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Rising heavyweights of the World Wide Web's underground global market join their efforts to present the third entry in the Foreign Mail twelve-inch compilation series.

Two techno stompers filling the grooves of side A composed by two personalities of the American subversive rave scene. Flip the record for a completely different vibe carefully crafted by Mr. Steele, DJ Sacred and Foreign Mail (the brand new collaborative project between Antonio Patillas and DJ Boyfriend).

Benjamin Hudson returns to Acroplane, following his last projects with us as Ebola (Wrong Music) and one half of Baconhead, with 'Slime'… and he's brought a load of his talented mates to collaborate with him.

Artwork by Everything Alllways

Mastering by James Forde Stewart @ Sorting Room Studios.

Brain Rays is part of queer collective, DOOMSCROLL, and Devon art & party crew, Bizarre Rituals. He is also a co-founder of Wrong Music alongside DJ Scotch Egg and Matt Lambert (Roger Species).

Known for his hectic, high pressure output with Quiet, and film soundtrack work (as part of Unknown Horrors) collaborating with director Dean Puckett (The Severed Sun, The Sermon, Satan's Bite) and Rhys Chapman (Wonderkid). As a DJ he has performed all over the world, including Transmediale Festival (Berlin), Today's Art (Den Haag) and Boomtown Fair, as well as two live sessions at Radio 1's legendary Maida Vale Studios. As a producer he has garnered support from the likes of Mary Anne Hobbs, ETCH, Huw Stephens, Drumskull, Annie Mac, and Nikki Nair.

Jackie Mittoo’s ‘Reggae Magic’ is a new collection from the great Jackie Mittoo. The album features a mixture of classic tunes and rarities from the period 1967-74, when Mittoo was at the height of his musical powers. Mittoo’s solo career began after the end of The Skatalites in 1965. He began pushing new musical boundaries, creating a uniquely identifiable organ-led funky reggae sound that owed as much to Booker T and The MGs, Jimmy Smith, Stax and Motown as to the post-ska and emergent rocksteady island rhythms of Kingston, Jamaica. His solo work at the legendary Studio One spanned seven albums and hundreds of singles.

Aside from producer and founder Clement ‘Sir Coxsone’ Dodd, it’s hard to think of anyone more central to the sound and success of Studio One than Mittoo; keyboard player extraordinaire, songwriter, arranger, musician, truly the Keyboard King at Studio One. Jackie Mittoo had been the youngest founding member of The Skatalites (at age 16), probably the most important group in Jamaican music. After they split, he became leader of the three pivotal groups at Studio One – The Soul Brothers, The Soul Vendors and Sound Dimension. He also became musical director for Studio One, helping create countless hits for singers Ken Boothe, Bob Andy, The Wailers, John Holt, Delroy Wilson and more – unforgettable tunes like Alton Ellis’ ‘I’m Still in Love with You’, Marcia Griffiths’ ‘Feel Like Jumping’, The Heptones’ ‘Baby Why’ and others. Between 1965 and 1968, many of the tunes created at Studio One can be attributed to Mittoo – timeless instrumental tracks, recorded either under his own name or those of The Soul Brothers, Soul Vendors and Sound Dimension, that have become the basis for literally 1000s and 1000s of Jamaican songs over many decades, giving the music an unsurpassed longevity.

The endurance of his music was as a direct result of significant developments in Jamaican music in the 1970s, namely the creation of three important new styles: Dub, Deejay and Dancehall. In the early 1970s Mittoo’s instrumental tracks were used as the musical source for a series of classic Studio One dub albums. At the same time Deejays at Studio One, including Dillinger, Prince Jazzbo and Dennis Alcapone, began toasting over these same popular rhythms to create their own new songs. In the mid-70s, a new generation of Studio One singers and deejays, including Sugar Minott, Freddie McGregor, Johnny Osbourne, Michigan & Smiley and others, began once again creating new melodies over these original instrumentals, signalling the birth of a new Jamaican style that became known as ‘dancehall’.

As dancehall swept across the island, rival producers copied these now classic rhythms. These original Jackie Mittoo-driven tunes spread like a virus throughout Jamaican music; be they the instrumental cuts to tunes such as Alton Ellis’ ‘Mad Mad’ , ‘I’m Just A Guy’, Larry Marshall’s ‘Mean Girl’, Slim Smith’s ‘Rougher Yet’, and instrumentals such as Mittoo’s classic ‘Hot Milk’ or ‘One Step Beyond’, The Sound Dimension’s ‘Real Rock’, ‘Heavy Rock’, ‘Full Up’, ‘Drum Song’, ‘Rockfort Rock’ … and the list goes on. These tracks became a constant soundtrack to the island, emitting from the ever-present sound of speaker boxes strung up around dancehalls. This recycling travelled even farther afield; The Sound Dimension’s instrumental ‘Real Rock’, updated by Willie Williams on his classic ‘Armageddon Time’ was in turn covered by The Clash. Lily Allen sampled Mittoo’s debut solo single ‘Free Soul’ for number one hit ‘Smile’; Dawn Penn’s ‘You Don’t Love Me (No, No, No)’, accompanied by The Soul Vendors, was revived by Penn and producers Steely & Cleevie in 1994, since covered by Rihanna, Ghostface Killah, Stephen Marley, Damian Marley and Beyonce. And so it goes; an endless time-leaping, continent-hopping diasporic musical map of the world with all roads essentially leading back to one man – Jackie Mittoo.

What is the source, and why does it matter? Marking three years since his debut LP, area127 honcho Tadan steps forward with his second solo record. Built on a trance language of his own, it dives into tripped-out sonic terrains where introspection meets organic force.

The journey begins with ‘Pure Idea’, as waterborne harmonies ripple like the first morning rays through glowing tones. ‘Level 27’ ascends into a haze of suspended energy, flickering and pulsing to bridge rhythm and reflection. With ‘Muses’, the record transcends into hypnotic rite – nocturnal breaks and avant-garde melodies conjure a dialogue between psyche and body. ‘Evolution’ wraps it up in future-driven, past-echoing psychedelia, lucidly carrying the answers you might be looking for.

ORBIT CULTURE läuten eine neue Ära ein. Das Century Media-Debüt des schwedischen Quartetts, "Death Above Life", ist nicht nur ein Statement, wie weit sie es gebracht haben, sondern es ist der Sound von Metal in seiner modernsten Form. "Das Album steht für einen Neuanfang", sagt ORBIT CULTURE-Gitarrist, Sänger und Songwriter Niklas Karlsson. "Es ruft positive und negati-ve Emotionen hervor, aber insgesamt bedeutet es eine Veränderung zum Besseren. Es fühlt sich an wie eine Wiedergeburt." Vom Opener "Inferna" über den stampfenden Titeltrack bis zum melancholischen Schlussstück "The Path I Walk" ist klar: ORBIT CUL-TURE sind in Bestform.
Neben ihrem DIY-Ethos und ihren kompromisslosen Dark-on-Dark-Visuals prägt laut Karlsson seine Vorliebe für Soundtracks und cineastische Soundscapes ihren Sound und Vision. Komponisten wie Hans Zimmer (Dune, Interstellar) und Howard Shore (Der Herr der Ringe) hätten einen großen Einfluss auf die Band. "Wahrscheinlich deutlich mehr als aktueller Metal", sagt Niklas. "Jeder von uns würde sich lieber den Soundtrack von 'Inception' anhören, weil er zeitlos ist. Wenn ich beim Schreiben nicht wei-terkomme, bieten mir z.B. Cello oder Klavier neue Möglichkeiten. Wir schreiben einfache Riffs und Strukturen, und wenn wir uns dabei von einem Künstler wie Hans Zimmer inspirieren lassen, kommt ein Song wie 'Inferna' heraus, weil wir den Chorus größer und cineastischer machen."
Produziert von der Band und gemixt von Buster Odeholm (Vildhjarta, Humanity's Last Breath, Thrown), ist "Death Above Life" ein Statement für den Metal, seine Gegenwart und Zukunft. Es ist ein entscheidender nächster Schritt für ORBIT CULTURE, da sie sich selbst und Metal als Ganzes frischer definieren. "Wir spielen Metal", sagt Karlsson. "Wir haben Einflüsse von Djent, von Me-talcore und melodischem Death Metal. Wir bleiben uns selbst treu, und ich denke, die Leute sind genau danach hungrig."
"Death Above Life" ist erhältlich als: Ltd. CD Digipak, Gatefold 2LP, Digital Album.

Ex-Member of Slepcy, Marcin Stefański here comes with a very drilling speed breakz mini album. Full color sleeve and loud sound... Sweet hardness on Jebaćtyhihten Records (Cock rock Disco^^)

2025 Repress

FINALLY! The very first commercial release of two legendary remixes of Arthur Russell's "In The Light Of The Miracle". Both are widely regarded as transcendent masterpieces and very much befitting of the title “holy grails”.

These long-beloved mixes are the types you'd wish would last for eternity. With almost 30 minutes of music here, we very nearly get our desires granted. At last, these jaw-dropping mixes are widely available to every Arthur fan in the world. This is musical perfection.

The deep Loft classic "In The Light Of The Miracle" remained unreleased during Arthur's lifetime, finally discovered when Phillip Glass included the original version on Another Thought on Point Music in 1993. As Steve Knutson told us, when Another Thought was being put together, the plan was to release a companion album of remixes that was overseen by Steve D'Aquisto but the project only got as far as these two remixes of "In The Light Of The Miracle".

Some dodgy scans of some centre label designs suggest that Point Music might’ve been planning to release these on a 12" but it didn’t happen. The story goes that Gilles Peterson heard the remixes on a visit to the Point Music offices and wanted to release them on Talkin’ Loud. We’re not sure how many white label copies made it out into the wild, but again, these remixes didn’t make it to a proper release.

These remixes both extend and undeniably enhance the original, elevating it to new heights. The 13 minute remix on the A-side is by Danny Krivit & Tony Smith with editing duties performed by Tony Morgan. As ever with Arthur, the music is almost impossible to describe: is it Disco? Garage House? Avant Garde? None of these tags do full justice to its sheer majesty. You best just listen. Stretching out the original with some unbelievably great percussive elements, until we're in a deeply spiritual, otherworldly realm, it's just too beautiful for words. As many have claimed, it's the prototype for EVERYTHING.

The "Ponytail Club Mix (Part 1 & 2)", produced by Tony Morgan in the mid-90s, is in a more up-tempo style, with vocals higher in the mix, the BPM upped to 120 and the addition of a housey 4/4 kick drum. A 14 minute epic, you could say this is a more straight ahead "club-friendly" mix (but can things ever be that straightforward with Arthur?!) It also has some really interesting vocal parts not used in the other versions, including some vocals from guest poet Allen Ginsberg.

These remixes are part of the same original project that also produced the Another Thought album so it seems only right that they have a sleeve that matches. Thanks again to Janette Beckman for letting us use another of her photos of Arthur and the rest of the design follows what Margery Greenspan, Tina Lauffer and Michael Klotz did for Another Thought back in 1994.

Simon Francis remastered the original audio for both tracks and Cicely Balston's precise cut for Alchemy at AIR Studios ensures this 12" well and truly slaps. The immaculate Record Industry pressing will ensure this incredibly sought-after treasure finds a home in many more collections, this and every year.

Gong's Gang , a one-off project for the unique family of true musicians: Giuseppe, Lino, and Rossana Nicolosi; brothers and sisters who knew ''something'' about the Italo-boogie-funk of the early '80s, uncontaminated by the increasingly invasive electronic sound of a yet unappreciated Italo-Disco. Gimme Your Love is a gem, with Rosanna Nicolosi leading the way on vocals and cascading synths and bass blending into an intoxicating mix that should make any funk detective froth with approval. And investigating how it sounds, one discovers a certain similarity to a Charades track; strings sound a bit like Gimme The Funk (written and produced by poet Lotti Golden and Richard Sher both with Chuck Wansley and Kathrine Joyce on Warp 9), mixed in 1982 by John "Jellybean" Benitez, a very close friend of Tony Carrasco, who in 1983 produced, arranged, and mixed 'Gimme Your Love'. The two always kept an eye on each other, even from a distance, staying in touch. However, these assumptions do not detract from this stellar song: whether you prefer the vocal hit or the subtly voiced instrumental, that you can dance at any nighttime party and that absolutely deserves a second chance in the spotlight.

Berlin-Hamburg duo Session Victim return to the ever-reliable Delusions Of Grandeur imprint with Chapter Two of their Sidequests trilogy, marking yet another high point in their almost twenty year journey through heartfelt, sample-rich music. Overflowing with analog warmth, sundrenched textures and irresistible grooves, the release also features a stellar remix from label cofounder and deep house pioneer Jimpster who kicks off the EP. Here he takes Behind The Glass into spaced out house-not-house territory. With crisp drum programming, trademark Rhodes, and subtle pads that build over time, his version delivers that late-night sophistication he's known for—steering the downtempo original in a clubbier direction without losing its blissed-out essence. Up next we have a brand new collaborative effort with long time friend, label mate and fellow sample nerd Nebraska. Make It Happen is a dusty, slo-mo house groove featuring delicate keys, euphoric strings and that unmistakable sense of journey. It’s just the kind of low-slung epic house they do best—intimate yet club-ready, nostalgic but never retro. Flipping over, Too Soft To Be Loud, another collaboration with Viken Arman, follows with a jazzy, almost samba-esque rhythm and swirling atmospherics. Loose percussion, catchy guitar riffs and Rhodes stabs collide with off-kilter dub FX and soft vocal snippets giving the track a laid-back, live-band feel that harks back to their See You When You Get There era. Hubcap Candy dives deep into funk territory. Nebraska’s on point boogie bassline drives the track forward as crunchy drums and layers of synths create a dreamlike haze. It’s loopy, moody, and finds Session Victim at their very best. Closing out the EP we have the original of Behind The Glass, a headsy, beatdown piece that slowly unfolds over an unconventional brass-like bassline and delicate guitar textures, paying homage to the golden age of Trip Hop haziness and it’s pioneer turntable spirit. Blending crate-digging sensibilities with forward-thinking production, this latest release solidifies Session Victim’s reputation as genre-blurring tastemakers, and their chemistry with Delusions Of Grandeur remains as strong as ever

Perhaps it was a cold winter day or a warm summer night in Finland - but it was around 2010. Someone came up with an idea to combine bluegrass, Finnish folk and rock/metal music. The outcome was and has since been Steve 'n' Seagulls. The kind of band you've never heard before but you do want to hear again. Hailing from Finland in Northern Europe - this flock of musical energy keeps on going and flying faster than ever. In 2025, the sun will lay its rays on the long-awaited fifth Steve 'n' Seagulls album - The Dark Side of the Moo! Recorded and produced with the same crew as the previous one, Steve 'n' Seagulls have again found and torn down the limits of progressive bluegrass and newgrass. The album combines elements from genres that are hard to imagine together. Yet they meet and shake hands like old friends. Steve 'n' Seagulls' originals and some re-arranged classics form yet another interesting musical soup ready to be served on their The Dark Side of the Moo -tour around Europe in 2025.

