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Supermodels ist eine Platte, in der man sich selbst wiedererkennen kann, egal wie alt man ist oder wo man steht. Clauds fesselndes und ergreifendes zweites Album ist ein selbstbewusstes Tagebuch über das Quecksilber des Lebens und der Liebe in den frühen 20ern, ob es nun die Selbstzweifel sind, die sich durch die Songs schleichen, oder der Ort des Kompromisses, den sie zu finden versuchen. Es ist eine exakte Karte der emotionalen und logistischen Wechselfälle, denen sie in ihren frühen 20ern begegnet sind. Risse in Romanzen und Freundschaften, der Druck der Plattenkarriere, die Verluste des Erwachsenwerdens: Jeder dieser 13 Songs ist ein weiterer artikulierter Tagebucheintrag, der ohne Rücksicht auf das Genre und mit der Achterbahn der Gefühle zusammengefügt wurde, die jedem Stück eine so spezifische Schwere verleiht. Für Claud sind dies vertraute Themen, die zum Teil das gleiche Terrain abdecken wie Super Monster von 2021. Aber die Ideen haben ein neues Selbstvertrauen, das sich in Strukturen und Hooks ausdrückt, die nicht zweideutig sind, wenn sie sich von stirnrunzelndem Folk über ungestümen Pop bis hin zu verdrehten Klavierkuriositäten bewegen. Während Supermodels größtenteils im Schlafzimmer ihrer Kindheit entstanden ist, wurde dieses Album an einem eigenen Ort aufgenommen und von einem Team von Vertrauten und Mitarbeitern zu prächtigen Produktionen ausgebaut. Supermodels hat seinen Namen aus dem Albumsong „Screwdriver“. „You caught me looking at photographs of supermodels“, singen sie, wobei sich ihre Stimme langsam über die elegische Zeile erhebt, die auf dem kaputten Klavier geschrieben wurde. "Trying not to cry when I look back at myself". Es ist ein erschütternder Moment, eine Erinnerung daran, wie wir alle daran arbeiten, uns nicht mehr als minderwertig und nicht gleichwertig zu sehen, um ein Dutzend verschiedener Unsicherheiten zu überwinden, die wir in den tiefsten Nischen unserer Fassade zu speichern versuchen. Aber Claud verbirgt bei Supermodels nichts. Es sind Kerne der Verzweiflung, der Erlösung und letztlich der Einsicht, die uns daran erinnern, dass wir weder die Ersten noch die Letzten sind, die sich diesem Blues stellen und weitermachen.

Supermodels ist eine Platte, in der man sich selbst wiedererkennen kann, egal wie alt man ist oder wo man steht. Clauds fesselndes und ergreifendes zweites Album ist ein selbstbewusstes Tagebuch über das Quecksilber des Lebens und der Liebe in den frühen 20ern, ob es nun die Selbstzweifel sind, die sich durch die Songs schleichen, oder der Ort des Kompromisses, den sie zu finden versuchen. Es ist eine exakte Karte der emotionalen und logistischen Wechselfälle, denen sie in ihren frühen 20ern begegnet sind. Risse in Romanzen und Freundschaften, der Druck der Plattenkarriere, die Verluste des Erwachsenwerdens: Jeder dieser 13 Songs ist ein weiterer artikulierter Tagebucheintrag, der ohne Rücksicht auf das Genre und mit der Achterbahn der Gefühle zusammengefügt wurde, die jedem Stück eine so spezifische Schwere verleiht. Für Claud sind dies vertraute Themen, die zum Teil das gleiche Terrain abdecken wie Super Monster von 2021. Aber die Ideen haben ein neues Selbstvertrauen, das sich in Strukturen und Hooks ausdrückt, die nicht zweideutig sind, wenn sie sich von stirnrunzelndem Folk über ungestümen Pop bis hin zu verdrehten Klavierkuriositäten bewegen. Während Supermodels größtenteils im Schlafzimmer ihrer Kindheit entstanden ist, wurde dieses Album an einem eigenen Ort aufgenommen und von einem Team von Vertrauten und Mitarbeitern zu prächtigen Produktionen ausgebaut. Supermodels hat seinen Namen aus dem Albumsong „Screwdriver“. „You caught me looking at photographs of supermodels“, singen sie, wobei sich ihre Stimme langsam über die elegische Zeile erhebt, die auf dem kaputten Klavier geschrieben wurde. "Trying not to cry when I look back at myself". Es ist ein erschütternder Moment, eine Erinnerung daran, wie wir alle daran arbeiten, uns nicht mehr als minderwertig und nicht gleichwertig zu sehen, um ein Dutzend verschiedener Unsicherheiten zu überwinden, die wir in den tiefsten Nischen unserer Fassade zu speichern versuchen. Aber Claud verbirgt bei Supermodels nichts. Es sind Kerne der Verzweiflung, der Erlösung und letztlich der Einsicht, die uns daran erinnern, dass wir weder die Ersten noch die Letzten sind, die sich diesem Blues stellen und weitermachen.

Supermodels ist eine Platte, in der man sich selbst wiedererkennen kann, egal wie alt man ist oder wo man steht. Clauds fesselndes und ergreifendes zweites Album ist ein selbstbewusstes Tagebuch über das Quecksilber des Lebens und der Liebe in den frühen 20ern, ob es nun die Selbstzweifel sind, die sich durch die Songs schleichen, oder der Ort des Kompromisses, den sie zu finden versuchen. Es ist eine exakte Karte der emotionalen und logistischen Wechselfälle, denen sie in ihren frühen 20ern begegnet sind. Risse in Romanzen und Freundschaften, der Druck der Plattenkarriere, die Verluste des Erwachsenwerdens: Jeder dieser 13 Songs ist ein weiterer artikulierter Tagebucheintrag, der ohne Rücksicht auf das Genre und mit der Achterbahn der Gefühle zusammengefügt wurde, die jedem Stück eine so spezifische Schwere verleiht. Für Claud sind dies vertraute Themen, die zum Teil das gleiche Terrain abdecken wie Super Monster von 2021. Aber die Ideen haben ein neues Selbstvertrauen, das sich in Strukturen und Hooks ausdrückt, die nicht zweideutig sind, wenn sie sich von stirnrunzelndem Folk über ungestümen Pop bis hin zu verdrehten Klavierkuriositäten bewegen. Während Supermodels größtenteils im Schlafzimmer ihrer Kindheit entstanden ist, wurde dieses Album an einem eigenen Ort aufgenommen und von einem Team von Vertrauten und Mitarbeitern zu prächtigen Produktionen ausgebaut. Supermodels hat seinen Namen aus dem Albumsong „Screwdriver“. „You caught me looking at photographs of supermodels“, singen sie, wobei sich ihre Stimme langsam über die elegische Zeile erhebt, die auf dem kaputten Klavier geschrieben wurde. "Trying not to cry when I look back at myself". Es ist ein erschütternder Moment, eine Erinnerung daran, wie wir alle daran arbeiten, uns nicht mehr als minderwertig und nicht gleichwertig zu sehen, um ein Dutzend verschiedener Unsicherheiten zu überwinden, die wir in den tiefsten Nischen unserer Fassade zu speichern versuchen. Aber Claud verbirgt bei Supermodels nichts. Es sind Kerne der Verzweiflung, der Erlösung und letztlich der Einsicht, die uns daran erinnern, dass wir weder die Ersten noch die Letzten sind, die sich diesem Blues stellen und weitermachen.

