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FAUN lädt mit "HEX" zu einer musikalischen Reise ein, die tief in die Mythen und Legenden verschiedener Kulturen eintaucht. Doch dieses Album ist mehr als nur Musik - es ist eine Erkundung der weiblichen Magie, eine Reflexion über die Kraft der Heilerinnen, Seherinnen und Zauberinnen, die in der Geschichte oft gefürchtet und verfolgt wurden. Dabei werden nicht nur die traditionellen Klänge vergangener Zeiten lebendig, sondern auch moderne musikalische Elemente kunstvoll eingeflochten, um die für FAUN exemplarische einzigartige und fesselnde Klangwelt zu schaffen. Mit "HEX" beweisen FAUN einmal mehr ihr Können, sowohl musikalisch als auch inhaltlich. Unter der kreativen Leitung von Oliver Satyr, Magister Artium der mittelalterlichen Philologie, wurden die Texte sorgfältig recherchiert, um den Hörer mit Authentizität und Tiefgang zu fesseln. Bereits der Titel "HEX" verweist auf das alte Wort für Hexe - "Hagazussa" - diejenige, die zwischen den Welten wandelt. FAUN nehmen diesen Gedanken auf und lassen ihn in ihren Songs aufblühen.

Das Album verbindet historische Quellen aus der germanischen, keltischen und angelsächsischen Mythologie und öffnet so ein Tor zu längst vergessenen Zeiten. Doch FAUN lassen sich nicht allein von europäischen Mythen inspirieren und diese Vielfalt macht "HEX" zu einem Album, das den musikalischen Horizont weit über das Mittelalter hinaus erweitert. Die musikalische Umsetzung dieses Themas ist so facettenreich wie die Geschichten selbst: FAUN verbinden traditionelle Instrumente wie Drehleier, Dudelsack, Laute, Schlüsselfiedel, Harfe und Flöte mit Synthesizern, elektronischen Beats und mehrstimmigem Gesang. So entsteht eine unverwechselbare Mischung aus Vergangenheit und Gegenwart. Besonders beeindruckend ist die Bandbreite der Songs. Neben der musikalischen Vielfalt steckt "HEX" voller tiefgründiger Fragen: Warum fürchten wir Hexen, aber nicht jene, die sie verbrannten? Warum gelten Heilerinnen und Weise Frauen oft als Bedrohung, obwohl sie Wissen und Schutz bringen? FAUN greift diese Fragen nicht nur in den Texten auf, sondern lässt sie auch musikalisch spürbar werden - jede Melodie, jeder Klang erzählt eine Geschichte. FAUN haben sich längst einen festen Platz in der Welt der Folk- und Mittelaltermusik erobert. Sie zählen zu den führenden Bands dieses Genres und haben mit ihren einzigartigen Klangwelten weltweit mehr als 1000 Konzerte gespielt - egal ob vor sitzendem Publikum oder auf großen Festivals, sie begeistern immer. Ihre Alben haben sich auf beeindruckende Weise in den deutschen Albumcharts behauptet: "Pagan" und "Midgard" schafften es auf Platz #3, während "Von den Elben" Platin-Status und "Luna" Gold-Status erreichten. Ihre Leistung wurde mehrfach gewürdigt - so wurden sie drei Mal für den Echo, Deutschlands größten Musikpreis, nominiert. FAUN bleiben sich treu, wagen gleichzeitig Neues und eröffnen mit "HEX" ein weiteres, eindrucksvolles Kapitel ihrer Erfolgsgeschichte.

Dieses Album ist eine Einladung, in magische Welten einzutauchen, Mythen neu zu entdecken und die unbändige Kraft des Pagan Folk zu spüren. Sie erschaffen eine Klangwelt, die sowohl historisch tief verwurzelt ist als auch zeitgemäß und innovativ klingt. Das macht sie nicht nur zu Vorreitern in der deutschen Musikszene, sondern auch zu einer Band, die über die Genregrenzen hinaus große Anerkennung findet.

”The Birth of Bop” kann ab heute hier vorbestellt werden und erscheint am 31. März in verschiedenen Formaten, darunter ein Vinyl-Boxset mit fünf 10-Zoll-LPs, ein 2-CD-Format und digitale Editionen. Jeder Titel der Sammlung wurde von Joe Tarantino bei Joe Tarantino Mastering frisch restauriert und neu gemastert, während die physischen Formate neue, ausführliche Liner Notes des GRAMMY-gekrönten Autors und Moderators Neil Tesser sowie alte Fotos aus dieser Zeit enthalten. Es ist eine unverzichtbare Einführung in
diese wichtige Periode der Jazzmusik: The Savoy 10-Inch LP Collection enthält 30 ausgewählte Aufnahmen von vielen der Pioniere des Genres, darunter Charlie Parker, Dexter Gordon, Stan Getz, Milt Jackson, Allen Eager, Fats Navarro und viele mehr.
Diese bahnbrechenden Aufnahmen aus den Jahren 1944 bis 1949
trugen maßgeblich zur Entwicklung des modernen Jazz bei und brachten junge Künstler dazu, die Grenzen des Genres in einer Zeit zu erforschen, in der Swingmusik der vorherrschende Sound war und Big Bands den Äther beherrschten.

* 180 gram audiophile vinyl
* Includes insert
* Guest performances from Slash, Ozzy Osbourne, Vinnie Moore, Joe Satriani, Steve Vai, Nikki Sixx and Mick Mars (both of Mötley Crüe) and many more
* Featuring the hit-singles "Hey Stoopid" and "Love's a Loaded Gun"

Hey Stoopid Is The 19th Studio Album By Rock Singer Alice Cooper, Released In 1991. After His Smash 1989 Hit Album Trash (movlp1862), Cooper Continues His Success With This Follow-up Album, Which Features Guest Performances From Slash, Ozzy Osbourne, Vinnie Moore, Joe Satriani, Steve Vai, Nikki Sixx And Mick Mars (both Of Mötley Crüe).

Hey Stoopid Was The Last Music Album To Feature Bassist Hugh Mcdonald Before He Joined Bon Jovi As Their Bassist In 1995.

The Song "feed My Frankenstein" Features Famed Guitar Duo Steve Vai And Joe Satriani Playing Together, Accompanied By Nikki Sixx On Bass. In 2014, "dangerous Tonight" Was Featured In The Video Game Watch Dogs.

Collecting Orders For 2025 Repress

Labelboss Steffi joins forces with Rosati for TS-08! Their collaboration, ''Memory Zero'', delivers a potent blend of driving techno with elegant Detroit touches. Crafted during an intense week of jam sessions at Candy Mountain Studio in Portugal, this EP brims with powerful percussion, sparkling stabs, and beats designed to move bodies. This is techno built for serious impact!!

A. Stantz
A. Stantz
A. Stantz
TAFKAMP
TAFKAMP
Fractions
St Theodore
The Sixteen Steps
Offset
Offset
Betek
Betek
Redray
Redray
Andrew Red Hand


Mixed RET label surprise pack presented in black label logo tote bag. Comes with some old stock, forgotten Testpresses and long out of print titles. Only 10 available! It's possible you'll find vinyl in your RET PACK from TAFKAMP, A. Stantz, Betek, Exhausted Modern, Crossover Network, Andrew Red Hand, The Sixteen Steps, Fractions, Redray, St Theodore & Larionov and more. Limited stock of 10 available as of today. Shipping will start end of august.

This is the second pressing of the highly sought after debut LP from dutch synth funk wizard Shook.

The special edition reissue is dedicated to Shook’s fans and special fan Nasa Astronaut Christina Koch who played the song ‘Always’ to her husband while she was in space during her ISS mission. In Koch’s words the song was “one of the most memorable anthems” of her mission.

To celebrate this achievement it was the right time to repress this masterpiece of exploratory electronic music with a special variant cover made by Marvel comics artist Stefan Tosheff based on the story of Koch.

Back in 2013 Harder Blogger Faster said: This debut album showcases Shook’s talents in a multitude of sonic intensities, emotions and styles without it ever being too show-y.

The album manages to find a perfect blend between nostalgic love letters and Shook’s need to combine cutting edge electronic instrumentation with his virtuoso abilities on the piano.

Collecting Orders For 2025 Repress

DJ AGITATED, the alias of a well known producer first appeared on Steffi's The Red Hunter Remix LP and now joins the acclaimed Dolly TS series. The 'Magic Overlooked' EP is music that lasts. Beautiful high quality, Detroit infused melodic techno for the soul!

Rivet’s new album for Editions Mego is an uplifting and joyous affair coming in the wake of tragedy and disenchantment. It is yet another rebirth from an artist willing to take a step back and reprise the current situation he is in. Mika Hallbäck has a long credible history in the Swedish underground. First recognised for his industrial techno works under the Grovskopa moniker he worked privately on more experimental works that eventually came out as On Feather and Wire, an album released on Editions Mego in 2020. After much acclaim for this bold new direction that blended electronic abstraction, pop and industrial forms into a heavy synthetic trip two tragedies struck. One was the passing of label boss Peter Rehberg and then the passing of his dog Lilo, who was as close as a companion one could have. These events led to the release of the more unsettling follow up L+P-2 (Lilo and Pita minus two) on Midnight Shift Records in 2023. Peck Glamour sees Rivet return to the reawakened Editions Mego with an album of optimism inspired by reconciliation with loss and further explorations of new mental/sonic realms.

Hallbäck defines his approach as not being married to any particular machine, instrument, process or genre. However he holds a particular affinity to sampling, of which, he says, provides the dirt and grit amongst what would otherwise be pristine, generic machine music. The contemporary crate digging method of scouring obscure download music bogs for unique sounds was his preferred research practice.

Peck Glamour is an album full of tracks brimming with the excitement of exploration. It's the results of a mind informed by punk, industrial, techno, dancefloor, disappointment, trauma and rebirth. Here the synthetic and authentic is viewed simply as the same means of human rationale and expression.

The opening, ‘Catch Up to Light’, sets the scene with ecstatic and odd fluorescent vocals sliding amongst crystalline likembe whilst synths swirl amongst the external festivities. ‘Orbiting Empty Cocoon’ is somewhat a homage to the alien sound worlds of The Orb, one which takes the listener deeper into a mind melting array of teased potential as visual elements are executed in a mask of audio wizardry and euphoric staccato rhythms, the later being a nod to Singeli music. ‘Patitur Butcher’ is more dance frontal utilising the Ghatam drum and a YouTube rip of a Chinese language lesson. ‘Plastic Bag Putain’ was made during the beginning of Russia's invasion of Ukraine and should be clear of its intent. ‘All that Heaven Allows’ is a marimba cover of an imaginary Love Parade anthem. 'Kyrie Geire’ potentially briefly fills the void left by the demise of Coil. The entire trip of Peck Glamour is sewn up with ‘We left before we came’ whereby extraneous recordings of double bass player Gregory Vartian-Foss (tuning/strumming/moving the bass) are superimposed with local field recordings to create a gorgeous bed of sounds acting as an exciting exit music to this sharp collection of cinematic ear excursions.

Hip Hop Collected will take you on a musical journey through the history of hip hop. This 2LP covers the first 20 years of the genre, showcasing 25 early pioneers who participated in the rise of hip hop. This compilation features music from the new labels that started to rise from the underground scene, like Sugar Hill Records, Profile and of course Def Jam. Including artists that defined a genre, a lifestyle and most of all, artists that inspired millions of young kids with both socially critical lyrics as well as classic party anthems.

This hip hop compilation album is part of the new Collected compilation series, which is a collaboration between Universal Music and Music On Vinyl. The compilations bring together the biggest and best names of its genre, combined with forgotten hits and less discovered gems, giving the listener an experience of both nostalgia and uncovering new musical grounds at the same time.

The 2LP features Kurtis Blow “The Breaks”, Grand Master Flash & The Furious Five “The Message”, Beastie Boys “She’s On It”, Rob Base & DJ E-Z Rock “Get On The Dancefloor”, and Eric B. & Rakim “Paid In Full” amongst many others.

Hip Hop Collected is available as a limited edition of 5000 individually numbered copies on red (LP1) and white (LP2) coloured vinyl. The album includes an insert with liner notes, photos and credits.

Die FETENHITS-Folge NDW Neue Deutsche Welle wurde neu aufgelegt - mit verändertem Tracklisting.
Einige Titel, die auf der früheren Folge fehlten, sind nun endlich mit dabei, wie z.B. ”Der Mussolini” und
”Als wär’s das letzte Mal” von DAF sowie ”Der Kommissar” von Falco. Des weiteren finden sich einige
tolle Raritäten von Michael Cretu, Alphaville und Thomas Anders wieder. Man darf gespannt bleiben...
Als 3CD & Download und im September dann auch als 4-fach Vinyl!

New Digital Fidelity steps up with his ‘For The People’ EP on Four Framed Music this september, delivering four standout original cuts that showcase his deep, groove-driven signature sound.

Paolo Aniello aka New Digital Fidelity is a London-based producer and DJ originally from Bari, Italy. Deeply rooted in deep and Detroit house, he made his vinyl debut in 2011 as Peter JD and later co-founded a Detroit techno label with Nico Lahs. Since launching NDF in 2017, he’s released on Snuff Trax, Moods & Grooves, and more, collaborating with artists like Chez Damier, Fred P, and Byron the Aquarius. His music has been featured on HÖR, Balamii, Rinse FM, and NTS. In 2023, he founded Scopic Records, home to his latest EPs and remixes for legends like Hanna.

With For The People, New Digital Fidelity delivers a timeless EP packed with soulful house grooves and club-driven energy. The A-side opens with Believe It, an uplifting house track full of character, driven by a snappy groove and a powerful vocal sample that pulls you straight into the vibe. A soulful statement that sets the tone from the get-go. Next up is In Love With You, a deep and sultry roller where a sensual vocal meets delicate melodic layers. This one breathes emotion and late-night intimacy, perfect for the more introspective moments in a set.

On the B-side, the EP shifts clearly into more club-focused territory. Move Your Body is a straight-up floorfiller with crisp percussion, a hypnotic bassline, and a stripped-back vocal hook that sticks with you. Finally, Step Up closes the record with punch and attitude, a raw groove laced with jackin’ energy, making it the perfect tool for peak-time or late-night sessions.

Nach der limitierten EP "The Grand Designer" im Juni 2025, präsentiert Adrian Sherwood nun mit "The Collapse Of Everything" sein brandneues Werk, gleichzeitig sein erstes Soloalbum seit 13 Jahren und das vierte seiner langen Karriere. Auf diesem sorgfältig konzipierten Album lotet der Meisterproduzent und Mixologe mit seinem stets experimentierfreudigen Sound neue Grenzen aus. Obwohl die Musik auf "The Collapse Of Everything" von einem natürlichen Gespür für Dub geprägt ist, überschreitet sie fliessend Genregrenzen und vereint nahtlos verschiedenste Einflüsse, die Sherword in seinem Leben gehört und produziert hat. An den Aufnahmen beteiligt waren einige seiner langjährigen Mitstreiter wie Doug Wimbish (Living Color, The Sugar Hill Gang, Tackhead), Mark Bandola (The Lucy Show), Ivan "Celloman" Hussey, Alex White (Primal Scream, Fat White Family) und Chris Joyce (The Mothmen). Desweiteren flossen Beiträge der jüngst verstorbenen On-U-Legenden Keith LeBlanc (Sugarhill Gang, Tackhead) und Mark Stewart (Pop Group) ein.

