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Ursprünglich im September 2000 auf Science/Virgin veröffentlicht, festigte Solaris Rupert Parkes' Rolle als unverwechselbare Kraft im Bereich des Underground-Dance und führte einige seiner Zuhörer in die Irre, indem es sich vom mathematischen Drum and Bass seines Debüts Modus Operandi entfernte. Diese Wiederveröffentlichung wird hier mit akribischer Aufmerksamkeit für die Details der ursprünglichen britischen Erstpressung präsentiert und ist auf zwei 140g-LPs erhältlich. Modus Operandi wurde 1997 veröffentlicht und war sowohl ein Kritiker-Liebling als auch ein kommerzieller Erfolg, der Photek als eine Art schattenhafte Leitfigur in der Welt des Drum and Bass etablierte, nachdem er in den Jahren zuvor bei Metalheadz gelernt hatte. Solaris, das drei Jahre später erschien, wurde mit Spannung erwartet; hier spielte Photek mit Form und Genre. Glamorama mit seiner stark verhallten Bearbeitung der Stimme der Künstlerin Marie-Jos Jongerius klingt nicht unähnlich zu David Byrnes und Brian Enos klassischen Cut-ups von My Life In The Bush of Ghosts. Wo Solaris von seinem Vorgänger abweicht, ist der wunderschöne Deep-House-Sound von Mine To Give und Can't Come Down, die beide von der Chicagoer Legende Robert Owens gesungen werden und Photeks Techno-Seele mehr Herz verleihen. Wie um seine Kritiker zum Schweigen zu bringen, zeigten die unerbittlichen achteinhalb Minuten von Infinity, dass nur wenige die Grenzen von Drum and Bass so weit hinausschieben können wie Photek. Photek ist heute ein etablierter Film- und Fernsehkomponist in Hollywood. Dennoch wird seine Arbeit liebevoll in Erinnerung behalten und sehr respektiert.

We are continuing our record series with the fourth edition and are proudly welcoming Matthias Schildger to the family. Together with Rupert Hartick, the two Dudes joined forces for a powerful EP, delivering a curation of four beautiful tracks in different flavours and moods for the floor.

Expect two catchy pieces by Matthias under two of his well known aliases, as well as two decent works by Rupert.

Tune in and get yourself a copy!

First release in 5years by Snaker, and the catalog counts 11nd.

This title features a joint work release by 2 artists, KOOLMFL and Sonic Weapon who also been busy with their releases on Powder’s Thinner Groove label. Their approach to express “Contemporary library sound” was to experiment with various way to create funky collages, Trippy beats, groovy or anti-groovy loop arts, and fragments of noise and scratch. The sound is going everywhere but consistent as a sound library to Get On Down.

Dieses Album gilt als das brutalste, technischste, aggressivste und schnellste unter den klassischen PRESTIGE- Alben.
Es ist die musikalische Antwort der Band auf die damals aufkommenden Musiktrends, insbesondere auf die Grunge-Szene. Nach ihrer Auszeit im Herbst 1992 gelang es ihnen, im Gegensatz zu vielen bedeutenden Thrash-Bands dieser Ära, keine unbeholfenen, vom Grunge beeinflussten Alben zu produzieren.
Dieses konsequente Festhalten an ihrem einzigartigen Stil zeichnet PRESTIGE aus.
Für die Produktion dieses Albums wählte die Band ein neues Studio und einen anderen Produzenten als für ihre früheren Veröffentlichungen. Sie haben sowohl den Songs, als auch der Produktion große Aufmerksamkeit geschenkt und mehr Zeit im Studio verbracht als je zuvor, insgesamt etwa drei Wochen.
Wer auf kompromisslosen Highspeed-Thrash mit Attitüde steht, für den ist dieses Album ein Muss.

Dieses Album gilt als das brutalste, technischste, aggressivste und schnellste unter den klassischen PRESTIGE- Alben.
Es ist die musikalische Antwort der Band auf die damals aufkommenden Musiktrends, insbesondere auf die Grunge-Szene. Nach ihrer Auszeit im Herbst 1992 gelang es ihnen, im Gegensatz zu vielen bedeutenden Thrash-Bands dieser Ära, keine unbeholfenen, vom Grunge beeinflussten Alben zu produzieren.
Dieses konsequente Festhalten an ihrem einzigartigen Stil zeichnet PRESTIGE aus.
Für die Produktion dieses Albums wählte die Band ein neues Studio und einen anderen Produzenten als für ihre früheren Veröffentlichungen. Sie haben sowohl den Songs, als auch der Produktion große Aufmerksamkeit geschenkt und mehr Zeit im Studio verbracht als je zuvor, insgesamt etwa drei Wochen.
Wer auf kompromisslosen Highspeed-Thrash mit Attitüde steht, für den ist dieses Album ein Muss.

Part 1(LENGLP008) due in May, here is basic info for Part 2 (Due Early June)

Was klingt, wie die begehrteste Mailadresse der Klasse 11b, ist das zweite Album der Berliner Indie-Pop-Band Von Wegen Lisbeth und hört auf den einzigartigen Namen sweetlilly93 @ hotmail . com . Und wer Angst hatte, der einstige Geheimtipp sei drei Jahre nach dem Debütalbum GRANDE nun im Mainstream angekommen, kann sich beruhigt zurücklehnen: Von Wegen Lisbeth bringen zwar mittlerweile problemlos die Konzerthallen von Kiel bis Freiburg zum Tanzen, klingen aber trotz Refrains, die einem wochenlang im Ohr bleiben, auch 2019 noch angenehm sperrig und dabei stets unverwechselbar.

Auf dem nun erscheinenden Album kümmert sich die Band, die in ihrem Proberaum wohl genug skurrile Instrumente hortet, um jegliche Flohmärkte Neuköllns zu füllen, um die kleinen alltäglichen Momente ihrer Umgebung und sagt dabei dank pointierter Ironie trotzdem mehr über unsere Gesellschaft aus, als man manchmal wahrhaben möchte. Von Wegen Lisbeth erzählen von der unübersehbaren Gentrifizierung im Viertel, dem Döner an der Ecke und dem Schweigen, das manchmal lauter scheint als der Presslufthammer vor dem Fenster.

Nach ersten Supporttouren für die Kölner von AnnenMayKantereit oder Sven Regeners Element of Crime haben sich Von Wegen Lisbeth längst in der deutschen Musikszene etabliert, ihr Album GRANDE erntete zurecht positive Kritik, nun legen die Berliner mit sweetlilly93@ hotmail . c om musikalisch und textlich nochmal einen drauf. Bereits mit der Single Lieferandomann erscheint ein erster Vorgeschmack auf das neue Album.

»Ist das 2Pac oder Brecht? Swipe' ich nach links oder nach rechts?«

Hard-rocking Brooklyn trio Sir Lord Baltimore’s highly sought-after debut album is a legendary precursor of the heavy metal genre, a 1971 Creem review of the disc perhaps the first to ever use the term. The group benefited from the songwriting and production team of Mike Appel and Jim Cretecos, Appel the future manger of Bruce Springsteen and Cretecos already heady from success with The Partridge Family; recorded at Vantone Studios in New Jersey, it
was mixed to fine effect by Eddie Kramer at Electric Ladyland, fresh from his work with Jimi Hendrix. Guitarist Louis Dambra co- arranged the material with Appel and Cretecos; he had earlier played in garage band The Koala as Louis Caine, and here his screeching guitar
is a major draw, backed by plodding bass from Gary Justin, as front man John Garner shrieks his vocals while pounding furious drumbeats. Aside from a tough cover of Ray Charles’ “I Got A Woman” and a track inspired by Yeats’ poem “Lake Isle Of Innersfree,” the album features heavily-stoned acid rock originals, delivered the Sir Lord Baltimore way.

Red Vinyl

Bereits zwanzig Jahre geben ELVENKING den Ton an, wenn es um Folk Power Metal geht. Mit dem elften Album "Reader Of The Runes - Rapture" wird die italienische Band ab dem 28.04.23 die beliebte "Reader Of The Runes"-Reihe fortführen und ihren berechtigten Kultstatus verteidigen. Ein weiteres Fundament für mystischen, verzauberten und brachialen Power Metal.

Nach drei Jahren Wartezeit folgt nun der zweite Teil der Reader Of The Runes Trilogie und gleichzeitig elfte Album der italienischen Folk Power Metal Legenden ELVENKING! Mit "Reader Of The Runes - Divination" wurde 2019 diese mystische Reise begonnen, welche auf "Reader Of The Runes - Rapture" einen weiteren fabelhaften Höhepunkt findet. Seit zwanzig Jahren stellt die Band schon unter Beweis, dass sie nicht umsonst Kultstatus in der Szene haben und nicht nur durch herausragende Liveshows ihre Fanschar immer mehr erweitern können. Mit "Reader Of The Runes - Rapture" zeigen ELVENKING, dass sie nicht auf der Stelle treten und ihren Sound weiterentwickeln, ohne ihr Trademark zu verlieren. Ein weiteres starkes Fundament in einer gewohnt fehlerfreien Diskografie. Über 70 Mio. Streams allein auf Spotify lügen nicht. Diese Band wächst nach wie vor und wird mit "Reader Of The Runes - Rapture" über sich hinaus wachsen.

The core membership of free jazz act The Trio ensured its output was captivating, comprised as it was of double-bassist Barre Phillips, who had played with Archie Shepp, Chris McGregor, and Gong; saxophonist John Surman, who had played with John McLaughlin, Lester Bowie, and Alexis Korner; and drummer Stu Martin, who had played with Count Basie, Donald Byrd and Herbie Hancock. On the gripping sophomore set Conflagration, guest players include Chick Corea and trumpeter Harry Beckett, ensuring their take on abstract jazz contains melody as well as jarring exchanges. Another great Trio free jazz set!

When the world's chatter is hushed to a whisper and emptiness replaces clutter, time falls away completely, exposing a vast, open canvas for the imagination fill with reflection, contemplation and abstraction. On their first collaborative album, released via Caterina Barbieri's light-year's label, Grand River and Abul Mogard gaze longingly into the abyss, capturing atemporality, splendour and tranquility with confident, impressionistic sonic strokes. Dynamic and poignant, 'In uno spazio immenso' balances on a knife-edge between booming, operatic grandeur and soft-focus simplicity, casting as much light on the subtle outlines and illusory rhythms as it does its dense, almost overpowering textures.

Berlin-based Dutch-Italian composer and sound designer Aimée Portioli, aka Grand River, has been evolving her unique musical language since she released 'Crescente' on Donato Dozzy and Neel's Spazio Disponibile imprint in 2017. A trained linguist, she uses her instrumentation and advanced processes to challenge cultural perceptions, portraying emotions and moods rather than fixed, visual images. Abul Mogard meanwhile is just one of veteran Italian producer Guido Zen's many aliases, and over a series of acclaimed albums for labels like Ecstatic, Houndstooth and VCO, he's muddled fiction with stark reality, shaking kosmische synth fantasies into post-industrial ambience and blissful shoegaze memories.

Dudu Tassa, einer der führenden Rockstars Israels, ist der Enkel des kuwaitischen Musikers Daoud Al Kuwaiti, dessen musikalische Zusammenarbeit mit seinem Bruder Saleh, den Al Kuwaiti Brothers, in der arabischen Welt zwischen den 1930er und 1950er Jahren berühmt wurde. Dudu Tassa & The Kuwaitis eröffneten vor einigen Jahren das Coachella-Festival und wurden auch von Radiohead als Vorgruppe auf einer ihrer US-Tourneen ausgewählt. Die Brüder Al Kuwaiti gehörten in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu den größten Komponisten und Musikern in Bagdad. Dudu Tassa hat einige der Aufnahmen der Al Kuwaitis aufgenommen und sie zu seinem eigenen Sound weiterentwickelt und modernisiert. Diese neue Version des Albums enthält zwei Bonustracks, darunter eine Live-Version von 'Eshrab Kasak Withana' (feat. Jonny Greenwood/Radiohead/The Smile).

Im Rahmen der BLUE NOTE CLASSIC VINYL EDITION erscheinen in der neuesten Staffel zwei moderne Klassiker. Beide Alben gab es bisher nicht auf Vinyl und diese Doppel-LPs enthalten nun auch die bislang nur in Japan veröffentlichen Bonustracks . Stereo, von Kevin Gray von den Original-Masterbändern gemastert, bei Optimal auf 180g-Vinyl gepresst, Gatefold-Sleeves. Nachdem er zuvor auf drei Blue-Note-Alben des Trompeters Terence Blanchard auf sich aufmerksam gemacht hatte, erhielt Pianist Aaron Parks 2008 die Chance, mit “Invisible Cinema” sein erstes eigenes Album für das Label einspielen. Zu hören ist er hier mit einem exzellenten Quartett und einem Programm von durchweg eigenen Kompositionen, die allerdings musikalische Einflüsse von Wayne Shorter bis Radiohead verraten. Jetzt erscheint “Invisible Cinema” zum ersten Mal als Doppelalbum auf Vinyl. Mit “Ten”, seinem achten Album für Blue Note, feierte der Pianist Jason Moran 2010 das zehnjährige Jubiläum seines Trios The Bandwagon. Das noch heute in unveränderter Besetzung spielende Trio hat - ähnlich wie z.B. The Bad Plus oder das Robert Glasper Trio - das Image des klassischen Piano-Trios radikal modernisiert. Auf “Ten”, das nun erstmals als Doppelalbum auf Vinyl veröffentlicht wird, bietet The Bandwagon neben Originalen von Moran auch einzigartige Interpretationen von Stücken aus der Feder von Thelonious Monk, Jaki Byard und Conlon Nancarrow.

