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Throughout a professional career defined by early pop successes, every single one of Andy Fairweather Low's performances has been shaped by his blues, gospel and soul influences, and although the many hits he has enjoyed have to some extent overshadowed his undeniable credentials as a great bluesman - his talent for the blues hasn't escaped the notice of some of the world's finest artists who have drawn on his skills as a guitarist and singer Eric Clapton of course leads this impressive list of Andy's discerning employers and collaborators which includes, BB King, Benmont Tench, Bill Wyman, Bob Dylan, Bonnie Raitt, Buddy Guy, Charlie Dore, Charlie Watts, Chris Barber, Chris Rea, Clarence 'Gatemouth' Brown, Dave Edmunds, David Crosby, David Gilmour, David Sanborn, Donald 'Duck' Dunn, Edie Brickell, Elton John, Emmylou Harris, Garth Hudson, George Harrison, Georgie Fame, Gerry Rafferty, Helen Watson, Jackson Browne, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Joe Cocker, Joe Satriani, John Mayall, Kate Bush, Levon Helm, Linda Ronstadt, Lonnie Donegan, Mary J. Blige, Mick Hucknall, Otis Rush, Paul Weller, Paul Young, Pete Townshend, Phil Collins, Richard and Linda Thompson, Rick Danko, Ringo Starr, Roger Waters, Ronnie Lane, Sheryl Crow, Steve Gadd, Steve Winwood, Stevie Nicks, The Impressions, The Who, Van Morrison, Warren Zevon, and hundreds more. But, despite the blues having become such a hugely popular genre internationally these days, and Andy having been in the thick of it for most of his professional life, he has largely missed the recognition he deserves in that field because up until now, he has never released a blues album. That's why I wanted to make a record that reveals the identity of the Invisible Bluesman to the world beyond his existing loyal fans. Meet Andy Fairweather Lowdown!

The scottish singer-songwriter and multi-instrumentalist James Yorkston and the english guitarist with a fluid fingerpicking touch, David A. Jaycock, already played together in the first formation of the experimental folk ensemble Big Eyes Family Players. Their encounter with Swedish saxophonist Lina Langendorf gives rise to a little gem of pure acoustic candour, perfectly balanced between chamber avant-garde and neo-folk. As on an endless autumn evening in front of a lake in Finland or Estonia, the trio's nordic soul creates atmospheres that recall hidden nostalgia. In a process of rarefied sound matter, elegiac paintings spring up, moments that flow slowly and silently in a tension that is always suspended and unresolved. Soft, crepuscular passages, at times sharp and cold guitar, but also the velvety breath of the nickelharpa, combine with a saxophone that still blows dramas of distant Norwegian fjords, but can also become more Mediterranean and arabesque. The music becomes like a warm warmth around the fire, reflecting a hidden twilight zone of the soul, in a quiet, gentle whisper between poetic abstraction and arpeggiated themes of more recognisable narrative melody, typical of a certain Northern folklore.
Co-Release with We are busy bodies.

Nice and original breakbeat melodious overdrive 1 techno electro killer.

Mr Thing returns with his 2nd release on Friday's Funky 45 after the 1st one Cool V sold out almost immediately! (repress coming soon) This time out Marc crafts a couple of 2 steppers to warm up your winter dancefloors. Side A is a nice flip of Cherelle & Luther's Saturday Love and side B a lovely version of Michael Wycoff's Looking Up To You - you know how the last one went - don't sleep!

Der aus Wyoming stammende Troubadour Jeb Loy Nichols kehrt mit ,This House is Empty Without You" zu Timmion Records zurück, einer zeitlosen Sammlung von Songs mit Soul-Wurzeln, die Wärme, Weisheit und stille Intensität ausstrahlen. Erneut unterstützt von Timmions Hausband Cold Diamond & Mink, liefert Jeb ein Album in voller Länge, das sich nahtlos in die Reihe der besten Veröffentlichungen des Labels einreiht - geprägt von den Traditionen des Southern Soul, aber getragen von seiner unverwechselbaren Stimme und seinem lyrischen Touch.Vom sanft dahinschreitenden Opener ,First Night Away from Home" bis zum Schlussstück ,Time On My Hands" entfaltet sich das Album wie ein gutes Sommerbuch, das man am besten mit einer warmen Brise im Gesicht genießt. Nichols hat die Fähigkeit, alles mühelos klingen zu lassen - als würde er nur für Sie singen, von der Veranda oder aus dem Hinterzimmer -, aber wenn man genau hinhört, entdeckt man Songwriting voller Tiefe, subtil arrangiert mit Orgelklängen, knackigen Drums und tiefen Grooves.Neben dem luftigen Midtempo-Romantikstück ,Here With You" gehören zu den weiteren Höhepunkten der rootsige Southern Shuffle ,Good Morning Monday", das herzergreifende ,Coming Home Love" und ,Step In", ein sanfter Groove über Wiederentdeckung und Wiedersehen. Zusammen mit Nichols - und Emilia Sisco, deren gospelartige Hintergrundharmonien mehrere Titel zieren - haben sie ein Album geschaffen, das sich an klassischen Einflüssen orientiert, aber unverkennbar persönlich und präsent klingt. ,This House is Empty Without You" ist eine Meisterklasse in zurückhaltendem Soul und beweist, dass Jeb Loy Nichols nicht nur immer noch da ist - er wächst weiter, strahlt und findet neue Wege, die Wahrheit zu sagen.

Mid Price Campaign! Heavy, melodic and passionate, Flat Earth is a hard rock band from Helsinki, Finland, founded by Ex-Amorphis bass player (Niclas Etelävuori) Ex-HIM guitarist (Linde Lindström) Ex-HIM drummer (Gas Lipstick) and Polanski singer (Anthony Pikkarainen). The band produces heavy riffs, blasting beats and cinematic chords that combine to create an unforgiving, passionate, and dynamic sound.
The band's debut single ‘Blame’ premiered on Radio Rock in 2018, immediately gaining popularity, throughout Finland and the rest of Europe. The single Cyanide followed in the footsteps of the debut single, gaining public recognition and earning them a spot opening for ‘Alice in Chains’, in Helsinki. To date, they have over half a million streams on Spotify, alone.
In the beginning of 2019, the band entered the studio to record the follow up to their debut album ‘None for One’. This time with legendary producer Tim Palmer behind the mixing desk.
Flat Earth is: Anthony Pikkarainen - Vocals (Polanski) Linde Lindström - Guitar (ex-HIM) Gas Lipstick - Drums (ex-HIM) Niclas Etelävuori - Bass (ex-Amorphis).

Dare To Wonder is the new album by London jazz rap duo Summers Sons. Two brothers, surname Summers. Turt on vocals and Slim on production.

Dare To Wonder consists of 12 songs about love, life and connection. Compared to previous Sons’ albums, it’s safe to call Dare To Wonder a feel good album in its best sense. It doesn’t turn a blind eye to the madness of the world today. But it dares to take a step back and marvel at the beauty of the world around us. It dares to wonder. Wonder awakens our curiosity and leaving us thirsty for more knowledge. But it also humbles us – keeping us from thinking we know everything already.

Since 2018 Summers Sons have released five albums on Melting Pot Music (Undertones, Uhuru, The Rain, Nostalgia, Still Nothing Still) – which accumulated over 50 million streams to date – and a string of high profile collaborations with The Silhouettes Project, Twit One, C.Tappin, Nix Northwest and Frankie Stew & Harvey Gunn.