Adrian Sherwood war in den letzten Jahren sehr beschäftigt mit Kollaborationen mit anderen Künstlern, von Remixarbeiten für Popkünstler wie Halsey, über von der Kritik gefeierten Full-Length-Dub-Rekonstruktionen für die Indierock-Titanen Spoon und Panda Bear & Sonic Boom, bis zur Produktion gefeierter Alben für die Reggae-Ikonen Lee "Scratch" Perry und Horace Andy am Ende ihrer Karriere ("Midnight Rocker" wurde vom Guardian zum weltweiten Album Nr. 1 des Jahres 2022 gekürt). Was bedeutet, dass Sherwood seit "Survival & Resistance", das fast auf den Tag genau vor 13 Jahren erschien, kein Album mehr als Solokünstler herausgebracht hat.

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von den
Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing), wattierte Innenhülle.
Die Aufnahmen für ”The John Coltrane Quartet Plays” entstanden 1965, kurz nach Fertigstellung des
legendären ”A Love Supreme”-Albums. Coltranes Intention war, wieder ein Album mit reinem StandardsMaterial einzuspielen, am Ende waren dann aber neben ”Nature Boy” und ”Chim Chim Cheree” die
Coltrane-Kompositionen ”Brazilia” und ”Song of Praise” enthalten, die mit ihrem hymnischen Charakter schon auf das Spätwerk des Saxophonisten verweisen. ”The John Coltrane Quartet Plays” war das
letzte Album des klassischen Coltrane Quartetts, das noch zu seinen Lebzeiten veröffentlicht wurde.

In the smoggy orange light of a new millennium, the young Deb Demure would take the bus, once a week, from his home in crumbling Hollywood to his grandmother's apartment, nestled in the pastel pristineness of Beverly Hills. During these visits, Deb couldn't help but notice the disconnect between the glow of his grandmother's temple, and the downtrodden, alienated figures that populated the seats of the mass transit that took him there. Week after week, he would observe these characters: fading B-movie starlets, leisure-suited alcoholics and forgotten civil servants. But one fateful commute home, as the twilight waned to the purple Los Angeles night, he realized these figures were not as lost as they appeared - there was a nobility in their failure, reflective of the dignity of the city's vanishing golden era. They were survivors, in need of a voice: a spokesperson for every color of hope and hopelessness, transcendent of gender and time; Drab Majesty became Deb's musical podium for this undertaking. Raised in a music-centric household, Deb would find the time to teach himself to play his father's right-handed guitar upside down and left-handed; an unorthodox fashion from where his earliest understanding of chords and harmony were conceived. Exploring the bins of discarded vinyl in his neighborhood thrift stores, his toolkit expanded with the subterranean sonic gems of the recent past. Influences range from the virtuosic arpeggiated guitar work of Felt's Maurice Deebank and the grittier pop progressions of Red Lorry Yellow Lorry's Chris Reed as well as Steve Severin from Siouxsie and The Banshees. He also studied the harmonic oscillations and utilization of the occult power of vibratory frequency present in New Age sounds of Greek artist, IASOS. In terms of orchestration, he consciously culls from the seaside maximalism of Martin Dupont and mechanized grooves of early Depeche Mode. Like a dualistic pendulum, his vocals swing from a preistly baritone to a choir boy's falsetto reflecting the sepulchral ambiance of church visits with his grandmother. Currently the drummer for Los Angeles lo-fi rock ensemble Marriages and having honed an unorthodox home recording style, Deb sources his sounds from a repository of "mid-fi" synthesizers and other lesser-quality instruments. Following the release of his debut cassette EP, "Unarian Dances", he also shared a split 12" with synth pop forefathers, Eleven Pond. During the Spring of 2015, Drab Majesty signed with Dais Records and released his first single, Unknown to the I, as a introduction for his first initial foray into the album format, romantically titled Careless. Written over the course of 2 years, "Careless" is a compendium of songs that have outlasted a malicious burglary of his studio, his struggles with substance addiction, and most recently, the death of his beloved grandmother.

2024 Repress

The stunning three 12inch releases from Dataphysix records released in the mid 90's together on one double album/CD. Including amazing tracks like Scientist, Pornoactress, Sterilization, Rocket scientist, Cellularphone and Speak and Spell

Am 28. Februar 2025 machen Stereolab sieben Studioalben erneut als 2LP-Formate erhältlich. Diese verwenden dieselben Remaster wie die erweiterten Vinylausgaben von 2019, die von Bo Kondren bei Calyx Mastering von den Original-1/2-Zoll-Bändern unter der Aufsicht von Tim Gane (Stereolab) geschnitten wurden, jedoch ohne das Bonusmaterial der 3LP-Versionen (die inzwischen eingestellt wurden). Die Idee dahinter besteht darin, Fans und Läden kostengünstigere Formate dieser begehrten Alben zur Verfügung zu stellen. Jede Platte wird im 5 mm dicken Cover mit bedruckten Innenhüllen und einer schützenden PVC-Aussentasche geliefert.

Die Alben:
1. Transient Random-Noise Bursts With Announcements (1993)
2. Mars Audiac Quintet (1994)
3. Emperor Tomato Ketchup (1996)
4. Dots And Loops (1997)
5. Cobra And Phases Group Play Voltage In The Milky Night (1999)
6. Sound-Dust (2001)
7. Margerine Eclipse (2004)

Der in Brasilien geborene und in Los Angeles lebende Gabriel da Rosa ist ein Bossa Nova- und Samba-Künstler, der der traditionellen brasilianischen Musik seinen eigenen Stempel aufdrückt. 'Cacofonia', sein zweites Album, zelebriert sein brasilianisches Erbe mit einem L.A.-Touch.

Nach der Veröffentlichung seines Debütalbums 'É o que a casa oferece' im Jahr 2023 kehrte Gabriel zum ersten Mal seit acht Jahren in den Süden Brasiliens zurück, wo er aufgewachsen war. Bei seiner Rückkehr nach Los Angeles schwor er sich, „nie wieder so lange von meinen Leuten und meinen Wurzeln getrennt zu sein“.

Sein neues Album ist den Erinnerungen an seine Heimat und seine Lieben gewidmet und feiert die Menschen und Traditionen Brasiliens vor einem farbenfrohen musikalischen Hintergrund.

Für Fans von: Rodrigo Maranhão, Sam Evian, Arthur Verocai, Azymuth, Rodrigo Amarante, Pearl & The Oysters, Domenique Dumont, Jerry Paper, O Terno, Stan Getz.

Following the success of last year’s Dance State EP, Berlin-based artist Revivis returns to his Santo Tomas label with Energy Ghosts—a tightly focused four-tracker built for peak-time dancefloors.

Leaning into stripped-back, percussive grooves, the EP takes cues from early 2000s and 2010s tech house, filtered through Revivis’s crisp, contemporary production style.

The release features three original tracks alongside a remix from in-demand Berlin- based DJ and producer Running Hot.

Sleeve photography by Stephanie Elizabeth Third.

An archival release of sorts. Leeds-based outfit Drug Free America’s existence spanned 1987-1997 and was chiefly the side project of Brian Moss, from UK synth-pop duo Vicious Pink, along with the late Steve Dixon. Early on, they explored a harder edged, industrial techno type of sound.

However, the tracks issued here are a bit of an anomaly. Culled from their 1995 CD release ‘Narcotica’ and joined by vocalist Hayley Windsor, these long form tracks rest on a tapestry of eternal groove; stringing a high wire between toasty cyberdelic dub canyons and ethereal post-punk architecture. This is the first time the tracks will be appearing on vinyl.

For fans of: Coil, King Tubby, Dead Can Dance, Scorn, Sabres of Paradise, and Vicious Pink

Limited edition of 200 on black vinyl, cut at 45 rpm. Housed in silkscreened, chipboard jackets with full color lyric sheet insert and mint inner sleeves.

This release has already received airplay on NTS.

Featured on Soup To Nuts w/ BabySchön and Channeling w/ Nathan Gregory Wilkins

Introducing Hussain Bokhari and his debut album “Possessions” on Mood Hut Records. Hussain has been a close friend of the label for years and we’ve been quietly obsessing over his bedroom transmissions forever. With “Possessions”, we get a glimpse into the endless archives of a Vancouver underground legend.

Born in Bangkok but calling Vancouver home, Bokhari creates intuitively and freely, and you can hear it in the way "Pull Me Up" rolls out its plush carpet bedroom boogie, or how "Bangkok Boy"'s Thai vocals carry childhood memories across oceans and decades, while "Whatever Counts" sounds like Durutti Column moved from Whitworth Street to Cordova.

This is music for the spaces between - between cities, between eras, between yourself and the person you were, all held together by a minimalist studio setup and maximum heart approach that makes "Possessions" feel like an invitation into Bokhari'sparticular way of seeing.

‘Two taches intertwine. An EP born out of Demi’s visit to Melbourne during his AU tour, and Luke’s easily accessible studio based above an inviting pub, naturally the vibes were high after a couple of schooners in the summer sun.’
Life & Death welcomes a standout collaboration from Demi Riquísimo and Luke Alessi with the release of their new EP ‘Yes Bby’ landing 29 August 2025. Setting themselves the brief of, “upbeat rollers and a little bit of naughtiness,” the two producers blend their sonic identities on this club-ready two tracker, formed of ‘Basement Trash’ and title track ‘Yes Bby’.
“Basement Trash was actually the first track we wrote. A funky, fun, hypnotic groover thatlocks you in on the d floor, made for those late nights (or early mornings) in the “basement” of a grungy club. For ‘Yes Bby’ we wanted something that worked on a bigger scale. We dialled up the French rave synths, bigger builds, more drive in the groove and added a cheeky classic vocal chop for the hook.”
– Demi Riquísimo & Luke Alessi

Known for his genre-blending productions and distinctive edits, Semi Delicious head honcho Demi has steadily carved out his space in the scene, a respected tastemaker and Ibiza mainstay, while Luke Alessi has continued to establish a global profile over the last 12 months with major European and US gigs, plus releases on Shall Not Fade, SMiiLE records and of course Life & Death, making this pairing a natural fit.
Already receiving support from the likes of Chloé Caillet, Call Super, Moxie and more, ‘Yes Bby’ marks an exciting moment in both artists’ trajectories. For Demi, this EP also serves as the first in a new chapter, one that places him at the centre of a more collaborative space, setting the tone for landmark projects to follow on his own imprint later this year.
As one of dance music’s most respected tastemakers, Life & Death continues to shape the global underground through its diverse output, with ‘Yes Bby’ slotting seamlessly into the label’s catalogue of playful, sexy and forward-thinking club music.

Rick Wade on Norm Talley's Upstairs Asylum are words that will excite any true school house heads. Wade is a production machine who turns out always no-frills, trusty and tracky grooves of the sort that are always essential for building a vibe in a set, and Talley's a fellow Detroit head who has long been helping to shape the house sound. 'So Juicy' begins with a flourish, lavish strings and chunky drums that slide along nicely. 'Midnight Hustler' sinks into a slightly more steamy and deep sound with hints of 60s US soul and funky licks, 'Turn Out' is a more traditional deep house roller with a comic vibe and 'Lonely Symphony' brings some cinematic string drama to a breezy blend of house beats.

Wishbone Ash reigned supreme through the 1970s — centered on inspired musicianship, joyful spirit and inventive songs. Their concerts were uplifting and their recorded work sublime. Argus remains a stunning high point in the band's startling repertoire. Argus was a 1972 tour de force, a hard-rocking masterpiece that has gone on to have a huge impact on rock bands moving forward. If you've never heard Argus, you've surely heard music that it inspired.

The British quartet's trademark harmony guitars became a touchstone for many: Thin Lizzy, Iron Maiden, Opeth, and Lynyrd Skynyrd have all acknowledged an Ash influence, and tracks such as Lizzy's "The Boys Are Back in Town," Maiden's "The Trooper," and even Steely Dan's "Reeling in the Years" all have twin-guitar moments that hark back to Argus. But Wishbone Ash were different from the start. They were never strictly a hard rock band; their soaring vocal harmonies and musical grandeur placed them close to progressive rock.

But they weren't strictly prog either: They had no keyboards, no real classical influence and weren't into side-long suites. Their roots were in the blues, and their calling card was twin lead guitars in harmony (played in the original lineup by Ted Turner and Andy Powell). Even the hardest Ash rockers — like "Blowin' Free," the most famous track from Argus — had an ethereal touch. They could rock the big stages, but they did it with subtlety and grace. This is reflected perfectly in the classic album sleeve by prog-associated designers Hipgnosis: The front cover shows a Greek sentry — the "argus" of the title — staring off into the distance. It's a mythic, old-world kind of image until you look closely at the back cover, and see that he's heralding the arrival (or perhaps watching the departure) of a spaceship.

Two worlds colliding. Exactly what the band and album were all about. By the time of Argus, Wishbone Ash were stars in England and cult heroes among Anglophiles in the US. What made Argus a step forward was its flow of moods. The songs don't run together, but there's an emotional connecting thread from the album's somber beginning to its heroic end. The band insisted at the time that lyrics were something of an afterthought: Shortly after its release, main lyricist Martin Turner told NME that he wrote them mainly to fit the mood of the music: "The music that was coming out was very English, very medieval, and the lyrics had to reflect that." Added Powell at the time, "The expression comes out in the guitars. We wouldn't play it if it didn't express something." Now, Analogue Productions has applied all of its vaunted craft and technical expertise to make this epic album shine! Two 45 RPM LPs pressed on virtually silent 180-gram vinyl at Quality Record Pressings make the remastered audio sparkle. Quieter lyrical sentiments and softer musical passages are rendered precisely, while majestic riffs and fist-waving anthems fully reveal the energy of the music! Argus isn't just another rock record — it's a journey through a sonic landscape rich with depth, emotion and technical prowess. It's the album that solidified Wishbone Ash as masters of twin guitar harmony. Discerning audiophiles will find Argus an essential addition to their record collection. It's a masterclass in sound engineering that fully captures the intricate interplay of dual guitars with pristine clarity and a warmth that only analog recordings can provide.

