen, Synthesizern, Glocken, Trompeten... für ein Lied ist der eigene Gesang unter Wasser aufgenommen worden. Es ist ein groß dekoriertes Album geworden. Es ist Verletzlichkeit und Maximalismus; im Ergebnis komplexer als das vorangegangene Debut. FURIE strebt nach Exzellenz. Gerade dort, wo das Schöne in dem Risiko liegt, nicht perfekt zu sein, sondern richtig.

Warsaw's finest producer of soulful Drum & Bass/Jungle, Kampinos is back on GAMM with a truly amazing 3-track EP...

The opening track 'Good Looking Pepe' will def turn some heads with an atmospheric yet jazzy Drum & Bass version of Pepe Bradock's classic deep house anthem 'Deep Burnt'.
Very old school Bukem / Good Looking Records, hence the title ;)

Turn the plastic over and Kampinos delivers a massive Gospel/Jungle anthem entitled 'Joi'. Big (!) gospel vocals, dirty amen drums and some serious breakdowns...peak time massive!!

Last but def not least we go deeper with a supa soulful D & B take on one of our favourite Little Simz tunes entitled 'See You Glow'.

Europe's first lady of House is back on Heist with a massive new EP and a Demi Riquísimo remix.

Cinthie’s 2023 Piano Heaven EP on Heist was a big release for both her and the label, getting tons of airplay and support from the likes of Pete Tong, Danny Howard, Chloe Caillet and Blessed Madonna. The Dam Swindle remix of ‘Won’t u take me’ that followed on that year’s Round Up is still among her top tracks on any platform. Cinthie now returns to Heist with an EP full of dancefloor weapons that range from classic grooving house to quirky rave.

With her frequent plays at renowned clubs all over the world, as well as spots in her Berlin back yard like Panorama bar, Cinthie has the ideal testing grounds for new peak-time material. And that’s exactly what the A1 ‘Deep inside love’ is: an epic peaktime weapon. With a stomping beat and signature uplifting keys, she serves up themes of classic 80s and 90s house music with a modern aesthetic. With that, Deep inside love has all the ingredients to become an instant Heist classic.

The A2 shows us Cinthie’s rave side, where we see her inspiration from the current dancefloor high octane energy. Or maybe it’s just her early rave days that are finally back in the limelight after her well received ‘Rave Baby’ release on Aus Music. Either way, ‘Higher’ is a fun tune with an infectious beat, classic rave stabs and a female vocal telling us to take her higher. We’re sure that this won’t be a problem, cause this track is built for those clubby highs.

‘Get up’ is a lovely organ-led track with long ethereal strings and dubby vocal chops. The breakdown deepens the mood with some heavy chords tuned in true house style before a free-flowing drum roll (crashes and claps included) catapult you into back into the full groove.

We asked close friend Demi Riquísimo, a man not unfamiliar with dancefloor wizardry himself as head honcho of Semi Delicious records, for a remix on ‘Higher’. His version is exactly what you’d expect from a class producer like him: it’s a breezy, effortless, mildly throwbacky and most definitely fun remix to conclude an EP that navigates through all kinds of moods with one clear goal in mind: Make people dance.

Enjoy the music and as always, play it loud!

Lars & Maarten

Kavrila sind zurück - kompromisslos und ungefiltert. "Heretics I", der erste Teil einer neuen EP-Trilogie, entstand spontan und ohne nachträgliche Bearbeitung. Vier Tracks, direkt auf Tascam aufgenommen, roh und ungeschönt, verleiht dieser direkte Sound der EP ihre ungezügelte Intensität. Zudem gibt es in der physischen Version - neben Intro und Outro - als Bonus einen weiteren Track aus den "Mor"-Sessions. Die Band setzt bewusst auf analoge Direktheit und eine rohe, ungeschönte Ästhetik. Während Drums und Bass live eingespielt wurden, fügte Gitarrist Andreas seine Parts später hinzu, ohne den Charakter des Albums zu verwässern. Gemischt und gemastert wurde "Heretics I" von Hauke Albrecht im Studio Altona in Hamburg - ein kompromissloses Statement echter, ungefilterter Intensität.