Ein einzigartiges Album, das 1999 seiner Zeit weit voraus war und ein absoluter Klassiker ist! Dieses Album ist eine Mischung aus Folk, Death Metal und Pagan Metal. Zum ersten Mal auf Vinyl!Ich lernte Hollenthon 1999 kennen, als "Domus Mundi" veröffentlicht wurde. "Domus Mundi" ist seitdem ein Lieblingsalbum, das ich mir immer wieder gerne anhöre, weil es einen unendlichen Wiederspielwert hat und eineneinzigartigen Stils, den keine andere Metal-Band nachahmen kann. Umso erstaunlicher, dass alles von einem Mann geschaffen und arrangiert wurde, nämlich von Martin Schirenc, der vor allem durch seine Arbeit bei Pungent Stench bekannt ist.Dieses Album lässt sich am besten als orchestraler Extrem-Metal beschreiben, aber auch episch, volkstümlich und mittelalterlich sind angemessene Adjektive für dieses Werk. Schirenc beweist, dass er nicht nur ein
großartigerSchirenc beweist, dass er nicht nur ein großartiger Gitarrist ist, sondern auch ein brillanter Arrangeur, der gregorianische Gesänge, Spoken Word, ethnische Musik aus dem Nahen Osten, neuseeländische Kriegsgesänge und jede Menge klassische Musik in seine Musik integriert.

Die Samples reichen von Rimsky-Korsakoffs "Sheherezade" bis zu einem Dudelsackfilm aus dem Film Braveheart, zu gesprochenen Samples aus Ridley Scotts Legend und vielem mehr. Diese Samples verleihen dem Album eine einzigartige Note und machen es extrem abwechslungsreich, etwas, das man so noch nie gehört hat. Schirenc verwendet einfache Songstrukturen und setzt Hooks in seiner Gitarrenarbeit ein, um lange Songs und sich wiederholende Strukturen interessant zu halten.

Wenn die Dämmerung auf das Land der tausend Seen fällt, werden die Schleier zwischen unserer Realität und der Anderswelt dünner im Zwielicht der Wälder und Sümpfe. In solchen Momente gelangen Geschichten wie "das Märchen, das es nie gab" in die Texte und Musik von TENHI. Auf ihrem sechsten Album "Valkama", was unter anderem so viel wie "Hafen" oder "Zuflucht" bedeutet, erzählen die Finnen von einer die ursprünglich als Märchen gedachten Reise aus einem brennenden, vom Krieg zerrissenen Dorf über dunkle Gewässer zu einer Insel der Toten. Auf dieser Insel, die in der finnischen Folklore Verisurma ("der Ort für diejenigen, die den Blut-Tod erlitten haben") genannt wird, wohnen diejenigen, die im Krieg starben oder mit einer Klinge getötet wurden. An den Ufern vergießen sie für immer ihr Blut. Doch in den zehn Jahren, in denen TENHI an dem Album arbeiteten, sickerte zunehmend die blutige Realität mit ihren aktuellen Schrecken und Kriegen in die Märchenwelt ein. Jahr für Jahr spürten die Musiker, wie ihre Geschichte immer wirklicher erschien. Schließlich war ein Pegelstand erreicht, an dem die Band beschloss, ihren Kurs zu ändern. Obwohl noch immer Anklänge an das ursprüngliche Werk hörbar und im Artwork auch sichtbar sind, fühlt sich das finale Album ruhiger, harmonischer und sogar heller an als die erste Fassung. Die Band hätte kaum einen passenderen Namen als TENHI wählen können. Das alte finnische Wort bezeichnet einen "Ältesten" oder "Schamanen". Während die Schamanen des finnischen Nordens unter anderem als Vermittler zwischen ihrer Gemeinschaft und der Geisterwelt dienten, sind TENHI musikalische Grenzgänger zwischen dunklem Folk und Folkrock, die sogar bis in die elektrifizierte Welt des Metal hinein wirken. Dies legt zwar einen Vergleich mit WARDRUNA und HEILUNG nahe, doch nur im spirituellen Sinne und nicht in Hinblick auf den Stil. TENHI wurden im Jahr 1996 von Gitarrist und Sänger Tyko Saarikko ins Leben gerufen. Ein paar Jahre später stieß Ilmari Issakainen zur Band. Gemeinsam bilden die beiden Musiker den kreativen Kern der Gruppe. Nach der Selbstveröffentlichung ihres Demos "Kertomuksia" (1997) und der MCD "Hallavedet" (1998) trafen die Finnen 1999 mit dem Debütalbum "Kauan" auf Anhieb einen Nerv. Ins neue Jahrtausend starteten TENHI dann mit einer weiteren MCD namens "Airut:ciwi" (2000). Es folgte eine Reihe von Alben, die von "Väre" (2002) über "Maaäet" (2006) und "Airut:aamujen" (2006) bis zu "Saivo" (2011) reichte. Mit jedem neuen Album vergrößerten die Finnen ihre treue Fangemeinde, die aus diversen musikalischen Richtungen kommt. TENHI verbanden von Anfang an akustische Instrumente und traditionelle Töne mit Strukturen aus der zeitgenössischen Rockmusik. Während das Vorgängeralbum "Saivo" zuletzt verstärkt in Richtung Ambient und Panorama-Soundtrack tendierte, kehrt "Valkama" zu Songstrukturen zurück - wenn auch oft mäandernd und im epischen Format. "Valkama" kommt mit den typisch finnischen Gefühlen der Sehnsucht und anhaltender Melancholie daher. Doch trotz der hörbaren Dunkelheit bieten TENHI ein musikalisches Antidot für die Schrecken der modernen Welt an. Im Zwielicht der Welt des Nordens ist "Valkama" der Silberstreif am Horizont, der innere Geborgenheit und Frieden verspricht.

Gatefold 2LP (clear vinyl) with etching on side D, insert, padded inner sleeves and protection sleeve (300 copies)