Miles Davis' Final Collaboration with Arranger Gil Evans Yields Watershed Innovations: Flamenco-Themed Sketches of Spain Spins Graceful Webs of Sound and Emotion Mobile Fidelity's UltraDisc One-Step 180g 33RPM LP Set Brings Out the Record's Full Spectrum of Color: 65th Anniversary Edition Pressed at Fidelity Record Pressing and Strictly Limited to 5,000 Numbered Copies 1/4" / 15 IPS analogue master to DSD 64 to analogue console to lathe Miles Davis and Gil Evans bridged styles and collaborated on high-concept projects three different times during their celebrated careers. For their final act, they created Sketches of Spain, a peak moment in each luminary's legacy.

The transformative album weds Spanish themes, lush orchestrations, romantic timbres, and Davis' lyrical methods in a tender ceremony that resonates more than six decades after its original release. Part of Mobile Fidelity's Miles Davis restoration series, this 1960 landmark has been afforded the ultimate white-gloves treatment for its 65th anniversary. Sourced from the original master tapes, strictly limited to 5,000 numbered copies, and pressed at Fidelity Record Pressing, this UltraDisc One-Step 33RPM 180g LP set dramatically expands the soundstages and eradicates a dryness that many critics found inhibitive to the record's enjoyment. You can now hear the full-range responsiveness of the woodwinds, strings, and percussion, all of which come alive with superior definition and detail.

The beautiful presentation of this UD1S set befits the record's historical importance. Housed in a deluxe slipcase, it features a special foil-stamped jacket and faithful-to-the-original graphics that illuminate the splendor of the 1960 LP. This reissue is made for discerning listeners who desire to fully immerse themselves with the album. And who wouldn't want to go deep with Sketches of Spain? Whether it is the somber mood piece "Concierto de Aranjuez," renowned for Davis' flugelhorn performance, or the folktale-based "Solea," Sketches of Spain transfixes with playing, ideas, and innovations exclusive to this incomparable effort. It's one reason why Mobile Fidelity's engineers took all available measures to insert listeners into the space originally occupied by Davis, bassist Paul Chambers, drummer Jimmy Cobb, percussionist Elvin Jones, and an 18-piece orchestra. The results are as breathtaking as the music.

Multi-note motifs, brief improvisational solos, fanfare sweeps, and contrapuntal exchanges inform flamenco-spiced pieces. Davis' famous Harmon-muted trumpet is complemented by an assortment of bassoons and French horns. Heard together, they create pleasing contrasts and sounds (pp, mf, ppp) that get to what resides at the heart of Sketches of Spain: color. Seldom, if ever, did Davis ever so expressively and liberally paint with color. And in Evans, he has a likewise-minded partner to help draw out tones, shades, layers, and textures. What they achieved continues to draw praise from the global music community in the 21st century. Ranked #358 on Rolling Stone's 500 Greatest Albums of All Time, deemed "a work of unparalleled grace and lyricism" by noted scribe J.D. Considine, bestowed a five-star review from DownBeat, and noted by Q to have taken "jazz in a new direction," the Grammy Award-winning effort has never been better.Miles Davis' Final Collaboration with Arranger Gil Evans Yields Watershed Innovations: Flamenco-Themed Sketches of Spain Spins Graceful Webs of Sound and Emotion Mobile Fidelity's UltraDisc One-Step 180g 33RPM LP Set Brings Out the Record's Full Spectrum of Color: 65th Anniversary Edition Pressed at Fidelity Record Pressing and Strictly Limited to 5,000 Numbered Copies 1/4" / 15 IPS analogue master to DSD 64 to analogue console to lathe Miles Davis and Gil Evans bridged styles and collaborated on high-concept projects three different times during their celebrated careers.

For their final act, they created Sketches of Spain, a peak moment in each luminary's legacy. The transformative album weds Spanish themes, lush orchestrations, romantic timbres, and Davis' lyrical methods in a tender ceremony that resonates more than six decades after its original release. Part of Mobile Fidelity's Miles Davis restoration series, this 1960 landmark has been afforded the ultimate white-gloves treatment for its 65th anniversary. Sourced from the original master tapes, strictly limited to 5,000 numbered copies, and pressed at Fidelity Record Pressing, this UltraDisc One-Step 33RPM 180g LP set dramatically expands the soundstages and eradicates a dryness that many critics found inhibitive to the record's enjoyment. You can now hear the full-range responsiveness of the woodwinds, strings, and percussion, all of which come alive with superior definition and detail. The beautiful presentation of this UD1S set befits the record's historical importance. Housed in a deluxe slipcase, it features a special foil-stamped jacket and faithful-to-the-original graphics that illuminate the splendor of the 1960 LP.

This reissue is made for discerning listeners who desire to fully immerse themselves with the album. And who wouldn't want to go deep with Sketches of Spain? Whether it is the somber mood piece "Concierto de Aranjuez," renowned for Davis' flugelhorn performance, or the folktale-based "Solea," Sketches of Spain transfixes with playing, ideas, and innovations exclusive to this incomparable effort. It's one reason why Mobile Fidelity's engineers took all available measures to insert listeners into the space originally occupied by Davis, bassist Paul Chambers, drummer Jimmy Cobb, percussionist Elvin Jones, and an 18-piece orchestra. The results are as breathtaking as the music. Multi-note motifs, brief improvisational solos, fanfare sweeps, and contrapuntal exchanges inform flamenco-spiced pieces. Davis' famous Harmon-muted trumpet is complemented by an assortment of bassoons and French horns. Heard together, they create pleasing contrasts and sounds (pp, mf, ppp) that get to what resides at the heart of Sketches of Spain: color. Seldom, if ever, did Davis ever so expressively and liberally paint with color. And in Evans, he has a likewise-minded partner to help draw out tones, shades, layers, and textures. What they achieved continues to draw praise from the global music community in the 21st century. Ranked #358 on Rolling Stone's 500 Greatest Albums of All Time, deemed "a work of unparalleled grace and lyricism" by noted scribe J.D. Considine, bestowed a five-star review from DownBeat, and noted by Q to have taken "jazz in a new direction," the Grammy Award-winning effort has never been better.

Mit nur 14 Jahren begann Trelane als Backgroundsängerin bei Billy Childish und CTMF und sprang bei einer BBC6 Session als Leadsängerin für einen Ramones-Song ein. Als die Band Trelanes großartige Stimme hörte, beschloss sie, ihn bei einigen Monkees-Covers als Leadsängerin auszuprobieren. Trelane kam auf die Idee für den Bandnamen. Weitere Aufnahmen sind geplant. Der folgende Text steht in englischer Originalsprache auf der Rückseite der ersten 7"-Single der Band... "Wir trafen Trelane zum ersten Mal im Jahr 2267 n. Chr. während einer Versorgungsmission zur Kolonie Beta VI. Trelane war jung, mutig, trug knielange Mokassins - angeblich aus dem Besitz eines gewissen Peter Tork - eine Cowboyjacke mit idiotisch langen Fransen und ,hippe" Hosen. ,Steht ihr auf die Monkees?", fragte Trelane. ,Natürlich", antworteten wir. ,Groovy", lachte Trelane, ,ich taufe euch auf den Namen The Squires of Gothos. Habt ihr ein Cembalo?" ,Nein, tut mir leid." ,Keine Sorge, ich zaubern eins her - und hier ist ein Studio. Jetzt hört auf, rumzualbern, und lasst uns aufnehmen!" Und so kam es, und hier ist das Ergebnis. Dig!!!" - Mister Schneider: The Vincent van Gogh-Gogh, Malibu, LA Lead-Gesang - Trelane The Squires of Gothos: Bass / Backing-Gesang - Jableeta Schlagzeug - Ginger Chunks Gitarre - Sir Quentin Gaydish - eine Childish Produktion!

White vinyl. The record is housed in a gatefold jacket, designed as your own personal treasure chest. Akupara Games and Black Screen Records are over the moon (and down in the crypt) to announce the soundtrack release of the game hit Cryptmaster on vinyl. For the music, sound expert Surasshu, part of the duo Aivi & Surasshu (i.a. Steven Universe), has teamed up with Stemage and Catton Arthur to virtuously solve the puzzle of a perfectly fitting game score. SAY ANYTHING in this bizarre dungeon adventure where words control everything. Fill in the blanks with text or voice to uncover lost abilities, embark on strange quests, and solve mindbending riddles. Can you conquer the crypt and uncover the mystery at the heart of Cryptmaster? In the ancient past, four brave heroes banded together to destroy a terrible evil, giving their lives to save countless others. But now their eternal rest has been disturbed by the Cryptmaster, a capricious necromancer in whose thrall they must ascend through the buried strata of the city above them - the gloomy Bonehouses, mysterious Sunken Sea and freakish Downwood. With the enigmatic Soulstone in hand, the four adventurers must recover their memories, solve whimsical puzzles and defeat outlandish enemies. From fishing and card games to bardic rap battles, finding the right word is the key to success. Who knows, maybe you'll even remember a little more than you bargained for. Surasshu, veteran of television and game music, brings out the best in the Cryptmaster soundtrack, featuring his peers Catton Arthur on bass and Stemage on guitar. From laid back accordions of the Bonehouses, to the shredding guitar of battles, to the piper's haunting melody, this album features enough musical morsels to keep all kinds of dungeon-crawling deviants tapping their toes.

"Ben Harper has unveiled his new album Winter Is For Lovers, and in many ways his entire musical life has culminated in this moment. The solo recording, which features just Harper and his Monteleone lap steel guitar, is a 15-song work of original instrumental compositions imagined as a symphony. Harper has pushed musical boundaries since his 1994 debut and his lap steel guitar has played a tremendous role in his distinct sound throughout his career. But he"s never made an album that so purely distills his reverence for the instrument, and his mastery of it. Meditative and affecting, the music featured on Winter Is For Lovers is deeply ingrained in Harper"s DNA and leads directly back to The Folk Music Store, the influential California instrument shop his grandparents opened in the 1950s. The store hosted luminaries of all stripes, including Sonny Terry, Brownie McGhee, the Rev. Gary Davis, Doc Watson and John Fahey. While Harper worked in the shop throughout his childhood, he met and even strung guitars for iconic players like Ry Cooder, Leonard Cohen, Taj Mahal, David Lindley and Jackson Browne.

The mighty Ron Sexsmith, will release his wonderful new album Hangover Terrace. Ron is one of Canada"s most accomplished singer-songwriters. He has collaborated with Daniel Lanois, Mitchell Froom, Ane Brun, Tchad Blake, and Bob Rock. His songwriting appears on albums from Rod Stewart, Michael Bublé, k.d. lang, Emmylou Harris and Feist. Film-maker Doug Arrowsmith made an acclaimed documentary about Ron in 2010 called "Love Shines". In 2017 Ron published his first book, a fairy tale entitled "Deer Life".

Das zweite Album von Runnner, A Welcome Kind of Weakness, entstand aus einem gleichzeitigen Riss im Körper und im Leben des Songwriters Noah Weinman. Während der Monate, die er im Bett verbrachte, um sich von einem Achillessehnenriss und dem drastischen Umbruch einer Trennung zu erholen, schrieb er die 11 Songs auf diesem Album, die Weinmans stärkste sind und die vermeintliche Verletzlichkeit des Albumtitels bereitwillig aufnimmt. Aber zur gleichen Zeit sind diese Songs die präsentesten von Runnner, trotzig und selbstbewusst, eine Erinnerung an die Entschlossenheit, die aus der anmutigen Unterwerfung entstehen kann. Langjährige Fans von Weinman haben sich wahrscheinlich in seinen unverkennbaren Indie-Rock verguckt, der fast ausschließlich in Schlafzimmern und Heimstudios aufgenommen wurde, wo seine ergreifenden und selbstironischen Texte über Banjos, Gitarren und hallenden Bläsern schweben, die sich zu kathartischen Gipfeln steigern. Aber auf A Welcome Kind of Weakness erhebt sich Weinman zum ersten Mal in High Fidelity. Das erste richtige Studioalbum von Runnner erinnert an die überlebensgroßen Höhen des Rocks der frühen achtziger Jahre, mit dem Weinman aufgewachsen ist, an Bands wie Coldplay, Radiohead und Snow Patrol, mit ihrer unverfälschten stimmlichen Präsenz, ihren schillernden Gitarrenriffs und ihrem astralen Synthesizer-Glanz. Das ist Rockmusik in ihrer köstlichsten Form, Musik die Weinman etwas gab, worauf er sich freuen konnte, als er endlich wieder live spielen konnte. Aber so hoch die klanglichen Höhen auf A Welcome Kind of Weakness auch sein mögen, wir sehen Weinman auch, wie er anmutig mit den Fragen kämpft, die sich aus Momenten des körperlichen und emotionalen Verderbens ergeben. Es erfordert eine gewisse Tapferkeit, lange genug in der trüben Mitte zu sitzen, um darüber zu schreiben. Und in seiner Bereitschaft, diesen transitorischen Raum zu bezeugen, scheint Weinman uns zu beruhigen: Du magst denken, dass du nicht mehr laufen wirst, aber mit der Zeit, könntest du es.

Die richtigen Songs, aneinandergereiht, geben eine belebte Vision unserer Umgebung, als ob frische Augen allein durch Rhythmus gewährt werden können, neue Formen für das verwitterte Drahtgerüst der Welt finden und die Schatten sehen, wie sie mit dem Licht des Tages tanzen. Animal Hospital, die neue LP der Chicagoer Art Punks Ganser, ist ein Monument der Beobachtung, ein Wälzer verirrter Gedanken, die aufgesammelt wurden, während sie sich durch eine Menschenmenge bewegten, die sich zu einer kollektiven Betrachtung der absurden Widersprüche von vorbeiziehenden Leben zusammenfügte. Animal Hospital ist das dynamischste Album von Ganser, das die Grenzen ihres Sounds in neue Bereiche ausdehnt und die elastischen Grenzen des Klangs testet. Der Kern der Band, Alicia Gaines, Sophie Sputnik und Brian Cundiff, bleiben unbeirrt treibenden Mustern treu; Schlagzeug, das mit exakten Beats auf das Herz schlägt, Puls, der von Bass und Gitarren beschleunigt wird, Synthies, die die Nerven beruhigen. Ein endloser Rhythmus unter Füßen, die sich im Takt auf einer Tanzfläche bewegen oder auf einem Bürgersteig. Was hier zusammengetragen wurde, ist eine Sammlung von Beobachtungen, Erinnerungen an die Minuten, die zu Tagen wurden, die damit verbracht wurden, zu beobachten, wie sich die Menschlichkeit in den Menschen verändert und in neue Richtungen dreht. Die Menschen haben ihre Streifen und Flecken gewechselt, oder vielleicht haben sie nur die Zeichen gezeigt, die sie schon immer hatten. Das Leben wurde auf Distanz gehalten. Die Masken wurden straff gezogen. Die Erforschung der surrealen Wahrheiten, die in unseren Herzen schlummern, hat etwas Tiefgründiges, dass das Traurige und Alltägliche so mühelos mit dem Absurden und dem Schönen spielen kann, um etwas Eindringliches, etwas Auffallendes zu schaffen, Lieder, die stechen und aufsteigen und gleichzeitig zum Tanzen auffordern. Aufgenommen in den Jamdek Studios von Doug Malone (mit zusätzliche Aufnahmen von Nick Broste bei Electrical Audio) und produziert in Partnerschaft mit dem langjährigen Verbündeten Angus Andrews (Liars) zwischen Januar und März 2025, ist Animal Hospital ein Meisterwerk von Gansers Handwerk. Songs, die ihr Leben als Notizen begannen, die bereits im Jahr 2020 gekritzelt wurden (mit Ausnahme von ,stripe", einem Demo, das 2021 überarbeitet wurde), wurden hier auf Band geschliffen und in Wachs gepresst. Ganser haben ihren Sound ausgebaut, Mauern errichtet, die sich zu neuen Höhen auftürmen, und Charlie Landsman und Dove Hollis haben sich auf dem Album zusammengetan, um das Fundament zu stützen. Die Zeit auf Tour mit Künstlern wie IDLES, Mclusky und Ted Leo, sowie Shows mit Amyl & The Sniffers, Bikini Kill, Viagra Boys und so vielen anderen haben das unauslöschliche Talent, das in allen Ecken von Gansers Arbeit lauert, nur noch mehr geschärft. Musik, die sich weigert zu glauben, dass irgendetwas wahr ist, dass stattdessen alle Dinge Kraft und Geheimnisse in ihren Schatten bergen, und dass wir nur dann die unausweichliche Schönheit aller widersprüchlichen Dinge verstehen können, wenn wir uns alle auf den Boden begeben und uns einen Sinn geben.