Berlin-based French-Irish multimedia artist Zoe Mc Pherson levels up on their third full-length "Pitch Blender", mangling years of experience DJing and performing live into a tight set of cybernetic soundsystem experiments that flicker between the rave and the art space.

Cast your mind back to February 2020 for a moment, when Mc Pherson released their last album "States of Fugue". The world seemed less tangled somehow, and yet Mc Pherson's precision-engineered fusion of exploratory sound design and visceral club pressure seemed to hint at a cataclysmic event none of us were really expecting. Only a few weeks after its release the world changed forever, and the majority of us were grounded - forced to consider our lives and the movement (or lack thereof) surrounding us. The philosophy of this extended time period is welded into the bones of "Pitch Blender", Mc Pherson's supple third album. They have learned plenty in the last two years, and infuse all of that anxiety and spiky emotionality into a spread of tracks that sound as powerful in headphones as they do over a well-tweaked soundsystem, soldering vocals, environmental recordings and instrumental flourishes to unpredictably pneumatic, cybernetic beats.

Anyone that's caught one of Mc Pherson's energetic live performances over the last few months will have an idea of what "Pitch Blender" is made of. They're an artist who's somehow able to match the raw energy of post-punk and no-wave music with the brain-altering potential of the best experimental club tracks, vocalizing an incongruous post-lockdown reality over beats that sound as if they're in a permanent state of flux. 'On Fire' splutters to life in a frenetic patter of drums that blur into oddly soothing hoover sounds, snaking lysergically towards a drop that's teased constantly, and never comes. We're forced to wait until 'The Spark' for that, fighting through choppy, pitch-mangled guitar and rolling beats until a gruesome kick drum forces its way through the psilocybin mists and heaving Bristol-inspired bass clonks. Backed up with just the inverted traces of recognizable breaks, this vigorous pulse lies at the heart of "Pitch Blender", the driving force that powers Mc Pherson's sound even when it's only hinted at.

'Blender' is the moment where Mc Pherson show their full hand, using crackling sound effects, ghost vocals and uneven rhythms to build a textural landscape that's so evocative you can almost taste it. Squealing modular synth effects sound like gameshow buzzers being triggered in another dimension and propel the track forward - it's club music, just about, but Mc Pherson's motivation is world-building, and their world is colorful, abstract, and dizzyingly surreal. "Obsolete user," their voice echoes over driving airlock kicks. But they take a swift left turn with 'Lamella', reducing the kinetic club rhythms to a longing simmer and letting loose with powerful vocals, intoning with robotic, gender-fluxed intensity. On 'Wait', New York City's clacking crosswalk signal - already an effective club track on its own - is transformed into a reminder to slow down, juxtaposed with booming sub-heavy kicks, acidic synths and effervescent percussion that rattles in time with the vibrations. It's foley rave, built for pure psychedelic intensity to blur the line between real life and sonic fiction.

One of the album's most galvanic tracks, 'Power Dynamics' curves a double-time rhythm around breathless HQ sound design squiggles until it hits a polyrhythmic crescendo, striking a queasy balance between rave hedonism and ritualistic hand drum energy. It all builds towards eerie closing track 'Outside' that acts as an important wind down, spotlighting Mc Pherson's ability to operate outside of the rhythmic spectrum, using cinematic scrapes and flickering neon synths to create music that's tense but never terrifying. The track feels like the end credits of a particularly bewildering movie - something between the cyberpunk dystopia of "Ghost in the Shell" and the vivid, sky-scraping beauty of "Koyaanisqatsi". Mc Pherson has managed something special with "Pitch Blender": mashing together genres with rare focus, and sharpening their engineering skills to a fine point, they've concocted an antidote to contemporary malaise - a wakeup call that's begging us to loosen our limbs and move.