Die Band KAFVKA aus Berlin ist bekannt dafür, keine Angst davor zu haben, ihre Meinung klar und deutlich zu äußern. Während andere noch über die Grenzen des Sagbaren diskutieren, haben sie mit ihrem Song "ALLE HASSEN NAZIS" im Jahr 2018 einen regelrechten underground-Hit geschaffen, der zu einer Hymne für Veranstaltungen gegen Rechts wurde. Mit ihrem Song "HALLO WELT" haben sie später die FridaysForFuture-Demonstrationen begleitet und somit ihre Stimme für den Klimaschutz erhoben.

Im Jahr 2022 veröffentlichte die Band das Album "PAROLI", mit welchem sie erneut ein wichtiges Statement setzten. Die Texte auf dem Album behandeln politische und gesellschaftliche Themen und zeigen, dass KAFVKA keine Scheu davor hat, die Missstände unserer Zeit anzusprechen. Das Album erhielt viel Anerkennung von Fans und Kritikern gleichermaßen.

Nun arbeitet KAFVKA bereits an ihrem neuen Album "Kaputt", welches im Juni 2024 erscheinen wird. Mit diesem Album verspricht die Band erneut, mutige und provokante Texte zu liefern, die zum Nachdenken anregen und Diskussionen anstoßen. Begleitet wird die Veröffentlichung von einer großen Tour, bei der KAFVKA ihre energiegeladene Performance live präsentieren werden.

Fans dürfen sich auf ein weiteres beeindruckendes Album und unvergessliche Konzerte freuen, während KAFVKA weiterhin die Stimme für Veränderung erhebt und mit ihrer Musik die Gesellschaft herausfordert.

** TRILOGY ***
post-punk experiments

VOLUME 1 of a series of 3 re-releases of the 80s underground solo cassette tapes by Menko Konings (aka EM / Menko / eM.)
This first re-release/remaster is the cassette tape “dedicated to Charles Bronson” (1986) by Menko, with almost one hour music

TAPE RESTAURATION / REMASTER (2024) by the grand master RUDE 66

Vocals on Debra by Tonny Timmermans (aka Antonia)

Limited edition of 50 (hand numbered) golden cassette tapes with original J-card

“When I went solo in 1983 I only had a guitar, a bass and a four track cassette tape recorder. Sometimes I borrowed a rithmebox or a synth for a couple of days. These solo cassette tapes were created in that period.” (MK)

Music journalist Oscar Smit described these tapes in the 80s - in his column Dolby of the legendary Dutch magazine Vinyl - s.a.: “Big city music, metropolis beat, drum composers, funking basses, nervous rhythm guitars, radio and TV sounds in the background and intonationless vocals.”

Beinahe 50 Jahre lang war Johnny Hodges der vielleicht wichtigste Solist im Orchester von Duke Ellington. Parallel unternahm der Altsaxophonist natürlich auch immer wieder erfolgreiche Soloausflüge, so wie 1958 auf dem Verve-Album “Blues A-Plenty”. Mit einem All-Star-Septett, in dem gleich vier weitere prominente Ellington-Musiker versammelt waren, präsentiert Hodges hier neben fünf eigenen Kompositionen u.a. auch zwei Nummern aus der Feder seines Bosses

Hier kommt die heißeste Band um dem Hardrock-Genre den Staub abzupusten: The Warning veröffentlichen ihr zweites Album ”Keep Me Fed”! ”Keep Me Fed” enthält neben den 2023 veröffentlichten Singles ”MORE” und “S!CK”, die gerade veröffentlichten Tracks “Hell You Call A Dream”, “Qué Más Quieres”, ”Automatic Sun” und ”Burnout”. Die drei Schwestern selbst sagen über das Projekt: „Die Arbeit hat uns eingenommen. Das Album hat sich auf alles ausgewirkt, was wir gemacht haben, und hat uns sowohl kreativ als auch persönlich weitergebracht. Wir laden andere Menschen ein, daran teilzuhaben und es ebenfalls zu konsumieren.“ Im April waren die Mexikanerinnen für drei ausverkaufte Konzerte in Deutschland, spielen im Juli noch einen Nachschlag in Freiburg und Münster, bevor sie beim Wacken Open Air für Furore sorgen werden. Das Album ist auf Vinyl, CD und digital erhältlich

Joe Hisaishi, Komponist des Studio-Ghibli-Sounds, veröffentlicht zwei großformatige symphonische Werke Die Weltersteinspielungen mit den Wiener Symphonikern, aufgenommen im legendären Musikverein, werde von Hisaishi selbst dirigiert. Seine minimalistische Symphonie Nr. 2 nutzt subtile Repetition, doch stark Kontraste in Rhythmus und Orchestertextur variieren die drei Sätze des Werks. Sein Bratschenkonzer ”Viola Saga” hingegen ist Musik der wechselnden Stimmungen und überaus anspruchsvoll, wie geschaffe für den herausragenden französischen Bratschisten Antoine Tamestit. »Tatsächlich wünsche ich mir, das meine Musik ebenso natürlich klingt, wie Wolken sich formen oder Jahresringe eines Baumes organisc wachsen«, sagt Hisaishi. Originalität, Vielseitigkeit, feinstes musikalisches Handwerk und hohe Sensibilitä kommen in den neuen Klangschöpfungen zum Ausdruck. Nach seinem äußerst erfolgreichen Debüt be Deutsche Grammophon mit symphonischen Arrangements von Soundtracks stellt sein zweites Album beim Gelblabel Hisaishi als Komponisten mondialer klassischer Musik fürs Konzerthaus vor.

Exact Repro OF THE Original With 4 Bonus Tracks. Japanese country rock act Gypsy Blood must be heard to be believed. Released on Vertigo in 1971, their sole LP showed the group simply bursting with talent, Kiyoshi Hayami’s mandolin exceptional and the masterful soft-rock production courtesy of Miki Curtis; drummer Eiichi Tsukasa had earlier been in the Helpful Soul, organist Katsuo Ohno had been in the Spiders, and guitarist/vocalist Hiroaki Nakamura later played in Buzz with future YMO member Yukihiro Takahashi, while none other than Alan Merrill of ‘I Love R‘n’R’ fame completes the picture on piano. A beautiful album, and a very rare beast!

"Learn To Die is a bold new step for a group of musicians, artists, and writers that has at least nominally been considered a punk band. A stylistic overhaul. For those who have been following along, it’ll carry some surprises. Slender began over a decade ago as a semi-improvisational cassette recording project, a casual collaboration between a few friends that was initially documented by two self-titled cassette-only releases released in 2014 and 2015 respectively, now both unavailable and out of print. Most fans, however, will know Slender for their two most recent releases, Walled Garden (2017) and Time On Earth (2019), both released on the tastemaking London art-punk label La Vida Es Un Mus. "Their prior work has earned them comparisons to anarcho-punks Crass and The Snipers, lo-fi flagbearers Swell Maps and Pink Reason, and artrockers Cromagnon and Amon Düül. Here, however, such comparisons feel largely unfounded and the band feels somewhat peerless. Moments of artpunk brutalism, lo-fi experimentalism, and kosmiche detours grace the fabric of Learn To Die, but the album reaches for more than pastiche. Teasing the rarified worlds of chamber music and musique concrete, Slender manages something intangible and strange. A vocoded voice intones multi-lingual poems alongside tinny guitars and sampled strings and flutes. Three chord janglepunk anthems arise suddenly out of a cosmic mist crafted by analogue synths reciting the poetry of machines. The album moves in ways reminiscent of works by artists as varied and singular as Nobukazu Takemura, Chuquimamani-Condori, Coil, and Robert Wyatt, but it doesn’t necessarily occupy the same realm as any of them.” – Leah B. Levinson

Jaqee – is rhythm and life ”Places becoming journeys in themselves… Different places where I have lived and learned, places that have made my heart beat, the emotional realms that I have experienced. This is where it all starts, every time. Where I am is where it happens, because I am, there. Here.” She sings. She laughs! And she cries, too. Jaqee cannot tell when music and singing became her life, it has ”just always been there, in my head” she says. Now with the fourth album she has taken a closer look at herself, from every possible angle. No hiding. Different phases, different sides of her personality and musical creativity are all there. All as one. ”I am a diaspora kid, I fell in love with all kinds of music, I let myself embrace it all, because good music, is good music. All the way from Uganda at age 13 to the new home and culture in Sweden, then leaving Sweden as an adult for Berlin – has made me the Jaqee that I am”, says the Ugandan /Swedish artist who also received a Swedish Grammy nomination for her past work. Being on the move is without a doubt an important part of her life. “For me travelling is about being exposed to different perceptions, situations, cultures and extreme emotions, it has always made me grow. How many times have I not thought that: I wouldn’t have experienced this or that, if hadn’t been here. I love that feeling!” Jaqee’s music reflects this constant movement and progress. The album is inspired by places like Berlin, South Africa and Jamaica. The trip to Jamaica resulted in the only collaboration track on “Yes I am” recorded in Kingston with reggae artist Anthony B. Teka, the “Kokoo Girl” and “Yes I am” Producer says: ”This time around, like on the last album, we have worked with our colleagues in different countries. Musicians we love and musicians that are inspiring like Martin Hederos (The Soundtrack of our lives) who arranged the strings on the album. We also had New York drummer Daru Jones of Rusic Records play on some tracks. All these talents enhance the idea and expression that we wanted for “Yes I am”. With the album done, it is again time to hit the road and tour for Jaqee. “Getting out there and meeting the crowd is a high. We laugh, we dance and we get loud together. This is the best part of working with music – having a good time together. Music is a universal language.” On composing music, she admits that this time, more than ever, the words matter. Newly found motherhood has made this album in particular a significant legacy. Every song has a life punctuation of its own she has not limited herself by thinking in genres. Making the tone very straightforward. “The melodies and lyrics are closely intertwined, how I sing a word makes all the difference. Even though I love word play, it has to be very clear. Since I am not educated in reading music, I instead visualize and hear it, it seems to be the way my system works. It is all about rhythm and life, it is “YES I AM“.

For the fourth time now Jaqee introduces herself to the World with her impressive voice and her unique attitude. Born in Kampala, the Capital of Uganda, she began her vagabond like life the moment she was born. During her childhood, she travelled the rural areas of her home country with her parents. This is where she collected her first impressions of the life as a nomad. From birth on, wandering the earth became a part of her destiny. In the early nineties she undertook a huge step and immigrated to Sweden. The City of Gothenburg would become her adopted home from where she was able to access all the different destinies and directions, which were on offer to her. Through all the borders Jaqee crossed, music has always been her steady companion whereas it never was a stereotype thing that let her get down with any special genre, than more like a special feeling. “To do what I want in a particular moment is my motivation. I like to express myself in all kind of sounds.” So above all, she became a true nomad in the world of music. After several successful co-operations with numerous artists, in 2005 Jaqee made an impact with her debut album “Blaqalixious”, which was mainly a Soul and R&B album. “That was my direct contact to the music that a rural community in the Diaspora plays” she explains. But it did not end up there because a nomad like Jaqee does not settle anywhere. After further creative and fruitful collaborations, Jaqee released her second long player “Nouvelle d´ amour” in 2007. This time, the sound was more of a rocking, bluesy vibe. It seemed to be the total opposite to her debut album but for Jaqee it was only the next step on her path in the circle of life. “Everything is possible as long as it is real. I never wonder about things like genre as long as the vibe fits.” One step further on, she encountered the songs of Billie Holiday, which lead to the album “A letter to Billie” recorded together with Bohuslänbigband, a lovely homage to the great American Jazz Singer. Both of her first two albums each received a Swedish Grammy nomination and several appearances in the Swedish national television increased her standing as a passionate and soulful Singer. So Teka, producer and creator of many successful riddims for his co-found German label, Rootdown Records considered her to be part of his new project “Koala Desperados“, which link Caribbean vibes like Cumbia to Reggae, and while working on it a totally new idea was born. Jaqee and Teka decided to combine both their talents into one album. The results of which you can now hear on “Kokoo Girl” a refreshing mix of Old School Reggae sounds from the seventies combined with up-to-date Beats, electronic twists and turns and of course the amazing voice of Jaqee. For her, this means that she has achieved some of her ambitions. “I grew up with African Gospel, in sad and turbulent environment, so for me, this means I grasp and totally understand the reggae and its non ending struggle for the common man.” No sooner said than done and “Kokoo Girl” will become Jaqee’s fourth and newest release. All the paths she followed, countries she crossed and influences she absorbed are a part of this album. She sings with the freedom of spirit of the travelling people. The word “Kokoo” is the only memory that remains everlasting. It is just a word but its impact is so huge that Jaqee does not really like to explain it. “It implies irony and seriousness as well as sarcasm and fun.” It is more than a gimmick. “Kokoo” is a very special feeling and a clear view of the world from an artist who has seen more of it than all the people that have settled down.