END[GER] Die Band Wednesday aus Asheville, North Carolina errichtet im Laufe der zehn Songs von "Rat Saw God" einen Schrein voller aufregender Details: Halb lustige, halb tragische Botschaften aus den Südstaaten, die sich klanglich irgendwo zwischen dem wimmernden Skuzz von Neunzigerjahre-Shoegaze und klassischem Country-Twang entfalten - mit verzerrter Pedal Steel und Frontfrau Karly Hartzman, die mit ihrer Stimme, den Lärm durchschneidet. Ein Song von Wednesday ist wie ein Quilt. Eine Kurzgeschichtensammlung, eine verschwommene Erinnerung, ein Flickenteppich aus Porträts des amerikanischen Südens, der disparate Momente einfängt und als Ganzes doch irgendwie einen Sinn ergibt. Karly Hartzman, die Songschreiberin, Sängerin, Gitarristin und Leiterin der Band, ist eine Geschichtensammlerin als auch eine Geschichtenerzählerin: Eine aufmerksame Beobachterin von Menschen und witzigen Bemerkungen. "Rat Saw God", das neue und beste Album des Quintetts aus Asheville, ist ekphrastisch, aber ebenso autobiografisch und vor allem sehr einfühlsam. Es wurde in den Monaten unmittelbar nach der Fertigstellung von dem zweiten Album der Band, "Twin Plagues", geschrieben und innerhalb einer Woche im Drop Of Sun Studio in Asheville aufgenommen. Die Songs auf "Rat Saw God" erzählen keine Epen, sondern das Alltägliche. Sie sind lebensnah, erzählen vom wahren Leben, sie sind verschwommen und chaotisch und seltsam zugleich - was Hartzmans eigenem Ethos entspricht: "Everyone's story is worthy. Literally every life story is worth writing down, because people are so fascinating." A Wednesday song is a quilt. A short story collection, a half-memory, a patchwork of portraits of the American south, disparate moments that somehow make sense as a whole. Karly Hartzman, the songwriter/ vocalist/guitarist at the helm of the project, is a story collector as much as she is a storyteller: a scholar of people and one-liners. Rat Saw God, the Asheville quintet's new and best record, is ekphrastic but autobiographical and above all, deeply empathetic. Across the album's ten tracks Hartzman, guitarist MJ Lenderman, bassist Margo Shultz, drummer Alan Miller, and lap/pedal steel player Xandy Chelmis build a shrine to minutiae. Half-funny, half-tragic dispatches from North Carolina unfurling somewhere between the wailing skuzz of Nineties shoegaze and classic country twang, that distorted lap steel and Hartzman's voice slicing through the din. Rat Saw God is an album about riding a bike down a suburban stretch in Greensboro while listening to My Bloody Valentine for the first time on an iPod Nano, past a creek that runs through the neighborhood riddled with broken glass bottles and condoms, a front yard filled with broken and rusted car parts, a lonely and dilapidated house reclaimed by kudzu. Four Lokos and rodeo clowns and a kid who burns down a corn field. Roadside monuments, church marquees, poppers and vodka in a plastic water bottle, the shit you get away with at Jewish summer camp, strange sentimental family heirlooms at the thrift stores. The way the South hums alive all night in the summers and into fall, the sound of high school football games, the halo effect from the lights polluting the darkness. It's not really bright enough to see in front of you, but in that stretch of inky void - somehow - you see everything. The songs on Rat Saw God don't recount epics, just the everyday. They're true, they're real life, blurry and chaotic and strange - which is in-line with Hartzman's own ethos: "Everyone's story is worthy," she says, plainly. "Literally every life story is worth writing down, because people are so fascinating." But the thing about Rat Saw God - and about any Wednesday song, really - is you don't necessarily even need all the references to get it, the weirdly specific elation of a song that really hits. Yeah, it's all in the details - how fucked up you got or get, how you break a heart, how you fall in love, how you make yourself and others feel seen - but it's mostly the way those tiny moments add up into a song or album or a person.

This double 12” LP contains the two inaugural EPs from emerging dream-pop trio Night Tapes. Recorded between 2018-2020 in a small house in South London, this record was inspired by their own experiences of finding peace in a sleepless city. The trio combines electronic production, live instrumentation, and vocals, into a wistfully melancholic yet vibrant debut record.

Seit mehr als drei Jahrzehnten befindet sich AFI in einem nahezu ständigen Prozess der Neuerfindung. Die Band hat es sich zum Ziel gesetzt, sich mit jedem Album weiterzuentwickeln - manchmal sogar dramatisch - und sich niemals zu sehr in einem Genre einzurichten oder sich auf ihren beeindruckenden Erfolgen auszuruhen. Dieser Ansatz hat ihr Publikum vergrößert, aber auch herausgefordert mit einer klanglichen Identität, die sich in wilde, unerwartete Richtungen entwickeln kann. Mit ihrem zwölften Album ,Silver Bleeds the Black Sun_" stehen AFI erneut am Anfang eines mutigen neuen Kapitels, nur dass sie es diesmal geschafft haben, sich selbst zu überraschen. Wie kann eine Band, die dafür bekannt ist, sich ständig zu verändern, noch etwas Neues bieten? Mit ihrem zwölften Album ,Silver Bleeds the Black Sun_" stehen AFI nun erneut am Beginn eines mutigen neuen Kapitels, nur dass sie es diesmal sogar geschafft haben, sich selbst zu überraschen. Wie schafft es eine Band, die für kreative Umbrüche bekannt ist, immer wieder Wege zu finden, sich selbst aus ihrer Komfortzone herauszuziehen? Typischerweise begann die Band mit dem Schreiben eines Albums, indem sie sich sofort in das Schreiben stürzte und den kreativen Prozess einfach ihrer intuitiven musikalischen Sprache überließ. Für ,Silver Bleeds the Black Sun_" jedoch haben AFI sich bewusst dazu entschlossen, ihren kreativen Ansatz komplett zu ändern. Normalerweise beginnt die Band ein Album, indem sie sich sofort in das Schreiben stürzt und sich einfach von ihrer intuitiven musikalischen Sprache leiten lässt. Für ,Silver Bleeds the Black Sun_" haben AFI jedoch beschlossen, ihren kreativen Ansatz bewusst komplett zu ändern. Diesmal begann alles mit einer Frage: Wie könnten sie neue Wege beschreiten? Der Schlüssel zum Fortschritt lag letztendlich in der gemeinsamen Vergangenheit von AFI. ,Wir haben mit etwas angefangen, das nach Echo & the Bunnymen klang", erklärt Gitarrist Jade Puget, der das Album produziert und aufgenommen hat. ,Aber schließlich sind wir bei dieser Mischung aus Death Rock und Postpunk gelandet - all diese Einflüsse aus den 80ern und 90ern." ,Wir begannen mit etwas, das wie Echo & the Bunnymen klang", erklärt Gitarrist Jade Puget, der das Album produzierte und abmischte. ,Aber schließlich landeten wir bei dieser Mischung aus Death Rock und Postpunk - all diesen Einflüssen aus den späten 70ern und frühen 80ern, mit denen wir aufgewachsen sind, wie Sisters of Mercy, Bauhaus und Siouxsie and the Banshees." Das Ziel war es, ein Album mit einer einzigartigen Stimmung zu schaffen, etwas Verträumtes und Ätherisches, und die Bandmitglieder tauchten kopfüber in Einflüsse ein, die schon immer tief in der Musik von AFI verwurzelt waren, jetzt aber in den Vordergrund rückten. Silver Bleeds the Black Sun_ ist düster und jenseitig, aber auch grandios und würdevoll, bissig und schön zugleich - mit anderen Worten: Es ist sehr AFI, aber doch anders als alles, was man bisher von der Band gehört hat.

Seit mehr als drei Jahrzehnten befindet sich AFI in einem nahezu ständigen Prozess der Neuerfindung. Die Band hat es sich zum Ziel gesetzt, sich mit jedem Album weiterzuentwickeln - manchmal sogar dramatisch - und sich niemals zu sehr in einem Genre einzurichten oder sich auf ihren beeindruckenden Erfolgen auszuruhen. Dieser Ansatz hat ihr Publikum vergrößert, aber auch herausgefordert mit einer klanglichen Identität, die sich in wilde, unerwartete Richtungen entwickeln kann. Mit ihrem zwölften Album ,Silver Bleeds the Black Sun_" stehen AFI erneut am Anfang eines mutigen neuen Kapitels, nur dass sie es diesmal geschafft haben, sich selbst zu überraschen. Wie kann eine Band, die dafür bekannt ist, sich ständig zu verändern, noch etwas Neues bieten? Mit ihrem zwölften Album ,Silver Bleeds the Black Sun_" stehen AFI nun erneut am Beginn eines mutigen neuen Kapitels, nur dass sie es diesmal sogar geschafft haben, sich selbst zu überraschen. Wie schafft es eine Band, die für kreative Umbrüche bekannt ist, immer wieder Wege zu finden, sich selbst aus ihrer Komfortzone herauszuziehen? Typischerweise begann die Band mit dem Schreiben eines Albums, indem sie sich sofort in das Schreiben stürzte und den kreativen Prozess einfach ihrer intuitiven musikalischen Sprache überließ. Für ,Silver Bleeds the Black Sun_" jedoch haben AFI sich bewusst dazu entschlossen, ihren kreativen Ansatz komplett zu ändern. Normalerweise beginnt die Band ein Album, indem sie sich sofort in das Schreiben stürzt und sich einfach von ihrer intuitiven musikalischen Sprache leiten lässt. Für ,Silver Bleeds the Black Sun_" haben AFI jedoch beschlossen, ihren kreativen Ansatz bewusst komplett zu ändern. Diesmal begann alles mit einer Frage: Wie könnten sie neue Wege beschreiten? Der Schlüssel zum Fortschritt lag letztendlich in der gemeinsamen Vergangenheit von AFI. ,Wir haben mit etwas angefangen, das nach Echo & the Bunnymen klang", erklärt Gitarrist Jade Puget, der das Album produziert und aufgenommen hat. ,Aber schließlich sind wir bei dieser Mischung aus Death Rock und Postpunk gelandet - all diese Einflüsse aus den 80ern und 90ern." ,Wir begannen mit etwas, das wie Echo & the Bunnymen klang", erklärt Gitarrist Jade Puget, der das Album produzierte und abmischte. ,Aber schließlich landeten wir bei dieser Mischung aus Death Rock und Postpunk - all diesen Einflüssen aus den späten 70ern und frühen 80ern, mit denen wir aufgewachsen sind, wie Sisters of Mercy, Bauhaus und Siouxsie and the Banshees." Das Ziel war es, ein Album mit einer einzigartigen Stimmung zu schaffen, etwas Verträumtes und Ätherisches, und die Bandmitglieder tauchten kopfüber in Einflüsse ein, die schon immer tief in der Musik von AFI verwurzelt waren, jetzt aber in den Vordergrund rückten. Silver Bleeds the Black Sun_ ist düster und jenseitig, aber auch grandios und würdevoll, bissig und schön zugleich - mit anderen Worten: Es ist sehr AFI, aber doch anders als alles, was man bisher von der Band gehört hat.

After launching Seclusion in 2021, Elyas presents 13130.
A new VA series featuring old-school artists and current techno finest.

On this first one, 13130 offers: Steve Redhead, Not A Headliner, RUIZ OSC1, William Arist and label head Elyas.

The North Irish progressive rock band Fruupp released their third album The Prince of Heaven's Eyes in 1974. Fruupp produced the concept album themselves. It is a beautifully presented, well-balanced and stunningly original story. Inspired by the Genesis sound they created an melodic and structured piece of music, combining rock with folk and classical influences. The album centered around the impressive keyboard work by Stephen Houston. Their own unique characteristics are presented by combining all the elements in their complete sound.

Fruupp was assembled by guitarist Vincent McCusker in 1971. During their five year existence they recorded four progressive rock albums.

MUCH LOVED LOW ALBUM BACK IN PRINT ON VINYL…NB NEW PRICE.NON -RETURNABLE.

The second Albini recorded and engineered Low album, Things We Lost in the Fire features such hits as Sunflower and Laser Beam.

#14 on Pitchfork 30 Best Dream Pop Albums.

#117 Pitchfork Top 200 Albums of the 2000s.

#93 The Guardian 100 Best Albums of the 21st Century list.

#36 NME Top 50 Darkest Ever Albums.

“Measuring out grief and resilience with a steady hand, these are the best songs of Low's quiet career.” Mojo 9/10

“Low's original stark minimalism has gradually given way to a broader sonic range, without sacrificing their strangely accessible otherness.” Wire

“Low have always sought to make music that can both swell the heart like a gospel tune and capture the amplified absence of a funeral parlour. It's difficult to imagine a more perfect expression of their vision than this.” NME

Splatter Vinyl, Bedruckte Innenhüllen, Download Code Limitiert auf 500 Exemplare Da sind sie wieder. Was zuvor geschah: Christian Lindner wurde durch WAUMIAU und ihrem Song "Lindner Jugend" in den politischen Ruhestand geschickt, aber sonst ist die Welt in den letzten zwei Jahren nicht besser geworden. Also starten WAUMIAU mit ihrem neuen Album GOOD VIBES ONLY einen neuen Versuch, die Arschlöcher der Welt zu stopfen. Denn Bad Vibes gibt es dank Elon Musk, Superreiche, Faschos, Karneval und allgemeine Personenkontrolle viel zu viel. GOOD VIBES ONLY wird die Welt wahrscheinlich nicht verändern, aber auch nicht schlimmer machen - und damit leisten die 12 Songs schonmal mehr als die oberen 10 % unserer Welt. Es darf wieder ausgekotzt werden. WAUMIAU hauen immer noch Parolen raus, sind immer noch dagegen, servieren immer noch mit Sample-Schnipsel und sind eigentlich immer noch nur ein kleines Nebenprojekt ohne große Zukunft. Was dabei rauskommen soll? GOOD VIBES ONLY.

NYC punk-chic, discodelic funk band Say She She is back with Cut & Rewind, their politically-charged, dancefloor-crushing third album. Led by the powerhouse vocal trio of Piya Malik, Sabrina Mileo Cunningham, and Nya Gazelle Brown, the group channels progenitors like Minnie Ripperton, Charles Stepney, Liquid Liquid, and Raw Silk to create a groove-forward, psychedelic soundscape of pulsing disco beats, heavenly whistle tones, and soaring three-part harmonies. There's a feeling of righteous rebellion simmering beneath these songs' body-moving exterior, though: "She Who Dares" is a call to fight against a near-future dystopia where women's rights have been decimated globally; "Disco Life" decries the racism and homophobia of Steve Dahl's 1979 "Disco Demolition Night," reclaiming the dancefloor as "a playing field where all are free." Cut & Rewind is protest music dressed up as a sweat-dripping, hip-shaking, mind-expanding good time.

Ramirez returns with THA PLAYA$ MANUAL II, the long-awaited sequel to his cult classic that helped solidify his place as one of underground rap’s most distinctive voices. Steeped in Southern-fried funk, Bay Area swagger, and Memphis-style menace, this new chapter finds Ramirez sharper, smoother, and more seasoned—delivering game like a streetwise sage with a gold grill grin.

Where the original Playa$ Manual was gritty and raw, THA PLAYA$ MANUAL II sounds like a player who's leveled up. The beats knock harder, the flows glide slicker, and the game is deeper. Ramirez weaves tales of betrayal, come-ups, late-night drives, and cold-hearted reality with the same charismatic cool that made him a standout in the $uicideboy$-adjacent G59 movement—but this time with a more refined, cinematic approach.