Prolapse wurden Anfang der 90er Jahre in Leicester gegründet, heute sind die Bandmitglieder über ganz Großbritannien und Skandinavien verstreut. Nach wie vor verfolgen sie ihren ganz eigenen Sound der stetigen Wiederholung, kombiniert mit verdrehten Melodien und vereinen dabei Einflüsse von Post-Punk über Krautrock bis hin zu Folk. Zu ihren bisherigen Veröffentlichungen gehören zahlreiche Singles sowie vier Alben bei unterschiedlichsten Labels, darunter Cherry Red und Radar. Mick Derrick und Linda Steelyard liefern sich intensive Gesangsduelle, kombiniert mit heftigen, dreifachen Gitarrenattacken und stampfenden Rhythmen. Das fünfte Prolapse-Album "I Wonder When They"re Going to Destroy Your Face" erscheint bei Tapete Records und stellt die ersten neuen Aufnahmen der Band seit ihrem letzten Album "Ghosts of Dead Aeroplanes" dar, das vor 26 Jahren veröffentlicht wurde. In mancher Hinsicht aber fühlt es sich an, als hätte es überhaupt keine Zäsur gegeben. Vom ersten ununterbrochenen Riff von "The Fall of Cashline" an machen Prolapse klar, dass sie wieder da sind - immer und immer wieder (und immer und immer wieder).

Mit "I Hope We Can Still Be Friends", seinem Einstand bei Saddle Creek, geht Dean Johnson einen Pakt mit den Hörern ein: Er wird Ihnen seine Wahrheit auf die herzlichste und charmanteste Art und Weise singen, die möglich ist, wenn sie versprechen, unvoreingenommen zu bleiben. Der Titel rührt von der spielerischen Art her, mit der der Singer/Songwriter/Gitarrist aus Seattle mit seinem Livepublikum kommuniziert. Im Mittelpunkt steht der Archetyp des 'Energievampirs', der nervtötende Schwätzer, dem wir alle schon mal begegnet sind, und die Texte sind zugleich intellektuell bissig und unverkennbar urkomisch. Seine zarte Stimme klingt wie der Geist von Roy Orbison oder ein Everly Brothers-Außenseiter.

Im Alter von 50 Jahren gelang Dean mit dem Debüt "Nothing For Me Please" 2023 der Durchbruch. "I Hope We Can Still Be Friends" ist im Wesentlichen eine Anthologie - von den Anfängen bis zur heutigen Reife. Jeder Track enthält scherzhafte Gesellschaftskritiken oder liebevoll wiedergegebene Herzensangelegenheiten. Wie der Country-angehauchte Sound von John Prine oder Kris Kristofferson, der umwerfende Humor und die ökonomische Tiefgründigkeit, gebrochen durch den Dunst einer Kneipe, ist das Album voller lässigem Twang, trauriger Charaktere, universeller Wahrheiten und der Absurdität des Alltags. Mit scharfen Beobachtungen und bewegenden persönlichen Einsichten bieten die 11 Songs Raum für intensive Reflexion und emotionale Befreiung. Man kann lachen, weinen oder beides.

Lathe of Heaven kehren mit ihrem zweiten Album Aurora zurück, einer kühnen Erweiterung ihrer klanglichen und thematischen Palette, die sich wie eine Reihe lebendiger, emotionaler Vignetten entfaltet. "Aurora" ist eine bisher unerforschte Variante des Lathe of Heaven-Sounds, die eine delikate Balance zwischen ihren Punk-Wurzeln und einer fesselnden New-Wave- und 80er-Jahre-Post-Punk-Ästhetik bietet, die Einflüsse aus dem britischen und finnischen Post-Punk der mittleren 80er-Jahre mit subtilen Nuancen aus dem Underground-Pop der 90er-Jahre und der Gegenwart kombiniert. Aufgenommen mit Ben Greenberg bei Circular Ruin und gemastert von Brad Boatright, ist das Album klanglich beeinflusst vom melodischen Rock von The Cure, Musta Paraatis Gothic-Post-Punk-Synthie und intensivem Schlagzeugspiel und A Flock of Seagulls' Art-Pop-Gesang und Gitarrenriffs. Textlich schreckt Aurora nicht vor schweren Themen zurück. Aurora ist als eine Sammlung von Science-Fiction-Kurzgeschichten gedacht, die von Themen wie Antikolonialismus, Vielfalt und Gleichberechtigung beeinflusst sind und sich in den Texten niederschlagen. Diese Geschichten sind von den Romanen von Ursula K. le Guin, Octavia Butler, Greg Egan und Peter Watts inspiriert und führen den Hörer in mythische, kühne und etwas beunruhigende Realitäten. Der Titeltrack "Aurora" spielt in einer dystopischen Zukunft, in der die Erde aufgrund von nuklearem Fallout längst verlassen ist - er erforscht Themen wie Verlust, Liebe und Hingabe. "Oblivion" befasst sich mit dem Phänomen der semantischen Sättigung - wenn man ein Wort oft genug sagt, verliert es seine Bedeutung. "Exodus" ist eine Neuinterpretation des Schiffsparadoxons von Theseus und erzählt von der Erfahrung, das Bewusstsein in einen neuen, perfekten Körper zu übertragen. An anderer Stelle steht "Portrait of a Scorched-Earth" für einen direkten Akt des Widerstands. Als einer der emotionalsten Songs des Albums bricht er mit der üblichen lyrischen Abstraktion der Band und ist eine schonungslose Abrechnung mit den Schrecken der modernen Kriegsführung und der Vertreibung, die in der gelebten Tragödie von Gaza wurzelt. Lathe of Heaven hoffen, dass "Aurora" ein breites Spektrum an Emotionen hervor ruft und zum Nachdenken über den Zustand unserer Realität und der Menschheit anregt. Es ist literarisch, ohne prätentiös zu sein, politisch, ohne zu predigen, und emotional, ohne mit der Wimper zu zucken. Jeder Song hält ein Stück eines zerbrochenen Spiegels, und was zum Vorschein kommt, ist eine prismatische, verwundete Schönheit, die mit tausend Gesichtern zurückstarrt. "Aurora" erhebt den Anspruch, "ohne Angst in das traumlose Vergessen zu zittern". Sie sind herzlich eingeladen.

Das neueste Album der neuseeländischen Indie-Rock-Helden The Beths, Straight Line Was A Lie, ist ein eingängiger, sofortiger Klassiker. Geschrieben in Los Angeles und selbst aufgenommen in der Heimatstadt der Band, Auckland, folgt Straight Line Was A Lie (ihre erste Veröffentlichung für ANTI-) auf die von der Kritik gefeierte LP Expert in A Dying Field aus dem Jahr 2022. Leadsängerin und Songwriterin Liz Stokes taucht tiefer in ihre Psyche ein, um alles zu thematisieren, von Umwegen über die körperliche und geistige Gesundheit Herausforderungen und belastende Familiendynamiken. Inspiriert von The Go-Go"s, Olivia Rodrigo, dem Filmemacher Akira Kurosawa und Stephen King"s On Writing, hat Stokes" Songwriting eine verblüffende neue Tiefe der Einsicht und Verletzlichkeit erreicht. Fans werden zustimmen, dass Straight Line Was A Lie das bisher am schärfsten beobachtete, wahrhaftigste und poetischste Beths-Projekt ist.

Das neueste Album der neuseeländischen Indie-Rock-Helden The Beths, Straight Line Was A Lie, ist ein eingängiger, sofortiger Klassiker. Geschrieben in Los Angeles und selbst aufgenommen in der Heimatstadt der Band, Auckland, folgt Straight Line Was A Lie (ihre erste Veröffentlichung für ANTI-) auf die von der Kritik gefeierte LP Expert in A Dying Field aus dem Jahr 2022. Leadsängerin und Songwriterin Liz Stokes taucht tiefer in ihre Psyche ein, um alles zu thematisieren, von Umwegen über die körperliche und geistige Gesundheit Herausforderungen und belastende Familiendynamiken. Inspiriert von The Go-Go"s, Olivia Rodrigo, dem Filmemacher Akira Kurosawa und Stephen King"s On Writing, hat Stokes" Songwriting eine verblüffende neue Tiefe der Einsicht und Verletzlichkeit erreicht. Fans werden zustimmen, dass Straight Line Was A Lie das bisher am schärfsten beobachtete, wahrhaftigste und poetischste Beths-Projekt ist.

Das 1970 veröffentlichte, selbstbetitelte Debüt von Funkadelic war eine radikale Kollision von psychedelischem Rock, Gospel, Blues und Soul - ein chaotisches, genreübergreifendes Statement, das die Möglichkeiten der schwarzen Musik neu definierte. Wo Motown auf Hochglanz und Crossover-Appeal abzielte, stürzten sich Funkadelic kopfüber in Verzerrungen, Improvisationen und spirituelle Zweideutigkeiten, mit einem Sound, der so düster und unberechenbar war wie die Ära selbst. Unterstützt von einer wilden jungen Band, lehnte das Album Konventionen zugunsten von rohem Groove und existentiellem Lärm ab. Als Teil der Westbound Records Reissue Serie von Org Music stellt diese Ausgabe die volle Wirkung des Albums wieder her. Die Deluxe-Doppel-LP, die von Dave Gardner direkt vom analogen Band mit 45RPM neu gemastert wurde, bietet das bisher beeindruckendste Hörerlebnis dieses Klassikers. Gardner und die Restaurationsspezialistin Catherine Vericolli archivierten und restaurierten die Original-Masterbänder in den 54 Sound Studios in Ferndale, Michigan, mit Unterstützung des hauseigenen Ingenieurs Nick King. Neben CD, Kassette und digitalen Formaten ist auch eine einfache LP-Ausgabe erhältlich, die von hochauflösenden Bandüberspielungen geschnitten wurde. Funkadelic waren zu ihrer Zeit eine klangliche Revolution mit bleibendem Einfluss, ihr selbstbetiteltes Album ist ein bahnbrechendes Zeugnis für Musik ohne Regeln und Freiheit ohne Grenzen.

Das 1970 veröffentlichte, selbstbetitelte Debüt von Funkadelic war eine radikale Kollision von psychedelischem Rock, Gospel, Blues und Soul - ein chaotisches, genreübergreifendes Statement, das die Möglichkeiten der schwarzen Musik neu definierte. Wo Motown auf Hochglanz und Crossover-Appeal abzielte, stürzten sich Funkadelic kopfüber in Verzerrungen, Improvisationen und spirituelle Zweideutigkeiten, mit einem Sound, der so düster und unberechenbar war wie die Ära selbst. Unterstützt von einer wilden jungen Band, lehnte das Album Konventionen zugunsten von rohem Groove und existentiellem Lärm ab. Als Teil der Westbound Records Reissue Serie von Org Music stellt diese Ausgabe die volle Wirkung des Albums wieder her. Die Deluxe-Doppel-LP, die von Dave Gardner direkt vom analogen Band mit 45RPM neu gemastert wurde, bietet das bisher beeindruckendste Hörerlebnis dieses Klassikers. Gardner und die Restaurationsspezialistin Catherine Vericolli archivierten und restaurierten die Original-Masterbänder in den 54 Sound Studios in Ferndale, Michigan, mit Unterstützung des hauseigenen Ingenieurs Nick King. Neben CD, Kassette und digitalen Formaten ist auch eine einfache LP-Ausgabe erhältlich, die von hochauflösenden Bandüberspielungen geschnitten wurde. Funkadelic waren zu ihrer Zeit eine klangliche Revolution mit bleibendem Einfluss, ihr selbstbetiteltes Album ist ein bahnbrechendes Zeugnis für Musik ohne Regeln und Freiheit ohne Grenzen.

Das 1970 veröffentlichte, selbstbetitelte Debüt von Funkadelic war eine radikale Kollision von psychedelischem Rock, Gospel, Blues und Soul - ein chaotisches, genreübergreifendes Statement, das die Möglichkeiten der schwarzen Musik neu definierte. Wo Motown auf Hochglanz und Crossover-Appeal abzielte, stürzten sich Funkadelic kopfüber in Verzerrungen, Improvisationen und spirituelle Zweideutigkeiten, mit einem Sound, der so düster und unberechenbar war wie die Ära selbst. Unterstützt von einer wilden jungen Band, lehnte das Album Konventionen zugunsten von rohem Groove und existentiellem Lärm ab. Als Teil der Westbound Records Reissue Serie von Org Music stellt diese Ausgabe die volle Wirkung des Albums wieder her. Die Deluxe-Doppel-LP, die von Dave Gardner direkt vom analogen Band mit 45RPM neu gemastert wurde, bietet das bisher beeindruckendste Hörerlebnis dieses Klassikers. Gardner und die Restaurationsspezialistin Catherine Vericolli archivierten und restaurierten die Original-Masterbänder in den 54 Sound Studios in Ferndale, Michigan, mit Unterstützung des hauseigenen Ingenieurs Nick King. Neben CD, Kassette und digitalen Formaten ist auch eine einfache LP-Ausgabe erhältlich, die von hochauflösenden Bandüberspielungen geschnitten wurde. Funkadelic waren zu ihrer Zeit eine klangliche Revolution mit bleibendem Einfluss, ihr selbstbetiteltes Album ist ein bahnbrechendes Zeugnis für Musik ohne Regeln und Freiheit ohne Grenzen.