With Pere Ubu on hiatus since 1982’s excellent ‘Song Of The Bailing Man’, David Thomas had recorded a` much-praised solo album and the band had now signed to a major label. In a period of rampant world commercialism, what would happen next? Another crucial era for the band unravelled, Pere Ubu’s journey charted new undulating territory and so began a three-album escapade that retooled our understanding of what pop music is. Things were further obscured with ‘Cloudland’ when they released “their industrial strength equivalent of a class Beach Boys album from musicians more familiar with factories than surf.” (Greg Kot, Chicago Sun Times).

Enjoy The Ride Records in conjunction with WaterTower Music, Warner Bros. Games, and NetherRealm Studios proudly presents the Mortal Kombat 1 (Original Video Game Soundtrack).

It's In Our Blood. Mortal Kombat 1 is the latest title in the acclaimed Mortal Kombat video game franchise developed by award-winning NetherRealm Studios. The game introduces a reborn Mortal Kombat Universe that has been created by the Fire God Liu Kang, featuring reimagined versions of iconic characters as they’ve never been seen before, along with a new fighting system, game modes, bone krushing finishing moves, and more.

Mortal Kombat 1 (Original Video Game Soundtrack) showcases the game's music by Wilbert Roget, II and features stage music composed by Dan Forden, Stephanie Economou, Nathan Grigg, Dan Negovan, Dean Grinsfelder, Casey Edwards, and Joel Corelitz.

Wilbert Roget, II is a veteran composer in the video game and film industries. He joined LucasArts as a staff composer in 2008, where he scored several games in the Star Wars universe, including Star Wars: The Old Republic and Star Wars: First Assault. He later became a freelance writer, scoring Mortal Kombat 1, Star Wars: Outlaws, Call of Duty: WWII, the Emmy Award-winning Star Wars: Vader Immortal, and many other high-profile game scores. He has also written for Japanese anime, scoring the upcoming Gundam: Requiem for Vengeance. His work has earned him several awards and nominations from ASCAP, the Game Audio Network Guild, the Academy of Interactive Arts and Sciences (D.I.C.E. Awards), and others.

Roget also co-founded Impact Soundworks, a successful music software company, and is an accomplished lecturer on game music. He frequently gives online masterclasses and tutorials on music composition and production and has a passion for teaching the craft. He is an avid multi-instrumentalist, performing solo flute, keyboards, world instruments, and guitar on many of his scores.

Available on vinyl for the first time, Mortal Kombat 1 (Original Video Game Soundtrack) is a 3xLP, housed in a soft touch gatefold jacket with spot gloss accents. It includes a full-color double-sided 12" x 24" poster.

Dive into the collaborative soundscape of Monophonik and Kohra with the Jugalbandi EP. Written in Goa, Monophonik's modular wizardry and Kohra's stylish production blends deep techno, progressive trance and intricate breakbeats.

We've got pulsating rhythms intertwining with ethereal melodies, rolling basslines and shimmering percussion. Each track is a sonic tapestry, weaving intricate textures and immersive atmospheres.

Jugalbandi is an Indian term for a collaboration between classical musicians, where two solo artists combine for a duet and on space•lab 012 we have a beautifully futuristic interpretation, primed for the dancefloor.

Gambian kora virtuoso Dawda Jobarteh and Danish master drummer Stefan Pasborg join forces to release their exhilarating live album, "Live In Turku"Turku". A captivating fusion of traditional West African sounds and contemporary improvisation. Jobarteh was born and raised in Brikama, Gambia into a musical legacy - his uncle and grandfather before him are recognized as great masters of the kora. Initially learning calabash and all other kinds of percussion at the feet of his uncle, it wasn t until Dawda s travels to Denmark that he picked up the 2121-stringed kora. He s since gone on to tour worldwide with the famous Pierre Dorge & New Jungle Orchestra and release five albums under his own name to rave reviews from leading magazines such as Songlines. Stefan Pasborg, godson and protege of famous Danish drummer Alex Riel, is a world class drummer with a deep understanding of African music few western musicians possess, evidenced by his many collaborations with the likes of Morocco s Majid Bekkas and their joint project Magic Spirit Quartet, as well as Danish trio Ibrahim Electric. Drawing on their rich musical backgrounds and extensive experience, Jobarteh and Pasborg deliver an electrifying performance that transcends borders and genres. Recorded during a mesmerizing live set at a festival in Turku, Finland in April of 2023, the album captures the essence of their collaborative spirit and explorative energy. A followup to their landmark 2016 release "DUO"", at the heart of "Live In lies a deep connection between two extraordinary musicians. Jobarteh brings his soul soul-stirring melodies and innovative approach to the traditional instrument - going electric and drawing from the explosive energy of Jimi Hendrix in jangling improvisations soaked in psychedelic futurism. Meanwhile, Pasborg, renowned for his dynamic drumming style and eclectic musical palette sits somewhere between Art Blakey, Mitch Mitchell and John Bonham, providing a rhythmic foundation that propels the music to new heights. The album"s repertoire spans a diverse range of influences, from traditional West African rhythms to contemporary jazz and beyond. Tracks such as " first recorded in 1979 by a band of Ornette Coleman alumni, pay homage to the Jazz s origins in African music, while originals like "Communication of a Kind" showcase the duo"s improvisational prowess and boundless creativity.

Sanctify the Darkness ist das zweite Studioalbum der griechischen Thrash-Metal-Band Suicidal Angels in voller Länge. Das Album wurde ursprünglich im November 2009 veröffentlicht, hier kommt eine neue Ltd. Edition LP in ziegelrotem Vinyl.

Sanctify the Darkness ist das zweite Studioalbum der griechischen Thrash-Metal-Band Suicidal Angels in voller Länge. Es war das erste Mal, dass die Band die Grenzen Griechenlands verließ, genauer gesagt nach München (Deutschland), um ein Album aufzunehmen, von Anfang an bis zum letzten Detail des Masters.

Es ist auch das erste Mal, dass die Band mit einem Produzenten zusammenarbeitet, R.D Liapakis. Die Aufnahmen fanden in den Prophecy und Music Factory Studios statt, während das Mischen und Mastern in den Maranis Studios in Backnang, Deutschland, stattfand. Die Veröffentlichung des Albums fand im November 2009 statt, hier kommt eine Neuauflage in ziegelrotem Gatefold Vinyl.

First you'll get a Korbo pityless hardcore shaker, a destructive industrial cogs.

Shady then brings Hardcore banging cruiser ina Sodom style.
L'Architecte opens the flip with a massive industrial banger... and finally... Leatherface finished the job killing you with his dancefloor tricks of a kind. Full of energy stuff !!

Kurtis Walker - better known by his stage name Kurtis Blow - was the first rapper and hip/hop artist to be signed to US major record label Mercury in 1979. His first single ""Christmas Rappin"" became an instant classic selling nearly half a million copies on 12-inch. The follow-up single ""The Breaks"" sold more than a million copies, making it the very first rap single to be certified Gold. Kurtis Blow's self-titled debut album was released in 1980 and due to the success, he performed in Europe and Japan spreading the new hip hop sound all over the world. During his career, Kurtis Blow has released a total of fifteen albums and a slew of solo singles such as ""Throughout Your Years"", ""Hard Times"" and ""Tough"". The tracks ""America"", ""If I Ruled The World"" (which was later sampled by The Fugees and Nas) and ""Basketball"" further cemented his hip hop legend. Next to his solo work, he also as collaborated with The Fat Boys, Run D.M.C., Sheila E. on ""Krush Groovin'"" from the 1985 influential hip hop movie Krush Groove, René and Angela's ""Save Your Love (For #1)"", and ""Funky Stuff"" together with 2024 Rock And Roll Hall Of Fame inductee Kool & The Gang. The 2LP Kurtis Blow Collected is an overview of the biggest and best hits by one of the original Godfathers of Hip Hop.

Das phantastische Debutalbum der schwedischen Hard'n'Heavy Legende erstmalig auf grün transparentem Vinyl inklusive bedrucktem Innersleeve mit Lyrics und Liner Notes!

Mit "Of The Son And The Father" legte die Band aus Borlänge im Jahr 2002 den Grundstein für ihre bis zum heutigen Tag anhaltende erfolgreiche Karriere mit weltweiten Charterfolgen.
Stücke wie der Titelsong oder das epische "Cloudbreaker" sind nach wie vor fester Bestandteil eines jeden Astral Doors Konzerts.

Die in Los Angeles ansässige Dark-Melodic-Metal-Band Witherfall präsentiert ihr viertes Album über DeathWave Records. Der Vorgänger 'Curse Of Autumn' konnte großes Lob in der relevanten Fachpresse sowie die # 20 in den deutschen Album-Charts als auch US-BILLBOARD-Charts verbuchen.
Das neue Album wird von einem ehrgeizigen Zeitplan mit sieben Singles begleitet, von denen jede ein offizielles Video enthält, das die Geschichte des Albums voller Herzschmerz, Wut und Hartnäckigkeit erzählt. Das sind Witherfall, immer bereit, die Extrameile zu gehen, um endlich zur Speerspitze der internationalen Metal-Szene vorzudringen. Witherfall wurde 2013 in Los Angeles gegründet. Seitdem hat die Gruppe drei vielbeachtete Alben veröffentlicht. Die band macht keine Abstriche und engagierte für 'Curse Of Autumn' u.a. den international anerkannten Top-Drummer Marco Minnemann (The Aristocrats, Steven Wilson, Jordan Rudess). Die Band engagierte erneut den Produzenten/Studio-Zauberer Chris "Zeuss" Harris (Rob Zombie, Queensrÿche, Shadows Fall) als Ingenieur/Co-Produzent sowie für Mix und Master
Das Cover von Blake Armstrong (In Flames, Megadeth, Kataklysm, Harry Potter) bietet einen visuellen Gegenpol zur Musik auf dem Album sowie zu Michaels kompromissloser Text-Offenheit.
Neben der CD gibt es schwarzes Vinyl sowie zwei limitierte farbige Versionen!

Die in Los Angeles ansässige Dark-Melodic-Metal-Band Witherfall präsentiert ihr viertes Album über DeathWave Records. Der Vorgänger 'Curse Of Autumn' konnte großes Lob in der relevanten Fachpresse sowie die # 20 in den deutschen Album-Charts als auch US-BILLBOARD-Charts verbuchen.
Das neue Album wird von einem ehrgeizigen Zeitplan mit sieben Singles begleitet, von denen jede ein offizielles Video enthält, das die Geschichte des Albums voller Herzschmerz, Wut und Hartnäckigkeit erzählt. Das sind Witherfall, immer bereit, die Extrameile zu gehen, um endlich zur Speerspitze der internationalen Metal-Szene vorzudringen. Witherfall wurde 2013 in Los Angeles gegründet. Seitdem hat die Gruppe drei vielbeachtete Alben veröffentlicht. Die band macht keine Abstriche und engagierte für 'Curse Of Autumn' u.a. den international anerkannten Top-Drummer Marco Minnemann (The Aristocrats, Steven Wilson, Jordan Rudess). Die Band engagierte erneut den Produzenten/Studio-Zauberer Chris "Zeuss" Harris (Rob Zombie, Queensrÿche, Shadows Fall) als Ingenieur/Co-Produzent sowie für Mix und Master
Das Cover von Blake Armstrong (In Flames, Megadeth, Kataklysm, Harry Potter) bietet einen visuellen Gegenpol zur Musik auf dem Album sowie zu Michaels kompromissloser Text-Offenheit.
Neben der CD gibt es schwarzes Vinyl sowie zwei limitierte farbige Versionen!

Sein drittes Studioalbum “The Learning Of Urgency“ erscheint Anfang Juni 2024 auf ODESZAs angesehenem Label, Foreign Family Collective.

Für Kasbo ist „The Learning Of Urgency“ ein extrem wichtiges Konzept. Das Songwriting kreist um das Thema Entschleunigung, da die letzten Jahre seines Lebens von einem Gefühl des akuten Drucks geprägt waren, der sich in einem unterbewussten Zwang manifestierte, ständig mehr zu erreichen und zu tun. Das Ergebnis hätte ihn fast seine Karriere gekostet, da er einen seltenen, stressbedingten Hörverlust entwickelte. Das Ende der Pandemie relativierte diese Stressfaktoren, und indem er sich mit ihnen auseinandersetzte, war er in der Lage, persönlich und beruflich wieder auf Kurs zu kommen und dieses neue Album zu schreiben. Vier Jahre lang nahm Kasbo „The Learning Of Urgency“ auf, während er hauptsächlich in Göteborg und Stockholm lebte. Er hatte die Gelegenheit, im geschichtsträchtigen Aufnahmestudio Riksmixningsverket (RMV) zu arbeiten, das auf der Insel Skeppsholmen in Stockholm liegt und dessen Besitzer:innen niemand geringeres als ABBA sind. Das Studio ist in einem 150 Jahre alten Lagerhaus untergebracht, das früher von der schwedischen Marine betrieben wurde. Kasbos Musik hat bis heute über 500 Millionen Streams erreicht. Er wurde mit dem schwedischen P3 Gold Award in der Kategorie „Dance Artist Of The Year“ ausgezeichnet und erhielt Lob von Billboard, The FADER, Stereogum und anderen. Mit seinen sich ständig erweiternden Fähigkeiten hat Kasbo als Live-Performer, DJ und Produzent die Dreifaltigkeit der modernen Tanzmusik erreicht.