From trunk-rattling bangers to syrupy smooth cuts that soundtrack late-night escapades, THA PLAYA$ MANUAL II feels like a ride through Ramirez’s world with tinted windows up and the bass on max. It’s a record for the hustlers, the heartbreakers, the loners, and the legends in the making.

This is more than a sequel—it’s a statement: the playa’s still active, and the manual’s been updated.

Formed in the mid-eighties Midlands, they are still not only eating pop but spewing it up in a chaos of thrilling ideas on new album ‘Delete Everything’. Their eighth record sees them further refine, define and deconstruct their melange of industrial rock, loop da loop techno, gonzoid hip hop and punk rock into a series of captivating sci-fi anthems. The band still look and sound like they have stepped out the pages of 2000 AD magazine with Graham Crabb and Mary Byker trading vocals like bouncing Duracell bunnies to the itching, compulsive beats surrounding them. Davey Bennett brings the bottom end and Cliff Hewitt plays the beats whilst Adam Mole delivers guitar aggro and sometimes waves his keyboard around with a delinquent glee. Still creative, still in a world of their own Pop Will Eat Itself have deleted everything and started all over again.

Indian Summer of Love finds The Bongolian immersed in a new set of sounds and influences for a new Belle Epoch. It’s a musical landscape informed by the Sixties psychedelia of India via a Haight Ashbury happening.

It’s a kaleidoscopic vision that takes us from a 20th century Fin de Siècle and lands us in the here and now of the 21st Century. It’s for dancers, for seekers and is all underscored by The Bongolian’s trademark heavy rhythms and breaks. It’s another fine instalment of essential cuts for the dancefloor and for high fidelity listening, quality is guaranteed.

From the East to the West, welcome to the Indian Summer of Love. Nasser Bouzida performs drums, percussion, guitars and keys whilst the album features several new flavours to the Bongolian sound with the prominent instrumentation of sitars and bansuri, along with flute, trumpet, saxophone and trombone performances from several stellular international guest musicians.

Wenn Sie von Hillsborough, North Carolina, auf der 1-85 nach Norden fahren und die Ausfahrt zur 58 East nehmen, erreichen Sie in fünfzehn Minuten Diamond Grove, ein kleines, nicht eingemeindetes Gebiet im Brunswick County, Virginia, am Meherrin River. Für die meisten Besucher gibt es dort nicht viel zu sehen - für Lebensmittel müssen Sie nach Lawrenceville und für Baumaterial nach South Hill fahren. Doch versteckt in diesem Fleckchen Virginia-Piedmont liegen die Überreste einer Milchfarm aus den 1740er Jahren, deren Haupthaus ein wunderschönes altes Gebäude mit zwei Etagen ist, das noch immer mit Seilbetten und allem Drum und Dran ausgestattet ist. Wenn man heute dorthin fährt, hört man in der Ferne Geräusche von jemandem, der in den vermieteten Nebengebäuden Sojabohnen und Baumwolle verarbeitet, von landwirtschaftlichen Reifen, die über Schotterstraßen knirschen, von quakenden Fröschen und von singenden Meisen: chick-a-dee, chick-a-dee. Aber wenn Sie zufällig im September 2023 vorbeigekommen sind, konnten Sie vielleicht Fiddle-Melodien hören, die von den Kiefern widerhallen, BBS-Geräusche in leeren Räumen und die Klänge von Weirs, die ihr zweites Album und ihr Debüt bei Dear Life Records aufnahmen: Diamond Grove. Weirs ist ein experimentelles Kollektiv, das aus der Musikszene im Zentrum von North Carolina hervorgegangen ist und zu gleichen Teilen aus Oldtime-Folk und DIY-Noise besteht. Die Auftritte von Weirs sind hierarchielos und umfassen zwischen zwei und zwölf Personen. Im September 2023 reisten neun von ihnen die US-58 hinauf, um sich im Wohn- und Esszimmer des Hauptgebäudes einer Milchfarm einzufinden, die noch immer im Besitz der Familie des Bandmitglieds und Organisators Oliver Child-Lanning ist, deren Verwandte seit Jahrhunderten dort leben. Die Besetzung von Weirs - weder endgültig noch besonders wertvoll - umfasst Child-Lanning, Justin Morris und Libby Rodenbough (seine Mitstreiter bei Sluice); Evan Morgan, Courtney Werner und Mike DeVito von Magic Tuber Stringband; sowie die treuen Andy McLeod, Alli Rogers und Oriana Messer, die bis tief in die Spätsommernächte spielten. Das Ergebnis sind die neun Tracks von Diamond Grove, aufgenommen mit einer provisorischen Signalkette, die aus geliehenem Equipment der gesamten Community zusammengestellt wurde. Das Weirs-Projekt begann als Tape-Experimente mit traditionellen Melodien, die Child-Lanning im Winter 2019 unter dem Namen Pluviöse aufgenommen hatte. Daraus entstand das erste Weirs-Album Prepare to Meet God, das im Juli 2020 in Eigenregie veröffentlicht wurde und eine Zusammenarbeit zwischen Child-Lanning und Morris während der COVID-Pandemie war. Die seltsamen Umstände dieses Debüts - eine gemeinschaftliche Tradition von Live-Songs, die isoliert voneinander aufgenommen wurden - werden durch Diamond Grove aufgehoben, ein Album, das in der unwiederholbaren Konvergenz von Menschen, Ort und Zeit verwurzelt ist. Auf dem neuen Album setzen Weirs ihre Suche nach dem besten Weg fort, sogenannte ,traditionelle" Musik weiterzuentwickeln, zu bewahren und zu befreien. Sie sind Songfänger, die Melodien sammeln, die kurz vor dem Vergessen stehen. Ihr wildes, Jahrhunderte umspannendes Repertoire klingt wie eine avantgardistische Jam-Session - eine Art Real Book für eine Szene, die sich mit Porch Jams, Big Blood, Amps for Christ und Jean Ritchie auskennt. Weirs fangen Songs ein, deren Interpretationskanon noch offen genug ist, um neben denen zu stehen, die sie zuvor gesungen haben, aber niemals über ihnen. Dies sind keine Versuche, definitive Versionen zu schaffen. Die Aufnahmen auf Diamond Grove fühlen sich eher wie Besuche als wie Überarbeitungen an. Und die Frage, die Weirs auf diesem Album stellen, ist nicht, wie sie einfach die Tradition ihrer Vorfahren fortsetzen können, sondern wie traditionelle Musik heute klingen könnte. Für Weirs könnte die Geschichte dieser Tradition weniger aus dem Folk-Revival stammen als aus der Musique concrète, weniger aus makellosen alten Meisteraufnahmen als aus etwas wie The Shadow Ring, wenn diese aus dem evangelikalen Süden kämen. Wenn man ,(A Still, Small Voice)" hört, spürt man, wie die Kraft der Hymne etwas Gleichwertigem weicht: den Dielen, dem Knistern des Feuers, dem Zubereiten und Essen von Mahlzeiten. Diese Spannung zwischen Bewahrung und Verfall ist das innere Leuchten von Diamond Grove. Nehmen wir ,Doxology l": Die Melodie von ,Old Hundred", einer Hymne aus der Sacred-Harp-Tradition, wird in MIDI umgewandelt, über iPhone-Lautsprecher abgespielt und in der Septemberluft neu aufgenommen. Für manche Revivalisten mag diese Hymne, gesungen mit der ganzen Pracht gefälschter Auto-Tune-Stimmen, blasphemisch klingen. Aber Ohren, die beispielsweise auf die Hyperpop-Produktionen der letzten Jahrzehnte eingestellt sind, werden sofort die spannungsgeladene Schönheit des digital verfremdeten Shape-Note-Gesangs verstehen. Dieselbe Spannung belebt ,l Want to Die Easy". Weirs' Version basiert auf der Aufnahme von A Golden Ring of Gospel, die in der Folkways-Sammlung Sharon Mountain Harmony verewigt ist. Die Melodien, Texte und Strukturen sind weitgehend unverändert geblieben. Aber die ,reine" Klarheit der Stimmen der frühen Aufnahme ist verschwunden. An ihre Stelle tritt der distanzierte Klang des Silos der Milchfarm, in dem Weirs ihre Version aufgenommen hat, dessen natürlicher Nachhall von zwei Sekunden die ursprüngliche Nähe ersetzt. Auf diese Weise wird der Klang des Aufnahmeortes selbst zu einem Teil der traditionellen Darbietung. Das Herzstück von Diamond Grove ist Weirs' Interpretation von ,Lord Bateman", einer Melodie, die Jean Ritchie als ,große Ballade" bezeichnete: Sie wurde gespielt, wenn die Arbeit getan war und der Tanzabend zu Ende war. Es ist ein Lied aus dem 18. Jahrhundert - so alt wie die Diamond Grove Farm - über einen gefangenen Abenteurer, der laut Nic Jones den Geist eines Errol-Flynn-Films verkörpert. Wie viele großartige und oft a cappella gesungene Interpretationen steht auch bei diesem ,Lord Bateman" die Stimme im Vordergrund und unterstreicht die Bedeutung des Geschichtenerzählens für das Zusammenkommen der Kinder. Neu ist hier der immense Bordun, der die Erzählung in ein unaufhörliches Gewebe elementarer Kräfte verwandelt. Es ist ein verschwommenes Murmeln kollektiver Saiten, das den Kanon von Ritchie und June Tabor ebenso bereichert wie Pelt's Ayahuasca oder Henry Flynt's Hillbilly Tape Music. Obwohl Diamond Grove nicht explizit von der alten Milchfarm handelt, auf der es aufgenommen wurde, kann es nicht umhin, ihr zu ähneln. Alte englische Balladen wie ,Lord Bateman" und ,Lord Randall" ergießen sich über Felder, die einst von der britischen Krone ,vergeben" wurden. Tragische Lieder wie ,Edward" taumeln über Tuscarora-Pfade und Baumwollfelder nach dem Bürgerkrieg. Hymnen wie ,Everlasting l" und ,Everlasting Il" fangen das Mondlicht ein, das seit Lord Bacons Rebellion durch doppelt gehängte Fenster fällt. Und die Nachtvögel trillern noch immer, und die Pflüge pflügen noch immer eine unkomponierte Musik, die darauf wartet, von zufälligen Ohren entdeckt zu werden. Diamond Grove ist in dieser Hinsicht Geschichte. Es ist ein Ort. Es ist Zeit. Es ist das Einfangen von Liedern, Lebendigkeit, Tonbandmanipulation. Wie der niedrige Damm, den das Wort ,Weir" andeutet, ist es eine Verteidigung gegen die Strömung. Es ist eine Verteidigung regionaler Lexika gegen massenproduzierte Umgangssprachen; eine Verteidigung gegen den Glauben, dass wir einfach zu einer einfacheren Zeit zurückkehren können; eine Verteidigung gegen die Vorstellung, dass Volksmusik ,rein" bleiben muss; eine Verteidigung gegen die Behauptung, dass ein Traum von der Zukunft, der in verlorenen Geschichten schlummert, unwiederbringlich verloren ist. Gegen all das verteidigt Diamond Grove traditionelle Musik, indem es sie so klingen lässt, wie die Komplexität der heutigen Zeit - weil es weiß, dass solche Musik und all die Geschichten, die in ihr stecken, auch in Zukunft eine Rolle spielen werden.

Orange & Red Splatter Vinyl. John Carpenters Soundtracks für die jüngste Halloween-Trilogie, die er zusammen mit seinen langjährigen Mitarbeitern Cody Carpenter und Daniel Davies komponierte, markierten die Rückkehr des legendären Regisseurs und Komponisten zur Filmmusik nach fast zwei Jahrzehnten Pause. Halloween (2018), Halloween Kills (2021) und Halloween Ends (2022) wurden alle von David Gordon Green inszeniert, der Carpenter bereits früh in die Vorproduktion einbezog und ihn schließlich als ausführenden Produzenten und Soundtrack-Komponisten für die Trilogie engagierte. Nun erscheint erstmals eine Deluxe-Edition des Soundtracks zu ,Halloween Ends" als 2xLP-Erweiterung bei Carpenters langjährigem Label Sacred Bones Records. ,Halloween" aus dem Jahr 2018 war ein Erfolg, der die kühnsten Träume aller Beteiligten übertraf. Der Film startete mit den höchsten Einspielzahlen in der Geschichte von Blumhouse und war der erfolgreichste Film der ,Halloween"-Reihe. Es war unvermeidlich, dass bald zwei Fortsetzungen, Halloween Kills und Halloween Ends, grünes Licht erhielten. Green unterschrieb für die Regie beider Filme, aber er wollte nicht davon ausgehen, dass John, Cody und Daniel für die Filmmusik zurückkehren würden. ,Ich nehme nichts als selbstverständlich hin", sagt er. ,Man hofft also, dass sie eine gute Erfahrung gemacht haben. Ich weiß, dass wir Spaß an dem Projekt hatten, aber man weiß nie, wie es um die Zeit und die finanziellen Interessen der Leute steht und all diese Dinge. Die Realitäten des Geschäfts und des Filmemachens laufen nicht immer so reibungslos ab. Aber es gab keine Probleme. Wir sahen uns an und sagten: ,Wie können wir das hinbekommen? Lassen Sie es uns noch einmal versuchen.` Zweimal."Die erweiterte Version von Halloween Ends enthält 10 bisher unveröffentlichte Stücke und wird mit brandneuen Artworks von Chris Bilheimer und einem exklusiven 24 x 36"-Poster von Creepy Duck geliefert. Erweiterte Versionen der Soundtracks zu Halloween und Halloween Kills sowie eine Box mit allen drei erweiterten Editionen werden ebenfalls am selben Tag bei Sacred Bones erhältlich sein.

Orange & Green Splatter Vinyl! John Carpenters Soundtracks für die jüngste Halloween-Trilogie, die er zusammen mit seinen langjährigen Mitarbeitern Cody Carpenter und Daniel Davies komponierte, markierten die Rückkehr des legendären Regisseurs und Komponisten zur Filmmusik nach fast zwei Jahrzehnten Pause. Halloween (2018), Halloween Kills (2021) und Halloween Ends (2022) wurden alle von David Gordon Green inszeniert, der Carpenter bereits früh in die Vorproduktion einbezog und ihn schließlich als ausführenden Produzenten und Soundtrack-Komponisten für die Trilogie engagierte. Nun erscheint zum ersten Mal eine Deluxe-Edition des Soundtracks zu ,Halloween Kills" als 2xLP-Erweiterung bei Carpenters langjährigem Label Sacred Bones Records. ,Halloween" aus dem Jahr 2018 war ein Erfolg, der alle Erwartungen der Beteiligten übertraf. Der Film startete mit den höchsten Einspielzahlen in der Geschichte von Blumhouse und war der erfolgreichste Film der ,Halloween"-Reihe. Es war unvermeidlich, dass bald zwei Fortsetzungen, Halloween Kills und Halloween Ends, grünes Licht erhielten. Green unterschrieb für die Regie beider Filme, wollte aber nicht davon ausgehen, dass John, Cody und Daniel wieder für die Filmmusik verantwortlich sein würden. ,Ich nehme nichts als selbstverständlich hin", sagt er. ,Man hofft also, dass sie eine gute Erfahrung gemacht haben. Ich weiß, dass wir Spaß an dem Projekt hatten, aber man weiß nie, wie es um die Zeit und die finanziellen Interessen der Leute steht und all diese Dinge. Die Realitäten des Geschäftslebens und des Filmemachens laufen nicht immer reibungslos ab. Aber es gab keine Probleme. Wir sahen uns an und sagten: ,Wie können wir das hinbekommen? Lassen Sie es uns noch einmal versuchen.` Zweimal." Die erweiterte Version von ,Halloween Kills" enthält 25 bisher unveröffentlichte Stücke und wird mit brandneuen Artworks von Chris Bilheimer und einem exklusiven 24x36-Zoll-Poster von Creepy Duck geliefert. Erweiterte Versionen der Soundtracks zu ,Halloween" und ,Halloween Ends" sowie eine Box mit allen drei erweiterten Editionen werden ebenfalls am selben Tag bei Sacred Bones erhältlich sein.