Growing up is painful, brutal, and sometimes beautiful _ something Brooklyn-based indie-rock band Bedridden knows all too well. The band's name is even a nod to that ineffable period between childhood and the jagged edges of the real world. "When I was 21, I kind of lost my home," says frontman/guitarist Jack Riley. "I was couch-surfing. I was having a hard time.The next iteration in the band's maturation, then, is their debut, LP Moths Strapped To Eachother's Backs, 10 fuzzed-out (and sometimes gnarly) ruminations on dating, drugs, and survival out April 11 on Julia's War. The title came from a mysterious missive Riley received on astrology app Co-Star. "Last year I was way too reliant on other people _ my partner at the time, my friends," he says. "I was strapped to them in a weird way _ and flying in circles. This album is about that time."The current incarnation of Bedridden encompasses a patchwork of styles, influences, and friends Riley accumulated over the years. A Chicago native who first started making music at age five on a thrift-store guitar emblazoned with Kurt Cobain's name, Riley moved to New Orleans for college where he dabbled in punk before falling in love with shoegaze. There, he launched the first version of Bedridden. Sebastian Duzian (bass) _ a jazz musician and Pasadena native _ linked up with Riley in NOLA along with his bandmate, drummer Nick Pedroza. Pedroza, from Claremont, grew up on rock, metal, and jazz, honing his style after joining the band. Wesley Wolffe _ a guitarist fed on a steady diet of New Wave and `90s alt _ rounded out the crew just a few months back. Bedridden's previous lineup released their first EP, Amateur Heartthrob, in 2023 _ a noise-washed blend of shoegaze, DIY, and indie that Riley says is a "coming-of-age EP _ these formative stories about not having a bed, dating, being kind of a jackass. I was making fun of myself a lot." That release caught the attention of Douglas Dulgarian from Philly Label Julia's War (and TAGABOW), who signed them for Moths."Some of these songs have been around for years," says Riley, adding that they were recorded last February at Studio G Brooklyn; the album was produced by Aron Kobayashi Ritch (Momma). "As opposed to Amateur Heartthrob, we attempted to blend more clean guitars into a driving sound to capture more clarity _ one that also sounds live_ and raw," Riley says. That rawness thrums through the record, which kicks off with the thrashed "Gummy," about an incident when Riley had to gently fend off a co-worker's unwanted advances while both drunk and high on an MDMA gummy. And then there's mournful rager "Etch," which sees Riley daydreaming about beating up a meddler in his personal life _ in the minor key.The annihilating "Chainsaw" revs in next, a lightning-fast Lemonheads-inspired track that recalls Riley moving in with new roommates who were unnaturally obsessed with purchasing a lamp. "For some reason that pissed me off," he laughs; that rage is evident in the album cover, which shows said power tool demolishing a lampshade. Heavy-shredding "Heaven's Leg" showcases the band's affinity for `90s mainstays like Smashing Pumpkins while telling the tale of a gig at a local church. "The lyrics are about a pastor I had met that had lost his leg," Riley says. "The church had signs about not cussing and I had a feeling that neither of us had anything to talk about without potentially offending the other."The band's not afraid to get confrontational, though, on the anger-fueled, drum-heavy "Philadelphia, Get Me Through," which deals with a dead-end relationship and the mistaken assumption that getting drunk in the titular city would be a balm against the pain. And the nasty, brutist, and short hardcore-adjacent "MainStage"? "It's about being disrespected at a show on New Year's and how I lashed out," Riley says. "I then began to take it out on other people, which was a quality that I despise."Things get contemplative and mournful from here on out _ the emo-edged "Snare" is about bringing flowers to a hospital room where you're not welcome, while the Smiths-inspired "Uno" wrestles with self-loathing. "I guess the big finale of that song was my response to dealing with this recurring experience of feeling like I wasn't good enough by getting really into whippets," Riley says. Nu-metal bop "Bonehead," then, recalls an embarrassing dinner that turned into an argument _ the name applies both to that incident and the delicious simplicity of the guitar parts.After all that turmoil and pain, the band caps everything off with their eyes to the future on the jangle-pop "Ring Size." "All my friends are getting married _ do I follow in their footsteps? Or is it all a waste of time?" Riley says of the song. "At the end, through it all, I guess that's what I've been trying to figure out _ how to grow up, how to move on. I'm trying to navigate things as an adult and I'm not very good at it. But this is just the first record. This is just the beginning."And, hey, at least now he has a bed.