Hailing from the depths of Istanbul's ancient shadows, ASH MAGICK is a raw and unfiltered black metal project founded in 2022 by Necrosanctus and Graveyard Slut. Born from firsthand occult experience, the band channels themes of spiritual decay, cursed devotion, and forbidden knowledge into ritualistic sonic expressions. Drawing on Eastern mysticism, ancestral lore, and demonic narratives, Ash Magick conjures haunting atmospheres steeped in esotericism and ancient rites. Black metal in its most feral, feminine, and arcane form. Ash Magick are returning with their most spiritually charged and meticulously crafted work to date.

'it’s his loosest, dreamiest dispatch yet, an enveloping and atmospheric collection that constantly comes together and breaks apart.'

Maxo releases his new album Mars Is Electric. Earlier this week, Maxo released a third haunting video, directed by Vincent Haycock, from the visual world of ‘Mars’ for the title track. Maxo previewed the album with the release of singles “Human?” and “Donahoo’s Chicken” this spring, which arrived with equally raw, inventive, and unnerving music videos.

Mars Is Electric is Maxo’s first official release since he dropped two critically acclaimed albums in 2023 with Even God Has A Sense of Humor and Debbie’s Son. His fifth full-length album finds the Southern Californian artist self-aware and mature. Having lived the last decade of his musical life intentionally creating specific bodies of work rooted in imagery, observation, and capturing moments, Maxo spent this previous year freely creating without a specific plan, relieved from all obligations and restrictions.

“This is the first time that I really didn’t care, I didn’t approach things so seriously,” the artist shrugs off, meaning that without expectations or specific goals, his creativity flourished. This opening finds the artist having conversations he’s been avoiding, having lived silently in the pain of those topics for the past few years. Exploring uncomfortable themes about personal life, relationships, and family fractures, life before and after the loss of innocence, and an abundance of existential spirals.

The exploration was not only thematic but also musical in nature. During the creation process, Maxo was immersed in a wide array of music from past to present - France Joli, $amaad, Steve Spacek, Cherelle, DJ Quik, Lisha G - influences that seeped their way into these songs. The album opens in a loose, dreamlike state—experimental and searching, mirroring the emotional fog of someone looking for something real to hold onto. But as it progresses, so does Maxo’s energy as he fiercely rides and weaves on songs with a contagious confidence, producing some of his most kinetic and lyrically impressive music to date.

As the work and vision coalesced into a body of work, Maxo found that he was unlocking a creative language with his collaborators that felt wholly new - a new understanding of why and how he was making art for this world. What emerged from this year-long process was a new musical journey and a future where Maxo refuses to be another bad example of what could be, refusing to mind the blueprint set down. Maxo is the sole voice on the album featuring production by lastnamedavid, Quelle Chris, Baird, Groove, and more.

Listen to Mars Is Electric above, see full album details below, and stay tuned for more from Maxo very soon.

Die Alternative Rocker Pinkshift aus Baltimore, inspiriert vom Grunge der 90er, Pop-Punk der 2000er, Riot Grrl, Punkrock und Post-Hardcore, sind mit ihrem zweiten Album zurück. Aufgenommen von Sänger*in Ashrita Kumar (they/them), dem Gitarristen Paul Vallejo (he/him) und dem Schlagzeuger Myron Houngbedji (he/him) ist "Earthkeeper" konzeptionell aufgeladen und warnt: "The year is 2025. We are living in the mass surveillance state, where they are watching you. They are watching everything you do. They know where you live, they know who you talk to, they know what you like -they know what you look like. You better not slip up." Nach mehr als zwei Jahren unermüdlichen Tourens an der Seite von Bands wie Mannequin Pussy, PUP, The Linda Lindas, Jigsaw Youth, Pussy Riot und Origami Angel, sind Pinkshift nicht mehr dieselben Menschen, die sie waren, als sie 2022 ihr Debüt Love Me Forever veröffentlichten. Sie sind gewachsen, gereift und haben sich durch ihre Erfahrungen verändert. Pinkshift stehen für Einigkeit, Kollektivität, Gemeinschaft und Aktion, aber vor allem hofft das Trio aus Maryland, dass ihre neuen Songs auch eine persönlichere, emotionale Resonanz haben werden. Ice Blue LP oder Digipak-CD

Black Vinyl LP with insert (including the story behind the album and lyrics with English translation)

After their first LP, in 1987, Pedro gathered his usual band, Carlos Sousa on keyboard, Bulimundo on drums, Nuno Santos and Zézé on lead and rhythm guitars, Augusto Rasta on bass, Daló on sax and finally Dalú on percussions, for yet another project, one that carried both their names: Jacinta Sanches - Pedro Ramos. Eight days, no more, that’s all Pedro Ramos and Jacinta Sanches needed inside the Estúdios Musicorde. The process was natural, as with all their music, memories recollected and arranged by Pedro on café napkins, rehearsed and perfected at home with Jacinta. Together they imagined music where Cape Verdean saudade could dance together with Kingston’s skank, two island hearts beating inside European concrete.

His name is Pedro Correia Ramos Varela, born in Praia, Santiago, Cabo Verde on April 6th 1954; her name is Jacinta Lopes Veiga Varela, born in Cidade Velha, Santiago, Cabo Verde on January 22nd 1959. The two met in Praia, where a few exchanged words turned into long evening conversations; conversations into friendship; friendship into love; and love into six wonderful children. After the independence of Cabo Verde, they got married in 1978 and moved to Portugal, where Pedro started working as a welder for Lisnave and playing the guitar in a band in Ramada. Trading shipyard sparks by day for the after-hours pulse of Cova da Moura, his love for music proved harder than steel. And in 1982, after seeing Bob Marley and Peter Tosh in Rotterdam, he opened his own Dancing Bar just below their house, a pioneering space for the promotion of reggae music in Portugal.

Their Dancing Bar kept its doors open from 1982 to 1994, seeing the release of two albums and more singles. To this day, Pedro and Jacinta are still making music, one the inspiration of the other. They define themselves as simple people, living happy without prejudice, friends with the world.

Die indonesische Band Thee Marloes verwöhnt uns mit einer neuen Non-Stop-7", während sie die Aufnahmen zu ihrem zweiten Album fertigstellt, das 2026 erscheinen soll. Nach dem internationalen Erfolg von ,Perak" aus dem Jahr 2024 wird Thee Marloes dieses Jahr durch die USA und Europa touren, und diese neue Single kommt dafür genau zum richtigen Zeitpunkt. Die A-Seite ,I'd Be Lost" ist ein süßer Liebes-Song, in dem Natassya Sianturi einen Mann besingt, der nichts als ihre Liebe braucht. Der wunderschöne Four-on-the-Floor-Backing-Track macht diesen Song zu einem sofortigen Stepper für die Tanzfläche. In der zeitlosen 7"-Tradition von Plug & Ballad-Kombinationen ist die B-Seite ,What's On Your Mind" ein properer, von schweren Drums getriebener Slowie mit aufsteigenden Sitaren und hektischen Piano-Verfolgungsjagden. Tassya singt von der Geheimniskrämerei und Faszination der sofortigen Anziehung, bleibt dabei cool und bekennt ihr Verlangen, ihre Schutzmauer fallen zu lassen.

"This digitally re-mastered version of ""Generator"" contains two bonus tracks for ""Heaven Is Falling"" and ""Fertile Crescent"" that originally appeared on the split 7"" with Noam Chomsky put out by Maximum Rock"N Roll in "91. ""Generator"" knocks about stirringly with a steadfast, mid-tempo punk roar, keeping the songs simple but continually on the upsurge. Brett and Greg Hetson"s guitars piggyback to ever-rousing heights, utilizing the essential chords and keeping limits on flashy things like solos or effects, never letting the enthusiasm or sentiment wane. With all players striving to turn each listening experience into a placard-waving melee, Bad Religion emblazons honest, dissatisfied-with-the-status-quo lyrics with an Uberpunk spirit, Greg Graffin"s vocals growing more gravelly and endearing with each record. With the implicit understanding that strength lies in brevity, Bad Religion hew mighty exhortations to action out of a well-trampled happy-punk base, and the sheer motivational impact of ""Generator,"" ""Only Entertainment,"" ""Atomic Garden"" and ""No Direction"" sweeps clear any charges of oversimplification or sameness. Generator is a brutal noise that is louder, faster & angrier than ever! A plethora of power punching punk pedagogy."

Jackpot Records is extremely proud to announce our re-issue of the revered reggae album 1976’s War Ina Babylon by Max Romeo & The Upsetters. Originally released on Island Records, the album is considered one of the greatest Reggae albums of all time and was a massive influence on the UK punk movement that was just starting to bubble to the surface.
The record’s incredible power belies an unlikely partnership between one of the world’s greatest producers (and experimenters in sound), Lee “Scratch” Perry, and vocalist Max Romeo (who by 1976 had performed on over 120 7” singles) Romeo had been transforming from his “rude” records to writing lyrics with social themes as the era in Jamaica was rife with poverty, gangs, and politically motivated killings. As he was looking to produce protest music at its most powerful alongside music that would never leave the listener’s souls, Lee Perry and Max Romeo started collaborating together.
Recorded in two weeks in 1976, utilizing Lee Perry’s kitchen sink production, War Ina Babylon is considered part of Lee Perry’s ‘holy trinity’ Black Ark produced LPs released by Island
Records (Junior Murvin’s Police and Thieves and The Heptones’ Party Time being the other classics LPs in the trinity), this LP continues to find new fans with every passing generation.

Legendary postmodern, post punk, post human, past caring collective Mekons return with a brand-new album for 2025. Their first release on Fire Records, ‘Horror’ a collection of songs written in late 2022 but providing a horribly prescient reflection of the world in its current miasma and how we got here. ‘Horror’ looks at history and the legacies of British imperialism with mashed up lyrics set against a typically eclectic sound that amalgamates everything from dub, country, noise, rock & roll, electronica, punk, music hall, polka and you can even take your partner for a nice waltz on ‘Sad And Sad And Sad’. The roots of their global sound reflect their nomadic journey through time and space from Leeds to California in the West and Siberia in the East and is woven into the fabric and intricacies of their song creation… Sounding like The Chills and R.E.M circa the I.R.S Records years, ‘Mudcrawlers’ sees just about the whole band joining Jon Langford on vocals speaking of Irish famine and refugees journeying to Wales. ‘War Economy’ shivers in the cold of such Boroughs spiked one-liners: “Clinical coercion will not achieve dominance!” Sounding like its straight off a Jenny Holzer neon sign (she of Abuse Of Power Comes As No Surprise), it’s held together by a disgruntled swaggering riff that underpins an explosion of disquiet. Meanwhile, Rico takes the lead on the maliciously luscious ‘Fallen Leaves’ an appalled and appalling Hammer Horror take on climate breakdown reminiscent of Rolling Thunder Dylan, that recalls The Pogues at their most introspective, its Celtic twilightism augmented by Susie Honeyman’s keening violin as the dying sun sinks down and the river Styx flows on in the pitch black night. Almost 50 years in the making, these Mekons continue to astound, their sound, sentiment and method of delivery blended to perfection by bass player and studio wizard, Dave Trumfio. The Mekons are Jon Langford, Sally Timms, Tom Greenhalgh, Dave Trumfio, Susie Honeyman, Rico Bell, Steve Goulding, and Lu Edmonds. "Effortlessly eloquent post-punks" Pitchfork // “The Mekons are still vital” Rolling Stone // “The most revolutionary group in the history of rock ‘n’ roll,” Lester Bangs // UK Tour 8-15 May 2025 (including London, Manchester, Glasgow, and more).

Released in 1989 by the noted audiophile label Chesky Records, Portraits is a testament to the prodigious talent of the legendary trumpeter, flugelhornist, and jazz educator Clark Terry.

The first of four albums for the Chesky label, Portraits was recorded when the St. Louis-born hornblower, then 68 years old, was a much-venerated jazz elder. By then, he had 35 albums under his belt and boasted a resume that included stellar collaborations with Duke Ellington, Charles Mingus, Quincy Jones, and Dizzy Gillespie.

For Portraits, produced by David Chesky, Terry assembled a quartet comprising pianist Don Friedman, bassist Victor Gaskin, and drummer Lewis Nash. With Terry alternating between flugelhorn and muted trumpet while also showing off his chops as an occasional vocalist, the quartet breezes through a blend of familiar jazz standards, like 'Pennies From Heaven,' and Terry's hard-driving original tune, 'Finger Filibuster,' where he shows off his athletic scat singing.

Other highlights include the Louis Armstrong favorite 'When It's Sleepy Time Down South' and 'Sugar Blues,' a nostalgic nod to New Orleans jazz. The album is reissued on 180g One Step Pressing Vinyl LP and SACD Hybrid Stereo.

2025 Repress


Blue Channel is a brand-new dub-roots collaboration between Bluetrain aka Steve O Sullivan, and Another Channel - two titans in the dub techno scene. They are accompanied by Prince Morella, who adds his smooth vocals on top of the scapes of chords and delays. If you are into legendary labels like Maurizio, Burial Mix, and Rhythm & Sound, then this one is for you. Limited coloured vinyl.

Following on from stellar releases AD93 and Something Happening Somewhere, Amsterdam based producer Bas Dobbelaer brings a four track EP to Trule of deep, psychedelic, dubwise techno. From the bass and bleeps of HSS-01 to the Berlin-esque dub of Layers of Territory, Bas demonstrates his high production abilities and deft but sparse rhythm programming, propelled by heavyweight subs for the soundsystem.

Torn traverses the charnel realms of the grey area on his debut EP for DNO, ‘Taiga’. Steely beats and stony bass coalesce into chimeric rhythms across four enthralling constructions; techno and drum & bass seeping into each other like liquids in a solution, changing the very nature of both.

Opening with a solemn march shrouded in swathes of noise and jitter that blur the soundscape like the death throes of some unlucky video game character, ‘Wreak Havoc’ is an incessant builder. When it finally lets loose the chaos promised by its title, reinforced breakbeats rain down like great factory apparatus hammering out metal plates.

‘Whalebone’ is of a similarly industrial bent. Like a head full of rotor blades, it ripples with densely packed polyrhythms that rattle and whirr, new layers emerging from the churn to grab the consciousness before sinking back into the melee.

‘Taiga’, meanwhile, channelling the cold, ancient immensity of its boreal forest namesake, progresses at a plant-like pace — unhurried and purposeful. It's droning low-end seems to mask secrets, while a canopy of tangled percussion cuts angular shapes through the shadowy undergrowth.

And on ‘Stay’, the complex drumwork vibrates so rapidly around the track’s irradiated pads as to almost merge with them completely, rhythm and ambience becoming a singular hypnotic form.

A natural fit for DNO, Torn’s mystic machine music opens new pathways for the label’s darkling voyage through sound.

Rhythms of postmodern realism at the very bottom of the DNO.