"I stood on top of the mountain and looked out over the landscape. It was so beautiful that my chest hurt. The light vibrated, time stood still, and the contours dissolved for a moment. Everything had changed; I felt it then. I took their little hands so as not to lose contact with the ground. Then we ran down the mountain, scraping our knees. Still, we didn't make it. You had already put away all the nautical charts, loosened the moorings and steered out among the skerries. Mum stood waving from the jetty. You were alone, you wanted it that way. It was to be just you in the boat this time. I called out to you. I think you heard me and felt less lonely. We couldn't carry each other anymore, no matter how hard we tried. We washed our wounds on the shore and scattered tears and rose petals in the bay. The children laughed and searched for treasures under water. We called to them that it was time to come up. They were cold, and we hugged them to warmth. One ran ahead, the other up on our shoulders. Up the mountain, our mountain."

In 2020 Anna Högberg put her widely celebrated band Anna Högberg Attack on hold, retraining as a nurse whilst continuing a solo practice and playing in other groups. With Ensamseglaren she makes a spectacular return with her own ensemble — this time a double sextet — performing an album length suite of new music written in dedication to her late father — the titular ‘ensamseglaren’ pictured on the LP cover as a young boy.

 (ensam in Swedish can mean both alone and lonely, seglaren = the sailor).

Shot through with renewed energy and a brutally affective emotional punch, Högberg’s formal experimentation opens up vibrant possibilities for the assembled musicians to let loose with some of their wildest and most ecstatic playing on record.

Högberg’s contention with grief leans into collective joy as method of mourning — the big band as extended family; where bonds are made through a shared experience of being together. Where everyone gets to be themselves without expectations of who they should be or what they can do. It’s a radical commitment to care — of her self and others — that animates and unifies this suite of music’s radical dynamics and variations in colour: from whisper-quiet textural intensity to harrowing distortion and double drum chaos; raucous and solemn song.

"Throughout history, humans have had different images of the transition between life and death. Imagine standing on the seashore on a summer evening and seeing a beautiful vessel being prepared for departure. The sails are hoisted. The evening breeze comes, the sails fill and the boat glides out onto the open sea. You follow it with your eyes as it heads towards the sunset. It gets smaller and smaller, until it finally disappears as a tiny dot on the horizon. Then you hear someone next to you say, ‘Now they have left us.’ Left us for what? The fact that they got smaller and smaller and finally disappeared is only how we see it. In reality, they are just as big and beautiful as when they were here, lying on the beach by our side. Just as you hear that voice say ‘Now they have left us’, there may be someone on another beach who sees them appear on the horizon, someone waiting to welcome them when they reaches their new port."

Mutant, in partnership with Back Lot Music, are proud to present the physical media debut of Universal Pictures’ Jurassic World Rebirth Original Motion Picture Soundtrack with music by two-time Grammy® and Academy Award®-winning composer Alexandre Desplat.



To create the score for Jurassic World Rebirth, director Gareth Edwards turned to a distinguished friend, two-time Oscar® winner Alexandre Desplat (The Grand Budapest Hotel, The Shape of Water), who worked with Edwards on Godzilla. “I feel very fortunate to be doing the music for a movie franchise like this, which entertained me so greatly, as a filmgoer, for decades,” Desplat says. “I dreamed of writing music for movies like this since I was a teenager, and now, here I am,” he adds with a laugh, “part of Jurassic World, almost a teenager.”



Rebirth represents the second time that Desplat has stepped into a franchise and inherited and adapted iconic musical motifs written by an artist he considers his “forever idol,” the legendary John Williams: Desplat previously took on that challenge with Harry Potter and the Deathly Hallows Parts 1 and 2. “John Williams wrote a fantastic melody for Jurassic Park that I now get to reinvent, rejigger and resculpt in ways benefit our movie,” Desplat says. “My desire was not to quote John’s score bluntly but subtly echo it or make use of it in the original score I have written for the film in playful and meaningful ways.”



"Continuing in the legacy of composers like John Williams, Don Davis, and Michael Giacchino - Alexandre Desplat brings the action packed Jurassic World: Rebirth to life with equal parts bombast, and tenderness." says Mo Shafeek, co-founder of Mutant. "Beautiful piano melodies give reprieve from thundering percussion, in this beautiful and essential addition to the Jurassic franchise.”

Formed in the mid-eighties Midlands, they are still not only eating pop but spewing it up in a chaos of thrilling ideas on new album ‘Delete Everything’. Their eighth record sees them further refine, define and deconstruct their melange of industrial rock, loop da loop techno, gonzoid hip hop and punk rock into a series of captivating sci-fi anthems. The band still look and sound like they have stepped out the pages of 2000 AD magazine with Graham Crabb and Mary Byker trading vocals like bouncing Duracell bunnies to the itching, compulsive beats surrounding them. Davey Bennett brings the bottom end and Cliff Hewitt plays the beats whilst Adam Mole delivers guitar aggro and sometimes waves his keyboard around with a delinquent glee. Still creative, still in a world of their own Pop Will Eat Itself have deleted everything and started all over again.

Formed in the mid-eighties Midlands, they are still not only eating pop but spewing it up in a chaos of thrilling ideas on new album ‘Delete Everything’. Their eighth record sees them further refine, define and deconstruct their melange of industrial rock, loop da loop techno, gonzoid hip hop and punk rock into a series of captivating sci-fi anthems. The band still look and sound like they have stepped out the pages of 2000 AD magazine with Graham Crabb and Mary Byker trading vocals like bouncing Duracell bunnies to the itching, compulsive beats surrounding them. Davey Bennett brings the bottom end and Cliff Hewitt plays the beats whilst Adam Mole delivers guitar aggro and sometimes waves his keyboard around with a delinquent glee. Still creative, still in a world of their own Pop Will Eat Itself have deleted everything and started all over again.

,Watercress" beginnt mit einem coolen, klaren Gitarrenriff. Die Stimmung hat sich gegenüber dem letzten Mal, als wir von S. Carey gehört haben, deutlich verändert. In ,Break Me Open" aus dem Jahr 2022 war er noch schwer besorgt - niedergeschlagen und reumütig nach einer großen verlorenen Liebe. ,Watercress" hingegen beginnt mit dem Klang hart erkämpfter Hoffnung. Tatsächlich wächst Brunnenkresse nur in klarem, seichtem Wasser. Und genau an diese Orte kehrt Sean Carey immer wieder zurück - um zu fischen, nachzudenken und zu wachsen. Die Jahreszeiten sind vergangen und er hat Zeit damit verbracht, im Wasser zu heilen, fließend und still. Die Teile wurden gesammelt und wieder zusammengesetzt. Natürlich wird die Musik von S. Carey immer etwas Wehmütiges haben. Aber hier ist es die Wehmut eines hellen, klaren Oktobermorgens. Diese gitarrenlastigen Songs sind in vielerlei Hinsicht eine Fortsetzung des beliebten Albums ,Hundred Acres" aus dem Jahr 2018. Die Gitarren geben den Takt vor. Das Schlagzeug ist das Rückgrat. Und Seans Stimme erzählt die Geschichte. Das klingt nach einem einfachen Rezept, aber es steckt mehr Nuance dahinter als bei einer Hochseilnummer. Aufgenommen im Hive in Eau Claire von Zach Hanson und Brian Joseph aufgenommen, mit der üblichen Besetzung, die bei Bedarf für Instrumentierung und Co-Composition sorgt, sowie den Gastsängerinnen Gia Margaret und Hannah Hebl, die sich wunderbar in das Gesamtgefüge einfügen und einen Sound schaffen, der vertraut und fast nostalgisch klingt - aber auch glänzend und neu. Sean Carey ist seit über fünfzehn Jahren ein wichtiges Mitglied von Bon Iver. Beginnend mit ,All We Grow" aus dem Jahr 2010 sind seine vier Alben und einige epische EPs auf offensichtliche und subtile Weise naturalistische Erkundungen der Landschaften des Herzens und der realen Welt, jede einzelne mit der Geduld eines echten Fischers und dem Scharfsinn eines Folk-Jazz-Phänomens.

Limited edition on clear vinyl. Wie in het voorjaar van 2025 het voorrecht had om de theatertour van Het Zesde Metaal bij te wonen, kon daar op de koop toe genieten van een handvol gloednieuwe songs. En daarna vaststellen dat die helaas nergens te (her)beluisteren waren. Tot nu, want de goesting om de songs vast te leggen voor de eeuwigheid werd op den duur wel heel groot. En dus kampeerden Wannes Cappelle en co afgelopen zomer enkele dagen in Waimes (DAFT Music Studios), voor het eerst in de nieuwe bezetting met Kasper Cornelus op gitaar/toetsen en Sander Verstraete op bas.



Het resultaat is de EP Randgevallen: vijf songs, vijf vertellingen uit het persoonlijke en wereldse leven die andermaal bewijzen dat Het Zesde Metaal als geen ander kan beschrijven, beklijven en betoveren. Een staalkaart bovendien van de muzikale en tekstuele veelzijdigheid die de band al jaren kenmerkt. Opener Service is een opgewekte popsong waarin Cappelle sappig de drang naar reviews en hartjes in het dagelijkse en economische leven fileert: 'wa' vind je van onze service? / zou j'ons geen tiene willen geven? / asteblieft, want anders is den directeur vies.' In Traagskes Groeien verstilt het tempo en keert de blik naar binnen, het persoonlijke leven in, mijmerend over kinderen die stilaan het nest ontgroeien. 'ge moet u zo nie' spoeien / ge moet traagskes groeien / ge moe' laagske per laagske groeien', probeert Cappelle het loslaten nog even uit te stellen.



Wie dacht dat Oud En Nieuw daarna gaat over feestvieren in de donkerste dagen van december, is op het verkeerde feestje beland. Wiegend op hypnotiserende bas, drum en pedal steel passeert opnieuw de vergankelijkheid van het leven, dit keer met een bredere maatschappelijke blik. 'alles da' oud is, was ooit nieuw / en groot is ooit kleine begonnen / veel komt van weinig / glad was eerst ruw / zelfs de waarheid wierd ooit verzonnen'. Wanneer naar het einde toe pulserende synths het tempo opheffen en de song licht euforisch uitwaaiert in een instrumentale coda, kun je alleen maar de ogen sluiten en stilstaan bij wat was en nog komen zal.

Label is het enige nummer dat speciaal voor de EP werd geschreven en baadt net als Service in meer dartele klanken, terwijl Cappelle met trefzekere oneliners een beeld van zichzelf schetst. 'de meeste middens mijd ik, ik hore bie de randgevallen thuis / misschien verdiene 'kik ook een label'. Moeten we altijd proberen de ander in een vakje te duwen? Kan iedereen niet 'gewoon' anders zijn? En ironisch draait Cappelle de rollen om: 'atypisch is de norm / ge moogt buiten de lijntjes kleuren / gewoon is niet verboden / normaal zijn doet geen zeer / as ze mor hunder plekke kennen / de rare zijn met meer.'



Het slotakkoord is voor het beklijvende Duizend Soldaten van Willem Vermandere, dat Cappelle en Filip Wauters begin dit jaar brachten voor het tv-programma Ik Vraag Het Aan. Nu zet het een pakkend punt achter een EP die nogmaals de tijdloze klasse van de band onderstreept. Meeslepend, verhalend, herkenbaar, grappig, ontroerend, scherp. Het Zesde Metaal is het allemaal en heeft daar slechts vijf songs voor nodig.



Randgevallen werd opgenomen met Frederik Segers (productie) en Jasper Maekelberg (mix) aan de knoppen, en komt uit op 4 oktober. Met de plaat onder de arm én aan de merchandisetafel herneemt de band zijn theatertour, maar dan in het groot, langs fantastische zalen in onder meer Brugge (Concertgebouw), Gent (Capitole) en Nederland.

"Pop" is a tag that's been assigned to Minus The Bear throughout their career. It's been used to set a distinction between the unique brand of complex indie rock they introduced on their first EP and the more angular and aggravated sounds of their previous bands Botch, Kill Sadie, and Sharks Keep Moving. It's also a tag that was thrown around frequently in the wake of their streamlined fourth album, OMNI. And it's a descriptor that immediately comes to mind within the first few seconds of their classic second formal EP, They Make Beer Commercials Like This. Now celebrating its 10-year anniversary and first time in print since 2011, Beer Commercials is the evolutionary step between Minus The Bear's first two landmark albums, Highly Refined Pirates and Menos El Oso. Opening track "Fine + 2 Points" remains one of the band's strongest opening tracks in their discography,charging out of the gates with a syncopated stomp that comes across as a more agitated take on Kylie Minogue's "Can't Get You Outta My Head". If Minus The Bear were looking to make pop music without any of its major-scale bubblegum trappings, they nailed it here. The band follows it with "Let's Play Clowns" and "Dog Park" - nods to Highly Refined Pirates' formula of frenetic clean guitar work, bombastic choruses, and Jake Snider's lyrics of detached romantic nostalgia. These tracks may represent Minus The Bear's original trademark version of pop, but on songs like "I'm Totally Not Down With Rob's Alien" the band eschews it's restless energy for atmosphere and dynamics, creating a sound that's inspired more than a handful of contemporary melodic post-rock bands. By the time the band belts out "Pony Up!" the listener has watched the three-year sonic transition between Minus The Bear's first two full-lengths transpire within under half-an-hour, with the their earlier math rock predilections yielding to the tightly wound club-banging pedalboard trickery that defined their sophomore album. Even if Beer Commercials doesn't fit within your definition of pop music, the unorthodox energetic charm of this relatively low-profile release serves as an exciting reminder of why Minus The Bear became one of the most important and influential indie rock bands of the new century.

Die alternativen Brit-Pop-Punker Ash veröffentlichen ihr neuntes Studioalbum "Ad Astra" über Fierce Panda Records. Mit elf brandneuen Tracks, darunter die hervorragende Lead-Single "Give Me Back My World" und ihre mitreißende Interpretation des Harry Belafonte/"Beetlejuice"-Klassikers "Jump In The Line", ist auf ,Ad Astra" auch noch Blur-Gitarrist Graham Coxon auf zwei besonders kecken Songs zu hören, die die ewigen Power-Pop-Könige in besonders raketenartiger Form zeigen. "Ad Astra" folgt recht dicht auf "Race The Night" aus dem Jahr 2023 (das Album der Band mit der höchsten Platzierung in den britischen Charts seit 20 Jahren) und erscheint zwei Jahre und einen Monat später - und das ist kein Zufall. Als Band, die für Live-Musik lebt, schwor sich Ash, dass die durch die Pandemie verursachte fünfjährige Pause zwischen dem Alben "Islands" (2018) und "Race The Night" nie wieder vorkommen würde. Ash greifen auch 2025 noch nach den Sternen des Indieversums! Erhältlich als Gatefold-Jacket-Edition "Rocket Silver" LP, limitierte Spine-Sleeve-Edition "Transparent Martian Red" LP (Indie-Handel exklusiv) und Digi-Sleeve-CD (mit bedruckter Innenhülle bzw. Text-Booklet).