Since 2020, and from coast to coast, indie-rockers Fib have been rewiring brains with their singular, jangly sound and furiously tight live performances. Fib's members connected in Portland through their love of punk, friendship, and their shared exceptional musical abilities. After releasing their debut self-titled tape in 2021 and touring the US, the band picked up and moved across the country after falling in love with Philadelphia. The city quickly warmed to Fib's controlled mania- the band putting on the tightest show imaginable, and then, at the end of the set, destroying their instruments in total chaos mode. They matched Philadelphia's freak- fitting like a fingerless glove. Now, connecting with Philly label Julia's War, the group is releasing their debut full-length record Heavy Lifting- a musical odyssey exploring arty pop, punk and progressive rock- while simultaneously breaking free from genre and giving the listener a vividly surreal auditory experience. With Heavy Lifting, Fib shed their early, scrappy, lofi limitations, and embraced a new, expansive and warm recording capture. This bigger sound allows the group to put their technical skill, harmonious vocals, and hyper-infectious songwriting on full display. Songs like 'Mutuals' and 'Say' are frenetic and bouncy- shifting through virtuosic arrangements held together with intermittent, powerful hooks. With tunes like 'Dotted Line' and 'PS,' the band settles deeper into the grooves and songwriting allowing the listener to zone in and bob their head a bit more. While the nine tracks that comprise Heavy Lifting are equally unique and invigorating showcasing the members' intricate guitar tangles and polyrhythms, the album is holistically composed- a greater sum than its parts. The release would easily sit well for fans of new bands like Palm, TAGABOW, and Water From Your Eyes, but would just as easily be a welcome addition for record heads who love bands like This Heat, Television, and Psychic TV. While this might all be hard to believe, and their name is Fib- it's no lie. Fib's Heavy Lifting is a vibrant, moving and endless sonic rainbow. Pick it up and step into their wild and ecstatic void.

Originally released on Ben Chasny's own Pavilion imprint in 2011.

"I was invited by the Incubate Festival and the city of Tilburg to participate in an artist residency where I would explore the region’s unique chapels built for the Virgin Mary. After writing the music for about six months by drawing on memories of the encounters with the chapels and using techniques inspired by Gaston Bachelard’s Poetics Of Reverie, I flew back to Tilburg to perform the music at the Incubate Festival. We recorded the evening and I released the result on my Pavilion label. Each cover was hand painted white on white in the old Pavilion style. I created a stencil and used graphite powder to make the design that is inspired by the sun imagery in Athanasius Kircher diagrams."

Roadside chapels express the identity of the inhabitants of North Brabant, a Dutch province, bordering on Belgium. Roman Catholicism has been the dominant religion in this southern part of the Netherlands since the eighth century. For about a century and a half this religion was strongly suppressed. Only when the French revolutionaries preached freedom of belief around 1800 could the people of North Brabant exercise their faith again. This was the start of a very strong emancipatory development from which a special form of the Roman Catholic faith arose that fully determined everyday life of the people here. This faith was the determining factor in life and the measure of all things. After the second Vatican Council (1962-1965) the reins of the catholic faith in Brabant were loosened as well. This was the start of a revolutionary process of secularisation. Within a decade hardly anything was left of the almighty influence of the Roman Catholic Church and this situation has lasted up to the present day.