INFOTEXT DE

Dare To Wonder ist das neue Album des Londoner Jazz-Rap-Duos Summers Sons – zwei Brüder mit dem Nachnamen Summers. Turt am Mikrofon und Slim an den Beats.

Dare To Wonder umfasst 12 Songs über Liebe, Leben und Verbundenheit. Im Vergleich zu ihren bisherigen Alben darf man Dare To Wonder mit gutem Gewissen als Feel-Good-Album im besten Sinne bezeichnen. Es verschließt nicht die Augen vor dem Wahnsinn der heutigen Welt, aber es wagt die Perspektive, um die Schönheit um uns herum neu zu betrachten. Es wagt, zu staunen. Staunen weckt unsere Neugier und macht uns hungrig nach mehr Wissen. Gleichzeitig macht es uns demütig – und bewahrt uns davor, zu glauben, wir wüssten schon alles.

Seit 2018 haben Summers Sons fünf Alben über Melting Pot Music veröffentlicht (Undertones, Uhuru, The Rain, Nostalgia, Still Nothing Still) – mit über 50 Millionen Streams – und hochkarätige Kollaborationen mit The Silhouettes Project, Twit One, C. Tappin, Nix Northwest und Frankie Stew & Harvey Gunn veröffentlicht.

Soundtrack-LP mit Originalsongs aus den Staffeln 4, 5, 6 der erfolgreichen Netflix-Zeichentrick-Serie BIG MOUTH, geschrieben und komponiert von Mark Rivers. Das Album enthält Gesangsdarbietungen der angesehenen Besetzung, darunter Nick Kroll, Maya Rudolph, Andrew Rannells, John Mulaney, Crissy Guerrero, Jason Mantzoukas, Paul Pell, Jon Daly, Joe Wengert u.v.m. Rotes Vinyl.

Nachdem Master's Hammer 2018 die letzte Show zur Unterstützung des Albums »Fascinator« gespielt hatten, schien es, als sei die Geschichte der tschechischen Legende endgültig zu Ende gegangen.

Aber glücklicherweise wurde die Band nicht begraben, sondern ging nur in den Winterschlaf und ist nun nach 7 Jahren mit einem neuen Album zurück! Master's Hammer, die sich nie darum gekümmert haben, sich anzupassen, weigern sich, sich auf bestimmte Genres festlegen zu lassen und nach den Regeln anderer zu spielen, was zu vielen höchst originellen Alben geführt hat, die sich jeder Kategorisierung entziehen. Obwohl »Maldorör Disco« unverkennbar Master's Hammer ist, ist es wahrscheinlich ihr bisher experimentellstes und am wenigsten nach Black Metal klingendes Album.

"Die große Palmöllüge". Alles steht hier im Zeichen der Verschwörungstheorie. Geht Palmöl nun klar oder ist die Abholzung des Regenwaldes am Ende etwa eine Riesensauerei - die Welt teilt sich in zwei Lager. Fridays for Future, regionale Kleinbauern und Orang Utans scheinen sich einig: geht eher nicht so klar. Hier halten wiederum ausgewiesene Klima-Experten dagegen, z.B. Jan Leyk (bekannt aus "Berlin Tag & Nacht"). Der sagt nämlich, dass die "bekackte Tofuwurst dafür sorgt, dass verschissen nochmal die Regenwälder abgeholzt werden". Palmöl, Facepalm - whatever_ Was hat das jetzt alles mit dem neuen Album des linksgrünversifften Punk-Quartetts Akne Kid Joe am Hut? Die sind Team Orang Utan und FFF, soviel erstmal dazu. Aber steht denn wirklich alles im Zeichen der Verschwörungstheorie? Wer aufgrund des Album-Titels nun eine Konzept-LP gegen nutella und co. vermutet, muss leider enttäuscht werden. Wie schon auf Karate Kid Joe wird sich hier auch wild echauffiert, die Palette ist nun aber deutlich breiter. Zentrale Themen sind - klar, Verschwörungstheorie - aber auch linke Klassiker wie Vaterlandsverrat, Saufen und Beamtenbeleidigung. Mitunter wird es auf der neuen Scheibe aber auch richtig deep, z.B. mit einer 1,5 minütigen Nacherzählung eines Beziehungsendes im Italien Urlaub. Oder der Frage was nun besser ist - "Free Hugs" oder "Love Yourself" T-Shirts.

Heavy, melodic and passionate, Flat Earth is a hard rock band from Helsinki, Finland, founded by Ex-Amorphis bass player (Niclas Etelävuori) Ex-HIM guitarist (Linde Lindström) Ex-HIM drummer (Gas Lipstick) and Polanski singer (Anthony Pikkarainen).
The band produces heavy riffs, blasting beats and cinematic chords that combine to create an unforgiving, passionate, and dynamic sound. The band's debut single ‘Blame’ premiered on Radio Rock in 2018, immediately gaining popularity, throughout Finland and the rest of Europe.
The single Cyanide followed in the footsteps of the debut single, gaining public recognition and earning them a spot opening for ‘Alice in Chains’, in Helsinki. To date, they have over half a million streams on Spotify, alone.
In the beginning of 2019, the band entered the studio to record the follow up to their debut album ‘None for One’. This time with legendary producer Tim Palmer behind the mixing desk.

“Godzilla just walked into the room. People just stood there with their eyes and mouths wide open.” To hear Randy Holden describe the audience’s reaction in 1969 to his solo debut performing with a teeth-rattling phalanx of 16 (sixteen!) 200 watt Sunn amps is about as close as one will get to truly experience the moment heavy metal music morphed into existence. However, at last Riding Easy have unearthed the proper fossil record. Population II, the now legendary, extremely rare album by guitarist / vocalist Holden and drummer / keyboardist Chris Lockheed is considered to be one of the earliest examples of doom metal.

Though its original release was a very limited in number and distribution, like all great records, its impact over time has continued to grow. In 1969, Holden, fresh off his tenure with proto-metal pioneers Blue Cheer (appearing on one side of the New! Improved! Blue Cheer album and touring for the better part of a year in the group), aimed for more control over his band. Thus, Randy Holden - Population II was born, the duo naming itself after the astronomical term for a particular star cluster with heavy metals present. “I wanted to do something that hadn’t been done before,” Holden explains. “I was interested in discordant sounds that could be melodic but gigantically huge. I rented an Opera house for rehearsal, set up with 16 Sunn amps. That’s what I was going for, way over the top.” And over the top it is. The six-song album delves into leaden sludge, lumbering doom and epic soaring riffs that sound free from all constraints of the era. It’s incredibly heavy, but infused with a melodic, albeit mechanistic, sensibility.

Troubles with the album’s release bankrupted Holden, who subsequently left music for over two decades. It was bootlegged several times over the years, but until now hasn’t seen a proper remaster and has yet to be available on digital platforms. “The original mastering just destroyed the dynamics of it,” Holden says. “They flattened it out. Now we got a really nice remaster that should be the closest thing to the original recording.”

This album cover is quite mysterious, isn't it? Let's uncover what's behind it. The first notes of the opening track immediately set the tone: the journey begins. Take the album title literally and allow yourself to be comforted by the tenderness the British band is about to offer.