Die alternativen Brit-Pop-Punker Ash veröffentlichen ihr neuntes Studioalbum "Ad Astra" über Fierce Panda Records. Mit elf brandneuen Tracks, darunter die hervorragende Lead-Single "Give Me Back My World" und ihre mitreißende Interpretation des Harry Belafonte/"Beetlejuice"-Klassikers "Jump In The Line", ist auf ,Ad Astra" auch noch Blur-Gitarrist Graham Coxon auf zwei besonders kecken Songs zu hören, die die ewigen Power-Pop-Könige in besonders raketenartiger Form zeigen. "Ad Astra" folgt recht dicht auf "Race The Night" aus dem Jahr 2023 (das Album der Band mit der höchsten Platzierung in den britischen Charts seit 20 Jahren) und erscheint zwei Jahre und einen Monat später - und das ist kein Zufall. Als Band, die für Live-Musik lebt, schwor sich Ash, dass die durch die Pandemie verursachte fünfjährige Pause zwischen dem Alben "Islands" (2018) und "Race The Night" nie wieder vorkommen würde. Ash greifen auch 2025 noch nach den Sternen des Indieversums! Erhältlich als Gatefold-Jacket-Edition "Rocket Silver" LP, limitierte Spine-Sleeve-Edition "Transparent Martian Red" LP und Digi-Sleeve-CD (mit bedruckter Innenhülle bzw. Text-Booklet).

Supergrass kündigen die 20-Jahre-Jubiläumsausgabe von „Road to Rouen“ an, ihrem fünften Studioalbum,
das ursprünglich am 15. August 2005 erschien und Platz 9 der britischen Top 10 erreichte. Der Titel
bezieht sich sowohl auf die französische Stadt, in der es aufgenommen wurde, als auch auf das 1978er
Album „Road to Ruin“ der Ramones. Dieses Album markierte eine nachdenklichere Phase für die Band
und enthielt längere, orchestralere Kompositionen.
Es erntete viel Lob von Kritikern und erhielt 4- und 5-Sterne-Rezensionen von Publikationen wie The
Guardian, Mojo und Uncut. Das Album enthält die Singles „Low C“, „Fin“ und den Fan-Favoriten „St
Petersburg“, einen fesselnden und wunderschönen Track mit einem Hauch von John Lennons Einfluss. Es
ist wohl ihr persönlichstes Album und markierte eine Abkehr vom typischen, optimistischen Sound von
Supergrass. Diese neue, sanfte und introspektive Ausrichtung machte das gesamte Album zu einem Erfolg
bei den Kritikern. Zur Feier des 20-jährigen Jubiläums veröffentlichen wir eine erweiterte Neuauflage von
„Road to Rouen“ mit bisher unveröffentlichten Live- und Studioaufnahmen. Das Album wurde für 2025
komplett neu gemastert. Es erscheint am 3. Oktober als Gatefold-Doppelalbum in Petrol und Forest Green
mit bedruckten Innenhüllen und als Doppel-CD-Digisleeve, beide Formate mit einem 16-seitigen Booklet
mit Linernotes von Mark Radcliffe.

Sub Channels Records is proud to announce their first release, "Epic EP," featuring a collaboration between Belgium-based producer Unlisted Fanatic and Moonshine Horns.

The track "Epic" is a result of the first "post-covid" spontaneous rehearsal session. After Martin just finished building his new fast-driven 90s UK stepper riddim, Jort and Kris came to a studio, and they both felt the vibes instantly. Very quickly this turns into a recording session where they have lay down the powerful, triumphant horn line. With bouncy bass and very clever percussion layering, it's a perfect backing beat for uplifting horns.

On the flip side, EchoBoy slows down the tempo of the original recordings, transforming the melodic horns into more rootikal vibes. This, combined with hard-hitting wobs and ground-shaking subs, makes the B-side a more futuristic tune.

»Sie erschafft ein dunkles Sonnensystem, das mit funkelnden Sternen übersät ist«, schreibt die New York Times über Romy Hausmanns Kunst. Die Netflix Verfilmung ihres Debütromans »Liebes Kind« wurde 2024 mit dem EMMI ausgezeichnet.

»Was wäre, wenn man in besonderen Momenten zum Lesegenuss eines Buches eine maßgeschneiderte Musik abspielen könnte?« Mit »Himmelerdenblau - Der Soundtrack zum Buch« legen Romy Hausmann und Martin Bechler, partners in crime, eine tiefräumige, schwebende musikalische Eskorte vor, die die musikaffinen Lesenden begleiten und verzaubern wird.

Vinyl AudiophilAls Pavlov's Dog im vergangenen Jahr die Veröffentlichung des karriereübergreifenden Boxsets Essential Recordings 1974 - 2018 feierten, arbeitete die Band bereits hart an einem neuen Album mit Originalmaterial. Dieses Album, genannt Wonderlust, ist 2025 erschienen. Und das ein halbes Jahrhundert, nachdem ihre Debüt-LP Pampered Menial und der darauf enthaltene Hit „Julia“ Pavlov's Dog kurzzeitig zu den Lieblingen der Progressive-Rock-Szene der 1970er Jahre machte. Das neue Album ist ein äußerst kreatives Werk mit Songs, die auf intelligentem Songwriting, erstklassiger Musikalität und einem untrüglichen Gespür für das Dramatische aufbauen, das den Sound der Band über all die Jahre geprägt hat.

Pavlov‘s Dog wurde Anfang der 1970er Jahre in St. Louis, Missouri, gegründet und erlangte mit seiner einzigartigen Mischung aus Rock, Klassik und Folk Kultstatus. Ihr damaliger Erfolg war jedoch nur von kurzer Dauer: Bereits 1977 löste sich die Originalbesetzung auf. Leadsänger, Gitarrist und Hauptkomponist David Surkamp machte weiter und schloss sich 1990 mit seinem Gründungsmitglied Doug Rayburn zusammen, um das Album Lost in America aufzunehmen. Doch das zweite Kapitel in der Karriere von Pavlov Dog kam erst nach der Jahrtausendwende so richtig in Schwung, als eine talentierte Gruppe von Musikern der nächsten Generation das Erbe weiterführte. Unter der Leitung von Surkamp hat sich die Band in den letzten Jahren weiterentwickelt. Eine neue Welle des Interesses an Prog-Rock ermöglicht es ihr, regelmäßig zu touren. Die aktuelle Besetzung hat die ursprüngliche Version von Pavlov's Dog in puncto Langlebigkeit inzwischen weit übertroffen: Sängerin Sara Surkamp, Geigerin Abbie Steiling, Bassist Rick Steiling und Keyboarder Mark Maher bilden zusammen mit dem Gründer David Surkamp seit sieben Jahren den Kern der Band.

Bereits auf dem gefeierten Album Prodigal Dreamer aus dem Jahr 2018 vertreten, beweist dieses erfahrene Team von Musikern – mit Unterstützung von u.a. Schlagzeuger Steve Bunck und Gitarristen Phil Ring – nun auf Wonderlust einmal mehr sein Können. Schon beim ersten Hören sind die große Tiefe, Reife und Vision der elf Tracks spürbar. Einige Songs, wie der Opener „Anyway There's Snow“, bei dem Abbie Steilings wunderschöne Geige im Vordergrund steht, glänzen durch große Dramatik. Das von Streichern durchtränkte „Another Blood Moon“ ist ein weiteres Beispiel der für Pavlov’s Dog typischen, musikalischen Melancholie. Auf einem Album voller eindringlicher Gesangsperformances erreicht Surkamp hier wohl seinen Höhepunkt.

Dennoch sollte man nicht vergessen, dass Pavlov's Dog in erster Linie eine Rockband ist. Stücke wie das treibende „Mona“ und das knallharte „Collingwood Hotel“ treffen ins Schwarze. „Jet Black Cadillac“ klingt wie der Titel einer klassischen Rock'n'Roll-Nummer, doch der Song beginnt wehmütig. (Seien wir ehrlich: Pavlov's Dog klingt fast immer zumindest ein bisschen wehmütig.) Doch sobald der titelgebende Cadillac im Refrain auftaucht, erhebt sich der Song und das Traumauto fungiert als Mittel zur Flucht vor dem Blues. Hinzu kommen der freche Charme von „Solid Water, Liquid Sky“ und die Hardrock-Anleihen von „Can't Stop The Hurt“.

Besonders langjährige Fans, die mehr von dem wollen, was typischerweise „Prog“ ausmacht, können sich über die zweite Hälfte des Albums freuen. Auf dem von Abbie Steiling geschriebenen, instrumentalen Prunkstück „Calling Sigfried“ entfesselt die Band kurzerhand ihre gesamte musikalische Brillanz. Das Album schließt mit einem Trio von Songs, die Surkamp gemeinsam mit seinem früheren Songwriting-Partner, dem inzwischen verstorbenen Doug Rayburn, geschrieben hat. Von diesen verströmt vor allem „Canadian Rain” die abenteuerlichen Vibes des Progressive Rock der 1970er-Jahre mit zahlreichen Tempowechseln und einem elektrischen Slap-Bass-Solo wie aus heiterem Himmel.

Auf Wonderlust klingen Pavlov's Dog wie die Veteranen, die sie sind; diese Musiker sind schon lange genug dabei, um zu wissen, was sie tun. Doch gleichzeitig beweisen sie, dass ihre kreative Quelle immer noch sprudelt. Das langersehnte Wonderlust ist ein Album voller geschickt eingespielter, vollständig realisierter Rockmusik, bei dem Surkamp zeigt, dass er stimmlich keineswegs nachgelassen hat und, dass ein alter Hund doch ein paar neue Tricks lernen kann.

Gute Musik wie diese wird nie aus der Mode kommen.

DJ Steaw returns to the forefront with a sharp new Deep House EP, forthcoming onHouse Puff label.This project, available in vinyl for collectors and in digital format for everyone, showcases DJ Steaw's mastery of groove and atmosphere. The four tracks presented hereare true gems for lovers of authentic Deep House: deep, driving basslines intertwinewith soaring melodic pads and subtly percussive rhythms.Expect an immersive sonic journey, perfect for underground clubs as well as sophisticated chill-out moments. The release on House Puff is a guarantee of quality and a refined sonic aesthetic. An EP not to be missed for anyone who appreciates Deep House inits purest and most effective form.

The Alien Dub Orchestra is ragtag collective of Bavarian musicians, featuring members of The Notwist and G.Rag y los hermanos Patchekos. The cohort formed around the idea of performing the standards of the fabled Breadminster Songbook, aka the back-catalogue of lone dubman Elijah Minnelli. Minnelli is known for constructing wheezy, forlorn odes to his hometown, both as highly sought-after self-released 7" singles, and a critically-acclaimed debut album, ‘Perpetual Musket’ for FatCat Records, lauded by the likes of The Guardian, The Wire, and The Quietus. ‘The Alien Dub Orchestra: Plays the Breadminster Songbook’ finds group covering Minnelli’s cumbia-infused dub reggae with full band, playing an eclectic array of instruments including: guiro, accordion, melodica, sousaphone, trumpet and assorted percussion.

The tale begins in 2022, when Minnelli was invited to lend his unique dubbing style to a pair of remixes for The Notwist, and what followed was an ever-flourishing relationship between the Breadminster native and the wider Munich scene. The seeds of the Alien Dub Orchestra were sown during a support gig for The Notwist, where assorted musicians joined Minnelli for a encore, reinterpreting one of his dub remixes across woodwind, brass and assorted percussion.

“The idea of real, competent professionals playing something you’ve muddled together on a computer in a damp basement is quite overwhelming,” reflects Minnelli on the process, “hearing them interpret and improve these melodies is a real joy and privilege.”

Despite the non-traditional origins of the source material, the inherent musicality of Minnelli’s songwriting shines through across his releases, and this creative kinship is what attracted the Orchestra to reimagining his work. The first live collaboration led to recording sessions and further gigs, with the Orchestra building a full set of Minnelli’s music.

The resulting album puts forward the strongest case yet of the shared musical throughline between the acts, where cumbia, dub and folk sensibilities coalesce to something all together unique. The tracks are wrought new, with melodies fleshed out and broader instrumentation expanding the sonic possibilities of the compositions. The tactility of the tracks is perhaps best demonstrated on the gorgeous ‘Vine and Fig Tree’, with it’s layed vocals and expressive bassline returning as a cavorting sousaphone line. Elsewhere, fan favourite ‘SLATS’ sounds as if it was simply written to be performed this way.

To further instill the cylindrical nature of these collaborations, the entire second half of the album is made up of dub versions of the Orchestra’s renditions. For these dubs, Minnelli is joined by Raimund Wong, who had caught his ear with his ambitious live sets, a daisy chain of tape machines and FX pedals. Again, despite their differing creative processes, the two bonded over a shared love of dub music. Each dub was a one-take, with Minnelli riding the faders and Wong’s filters and FX supplying a sound that doesn’t seek to imitate dub, so much as it tries to be it’s own chaotic self. The droning, psychedelic hypnosis of ‘Pundit Dub’ stretches the material to a whole new realm that feels outside of anything else Minnelli has produced before, an ode to the benefits of recycling sound if ever there was one. The whole second half is a perfect closing note to an album that is undoubtedly a love letter to folk tradition, dub ideology and, most importantly, the joy of uninhibited collaboration.

​Elijah Minnelli - voc, guiro, percussion
Philip Gross - accordion, melodica
Theresa Loibl - clarinet, melodica
Cico Beck - electronics, keyboards
Sascha Schwegeler - congas, steel drum, percussion
Micha Acher - sousaphone, trumpet
Markus Acher - drums, voc
Dub mixes performed live by Elijah Minnelli & Raimund Wong at Breadminster County Council Studios

Ostinato as resistance: Rafael Anton Irisarri’s landmark work reimagined. Marking the tenth anniversary of the American composer’s critically acclaimed album 'A Fragile Geography', this new edition arrives renewed, both sonically and visually.

First released in 2015 (Room40) during a period of personal upheaval and creative reinvention, it endures as a testament to resilience, transformation, and the connection we hold with the places that shape us.

Written in the aftermath of a devastating theft, A Fragile Geography was born out of loss. Just days before a cross-country move to New York, Irisarri’s entire Seattle-based studio was wiped out. Instruments. Recordings. Archives. Gone without a trace. He arrived on the East Coast to an empty room and the daunting task of starting over.

“This album wasn’t just a record; it was a lifeline,” Irisarri reflects. “It became a way to process the emotional chaos that followed: uprooting, instability, and ultimately, the slow, intuitive rebuilding of a life.”

Composed and recorded in the rural woods of the Hudson Valley, the album took shape in seclusion, surrounded by nature, and through a process guided by improvisation. Embracing limitations, Irisarri wove textural layers of field recordings with half-remembered melodies from his Seattle years, piecing them together like fragments of memory. Tracks like “Displacement,” “Hiatus,” and “Persistence” juxtaposed haunting stillness with restless momentum, mapping an inner terrain of grief, catharsis, and rebirth.