Die dreifach Grammy-nominierte Band, Hiatus Kaiyote, veröffentlicht ihr kommendes Album, „Love Heart Cheat Code“ am 28. Juni 2024 auf Brainfeeder.

„Love Heart Cheat Code“ ist eine Momentaufnahme von vier Musiker:innen, die gemeinsam am Rande des Abgrunds tanzen, mit elf verspielten, überschwänglichen Tracks, die Licht ausstrahlen. Doch für eine Band, die sich mit ihrer Komplexität einen Namen gemacht hat und für ihren Maximalismus von der Kritik gelobt und mehrfach für den Grammy nominiert wurde, ist eines der auffälligsten Dinge an „Love Heart Cheat Code“ seine Einfachheit. Die Richtung, in die sich die Band auf dem kommenden Album bewegt, wird nicht immer auf direktem Wege erreicht, sondern eher durch Nachdenken und Abdriften: in Jam-Sessions, die bis spät in die Nacht und früh am Morgen dauern, bei gemeinsamen Mahlzeiten, beim Herumspielen mit dem Equipment und miteinander. Auf dem Album sind auch andere Musiker:innen aus Melbourne zu hören, wie Taylor „Chip“ Crawford, der ein von ihm selbst erfundenes Instrument namens Frello spielt, der Gitarrist Tom Martin und der Flötist Nikodemos, sowie ein weiterer, noch nie dagewesener kreativer Kopf: Mario Caldato, dessen Arbeit mit den Beastie Boys und Seu Jorge Stoff für Legenden ist.

Die dreifach Grammy-nominierte Band, Hiatus Kaiyote, veröffentlicht ihr kommendes Album, „Love Heart Cheat Code“ am 28. Juni 2024 auf Brainfeeder.

„Love Heart Cheat Code“ ist eine Momentaufnahme von vier Musiker:innen, die gemeinsam am Rande des Abgrunds tanzen, mit elf verspielten, überschwänglichen Tracks, die Licht ausstrahlen. Doch für eine Band, die sich mit ihrer Komplexität einen Namen gemacht hat und für ihren Maximalismus von der Kritik gelobt und mehrfach für den Grammy nominiert wurde, ist eines der auffälligsten Dinge an „Love Heart Cheat Code“ seine Einfachheit. Die Richtung, in die sich die Band auf dem kommenden Album bewegt, wird nicht immer auf direktem Wege erreicht, sondern eher durch Nachdenken und Abdriften: in Jam-Sessions, die bis spät in die Nacht und früh am Morgen dauern, bei gemeinsamen Mahlzeiten, beim Herumspielen mit dem Equipment und miteinander. Auf dem Album sind auch andere Musiker:innen aus Melbourne zu hören, wie Taylor „Chip“ Crawford, der ein von ihm selbst erfundenes Instrument namens Frello spielt, der Gitarrist Tom Martin und der Flötist Nikodemos, sowie ein weiterer, noch nie dagewesener kreativer Kopf: Mario Caldato, dessen Arbeit mit den Beastie Boys und Seu Jorge Stoff für Legenden ist.

Die dreifach Grammy-nominierte Band, Hiatus Kaiyote, veröffentlicht ihr kommendes Album, „Love Heart Cheat Code“ am 28. Juni 2024 auf Brainfeeder.

„Love Heart Cheat Code“ ist eine Momentaufnahme von vier Musiker:innen, die gemeinsam am Rande des Abgrunds tanzen, mit elf verspielten, überschwänglichen Tracks, die Licht ausstrahlen. Doch für eine Band, die sich mit ihrer Komplexität einen Namen gemacht hat und für ihren Maximalismus von der Kritik gelobt und mehrfach für den Grammy nominiert wurde, ist eines der auffälligsten Dinge an „Love Heart Cheat Code“ seine Einfachheit. Die Richtung, in die sich die Band auf dem kommenden Album bewegt, wird nicht immer auf direktem Wege erreicht, sondern eher durch Nachdenken und Abdriften: in Jam-Sessions, die bis spät in die Nacht und früh am Morgen dauern, bei gemeinsamen Mahlzeiten, beim Herumspielen mit dem Equipment und miteinander. Auf dem Album sind auch andere Musiker:innen aus Melbourne zu hören, wie Taylor „Chip“ Crawford, der ein von ihm selbst erfundenes Instrument namens Frello spielt, der Gitarrist Tom Martin und der Flötist Nikodemos, sowie ein weiterer, noch nie dagewesener kreativer Kopf: Mario Caldato, dessen Arbeit mit den Beastie Boys und Seu Jorge Stoff für Legenden ist.

Sear Bliss liefern ihr Opus Magnum nach einer 30 Jahre langen Reise in die epische Dunkelheit ab - willkommen zu einer Reise in den Weltraum selbst,
dessen Göttlichkeit aus progressiven Komponenten und geschwärztem Chaos besteht: Sear Bliss' "Heavenly Down". Äußerlich mächtig und innerlich
erfüllend, wenden Ungarns metallische Vorreiter einmal mehr ihre charakteristische Formel an, Eleganz und Böses zu vereinen; zwei getrennte
Welten, die sich makellos zu einer besonderen Einheit von höchstem Rang verbinden. Heavenly Down" ist eine galaktische Reise, auf der Sear Bliss die
Regeln des experimentellen Metals neu schreiben, und die Reise ist sehr aufregend, glauben Sie uns: Obwohl "Heavenly Down" die üblichen Black
Metal-Qualitäten enthält, zeigt es eine saubere Form von Sear Bliss' eigener Originalität, gemischt mit einigen üblichen Ausstattungen. Wie nicht
anders zu erwarten, bewahren Sear Bliss ihre Blackened-Wurzeln mit epischen Tremolo-Picking-Passagen, feuernden Blastbeats und András Nagys
anmutigen Schreien, doch der Einsatz von schönen cleanen Gitarren und majestätischen Keyboards fügt dem bereits mächtigen Bild noch etwas
hinzu. Aber keine Angst vor zu viel sanftem Zeug, denn es gibt einige massive Headbanger-Riffs, die einem einfach die Augäpfel rausschreddern.

THE OMEGA SWARM, eine atmosphärische Death-Metal-Band aus Deutschland, begann im Jahr 2022, sehr bescheiden, sehr zurückgezogen. T., der bereits vier großartige Alben mit Sulphur Aeon veröffentlicht hat, hatte keinen vollwertigen Live-Act im Sinn, als er frühe Demos komponierte und das Skelett seiner - damals noch namenlosen - neuen Kreatur formte. Im Herzen ein wahrer Schöpfer, umarmt T. die akribische Arbeit an Riffs, Tönen, Klängen, den abenteuerlichen Geist des Aufbaus und der Verwirklichung von Ideen, das Experimentieren mit seinen geliebten Gitarren und Synthesizern, um erstaunliche Vibes und Songs zu produzieren, die bedeutungsvoll und doch extrem, melodisch und doch hart sind und sich in THE OMEGA SWARMs Debütalbum vereinen, einer Platte, einem Zeugnis, das der Essenz der Kunst selbst gewidmet ist.

So bodenständig T. auch ist, er ist nicht der Typ Mensch, der sich an eine Klangformel hält, er sucht nach "etwas mehr", "etwas anderem". Nachdem Sulphur Aeon mit dem monumentalen "Seven Crowns and Seven Seals" von 2023 vorerst abgeschlossen haben, was sie ausdrücken wollten, sind THE OMEGA SWARM jetzt sein Hauptaugenmerk, und das Line-up der Band, das von Sänger Christian Schettler (bekannt durch seine Arbeit bei den Labelkollegen Wound) und Schlagzeuger Max Scheefeldt (ex Misanthrope Monarch) komplettiert wird, passt perfekt zusammen. Musikalisch entstanden THE OMEGA SWARM aus T.s Experimenten mit rhythmischen Mustern, übereinanderliegenden Synthesizern, ausgefeilten Leads und etwas technischeren Riffingstrukturen.

Die wohl einzigen offensichtlichen Parallelen zu Sulphur Aeon sind die Betonung einer dichten, fesselnden Atmosphäre, epische Elemente und eine übergreifende Dunkelheit sowie die Erkenntnis nach der Fertigstellung der ersten Aufnahmen, dass auch THE OMEGA SWARM die Qualität besitzen, mehr als nur ein 'Schlafzimmerprojekt' zu sein.
Aufgenommen in den Studios von Feire Records und s/w records, gemischt und produziert von Langzeitpartner Simon Werner, wurde V. Santura (Triptykon, Dark Fortress) für das Mastering angeheuert und sorgte für den letzten Schliff von "Crimson Demise", einem Album, das stolz und mühelos zwischen Death und Black Metal changiert und von einer herausragenden Gesangsleistung abgerundet wird, bei der Chris eine ähnliche Bandbreite an Growls, Screams und cleanen Parts erreicht wie Peter Tägtgren in seinen besten Zeiten.

Vom Konzept her verzichtet die Gruppe auf uralte Lovecraft'sche Schrecken und wendet sich stattdessen geradlinigen apokalyptischen Themen zu. Ob Viren, bösartige Bakterien, verrückte Diktatoren, Klimawandel, religiöse und politische Ideologien, korrupte Technologie, Terrorismus oder Krieg, die Menschheit hat sich selbst für den Untergang gezeichnet - in leuchtenden Neonfarben, damit selbst eine außerirdische Spezies, die Galaxien entfernt ist, erkennen kann, was für Narren wir wirklich sind. "Die Menschheit kann sich nicht auf eine gemeinsame Wahrheit einigen, geschweige denn auf eine Strategie zur Lösung ihrer mannigfaltigen Probleme", erklärt Chris, "und bildet somit überhaupt keine Einheit. Der einzige gemeinsame Nenner, der uns alle eint, ist unsere Zerstörungswut, die irgendwann die gesamte Existenz der Menschheit gefährden könnte. Die Utopie wurde durch dystopische Szenarien ersetzt. Welche Formen des negativen menschlichen Verhaltens uns und die Gesellschaft derzeit beeinflussen und letztlich in eine zukünftige Endzeit führen, ist Teil des lyrischen Konzepts von THE OMEGA SWARM."
Aber keine Angst, bevor die Weltuntergangsuhr zum letzten Mal schlägt, soll euch das Vergnügen vergönnt sein, ein abwechslungsreiches, intensives und fesselndes Stück Metal zu erleben, das das neu formierte Trio aus dem Schlafzimmer auf die Bühne bringen will!

NOTHING MORE, das dreifach für den Grammy nominierte Quartett aus San Antonio, Texas, meldet sich mit ihrem spannungsgeladenen 8. Studioalbum CARNAL zurück, das am 28. Juni über Better Noise Music erscheint. Das Album enthält 15 Songs mit selbstreflektierten, philosophischen Texten und ungeschminkten, massiven Hymnen. Seit ihrem Debüt im Jahr 2003 haben NOTHING MORE zwei #1 Singles "This is the Time (Ballast)" und "Go To War" im US Active Rock-Radio platziert und waren insgesamt sieben mal in den Top-10 vertreten. "CARNAL" demontiert eindrucksvoll ihre musikalische Kompetenz innerhalb des Rock-Genres und weit darüber hinaus.

"The Last of Us" (2013) war der Startschuss für ein bedeutendes Medienfranchise mit Videospielen und einer Fernsehserie. Bei Fans gilt es immer noch als eines der besten Spiele, die jemals entwickelt wurden. Der Plot enthüllt ein postapokalyptisches Szenario, in dem der Überlebende Joel das 14-jährige Mädchen Ellie aus einer bedrückenden Quarantänezone schmuggeln muss. Dies führt zu einer herzzerreißenden Reise durch die zerstörten USA. Der Soundtrack wurde vom zweifachen Oscar-Preisträger Gustavo Santaolalla komponiert. Die fesselnde Klanglandschaft verleiht der Geschichte eine weitere, tief emotionale Dimension. Mit der Veröffentlichung des "The Last of Us - 10th Anniversary Vinyl Box Sets" wird das zehnjährige Jubiläum des Spiels gefeiert. Dieses Set enthält Musik aus den Original-Alben "The Last of Us" sowie "The Last of Us Volume 2" - darunter selbstverständlich das legendäre Main Theme, das zu den prägnantesten Musikstücken in der Videospielwelt zählt.


The stunning new soundtrack to the highly anticipated game, ‘The Last of Us Part II’. ‘The Last of Us’ is one of the most successful video games of all time. It sold over 20 million copies worldwide since it was released in 2013. It’s sequel, ‘The Last of Us Part II’ is one of the most anticipated games of 2020 and has already won awards including a Golden Joystick Award, The Game Award and The Game Critics Award. ‘The Last of Us (Original Soundtrack)’, also scored by Gustavo Santaolalla sold more than 25K copies in the UK. Marketing.