Wenn die Dämmerung auf das Land der tausend Seen fällt, werden die Schleier zwischen unserer Realität und der Anderswelt dünner im Zwielicht der Wälder und Sümpfe. In solchen Momente gelangen Geschichten wie "das Märchen, das es nie gab" in die Texte und Musik von TENHI. Auf ihrem sechsten Album "Valkama", was unter anderem so viel wie "Hafen" oder "Zuflucht" bedeutet, erzählen die Finnen von einer die ursprünglich als Märchen gedachten Reise aus einem brennenden, vom Krieg zerrissenen Dorf über dunkle Gewässer zu einer Insel der Toten. Auf dieser Insel, die in der finnischen Folklore Verisurma ("der Ort für diejenigen, die den Blut-Tod erlitten haben") genannt wird, wohnen diejenigen, die im Krieg starben oder mit einer Klinge getötet wurden. An den Ufern vergießen sie für immer ihr Blut. Doch in den zehn Jahren, in denen TENHI an dem Album arbeiteten, sickerte zunehmend die blutige Realität mit ihren aktuellen Schrecken und Kriegen in die Märchenwelt ein. Jahr für Jahr spürten die Musiker, wie ihre Geschichte immer wirklicher erschien. Schließlich war ein Pegelstand erreicht, an dem die Band beschloss, ihren Kurs zu ändern. Obwohl noch immer Anklänge an das ursprüngliche Werk hörbar und im Artwork auch sichtbar sind, fühlt sich das finale Album ruhiger, harmonischer und sogar heller an als die erste Fassung. Die Band hätte kaum einen passenderen Namen als TENHI wählen können. Das alte finnische Wort bezeichnet einen "Ältesten" oder "Schamanen". Während die Schamanen des finnischen Nordens unter anderem als Vermittler zwischen ihrer Gemeinschaft und der Geisterwelt dienten, sind TENHI musikalische Grenzgänger zwischen dunklem Folk und Folkrock, die sogar bis in die elektrifizierte Welt des Metal hinein wirken. Dies legt zwar einen Vergleich mit WARDRUNA und HEILUNG nahe, doch nur im spirituellen Sinne und nicht in Hinblick auf den Stil. TENHI wurden im Jahr 1996 von Gitarrist und Sänger Tyko Saarikko ins Leben gerufen. Ein paar Jahre später stieß Ilmari Issakainen zur Band. Gemeinsam bilden die beiden Musiker den kreativen Kern der Gruppe. Nach der Selbstveröffentlichung ihres Demos "Kertomuksia" (1997) und der MCD "Hallavedet" (1998) trafen die Finnen 1999 mit dem Debütalbum "Kauan" auf Anhieb einen Nerv. Ins neue Jahrtausend starteten TENHI dann mit einer weiteren MCD namens "Airut:ciwi" (2000). Es folgte eine Reihe von Alben, die von "Väre" (2002) über "Maaäet" (2006) und "Airut:aamujen" (2006) bis zu "Saivo" (2011) reichte. Mit jedem neuen Album vergrößerten die Finnen ihre treue Fangemeinde, die aus diversen musikalischen Richtungen kommt. TENHI verbanden von Anfang an akustische Instrumente und traditionelle Töne mit Strukturen aus der zeitgenössischen Rockmusik. Während das Vorgängeralbum "Saivo" zuletzt verstärkt in Richtung Ambient und Panorama-Soundtrack tendierte, kehrt "Valkama" zu Songstrukturen zurück - wenn auch oft mäandernd und im epischen Format. "Valkama" kommt mit den typisch finnischen Gefühlen der Sehnsucht und anhaltender Melancholie daher. Doch trotz der hörbaren Dunkelheit bieten TENHI ein musikalisches Antidot für die Schrecken der modernen Welt an. Im Zwielicht der Welt des Nordens ist "Valkama" der Silberstreif am Horizont, der innere Geborgenheit und Frieden verspricht.

Gatefold 2LP (clear vinyl) with etching on side D, insert, padded inner sleeves and protection sleeve (300 copies)

Teesy (Künstlername für Toni Mudrack) musste sich immer öfter Zweifeln stellen, hat die Freude am Musikmachen verloren - Doch irgendwann platzt der Knoten und er nimmt die Studioarbeit wieder auf. »Das war ein Gefühl wie früher. Eine Leichtigkeit, die ich sehr lange nicht mehr gespürt habe.« Die neue Motivation zeigt sich nicht nur im Texten, sondern auch in der Musik selbst. Er spielt Drums, Klavier, Gitarren und Bässe selbst ein. Keine Libraries, Loops. Kein Copy'n'Paste. Stattdessen handgemacht von vorne bis hinten, wie aus einem Guss. Eben richtige Songs. Mit Dynamik und Struktur. Keine Zweifel, keine Ängste. Wenig Kopf, stattdessen viel Bauch und noch mehr Herz. Teesy ist eben doch Kein Künstler.

25 Jahre Garish - dazu haben zahlreiche Prominente und Gäste Songs (mit) der prägenden österreichischen Indie-Band neu aufgenommen.

Für das Compilation-Album 'Hände hoch ich kann dich leiden' haben Prominente und Weggefährten wie Thees Uhlmann, Amadeus-Preisträgerin Ina Regen, Schauspielerin und Filmakademie-Präsidentin Verena Altenberger u.v.a. ihre Versionen von Garish-Songs eingespielt. Die Jubiläums-LP erscheint im Mai, eingebettet in eine Jubiläums-Tournee der Band.

Österreich-Tournee (teilweise bereits ausverkauft). Garish waren mit 7 verschiedenen Alben insgesamt 8x für einen Amadeus Austrian Music Award nominiert, haben aber nie einen gewonnen - und gelten daher als 'Scorseses der österreichischen Musik'; die Band gilt als verlässlicher Top 20-Album-Act in den österreichischen Charts und als strukturelle und ideelle Wegbereiter des "österreichischen Popwunders" der 2010er-Jahre.

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: Stereo, komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von den Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing),
wattierte Innenhülle.

Als Gitarrist Charlie Byrd 1961 durch Südamerika tourte, boomte dort gerade die Bossa Nova - ein neuer Stil, der brasilianische Samba-Rhythmen mit den harmonischen Strukturen und dem coolen Sound des West Coast Jazz verschmolz. Kaum wieder zu Hause, spielte Byrd dem Tenorsaxophonisten Stan Getz die Platten vor, die er aus Brasilien mitgebracht hatte. Schon bald danach machten sie die ersten gemeinsamen Sessions, aus denen 1962 der Albumklassiker “Jazz Samba” hervorgehen sollte - das erste Album mit von
Jazzkünstlern gespielten Bossa Novas. Und es sollte die gewaltige Bossa-Nova-Welle auslösen, die schnell um die ganze Welt schwappte.

Das Leben ist im Moment furchtbar düster und dennoch ist es nicht ganz unlustig. Das ist genau das Gefühl, das Water From Your Eyes auf ihrem ersten Album für Matador beseelt. Auf dem Nachfolger ihres Debüts "Structure" tanzen Albernheit und Fatalismus im Gleichschritt. Rachel Brown und Nate Amos verwenden herzklopfende Rhythmen und zum Teil absurde Texte, um ihre Geschichten von persönlichem und gesellschaftlichem Unbehagen zu erzählen. Das Duo begann 2016 in Chicago gemeinsam Musik zu machen und beschloss, eine "Sad Dance Band" zu gründen. Schnell veröffentlichten sie eine EP. In den folgenden Jahren entwickelte sich die Musik von Water From Your Eyes in Richtung schräger und weniger konventioneller Klänge, die ruhige industrielle Polyrhythmen, Ambient-Drone-Musik und zeitgenössische Kompositionen verschmelzen ließen. Amos und Brown trennten sich, zogen aber beide nach New York und begannen mit der Arbeit an "Structure". Dieses Album brachte die Pop-Momente und die experimentellen Impulse des Duos in Einklang, bestand aus hauchdünnen Popsongs, die sowohl von ihrem Gespür für klassische Hooks als auch von ihrem Sinn für Humor zeugten. Obwohl beide Trost in der Band fanden, beschreiben sie das Jahr 2021 als eines der schlimmsten Jahre ihres Lebens - Brown musste sich mit dem Unbehagen auseinandersetzte, den beide empfanden, als sie sahen, wie Kapitalismus und Establishment-Politik wieder auf Hochtouren liefen, als die Pandemie in ihre letzten Monate eintrat, und Amos mit Browns Unterstützung seine Drogenprobleme bewältigte. Das Ergebnis ist, dass "Everyone"s Crushed" von ungelösten Spannungen durchzogen ist. Die neun Tracks weigern sich beharrlich, ein eindeutiges Ende zu finden oder sich an traditionelle Strukturen zu halten. Viele Songs wurden unter Verwendung von Serialismus und Mikrotonalismus geschrieben und erinnern zuweilen an die futuristisch-poppigen Bewegungen des japanischen Komponisten Haruomi Hosono und den Brutalismus von Glenn Branca.

Tangerine Dream haben die elektronische Musik grundlegend beeinflusst, seit Edgar Froese die Band 1967 in West-Berlin gründete. Sie legten den Grundstein für mehrere elektronische Musikgenres wie Ambient und Electronica, inspirierten Musiker und andere Kunstformen und wurden für sieben Grammys nominiert. In den letzten Jahren wurde ihre Musik in beliebten Fernsehserien wie "Stranger Things" und Videospielen wie "Grand Theft Auto" verwendet.