Among its defining sounds is “Empire Systems,” a monumental centerpiece built around a simple four-chord progression, organ textures, and guitar drones. Gradually, the track expands into layers of immersive loops and thick, enveloping distortion that wash over the listener like a rolling wave. Often cited as the album’s most majestic passage, it captures Irisarri at his most sonically ambitious. With a harmonically saturated structure crafted from restraint and repetition, it remains one of his most recognizable compositions: an exercise in the art of maximal minimalism.

From the outset, “Reprisal” received praise from BBC’s Mary Anne Hobbs, who championed the track on her radio show. Her support played a key role in introducing Irisarri’s work to wider audiences and solidifying his place within the lineage of electronic, drone, and experimental sound artists. A slow-burning elegy, the piece emerges from a haze of distortion and sub-bass, with dense, unrelenting drones carrying a sense of mounting tension. Just as it seems to collapse under its own weight, flickers of guitar emerge like distant light through fog. It’s a meditation on dissonance, resolve, and the elusive possibility of release.

The closing track, “Secretly Wishing for Rain,” is steeped in saudade: a longing for Seattle’s dour grey skies, lush green landscapes, and desaturated sunsets. Through it, Irisarri mourns a vanished chapter of life bound to the city, a time documented in scattered mementos and cherished collections, now permanently gone. A reflection on what could never be recovered: an era lost to time. Julia Kent’s looped cello motifs added a melancholic warmth to the track, marking the first collaboration between the two artists and sparking a musical dialogue that would keep growing in the years that followed.

More than a career highlight, A Fragile Geography has laid the foundation for Black Knoll studio, which Irisarri rebuilt from the ground up. The studio has since grown into a creative hub for countless projects, with Irisarri engineering records for iconic music figures like Terry Riley, Ryuichi Sakamoto, William Basinski, MONO, Devendra Banhart, Grouper, Emeralds, Steve Hauschildt, Julianna Barwick, and many others. Carried by its lasting influence, the album has quietly captured the ear of a younger generation, its sound and emotional arc finding new listeners in unexpected corners.

The album’s new visual language was reimagined in collaboration with Mexico City–based designer Daniel Castrejón. Irisarri captured ghostly images at Gaztelugatxeko Doniene, a historic coastal site in Bermeo, Euskal Herria. Castrejón then treated the photographs with distressed textures and spectral overlays. The final artwork channels the rugged, elemental forces that shaped both the music and Irisarri’s aesthetic, renewing his ties to ancestral ground inspired by the Basque homeland of his bloodline.

Mastered by Stephan Mathieu with exceptional attention to detail, this anniversary edition uncovers every nuance in the sound design, enhancing clarity and presence. With each listen, new elements emerge, inviting discovery and reconnection.

“I don’t experience this album as a document of grief anymore,” says Irisarri. “I hear adaptation and I'm reminded that when everything falls apart, something meaningful, maybe even beautiful, can emerge.”

Ostinato as resistance: Rafael Anton Irisarri’s landmark work reimagined. Marking the tenth anniversary of the American composer’s critically acclaimed album 'A Fragile Geography', this new edition arrives renewed, both sonically and visually.

First released in 2015 (Room40) during a period of personal upheaval and creative reinvention, it endures as a testament to resilience, transformation, and the connection we hold with the places that shape us.

Written in the aftermath of a devastating theft, A Fragile Geography was born out of loss. Just days before a cross-country move to New York, Irisarri’s entire Seattle-based studio was wiped out. Instruments. Recordings. Archives. Gone without a trace. He arrived on the East Coast to an empty room and the daunting task of starting over.

“This album wasn’t just a record; it was a lifeline,” Irisarri reflects. “It became a way to process the emotional chaos that followed: uprooting, instability, and ultimately, the slow, intuitive rebuilding of a life.”

Composed and recorded in the rural woods of the Hudson Valley, the album took shape in seclusion, surrounded by nature, and through a process guided by improvisation. Embracing limitations, Irisarri wove textural layers of field recordings with half-remembered melodies from his Seattle years, piecing them together like fragments of memory. Tracks like “Displacement,” “Hiatus,” and “Persistence” juxtaposed haunting stillness with restless momentum, mapping an inner terrain of grief, catharsis, and rebirth.

Among its defining sounds is “Empire Systems,” a monumental centerpiece built around a simple four-chord progression, organ textures, and guitar drones. Gradually, the track expands into layers of immersive loops and thick, enveloping distortion that wash over the listener like a rolling wave. Often cited as the album’s most majestic passage, it captures Irisarri at his most sonically ambitious. With a harmonically saturated structure crafted from restraint and repetition, it remains one of his most recognizable compositions: an exercise in the art of maximal minimalism.

From the outset, “Reprisal” received praise from BBC’s Mary Anne Hobbs, who championed the track on her radio show. Her support played a key role in introducing Irisarri’s work to wider audiences and solidifying his place within the lineage of electronic, drone, and experimental sound artists. A slow-burning elegy, the piece emerges from a haze of distortion and sub-bass, with dense, unrelenting drones carrying a sense of mounting tension. Just as it seems to collapse under its own weight, flickers of guitar emerge like distant light through fog. It’s a meditation on dissonance, resolve, and the elusive possibility of release.

The closing track, “Secretly Wishing for Rain,” is steeped in saudade: a longing for Seattle’s dour grey skies, lush green landscapes, and desaturated sunsets. Through it, Irisarri mourns a vanished chapter of life bound to the city, a time documented in scattered mementos and cherished collections, now permanently gone. A reflection on what could never be recovered: an era lost to time. Julia Kent’s looped cello motifs added a melancholic warmth to the track, marking the first collaboration between the two artists and sparking a musical dialogue that would keep growing in the years that followed.

More than a career highlight, A Fragile Geography has laid the foundation for Black Knoll studio, which Irisarri rebuilt from the ground up. The studio has since grown into a creative hub for countless projects, with Irisarri engineering records for iconic music figures like Terry Riley, Ryuichi Sakamoto, William Basinski, MONO, Devendra Banhart, Grouper, Emeralds, Steve Hauschildt, Julianna Barwick, and many others. Carried by its lasting influence, the album has quietly captured the ear of a younger generation, its sound and emotional arc finding new listeners in unexpected corners.

The album’s new visual language was reimagined in collaboration with Mexico City–based designer Daniel Castrejón. Irisarri captured ghostly images at Gaztelugatxeko Doniene, a historic coastal site in Bermeo, Euskal Herria. Castrejón then treated the photographs with distressed textures and spectral overlays. The final artwork channels the rugged, elemental forces that shaped both the music and Irisarri’s aesthetic, renewing his ties to ancestral ground inspired by the Basque homeland of his bloodline.

Mastered by Stephan Mathieu with exceptional attention to detail, this anniversary edition uncovers every nuance in the sound design, enhancing clarity and presence. With each listen, new elements emerge, inviting discovery and reconnection.

“I don’t experience this album as a document of grief anymore,” says Irisarri. “I hear adaptation and I'm reminded that when everything falls apart, something meaningful, maybe even beautiful, can emerge.”

For its fifth vinyl release and first-ever VA, Aurore 404 steps slightlyoff its beaten path, leaning into more club-centric contours.Six tracks trace a shared pulse across borders — from France to the UK toGeorgia — weaving together stripped-back rhythms, textured grooves, and aneclectic spirit.

Fresh off producing a seminal documentary about the origin story of Portuguese rave culture, Shcuro returns to his mother tongue, music, to give us four slices of fresh yet classic Lisbon underground flavour right as the summer sets in. 'Echo Chamber' EP, Para?so's 17th outing, comes with two equally excellent remixes separated by the atlantic: Brooklyn's MoMA Ready and Berlin's Mareena. Side A starts with two tracks first blueprinted this past year as Shcuro prepared a new live set. 'No Expectations' opens the record with a high-paced sweat-breaker that elegantly evokes early rave culture as stabs, funk and feelings abound. A2 'Persistence' follows suit with the work that exudes proficiency: sound design, dub techno learnings and masterful layering all conspire to create a moment of pure techno draw. Closing side A, 'Deviation' pulls some of the previous track's energy even though it's a rework from the artist's earlier unreleased catalogue: another sign that we're talking realness here. Clever percussion and refreshing washes drive us well into dubby territories. 'Suspension' opens the B side, picking up where it left off with the last original: a beautifully produced piece with fleeting mutating stabs that seem to swim alongside us in an imaginary oceanic dancefloor. Liquid, refreshing sensorial motifs seem to underpin this record and that spirit spills into the remix pack, starting off with MoMA Ready's take on 'Persistence', bringing out the rawness in the original while adding a special sauce with Robert Hood-like funky yet minimalistic bleep work. Tresor's Mareena steps in for a centered, dancefloor-geared - but still mysterious - twist on 'Deviation', perfectly rounding up the record with the expertise of a club resident.

Off The Record (faitiche 39), the new album by French collagist Roméo Poirier, is an amusing romp through the discarded history of recording studios. It contains fourteen miniatures based on accidental recordings of studio talk, revealing things that were never meant for the public: we hear instructions from studio staff, scraps of talk between musicians, or just microphones being adjusted, as well as false notes, false starts: everyone stops. Start again: 1, 2, 3, 4!

Poirier’s approach recalls Accumulation, an artform practiced by Arman, Jean Tinguely and Daniel Spoerri that involved piling up everyday items into assemblages. The objects themselves often remained unaltered, the artistic gesture consisting in the careful curating of a distinctive selection. Poirier’s audio collages explore similar terrain. The fourteen pieces on Off the Record combine more than a thousand found sounds from studio archives into complex miniatures. The audio content of these outtakes is twisted, stretched, cut, reassembled, slowed down and accelerated. Voices cut into a microgroove, from a very old recording, intertwine with digital voices gleaned from YouTube. All of them in dialogue, engaging the listener with the impression of being part of a new music group.

Poirier uses the mundane routine of setting up before the actual recording gets underway to tell a universal story about working in a recording studio. And he manages something few achieve, transforming specialist knowledge into a narrative whose beauty goes far beyond its immediate subject. It speaks to everyone, because the story is told in a musical language that is open and accessible, evoking magical images reminiscent of Oz – a world consisting less of events than of camp hallucinations, captured in grainy black-and-white photographs. En passant, Poirier shows us how the notion of material accumulation can produce great art.

Written and produced by Roméo Poirier, mastered by Stephan Mathieu, photos by Roméo Poirier, graphic design by Tim Tetzner.

Bei einer Bandgeschichte wie bei ’The Kelly Family’ gibt es natürlich viele Highlights! Wenn es aber um
Konzerte geht, gibt es in dem Bereich ein paar, die ganz oben stehen.
Als die Band 1995 zum ersten Mal auf der Loreley spielen sollte, war die Aufregung immens. Grosse
Open Air Konzerte waren noch nicht der Alltag und dann sollte diese Show auch noch Live im Fernsehen
übertragen werden. Es gilt bis heute als eines ihrer besten Live-Konzerte, welches aufgezeichnet wurde.
Und auch nach 30 Jahren berühren die Aufnahmen dieser Show immer noch Menschen weltweit.
Jetzt zum 30. Jubiläum soll das gefeiert werden! Am 02.10.2025 erscheint dieses legendäre Konzert in
einer „Deluxe Edition“ auf DVD und 2 CD’s und über 30 Seiten voll mit tollen Fotos.
Alle Vinyl Fans dürfen sich auch auf eine 3LP Coloured Vinyl Edition inkl. 4-seitigem Booklet freuen. Diese
wird auf 1.000 Stück limitiert und nummeriert sein.

Label text:

"Conrad Pack returns to SELN Recordings with a three track EP threading the needle between London sonics and
something beyond.

The primary tracks Praise and Guidance were recorded during the height of the Scram events organised by
Leeway (Guy Gormley), and hosted by the late soundsystem luminary Julian Fairshare at Ormside Projects. The
influence of this period, and in particular of Fairshare himself, on the music is clear; both are stepper-esq, leaning
heavily on London’s musical legacy past and present, whilst still pushing a contemporary sound.

Praise is essentially a Dub track. The percussion and bass are of a familiar steppers nature, with the synths
evoking a true Big Smoke feeling. Although the melody itself wouldn’t sound out of place in a UK Drill number, the
song overall still touches on Industrial and DIY sonics, being all the stronger for doing so.

Guidance follows in solid form. Amongst the driving percussion and staunch bassline, droning pads lock in a dense
mood whilst sparse choral melodies echo throughout. Think Shaka meets Muslimgauze, but recorded in a
Woolwich Office Block.

Grotto was originally produced for the group show “The Grotto” held in January 2021 at Ridley Road Project Space.
Restructuring the track from the original stems, Pack presents a new and enchanted “stereo version” for Praise EP.
Angelic atmospheres flow amongst scattered hi-hats as sporadic Freetekno Kicks reverberate across the void.
Most accurately described as “what Curley in a K Hole might have sounded like”. "

Eco Coloured Edition
Elena Tonra ist zwar keine passionierte Schwimmerin, aber der Sound auf dem neuen Daughter Album "Stereo Mind Game" klingt wie ein Ozean, in den man eintauchen möchte. Das dritte Album der britischen Band, gleichzeitig das erste Studioalbum seit sieben Jahren, setzt sich damit auseinander, was es bedeutet, von geliebten Menschen und auch von sich selbst getrennt zu sein - ein komplexes Thema. Daughter, das Trio bestehend aus Elena Tonra, Igor Haefeli und Remi Aguilella - wurde 2010 gegründet. Nach der Veröffentlichung von zwei Studioalben, "If You Leave" (2013) und "Not to Disappear" (2016), und dem Videospiel-Soundtrack Music "From Before the Storm" (2017), beschlossen sie, eine Auszeit voneinander zu nehmen. Kurz zuvor jammten sie allerdings noch gemeinsam in Los Angeles, zwischen einer Support-Tour für The National und ihren ersten Headline-Shows in Südamerika. Hier begann die Arbeit am neuen Album. Danach herrschte erst einmal Stille - als Band und untereinander. In den nächsten Jahren, in denen die Mitglieder an ihren eigenen Projekten arbeiteten, darunter auch Tonras Soloplatte als Ex:Re, trafen sich Daughter gelegentlich zum gemeinsamen Schreiben in Studios in London, Portland und San Diego, wo Haefeli 2019 für sechs Monate lebte. Die zentrale romantische Figur der Platte ist jemand, den Tonra dort kennengelernt hat, als sie aus London zu Besuch kam. Sie teilten eine bedeutende Verbindung, aber sie wusste, dass der Atlantik zwischen ihnen liegt. Daughter begann 2021 konkret mit den Aufnahmen für die zwölf Songs des Albums. Haefeli, der in Bristol lebt, traf sich mit Tonra in den Middle Farm Studios in Devon. Aguilella, der in Portland, Oregon, lebt, nahm seine Schlagzeugparts im Bocce Studio in Vancouver, Washington, auf. Haefeli produzierte eine Reihe der Songs, während Tonra "Junkmail" produzierte. Den Rest haben sie gemeinsam produziert. Die Sehnsucht, physische Entfernungen zu überwinden, ein Gefühl, das sich während der Pandemie noch verstärkt hat, ist in viele dieser Stücke eingeflossen. Auf "Wish I Could Cross the Sea" hören wir Sprachnotizen von Tonras junger Nichte und ihrem Neffen, die in Italien leben. "(Missed Calls)" enthält eine weitere Sprachnotiz, in der ein Freund einen Traum beschreibt. Gefüttert mit einigen modularen Effekten, klingt er geisterhaft eindringlich. Diese Nachrichten, Versuche einer Verbindung von geliebten Menschen, die man nicht sehen kann, "können einen aus dem Brunnen ziehen", sagt Tonra - aber nur, wenn man den Hörer abnimmt. Wenn man andere hereinlässt, kann Schönheit entstehen. Tiefes Gefühl kommt von den Bögen des 12 Ensemble, dem in London ansässigen Streichorchester, das bei vielen Stücken des Albums zu hören ist. Die von Haefeli und Tonra arrangierten und von Josephine Stephenson orchestrierten Stücke wurden, passenderweise, im The Pool aufgenommen, einem Raum in Bermondsey im Süden Londons, der eine ehemalige Badeanstalt war. Ein Blechbläserquartett verleiht auch "Neptune" und "To Rage" eine wohlig klangliche Wärme. Während Daughters frühere Arbeiten ihre Kraft in ihrer entwaffneten und emotionalen Ehrlichkeit fanden, handelt "Stereo Mind Game" von gegensätzlichen Gefühlen. "Es geht darum, nicht in absoluten Kategorien zu arbeiten", sagt Haefeli. Nach mehr als einem Jahrzehnt, in dem sie die dunkelsten Emotionen darstellten, haben Daughter ihr bisher optimistischstes und ein fast schon strahlendes Album aufgenommen.