Dream pop is a genre of its own, characterized by a warm sound, enveloping bass lines, dreamy synths, and beautiful vocals. With "No Rush," Tokyo Tea Room guides the listener through an exploration of their emotions and an escape from everyday life.


Each of the 12 tracks on this project exudes the same tender energy, yet stands out with creative and meticulously crafted compositions. This project is poised to become a staple of the genre.

HitSquad Records bringt die Größen des deutschsprachigen Musicals endlich dort hin, wo sie hingehören : Auf die
schönsten Vinyl-Schallplatten. Nach dem handsignierten Solo-Album von Everybody’s Darling Pia Douwes, einem von
den Fans-kurierten Best-Of der Songs aus Elisabeth, und einer Kompilation der Tanz Der Vampire Melodien, die die
Show unsterblich machen, erscheint nun ein weiteres KUNZE-LEVAY Meisterwerk auf WEISSEM Vinyl: Auch die
größten Hits aus MOZART! glitzern schon bald auf 12 hochwertig präsentierten Zoll.

Support from: Cream, Lady Duracell, Makossa, Robert Harding, Paul Thomas, Kiberu, Ede, Yves Eaux, Yas Cepeda, Francesco Chiocci, Lonya, PAAX, Yet More, Themba, Noel Sanger, Alex Neri, Gavin Hardkiss, Nicolas Masseyeff, Luke Garcia, Nhar / Bernhard Siefert, Underspreche,

Now, pushing the envelope with a fresh, contemporary flavor, Kwanzaa Posse offers African Kolors,
a gorgeous, warm Afro-inspired gem that exudes good vibes, while the alternative mixes take us deeper and
more underground. The vinyl includes two exclusive versions by Fulvio Perniola (FATHERS OF SOUND).

Written, Composed and Produced b: Kwanzaa Posse & Piero De Asmundis
at Kwanzaa Posse Studio, Pozzuoli, Naples (Italy) for Undiscovered Recordings Ltd.

Black Midi war von Anbeginn der Band ein illustres wie kreatives Tummelbecken für die Mitglieder der britischen Band - nun löst sich Geordie Greep mit seinem am 4. Oktober bei Rough Trade Records erscheinendem Solo-Debüt noch mehr von jeglichen Einschränkungen und Kompromissen! Eines der Hauptthemen von Anthony Powells Roman "A Dance to the Music of Time" ist der Kontrast zwischen jenen Charakteren, die nur von Macht getrieben werden, und jenen, die mehr mit den sinnlichen Freuden des Lebens in Einklang stehen. Unweigerlich holen die Zeit und das Schicksal jeden Protagonisten ein, und der Leser kann darüber nachdenken, ob ihr Schicksal gerechtfertigt ist oder nicht. "The New Sound" wirkt oft wie eine Wiederholung von Powells Thema, untermalt von einem schrägen - und völlig verkabelten - Palm Court Orchestra. Das Album ist mit Sicherheit eines, das den Hörer über die gesamten elf Tracks hinweg voll in seinen Bann zieht. Greep: "Ich war besorgt wegen der Länge, um nicht zu viel zu verraten. Aber ich bin es auch verdammt leid, Musik zu hören und im Voraus zu wissen, was sie bedeutet oder was sie zu tun versucht. Bei all meiner Lieblingsmusik geht es darum, dass der Hörer sich mit dem auseinandersetzt, was vor sich geht. Meine Lieblingssänger, wie Peter Hammill oder Nat King Cole, sind buchstäblich einmalig. Das liebe ich. Vor allem bei Texten, bei denen man nicht genau weiß, worum es geht, aber man weiß, dass es nicht nur abstrakte Gedanken sind."

Warsaw 480km ist das Debütalbum des irisch/portugiesischen Quintetts pôt-pot, das die treibenden Grooves des Krautrock mit einer phosphoreszierenden Psych-Rock-Ausstrahlung verbindet, unterstrichen von Harmonium-Drones, hypnotischen männlich-weiblichen Gesangsharmonien und tiefen Schichten rauer Texturen. Das Album entstand in erster Linie aus Demos des Multiinstrumentalisten und Leadsängers Mark Waldron-Hyden während einer Zeit der Trauer und des persönlichen Umbruchs und wurde durch eine Reihe von Live-Studio-Sessions in voller Besetzung zum Leben erweckt, die ein außergewöhnliches Spektrum an Talenten dokumentieren, die sich in einer Umarmung der rohen Katharsis mit einer süßlich düsteren Kante vereinen. Ein entscheidendes Element von Warsaw 480km ist die beeindruckende Bandbreite an Einflüssen und atmosphärischen Landschaften. Waldron-Hyden beschreibt: ,Ich habe die ersten Songs geschrieben, als ich noch nicht wirklich an einem Ort lebte, daher denke ich, dass sie sich irgendwie vergänglich anfühlen - sie mit der Band zu entwickeln half mir, eine Zeit zu verarbeiten, in der ich emotional frei war, daher erinnern sie mich gleichermaßen an die schönen Erfahrungen, die wir als kreative Einheit teilten, und an die schwierigen Zeiten, die sie inspirierten." Die Leadsingle ,WRSW" ist ein Beispiel für diese Komplexität, denn ihr robustes rhythmisches Rückgrat trägt Tremolo-Gitarren, ein wummerndes Harmonium und eine halb gesprochene, an Lou Reed erinnernde Gesangslinie, in der Strophe und Refrain wunderbar miteinander verschmelzen. Vor allem ist Warsaw 480km ein Album, das seinen Reichtum und seine Aura durch bewusste Sparsamkeit erreicht, wie Waldron-Hyden erklärt: "Ollie Oliver Smith und Sara Sara Leslie sind Experten darin, das Beste aus einem Pedal, einem beschissenen Verstärker und einer geliehenen Gitarre herauszuholen, ein Ergebnis von angeborenem Talent und jahrelanger Erfahrung; sie verwenden einige Modulationen für dröhnende Passagen, aber es sind ihre Spielstile und ihr Verständnis für ,den Vibe`, die die geheimen Zutaten sind." Diese Art von intuitiver Verbindung und Zusammenarbeit ist unglaublich selten, und mit diesen zehn Stücken vollbringen pôt-pot etwas wahrhaft Entrücktes, indem sie tiefen Schmerz in eine leuchtende Träumerei alchemisieren. Für Fans von Lewsberg, Spacemen 3, Spiritualized, Brian Jonestown Massacre, Velvet Underground, The Oh Sees, Ty Segall, Uranium Club, Night Beats, Goat, Black Lips.