Japan based indie rock band Emptei will be release latest 2nd album on vinyl.

Sounds dreamy, psychedelic and evergreen.Clear green vinyl.

Eine raue und schroffe Sammlung von alten Klassikern, die Schwärme von Killer-Beats inspiriert haben. Mit einem Kopfnicken zu den Klängen der Shaolin haben die zwölf Kammern von Shanghai'd Soul sowohl lyrische Meister als auch Produktionsgenies beeinflusst, einige ihrer bedrohlichsten Hip-Hop-Songs zu komponieren. Roher Funk und smoother Soul, später gesampelt von J. Cole, The Game, Cappadonna, The Avalanches, Kanye West, Hudson Mohawke, Anderson.Paak, Loyle Corner, Meek Mill, T.I., Quavo, Danny Brown und 100 anderen.

Am 28. Juni wird Sub Pop das fünfte und bisher kühnste Album von Washed Out veröffentlichen: „Notes From a Quiet Life“. Die Musik von Washed Out kreierte schon immer eine Art zeitlosen Schwebezustand, mit eindringlichem, amorphem Gesang, weitläufigen Klanglandschaften und wehmütigen Erzählungen. 2021 verließ Ernest Greene, die kreative Kraft hinter Washed Out, die Stadt Atlanta, um in die ländliche Gegend zurückzukehren, in der er aufgewachsen war. Wo früher Eskapismus seine Gedanken durchflutete, beschäftigt er sich heute mit dem Universum der Wunder in der Realität um ihn herum. Die ehemalige Pferdefarm, auf die er gezogen ist, hat er "Endymion" genannt (nach dem pastoralen Gedicht von John Keats über einen von Liebeskummer geplagten Hirten, dessen erste Zeile lautet: "A thing of beauty is a joy for ever"). Sie hat alles geprägt, was er dort geschaffen hat, von seiner Musik über die kreative Ausrichtung des Albums bis hin zu seinen geplanten groß angelegten Experimenten in der bildenden Kunst. Diese Reinheit der Vision ist es, die „Notes From a Quiet Life“ so wirkungsvoll macht. Es ist das erste Album, das Greene komplett selbst produziert hat, mit Unterstützung von Nathan Boddy (James Blake, Mura Masa) und David Wrench (Caribou, Florence + the Machine). Für das Musikvideo zur Leadsingle „The Hardest Part" holte Greene den multidisziplinären Künstler, Autor und Regisseur Paul Trillo ins Boot. Das Video wurde mit Sora von OpenAI erstellt und ist die erste Zusammenarbeit zwischen einem Musiker und einem Filmemacher, die vollständig mit dieser neuen Technologie realisiert wurde.

"The Coroner's Gambit" wurde ursprünglich im Oktober 2000 veröffentlicht. Fünf der sechzehn Songs wurden im Studio von Simon Joyner in Omaha, Nebraska, aufgenommen, fünf weitere in John Darnielles Haus in Colo, Iowa, und der Rest in Ames. Das Album entstand langsam; die Mountain Goats hatten von von 1991 bis 1998 jedes Jahr Musik veröffentlicht, aber zwischen der Veröffentlichung der "New Asian Cinema" EP und "The Coroner's Gambit" verging das Jahr 1999 ohne eine offizielle Mountain Goats-Veröffentlichung. Die zusätzliche Zeit, die "The Coroner's Gambit" in Anspruch nahm hatte sich gelohnt: Es war ein Durchbruch für Darnielle als Songwriter und als Produzent des kompletten Albums, der sich als Gitarrist und auch stimmlich weiterentwickelt hatte. Seine Charaktere sind hier scharf gezeichnet, die makellose Überlieferung der Welten, in denen sie leben, bieten ihnen etwas Schutz vor dem Sturm. Die Mischung aus Heim- und Studioaufnahmen verleiht The Coroner's Gambit ein mitreißendes Gefühl der Unmittelbarkeit und deutete gleichzeitig in eine Zukunft, die die 2002 mit "All Hail West Texas" und "Tallahassee" anbrechen sollte. "The Coroner's Gambit" ist ein eigenständiges Meisterwerk, ein introspektives Epos, das Darnielles Ruf als einer der größten Songwriter unterstreicht, dessen Talent für bekenntnishafte Fabulierkunst nur wenige Rivalen kennt. In den Jahren nach der ursprünglichen Veröffentlichung von "The Coroner's Gambit" wurde es schwierig das Album in seiner Gesamtheit zu erfassen. Die LPs waren damals in einer Papiertüte untergebracht, bedruckt mit zusätzlichen von Darnielle verfassten Liner Notes. Eintausend Vinyl-Exemplare wurden herausgegeben und glaubt man den Berichten aus der Sammlerszene, haben weit weniger als eintausend dieser Papiertüten überlebt. So existiert der Text heute hauptsächlich durch Flickr-Alben und auf Fanseiten weiter. Die Neuauflage von 2024 kommt mit neuen Texten und Liner Notes von Darnielle für sowohl CD als auch LP.

Im Jahr 2024 steht für CROCELL viel auf dem Spiel. Bewaffnet mit einem von Tue Madsen produzierten neuen Album planen die Dänen, ihren bösen Einfluss weiter auszubauen und alles zu verderben, was sich ihnen in den Weg stellt. „Of Frost, Of Flame, Of Flesh“ ist der Titel des Albums und zusammen mit der Tatsache, dass die Band kürzlich bei EMZ unterschrieben hat, hat es das Potenzial, Crocells großen internationalen Durchbruch zu werden, nachdem sie zuvor auf kleinen Underground-Labels unterwegs waren. Der dänische Metal hat eine Band nach der anderen aufflackern und aussterben sehen, aber nach 17 Jahren macht Crocell unbeirrt weiter und hat sich mit fast sieben Veröffentlichungen und über 100 Konzerten in mehr als zehn Ländern längst als unverzichtbare Größe in der dänischen Metalszene etabliert.

HOMESHAKE ist das Projekt des kanadischen Home-Producers Peter Sagar, dessen Sound halluzinatorisch und herzzerreißend in seinen Schreien nach Verbindung ist, strukturiert, tiefgründig, auf einzigartige Weise seine vielfältigen Einflüsse würdigend. "Horsie", das siebte HOMESHAKE-Album und das zweite in 2024, vertieft Sagars Beziehung zu Einsamkeit und Angst und untersucht diese Themen im Kontext von Live-Auftritten. Die 12 Songs verwenden von Künstlern wie Four Tet und My Bloody Valentine beeinflusste Texturen, die rhythmischen Formen von D’Angelo und Sade sowie Ambient Americana-Momente im Stile Ry Cooders.
Following March's CD Wallet, HOMESHAKE presents his second album of 2024, Horsie. Written and recorded at his home studio in Toronto, it explores Sagar’s complicated feelings about returning to live performance. Deepening his relationship to loneliness and anxiety, the record examines those themes in the context of touring.

Horsie employs various textures influenced by artists like Four Tet and My Bloody Valentine, the rhythmic forms of D’Angelo and Sade, and moments of ambient Americana found in the works of Ry Cooder. The cornerstone pieces of gear used were an Ensoniq EPS and Roland Juno 60, though the album also employs a great deal of electric guitar, along with his beloved SP-404. He maintains a philosophy of “less is more,” finding the simplest route from one point to another.

HOMESHAKE, the musical project of Peter Sagar, is an expression of adjustment and contortion within the world as he experiences it and the sounds he wants to hear in it. Hallucinatory and heartbreaking in its cries for connection, Sagar’s sound is often imitated but has proven to be entirely his own; textural and profound, uniquely honoring his diverse influences but adrift within its own transportive imagination.

Es ist fünf Jahre her, dass Slaughter Messiah ihr Debütalbum "Cursed to the Pyre" veröffentlichten, das sie nach mehreren längst ausverkauften Kurzformaten und Demos (2021 kompiliert auf "Putrid Decade of Morbid Terror") mit ihrem charakteristischen Black-Speed-Metal-Sound an die Spitze der internationalen Szene brachte.

Jetzt zeigt der belgische Vierer endlich ein neues Lebenszeichen in Form von "Exorcized to None", einer EP mit einem neuen Song und zwei neu aufgenommenen Klassikern sowie allen drei Tracks als Live-Interpretationen von Shows in Polen, Deutschland und Österreich . Diese sechs Tracks umfassende Veröffentlichung folgt auf eine erfolgreiche Tournee in Südamerika und stellt den neuen Gitarristen D. Horse vor.

Wie der gesamte Backkatalog von Slaughter Messiah wird auch "Exorcized to None" garantiert bald eine begehrten Rarität sein - sichert euch jetzt euer Exemplar!

Es ist fünf Jahre her, dass Slaughter Messiah ihr Debütalbum "Cursed to the Pyre" veröffentlichten, das sie nach mehreren längst ausverkauften Kurzformaten und Demos (2021 kompiliert auf "Putrid Decade of Morbid Terror") mit ihrem charakteristischen Black-Speed-Metal-Sound an die Spitze der internationalen Szene brachte.

Jetzt zeigt der belgische Vierer endlich ein neues Lebenszeichen in Form von "Exorcized to None", einer EP mit einem neuen Song und zwei neu aufgenommenen Klassikern sowie allen drei Tracks als Live-Interpretationen von Shows in Polen, Deutschland und Österreich . Diese sechs Tracks umfassende Veröffentlichung folgt auf eine erfolgreiche Tournee in Südamerika und stellt den neuen Gitarristen D. Horse vor.

Wie der gesamte Backkatalog von Slaughter Messiah wird auch "Exorcized to None" garantiert bald eine begehrten Rarität sein - sichert euch jetzt euer Exemplar!

Kommt in schwarzer Außenhülle - limitierte Auflage von 500 Stück!
Viele Monde sind seit der Veröffentlichung von GORGOROTHs kultigem zweiten Album vergangen und es ist heute noch genauso einzigartig in Sound und Ausstrahlung wie 1996.
Ein absolut unverzichtbares Album, das jetzt wieder auf einer limitierten Killer-Picture-Disc mit Original-Artwork erhältlich ist.

Klassisch. Kult. Legendär. Obligatorisch. Worte können die Bedeutung von Gorgoroths Debütalbum für die zweite Welle des norwegischen Black Metals nicht beschreiben. Jetzt wiederveröffentlicht auf limitierter Picture Disc mit klassischen Originalcover, schwarzer Außenhülle und limitiert auf 500 Stück.

LIMBONIC ART kehren mit "Opus Daemoniacal" zurück! Das neunte Album der norwegischen Black Metal Pioniere ist schwarz wie ein Rabe, grimmig wie ein Wolf, majestätisch wie ein Adler und so mächtig wie die frühen Werke der legendären Band, die Sänger und Multi-Instrumentalist Vidar "Daemon" Jensen im Jahr 1993 gegründet hat. Auf "Opus Daemoniacal" bleibt der Norweger seinem geradlinigen schwarzen Kurs treu, den er zuletzt eingeschlagen hatte. Doch das Album lehnt sich gleichzeitig auch bewusst an die atmosphärische Dichte und das cineastische Gefühl von LIMBONIC ARTs bahnbrechenden Frühwerken an. Nach dem Anwachsen zu einem Duo erschien das Debütalbum "Moon in the Scorpio" im Jahr 1996 bezeichnenderweise über Nocturnal Art Productions - dem Label von EMPEROR-Gitarrist Samoth alias Tomas Thormodsæter Haugen. Die einzigartige Kombination aus hartem nordischen Black Metal mit erhabenen Kopfkino-Elementen, die ihre Inspiration aus romantischer und klassischer Orchestermusik bezogen, erwies sich in den folgenden Jahren als äußerst einflussreich. Mit dem Nachfolger "In Abhorrence Dementia" (1997) und dem dritten Album "Epitome of Illusions" (1998) reduzierten LIMBONIC ART allmählich die symphonischen Elemente in ihrem Sound. Im Februar 2003 löste sich das Duo auf, aber Daemon reformierte die Band im Jahr 2006. Es folgten die LIMBONIC ART Alben "Phantasmagoria" (2010) und "Spectre Abysm" (2017). "Opus Daemoniacal" verbindet die Gegenwart mit dem frühen Klanggefühl der norwegischen Kultband, was sowohl Freunde der ersten Werke als auch eine neue Generation von Liebhabern des klassischen nordischen Black Metal ansprechen wird.

Ende 2022 unterzeichneten ALTAR OF OBLIVION einen Deal mit From the Vaults und veröffentlichten im letzten Jahr die "Burning Memories"-EP, die als Appetizer für ihr kommendes viertes Album diente. Aber NICHTS konnte vorhersehen, was kommen würde. "In The Cesspit Of Divine Decay", das neue Album der dänischen Epic-Doomer, ist ein Konzeptwerk, das auf dem Tagebuch von Gitarrist Martin Meyer Sparvaths Urgroßvater mütterlicherseits, Jesper Wilhem Meyer, basiert, der während des Ersten Weltkriegs (1914-1918) widerwillig für das Deutsche Reich kämpfte.