Nach dem Tod von Froese im Jahr 2015 halfen die verbleibenden Bandmitglieder Thorsten Quaeschning, Ulrich Schnauss und Hoshiko Yamane bei der Umsetzung von Edgars Vision eines Konzeptalbums, das versucht, Quantenphysik und -philosophie in Musik zu übersetzen: "Quantum Gate" wurde 2017 unter großem Beifall der Kritiker veröffentlicht.

In neuer Besetzung haben sich Thorsten & Hoshiko mit dem in Berlin lebenden Keyboard-Virtuosen Paul Frick verstärkt. Das Trio hat das Jahr 2021 in seinem Berliner Studio mit der Arbeit an "Probe 6 - 8" verbracht, einem ersten Vorgeschmack auf das kommende komplette Tangerine Dream-Studioalbum, das Anfang 2022 erscheinen soll.

Probe 6 - 8" sieht die klassischen Studioproduktionen und nächtlichen Echtzeit-Kompositionen der Gruppe als Blaupause für sich langsam entwickelnde Ambient-Strukturen, wobei der Sequenzer-getriebene Sound der Band an die frühen 1970er Jahre erinnert und sich mit einer üppigen, kristallinen Glückseligkeit der 1980er Jahre verbindet. Das Trio komponierte und produzierte 'Probe 6 - 8' mit vollem Zugriff auf Edgar Froeses Cubase Arrangements und Otari Tape Archive mit Aufnahmen aus den Jahren 1977 - 2013.

Der erste Track 'Raum' ist eine Anspielung auf die frühen Live-Studio-Performances 'Zeit' und 'Phaedra' der Band, wobei ein markanter schwerer Moog-Bass den Anfang und das Ende dieses 15-minütigen Einführungsstücks markiert. Diese neuen Aufnahmen enthalten auch zwei Remixe - die in Berlin lebende Komponistin und Produzentin Grand River (Aimée Portioli) hat "Raum" ihren unverwechselbaren Sound verliehen und "Continuum" wurde von Berghain Resident und Leisure System Mitbegründer Sam Barker neu abgemischt.

Klang ihre erste EP Piccolo Family noch wie ein Schrei der Ermächtigung, so haben Bipolar Feminin sich seither durch ihre mitreißenden Live-Gigs eine leidenschaftliche Anhänger*innenschaft erspielt, sind tatsächlich zu einer Art Macht geworden. "Wir spüren jetzt eine andere Form von Verantwortung", sagt die Band, "Durch die veränderte Reichweite ist es für uns wichtiger geworden, uns intensiver mit der Musik und dem Texten auseinanderzusetzen. Die Arbeit ist bewusster und reflektierter geworden. Ein immer fortlaufender Prozess." Um dabei nicht im eigenen Saft zu braten, haben Frontfrau Leni Ulrich, Jakob Brejcha (Gitarre), Samuel Reisenbichler (Schlagzeug) und Max Ulrich (Bass) sich mit Produzent FAZO666FAZO (u.a. Baits, DEATHDEATHDEATH) zusammengetan. Ein fragiles System enthält zehn hochgradig mitsingbare Konfrontationen mit der Bipolarität von Wut und Liebe.

On The Fly tells about the small moments of the big journey that is the path of jPattersson as a musician: Barefooted gratitude in the shade of a palm tree, a hike through the dreamlike colours of the highlands, a balcony scene with a glass of wine and the view of another galaxy... It's these small moments that fuel his contagious enthusiasm and hope that form the backbone for his signature 'jPatterssong-writing'. On The Fly is a very personal album that invites us to join the flight ourselves: Six of the eight tracks come with the highly stimulating catchiness of a four-to-the-floor beat. Sometimes it’s jPattersson's voice that sets the mood, sometimes it’s his trumpet, and then again it's the frequencies of electronically processed harmony which stretch like elastic rubber bands between delicate introspection and buzzing euphoria. A track generously marinated in sunlight and Dub as well as a piece of oceanic downbeat relaxation round off this forth jPattersson album just perfectly.

On The Fly erzählt von den kleinen Momenten jener großen Reise, auf der sich jPattersson als Musiker befindet: Barfüßige Dankbarkeit im Schatten von Palmen, eine Wanderung durch die traumartige Landschaft des Hochlands, eine Balkonszene mit Weinglas und Ausblick in eine andere Galaxie... In diesen kleinen Momenten findet er die ansteckende Begeisterung und Hoffnung, denen er in seiner unverwechselbaren 'jPatterssong'-struktur Ausdruck verleiht. On The Fly ist ein sehr persönliches Album, das uns ausdrücklich zum Abheben einlädt: Sechs der acht Titel kommen mit Vierviertel-Beats und entsprechendem Bewegungsdrang daher. Manchmal prägt jPattersson's Stimme die Atmosphäre, manchmal seine Trompete, und manchmal sind es elektronisch generierte Frequenzen, die er wie bunte Gummibänder zwischen Augenblicken der Introspektion und flächig aufgetragener Euphorie spannt. Ein in sonnigem Dub marinierter Track sowie eine ozeanische Downbeat-Entspannung runden dieses vierte jPattersson Album perfekt ab.

Ascended Dead kehren zurück wie ein Sturm aus dem neunten Kreis der Hölle in den Himmel! Das neue Album "Evenfall of the Apocalypse" läutet den finalen Marsch in die Vernichtung durch gerade noch kontrolliertem Death Metal und formzerstörende Nekromantie ein.

Ascended Dead spielen Death Metal auf die uralte Art und Weise, mit inhärent bösartigen Wurzeln und einer methodischen Grausamkeit, die man heutzutage kaum noch hört. Fleischschälende Intensität in Überschallgeschwindigkeit, technisch rasende Leads, die direkt durch Knochen schneiden und eine unerbittliche, vernichtende Kraft, die selten lange genug pausiert, um Luft zu holen. Doch inmitten dieser flammenden Feuersbrunst ist eine ganz bewusste und fanatische Liebe zum Detail und zum Handwerk nicht zu leugnen, die dem Pandämonium klare Struktur und Einprägsamkeit verleiht.

Während die Band mehr als genug Fähigkeiten und Fertigkeiten besitzt, um ein düsteres Akustikstück wie "Passage to Eternity", einen seltenen Moment der Ruhe, zu spielen, dienen wiederholte Durchläufe von "Evenfall of the Apocalypse" nur dazu, Ascended Dead's unaufhaltsamen Platz an der Spitze des brutalen, wahren Death Metal zu verewigen und dessen Banner in die Zukunft zu tragen.

- Das erste neue Album von Ascended Dead seit 2017
- US- und Europa-Touren für 2023 geplant
- Gemischt und gemastert von Stevie D (Worm, Evoken)
- Schlagzeuger Charlie Koryn sitzt derzeit auch auf dem höchsten Drum-Thron des Death Metal und spielt für Morbid Angel
- FFO: Possessed, Sadistic Intent, Necrovore, Force of Darkness, Black Curse, Morbid Angel, Immolation, Angelcorpse, Sarcofago, Triumvir Foul, Concrete Winds, Ruin Lust, Degial

Ascended Dead kehren zurück wie ein Sturm aus dem neunten Kreis der Hölle in den Himmel! Das neue Album "Evenfall of the Apocalypse" läutet den finalen Marsch in die Vernichtung durch gerade noch kontrolliertem Death Metal und formzerstörende Nekromantie ein.