Wenn du zehn Jahre in die Vergangenheit reisen könntest, was würdest du deinem jüngeren Ich sagen wollen? Das war eine Frage, die sich Khruangbin selbst stellten, als sie sich dem zehnjährigen Jubiläum ihres Debütalbums näherten - dem einstigen Kultklassiker, der heute als genreprägend gilt: The Universe Smiles Upon You". Wenn wir zurückgehen und uns selbst sagen könnten, wie viel nach diesem Album auf uns zukommen würde, was würden wir feiern wollen?" fragte Laura Lee, Bassistin, Sängerin und Gründungsmitglied der Band. Stattdessen dachten sie: Lasst es uns noch einmal machen." The Universe Smiles Upon You ii" wurde vom 4. bis 6. Januar 2025 in derselben Familien-Scheune des Gitarristen Mark Speer aufgenommen, an denselben Tagen, an denen TUSUY vor zehn Jahren erstmals entstand. Obwohl die Bedingungen dieselben waren - Schmutzboden, brutal kalt, minimale Schalldämmung, alle Aufnahmen live - sind die Songs es nicht. Sie wurden neu angegangen, einige stärker verändert als andere, mit der eingefangenen Blitz-in-der-Flasche"-Energie des ursprünglichen Albums, während gleichzeitig entdeckt wurde, was diesmal einzigartig sein würde, in dieser Phase des Bandlebens. Das Ergebnis bewegt sich wie Wellen auf dem Wasser über zehn hypnotisierende Tracks, die Scheune erzeugt ein Gefühl von Weite, Gelassenheit und kreativer Freiheit, die nahegelegene Tierwelt ist hörbar (achtet auf die Vögel bei August Twelve ii"), ebenso das Knarren und Klappern der Scheune. Es ist ein Geflecht aus kleinen Bewegungen in nuancierten Arrangements, das langsam das neue Leben, die Geschichten und den Charakter von jemandem enthüllt, den man nach zehn Jahren wieder wie zum ersten Mal trifft.

Punkrock, Fußball und Eishockey_Fan-Leidenschaft mit Höhen und Tiefen in mitreißende Hymnen verpackt mit Ohrwurmgarantie: Die Düsseldorfer Band "Dead Dates" haben sich nicht nur dem Punkrock verschrieben, sondern sind seit Jahrzehnten auch sportbegeisterte Fans und eng verbunden mit zwei Traditionsvereinen aus ihrer Landeshauptstadt! Jetzt erscheinen 2 neue Songs (nicht nur) für alle Fortuna95 Düsseldorf & DEG-Fans auf limitiertem 7inch Vinyl! Sänger "Opa" Marcus Haefs war jahrzehntelang Stadion-DJ der Fortuna Düsseldorf, pilgerte nebenbei auch noch zu fast jedem Heimspiel des Eishockeyvereins und hat nicht nur deshalb ein sicheres Gespür für Klänge, die bei Supportern & Ultras ankommen: "Wir wollten mit diesen Songs keine neuen Stadionhymnen oder Aufstiegslieder schreiben oder neue Fans erreichen. Wir fanden einfach die Idee gut eine Single mit zwei A-Seiten für die wichtigsten Vereine unserer Stadt aufzunehmen mit jeder Menge Spaß und Bier dabei" (Dead Dates) Vom Aufstieg zu reden wäre zumindest bei den Kickern derzeit auch etwas bescheuert so mitten im Abstiegskampf und deshalb heißt der Fortuna95-Song auch mit trotzigem Humor gespickt "Nie mehr Nebenplatz 11". Auch die DEG versucht ihre Erstklassigkeit wieder zu erlangen, also "Heja DEG"_die Playoffs sind nicht mehr weit! Punk hat sich schon immer mehr an den Underdogs orientiert und echte Fans halten ihrem Verein in jeder Situation die Treue!

Punkrock, Fußball und Eishockey_Fan-Leidenschaft mit Höhen und Tiefen in mitreißende Hymnen verpackt mit Ohrwurmgarantie: Die Düsseldorfer Band "Dead Dates" haben sich nicht nur dem Punkrock verschrieben, sondern sind seit Jahrzehnten auch sportbegeisterte Fans und eng verbunden mit zwei Traditionsvereinen aus ihrer Landeshauptstadt! Jetzt erscheinen 2 neue Songs (nicht nur) für alle Fortuna95 Düsseldorf & DEG-Fans auf limitiertem 7inch Vinyl! Sänger "Opa" Marcus Haefs war jahrzehntelang Stadion-DJ der Fortuna Düsseldorf, pilgerte nebenbei auch noch zu fast jedem Heimspiel des Eishockeyvereins und hat nicht nur deshalb ein sicheres Gespür für Klänge, die bei Supportern & Ultras ankommen: "Wir wollten mit diesen Songs keine neuen Stadionhymnen oder Aufstiegslieder schreiben oder neue Fans erreichen. Wir fanden einfach die Idee gut eine Single mit zwei A-Seiten für die wichtigsten Vereine unserer Stadt aufzunehmen mit jeder Menge Spaß und Bier dabei" (Dead Dates) Vom Aufstieg zu reden wäre zumindest bei den Kickern derzeit auch etwas bescheuert so mitten im Abstiegskampf und deshalb heißt der Fortuna95-Song auch mit trotzigem Humor gespickt "Nie mehr Nebenplatz 11". Auch die DEG versucht ihre Erstklassigkeit wieder zu erlangen, also "Heja DEG"_die Playoffs sind nicht mehr weit! Punk hat sich schon immer mehr an den Underdogs orientiert und echte Fans halten ihrem Verein in jeder Situation die Treue!

Die ungarischen Groove-Metal-Ikonen EKTOMORF kehren mit HERETIC zurück! Ihr bisher persönlichstes, intensivstes und emotional erschütterndstes Album. Nach dem gefeierten VIVID BLACK und ihrer bisher größten Headliner-Tournee liefert Frontmann Zoltán „Zoli“ Farkas einen klanglichen Exorzismus, geprägt von einer persönlichen Tragödie: dem Verlust seiner Mutter und seines geliebten Hundes Wuffa. Produziert von seinem langjährigen Weggefährten Tue Madsen, ist HERETIC eine niederschmetternde Reminiszenz an die Outcast/Destroy-Ära der Band – nur düsterer, wütender und noch unerbittlicher!

"Heretic" steht nicht nur für einen musikalischen Wendepunkt. Es markiert auch die Rückkehr von Ektomorf zu Bleeding Nose Records. Nach vielen Jahren des Experimentierens, des Ausprobierens und Entwickelns ist die Band nun wieder da, wo sie hingehört.Ektomorf haben mit Heretic nicht nur ein weiteres Album geschaffen, sondern sich selbst neu erschaffen. Der Sound kehrt zurück zu den besten Zeiten von Outcast und Destroy, mit brachialen Drop-B- und Drop-A-Tunings, brutalen Riffs und dem unverwechselbaren, wuchtigen Groove.Doch gleichzeitig geht das Album noch einen Schritt weiter. Es ist wütender. Es ist dunkler. Es ist kompromissloser. Die Gitarrenwände sind massiver als je zuvor, verstärkt durch den gleichen Mesa Boogie Dual Rectifier, den Zolischon auf Outcast verwendet hat, nur diesmal mit einer modernen, brutaleren Klangdimension, die alles bisherige in den Schatten stellt. Doch es ist nicht nur der Sound, der Heretic so außergewöhnlich macht. Jeder Song auf dem Album erzählt eine Geschichte von Schmerz, Verlust und der Wut auf eine Welt, die alles zerstört, was einem wichtig ist.