Tauche ein in die magische Klangwelt von Olafur Arnalds: Found Songs kehrt zurück - erstmals als transparente Vinyl-Edition! Ursprünglich 2009 auf schwarzem Vinyl veröffentlicht und lange vergriffen, erscheint dieses intime Meisterwerk nun in einer streng limitierten Neuauflage. Die sieben Stücke entstanden in einem außergewöhnlichen Projekt: ein Song pro Tag, sieben Tage lang - direkt geteilt mit der Welt. Zwischen zarten Klaviermotiven, subtilen Elektronik-Elementen und kammermusikalischer Tiefe entfaltet sich ein eindrucksvolles Porträt eines jungen Komponisten, der die Grenzen zwischen Klassik, Pop und Ambient neu definiert. Found Songs ist ein poetisches Zeitdokument - roh, ehrlich und voller Gefühl. Ein Muss für alle, die Musik als Kunstform erleben. Step into the delicate sound world of Olafur Arnalds: Found Songs returns - for the first time ever on clear vinyl! Originally released in 2009 on black vinyl and long sold out, this intimate masterpiece is now reissued in a strictly limited edition. Born from a unique project - one song per day for seven days, shared instantly with the world - these seven pieces blend fragile piano, subtle electronics, and chamber textures into a deeply personal portrait of a young composer redefining the boundaries between classical, pop, and ambient. Found Songs is a poetic time capsule - raw, honest, and profoundly moving. A must-have for those who experience music as art.

Superb EP, in a Electroswing bad boys & girlz good morning pumpin style...
Defenitly a masterpiece that level up the style !!

BANGING pleasure !!!

Guitar Solos is the debut solo album of British guitarist, composer, and improviser Fred Frith. It was recorded while Frith was still a member of the English experimental rock group Henry Cow and was released originally in October 1974. Voted one of the best albums of 1974 by NME critics it also attracted the attention of Brian Eno, resulting in Frith playing guitar on two of Eno‘s albums. Frith‘s never tiring spirit in creating and performing music has made him one of the most notable and creative guitar players and musicians in the scene of improvised and composed music. For the anniversary of this release we have encouraged Frith to arrange a set up similar to what he used 50 years ago to record an album of new compositions which will accompany the original record.

Sergej Prokofjew vollendete die Skythische Suite op. 20 im Jahr 1914, als er im Begriff war, seiner Heimat den Rücken zu kehren. Die Symphonische Suite op. 60 wurde fast zwei Jahrzehnte später komponiert, nachdem Prokofjew 1933 nach Russland zurückgekehrt war. Die biographischen Wendepunkte, an denen die beiden Suiten stehen, stellen auch ideologische Wendepunkte in Prokofjews Kunstauffassung dar. Eine Besonderheit: Die beiden Musikstücke wurden für diese Veröffentlichung erstmals von den originalen 1- Zoll-8-Spur-Bändern neu gemastert und geschnitten.

Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen Vier- und Achtspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor.

Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons.

After their epic run with Channel One beginning in the mid 1970's, the Mighty Diamonds moved to producer Gussie Clarke for a string of albums starting in 1979 and running thru the 1980s. Among the many many great tunes from this run, the title track of their 1982 album "The Roots Is There" is simply one of the Diamond's best ever, and probably the most lyrically militant tune they ever made. This tune was never released as a single at the time, though new mixes were released as a single in 2017. But prior to the release of the album back in the day, this song was played on dubplate in a raw mix without the horns and added percussion that made it onto the final album mix. This raw vocal cut, followed by a raw instrumental version, changes the whole tone of the tune and brings it into another level of militancy right up there with the hardest stuff you can name, even in an era filled with so many extra tough stepping classics. Rather than remaster from an old dubplate, for this 45 we had producer Gussie Clarke and Music Works' close associate engineer Curtis Lynch go back to the original tapes, and with an original dubplate as reference, perfectly recreate the original raw cut, now released in pristine tape quality. Again we present this release on Music Works' original early 1980s dubplate label design, just like the original slate would have been adorned with. If you only know the sweet harmony side of the Diamonds, give this one a try to see their other tuff side, and listen to the lyrics, as relevant to the struggles of right now as they were in 1982.

Previously unreleased. Both sides with dub.
A-side is mastertape mixes, B-side is the original early 1980s dubplate mixes.
Comes in Bond Export company sleeve.

Killer previously unreleased early 1980s Mighty Diamonds straight from producer Gussie Clarke, tuff steppers cut of the Heptones classic. This tune made the rounds on dubplate back at the time, but never ended up seeing release. On the A-side we have the mastertape mix, a hard but spare mix of this canon JA tune, that recalls the dry and heavy 1980 Taxi style that we've recently issued some fine examples of. On the B-side we have the original dubplate mixes which were around on plate at the time, mixed down in proper plate style like you would have gotten from Slipe Road if you had the juice. Like our previous Tetrack 45, comes on the lovely "Dubwise Made in

After a long moment with no Bebert Borthers release...
This Pumpin party cruiser navigate from 150 to 180 BPM.
The global ambiance is stellar, as the name of the label could suggest... with a South-Side accent :)

Kerala Dusts großartiges neues Album 'An Echo of Love' ist ein Paradebeispiel dafür, niemals stillzustehen. Im Mittelpunkt seiner musikalischen Hybridität - wo Artrock auf innovative Elektronik trifft und die warme Umarmung der Tanzfläche Raum für weite Ausblicke auf Americana, Wüstenblues und dämmrige Fahrten durch eine neonbeleuchtete Stadt lässt - steht ein Album, das die Möglichkeiten des ständigen Wandels lebt.

Es ist ein wunderbar wandelbares Album; eine rastlose Fusion, deren Bedeutung eher in Fragmenten als in etwas Festem oder Statischem liegt. Kurz gesagt: Es dreht sich alles um Dynamik. Dieses Gefühl der ständigen Bewegung spiegelt sich nicht nur in der wechselnden Besetzung der Band wieder - Keyboarder Tim Gardner und Schlagzeuger Pascal Karier sind Neuzugänge und gesellen sich zu den langjährigen Mitgliedern Edmund Kenny (Gesang und Elektronik) und Lawrence Howarth (Gitarre) -, sondern auch in den Orten, an denen das Album geschrieben und aufgenommen wurde. Die Sessions fanden in der Toskana, Austin, Berlin, Zürich und schließlich Rom statt. Für Sänger Edmund "existiert das Album in gewisser Weise an all diesen Orten". Im Oktober und September ist die Band auf GSA-Tour!

Gars Records proudly presents the first release in our "Gars of Gars" series, celebrating classic Detroit and modern techno with a fresh, boundary-pushing approach. This dynamic compilation features breakthrough artists BENZA, Mython, and James Harbrecht, alongside rising talent Deranged. Local Lithuanian producers y2kati and Phaseline join forces with international heavyweights like Bondarük, delivering a truly global sound. A bold yet respectful nod to techno’s roots, "Gars of Gars" is set to make waves and stand the test of time. And last but not least, the entire release was mastered by the almighty Joe Farr, bringing over 25 years of industry expertise to the sound.

Inner Zone returns to space•lab with an immersive EP exploring the meeting point of deep techno and progressive minimalism, shadowy rhythms and spatial resonance.

Folded Realm opens the release with a hypnotic pulse, drawing from the darker edges of the Inner Zone sound with precision and restraint. Goa’s Kohra steps in on remix duties, transforming the original into a tunnelling techno weapon — dense, focused, and primed for the floor.

Spiral Form is a slow-burn evolution, unfolding in layers of submerged textures and flickering synth work. Closing the EP, Fallout breaks formation with a menacing, breakbeat-driven excursion through scorched sonic terrain.

2025 Repress

Die „Girls Gang Remixes“ 12“ wartet mit Clubversionen und Remixen von befreundeten Künstlern wie dem legendären DJ Hell, dem Dark-Disco-Allstar Damon Jee, dem italienischen Produzenten Phunkadelica und dem französischen Sänger und Filmkomponisten The Populists (alias Yan Wagner) auf. Ausserdem enthält sie noch Clubversionen von den beiden Singles „Promise Me feat. Curses“ und „Schall & Rauch“ und eine griechische Version von dem Sommerhit „Halkidiki“.

DJ Hell ist der Pate des Electroclash und Gründer des einflussreichen Labels International Gigolo Records. Helmut Geier steht seit vielen Jahrzehnten hinter den Decks und spielt entweder in den größten Clubs der Welt, auf riesigen Musikfestivals oder bei Laufstegshows für die angesagtesten Modemarken, neben der Produktion von Musik, der Schauspielerei in Filmen und dem Designen von Kleidung. Sein Extended Mix von FOMO (Fear Of Missing Out) ist eine krachende, genreübergreifende Reise durch Zeit und Raum. Eine neue Baseline, treibende Hihats, Live-Atmosphäre und ein druckvoller Kick heben den Track auf ein neues Level und machen ihn zu einer Waffe auf der Tanzfläche. Der aus Südfrankreich stammende Damon Jee ist eine Pionierfigur in der Dark-Disco-Szene. Mit über zwei Jahrzehnten Erfahrung in der elektronischen Musik hat der Dust & Blood-Labelbesitzer einen ganz eigenen Sound entwickelt. Er verwandelt „Girls Gang“ in eine Clubbombe, indem er seine charakteristische Big-Room-Energie einfließen lässt, einen epischen Break hinzufügt und die Vocals in eine andere Welt verzerrt. The Populists ist das cluborientierte DJ-Projekt des französischen Sänger-Produzenten, Gesaffelstein-Kollaborateurs und Filmkomponisten Yan Wagner. Seit 2014 veröffentlichte er EPs und Tracks auf Tastemaker-Labels wie Lumière Noire, Zone, Detriti, Ritmo Fatale & XXX. Auf seinem Remix von 'Disco Goth' kombiniert er entspannte Italo-Disco-Grooves mit New Beat Drums und verleiht dem Original ein ganz anderes Feeling.

Girls Gang wurde überragend aufgenommen und unter anderem Magazinen wie Rolling Stone, Mixmag, Musikexpress, Kulturnews, Visions, TAZ, Penthouse, Brigitte sowie Sonic Seducer (Album des Monats) und Orkus abgefeiert. Radiostationen wie KEXP, BBC Radio 1, Sunshine Live (Album der Woche), Radio Eins, Flux FM, WDR 1Live und Deutschlandfunk berichteten über das Album, das mittlerweile auf über 20.000 weltweite Radioeinsätze und mehr als 1 Million Streams kommt. Auch führende Online-Plattformen wie Spiegel Online, Plattentests (Album der Woche), Laut.de (Song der Woche) und Tonspion (#6 Album des Monats) lobten die Veröffentlichung in höchsten Tönen.

Format: Schwarzes Vinyl (140 g) mit alternativen & Clubversionen sowie Remixen von Damon Jee, DJ Hell, Phunkadelica & The Populists.

A photo in Rodney Stepp’s scrapbook sums this period in his life in music. It’s 1974, The Spinners were headliners at the “Zaire 74” music festival, a sideshow to Muhammad Ali’s fabled “Rumble in the Jungle” fight with George Foreman. Among the faded snapshots, there’s a picture of Stepp backstage posing arm in arm with Ali; another image shows The Greatest seated at Stepp’s Fender Rhodes alongside vocalist Etta James. It was all a dream for this Naptown wunderkind, who had previously recorded for Herb Miller’s LAMP Records as the Diplomatics and had issued the sweet soul killer “Young Girl” as Jazzie Cazzie and the Eight Sounds on a rare Knaptown 45. (These recordings have been documented on the Now-Again LAMP anthology and our Loving On The Flipside compilation.) But as exciting as his rise out of those local status was, as exciting as it was to headline festivals and arenas and appear on late night talk shows, Stepp grew restless with the mechanical routine of being a sideman. He grew tired of playing the same charts night after night. He was hungry for a creative outlet that mimicked his earliest days in recorded music. So, in 1978, Stepp left The Spinners and returned to Indianapolis, where he established an all-stargroup of musicians–including members of Jazzie Cazzie and the fabled Amnesty–and he named the band Rapture. They inspired countless others. They recorded an album’s worth of material. Now-Again’s Egon first got tapes from Stepp in 2002 and dutifully transferred them, but the time was not right for a foray into this wealth of material. Come 2025, and this is the first time it Rapture’s music is seeing the light of day, a triumphant, late career moment for Stepp and a cause for celebration of those intrigued by deep, sweet soul and disco funk

For our fourth release, we welcome Basel-based producer Ben Kaczor. ‘To Baby Bones’ showcases the tracks produced as part of Ben’s first live set presented at Above Below Festival in 2024.

Written as a homage to a loved one, the title track of the EP is a gentle soundscape traveling through memories and subtle body shivers, far away yet never out of heart’s reach. ‘Bridge’, as if hung high above, suffuses the air with a thick emotional haze, lifting slowly as a walk along a fragile structure ends. Wistfully transforming present into past, ‘This Blue Light’ melds with the orange glow of the sun and dissolves into a white cloud. Driving and fizzy ‘Punchbag’ brings all the dreamers down to earth. Immersing them straight into the buzzing front left, it buoyantly concludes an ode to the melody of life and the joy of a loving heart — To Baby Bones.

First time reissue of this French cold-wave / minimal-synth treasure.



November 1981 – In the heart of autumn, we set off in two cars along the Nationale 1 (!) to reach Choisy-le-Roi, where a 16-track studio was waiting for us—a place where, over the course of a weekend, we would finally be able to carve our own grooves into vinyl. We were quite nervous, as Guerre Froide had already been around for a year and a half. Our elders in Kas Product had already released two EPs—one with four tracks, the other with three—in 1980, even though they’d started only a few months before us. Admittedly, there wasn’t really a sense of urgency—some of us came from the punk movement, where the prevailing mood was still very much No Future, even if we’d long since stopped believing in it... And yet others had truly lost everything, like those from the generation before us. The reasons, ironically, were often the same: heroin and/or love—hard drugs, in both cases.

Speaking of which, I had a terrible stomach ache—due to nerves or some form of tension—which forced us to make a pit stop in the Oise region so I could rush to the toilet of a local café. That same stomach discomfort would hit me again once we arrived at the studio—whose name, incidentally, I’ve since forgotten...