Ascended Dead spielen Death Metal auf die uralte Art und Weise, mit inhärent bösartigen Wurzeln und einer methodischen Grausamkeit, die man heutzutage kaum noch hört. Fleischschälende Intensität in Überschallgeschwindigkeit, technisch rasende Leads, die direkt durch Knochen schneiden und eine unerbittliche, vernichtende Kraft, die selten lange genug pausiert, um Luft zu holen. Doch inmitten dieser flammenden Feuersbrunst ist eine ganz bewusste und fanatische Liebe zum Detail und zum Handwerk nicht zu leugnen, die dem Pandämonium klare Struktur und Einprägsamkeit verleiht.

Während die Band mehr als genug Fähigkeiten und Fertigkeiten besitzt, um ein düsteres Akustikstück wie "Passage to Eternity", einen seltenen Moment der Ruhe, zu spielen, dienen wiederholte Durchläufe von "Evenfall of the Apocalypse" nur dazu, Ascended Dead's unaufhaltsamen Platz an der Spitze des brutalen, wahren Death Metal zu verewigen und dessen Banner in die Zukunft zu tragen.

- Das erste neue Album von Ascended Dead seit 2017
- US- und Europa-Touren für 2023 geplant
- Gemischt und gemastert von Stevie D (Worm, Evoken)
- Schlagzeuger Charlie Koryn sitzt derzeit auch auf dem höchsten Drum-Thron des Death Metal und spielt für Morbid Angel
- FFO: Possessed, Sadistic Intent, Necrovore, Force of Darkness, Black Curse, Morbid Angel, Immolation, Angelcorpse, Sarcofago, Triumvir Foul, Concrete Winds, Ruin Lust, Degial

Der in Paris geborene Singer-Songwriter, Performer und Produzent norwegischer Abstammung, der gerade bei Because Music unter Vertrag genommen wurde, hat den größten Teil seines erwachsenen Lebens im Ausland verbracht. Diese ständige Bewegung war ausschlaggebend dafür, dass Aime die englische Sprache als diejenige wählte, in der er sich als Künstler am ehrlichsten ausdrücken kann.

Der schillernde Post-Pop des Singer-Songwriters, Performers und Produzenten hat nach der Veröffentlichung seines Debütalbums ”Say Yes, Say No” internationale Anerkennung gefunden. Nun präsentiert Aime Simone sein neues Album ”Oh Glory” inklusive der bereits veröffentlichten Songs ”Baby Don’t Quit”, ”Not What You Wanted” und ”Answer The Night”.

Er beschloss, seinen Musikstil ”Post-Pop” zu nennen, da er sich aus einer so reichen Palette von Stilen bedient, dass das Konzept eines einzigen Musikgenres verschwindet. Die Harmonien und die Refrain-Struktur seiner Songs stammen aus dem klassischen Pop, mit Untertönen von Soul und Gospel sowie Einflüssen von Clubmusik.

Auf den 11 Tracks von ”Oh Glory” verschließt Aime nie die Augen vor den dunklen Phasen seines Lebens. Wie Caravaggio und seine Gemälde, deren Schönheit dieses Album inspiriert hat, nutzt
Aime Simone diese Kontraste, um eine vom Licht durchdrungene Dunkelheit zu beschreiben.

First Two Pages of Frankenstein" ist ein spannendes neues Kapitel in der belebten Diskografie der Band. Die 11 Songs wurden von The National in den Long Pond Studios in Upstate New York produziert und beinhalten Gastauftritte von Taylor Swift, Phoebe Bridgers und Sufjan Stevens. Der Nachfolger des 2019 erschienenen "I Am Easy To Find" geriet zunächst ins Stocken als Leadsänger Matt Berninger "eine sehr dunkle Phase durchlebte, in der mir überhaupt keine Texte oder Melodien einfielen, und diese Phase dauerte über ein Jahr. Obwohl wir schon immer ängstlich waren und uns oft stritten, wenn wir an einer Platte arbeiteten, war dies das erste Mal, dass es sich so anfühlte, als ob die Dinge wirklich zu einem Ende gekommen wären". Stattdessen haben es The National "geschafft, wieder zusammenzukommen und alles aus einem anderen Blickwinkel anzugehen, und dadurch sind wir in einer gefühlten neuen Ära für die Band angekommen", so Gitarrist/Pianist Bryce Dessner, zu dessen Bandkollegen auch sein Bruder Aaron (Gitarre/Piano/Bass) sowie die Brüder Scott Devendorf (Bass, Gitarre) und Bryan Devendorf (Schlagzeug) gehören. "First Two Pages of Frankenstein" synthetisiert die neue Chemie in der Band. Entstanden ist ein Album, das eine wunderbare Balance zwischen dem eleganten Sound und den eigenwilligen Impulsen von The National hält. Tracks wie "Grease in Your Hair" und "Ice Machines" wurden 2022 auf Tour gespielt bevor sie aufgenommen wurden, so dass die Band das Material in Echtzeit auf der Bühne während der Konzerte verfeinern konnte. "Für mich hat die Kraft dieser Platte mit der Absicht und der Struktur der Musik zu tun, die auf eine Menge zufälliger Magie trifft", sagt Aaron Dessner.

Strictly Limited Red Coloured Vinyl Edition

First Two Pages of Frankenstein" ist ein spannendes neues Kapitel in der belebten Diskografie der Band. Die 11 Songs wurden von The National in den Long Pond Studios in Upstate New York produziert und beinhalten Gastauftritte von Taylor Swift, Phoebe Bridgers und Sufjan Stevens. Der Nachfolger des 2019 erschienenen "I Am Easy To Find" geriet zunächst ins Stocken als Leadsänger Matt Berninger "eine sehr dunkle Phase durchlebte, in der mir überhaupt keine Texte oder Melodien einfielen, und diese Phase dauerte über ein Jahr. Obwohl wir schon immer ängstlich waren und uns oft stritten, wenn wir an einer Platte arbeiteten, war dies das erste Mal, dass es sich so anfühlte, als ob die Dinge wirklich zu einem Ende gekommen wären". Stattdessen haben es The National "geschafft, wieder zusammenzukommen und alles aus einem anderen Blickwinkel anzugehen, und dadurch sind wir in einer gefühlten neuen Ära für die Band angekommen", so Gitarrist/Pianist Bryce Dessner, zu dessen Bandkollegen auch sein Bruder Aaron (Gitarre/Piano/Bass) sowie die Brüder Scott Devendorf (Bass, Gitarre) und Bryan Devendorf (Schlagzeug) gehören. "First Two Pages of Frankenstein" synthetisiert die neue Chemie in der Band. Entstanden ist ein Album, das eine wunderbare Balance zwischen dem eleganten Sound und den eigenwilligen Impulsen von The National hält. Tracks wie "Grease in Your Hair" und "Ice Machines" wurden 2022 auf Tour gespielt bevor sie aufgenommen wurden, so dass die Band das Material in Echtzeit auf der Bühne während der Konzerte verfeinern konnte. "Für mich hat die Kraft dieser Platte mit der Absicht und der Struktur der Musik zu tun, die auf eine Menge zufälliger Magie trifft", sagt Aaron Dessner.

"Séparée" ist Umses erstes Projekt, bei dem er sich neben den lyrics auch für alle Beats verantwortlich zeichnet.

Wie bei seinen Vorgänger-releases handelt es sich hier um klassischen, zeitlosen Boom Bap und True School Rap. Hier treffen penibel ausgesuchte Samples sowie satte Drums und Bässe auf Umses gewohnten laid-back Flow und seine selbstreflektierenden, strukturierten lyrics.