Für Aesop Rock war der Satz "I heard it's a mess there too" zuerst nur ein Songtext, aber es dauerte nicht lange, bis ihn dieser Satz packte. Er kam ihm bekannt vor, wie ein Satz, den er in den letzten Jahren tausendmal gesagt hatte, wenn er sich mit Freunden in verschiedenen Städten austauschte und sie sich gegenseitig erzählten, wo sie gerade waren und was dort so los war. Je länger er über diesen Satz nachdachte, desto mehr wurde ihm klar, dass er der Kern von etwas Größerem war. "I Heard It's A Mess There Too" steht für Aesop an der Schnittstelle zweier persönlicher Bedürfnisse: dem Bedürfnis, sich hinauszuwagen und seine Umgebung zu dokumentieren, und dem Wunsch, in Verbindung zu bleiben - besonders wenn die Lage unsicher ist. Musikalisch betritt Aesop Rock auf dem Album Neuland. "Ich habe viele Jahre lang auf die gleiche Weise Tracks produziert", sagt er, "aber hier habe ich bewusst meinen Prozess geändert. Ich habe ein paar neue Tools ausprobiert und versucht, meine Beats klarer und minimalistischer zu gestalten. Die Drums sind reduzierter, die Basslines dürfen einfach für sich stehen, ohne dass zehn weitere Elemente darübergelegt werden. Ich wollte nicht, dass der Beat und der Gesang um Aufmerksamkeit konkurrieren - ich wollte nur genug, um eine Welle ins Rollen zu bringen, und nicht viel mehr, nur eine Stimmung schaffen, zu der ich mich bewegen konnte." Diese zwölf Songs markieren verschiedene Stationen auf diesem Weg des Experimentierens und der Suche nach etwas Neuem.

Für Aesop Rock war der Satz "I heard it's a mess there too" zuerst nur ein Songtext, aber es dauerte nicht lange, bis ihn dieser Satz packte. Er kam ihm bekannt vor, wie ein Satz, den er in den letzten Jahren tausendmal gesagt hatte, wenn er sich mit Freunden in verschiedenen Städten austauschte und sie sich gegenseitig erzählten, wo sie gerade waren und was dort so los war. Je länger er über diesen Satz nachdachte, desto mehr wurde ihm klar, dass er der Kern von etwas Größerem war. "I Heard It's A Mess There Too" steht für Aesop an der Schnittstelle zweier persönlicher Bedürfnisse: dem Bedürfnis, sich hinauszuwagen und seine Umgebung zu dokumentieren, und dem Wunsch, in Verbindung zu bleiben - besonders wenn die Lage unsicher ist. Musikalisch betritt Aesop Rock auf dem Album Neuland. "Ich habe viele Jahre lang auf die gleiche Weise Tracks produziert", sagt er, "aber hier habe ich bewusst meinen Prozess geändert. Ich habe ein paar neue Tools ausprobiert und versucht, meine Beats klarer und minimalistischer zu gestalten. Die Drums sind reduzierter, die Basslines dürfen einfach für sich stehen, ohne dass zehn weitere Elemente darübergelegt werden. Ich wollte nicht, dass der Beat und der Gesang um Aufmerksamkeit konkurrieren - ich wollte nur genug, um eine Welle ins Rollen zu bringen, und nicht viel mehr, nur eine Stimmung schaffen, zu der ich mich bewegen konnte." Diese zwölf Songs markieren verschiedene Stationen auf diesem Weg des Experimentierens und der Suche nach etwas Neuem.

Forged between Germany and a war-torn Ukraine, the 'The Grid' EP sees Drum & Bass duo KRÆK & NickBee overcome conflict and blackouts to deliver four tracks of defiant, cutting-edge dancefloor energy.

Die Musik von Vulture Feather scheint extra dafür gemacht zu sein, die heimtückische Angst zu durchbrechen, die unsere Wahrnehmung in der heutigen Zeit beeinflusst. Es ist Musik voller Dringlichkeit, aber auch voller tiefem Mitgefühl. Vulture Feather ist zweifellos eine Punkband, aber es ist auch klar, dass sie spirituelle Praktiker der Musik sind. Wenn man Vulture Feather spielen sieht oder hört, hat man das überwältigende Gefühl, dass sie diese Musik nicht nur machen, weil sie es wollen, sondern weil sie es müssen. ,Craving and Aversion", vier Songs, die im Anschluss an ihr gefeiertes zweites Album ,It Will Be Like Now" aufgenommen wurden, zeigen die Band, wie sie sich noch intensiver mit ihrer einzigartigen Praxis des emotional kraftvollen, vom Post-Hardcore beeinflussten Art-Rock beschäftigt. Während frühere Werke hier zwar nicht zum Thema gehören, kennen Fans McCann und Gossman aus ihrer Zeit bei den prähistorischen Don Martin Three (deren Katalog kürzlich von Numero Group neu aufgelegt wurde) und später bei Wilderness (Jagjaguwar). Zweifellos ist das der Sound von Leuten, die seit über 25 Jahren zusammen Musik machen. Die Gitarre und der Gesang glänzen ebenso wie sie heulen und funktionieren als Duett, das ,The Only Story Ever Told" über einer prägnanten und donnernden Rhythmusgruppe präsentiert. Es ist der Sound, der überall und jederzeit zu hören ist, durch dichte Wolkendecken, von Canyonwänden widerhallend, durch unruhige Gewässer und schließlich zu deinen Geräten, deinen Ohren, deinem Herzen, wenn du dich entscheidest, ihn zu hören.

Das zweite Werk eines Künstlers hat in der öffentlichen Kritik meist einen besonders schweren Stand. Die
Vorschusslorbeeren, die beim Debüt noch großzügig verteilt werden, sind schnell aufgebraucht. So erging
es auch der zweiten Fehlfarben-LP bei ihrer Veröffentlichung im Herbst 1981. Zu sehr wurde „33 Tage in
Ketten“ an dem Überalbum „Monarchie und Alltag“ gemessen.
Bei „33 Tage in Ketten“ war der charismatische Shouter Peter Hein nicht mehr dabei. Kurz vor einer
geplanten Deutschlandtour im Frühjahr 1981 hatte er der Band den Rücken gekehrt, weil er mit dem Erfolgsdruck nicht fertig wurde. Gitarrist Thomas Schwebel, der bei „Monarchie und Alltag“ noch die Texte mit
Peter Hein zusammen schrieb, übernahm schließlich das schwere Amt des Frontmanns. Das im Sommer
1981 in den Kölner EMI-Studios eingespielte Album ist wesentlich härter und aufwühlender als „Monarchie
und Alltag“. Beim wuchtigen Opener „Tanz mit dem Herzen“ trommelt der 2023 verstorbene Uwe Bauer,
der ohnehin nie ein Freund leiser Töne war, wie ein junger Gott, während Bass (Michael Kemner) und
Gitarre (Uwe Jahnke) marschieren.
Für die strikt limitierte 2LP-Reissue in braunem Vinyl konnte neben raren B-Seiten auch das komplett
unveröffentlichte Stück „Warten auf“ sowie bislang ebenfalls noch nie gehörte Live-Aufnahmen von einem
81er-Gig bei Radio Bremen gesichert werden. Feuilleton-Autor Marc Hairapetian steuert zudem aktualisierte und exklusive Linernotes bei.
Ein absolutes Must-Have!

Vesu's goes dub!

Vesa-Matti Kivioja, aka Vesu's aka Torolf Stendik has been making waves as an integral part of the multi-faceted Ljudverket & Meltdown Deejays crews in his native Finland for many years. He is perhaps most recognised for his "List of Lizards" saga which began in 2019 on Brian Not Brian's Going Good imprint.

Tokage No Risuto, the third instalment in the lizard saga, sees Vesu's migrate deeper into the dub tradition. The beats have slowed down; the atmospheres thickened. Downtempo rhythms, ambient drifts, and dub-infused echoes weave through the landscape, joined at times by guest voices that shimmer and dissolve into the mix.