DJ Support: Groove Armada, Gorgon City, Claptone, Nicole Moudaber, Dennis Cruz, Carl Cox, Steve Aoki, Tiesto, Steve Angello, Oliver Heldens, Bob Sinclar, Diplo, Sofi Tukker, Dombresky, Carlita, A-trak, ALOK, Danny Howard, Kaskade, Hot Since 82.

Toolroom’s next Sampler sees 4 big releases from Tony Romera, Crusy, Low Steppa, James Hurr, CASSIMM, Darius Syrossian and Kathy Brown.

Limited edition remastered release of another wicked boogie joint from Delirium records that is just as good as Jagg and Neddy Smith from the same label and previously reissued by Best Record Italy. This one luckily has the highly playable instrumental and the soulful vocal version both mixed by the legendary Tee Scott. Don't sleep!

This years annual Dub-Team-Up 7" from Moss Norway, 10th issue, a decade strong with double A-side. Kambo Super Sound flexing a hard & heavy, ultra steady ghost-town stepper. Don Papa meets DJ Sotofett in the matters of dub & funk with that significant Latino Dub twist, live drums & percussions. A true crossover – true to its roots!

Lempuyang is a label you will know and respect for its high quality stream of immersive dub techno. Now the man behind it, Alastair Kelly, debuts a new label with none other than revered UK techno mainstay Ibrahim Alfa Jnr. He opens up with 'Component A' which is a moody melange of slow, broken dub beats and fizzing synths. There is further experimentation on 'Untitled B2 1' which pairs a churning dub rhythm with naive and innocent melodies and lots of li-fi static. 'Entangled' ups the ante with the suggestion of a fast paced rhythm through a skeletal groove and the flip brings broken beat dub weight, meaning and percussive bass with a 2-step swagger then deep introspection on the closer. A classy EP that suggests this label will be well worth watching.

The faultless Funkyjaws music rolls out another irresistible disco dazzler in its Discolifting series with Enigmatic producer Black Truffle at the helm. He debuted in 2023 and has landed on labels like Gamm and this one before now, always making a mark in the process. 'Ti Voglio' starts with some fiery Latin vocals and big strings straight from a Philly disco classic. 'Venus' has a fat low end and stepping groove with plenty of lavish instrumental flair, and 'To Be The One' is a filter-heavy, funky-disco cruiser for good times only. 'Cassandra' slows things down with some steamy sexual energy from the horns and rich chord stabs, sure to get any dance floor heated right up.

Dennis Quin is a Dutch talent who does it all from thumping tech to deep house on labels like Defected, Madhouse Records and PIV. He now steps up to the Slabs label run by Dungen Meat duo Brawther and Tristan Da Cunha with a swinging garage two-tracker. 'Farmette' has nice sleazy bass and drum combinations with razor-sharp hi-hats and rolling bass that never quits. 'Ode To Todd' has a more skippy rhythm but still keeps you locked with a fat low end. Some vocal chops and percolating synths bring further energy to this irresistible club cut. Another fine outing from Quin.

Dutchman Prunk steps up for the first release of the Thuishaven in-house label Haven Trax. Three vocal groovers right for every moment.

Plastic Mode begeistert mit melodischem Italo-DiscoSound und eingängigen Synthesizer-Hooks. Auf dieser limitierten farbigen LP finden sich tanzbare Klassiker wie „Mi Amor“, „Baja Imperial“ und „N.Y. Life“, die den typischen 80er-Flair der Band perfekt einfangen. Getragen von warmen Synthesizer-Klängen, tanzbaren Beats und typisch melodischem Flair der 80er, stellt diese LP ein Kultstück dieser Ära dar und ist ein Muss für Fans von vintage Dance-Sounds und Vinyl-Klassiker

2025 Repress! Very Limited!!

Chances are, you've heard this new offering by &ME before. He installed it within his last touring months as one of his most sought after and unsuccessfully shazamed set-highlights. And then again, you know the source material, he is taking on, Westbam's 2013 classic "You Need The Drugs" featuring Psychedelic Fur's own Richard Butler.
While the original is the utmost hymnal embodiment of that desolate, yet somewhat glorious afterhour exhaustion, many of us know all too well, &ME's take comes off as a preservation of that intense emotive sentiment of the tune in conjunction with an amplified floor-suited effectiveness. It shows in the beat, flexing a bit more muscle, in that simplified and more present bassline and in the overall dynamic arrangement. &ME takes the tune out of the car stereo of a 7 am cab-ride back into the club, right on a sweat-drenched and jam packed dancefloor, so to say.

Wodda is the latest new school talent to step up to Burnski's faultless Pilot label. He hails from the South of England and has been making some sweet movers of late, but this one is his best yet. 'Have We Met Before?' is a kinetic collision of turbocharged breaks, spaced out synths and crisp tech with old school bass and sci-fi motifs, making it a vibe-fuelled party starter. 'Go Getter' has a darker low end with more punchy breaks, scratches, warped stabs and vocals and an air of intergalactic rave. The Reflex Blue remix is just as kinetic but doused in balmy pads that lend it a headier late-night soul with irresistible pitched-up vocal hooks.

Leipzig producer Old Man Crane makes her debut here with a new four-track 12" that explores new deep dubstep frontiers and subterranean bass excellence. Beatrice M's Bait label has been busy in the two years since it launched, as this marks a 16th outing, and their previous One Hundred and Fifty Steps compilation actually featured a first track from Old Man Crane. This fuller offering is class indeed, with 'Hepp' rolling on a nice, rounded, thudding kick as smattered tops tap out a rhythm. 'Brew' is darker and more driving with a rolling bass energy and eerie urban atmosphere up top. 'Veil' is a slower rhythm with blurting sounds and lonely bird calls and 'Quork' then ups the pace with potent dub weight and searching synths. A fine solo start to life on vinyl for Old Man Crane.

Limited Press, full sleeve & centre label design by Ciaran Birch. Mastered by Beau @ 1087 Studios.

The Babyfather members have been on a roll recently, and this one is no different. Following 24's single 'Open Up' for Accidental Meetings, Tusk & Massiah link up once again on the Bristol imprint.

Lord Tusk serves up a killer beat on Might Be The One, a raw and breezy stepper with Tusk's trademark drums and synth work sprinkled all over. With it's tempo coming in on the slightly quicker side for the dance floor, James Massiah's flow is perfect as per to meet it, ice cold delivery from the London poet with sharp verses and lyric work. Another gem from two of London's finest.

Zur Feier des 30-jährigen Jubiläums erscheint das bahnbrechende mit Multi Platin ausgezeichnete Album
und Meisterwerk der Cranberries „No Need To Argue“. Das Album enthält neu abgemischte Remastered Audios vom Produzenten des Originalalbums Stephen Street, 2 brandneue Remixe von Iain Cook
von Chvrches, unveröffentlichte Live-Musik von Woodstock ’94 und das unveröffentlichte Demo des FanFavoriten „Zombie“.

Eine junge Sängerin mit meisterhafter Stimme und Millionen Fans in den sozialen Netzwerken!
Die Hits des Great American Songbook, geschrieben von den großen Meistern ihres Fachs für HollywoodFilme und Broadway-Musicals, erweisen sich auch in unserer modernen, viralen Welt noch immer als charismatisch und relevant. Den Beweis dafür erbringt Sängerin Stella Cole. Mit über 1,6 Millionen Followern
in den sozialen Medien, einem weltweiten Tourplan und zahllosen Fernsehauftritten in ihrer Heimat USA,
brachte die 26-jährige Künstlerin ihren Fans bislang die Klassiker näher, mit einer großen Stimme, die sich
mit legendären Vorgängerinnen messen kann, und ganz viel Gefühl.
Ihr drittes Album, das erste für ein Major Label, nahm sie in den Power Station Studios in New York
City mit Produzent und Manager Matt Pierson (Samara Joy, Joshua Redman, Brad Mehldau) auf. Sogar
den Jazz- & Songbook-Papst und strengen Kritiker Will Friedwald hat Stella Cole mit ihrem neuen Werk
überzeugt!

Rocksteady took over Orange Street ,Kingston, Jamaica around 1966,the same time that an extreme heat wave hit the Jamaican Island.
Some say the previous jerky Ska Rhythms proved too strenuous of an activity to partake in during the all night Sound Systems.
So it proved a winning formula to slow the beat down to a more leisurely pace.

Whatever the reasons were this two year period that ran until 1968 would see some of the power escape from the big three producers,Clement 'Coxonne 'Dodd,Prince Buster and Duke Reid...who up to that period ruled the airwaves. It was time to make room for a new wave of up and coming producers that also had something to offer the people.

So sit back and enjoy some Rocksteady straight from the dances of Jamaica...Hope you enjoy the set...............

Im Jahr 2018 war Case Oats so etwas wie eine nebulöse Idee. Die Bandleaderin Casey Gomez Walker hatte bereits in Bands gespielt, und ihr Projekt Case Oats hatte eine selbst veröffentlichte Single, aber war keine Band, bis ein auswärtiger Freund sie fragte, ob Case Oats eine Show in Chicago headlinen könnten. Casey bluffte - ja, sie hatte eine Band, ja, sie waren bereit, eine Show zu spielen - und machte sich an die Arbeit. "Es war ein bisschen wahnhaft von mir", sagt sie, "aber ein bisschen wahnhaft zu sein hat ja auch etwas für sich." "Last Missouri Exit", das Debütalbum von Case Oats, ist ein bemerkenswert sicheres Album, bei dem sich die Band - Spencer Tweedy (Schlagzeug), Max Subar (Gitarre, Pedal Steel), Jason Ashworth (Bass), Scott Daniel (Fiddle) und Nolan Chin (Klavier, Orgel) - um Gomez Walkers Stimme und Gitarre gruppiert. "Last Missouri Exit" ist eine Sammlung scharf gezeichneter Charakterstudien. Gomez Walkers Hintergrund im kreativen Schreiben drückt sich in ironischen Beobachtungen und einem entwaffnend leichten Sinn für Lyrik aus, das Tiefgründige und Profane purzelt aus Songs wie "Bitter Root Lake" mit dem Gewicht eines Bekenntnisgedichts und der Leichtigkeit eines Gesprächs unter Freunden. Der rote Faden von Case Oats' erstem Auftritt bis zu ihrem Debütalbum ist Vertrauen, in die Songs und in ihre Spieler. "Last Missouri Exit" klingt aus den chaotischsten Kammern des Herzens und die Band schwillt um Gomez Walker herum an, die das Erwachsenwerden in Bezug auf die Loyalität zu verzweifelt fehlerhaften Menschen und schließlich, mit etwas Abstand von zu Hause, die Treue zu sich selbst beschreibt. Die Songs entstanden live, und die ersten Aufnahmen fanden, wie sich Gomez Walker erinnert, im Keller eines Hauses statt, das Ashworth, Subar und Tourmitglied Chet Zenor gemeinsam bewohnten. "Wir nahmen die Songs an drei heißen Augusttagen mit unseren Freunden auf und versuchten einfach, die Energie zwischen uns einzufangen". Tweedy, der die Session mit Ashworth und Subar aufnahm und das Album produzierte, sagt dazu: "Wir brachten gerade so viel Material mit in den Keller, dass wir es aufnehmen konnten. Wir hatten das Glück, in den Monaten vor der Session viele Konzerte gespielt zu haben, so dass wir einfach so spielten, wie wir gespielt hatten, ohne jede Wertigkeit." Diese anfängliche Kellersession ist das Zuhause, in dem "Last Missouri Exit" aufwuchs, und diente sowohl als Ursprungs- als auch als Zielort, da Gomez Walker und Tweedy den Gesang in getrennten Sessions zu Hause aufnahmen. Texte, die sich so wahrhaftig lesen wie "Your brother was the golden boy and you were your mother's pup / The safety of her guiding arms kept you from fucking up", heißt es in einem Couplet aus "Buick Door", das durch die Distanz zwischen Gomez Walker und den auslösenden Ereignissen ihrer Songs gestärkt wird. Ihre Stimme ist selbstbewusst und zart, sie fängt den Nervenkitzel eines Schlagzeugs oder die schmerzende Weite der Pedal Steel ein und kanalisiert den Schwung in die Hoffnungen und den Herzschmerz des Kleinstadtlebens im Mittleren Westen. Auf der Fahrt von Gomez Walkers Heimatstadt auf dem Freeway nach Chicago in Richtung Norden steht auf dem Schild kurz vor der Grenze zu Illinois unter anderem "Last Missouri Exit". Es ist ein Punkt auf der Landkarte und für sie ein Punkt, an dem es kein Zurück mehr gibt. Als sie ihn eines Tages überquerte, bedeutete das das Ende ihrer Kindheit und den Beginn ihres restlichen Lebens. Das Album ist ein Scharnier zwischen diesen beiden Zuständen, in dem sich die Schmerzen des Heimwehs mit dem Nervenkitzel des Aufbruchs zum Horizont überlagern. "In a Bungalow" betrachtet diese Überschneidung im Licht der goldenen Stunde, ein Lied, dessen leidenschaftliche Sehnsucht nach der Heimat - ihren süßen Quellen und langsamen Tagen und alten Freunden - nur möglich ist, weil sie einen Ort verlassen hat, der sich einst wie das Zentrum des Universums anfühlte. Wenn "Last Missouri Exit" ein Coming-of-Age-Album ist, dann deshalb, weil es um Wachstum und Perspektive geht, und weil es von einer Band gemacht wurde, die bereits jenseits des Horizonts lebt, nach dem das Album benannt ist. Es ist ein Album, das sich danach sehnt, gehört zu werden, während man den Sonnenuntergang von seiner Veranda-Schaukel aus beobachtet, aber seine wehmütige, idyllische Sicht auf den Mittleren Westen ist keine Nostalgie für die Vergangenheit - es ist das, was Case Oats einen Sommer lang im Keller auf einer Ad-hoc-Bühne gezaubert haben, ein Dokument einer Band, die um diese Songs herum zusammengewachsen ist, auf einem neu entdeckten Höhepunkt ihrer gemeinsamen Kräfte. Was sie geschaffen haben, ist warm und einladend, ein Album, das sich beim ersten Durchlauf offenbart und mit jedem Hören tiefer wird. Dies ist ihre Einführung; man fragt sich, was ihr Horizont noch bereithält.