Nach dem Kollabo-Album mit Beatmaker-Legende Nottz und den zuvor erschienenen Alben mit Tag-Team Partner Deckah, kommt hier also ein Projekt um die Ecke, das Umses Schaffen von einer weiteren Seite präsentiert und seine Leidenschaft und seinen Geschmack in voller Gänze abbildet.

Umse konnte sich hier außerdem einen weiteren Traum erfüllen: Mit US-Rapper Masta Ace ist eines seiner Vorbilder und eine seiner größten Inspirationen auf der Platte vertreten.

Der vierfach Grammy-nominierte Multiinstrumentalist, Produzent und Gründungsmitglied von Porcupine Tree veröffentlichte im März 2009 sein gefeiertes Debütalbum.

Das düstere, cineastische und reichhaltig strukturierte Album besteht aus 10 Tracks, die von Balladen und Hymnen bis hin zu industriellen Lärmattacken reichen. Es ist das Ergebnis von zwei Jahren kreativen Schaffens und zahlreichen Aufnahmesessions weltweit in Studios von Mexiko City bis Japan und Israel.

Reissue als Digipak CD oder schwarzes Doppelvinyl im Gatefold Sleeve
Wilsons Solodebütalbum erschien ursprünglich 2009 auf Kscope

mit Tony Levin, Gavin Harrison, Jordan Rudess, Michiyo Yagi, Sand Snowman und Theo Travis

Im Laufe ihrer ersten beiden Alben "Cosmovore" und "Providence" haben sich Ulthar eine einzigartige Nische im Spektrum des Underground-Metal geschaffen, indem sie eine grotesk-elegante Mischung aus technischer Death-Metal-Alchemie und den stechenden Eiswinden des Black Metal schmiedeten. Fast 3 Jahre nach "Providence" hat ein Ausbruch von tödlicher Kreativität zu ZWEI neuen Alben geführt, die nun gleichzeitig veröffentlicht werden.

Während das Schwesteralbum "Anthronomicon" ein 8-teiliges Puzzle aus labyrinthischem Tumult darstellt, nimmt "Helionomicon" diese Elemente und erschafft zwei hoch aufragende 20-minütige Monolithen von strahlender Avantgarde-Unermesslichkeit. Jeder der beiden Tracks mit den passenden Titeln "Helionomicon" und "Anthronomicon" entführt den Hörer auf eine ausgedehnte Reise durch ein psychozerebrales Spektakel, in dem bisher ungeahnte Landschaften Gestalt annehmen und seltsame, nicht greifbare Strukturen das sich auflösende Firmament durchdringen. Trotz der beträchtlichen Länge dieser beiden Tracks wird es nie langweilig; jeder besucht unzählige neue Ausblicke und Perspektiven über die Zeit hinweg. Im Grunde ist "Helionomicon" eine Synthese des gesamten bisherigen Schaffens von Ulthar in Form von zwei kulminierenden, ambitionierten Epen.

Ultra Clear Vinyl
Im Laufe ihrer ersten beiden Alben "Cosmovore" und "Providence" haben sich Ulthar eine einzigartige Nische im Spektrum des Underground-Metal geschaffen, indem sie eine grotesk-elegante Mischung aus technischer Death-Metal-Alchemie und den stechenden Eiswinden des Black Metal schmiedeten. Fast 3 Jahre nach "Providence" hat ein Ausbruch von tödlicher Kreativität zu ZWEI neuen Alben geführt, die nun gleichzeitig veröffentlicht werden.

Während das Schwesteralbum "Anthronomicon" ein 8-teiliges Puzzle aus labyrinthischem Tumult darstellt, nimmt "Helionomicon" diese Elemente und erschafft zwei hoch aufragende 20-minütige Monolithen von strahlender Avantgarde-Unermesslichkeit. Jeder der beiden Tracks mit den passenden Titeln "Helionomicon" und "Anthronomicon" entführt den Hörer auf eine ausgedehnte Reise durch ein psychozerebrales Spektakel, in dem bisher ungeahnte Landschaften Gestalt annehmen und seltsame, nicht greifbare Strukturen das sich auflösende Firmament durchdringen. Trotz der beträchtlichen Länge dieser beiden Tracks wird es nie langweilig; jeder besucht unzählige neue Ausblicke und Perspektiven über die Zeit hinweg. Im Grunde ist "Helionomicon" eine Synthese des gesamten bisherigen Schaffens von Ulthar in Form von zwei kulminierenden, ambitionierten Epen.

Die in Argentinien geborene und heute in Berlin lebende Komponistin und Live-Performerin Emme Moises präsentiert ihr drittes Studioalbum 'Talking To The Spheres'. Das Album verweist auf ein musikalisches Erbe, das in die endlosen Gefilde von Raum, Zeit und Frequenz eintaucht. Der Hörer wird auf eine Reise mitgenommen, von konventionellen Strukturen befreit und in ein Gespräch über die Sphären der Zukunft verwickelt.

AMBER ARCADES ist das Pseudonym von Annelotte de Graaf, der niederländischen Singer/Songwriterin, die zwei EPs und einige von der Kritik gefeierte Alben aufgenommen hat, von denen das zweite, "European Heartbreak", durch "hints of Lindi Ortega and early Saint Etienne, breezy, dreamy pop more personal than political" (The Guardian) glänzt. AMBER ARCADES verlor kürzlich für einen Moment den Glauben an die Musik, gewann ihn dann aber wieder zurück und liefert nun ihr bisher atemberaubendstes Album ab: "Barefoot On Diamond Road", das am 10. Februar 2023 erscheinen wird - ihre erste Veröffentlichung auf Fire Records. Die erste Single "Just Like Me" ist ein offenkundig tanzbarer und triumphaler Song, der durch seine Stop/Start-Struktur eine beunruhigende und unvorhersehbare Schärfe in das Geschehen bringt. "There's a clear distinction from my last record ,European Heartbreak', which had a complete narrative. This record is completely the opposite" erklärt die Niederländerin in einem Statement zum neuen Album. Eingetaucht in eine alles verzehrende Wall of Sound ist "Barefoot On Diamond Road" wie MY BLOODY VALENTINE in akustischer Form; es sollte eigentlich nicht funktionieren, aber tut es trotzdem. Es ist eine Gegenüberstellung von Texturen, von sprunghaften, unruhigen Dancefloor-Beats bis hin zu symphonischer Kosmik, ein barocker Pop-Teppich, der mit Celli und Harfen bestückt ist, mit einer klagenden Steelguitar, die in der Ferne widerhallt. Die Schlagzeug- und Perkussions-Arrangements von Matt Chamberlain (PEARL JAM, BOWIE, DYLAN, ADELE, LORDE, SPRINGSTEEN, COHEN...) verleihen dem Ganzen zusätzliche Textur. Es ist ein Album von einnehmender Reife, gefüllt mit Zeitlupen und epischen Steigerungen, die es mit all der Dramatik in schwindelerregende Höhen heben - man denke an THE GUN CLUB, die sich mit PORTISHEAD zurücklehnen, alles könnte passieren, es ist ein imaginärer Film... und PJ HARVEY lauert im Schatten. AMBER ARCADES neues Album "Barefoot On Diamond Road" markiert eindeutig eine neue Phase im Schaffen der hochangesehenen Musikerin. "Wistful, glowing dream pop" The Guardian

1000 Robota im Jahr 2022 sind, soviel sei verraten, immer noch Sebastian Muxfeldt, Jonas Hinnerkort und Anton Spielmann. Und was macht eine Band, die schon immer den Zeitgeist angeschrien hat, mit der hochfrequenten Gegenwart? Sie durch den Fleischwolf drehen und ihr die eigene Reflexion vorlegen, genauer: Ein neues Album. Es klingt gewaltig, intensiv und intim zugleich und strahlt eine utopisch finstere Wärme aus. 1000 Robota über das Artwork: Jede Platte ist physisch (per Hand) individuell von uns gestaltet worden. Kein Artwork sieht gleich aus. Durch Heißluft werden handelsübliche Supermarkttüten um die Albumhülle geschmolzen. Faktisch gibt es kein "grafisches Artwork", es ist physischer Natur und schafft sich seine ganz eigene Form, die zu immer wieder neuen, unberechenbaren Oberflächen, Kerben und Strukturen führt, zu einer zusammengeschmolzenen und übersehenen Welt. Wahrscheinlich unsere Welt.