The 12-track album is available on a special edition cassette with a vibrantly riso-printed card housed inside a laser printed case, with a striking green cassette. Mastered for tape by Giuseppe Ielasi.

Tokage No Risuto has a number of guest appearances, most notably the legendary musical pioneer and woodwind instrumentalist Tapani Rinne of RinneRadio.

Silva Screen Records präsentiert „Music from The Crown“, ein mitreißendes neues Album, dass die Emmy-prämierte Netflix-Serie mit frischen orchestralen Interpretationen ihrer einprägsamsten Melodien feiert. Aufgenommen vom renommierten Ensemble London Music Works und mit ausdrucksstarken Cello-Soli von Nick Squires, umfasst die Sammlung die Hauptthemen und wichtigsten musikalischen Momente aller sechs Staffeln und zeichnet die Reise der Krone von der jungen Elizabeth II. bis zum Ende ihrer Regierungszeit nach.

Diese neuen, für ein volles Orchester arrangierten und mit modernem cineastischem Glanz versehenen Versionen würdigen den musikalischen Ton von „The Crown“ und verleihen den prägnanten Themen von Hans Zimmer, Rupert Gregson-Williams und Lorne Balfe die Unmittelbarkeit eines Konzertsaals. Hans Zimmer ging das Projekt mit dem Gewicht eines Spielfilms an und erkannte die weitreichende Vision des Schöpfers Peter Morgan. Rupert Gregson-Williams erinnert sich an lange Gespräche, in denen der majestätische und doch zurückhaltende Ton des ersten Themas festgelegt wurde, während Lorne Balfe betont, wie die Filmmusik mit Königin Elizabeths Entwicklung von der Unschuldigen zur Monarchin mit gereift ist. Als Martin Phipps in Staffel 3 das Ruder übernahm, schuf er ein Gleichgewicht aus Respekt vor dem Bestehenden und einer frischen musikalischen Identität, die die neue Ära der Serie widerspiegelte.

WOODKID komponiert die Musik zum heiß erwarteten PlayStation-Spiel "Death Stranding 2: On The Beach". Mit seinem neuen Album "WOODKID FOR DEATH STRANDING 2: ON THE BEACH" zum sehnlichst erwarteten Spiel von Hideo Kojima hebt WOODKID die Idee von Game-Musik auf ein neues Level. Die Songs sind inspiriert von Kojimas Erzählkunst, seinen Figuren und der Welt von Death Stranding - und entfalten sich als eigenständiges Werk voller Tiefe, Kontraste und Atmosphäre.WOODKID, bürgerlich Yoann Lemoine, ist ein französischer Sänger und Komponist. Mit seiner stilsicheren Kombination aus orchestraler Dramatik, elektronischer Präzision und emotionalem Tiefgang hat er sich international einen Namen in der Musik- und Filmwelt gemacht - sowohl als Musiker als auch als Videoproduzent für Künstler:innen wie Rihanna, Lana Del Rey, Pharrell Williams oder Harry Styles. Seine Musik wurde für zahlreiche Film-, Serien- und Videospielproduktionen eingesetzt (Arcane, Assassin's Creed, The Umbrella Academy). Für seine Arbeiten wurde er mehrfach für Grammy- und MTV-Awards nominiert, seine Single "Run Boy Run" wurde weit über fünfhundert Millionen Mal gestreamt. Auch in der Modewelt ist WOODKID präsent - etwa mit Musik für die Shows von Louis Vuitton oder Dior.Über drei Jahre hinweg arbeitete WOODKID eng mit Kojima und dem Team von Kojima Productions zusammen, um Musik zu erschaffen, die weit über klassische Soundtracks hinausgeht. "Jeder Song, jedes Thema wurde in zahllosen Varianten und Schichten komponiert", erklärt WOODKID. Das Ergebnis ist ein Album, das cineastische Orchesterarrangements mit elektronischen Klanglandschaften und eindringlichen Gesangslinien verbindet."Death Stranding 2: On The Beach" ist das neue Werk von Hideo Kojima, einem der visionärsten Köpfe der Gaming-Welt. Als Fortsetzung des vielfach ausgezeichneten ersten Teils, der über 20 Millionen Spieler:innen weltweit erreichte, führt das Spiel die Themen Verbindung, Isolation und Verantwortung in eine neue erzählerische Dimension. Das Spiel besticht zudem durch einen hochkarätigen Cast - darunter Norman Reedus, Léa Seydoux, Troy Baker, Elle Fanning und Shioli Kutsuna - und eine Geschichte, die von den globalen Erfahrungen der letzten Jahre inspiriert ist.Von zarten Melodien bis zu eruptiven Breakcore-Momenten - jeder Track erzählt eine Geschichte. Für die Aufnahmen reiste WOODKID zwischen Paris, Los Angeles und Tokio, um die kreative Vision Kojimas einzufangen. "Es ist manchmal schwer, Hideos Vision ganz zu verstehen, weil sie sich ständig verändert. Man muss dem Prozess vertrauen - und das Ergebnis ist immer überwältigend", sagt er. Was dabei entstand, ist mehr als ein Soundtrack: Es ist ein Manifest künstlerischer Freiheit, ein musikalischer Gegenentwurf zu Konventionen - und eine Hommage an das Anderssein.Die erste Single "To The Wilder" erschien im März 2025 und verzeichnet bereits über 3,7 Millionen Streams weltweit. Das Album erscheint digital, sowie als Vinyl- und CD-Edition - beide mit dem großartigen Artwork des Spiels und als liebevoll gestaltete Sammlerstücke für die internationale Fancommunity.Neben WOODKIDs Album erscheinen zwei weitere Veröffentlichungen zum Spiel: ein Score-Album sowie ein weiteres Song-Album mit noch nicht angekündigten Künstler:innen. Beide erscheinen digital, ebenfalls bei Milan Records.Das Spiel "Death Stranding 2: On The Beach" erscheint am 26. Juni 2025 exklusiv für PlayStation®5.

This album marks the beginning of Chiemi Eri's popularity, which transcends generations and borders and remains highly popular to this day.
Seven vinyl records focusing on "jazz" have been released simultaneously! This album commemorates the 30th anniversary of Chiemi Eri's debut, and was supervised by her mentor, Carl Jones. You can enjoy Chiemi's even more mature jazz singing.