Die Vorbereitungen für dieses akustische Unterfangen begannen 2005, als die Band eine Demoversion dessen aufnahm, was sich Jahre später in das jetzt fertiggestellte Album verwandeln sollte, das ursprünglich das Debütalbum der frühen Duo-Inkarnation der Band sein sollte. Dieses Album enthält einige der ersten Kreationen der Band, und in vielerlei Hinsicht kann es als eine Art Altar Of Oblivion-Prototyp betrachtet werden, der ihr düsterstes und traditionellstes episches Doom-Werk hervorbringt und ausspuckt. Während und seit der Pandemie waren Altar Of Oblivion im Aufnahmemodus
und haben sowohl neues als auch altes Material fertiggestellt, darunter zwei Alben, zwei EPs und ein Akustikalbum, was der Band eine wohlverdiente Studiopause ermöglicht, um sich von nun an auf Live-Shows zu konzentrieren. Für 2024 sind bereits einige Auftritte bestätigt, und das Kollektiv freut sich nun darauf, wieder auf die Bühne zu gehen, schwerer, älter und stärker als je zuvor. Die Zeit wird zeigen, ob Live-Auftritte die richtige Kur für einen schweren Fall von verfärbter Studio-Bräune sind.

On February 28th 2020 NEAERA released their 7th album – it was their self-titled comeback record after a 7-year-hiatus - which caught everyone by surprise. Despite having been very well perceived the pandemic impeded the band’s long awaited and already scheduled return to the live stages. On February 29th 2020, NEAERA played a successful and sold out release show in the band’s hometown, but it remained the only show for the record in years since Wacken, the Impericon festivals and other shows had to be postponed until further notice which was a huge setback for the ambitious quintet. Sebastian Heldt (drums), Tobias Buck (guitar) and Stefan Keller (guitar) used the unfortunate state of the pandemic and the impossibility to play live shows to create something new. Together with Marcus Bischoff of German metalcore institution Heaven Shall Burn and old friend Tristan Hachmeister they unearthed a black metal project by the name of OUR LOSS IS TOTAL and released the bleak full-length record “I” end of 2022 through the project’s own label. After that release, the NEAERA band members decided it was time write new material. The band wanted to go back to an old school approach, like in the old days, when they wrote the songs together in their little rehearsal room in their hometown of Münster, North Rhine Westphalia, Germany. The band started the writing process in September 2021, skipped the first material and then started with a new approach to a more free and less comfortable style, trying to leave old boundaries behind. By 2022, NEAERA played the postponed Wacken Open Air show – which was an overwhelming experience – and asked Janosch Rathmer (drummer of long-time friends and post rock institution Long Distance Calling) to record the band’s new album ALL IS DUST. The mixing and mastering was skilfully handled by Kristian Kohle at Kohlekeller Studios (Powerwolf, Aborted, Electric Callboy) who adorned the songs with the exact right powerful yet organic sound. In terms of lyrics, NEAERA shifted their approach a little bit and put the individual and its survival and well-being center stage – beside lyrics that deal with global or social clamour; a shift that can be called pandemic infused. 2024 marks the 20th band anniversary and is the perfect timing to release the eighth studio album, ALL IS DUST. Nothing can stop the band this year with two video clips at hand and prestigious summer festivals confirmed such as Summer Breeze, Reload and Vainstream Rockfest, the latter being the album release show in front of 20,000 people!

Through the folded sky to America

Ten albums in three years. That's still the cosmic mission of the Berlin post-kraut trio YELKA with Daniel Meteo, Christian Obermaier, and the namesake Yelka Wehmeier.

With the album "For," there was a Label change. After releasing three albums in 2023 with Maurice Summen, head of Fun In The Church they passed the label responsibilities to Karaoke Kalk. Karaoke Kalk is a friendly label founded in Cologne known for establishing the Berlin post-wende scene (fall of the wall scene).

The trio's fourth album was also created with Arne Berger at Popschutz Studio, and the team is definitely well-rehearsed. Instead of recording the planned tracks, the band decided to improvise the session, and all tracks, except for the krauty Doors cover "The Crystal Ship," were created in 5 days in the studio, mostly on the first or second take, but with significantly more overdubs - keyboards, backing vocals, second and third guitars, percussion, and piano. The sound of "For" has become warmer, and the album begins with a kind of 60s-Kinks feeling. Overall, the current record has become much more exuberant - like Alice in Wonderland, YELKA seem to want to restore innocence to things in the opener "Smile (Into Skies)," resulting in an uplifting hiking song for experimental outdoor bohemians.

The follow-up piece "The Boar" speaks to everyone from the north, south, west, and east and here YELKA encounter a horde of wild boars on their travels, before the vocals become hardly understandable and ghostly spooled in reverse, suddenly sounding like Damo Suzuki from CAN at the height of Tago-Mago times.

Finally, YELKA‘s "Crystal Ship," simply sails away with the wild boars into remote 4D worlds between the Cocteau Twins and X-Mal Deutschland.

In the first instrumental of the album "Is this enough?", the band reverse tracks like Jimi Hendrix in his Electric Ladyland, and we dive deeper and deeper into the endless sky until YELKA finally arrive on newly trodden sound paths with "MM" to their beginnings on their debut album "Nowhere Jive." At the popular intersection of post-rock and jazz, where guest singer Bela Hagel also likes to linger for a moment: "Sie wissen" (They know), he knows that too! Surely Rolf-Ulrich Kaiser would have had a lot of fun with his shamanistic singing on his "Kosmische Kuriere" label. The guitars sound like a desert, and the reverb reminds us of the expansive space in the opening track "Skies."

Finally, we land in Amerika, or rather, YELKA ponder the melancholic question of whether anyone still wants to travel to America with them, to the land of unlimited possibilities, the haven for artist souls all over the world. "Do you wanna dance?" Yelka Wehmeier finally asks, while a chorus in the best Sun Ra manner mantra-like repeats "Cold dogs, cool cats." The whole band sings. Everything sounds good.

Kaipa sind zurück! Im Sommer 1964 begann die musikalische Karriere von Hans Lundin, als er Mitglied seiner ersten Band als Organist und Sänger wurde. Er sagt, dass die folgenden Jahre "die beste Ausbildung waren, die ich je bekommen konnte". Neun Jahre später, 1973, gründete er die Gruppe KAIPA. Jetzt, 60 Jahre nach Beginn seiner Karriere, sind er und seine aktuellen Bandkollegen Per Nilsson, Jonas Reingold, Darby Todd, Patrik Lundström & Aleena Gibson stolz darauf, die Veröffentlichung von Kaipas 15. Studioalbum "Sommargryningsljus" (Summer Dawn Light) anzukündigen. "Eine flüsternde Morgendämmerung, die Sonne ist auf dem Weg, um einen brandneuen Tag aus den Schatten der Nacht zu eröffnen", heißt es zu Beginn des Songs "Songs in Our Hands". Das Thema der Morgendämmerung lag Hans Lundin in seinem Songwriting schon immer sehr am Herzen. Auf seinem selbstbetitelten Debütalbum, das 1975, also vor 49 Jahren, erschien, schrieb er darüber in dem Lied "Se var morgon gry". Auch in den Liedern "Dagens port" und "Visa i sommaren" auf den folgenden Alben kehrte er zu diesem Thema zurück. Mit dem neuen Album schließt er den Kreis und kehrt dorthin zurück, wo alles begann. "Sommargryningsljus" enthält acht Stücke, die eine nächtliche Reise von der Abenddämmerung bis zum Morgengrauen darstellen, wobei die ersten beiden Stücke die Dämmerung und die letzten beiden die Morgendämmerung repräsentieren. Diese nächtliche Odyssee kann als Metapher für den Zustand zwischen Tod und Wiedergeburt oder als Allegorie des Lebens in umgekehrter Reihenfolge betrachtet werden.

Brilliant crazy Hardcore/speedcore, Old School, Banging and... Colored !!

Orange :)

"Different Breed", das während ihrer Europatournee 2022 Abend für Abend akribisch ausgearbeitet wurde, würdigt alle charakteristischen Merkmale, die die Band ausmachen: wuchtige Riffs, Orchestrierung, Indus-Passagen und mitreißende Refrains, und bringt sie gleichzeitig mit dem über die Jahre erworbenen Know-how auf den neuesten Stand.

Abgemischt und gemastert von Chris Coulter (Arcane Roots, Idles) in London, bietet "Different Breed“ dem Hörer ein kompromissloses Eintauchen in eine Welt, die rau und dunkel, aber auch melancholisch und voller Hoffnung ist.

Artwork wurde von dem Maler Mathieu Questel gefertigt.

Ein exzellenter Tribut an den Budapester Komponisten und Pianisten Stephen de Bastion, dessen Karriere in den 1930er Jahren grausam unterbrochen wurde, er aber die Schrecken überleben konnte. Kuratiert von seiner Enkelin Roxanne de Bastion, die - parallel zu ihrem Buch "The Piano Player Of Budepast" - mit diversen Musikern und dem Produzenten Simon Tong (Damon Albarn, The Verve) einen Schatz von Kassetten auswertete und die Stücke (teilweise auf Stephens Originalklavier in Berlin) liebevoll neu interpretierte. Entstanden ist ein zutiefst ergreifendes Album mit Stephens wundervoller Musik.

Die Hamburger Punk Chaoten AXIDS veröffentlichen am 28. Juni mit den Amis von Knelt Before aus Oregon ein Split-MINI-Album mit dem Titel "SPLITSCREEN". Darauf zu hören: eigene Songs der beiden Bands und gegenseitiges Covern. Klingt nach Spaß, Krach und ewiger Adoleszenz. Die eine Seite voller stabiler HC-Screamo-Anthems, die andere eine konsequente Weiterführung, was die AXIDS 2021 mit ihrem Release "KIDS WITH AN AXE" gestartet haben: ein wilder Mix aus Punk, Garage und Black Metal mit einer ordentlichen Portion Wahnsinn. Musikalisch weiterentwickelt, bleibt inhaltlich alles beim Alten: Scream of Consciousness, Humor und purer Blödsinn. Die Titel sprechen für sich. Hier und dort taucht dann aber doch mal eine Message auf: "Nie wieder Krieg. Nie wieder Voldemort!" - zu hören im Opener: AXIDPELLIARMUS _ Wie es zu der Split gekommen ist, erzählen die AXIDS so: "Als wir das ganze vor drei Jahren gestartet haben, sind wir schnell über Insta mit unendlich vielen nicen Leuten in Kontakt gekommen. So auch mit Knelt Before. Wir haben uns sofort verstanden und eine Bandfreundschaft ist trotz der großen Distanz entstanden." Die Split läuft unter dem Titel Splitscreen und zeigt, wie die Jungs von beiden Bands aufgewachsen sind: Popkultur, Videospiele und Punkrock. Parallelen und Unterschiede wurden hier mit viel Passion fürs Detail von dem Künstler Rachid Lotf für das Cover Artwork in Szene gesetzt. Aufgenommen wurde die Seite der AXIDS von Yannig Malry - kein Unbekannter in der deutschen Punkszene - im Off Ya Tree Studio in Hamburg. Den Mix verantwortet Tobi Forneberg, der ansonsten für seine Extrem-Metal-Produktionen oder als Live-Mischer vom Freak Valley Festival bekannt ist. Ein musikalischer Spagat, der den AXIDS zugute kommt. Veredelt wurde das ganze zum Schluss von Philipp Welsing von Original Mastering.

Auf ,From The Source", dem ersten neuen Studioalbum von Causa Sui seit vier Jahren, hat die Band eine ihrer ehrgeizigsten Musiken überhaupt geschaffen - eine Reise durch die Klanglandschaften, die den Sound der Gruppe ausmachen, und ein Vorstoß zu neuen Horizonten. Mit ihren Verbindungen zu Jazz, experimenteller und Ambient-Musik sind Causa Sui so etwas wie eine Anomalie in der ständig wachsenden europäischen Psychedelic-Rock-Szene. Sie gehen immer ihren eigenen Weg. Nie zuvor wurden die weitreichenden Einflüsse der Gruppe so sorgfältig miteinander verwoben wie auf ,From The Source", von groovigem Zamrock und elektrischem Jazz bis hin zu schwebendem Post-Rock, Sabbath-Riffs und hypnotischer Kosmik. Das Album wurde in monatelangen Sessions im eigenen Studio aufgenommen, wobei jeder Teil durch intensive Erkundungen schrittweise verfeinert wurde, aber dennoch Raum für Improvisation blieb und die Magie der klinischen Perfektion vorgezogen wurde. Das Temperament der Musik reicht von eisern heiß bis eiskalt, mit allen dazwischen liegenden Ebbe und Flut. Die dynamische Bandbreite war schon immer von zentraler Bedeutung für Causa Sui, aber auf diesem Album erforscht die Band sie in einem neuen Ausmaß - jeder Track dreht und wendet sich und führt den Hörer nahtlos auf unvorhersehbare Pfade. Der Höhepunkt des Albums, und wohl auch des einzigartigen Ethos der Band im Allgemeinen, ist die seitliche Odyssee ,Visions of a New Horizon" - eine 24-minütige Suite in sieben Teilen. Ein angemessener Abschluss des Albums, das in diesem Jahr das 20-jährige Bestehen der Band markiert.