We had gotten there thanks to the generous initiative of a friend, Sylvain S., known as “Perlin” (what a phonetic coincidence!?), who had specifically created the Stechak Products label to produce our record. Stechak because it was consistent with his earlier association called Tchernoziom, and Products as a plural tribute to the trailblazers from Nancy.

Guerre Froide originally consisted of four members: Fabrice Fruchart on guitar-synth (Korg MS-20), Patrick Mallet on bass, and Gilbert Deffais, known as “Bébert”, on Korg drum machine. At the time, I was already singing in a rock/post-punk band called Stress, and that’s how Guerre Froide picked up the bad habit of rehearsing in the same basement in Amiens as Stress. Within a month or two, we had half a dozen songs. We then had the opportunity to record a 4-track demo with a friend from Radio France Picardie, and to perform in October at a festival held at the Amiens municipal circus. Then came the now-legendary concert on November 11 at B.J.’s Club. After that, we self-produced and released 50 completely DIY copies of a cassette titled Cicatrice. A few concerts later—after Jean-Michel Bailleux had joined us on bass and Patrick had switched to guitar, which felt more natural to him—and with more concrete plans starting to take shape, we had to find a new rehearsal space and start renting a room.

Then came the moment when Fabrice told us he was leaving to go study in Lille... After the June 19, 1981 concert, which was naturally dubbed “Farewell to 2F,” Marie-José, Bébert’s wife, offered to take over on synth.

That’s when Perlin, who was a close friend of the Deffais couple and a great fan of our music, offered to fully finance the production of a 4-track 12-inch EP—covering the studio time, mastering, pressing, and artwork. What up-and-coming band would have turned that down? An improvised contract was signed with each member of Guerre Froide. The first step was choosing which four songs we would record. Berlin 81 was an obvious pick, having already become the group’s flagship track. We wanted to avoid reusing songs from Cicatrice, so the focus shifted to new material—some written before, some after Fabrice’s departure. Ersatz, for example, was his composition, but Mauve and Peine Perdue, which were also selected, were both written by Patrick.

2025 ist das 60. Jubiläumsjahr von John Coltranes Albumklassiker „A Love Supreme“. Mit ”A Love
Supreme: Mono Edition” kann man jetzt einen faszinierenden neuen Blick auf dieses ikonische Album
werfen.
“A Love Supreme” erschien in einer Ära, als Alben sowohl in Mono als auch in Stereo veröffentlicht
wurden. Für viele Audio-Nostalgiker ist nicht zwangsläufig immer der Stereo-Mix der Bessere, sie bevorzugen teilweise die kraftvollen, prägnanten Mono-Varianten. Zum 60. Jubiläum erscheint das Album jetzt
erstmals seit über 50 Jahren wieder im originalen Mono-Mix, originalgetreu von Ryan K. Smith von den
analogen Originalbändern gemastert, bei RTI auf 180-g-Vinyl gepresst und im Gatefold-Tip-on-Cover. Eine
hochinteressante Ergänzung für die Plattensammlung aller Coltrane-Fans!

Burnski's Pilot takes flight once more with another journey into the heart of minimal and tech house, this time with Joolmad at the buttons. He is a UK artist making bold moves on the likes of Pillz and TSOL where he has showcased a contemporary take on the classic tech sound. 'Superlative' opens up here with bouncy drums and steel percussion to get things moving then 'Wobbler' gets more playful with some twisted acid lines and silky synth wisps that keep things trippy. 'Gone For' is more of a straight up driver with thudding kicks and warped sirens and 'Yurgen' has a woozy late night fluidity to it.

The Marshall Mathers LP turns 25. To celebrate, a new edition of Eminem’s groundbreaking album arrives with two live bonus tracks: “The Real Slim Shady” and “The Way I Am,” captured at the 2000 MTV Video Music Awards.
Iconic, uncompromising, and more relevant than ever — this is an album that redefined hip-hop for a generation and now expanded for a new one.

Was ist das Leben anderes als eine endlose Reihe von ,Oh oh"-Momenten? Von unseren frühesten Kindheitsunfällen bis hin zu unseren überwältigenden Ängsten als Erwachsene - dieser kleine Ausdruck prägt unser gesamtes Dasein. Fragen Sie einfach den Indie-Pop-Maestro Patrick Watson aus Montreal, der kürzlich mit dem größten ,Oh oh"-Moment konfrontiert wurde, den ein professioneller Sänger erleben kann. Eines Morgens im Winter 2023 wachte Patrick auf und stellte fest, dass seine Stimme - das engelsgleiche Instrument, das 2006 sein kunstvolles Art-Rock-Opus ,Close to Paradise" auf das Podium des Polaris Music Prize katapultierte - komplett kaputt war. ,Natürlich singe ich gerne für Menschen, aber ich hatte auch viel Spaß mit meinem Modular Synthesizer und tauchte tief in die Instrumentalmusik ein" - eine natürliche Neigung für Patrick, der bis heute über 15 Filmmusiken komponiert hat. ,Aber dann dachte ich mir: ,Oh, es wäre cool, Songs für all diese verschiedenen Sänger zu schreiben, die ich wirklich gerne singen hören möchte - so finde ich einen Ausweg aus dieser Situation.` Denn meine Stimme sollte eigentlich nicht zurückkommen. Und als sie es doch tat, dachte ich einfach, dass es für ein Album immer noch cooler wäre, all diese anderen Sänger zu haben, als mich selbst singen zu hören." Einzelne schwarze Vinylplatte in einer Gatefold-Hülle mit bedruckter Innenhülle.

Was ist das Leben anderes als eine endlose Reihe von ,Oh oh"-Momenten? Von unseren frühesten Kindheitsunfällen bis hin zu unseren überwältigenden Ängsten als Erwachsene - dieser kleine Ausdruck prägt unser gesamtes Dasein. Fragen Sie einfach den Indie-Pop-Maestro Patrick Watson aus Montreal, der kürzlich mit dem größten ,Oh oh"-Moment konfrontiert wurde, den ein professioneller Sänger erleben kann. Eines Morgens im Winter 2023 wachte Patrick auf und stellte fest, dass seine Stimme - das engelsgleiche Instrument, das 2006 sein kunstvolles Art-Rock-Opus ,Close to Paradise" auf das Podium des Polaris Music Prize katapultierte - komplett kaputt war. ,Natürlich singe ich gerne für Menschen, aber ich hatte auch viel Spaß mit meinem Modular Synthesizer und tauchte tief in die Instrumentalmusik ein" - eine natürliche Neigung für Patrick, der bis heute über 15 Filmmusiken komponiert hat. ,Aber dann dachte ich mir: ,Oh, es wäre cool, Songs für all diese verschiedenen Sänger zu schreiben, die ich wirklich gerne singen hören möchte - so finde ich einen Ausweg aus dieser Situation.` Denn meine Stimme sollte eigentlich nicht zurückkommen. Und als sie es doch tat, dachte ich einfach, dass es für ein Album immer noch cooler wäre, all diese anderen Sänger zu haben, als mich selbst singen zu hören." Limitierte Edition auf canary-yellow Vinyl in einer Gatefold-Hülle mit bedruckter Innenhülle.

Tallahassee"s Pool Kids are turning up the heat with Easier Said Than Done, their electrifying new album dropping September 26 via Epitaph Records. Kicking things off with the punchy, addictive lead single of the same name, the band showcases a sharpened edge to their signature blend of math rock intricacy and indie-pop charm. Following the critical success of their 2022 self-titled album-hailed by Paste, Stereogum, and Consequence-Pool Kids have been making waves on the road with the likes of Soccer Mommy, PUP, Joyce Manor, and most recently, Beach Bunny. Easier Said Than Done finds the band leveling up in every way, delivering explosive energy, emotional depth, and undeniable hooks that cement their place as one of the most exciting acts in indie rock today.

Tallahassee"s Pool Kids are turning up the heat with Easier Said Than Done, their electrifying new album dropping September 26 via Epitaph Records. Kicking things off with the punchy, addictive lead single of the same name, the band showcases a sharpened edge to their signature blend of math rock intricacy and indie-pop charm. Following the critical success of their 2022 self-titled album-hailed by Paste, Stereogum, and Consequence-Pool Kids have been making waves on the road with the likes of Soccer Mommy, PUP, Joyce Manor, and most recently, Beach Bunny. Easier Said Than Done finds the band leveling up in every way, delivering explosive energy, emotional depth, and undeniable hooks that cement their place as one of the most exciting acts in indie rock today.

Multi-BRIT Award and Mercury Prize nominee Olivia Dean announces her highly-anticipated second album, The Art of Loving, arriving on 26thSeptember via Capitol Records.

The Art of Loving is a tender, intentional deep dive into the many dimensions of love – romantic, platonic, self, and everything in between. The album will feature Olivia’s recently released single, ‘Nice To Each Other’.

Die Berliner Künstlerin Rosa Anschütz, bekannt für ihre fesselnde Gesangsarbeit im elektronischen Underground, veröffentlicht ihr neues Album "Sabbatical" auf dem Kultlabel Heartworm Press. "Sabbatical" ist ihr erster internationaler Release außerhalb Deutschlands und ein ambitioniertes 14-Track-Statement, an dessen Entstehung über ein Jahrzehnt gearbeitet wurde – ein Album von eindringlichem Minimalismus und visionärer Tiefe. Anschütz tauscht pulsierende Clubbeats gegen eine rohe, filmische Intimität und kanalisiert die geisterhafte Schönheit von Cat Power aus der "Moon Pix"-Ära, die Mystik von Nico und die experimentelle Klarheit von Björk und Dead Can Dance. Das reduzierte Arrangement stellt Anschütz’ fesselnde Stimme in den Vordergrund und trägt Texte, die sowohl prophetisch als auch persönlich wirken. Mit "Sabbatical" erweist sich Rosa Anschütz als eine der überzeugendsten Avantgarde-Stimmen ihrer Generation – eine Künstlerin, die sich nicht scheut, Genres, Geografien oder Erwartungen zu dekonstruieren. Das Album ist eine mutige Neuerfindung und ein Beweis für die Geduld und Präzision einer einzigartigen kreativen Vision.

Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

FOR FANS OF: Helloween, Gamma Ray, Primal Fear, Grave Digger, Running Wild, Blind Guardian, Hammerfall
Beginnen wir diese kleine Abhandlung mit einer selbstbewussten These: In der langen erfolgreichen Karriere der deutschen Band Rage hat es
vermutlich noch kein Album gegeben, dass in einem so hohen Maße die positive Stimmung unter den beteiligten Musikern, ihre Spielfreude, die
Kreativität und den Optimismus widerspiegelt wie ‚A New World Rising‘. Knapp zwei Jahre nach dem eher dystopischen Vorgänger ‚Afterlifelines‘
feuern Peavy Wagner (Gesang, Bass), Jean Bormann (Gitarre) und Vassilios „Lucky“ Maniatopoulos (Schlagzeug) diesmal ein positives, ultra-heavy
Thrash Metal-Feuerwerk ab, das den typischen Rage-Sound mit modernen Elementen kombiniert und in seiner Gesamtheit das bis dato
abwechslungsreichste Werk der Band darstellt. „Nicht nur für uns, sondern für alle Menschen gilt: Wir müssen rauskommen aus dem destruktiven
Mindset, das derzeit überall zu finden ist. Viele denken, die Welt geht unter, alles wird schlechtgeredet, und manches davon ist sogar gezielt
gesteuert, denn mit Angst kann man Menschen besser kontrollieren. Deswegen lautet unsere Botschaft: Denkt für euch selbst! Und glaubt nicht alles,
was man euch erzählen will!“ erklärt Bandgründer Peavy Wagner den Grundtenor von ‚A New World Rising‘.

Superstar Silvestre strikes strong on Studio Barnhus, bringing moronic dance music and stupendously haunting
ambient ditties to the forefront once again, following his highly reputable It's 2024!! EP, released in 2024.
On his most expansive and accomplished work yet, tensions between Silvestre’s many expressions – bass-faced rave maker,
hazy lo-fi crooner, absurdist beat poet, etc. – reach catastrophic levels, resulting in an album that shimmers and convulses
with both inviting warmth and that rare, essential hint of danger at the core of club music's spirit.
There's just never a dull moment with this Silvestre guy, whether he's out blessing club crowds with electroid techno sets or
effortlessly delivering instant classic albums like this one. Delivered via 16 digital tracks and/or cassette tape designed by
Stefan Fält, Silvestre’s Fantasma arrives on Studio Barnhus on Sept 26

Brand new vinyl from The East Coast Affair. Produced by Stephen Fleg aka DJ Fleg. Featuring an all-star lineup of musicians, these are certified instant classics!

Strut presents Mulatu Plays Mulatu, the first major studio album in over 10 years from the father of Ethio-jazz, Mulatu Astatke. Featuring masterful new arrangements of some of his classic compositions, Mulatu Plays Mulatu finds Mulatu revisiting the sounds that helped to change the face of Ethiopian music during the late "60s and early "70s. The album was recorded between London and Addis Ababa, working with his long-standing UK band, a tight, intuitive ensemble honed through years of live performance, alongside cultural musicians resident at his Jazz Village club in Addis. Mulatu Plays Mulatu realises Mulatu"s long-term vision of Ethio-jazz, intricately balancing Western jazz arrangements with the rich sounds of traditional Ethiopian instruments including the krar, masenqo, washint, kebero and begena. Throughout the album, he reshapes familiar material with rich textures, expanded improvisations and a deepened rhythmic complexity, creating a body of work that feels as vital and contemporary as it does steeped in tradition. Familiar compositions like "Yekermo Sew", "Netsanet" and the celebratory "Kulun" are reinvented here as elegant big band performances. Bridging continents and generations throughout his 50-year career, Astatke now offers us an invitation to hear his music again, with a completely fresh perspective. Ethio-jazz, like its creator, is always in motion.

Essential Liverpool psychedelic folk collective mapping their territory with a record rooted in place and memory.
For fans of: CSNY, Tim Buckley, Talk Talk, The Byrds, Sufjan Stevens and Love.
Like Tame Impala doing Nick Drake covers.
Professor Yaffle have created their most focused and expansive work yet. Following acclaimed previous releases, ‘Everyone Wants to Dream’ finds the band at their creative peak.
The album turns on Everton Brow - an unremarkable Liverpool hill offering the city's finest view. Rogers returns to this vantage point throughout eight tracks, using it as both setting and metaphor for looking back on life without nostalgia. From here, you can see the Mersey stretch toward Snowdonia, the city spread below like a living map.
'Lost in a Dream (On Everton Brow)' weaves Lee Roger’s lyrics as an eighteen-year-old lyrics with newly composed music. 'Everyone Wants to Dream' confronts the disorientation when your children grow and your role shifts. 'On Top of the World' becomes what Rogers calls 'a stoned love letter to Liverpool'.
This is Professor Yaffle's first release with Violette Records, marking the beginning of a partnership between two Liverpool entities who've circled each other for years before finding their moment.
Featuring a 1979 Karl Hughes photograph of a policeman surveying Liverpool from Everton Brow, capturing something essential about the record: that those who maintain order might dream the biggest dreams of all.
"Songs that speak clearly about things that are difficult to articulate - the changing nature of purpose, the ways we dream our fears away, the view from unremarkable hills."
Because sometimes you need to be above it all to see what's been right in front of you.