Begging Dog ist das Indie-Punk-Projekt des in Los Angeles ansässigen Künstlers Jeff Kleinman. Als Ventil für seine Arbeit außerhalb der Band Choir Boy widmet sich Kleinman bei Begging Dog einem rohen, hausgemachten Sound mit Anklängen an Garage Punk und einer einfachen Sprache in den Texten. DEMO 1 ist 26 Minuten lang und voller rollender Bass- und Synthesizer-Linien, charismatischer Riffs und motorischer Drum-Beats. Textlich zeichnen die Songs eine Reihe von Beobachtungen, Szenen und Charakteren aus dem Leben: einen aufdringlichen Gewerkschaftsvertreter, einen Postboten mit einem festen Job bei der Bundesbehörde, einen zwanghaften Spieler und einen geliebten Obdachlosen aus der Nachbarschaft. Ehemalige Liebschaften werden zu einer Collage zusammengefügt, die mehrere Tracks begleitet, aus dem Zusammenhang gerissen, mit unverblümten, scharfsinnigen freien Versen. Kleinman nennt Bruce Springsteen als Inspiration dafür, wie seine Songs mit schlichter Tinte geschrieben sind, wobei er direkte Einfachheit gegenüber blumiger Prosa bevorzugt. Er greift eine gemeinsame Einsamkeit auf, die sowohl universell als auch vielleicht besonders einzigartig für das Leben in Los Angeles ist, mit schnörkellosen Nuancen und Verletzlichkeit. Im Titelsong singt Kleinman: ,Niemand liebt einen bettelnden Hund", eine Zeile, die er von einem Freund übernommen hat und die die Sichtweise des Projekts verkörpert: Die Welt kann einem das Gefühl geben, ein bettelnder Hund auf der Suche nach einem Zuhause zu sein. Auf dem Titelsong singt Kleinman ,no one loves a begging dog" (niemand liebt einen bettelnden Hund) in einer Zeile ,die er von einem Freund übernommen hat und die die Sichtweise des Projekts verkörpert: Die Welt kann einem das Gefühl geben, ein bettelnder Hund auf der Suche nach Zuneigung und Sicherheit zu sein, aber es liegt auch Schönheit in der Einsamkeit und der summenden Monotonie des Ganzen. Der synthlastige Titel ,Laughing Boy" reflektiert über den Sinn des Lebens, kritisiert hohe Mieten und erwähnt gleichzeitig den Duft von Jasminbäumen sowie die störende Präsenz der Polizei. In ,Common Place", umgeben von drängenden Drum-Machine-Kicks und Verzerrungen, singt er davon, wie er sich in einem 7-Eleven-Laden in der Innenstadt wirklich lebendig fühlt, um dann zwischen einer Tragödie, die er in einem Park miterlebt hat, und schönen Erinnerungen an das Leben in einer Wohngemeinschaft in Salt Lake City hin und her zu springen, bevor er sein neues Mantra verkündet: ,Es ist vorbei." Die Kontraste hier sind es, die diese Songs menschlich machen. Kleinman nahm DEMO 1 schnell und mit wenig mehr als sich selbst auf. Live übersetzt sich das dynamische Material von Begging Dog in eine siebenköpfige Band. Kleinman nahm DEMO 1 schnell und fast alleine auf. Live wird das dynamische Material von Begging Dog von einer siebenköpfigen Band umgesetzt. ,Egal, wie gut oder schlecht es einem geht, man sucht irgendwie nach etwas mehr", sagt Kleinman, ohne zu versuchen, eine größere Bedeutung in seiner Arbeit zu finden. ,Wenn ich über diese Dinge schreibe, versuche ich nicht, sie wichtiger zu machen, als sie sind." DEMO 1 profitiert von dieser geradlinigen, alltäglichen Bescheidenheit, die Offenheit mit Entschlossenheit und eingängigen Melodien verbindet.

Begging Dog ist das Indie-Punk-Projekt des in Los Angeles ansässigen Künstlers Jeff Kleinman. Als Ventil für seine Arbeit außerhalb der Band Choir Boy widmet sich Kleinman bei Begging Dog einem rohen, hausgemachten Sound mit Anklängen an Garage Punk und einer einfachen Sprache in den Texten. DEMO 1 ist 26 Minuten lang und voller rollender Bass- und Synthesizer-Linien, charismatischer Riffs und motorischer Drum-Beats. Textlich zeichnen die Songs eine Reihe von Beobachtungen, Szenen und Charakteren aus dem Leben: einen aufdringlichen Gewerkschaftsvertreter, einen Postboten mit einem festen Job bei der Bundesbehörde, einen zwanghaften Spieler und einen geliebten Obdachlosen aus der Nachbarschaft. Ehemalige Liebschaften werden zu einer Collage zusammengefügt, die mehrere Tracks begleitet, aus dem Zusammenhang gerissen, mit unverblümten, scharfsinnigen freien Versen. Kleinman nennt Bruce Springsteen als Inspiration dafür, wie seine Songs mit schlichter Tinte geschrieben sind, wobei er direkte Einfachheit gegenüber blumiger Prosa bevorzugt. Er greift eine gemeinsame Einsamkeit auf, die sowohl universell als auch vielleicht besonders einzigartig für das Leben in Los Angeles ist, mit schnörkellosen Nuancen und Verletzlichkeit. Im Titelsong singt Kleinman: ,Niemand liebt einen bettelnden Hund", eine Zeile, die er von einem Freund übernommen hat und die die Sichtweise des Projekts verkörpert: Die Welt kann einem das Gefühl geben, ein bettelnder Hund auf der Suche nach einem Zuhause zu sein. Auf dem Titelsong singt Kleinman ,no one loves a begging dog" (niemand liebt einen bettelnden Hund) in einer Zeile ,die er von einem Freund übernommen hat und die die Sichtweise des Projekts verkörpert: Die Welt kann einem das Gefühl geben, ein bettelnder Hund auf der Suche nach Zuneigung und Sicherheit zu sein, aber es liegt auch Schönheit in der Einsamkeit und der summenden Monotonie des Ganzen. Der synthlastige Titel ,Laughing Boy" reflektiert über den Sinn des Lebens, kritisiert hohe Mieten und erwähnt gleichzeitig den Duft von Jasminbäumen sowie die störende Präsenz der Polizei. In ,Common Place", umgeben von drängenden Drum-Machine-Kicks und Verzerrungen, singt er davon, wie er sich in einem 7-Eleven-Laden in der Innenstadt wirklich lebendig fühlt, um dann zwischen einer Tragödie, die er in einem Park miterlebt hat, und schönen Erinnerungen an das Leben in einer Wohngemeinschaft in Salt Lake City hin und her zu springen, bevor er sein neues Mantra verkündet: ,Es ist vorbei." Die Kontraste hier sind es, die diese Songs menschlich machen. Kleinman nahm DEMO 1 schnell und mit wenig mehr als sich selbst auf. Live übersetzt sich das dynamische Material von Begging Dog in eine siebenköpfige Band. Kleinman nahm DEMO 1 schnell und fast alleine auf. Live wird das dynamische Material von Begging Dog von einer siebenköpfigen Band umgesetzt. ,Egal, wie gut oder schlecht es einem geht, man sucht irgendwie nach etwas mehr", sagt Kleinman, ohne zu versuchen, eine größere Bedeutung in seiner Arbeit zu finden. ,Wenn ich über diese Dinge schreibe, versuche ich nicht, sie wichtiger zu machen, als sie sind." DEMO 1 profitiert von dieser geradlinigen, alltäglichen Bescheidenheit, die Offenheit mit Entschlossenheit und eingängigen Melodien verbindet.