Madlib Invazion presents a colored vinyl issue of the long out of print 11th issue on the Madlib Medicine Show series - Low Budget High-Fi Music, on clear pink vinyl. In 2010, Madlib launched an ambitious series of releases known as the Madlib Medicine Show, which allowed the prolific producer to release new material on a monthly basis. The series touched on all the genres Madlib digs, and that’s just about any genre you can consider - from Jazz to Rock, Soul to Disco, myriad African musics, Brazilian and Reggae. On the 11th installment in series Madlib returned to his hip hop roots with Low Budget High-Fi Music. Featuring a run-down of regular Madlib collaborators who provide the Beat Konducta’s foil, it also included a hint of what was meant to come on the never-realized second Jaylib album, with a previously unreleased J Dilla collaboration."

Repressed. In 2010, Madlib launched an ambitious series of releases known as the Madlib Medicine Show, which allowed

the prolific producer to release new material on a monthly basis. The series touched on all the genres Madlib digs, and that’s just about any genre you can consider from Jazz to Rock, Soul to Disco, myriad African musics, Brazilian and Reggae. On the 11th installment in series Madlib returned to his hip hop roots with Low Budget High-Fi Music. Featuring a run-down of regular Madlib collaborators who provide the Beat Konducta’s foil, it also included a hint of what was meant to come on the never-realized second Jaylib album, with a previously unreleased J Dilla collaboration.

Die schottische Progressive-Post-Metal-Band DVNE wird ihr neues Album "Voidkind" am 19. April über Metal Blade Records veröffentlichen. Die 2013 in Edinburgh vom Franzosen Victor Vicart und dem gebürtigen Schotten Dudley Tait gegründeten Progressive-Post-Metal/Sludge-Künstler DVNE haben seit ihrem zweiten Album, dem kaleidoskopisch hypnotisierenden "Etemen Aenka" aus dem Jahr 2021, mächtig Dampf gemacht. Die LP, ihre erste Veröffentlichung für das legendäre Label Metal Blade Records, war ein konzertierter Aufstieg für diese rätselhafte Band, der es DVNE ermöglichte, in Großbritannien und Europa auf Headline-Tour zu gehen und Spots auf so anspruchsvollen Festivals wie Hellfest, ArcTanGent, Desertfest, Damnation und Resurrection zu bekommen. Die Live-EP "Cycles Of Asphodel" aus dem Jahr 2022 mit neu interpretierten Titeln des Albums sorgte für eine stetig wachsende Fangemeinde, und jetzt, im Jahr 2024, wird das dritte Album "Voidkind" die fünfköpfige Band (mit Maxime Keller an den Keyboards) an die Spitze ihres Könnens katapultieren.

Die US Metal-Legende Warlord wurde im Jahre 1981 von Mark Zonder und William J. Tsamis gegründet. Ein Jahr später, 1982, erschien der Song "Lucifer's Hammer" (basierend auf einem Roman von Larry Niven und Jerry Pournelle) auf der prestigeträchtigen Compilation "Metal Massacre II". Als Resultat unterzeichneten Warlord einen Kontrakt bei Metal Blade Records und nahmen ihre erste Mini-LP auf. "Deliver Us" erblickte 1983 das Licht der Welt und gilt heute als Blaupause des "Epic Metal" (zusammen mit Manilla Road, Cirith Ungol und Brocas Helm gelten Warlord als Erfinder jenes Stils). Nach zwischenzeitlicher Auflösung erschien im Jahre 2002 das starke Comeback-Album "Rising Out Of The Ashes", erst elf Jahre später gefolgt von "The Holy Empire". "The Holy Empire" sollte das letzte Warlord-Studioalbum mit neuem Songmaterial bleiben, denn Bandgründer William J. Tsamis verstarb am 13. Mai 2021 im Alter von nur 60 Jahren. Allerdings erschien danach noch ein weiteres Warlord-Album, nämlich "The Hunt For Damien" im Jahre 2015. Darauf zu hören ist als Sänger Nicholas Leptos (u.a. auch bei Astronomikon, Prodigal Earth, Gangland und Diphteria tätig). Das jetzt erscheinende "Free Spirit Soar", welches auch zwei überarbeitete Nummern von Lordian Guard enthält, ist ein Tribut von Sänger Giles Lavery an das musikalische Erbe von Bill Tsamis. Er wird dabei unterstützt von Mark Zonder (Drums), Jimmy Waldo (Keyboards/Synthesizer), Phillip Bynoe (Bass) sowie Eric Juris (Gitarre). Alle Songs wurden zwischen März und September 2023 aufgenommen.

Giles Lavery, der auch als Produzent fungierte, erklärt die Entstehungsgeschichte des Albums im Detail: "Unser erklärtes Ziel als Band war es, diese Musik für Bill fertigstellen. Und das vorliegende Material erschien uns ohne Frage stark genug, um uns dazu zu inspirieren. Bill ist bei allen Gitarrenparts zu hören, bei denen es uns möglich war, sie von den ursprünglichen Demo-Recordings zu isolieren - ganz so wie die verbliebenen Beatles die Stimme von John Lennon vom einem alten Demo-Tape zu retten in der Lage waren. Der Großteil der Gitarrenpassagen auf "Free Spirit Soar" wird zwar von Eric gespielt, aber die gesamte Musik stammt aus der Feder von Bill. Und wir haben uns wirklich sehr darum bemüht, seine Arrangements möglichst originalgetreu umzusetzen."

Line-up: Giles Lavery - vocals Eric Juris - guitars Philip Bynoe - bass Jimmy Waldo - keys Mark Zonder - drums

Die US Metal-Legende Warlord wurde im Jahre 1981 von Mark Zonder und William J. Tsamis gegründet. Ein Jahr später, 1982, erschien der Song "Lucifer's Hammer" (basierend auf einem Roman von Larry Niven und Jerry Pournelle) auf der prestigeträchtigen Compilation "Metal Massacre II". Als Resultat unterzeichneten Warlord einen Kontrakt bei Metal Blade Records und nahmen ihre erste Mini-LP auf. "Deliver Us" erblickte 1983 das Licht der Welt und gilt heute als Blaupause des "Epic Metal" (zusammen mit Manilla Road, Cirith Ungol und Brocas Helm gelten Warlord als Erfinder jenes Stils). Nach zwischenzeitlicher Auflösung erschien im Jahre 2002 das starke Comeback-Album "Rising Out Of The Ashes", erst elf Jahre später gefolgt von "The Holy Empire". "The Holy Empire" sollte das letzte Warlord-Studioalbum mit neuem Songmaterial bleiben, denn Bandgründer William J. Tsamis verstarb am 13. Mai 2021 im Alter von nur 60 Jahren. Allerdings erschien danach noch ein weiteres Warlord-Album, nämlich "The Hunt For Damien" im Jahre 2015. Darauf zu hören ist als Sänger Nicholas Leptos (u.a. auch bei Astronomikon, Prodigal Earth, Gangland und Diphteria tätig). Das jetzt erscheinende "Free Spirit Soar", welches auch zwei überarbeitete Nummern von Lordian Guard enthält, ist ein Tribut von Sänger Giles Lavery an das musikalische Erbe von Bill Tsamis. Er wird dabei unterstützt von Mark Zonder (Drums), Jimmy Waldo (Keyboards/Synthesizer), Phillip Bynoe (Bass) sowie Eric Juris (Gitarre). Alle Songs wurden zwischen März und September 2023 aufgenommen.

Giles Lavery, der auch als Produzent fungierte, erklärt die Entstehungsgeschichte des Albums im Detail: "Unser erklärtes Ziel als Band war es, diese Musik für Bill fertigstellen. Und das vorliegende Material erschien uns ohne Frage stark genug, um uns dazu zu inspirieren. Bill ist bei allen Gitarrenparts zu hören, bei denen es uns möglich war, sie von den ursprünglichen Demo-Recordings zu isolieren - ganz so wie die verbliebenen Beatles die Stimme von John Lennon vom einem alten Demo-Tape zu retten in der Lage waren. Der Großteil der Gitarrenpassagen auf "Free Spirit Soar" wird zwar von Eric gespielt, aber die gesamte Musik stammt aus der Feder von Bill. Und wir haben uns wirklich sehr darum bemüht, seine Arrangements möglichst originalgetreu umzusetzen."

Line-up: Giles Lavery - vocals Eric Juris - guitars Philip Bynoe - bass Jimmy Waldo - keys Mark Zonder - drums

Debutalbum by hard hitting avantgarde quartet featuring Wilco members Nels Cline & Glenn Kotche, plus improv heavyweights Chris Corsano & Darin Gray.

Debutalbum by hard hitting avantgarde quartet featuring Wilco members Nels Cline & Glenn Kotche, plus improv heavyweights Chris Corsano & Darin Gray.

Building on forty years years of GBV history, the majestic and triumphant Strut Of Kings is the forty-first album by indie rock royalty Guided By Voices. Largely recorded in Kings County, New York (Brooklyn), the album is perhaps a gesture towards the malevolent “kings” on the world stage. As the “Serene King” waltzes across the battlefield, Emperor Pollard evokes castles, King Kong and strutting roosters, a surreal yet regal journey.

Die Box, limitiert auf 1000 Stück im Handel, enthält das Debüt Album in seiner Original Version mit 6 Songs auf transparenter 180gr Vinyl.
Die Bonus LP "Demos & Rarities" erscheint als Picture Vinyl, die im Artwork Bilder des Original Master Tapes des Albums nutzt.
Neben den Demo Aufnahmen der Songs "Forgotten Past" und "Black Sun" befindet sich auf der LP auch der Song "Tommorrow's Dead", der zuvor nur auf der Vinyl Compilation "10 Years 8MM Musik" erschienen ist. Der Track "Living In Your Head" war damals B-Seite der Single "Creature of the Demon" und "The Man I Shot" & "Broken Wings" waren Teil des Split Album mit Aqua Nebula Oscillator "White Ring".
Nun werden all diese Songs aus der prägenden Zeit des Debüt Albums erstmals gemeinsam auf Vinyl veröffentlicht.

Das Foto Buch "The Early Days" zeigt eine große Auswahl von Fotos aus der Entstehungszeit der Band und enthält einen Text des Schriftstellers und Musikers Hendrick Otremba.

Auch die Dokumentation "MammutTigerWolf" der Regisseurin Irem Schwarz gibt vorher nie gesehene Einblicke in die Proben, Aufnahmen und Auftritte der Band Kadavar in ihrer Gründungszeit und wurde nie zuvor veröffentlicht.

Die Demo CD als Teil der Box war und ist ein Muss. 2010, Tiger, Lupus und Mammut nehmen ein paar Songs auf, brennen sie auf CD. Im Job-Center in Berlin, unten, in dem kleinen Copyshop, kopieren sie das Cover. Jedem Typen mit langen Haaren, dem sie in dieser Zeit begegnen, drücken sie ein Exemplar in die Hand: die ersten Aufnahmen von Kadavar. Die CD wurde in dieser Form nie neu produziert oder vertrieben.
Nun gibt es für diese Box die CD noch einmal, im Original Artwork. One time only.

Mit diesen Bestandteilen entsteht mit der "Kadavar - The First Album (Ltd. Anniversary Boxset)" eine einzigartige Sammlung an Zeitdokumenten die einen mit in ersten Jahre und die Entstehungsphase des legendären Debüt Albums von Kadavar entführt.

Boxinhalte:
- Debut Album (Gatefold / 180 gr Vinyl / transparent Vinyl)

Zu den Songtexten inspirierte die Band erneut der Schriftsteller
H.P. Lovecraft. Die neue Produktion ist eine Fortsetzung des
Vorgängers "The Cult" (1084541LIR / 1084542LIR). Bart Gabriel
produzierte und masterte "The Silver Key". Um den Mix kümmerte
sich Rafal Kossakowski. Die Bonustracks der beiden Versionen
dieser Albumedition dürften laut Frontfrau Marta Gabriel eine
Überraschung sein: "Ich schätze alle haben erwartet, dass wir
wieder klassische Heavy-Metal-Coversongs aufnehmen. Aber wir
haben beschlossen, dieses Mal etwas ungewöhnliches zu tun.
Wir nahmen Coverversionen von BATHORY (CD-Bonustrack) und
den MISFITS (LP-Bonustrack) auf. Beide Bands hatten einen riesigen Einfl uss auf mich.

Music From Memory is pleased to announce the upcoming release of ‘Salt And Sugar Look The Same’, a collaborative album from Tim Koh and Sun An.

Tim Koh is an American multi-instrumentalist and visual artist born and raised in Los Angeles. He has been touring, releasing music and showing art works internationally for nearly two decades. Sun An is a Southern California-based graphic designer, art director, and sound designer who has self-released music since 2012.

‘Salt And Sugar Look The Same’ plays somewhat like a dreamlike collage; across 18 short compositions, finger-picked guitars melt with electronics and warped samples to create a form of American Primitivism bent and refracted through Tim and Sun’s unique lens.