In spite of the almightiness of the official, Vatican ruled, Roman Catholic faith, North Brabant has always and perhaps notoriously fostered an undercurrent of popular belief as well. This is a kind of belief in which elements of the official faith and age-old pre-Christian traditions are combined. Worshipping relics, holding pilgrimages and processions, the use of water from holy wells, popular art, recitations and songs, festivals, rituals, folk traditions, superstition and the like are all examples of popular devotion. These matters have strongly influenced and formed the identity of the present-day population of North Brabant. It is part of their immaterial heritage.

An obvious and still very much visible form of popular devotion are the roadside chapels. In Brabant some 400 can be found, most of which have been devoted to Mary. Chapels are small buildings in which Mary or other saints are worshipped. They can be found within villages or towns or in natural surroundings. Always at the finest spots! The beauty of the environment adds a primary religious or mystical feeling to the visitor. Local people attach great value to their chapels. In spite of the overall secularisation in society they are still at the centre of cultural and social life. Where people in North Brabant can hardly be found in the churches nowadays, this doesn’t mean at all they are no longer religious. On the contrary, religious feelings are perhaps stronger than ever, but now people have to find their own expression of them. That’s why they fall back on the age-old popular belief in which chapels play an important role. We can even witness new forms of popular belief with chapels as their focal point. An example of this is the scattering of ashes of people who have been cremated. Chapels clearly also play a role in the lives of young people. On an average five new chapels are added every year.

I have studied the popular culture and belief and the identity of the inhabitants of North Brabant for over thirty years. I have published over forty books on these subjects. In 2010 I was approached by the organisation of the Incubate Festival in the North Brabant town of Tilburg. Their request was for me to lead the American composer and guitarist Ben Chasny around a number of chapels in the province devoted to Mary. He had been invited to North Brabant to write some new compositions. Ben Chasny then chose to be inspired by these chapels and that’s how we met. I was especially curious how an American would react to something as specific and small as a roadside chapel in North Brabant, since we tend to think here of (people in) America in terms of ‘big-bigger-biggest’. Would an inhabitant of this enormous country with this prevailing culture be able to grasp and respect the identity of some 2.5 million people in North Brabant with their chapels? The answer to this question lies hidden in the compositions he made and that can be listened to on this album. Yes, Ben Chasny has been able to convert the phenomenon of a simple chapel devoted to Mary into music. The physical and the spiritual have found each other. What a beautiful world…just listen! - Paul Spapens

Beyond the Bridge proudly presents the latest EP from Dutch sonic architect Spekki Webu, titled "Neural Network," set to release on April 15, 2025. As the founder of Mirror Zone, Webu masterfully conjures a spectral world where time collapses and frequencies bend, inviting listeners on a mind-expanding journey through sound. His ritualistic compositions transcend conventional boundaries, merging past, present, and future into a singular, fluid moment. The eight-track EP delves into an abstract landscape of high-intensity frequencies and textural flux. Webu's sonic manipulations challenge linearity, evoking cyclical movements that oscillate between chaos and order. Each track serves as a kinetic force, pulsating with raw energy and enveloping the listener in immersive sonic architecture. The release also features two transformative remixes from Beyond the Bridge label head K.O.P. 32 and acclaimed producer Feral, each expanding the boundaries of interpretation into new dimensions. credits releases April 15, 2025 All tracks written, produced, and mixed by Spekki Webu at Into The Unknown in The Hague. Additional production by Feral and K.O.P. 32. Mastering by K.O.P. 32 at Pacific Sound Network in Seoul. Visuals by Anton Braun. ? Beyond the Bridge 2025.