In den 90ern hatte Jad Fair fünf Lieblingsbands und Songwriter: Daniel Johnston, The Pastels, Sonic Youth, Teenage Fanclub und Yo La Tengo. Das ist echt eine coole Liste, aber das Besondere daran ist, dass Fair im Laufe von etwa zwölf Jahren mit allen in irgendeiner Form Musik gemacht hat. Jad Fair ist seit einem halben Jahrhundert produktiv, lange bevor das Internet ein simultanes und scheinbar ewiges Archiv von allem schaffen konnte, was jemand mit seinen Vorlieben gemacht hat. Er war an mindestens mehreren hundert Titeln beteiligt, von denen viele bei kleinen Labels erschienen, die es heute nicht mehr gibt, und die vergriffen sind. Tatsächlich ist eine dieser Kollaborationen, die Fair in den 90er Jahren gemacht hat - Strange But True mit Yo La Tengo - schwer zu finden, obwohl sie am 20. Oktober 1998 in den USA bei Matador Records erschienen ist. Jetzt wird das Album zum ersten Mal von Joyful Noise und Bar/None auf Vinyl neu aufgelegt. Als Fair Mitte der 90er Jahre mit Yo La Tengo auf einer Party spielte, waren sie alle Freunde, Fans und Kollaborateure, die gemeinsam an Platten gearbeitet oder diese veröffentlicht hatten. Als Fair vorschlug, gemeinsam ins Studio zu gehen, war das Trio sofort dabei. Das Ergebnis, ,Strange But True", ist so wunderbar, abwechslungsreich und wild wie eine riesige Wiese mit einheimischen Gräsern. Dieses Kollaborationsalbum zeigt die unglaubliche Bandbreite der Künstler und versetzt uns zurück in eine Zeit, in der Indie-Rock noch so seltsam und widerspenstig sein durfte, wie seine Schöpfer es wollten.

Rot/Schwarzes Ink-Spot Vinyl, limitiert auf 300 Exemplare. Drei Buchstaben. Drei Musiker. Drei Instrumente. Drei Jahre. Graf Zahl hätte seine Freude an diesem Album_ HUM loten ihre dunklen Stoner-Klangwelten weiter aus. ,three" bringt sowohl druckvolle Post-Rock-Songs als auch psychedelische Klangexperimente. Jeder Track scheint eine Idee zu verfolgen; jeder eine 4-Minuten-Reise. Die Themen drehen sich um Umweltzerstörung, gesellschaftliche Irrwege und Spacetrips. ,three" ist das Album für die Apokalypse oder für einen Abend im Weltraum. Der Spaß kommt dabei nicht zu kurz: Die Dunkelheit wird auf fetten, langsamen Grooves präsentiert. Die Stücke sind kompakt und melodisch. Katharsis ist das Ziel: Wer mit offenen Ohren hört, dem könnte es nach den 11 Tracks und 41 min besser gehen_ Eine aufregende Reise durch musikalische Klangwelten (Surf, Gothic/Dark Wave, Kraut und Prog-Rock) mehrerer Jahrzehnte. Die HUM-typischen schweren Riffs (im Schatten von Godzilla) mit komplexen Rhythmen und Breaks werden erweitert durch neue Elemente wie Surfgitarre, Synthiesounds und gesangliche Experimente. Der meist mit Effekten verfremdete Gesang wird spärlich und gezielt eingesetzt mit oft kurzen Textfragmenten, welche die Stimmung der Songs textlich untermalen. Dazu kommen drei instrumentale Soundcollagen, die als düstere Überleitung zwischen den Songs dienen. Ein gewisser roter Faden scheint sich thematisch durch das Album zu ziehen. Red/black ink spot vinyl. Limited to 300 copies. Three letters. Three musicians. Three instruments. Three years. The Count would have loved this album...HUM continue to explore their dark stoner soundscapes. "three" features both powerful post-rock songs andpsychedelic sound experiments. Each track seems to pursue an idea; each one a 4-minute journey. The themesrevolve around environmental destruction, social aberrations, and space trips."three" is the album for the apocalypse or for an evening in space. But there's no shortage of fun: thedarkness is presented on fat, slow grooves. The pieces are compact and melodic. Catharsis is thegoal: if you listen with open ears, you might feel better after the 11 tracks and 41 minutes...An exciting journey through musical soundscapes (surf, gothic/dark wave, kraut and prog rock) spanning severaldecades. The heavy riffs typical of HUM (in the shadow of Godzilla) with complex rhythms and breaksare expanded by new elements such as surf guitar, synth sounds and vocal experiments. The vocals, mostlydistorted with effects, are used sparingly and purposefully, often with short text fragments that underscore the moodof the songs lyrically. In addition, there are three instrumental sound collages that serve as dark transitions betweenthe songs. A certain common thread seems to run through the album thematically.

10" Vinyl in Wolkenoptik Kein Wunder, ist "Wunder" ein Wunder. Diese Platte hat alles, was diese Welt jetzt braucht, um endlich wieder zu gesunden: Unfassbar intelligenten Saufpunk, gepaart mit subversiv-ironischen Stammtischweisheiten und einer etwas größer geratenen Brise (leider war der Deckel vom Streuer nicht richtig angeschraubt) Synthy-Glutamat - auf dass die Darmflora mal wieder resettet wird! Und so wird das Wunder wahr: Alle stimmen ein in die 7 frohlockenden Hits, alles Böse auf der Welt implodiert aus Gründen und selbst die coolen Fanzines werden zu offiziell akkreditierten Schmutzkifans. Denn es ist eben kein Wunder, dass "Wunder" ein Wunder ist!

GOD SAVE THE PONY. Limitiertes Format der zweiten BIG SPECIAL-LP auf Yellow Splatter On Clear Vinyl - im Gatefold mit Obi-Strip.

- " Von Assi-Punk-Rap bis Gothic-Country-Ballade, die einem das Blut in den Adern gefrieren lässt, gilt: Solange Big Special nicht irgendwann glücklich werden, könnten sie richtig groß werden." - Visions
- "Mit „National Average“ bekräftigen Big Special ihren Ruf als eine der aufregendsten und unberechenbarsten Bands der britischen Szene." - Popklub.de
- "Mal erinnern sie mehr an die Sleaford Mods, mal mehr an die IDLES. Das neue Big Special Album jedenfalls, “National Average”, macht da weiter, wo sie zuletzt aufgehört haben." - Bayern 2

Nachpressung der 20th Anniversary Vinyl-Edition mit Bonustrack, 2025 ist die Vinylfarbe Gelb (Auflage weltweit 1500). CD (2005er-Auflage) auch wieder erhältlich. "The Illusion of Safety" ist das bahnbrechende Post-Hardcore-Album von Thrice, das eine furiose Mischung aus Punk und Metal mit außergewöhnlichen Texten und musikalischem Können verbindet. Die Band schrieb zwei Songs pro Monat, bevor sie im Juli 2001 mit dem Produzenten Brian McTernan (Converge, Cave In) in den Salad Days Studios aufnahm. Es ist ein unvergleichliches Album, das rohe Underground-Authentizität mit bahnbrechendem Ehrgeiz verbindet. Es wurde sofort zu einer tragenden Säule des Post-Hardcore des 21. Jahrhunderts und hat sich weit besser gehalten als seine vielen Nachahmer. Das Album fängt seine Zeit perfekt ein und bleibt dennoch zeitlos, sodass man bei jedem Hören neue Entdeckungen macht und nicht nur in Nostalgie schwelgt. Von Punk-/Hardcore-Clubs aller Altersgruppen in Orange County, Kalifornien, bis hin zum Headliner der größten Rockfestivals und Veranstaltungsorte der Welt - Das Album gilt als Katalysator für den großen Erfolg der Band. Auch 20 Jahre und zehn Alben später kann man bei jeder Thrice-Show unweigerlich die Aufforderung hören, »Deadbolt« zu spielen - ein Beweis für das Durchhaltevermögen eines Albums, das die Screamo / Post-Hardcore-Ära definiert hat. Auch mit der 2025er Pressung feiert die Band das Vermächtnis des Emo / Post-Hardcore-Klassikers, indem sie als Bonus die B-Seite »That Hideous Strength« wieder dem Vinyl hinzufügt.