Im Jahr 2018 war Case Oats so etwas wie eine nebulöse Idee. Die Bandleaderin Casey Gomez Walker hatte bereits in Bands gespielt, und ihr Projekt Case Oats hatte eine selbst veröffentlichte Single, aber war keine Band, bis ein auswärtiger Freund sie fragte, ob Case Oats eine Show in Chicago headlinen könnten. Casey bluffte - ja, sie hatte eine Band, ja, sie waren bereit, eine Show zu spielen - und machte sich an die Arbeit. "Es war ein bisschen wahnhaft von mir", sagt sie, "aber ein bisschen wahnhaft zu sein hat ja auch etwas für sich." "Last Missouri Exit", das Debütalbum von Case Oats, ist ein bemerkenswert sicheres Album, bei dem sich die Band - Spencer Tweedy (Schlagzeug), Max Subar (Gitarre, Pedal Steel), Jason Ashworth (Bass), Scott Daniel (Fiddle) und Nolan Chin (Klavier, Orgel) - um Gomez Walkers Stimme und Gitarre gruppiert. "Last Missouri Exit" ist eine Sammlung scharf gezeichneter Charakterstudien. Gomez Walkers Hintergrund im kreativen Schreiben drückt sich in ironischen Beobachtungen und einem entwaffnend leichten Sinn für Lyrik aus, das Tiefgründige und Profane purzelt aus Songs wie "Bitter Root Lake" mit dem Gewicht eines Bekenntnisgedichts und der Leichtigkeit eines Gesprächs unter Freunden. Der rote Faden von Case Oats' erstem Auftritt bis zu ihrem Debütalbum ist Vertrauen, in die Songs und in ihre Spieler. "Last Missouri Exit" klingt aus den chaotischsten Kammern des Herzens und die Band schwillt um Gomez Walker herum an, die das Erwachsenwerden in Bezug auf die Loyalität zu verzweifelt fehlerhaften Menschen und schließlich, mit etwas Abstand von zu Hause, die Treue zu sich selbst beschreibt. Die Songs entstanden live, und die ersten Aufnahmen fanden, wie sich Gomez Walker erinnert, im Keller eines Hauses statt, das Ashworth, Subar und Tourmitglied Chet Zenor gemeinsam bewohnten. "Wir nahmen die Songs an drei heißen Augusttagen mit unseren Freunden auf und versuchten einfach, die Energie zwischen uns einzufangen". Tweedy, der die Session mit Ashworth und Subar aufnahm und das Album produzierte, sagt dazu: "Wir brachten gerade so viel Material mit in den Keller, dass wir es aufnehmen konnten. Wir hatten das Glück, in den Monaten vor der Session viele Konzerte gespielt zu haben, so dass wir einfach so spielten, wie wir gespielt hatten, ohne jede Wertigkeit." Diese anfängliche Kellersession ist das Zuhause, in dem "Last Missouri Exit" aufwuchs, und diente sowohl als Ursprungs- als auch als Zielort, da Gomez Walker und Tweedy den Gesang in getrennten Sessions zu Hause aufnahmen. Texte, die sich so wahrhaftig lesen wie "Your brother was the golden boy and you were your mother's pup / The safety of her guiding arms kept you from fucking up", heißt es in einem Couplet aus "Buick Door", das durch die Distanz zwischen Gomez Walker und den auslösenden Ereignissen ihrer Songs gestärkt wird. Ihre Stimme ist selbstbewusst und zart, sie fängt den Nervenkitzel eines Schlagzeugs oder die schmerzende Weite der Pedal Steel ein und kanalisiert den Schwung in die Hoffnungen und den Herzschmerz des Kleinstadtlebens im Mittleren Westen. Auf der Fahrt von Gomez Walkers Heimatstadt auf dem Freeway nach Chicago in Richtung Norden steht auf dem Schild kurz vor der Grenze zu Illinois unter anderem "Last Missouri Exit". Es ist ein Punkt auf der Landkarte und für sie ein Punkt, an dem es kein Zurück mehr gibt. Als sie ihn eines Tages überquerte, bedeutete das das Ende ihrer Kindheit und den Beginn ihres restlichen Lebens. Das Album ist ein Scharnier zwischen diesen beiden Zuständen, in dem sich die Schmerzen des Heimwehs mit dem Nervenkitzel des Aufbruchs zum Horizont überlagern. "In a Bungalow" betrachtet diese Überschneidung im Licht der goldenen Stunde, ein Lied, dessen leidenschaftliche Sehnsucht nach der Heimat - ihren süßen Quellen und langsamen Tagen und alten Freunden - nur möglich ist, weil sie einen Ort verlassen hat, der sich einst wie das Zentrum des Universums anfühlte. Wenn "Last Missouri Exit" ein Coming-of-Age-Album ist, dann deshalb, weil es um Wachstum und Perspektive geht, und weil es von einer Band gemacht wurde, die bereits jenseits des Horizonts lebt, nach dem das Album benannt ist. Es ist ein Album, das sich danach sehnt, gehört zu werden, während man den Sonnenuntergang von seiner Veranda-Schaukel aus beobachtet, aber seine wehmütige, idyllische Sicht auf den Mittleren Westen ist keine Nostalgie für die Vergangenheit - es ist das, was Case Oats einen Sommer lang im Keller auf einer Ad-hoc-Bühne gezaubert haben, ein Dokument einer Band, die um diese Songs herum zusammengewachsen ist, auf einem neu entdeckten Höhepunkt ihrer gemeinsamen Kräfte. Was sie geschaffen haben, ist warm und einladend, ein Album, das sich beim ersten Durchlauf offenbart und mit jedem Hören tiefer wird. Dies ist ihre Einführung; man fragt sich, was ihr Horizont noch bereithält.

The Tribulizations are a Brighton UK-based reggae vocal harmony duo living the rockers life style! They pay homage to UK style lovers’ rock and spiritual roots reggae. Music with a message! Fronted by Frankie Dread & Tara Gold.

‘Melody Babylon’ features tracks like “Freedom Fighter,” “Fade Away,” and “One Step Forward,” each reflecting Frankie Dread and Tara Gold’s roots in reggae and commitment to addressing both personal and societal themes through their music.

When asked, Frankie replied to World A Reggae: “Melody Babylon expresses our concern with negative messages in modern day music. The album portrays conscious lyrics with positive vibes.”

Berlin techno talent Regent channels his signature depth and drive into a new outing for MALoR Records. With each release since his inception in 2020, he demonstrates the versatility of his sound and his ability to convey profound narratives across a spectrum of techno sub styles.

After contributing a standout track to the label's Purveyors Of The Groove Vol. 3 compilation in 2023, he now returns with a highly cerebral yet anthemic and dance floor-destined 5-tracker EP: Cratea.

The A-side kicks off with the EP's standout cut, 'Refiction', a sinister, forward-marching piece laced with spooky, psychedelic vocals and dripping in LFOs and mind-boggling soundscapes.

It's followed by the title track 'Cratea', shaped by steady bleeps and an evolving, echo-drenched synth that bounces erratically from start to finish, driven forward by thick claps and floaty rides.

On the flip, 'Origins' delivers a steady, hypnotic tool built on organic bass sounds, gnarly percussion, and wet vocal chops, peaking with four-to-the-floor claps that are sure to lock in a busy dance floor.

'Null Model' follows with a signature Regent groove, fusing driving 909 drums with a clever interplay of short synth stabs and warped-out voices, resulting in a deeply trippy, almost paranoid atmosphere.

Closing the record is 'Stealthless', a stripped-back yet uplifting techno tool, offering moments of synth euphoria and harmony while remaining deliberately restrained and minimal by design.

A versatile release made for different moments in the night, designed to guide dance floors through profound, body-moving journeys.
Best served on powerful sound-systems.

2025 Repress


Ash Ra Tempel is the eponymous debut studio album by the Krautrock band Ash Ra Tempel. It features guitarist Manuel Göttsching with drummer Klaus Schulze and bassist Hartmut Enke.
Engineered by Conny Plank it was recorded in March 1971 and released in June 1971 on Ohr Records.

This 50Th Anniversary Album will be Released in Memoriam of all the Musical Contributors to this Release and on Manuel Göttsching´s MG.ART label. It´s the fourth and headlining edition in this series and was finalised, carefully overseen by Manuel Göttsching himself in the late Autumn of 2022.

Much has been written about the record and band.

Having finished a first musical chapter with their Steeple Chase Bluesband and still at very young age of only 17 and 18 years old Manuel Göttsching and Hartmut Enke met Klaus Schulze. Together they started to write and and compose what, to many, became one the holy grails of Psychedelic Rock and early Electronic Music -
the German variant which was later also named "Krautrock":

Ash Ra Tempel´s self-titled first album "Ash Ra Tempel".

"The trio of Klaus Schulze, Manuel Göttsching and Hartmut Enke decided to abandon conventional composition and song writing, in favour of free-form improvising and developing a new musical language. As such, they became notorious for jams that could exceed 30 minutes." Says Discogs. "Some of these recordings can be found on Manuel Göttsching´s "The Private Tapes" releases", which will be re-released on MG.ART as well, following this edition.

"Krautrocksampler" author Julian Cope mentioned it to be "… one of the greatest rock 'n' roll LPs ever made." (Julian Cope Presents Head Heritage | Unsung | Reviews | Ash Ra Tempel - Ash Ra Tempel". 15 March 2000.)

AllMusic called the album "both astonishingly prescient and just flat out good, a logical extension of the space-jam-freakout ethos into rarified realms."

Here we would like the Band to be heard, for what can easily be said as the first time in 50+ years, with the exception of some early Journalists for whom the young Manuel Göttsching wrote a statement of intent (the original text can be found inside this edition) as following:

"Our musical concept is based on a combination of blues rock and delicate collages of electronic sound. These two elements should remain inseparable. And in their complex unity, the different musical philosophies of each musician find a common sweet spot. Our music is a permanently impulsive experience left to develop as it will, starting from a common fixed point of departure. This is where the difficulty of the music begins: No standardized formulation of our music can and should be possible. Only the constant reaction within the band can determine the musical result. And this requires constant listening with full concentration on the part of the creators. The idea of a particular musician will be - if flexible enough - absorbed by the others, transposed to their own instrument, and reflected back into the music as an individual contribution. This reciprocity within the band is then transferred over to the audience. And this process means that their reaction is not only a contribution to the end result; it actually makes them jointly responsible for the creation of the final musical product.
…
On our album, the track "Amboss" represents the first layer. Conventional instruments communicate familiar music which is in part expanded through electronic means. In the second track of the album - "Traummaschine" - the actual basic sound approach is dissolved into an electronic Nirvana which no longer allows the concrete identification of actual instruments. Innocent, virgin listening, free from any and every association, can finally begin - and the music can be absorbed and processed free from the limitations of categorization. That is the purpose of our music: To convey freedom without any predetermined criteria or traditions.

Thank you for your attention."
(Taken from the original A-R-T Bio 1970)


Hartmut Enke, Manuel Göttsching and Klaus Schulze aka. Ash Ra Tempel travelled to Hamburg in March 1971 to record their debut, with assistance of another Icon, legendary engineer Conny Plank.
The rest is history.

2025 Repress

Ash Ra Tempel is the eponymous debut studio album by the Krautrock band Ash Ra Tempel. It features guitarist Manuel Göttsching with drummer Klaus Schulze and bassist Hartmut Enke.
Engineered by Conny Plank it was recorded in March 1971 and released in June 1971 on Ohr Records.

This 50Th Anniversary Album will be Released in Memoriam of all the Musical Contributors to this Release and on Manuel Göttsching´s MG.ART label. It´s the fourth and headlining edition in this series and was finalised, carefully overseen by Manuel Göttsching himself in the late Autumn of 2022.

Much has been written about the record and band.

Having finished a first musical chapter with their Steeple Chase Bluesband and still at very young age of only 17 and 18 years old Manuel Göttsching and Hartmut Enke met Klaus Schulze. Together they started to write and and compose what, to many, became one the holy grails of Psychedelic Rock and early Electronic Music -
the German variant which was later also named "Krautrock":

Ash Ra Tempel´s self-titled first album "Ash Ra Tempel".

"The trio of Klaus Schulze, Manuel Göttsching and Hartmut Enke decided to abandon conventional composition and song writing, in favour of free-form improvising and developing a new musical language. As such, they became notorious for jams that could exceed 30 minutes." Says Discogs. "Some of these recordings can be found on Manuel Göttsching´s "The Private Tapes" releases", which will be re-released on MG.ART as well, following this edition.

"Krautrocksampler" author Julian Cope mentioned it to be "… one of the greatest rock 'n' roll LPs ever made." (Julian Cope Presents Head Heritage | Unsung | Reviews | Ash Ra Tempel - Ash Ra Tempel". 15 March 2000.)

AllMusic called the album "both astonishingly prescient and just flat out good, a logical extension of the space-jam-freakout ethos into rarified realms."

Here we would like the Band to be heard, for what can easily be said as the first time in 50+ years, with the exception of some early Journalists for whom the young Manuel Göttsching wrote a statement of intent (the original text can be found inside this edition) as following:

"Our musical concept is based on a combination of blues rock and delicate collages of electronic sound. These two elements should remain inseparable. And in their complex unity, the different musical philosophies of each musician find a common sweet spot. Our music is a permanently impulsive experience left to develop as it will, starting from a common fixed point of departure. This is where the difficulty of the music begins: No standardized formulation of our music can and should be possible. Only the constant reaction within the band can determine the musical result. And this requires constant listening with full concentration on the part of the creators. The idea of a particular musician will be - if flexible enough - absorbed by the others, transposed to their own instrument, and reflected back into the music as an individual contribution. This reciprocity within the band is then transferred over to the audience. And this process means that their reaction is not only a contribution to the end result; it actually makes them jointly responsible for the creation of the final musical product.
…
On our album, the track "Amboss" represents the first layer. Conventional instruments communicate familiar music which is in part expanded through electronic means. In the second track of the album - "Traummaschine" - the actual basic sound approach is dissolved into an electronic Nirvana which no longer allows the concrete identification of actual instruments. Innocent, virgin listening, free from any and every association, can finally begin - and the music can be absorbed and processed free from the limitations of categorization. That is the purpose of our music: To convey freedom without any predetermined criteria or traditions.

Thank you for your attention."
(Taken from the original A-R-T Bio 1970)


Hartmut Enke, Manuel Göttsching and Klaus Schulze aka. Ash Ra Tempel travelled to Hamburg in March 1971 to record their debut, with assistance of another Icon, legendary engineer Conny Plank.
The rest is history.