Panos Alexiadis is a sound artist based in Athens, Greece, active in the field of contemporary electro-acoustic music. He founded and co-curated the tape label Thalamos, a home for exploratory sounds, where some of his own works also found their place. Marking a return after a period of (sonic) reflection, Cestrum Nocturnum is an album of remembrance and renewal. Through a lattice of self-sampled piano, fragmented voices, field recordings, and transient digital traces, Alexiadis composes a space of warmth—an electronic tapestry woven from the ephemeral. Across six pieces, sound unfolds like memory: layered, textured, dissolving at the edges yet leaving an imprint. A meditation on the cyclical nature of being and the often unnoticed beauty that quietly persists, even in the darkest hours. Cestrum Nocturnum is both a shelter and a signal.

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The night has a thousand eyes,
And the day but one;
Yet the light of the bright world dies
With the dying sun.

The mind has a thousand eyes,
And the heart but one:
Yet the light of a whole life dies
When love is done.

Francis William Bourdillon, 1899

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All music composed, recorded & mixed by Panos Alexiadis
Spoken word on 'But One' & ‘Follower' by Fotini Stamatelopoulou
'The Night Has a Thousand Eyes' poem by Francis William Bourdillon
Mastered by Christophe Albertijn

CADAVER, one of Norway's first and most influential death metal bands, has carved a distinctive path through the annals of extreme music. Formed in 1988 in Fredrikstad by Anders Odden (guitar/vocals) and Ole Bjerkebakke (drums/vocals), the band emerged from the ashes of their earlier black metal project, Baphomet. Their vision blended thrash and death metal with progressive influences from bands like Voivod and the chaotic insanity of Napalm Death, forging a sound that defied conventions. In 2024, Anders Odden delved deep into CADAVER 's history, unearthing unreleased material that offers a fascinating glimpse into the band's formative years. Before signing with Earache Records in 1992, CADAVER had worked on what would eventually become their second album, ...In Pains. During this period, they recorded raw and unpolished versions of many tracks in the same studio where Hallucinating Anxiety was born. These early recordings featured working titles that were later changed, and among them was a song titled "Maltreated Mind Makes Man Manic," which was never completed at the time. Anders revisited these hidden gems at Studio Tomb, located in Råde, Norway—the very place where CADAVER was first formed. With the old lineup reunited for this session, they finished the additional recordings necessary to bring their original vision to life. The result is Hymns of Misanthropy, a newly completed album from 1991 that will finally see the light of day through Listenable Records in April 2025. This release showcases CADAVER's unique approach to extreme music and highlights their previously underappreciated influence on the early Norwegian black metal scene. With Hymns of Misanthropy, listeners can experience a raw and powerful chapter of CADAVER's history, demonstrating once again that they were never just a typical death metal band. Instead, they remain an ever-evolving force that consistently pushes the envelope of what extreme music can achieve.

3024 is excited to announce "Panta Rei", the long-awaited debut album by London-based, Italian artist Ehua. This album, which comprises a collection of songs crafted over the span of a year and a half, is not just an exploration through sound but also a significant milestone in Ehua's personal and artistic development. For the first time, she explores her vocal expression while also incorporating a range of percussive and other analog and acoustic instruments, resulting in a distinctive set traversing various corners of the bass music continuum.

Accompanied by unique artwork created out of concrete by Jeroen Erosie, a booklet with background and photography and a short eponymous film, 'Panta Rei' represents an intricate 'gesamtkunstwerk'. An exciting blend of various media with contributions from a range of artists, of course all centered around Ehua's beautiful and intimate music.

"Panta Rei" will be released in May, available on vinyl, as well as digitally and in booklet format. 3024 X Planet Wax are hosting a launch event on April 24th in South London.

Extending the melodious and mad, three-decade story of Super Furry Animals projects by adding another bombastic and beautiful chapter, Huw Bunford, Cian Ciarán, Daf Ieuan and Guto Pryce reconvene to announce the release of their second album, Pando.