Der berühmte Filmkomponist John Williams und Starcellist Yo-Yo Ma sind auf diesem einzigartigen Album zu erleben, das Ausdruck ihrer jahrzehntelangen Zusammenarbeit und Freundschaft ist."A Gathering of Friends" enthält zwei Konzerte, die John Williams für Yo-Yo Ma geschrieben hat, sowie Auszüge aus seinen Filmmusiken zu "Schindlers Liste", "Lincoln" und "München". John Williams selbst dirigiert die New Yorker Philharmoniker. John Williams und Yo-Yo Ma lernten sich vor etwa vier Jahrzehnten kennen, als der Oscar-prämierte Komponist Dirigent des Boston Pops Orchestra wurde und Ma gerade seine Solokarriere begann. Ihre Zusammenarbeit erstreckt sich von gemeinsamen Konzerten, der Zusammenarbeit bei Filmmusiken bis hin zur Amtseinführung von Präsident Barack Obama im Jahr 2008 und ist von einer dauerhaften gegenseitigen Wertschätzung geprägt. Von ihren ersten Begegnungen an erkannte jeder im anderen das Verständnis, dass, wie Williams es einfach ausdrückt, "Musik unser Sauerstoff ist".Im Mittelpunkt von "A Gathering of Friends" steht die Ersteinspielung von John Williams' neu überarbeiteter Version seines Cellokonzerts, das er 1994 für Ma komponierte und das beide bereits 2001 für Sony Classical aufnahmen. Während der Aufführungen des viersätzigen Konzerts in den letzten drei Jahrzehnten nahm Williams bereits erhebliche Änderungen an der Partitur vor. Ma merkte an, dass die neue Version sogar "größere Änderungen, strukturelle Änderungen" enthält, mit einem Schlusssatz, der "ein einziger glorreicher Song ist". Ebenfalls auf "A Gathering of Friends" zu hören sind neue Arrangements, die John Williams für Yo-Yo Ma von drei Stücken aus seiner mit dem Oscar ausgezeichneten Filmmusik zu "Schindlers Liste" geschaffen hat sowie ein neues Arrangement für Cello und Streicher von "With Malice Toward None" aus der Filmmusik zu "Lincoln" von 2012. Das Album schließt mit einem Duo-Arrangement für Ma und den Gitarristen Pablo Sáinz-Villegas von "Prayer for Peace" aus dem Film "München" von 2005. Alle drei Filmmusiken sind Teile der langjährigen Partnerschaft von Williams mit Regisseur Steven Spielberg.Das andere Konzertstück auf "A Gathering of Friends" ist "Highwood's Ghost", ein Stück von John Williams für Cello und Orchester, das die Freundschaft zwischen Williams und Ma im Bezug zum legendären Komponisten und Dirigenten Leonard Bernstein dokumentiert. Williams komponierte das Werk zur Feier des 100-jährigen Jubiläums von Leonard Bernstein in Tanglewood im Sommer 2018 und schrieb eindringliche Solopartien für Ma und die Soloharfenistin des Boston Symphony Orchestra, Jessica Zhou, die auch bei dieser Aufnahme mit dem New York Philharmonic die Harfe spielt."A Gathering of Friends" ist das musikalische Highlight einer langjährigen Freundschaft und ein großartiges Album für alle Fans der Musik von John Williams und Yo Yo Ma.

repress limited edition white 180gr vinyl !

Remastered Vinylerstveröffentlichung des ikonischen, selbstbetitelten 1994er IDM/Techno-Meisterwerks des Duos rEAGENZ, bestehend aus Jonah Sharp (Spacetime Continuum) & David Moufang (Move D, Deep Space Network), die sich bei einem Konzert ihrer Helden Autechre kennenlernten. Ein wunderbarer Hybrid aus satten Ambient-Strukturen und komplexen IDM/Techno-Rhythmen mit markanten und einprägsamen Ergebnissen, aufgenommen zwischen San Francisco und Heidelberg. Limitierte Auflage auf neon-grünem Doppelvinyl.

m Jahr 2022 sind I'LL BE DAMNED wieder am Start. Bewaffnet mit einem konstanten Fluss an Inspiration aus einer verrückt gewordenen Welt,
st die dänische Band angepisst von Politik, Religion, den Medien und der Gesellschaft im Allgemeinen. Das neue Album Culture" ist besser
strukturiert als die Vorgängeralben, sowohl was das Riffing als auch das gesamte Songwriting betrifft. Und dank der brillanten Produktion - mit
freundlicher Genehmigung des Produzenten Tue Madsen und seiner Antfarm Studios - hat der nordische Fünfer endlich das Potenzial erreicht,
das er auf seinen beiden Vorgängeralben und bei seinen explosiven Live-Auftritten versprochen hat.
Mit zwei neuen Mitgliedern, Anders Gyldenøhr (ex-Grope, ex-Hatesphere) am Schlagzeug und Mark Damgaard am Gesang, sind I'll Be Damned
musikalisch gereift, was zu einer ernsthafteren Herangehensweise an den Schreibprozess geführt hat. Dies zeigt sich in einem Album - nach "Road
To Disorder" (2018) und "I'll Be Damned" (2017) - mit weniger Humor, dunkleren und aggressiveren Riffs, gefolgt von explosivem Gesang und
Texten, die eher Themen wie Wut, Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit als Sarkasmus und Ironie beinhalten. Die Thematik von "Culture" dreht
sich jedoch immer noch um den Hass auf Religion und Politik, aber auch um neuere Formen extremer kultureller Unterschiede.
Mit Einflüssen von Clutch, Down und Rage Against The Machine im Rücken vereinen I'll Be Damned einen kraftvollen, aber dennoch melodischen
und groovigen Schlag ins Gesicht mit lyrischer Schärfe und verbindenden Parolen - mit Haltung.

Das 2021 erschienene Dream Unending-Debütalbum "Tide Turns Eternal" stellte für Derrick Vella (Tomb Mold) und Justin DeTore (Innumerable Forms, Sumerlands) eine deutliche Veränderung ihrer musikalischen Ambitionen dar. Obwohl das Album fest im Death/Doom-Bereich angesiedelt war, zeichnete es sich durch eine weitaus höhere Zielsetzung und Progressivität aus und distanzierte sich damit von anderen Vertretern dieses Stils. Jetzt, nur ein Jahr später, kehrt die Band mit dem atemberaubenden "Song of Salvation" zurück und lässt diesem Erkundungseifer wesentlich mehr Raum, sich zu entfalten und zu glänzen.

Der 14-minütige Opener des Titeltracks beginnt wie ein morgendlicher Sonnenaufgang über einem ruhigen Meer, bevor er sich zu ätherischer Schwere steigert wie die reich strukturierten Wellen eines plötzlichen Meeressturms. Der Schwung des Songs zieht sich nie in mühsame Wiederholungen zurück, sondern öffnet immer wieder neue Türen, ebbt und fließt wie das Wasser eines Flusses aus seiner Quelle.