Their collaborative journey unfolded gradually, exchanging snippets via email over the span of a year or so, Sun in LA and Tim in Berlin. Amidst personal struggles and uncertainties, the act of recording and composing became a refuge, a safe space where they could navigate life's complexities together. Though they didn't converse much, mostly just sending music, their musical dialogue spoke volumes, shaping a narrative that evolved naturally over time. As they shared their musical ideas, they discovered a profound sense of connection and understanding with one another. The music became a conduit for healing, bridging the gaps between them and offering comfort in times of need.

Their musical influences and backgrounds anchored them. From reminiscing about past scenes to exploring cultural intricacies of being Korean American in Los Angeles, infused with a natural sense of shared identity, their collaboration reflected a mergence of old and new memories into a hallucinatory, dream-like experience. Across the 18 compositions that make up the album, incense emerges as a poignant motif, symbolizing the passage of time. Each incense stick becomes a vessel carrying the essence of moments gone by, while the holder becomes the custodian of these ephemeral memories.

‘Salt And Sugar Look The Same’ invites the listener on a boundary-transcending journey of introspection, joy, and pain, creating an experience that lingers long after the last note fades.

Sleeve art by Brian DeGraw, design by David McFarline.

Placid aka Paul Wise is chief in command at ‘We’re Going Deep’ – an expanding online community and record label, born from lifelong affair with the many shades of electronic rhythm and obsession for collecting records since 1988. He’s spent the last 3 decades moving heads and feet at venues, parties and fields across the UK and beyond.
On a mission to share and release new music via his label, you’ll find only the best in Acid, Electro, IDM, Techno and Deep House for the dance floor, front room or your headphones making the cut. For the 10th and final edition of his much prized various artist series, he unearths more machine fuelled magic: offering another set of equally excellent music from stellar talent.
Starting the dance, Dutch maestro Boris Bunnik dons his Versalife mantle to opens with ‘Skirmish 101’. Setting the machines to cycle, Bunnik fires a hefty slab of bass to bring down the walls whilst pristine robot like rhythms set your body in motion, all enveloped with sparse synthesis and shimmering effects. Crashing the joint with ‘Acid Baby’ - The Acid Pimp drops a no holds barred, riotous 303 workout that’s nothing short of a tour de force in exorcising the power of Roland’s most celebrated silver box. Putting pedal to the metal with drums and reverb, a smiley face or grimace is guaranteed!
Longtime collaborators Jamie Anderson & Owain K reset the dial on the flip with ‘Basement Dub’, a house paced workout that glides at a steady pace. Evoking the spirit of Mood II Swing whilst immersed in the depths of an underwater realm. Ending on the upbeat note of Konerytmi’s ‘Aamunkoitto’, the Finnish producer reflects a breezy disposition with a joyful melody, step-to electro beat and rolling acid bassline – all perfectly balanced to keep your calm and head out in the right direction, a great way to sign off on this highly collectable series.

" Brand new vinyl reissue to celebrate the 40the anniversary of zouk pioneers Kassav’ .

Who hasn’t retained at least one memory of the group Kassav’ from their youth? For whether in concert, or onthe radio or TV, the image of Kassav’ remains vivid inthe minds of listeners and spectators.

The group,founded in 1979 by Jacob Desvarieux, Georges andPierre-Edouard Décimus, has become legendary, putting Guadeloupe and Martinique on the musicalmap of the world. Touring the world with zouk, amusical movement introduced and popularized by Kassav’, their albums have repeatedly been rewarded with both gold and platinum discs .A victim of Covid in 2021, the loss of Jacob Desvarieux leaves a huge void. The mix of Jacob Des varieux and George Decimus with Jocelyne Béroard, Jean-Philippe Marthély, Patrick Saint-Éloi and Jean-Claude Naimro has played soldout concerts in 82 countries. With texts recounting reallife in the Caribbean world their lively music draws on the rhythms of Guadeloupe’s gwo-ka and Martinique’sti-bwa. Transcending the well-defined codes of Caribbean music, they have turned the 1980s and all the succeeding decades into a fabulous ballroom.

They have been welcomed in Japan and the USSR, where they became the first group of black musicians to tour. Forty years after the group’s creation, their timeless hits continue to resonate. "

Baby Blue & Halloween Orange Vinyl. In their decade-plus together, the four-piece_Julia Shapiro (guitar, vocals), Lydia Lund (guitar, vocals), Gretchen Grimm (drums, vocals), and Annie Truscott (bass, vocals)_have created a resonant body of work. Live Laugh Love is a natural continuation. Against the bizarre backdrop of the past few years, Chastity Belt remained a supportive space for the members to grow and experiment, drawing on the ingredients most essential to their process since the beginning: authenticity and levity. Recorded over three sessions in as many years (January 2020, November 2021 and 2022), the focus became more about enjoying their time together in the studio than making it feel like work. Their ease and familiarity with engineer Samur Khouja in LA, who also recorded their last album, made for a particularly enjoyable process. Once completed, they returned to renowned engineer Heba Kadry who mastered the album.Album opener "Hollow" sets the tone with a gently driving rhythm while guitar layers stream like sun rays through an open car window. A warmth radiates through Shapiro's voice, even while grappling with feeling lost and stuck. "The older I get," Shapiro says of the lyrics, "the more I realize that I might just always feel this way, and it's more about sitting with the feeling and accepting it, rather than trying to fight it." That wisdom seems to anchor Live Laugh Love. Chastity Belt has never shied from navigating the spectrum of difficult emotions, and an existential thread weaves throughout the subject matter. And yet the songs feel more grounded than ever; there's a sense of quiet confidence and self-assurance that comes with being less numb and more present. Facing discomfort takes more fortitude, after all.Live Laugh Love finds the members in their prime as musicians. Their parts trace intricate patterns over one another, but there's room to breathe between the layers. Everyone contributes to the writing, sometimes switching instruments, and for the first time, all four members sing a song. It's never been more apparent that they are creative siblings, cut from the same belt. "We've been playing music with each other for over a decade," says Shapiro, "so it really does feel like we're all fluent in the same language, and a lot of it just happens naturally.""Laugh" seeks in the balm of friendship, aware of the anticipatory nostalgia that hits during a good time that you're already missing before it's gone; the heavier guitar tones on "Chemtrails" streak ominous chord progressions over Grimm's precision timekeeping, lamenting memories that won't fade easily. During a transitional time, Truscott came across a note in their phone that read, "it's not hard all day, just sometimes," which inspired a poignant line in the chorus of "Kool-Aid," their first song as lead vocalist on a Chastity Belt recording. Another standout, "I-90 Bridge" shines with a silvery melody that soars as Lund belts one of the most resounding moments on the album: "Tell your girlfriend she's got nothing to fear/I'm set in my head/My body's a different story." The track "Blue" saunters nonchalantly with a wink; you can almost hear Shapiro's smile as she sings "Faking it big time/So I can hit my stride/Man, it feels good to be alive," channeling early Chastity Belt channeling early '90s before channeling the late Elliott Smith in a spiral of distortion and insight: "Don't get upset about it/It's gonna pass/Tell all your friends about it/They're gonna laugh.""We have such a strong sense of each other's musical inclinations" says Lund. "I think this allows for a lot of playfulness_we can kinda surprise each other, like a good punchline would."

repressed !

Compiled by legendary producer Arthur Baker, ‘Breakers Revenge’ is a near-definitive collection of original Funk, Soul, Latin, Disco and Electro classic tracks from 1970-1984. These tracks, a combination of classics and obscurities, have all since become legendary to Breakdancers everywhere.

First played at South Bronx block parties, community halls and park jams in the 1970s and 80s, spun endlessly by the first three major hip-hop DJs – Kool Herc, Grandmaster Flash and Afrika Bambaataa – and found in the record crates of any DJ of note ever since. Seminal funk and soul tracks such as Dennis Coffey’s ‘Scorpio’, The Jimmy Castor Bunch’s ‘It’s Just Begun’, James Brown’s ‘Get on the Good Foot’, The Mohawks’ ‘Champ’ sit side-by-side here with the ground-breaking, classic electro of Afrika Bambaataa’s ‘Planet Rock’, and Arthur Baker’s own definitive ‘Breaker’s Revenge.’ Breakdancing has come a long way from its New York roots to its respected position as an art form today where, for the first time ever, it is to be featured in the Olympics held in Paris this August 2024.

The ‘breakbeat’ remains at the very heart of hip-hop, the mercurial funk, soul and disco tracks, always 100% guaranteed to get B-Boys, B-Girls and Breakdancers moving at any block party, with the percussive breakdown of each track the pinnacle soundtrack to any dance/battle between Breakdancers of any note. Similarly these tracks have been sampled many 1000s of times over by every hip-hop artist and producer of note. KRS-ONE, Marley Marl, Kanye West, Jay-Z, Public Enemy, Eric B, The Fugees, Outkast, Mos Def, Main Source, Jungle Brothers, LL Cool J, De La Soul and, well, everyone!

Compiler Arthur Baker played a pivotal role in hip-hop history when in 1982 he produced Afrika Bambaataa’s seminal ‘Planet Rock’ (as featured here), introducing electronic instruments into hip-hop for the first time ever and in the process created electro. After ‘Planet Rock’, Arthur Baker went on to remix or produce every major artist of note – from New Order to the Rolling Stones, Al Green to the Pet Shop Boys

Eine raue und schroffe Sammlung von alten Klassikern, die Schwärme von Killer-Beats inspiriert haben. Mit einem Kopfnicken zu den Klängen der Shaolin haben die zwölf Kammern von Shanghai'd Soul sowohl lyrische Meister als auch Produktionsgenies beeinflusst, einige ihrer bedrohlichsten Hip-Hop-Songs zu komponieren. Roher Funk und smoother Soul, später gesampelt von J. Cole, The Game, Cappadonna, The Avalanches, Kanye West, Hudson Mohawke, Anderson.Paak, Loyle Corner, Meek Mill, T.I., Quavo, Danny Brown und 100 anderen.

Neuauflage seines klassischen dritten Albums auf LP
und Expanded-CD, mit dem 5 Wochen lang auf Platz 1
der AC-Charts (und Platz 7 der Pop-Charts) stehenden
Titelsong und Gastauftritten von Mitgliedern der Eagles,
Jackson Browne, David Sanborn, John Sebastian, Phil
Everly, Tom Scott und anderen.
1979 hatte sich JD Souther schnell als vollendeter
Singer/Songwriter und Interpret etabliert - er schrieb Hits
für die Eagles, Linda Ronstadt, Bonnie Raitt und James
Taylor und lieferte zwei inzwischen unverzichtbare
Veröffentlichungen für David Geffens Asylum Records. Für
sein Debüt bei Columbia Records stellte er eine
hochkarätige Band zusammen (Waddy Wachtel an der
Gitarre, Don Grolnick am Klavier, Kenny Edwards am
Bass und Rick Marotta am Schlagzeug, dazu Danny
"Kootch" Kortchmar an der Gitarre, David Sanborn am
Altsaxophon und Dan Dugmore an Gitarre und Steel).

BLUE NOTE CLASSIC VINYL EDITION: Stereo, komplett analog, von Kevin Gray von den OriginalMasterbändern gemastert, bei Optimal auf 180g-Vinyl gepresst. LPs im Single-Sleeve-Cover. Der Tenorsaxofonist Stanley Turrentine begann seine lange Zusammenarbeit mit Blue Note 1960 mit einem grandiosen Doppelschlag, als er gleich zwei exzellente Alben mit souligem Hardbop für das Label einspielte: “Look Out! und “Blue Hour”. Auf letzterem kam es zu einem besonders fruchtbaren musikalischen Austausch mit dem von dem Pianisten Gene Harris geleiteten Trio The Three Sounds, das sich mit seinen eigenen Aufnahmen für Blue Note bereits als eine der besten Hardbop- und Soul-Jazz-Formationen etabliert hatte. Als den “Mittelgewichts-Champion des Tenorsaxofons” hatte der Kritiker Leonard Feather einst den 1986 verstorbenen Hank Mobley bezeichnet. Das klingt zunächst nicht sonderlich schmeichelhaft, sollte aber nur zum Ausdruck bringen, dass Mobley mit seiner Phrasierung zwischen zwei anderen Tenorsax-Champions rangierte: dem “Schwergewicht” John Coltrane und dem “Leichtgewicht” Stan Getz. Auf “Workout” präsentierte sich Mobley 1961, sekundiert von einem Quintett junger Modernisten, in bestechender Höchstform.

DJ Support:
Denis Sulta, Austin Ato, Laurent Garnier, Tom / Groove Armada, Idris Elba, Jamie Jones, Oliver Heldens, ACRAZE, Mark Knight, Sam Divine, Riva Star, David Penn, Severino, John Summit & many more.

Massive Sampler from KooKoo featuring some heavyweight names inc Mark Knight & Armand Van Helden, Full Intention alongside up and coming names Ewan McVicar & Fabrikate who combine to deliver club smashing versions of Sharon Redd's "You Got My Love", Cloud One - “Disco Juice”, legend D Train’s Keep On, and Gayle Adams “Plain Outta Luck”. Buy or cry.