Meeting every pummelling motorway mile with the beat of their psychedelic-soul-house blend since the release of their debut, Official UK Breakers Album Chart No.1 album, DK.01, in late 2023, Das Koolies’ energetic return to festival fields, intimate venues and service station shopping has affected no distraction from their mission. Committing to more time on the road at the same time as sharing rich spoils from the studio, Das Koolies include Newport, Nottingham, London and Manchester in their live plans. Determinedly exploring capability and ambition, the band’s continued, restorative return to wired and wonderful, man-and-machine-based music, following years of psych-folk-rock experimentation as four Furries, hasn’t meant forgetting the past. Som Bom Magnífico’s tour story, combining wistful and weary memory, rests the band’s case.

Taking on the lead lyrical and vocal role, Daf Ieuan, says: “Hindsight and rose-tinted glasses. It’s a song about a time when it was normal to order a veggie breakfast in hotels as a concession to a healthier life style, then following up by requesting to see the ‘Breakfast Wine Menu’. As Lou Reed sang: "Wine in the morning!".
Everyone should live like that for a while. Could be for a couple of days or a couple of decades. We’ve never laughed so much, but never again.”

Extending the melodious and mad, three-decade story of Super Furry Animals projects by adding another bombastic and beautiful chapter, Huw Bunford, Cian Ciarán, Daf Ieuan and Guto Pryce reconvene to announce the release of their second album, Pando.

Meeting every pummelling motorway mile with the beat of their psychedelic-soul-house blend since the release of their debut, Official UK Breakers Album Chart No.1 album, DK.01, in late 2023, Das Koolies’ energetic return to festival fields, intimate venues and service station shopping has affected no distraction from their mission. Committing to more time on the road at the same time as sharing rich spoils from the studio, Das Koolies include Newport, Nottingham, London and Manchester in their live plans. Determinedly exploring capability and ambition, the band’s continued, restorative return to wired and wonderful, man-and-machine-based music, following years of psych-folk-rock experimentation as four Furries, hasn’t meant forgetting the past. Som Bom Magnífico’s tour story, combining wistful and weary memory, rests the band’s case.

Taking on the lead lyrical and vocal role, Daf Ieuan, says: “Hindsight and rose-tinted glasses. It’s a song about a time when it was normal to order a veggie breakfast in hotels as a concession to a healthier life style, then following up by requesting to see the ‘Breakfast Wine Menu’. As Lou Reed sang: "Wine in the morning!".
Everyone should live like that for a while. Could be for a couple of days or a couple of decades. We’ve never laughed so much, but never again.”

Limited Gatefold LP version on Gold / White Smash Vinyl (500x). Agusa's Debut Album Högtid Reissued on Karisma Records. Since their formation in 2013, Swedish progressive rock band Agusa has carved out a distinct name for themselves in the world of retro prog, Scandinavian folk rock, and Krautrock. Their evocative sound and immersive compositions made such an impact that Karisma Records is now proud to present a reissue of their debut album, Högtid. Originally released in 2014, Högtid quickly became a favourite among fans of vintage progressive rock. The album is a masterful collection of extended instrumentals, weaving together folky melodies, psychedelic jams, and otherworldly Krautrock explorations. Listeners will hear echoes of Kebnekajse, Amon Düül II, and Camel, as Agusa channels the spirit of the genre's golden era while crafting a sound that is uniquely their own. Though guitarist Mikael Ödesjö remains the only original member from the Högtid lineup, this album stands as a bold and timeless introduction to Agusa's musical journey. Now remastered by Magnus Lindberg (Cult of Luna, Dina Ögon, Crippled Black Phoenix), this new vinyl reissue brings renewed depth and warmth to the album's intricate soundscapes.