Limited 180g black vinyl (500 copies worldwide)
“Marcel Wave combine sharp-eyed Northern lyricism with DIY guitar-janglers rooted in a retro C86 aesthetic. Epic finale ‘Linoleum Floor’...is a gloriously bleak rumination on the horrors of enforced late-night hedonism worthy of prime Pulp” UNCUT
Marcel Wave write eulogies for tragic actresses, ancient riverbeds and concrete obscenity. Their inaugural sonic instalment ‘Something Looming’ is part trades club symphony, part itchy serenade, and part wistful lament. As their heady concoction of ‘Meades meets Pat-E-Smith meets Kirklees Borough Council’ gets prepped to be formally baptised on a dank stage near you, Upset the Rhythm and Feel It Records have dutifully stepped in to deliver its songbook to the masses on both sides of the pond.
Formed when Lindsay Corstorphine and Christopher Murphy of Sauna Youth and brethren Oliver and Patrick Fisher of Cold Pumas were summoned by northern ink-slinger Maike Hale-Jones, Marcel Wave’s debut offering is a walk through a smoke-filled pub with yellowing wallpaper and all eyes on you. It’s a chronicle of the death of the docklands, the decline of industry, of the high street, of civic pride, of civilisations, of hopes and dreams. As Hale-Jones delivers the bad news in her low, West Yorkshire brogue, Corstorphine adds the bells and whistles via the frantic pulsations of a wheezing Hohner organ in tandem with Fisher O’s rasping guitar. MW are completed by the throbbing basslines of Murphy and Fisher P’s fervent rhythms.
The title itself sets the tone for the listener. There’s a sense of foreboding in Hale-Jones’ lyrics which sit at the quintet’s core—elegiac, sardonic and piquant in equal measure. A mixture of narrative epilogues and inward paeans, her words weave tales across a broad thematic church. Crooked tales of urban renewal and the voices left behind are probed in ‘Barrow Boys’ and ‘Stop/Continue’ and are at the fore in ‘Where There’s Muck There’s Brass’ with its refrain lamenting ‘Concrete and slate shine in the rain, cities destroyed, nothing to gain’. In these lyrics, tower blocks loom over terraced houses with the same shadows that the Hollywood sign casts over Peg Entwistle before she takes her tragic leap. ‘Peg’ and ‘Elsie’ are both meditations on two different actresses with different fates crushed by the cut-throat trappings of showbusiness: ‘The mad hopes break, fragile as glass. She traded it all, for the cutting room floor.’ A snaking, existential dread also runs through the album, stated more obliquely in the otherwise poppier interludes of the title track ‘Something Looming’ and album opener ‘Bent Out of Shape’, and present too on the comparatively ramshackle ‘Discount Centre’, where Hale-Jones reports ‘On a mini bus on the outskirts of Enfield, I’m losing all of my spark’. On the album closing weeper ‘Linoleum Floor’, it is laid barer still—a keyboard-led reflection on the deflating nights out of our early-twenties.
Marcel Wave invites the listener to dance to society’s decline, and then to later weep into its lukewarm pint.

TOPS - die Musiker David Carriere, Jane Penny, Marta Cikojevic und Riley Fleck - schreiben zeitlose Musik, die zuverlässig Unmittelbarkeit und Tiefe miteinander verbindet. "Bury the Key", ihr erstes komplettes Album seit 2020, erscheint auf ihrem neuen Label Ghostly International und ist eine fesselnde Wiedereinführung für die Band aus Montréal: immer verfeinert, zweifellos Meister ihres melodischen Handwerks, aber ohne Angst, sich weiterzuentwickeln und sich an anderen, manchmal dunkleren Tönen zu versuchen. Das Album stellt sich den Gefühlen, die einst unter Verschluss gehalten wurden, beschäftigt sich mit dem Hin und Her zwischen Glück, Hedonismus und Selbstzerstörung. Während oft von fiktiven Figuren bevölkert, schöpfen ihre leuchtenden, groovenden, selbstproduzierten Songs aus persönlichen Beobachtungen: Intimität (sowohl innerhalb als auch außerhalb der Band), toxisches Verhalten, Drogenkonsum und apokalyptische Angst. Als die Aufnahmen begannen, bemerkten sie eine Verschiebung und lehnten sich an etwas, das sie scherzhaft als "böse TOPS" bezeichnen, so Penny. "Wir werden immer als weiche Band gesehen oder wie naiv oder freundlich auf eine kanadische Art, aber wir haben es zu einer Herausforderung gemacht, die Welt um uns herum wirklich zu kanalisieren." Durch die Linse einer sich abzeichnenden Epoche und der Klarheit, die mit dem Alter kommt, tauchen TOPS mit "Bury the Key" in eine düsterere Disco-Welt ein und geben ihrem weichen Sophisti-Pop eine schärfere Kante.

Itara is the debut solo album by Paul Pèrrim—guitarist, composer, and anthropologist—featuring a set of guitar-driven compositions that blend hallucinatory acid folk, abstract blues, mutant Eastern jazz, surreal ambient, and free improvi-sation into a vivid and distinctive sonic tapestry.
With a background in ethnomusicology and a degree in Music Education, Pèrrim’s work bridges popular and experi-mental music. He contrasts the acoustic guitar’s austerity with the expansive possibilities of the electric guitar, drawing from late ’60s folk traditions, contemporary fingerstyle, sound collage, drone, psychedelia, and improvisation.
A key figure in the Canary Islands’ experimental scene, he released two albums in the 2010s under The Transistor Arkestra, a Catalan collective merging free jazz and psychedelia. As Transistor Eye, his solo project, he merges ana-log electronics with guitar, using vintage synths and effects.
In 2022, Pèrrim gained wider recognition through his appearance on Manos Ocultas (Philatelia Records) and the in-ternational tribute Solstice: A Tribute to Steffen Basho-Junghans (Obsolete Recordings). That same year, he founded GUITARRACO, a contemporary guitar festival in Tarragona, where he has shared the stage with Joseba Irazoki, Buck Curran, and Raphael Roginski.
Itara will be released in July 2025 via Keroxen. Recorded and produced by Pèrrim, the album features liner notes by critic Bill Meyer, who writes:
“While it’s common to call music cinematic these days, Pèrrim goes split-screen. One might say he composes econo, jamming scenes and sounds to psychedelic effect. But economy does not equate with poverty. Pèrrim draws upon a rich bank of musical notions, all of which he makes his own through the alchemy of recombination and transmutation.”

"Astral Americana hymns hovering somewhere between the dirt and the stars" Pitchfork

"Mood music for moments of solitude, best experienced without distraction" The Times

"Overwhelmingly effective and ravishingly beautiful" The Wire

American Dust is an ode to the beauty of the American Southwest, where vast desert landscapes hold stories both stark and tender. Eve Adams’ characteristic folk noir weaves a vivid tapestry of love, sacrifice and quiet revelation, conjuring images of dust storms, stray dogs and far off trains.

The high desert of California is a vast and confounding place. Equally inspiring as it is punishing, it’s a landscape that carries magic in its deep dark nights, holding stories both tender and stark in the coarse layer of dust that settles upon everything. It’s long been a source of inspiration for musicians, writers, and painters, each of them adding to the same current, carried forward over time, through hope and hardship and the passing years.

Somewhere out there in that broad and boundless landscape, Eve Adams has been living her own desert life, quietly writing the follow-up to 2021’s Metal Bird LP. Where that album sang of liminal space, the dream-like turbulence of Hollywood’s golden age, American Dust is far more rooted in traditional storytelling; a eulogy for the American Dream channeled through that sweeping part of the country that holds such power and mystery. Slipping into different and varied costumes throughout its ten songs, it finds Eve not just observing the people around her but stepping into their shoes and peeling back the layers of their quiet lives.

Adams writes from within. A few years ago she moved out there, to “the middle of nowhere”, finding a slowness that didn’t exist in the city, and she knows only too well about the mystical nature of the land and those who live within it. Weaving together themes of grit and romance, American Dust holds its focus on the bittersweet poetry of lives lived in solitude, most notably the women who sustain life at the center of it all. “There’s something very radical about domestic life,” Adams says of this thread. “So many women live their entire lives behind closed doors, completely in the shadows. Within those lives is such sacrifice, devotion, and love. I wanted to honor that: the poetry in the mundane, the longing in the repetition. The way love survives boredom and dust and time.”

Eve is joined on American Dust by Canadian musician Bryce Cloghesy, aka Military Genius of Crack Cloud, who plays throughout and also helped produce the album. Musically bold and vivid, it’s an ambitious and detailed stride forward from what’s come before, the scope of the LP’s narrative reflected in the radiant sweep of the playing. On top of gentle piano and guitar, gorgeous strings drift through the album, lending the songs a woozy sense of romanticism; a collaboration with Gamaliel Traynor (Cello) and Caroline’s Oliver Hamilton (Violin).

For all the drama that’s coiled around these songs, it’s the recurring notion of love and hope fighting against everything that holds true throughout American Dust. Musically it’s lush and vibrant, intimate and cinematic side by side, and always bursting with warmth. But it’s what it holds in its weary bones that elevates it to something truly special, something more than just a collection of songs penned in the heart of the desert. The characters it speaks of, and from, feel shadowed but wholly real, like they’re bursting to share their stories that have remained hidden for years and years and they allow Eve Adams to grow as a songwriter right in front of our eyes.

“The same swirling dust that clung to the covered wagons of my ancestors as they crossed the Great American Desert is the same dust my great-great-grandmother swept off her porch during the Dust Bowl of 1936 in Oklahoma, is the same dust that blows in through the cracks in my windows here in the desert, carrying stories from a time long gone,” Eve says, reflecting on the personal narrative that runs through her new album.

“It’s not just dust—it’s American Dust, the kind that settles into the bones of a family and never leaves. I think about that dust as a symbol of the passage of time. I hope this album will be part of that same current, carrying forward for the next generations of my family to find. I’ve been lucky enough to have journals and poetry from my ancestors that documents their lives during times of pure hope and pure hardship. I’d like to think of this album as a contribution to that family history.”

James Yorkston vereint auf "Songs for Nina and Johanna" starke Stimmen und große Gefühle inklusive Gast-Features von Nina Persson (The Cardigans) und Johanna Söderberg (First Aid Kit)!

"Songs for Nina and Johanna" ist das neue, einfühlsame Album des schottischen Singer-Songwriters James Yorkston. Das in Stockholm mit Mitgliedern des Second Hand Orchestra aufgenommene Album bringt James Yorkston erneut mit der unverwechselbaren Stimme von Nina Persson (The Cardigans) zusammen, während er zum ersten Mal mit Johanna Söderberg (First Aid Kit) zusammenarbeitet. Beide singen jeweils mehrere Songs gemeinsam mit ihm. Das Album kreist um zutiefst persönliche Themen wie Familie, Liebe und Elternschaft - Motive, die für Yorkston nach über zwanzig Jahren musikalischer Laufbahn mehr denn je im Zentrum seines Schaffens stehen. Die warmen, oft melancholischen Songs leben von feinen Melodien, ehrlichen Texten und einer Intimität, die durch die Stimmen Perssons und Söderbergs noch verstärkt wird. Im Gegensatz zu früheren, eher improvisierten Produktionen folgte die Entstehung dieses Albums einer klaren Struktur. Die intensiven Sessions im Studio Rymden wurden von Produzent Daniel Bengtson begleitet, der ein offenes, kreatives Umfeld schuf.










i b4 I Spooked the Neighbours









[i] b4 | I Spooked the Neighbours

James Yorkston vereint auf "Songs for Nina and Johanna" starke Stimmen und große Gefühle inklusive Gast-Features von Nina Persson (The Cardigans) und Johanna Söderberg (First Aid Kit)!

"Songs for Nina and Johanna" ist das neue, einfühlsame Album des schottischen Singer-Songwriters James Yorkston. Das in Stockholm mit Mitgliedern des Second Hand Orchestra aufgenommene Album bringt James Yorkston erneut mit der unverwechselbaren Stimme von Nina Persson (The Cardigans) zusammen, während er zum ersten Mal mit Johanna Söderberg (First Aid Kit) zusammenarbeitet. Beide singen jeweils mehrere Songs gemeinsam mit ihm. Das Album kreist um zutiefst persönliche Themen wie Familie, Liebe und Elternschaft - Motive, die für Yorkston nach über zwanzig Jahren musikalischer Laufbahn mehr denn je im Zentrum seines Schaffens stehen. Die warmen, oft melancholischen Songs leben von feinen Melodien, ehrlichen Texten und einer Intimität, die durch die Stimmen Perssons und Söderbergs noch verstärkt wird. Im Gegensatz zu früheren, eher improvisierten Produktionen folgte die Entstehung dieses Albums einer klaren Struktur. Die intensiven Sessions im Studio Rymden wurden von Produzent Daniel Bengtson begleitet, der ein offenes, kreatives Umfeld schuf.

Blaney describes A Room With A Door That Closes as “a love letter to her blue,” an emotional state that she defines as “a kinetic, intense, and dark energy that needs to be expressed as soon as it is felt.” The eleven songs on the album span radioactive kiss offs, sorrowful meditations on yearning, and gossamer reveries about self image.

The music has a fittingly tumultuous, intricate sound: 1960s soul samples melt into warm drum n bass percussion, blips of glitch ping pong against grating synth, and Blaney’s vocals range from searing punk exclamations to gentle, exploratory croons. It’s the sound of a singer peering deeply within herself and presenting the world with everything she finds, unadulterated, in real time. Blaney produced the new project along with a tight team of three producers: Emerson Fossett, Harlan Steed (Show Me The Body), and Alex Farrar (MJ Lenderman, Wednesday, Squirrel Flower, Snail Mail).

Blaney had just started playing guitar and producing around the time she began writing the songs that would become the album. Being new to both producing and guitar playing opened up a sense of exploration and freedom for her. She felt emboldened to employ more adventurous riffs and unconventional song arrangements when she was writing. A Room With A Door That Closes is a collection of songs that rigorously pursue honesty, that present feelings as they arise without rushing to categorise them or explain them away. In the process of understanding her rage or discomfort, Blaney often lands on a sense of pride and assurance, but that’s never the ultimate goal. She eschews the easy comfort of neat resolution for the excitement of ongoing discovery. The album is an exercise in unfiltered self-expression, and a celebration of life at its messiest.

* 140gm vinyl in charcoal black reverse-board disco bag, with red/ hot pink/ blue/ off-white patterned wraparound sticker, and embossed play:musik icon on front sleeve.

* Kuttin Edge arrives on p:m with (115), a musically adventurous set that draws from a range of influences - West African funk, UK and US electronics, Autonomic moods, minimal techno, and Brutalism; while a focus on analogue feel, overdubbing, and textural detail processes tie it together. An interesting, experimental, yet firmly dancefloor friendly EP.

* Tracklist:
A1. Onyeabor: a unique track full of vintage-sound synths, bright melodic lines, Moog-style arpeggios, and rhythms built on a CR78, layered with live drums, tambourines, and bass guitar. Disco funk samples and fx add texture, alongside heavy overdubbing. Inspired by early William Onyeabor aesthetics.

A2. Dark Horse: Dark Horse: an atmospheric arrangement of phase-y pads reminiscent of the peak Autonomic era, filtered through the abstract lens of artists like Actress or King Britt. The pacing and negative space give the tune a weighty but airy feel, punctuated by heavy toms and documentary-style foley. Soulfully cosmic.

B1. Loop Me: polyrhythmic arpeggios, swirling delays, unstable harmonic structure, and chromatic movement form a tense, shifting progression. Built around a single bell sample, the track is reshaped through layering, modulation, subtle changes in texture, and filtered transitions. A techno stepper.

B2. Geiger Scale: experiments with playful but controlled randomness, minimal structure and off-grid sequencing. The idea centres on a toy synth with loose notes and laidback groove formed of irregular, rhythmic patterns. Geiger Scale perfects restraint as the arrangement bubbles along with sparse melodies. Smokey and potent.