En pakt med naturen is Tusmorke's first ever live album, recorded live at Oslo's biggest independent record store Big Dipper, as part of their 25th anniversary celebration last October. "We knew we had to do something special with Tusmorke. Benediktator and Krizla have since the early 2000s been building their record collections and releasing their own music simultaneously. We like to think the records we sold them in our store somewhat influenced their musical output, at least we know that the albums they released had a huge impact on us!" (Andreas Leine Jakobsen, Gerenal Manager, Big Dipper Musikk & Hi-Fi "Is this Folk Horror? Silly question, perhaps, but we need you to mutter certain phrases while listening: Bucoloc, acoustic, ancient, uncanny; acid, pagan, peasant, occult; wildness, wilderness, wildestness, Wicker Man. Ever since the start of Tusmorke, we've wanted to make an acoustic album. In Skien, Telemark in the 90s, we wanted to record in an ancient loghouse with an open hearth (årestue) in the local folk museum Brekkeparken. Years passed and line-ups changed. Then, when we supported Ved Buens Ende at Blå in the Autumn of 2021, we were joined by Åsa and Dauinghorn. They played some of the arrangements that we finally managed to record here, after several attempts to find a suitable time and place to make it happen. Again, time had passed and line-ups had changed, but the spirit of Folk Horror remained. We ask you to close your eyes and picture yourself in a windowless low dwelling, open to the sky through a hole in the roof. Acrid smoke curls upward and occasional sparks fly from the smoldering fire. Music wafts through the gloom in this serene scene of timeless primitivism. There is no electricity. There are no synthesizers. I won't even mention digital things, because they don't exist. There is only Folk Horror and you are in League with Nature." (Benediktator)

'Atmospheric death metal'. Three simple words to describe one's music, chosen by JADE mainman J. himself, although they don't seem to quite pay justice to the gigantic scope of their music. Because ever since the release of their debut demo back in 2018 they've proven again and again to be more. Much more. Historically speaking, the word 'jade' referred to a rare but valuable mineral in ancient times all over the world. From Mesoamerican cultures to Chinese and Southern Asian ones, the greenstone was conferred with deep spiritual symbolism and used to connect the earthly level to the unknown. The history of countless traditions, legends and cults remain as an endless source of topics in terms of lyrics for the band, with a rich historical narrative also poetized. JADE's music is described by J. as "a tribute to the timeless obscure metal language, from early death/doom manifestations to later atmospheric black acts, in a really heavy, intense and epic form which transcends ages, as the greenstone cult has endured." The sophomore album, and second full-length after last year split LP with SANCTUARIUM, Mysteries Of A Flowery Dream carries an ominous wave of darkness, redefining heaviness with new levels of musical production and arrangements, compared by J. to "a journey into the dialogue between conscious and subconscious dreaming states and the mysteries around." The album's lyrics are in direct line of those themes, echoing the celestial world and how it can help us overcoming ominous times ("The Stars' Shelter"), how dreams can be interpreted as omens ("Light's Blood") and how they allow us to travel the Mayan cosmovision and its various worlds for guidance, healing and messages ("Shores Of Otherness"), among others. You can even find on the cover artwork elements of the ancient Mesoamerican cosmovision, mainly the powerful moon goddess Ixchel, a creative yet destructive entity, portrayed here as the Spider and threading human fate like an umbilical cord, determined to give life but also to destroy it if needed. A frightening, fragile yet utterly fascinating balance perfectly illustrated by Mysteries Of A Flowery Dream.

Len Faki returns to his own label Figure for a first release after the arrival of his giant FUSION LP.
Opener Zig Zag stays emblematic for Faki’s signature style, a lean and effective slice of modern day techno: muscular and well-balanced, this driving tool keeps it simple but dynamic and the energy always moving. Loop 10 is a collaboration track from long-time label mates Len Faki, Jeroen Search and UBX127. Combining the best of three worlds their distinct loopy elements are talking back and forth, gluing the track together - can you figure out who is who?
Another strong collab, Morgana is a piece of mesmerizing dub techno, created together with the new Figure addition Jancen (check out his recent EP Inner Labyrinth!). Spacious yet powerful, this one builds patiently before it comes crashing down with elegant force. Finishing off x48, Faki adds a version of his own opener, detuning the unnerving synths, fragmenting percussion and adding some atmospheric vocals.