Wie ein einsamer Blick aus dem Fenster eines abgedunkelten Zimmers auf die nächtlichen Lichter der Stadt, so bietet "Secret Grief" die Gasttalente des Sängers Phil Swanson und Leila Abdul-Rauf an der Trompete, was die Bandbreite der beteiligten musikalischen Talente und die Tragweite der unverwechselbaren Erzählung von "Song of Salvation" noch weiter vergrößert.

Das ruhige Zwischenspiel "Murmur Of Voices" weicht dem beschwörenden "Unrequited", das mit einem einsamen Gitarrensolo beginnt, bevor es in eine treibende Nachmittagsträumerei und unterbewusste Meditation übergeht.

Schließlich kommt das epische Ende des Albums, der 16-minütige Abschluss 'Ecstatic Reign'. Es enthält die vielleicht schwersten Doom-Momente des Albums sowie die Rückkehr von "Tide Turns Eternal" mit den Gaststimmen McKenna Rae und Richard Poe. Tomb Mold-Schlagzeuger / Kehlkopf Max Klebanoff taucht ebenfalls auf und liefert sich ein beeindruckendes Vocal Battle mit DeTore. Die cineastische Vision des Albums und die akribische, farbenfrohe Detailtreue bringen diese fesselnde Reise zu ihrem dauerhaften Höhepunkt.

Nur ein Jahr nach "Tide Turns Eternal" bieten Dream Unending auf dem grenzenlosen Panorama von "Song of Salvation" eine fortgesetzte Abkehr von begrenzenden Genre-Normen - und gleichsam eine geschickte Neudefinition derselben.

- Decibel Magazine Album des Monats November 2022 Ausgabe
- Gastauftritte von Phil Swanson (Solemn Lament, ex-Sumerlands, ex-Hour of 13), Leila Abdul-Rauf (Vastum, Ionophore) und Max Klebanoff (Tomb Mold, Death Kneel)
- Die Vinyl-Edition enthält ein riesiges 24x36-Zoll-Poster
- Aufgenommen von Sean Pearson und Arthur Rizk. Gemischt und gemastert von Arthur Rizk (Gravesend, Daeva, Eternal Champion, Power Trip, Kreator).
- Wunderschönes Cover-Artwork von Benjamin A. Vierling (Joanna Newsom, Nightbringer, Aosoth)
- Hauptmitglieder sind Derrick Vella (Tomb Mold) und Justin DeTore (Innumerable Forms, Sumerlands, Solemn Lament)

- FFO: Anathema, Evoken, Tiamat, Opeth, Trouble, Blue Nile, Live, Alice In Chains, Kings X

Der sich über mehr als drei Jahrzehnte erstreckende musikalische Erfolg von Tiken Jah Fakoly ist auf vier Eckpfeilern begründet, deren Fundament für seinen klaren und kompromisslosen Reggae steht und sich ebenso klar und unmissverständlich in den Texten des beliebten afrikanischen Musikers widerspiegelt. Sei es als Verteidiger der Unterdrückten oder als steter Daumen in der Wunde der von ihm benannten Tyrannen. Schon zu Beginn der 90er Jahre, mit seiner ersten Band 'Djélys" in Odienné, einer Stadt im Nordwesten der Elfenbeinküste, fiel Tiken Jah mit seiner tiefen, eindringlichen Stimme auf. Ein großer Erfolg und der erste der starken Eckpfeiler war jedoch sein in Abidjan entstandenes Debut Album unter seinem Namen, 'Mangercratie" (1999). Es erschütterte sowohl die lokale Reggae-Szene, vor allem aber auch die Machthaber, die dekadente Oberschicht, die "alten Fressäcke", wie er sie betitelte, die die Zeichen der Zeit ignorierten und sich an die Macht klammerten. Den zweiten Grundstein legte er in Paris, dem zentralen Nerv Frankreichs, mit seinem dritten Album 'Françafrique" (2002), einem Begriff, der informell für das - wie Tiken Jah in seinen Texten anprangerte - antiquierte politische System Frankreichs und dessen mafiöse Strukturen steht. Im selben Jahr wurde sein Land, die Elfenbeinküste, von einem Bürgerkrieg zerrissen. Seine Landsleute hatten "den Verstand verloren", wie er es schon zuvor in einem seiner Liedtexte prophezeit hatte. Fakoly suchte Unterschlupf in Bamako, ohne sich jedoch wie ein Flüchtling zu fühlen, denn "Africa is united", Afrika ist vereint, wie er schon immer verkündet hatte. In Bamako legte er mit dem treffend benannten 'L"Africain" (seinem fünften Album, 2007) den dritten Eckpfeiler, gefolgt von dem vierten Eckpfeiler, dem großartigen 'African Revolution" (2010), seinem siebten Album, welches das endgültige Fundament bildete: Ein revolutionärer Schrei, ein direkter politischer Aufruf, der sich in den bloßen, schlichten Reggae-Rhythmen entlädt, unangekündigt und dafür umso schöner und machtvoller. Sein elftes und neuestes Album 'Braquage de pouvoir" (Raub der Macht) setzt diesen Weg fort. Das Album trifft den Nerv auf den Punkt, denn es begnügt sich nicht damit, Tiken Jahs musikalische und politische Errungenschaften zusammenzufassen, sondern offenbart in Gänze das Wesen des fakolianischen Stils - ein Adjektiv, das wir zu erfinden wagen, so wie Tiken Jah Fakoly es wagte, diese starken Pfeiler zu erschaffen.

Die 13 Tracks auf "Polymer", darunter energiegeladene Banger, helle, melodische, viszerale Rhythmen und hypnotische Strukturen, bilden das vielleicht kompakteste Album von Plaid. Das Duo ging Anfang der 1990er aus der Formation The Black Dog hervor und zählt neben Acts wie Aphex Twin, Autechre oder Nightmares On Wax zu den Eckpfeilern des Warp-Labels. In ihrer langjährigen Karriere arbeiteten Plaid zusammen mit Björk, London Sinfonietta und den Southbank Gamelan Players und füllten Venues vom Sydney Opera House über das Londoner Bloc bis zum Berliner Berghain. "Polymer" trägt all die Emotionen, Einflüsse und Inspirationen in sich und funktioniert als ihr Statement in modernen Zeiten.

1000 Robota im Jahr 2022 sind, soviel sei verraten, immer noch Sebastian Muxfeldt, Jonas Hinnerkort und Anton Spielmann. Und was macht eine Band, die schon immer den Zeitgeist angeschrien hat, mit der hochfrequenten Gegenwart? Sie durch den Fleischwolf drehen und ihr die eigene Reflexion vorlegen, genauer: Ein neues Album. Es klingt gewaltig, intensiv und intim zugleich und strahlt eine utopisch finstere Wärme aus. 1000 Robota über das Artwork: Jede Platte ist physisch (per Hand) individuell von uns gestaltet worden. Kein Artwork sieht gleich aus. Durch Heißluft werden handelsübliche Supermarkttüten um die Albumhülle geschmolzen. Faktisch gibt es kein "grafisches Artwork", es ist physischer Natur und schafft sich seine ganz eigene Form, die zu immer wieder neuen, unberechenbaren Oberflächen, Kerben und Strukturen führt, zu einer zusammengeschmolzenen und übersehenen Welt. Wahrscheinlich unsere Welt.

Auf ihren neuen Album 'Two Sisters' präsentiert Sarah Davachi, Komponistin und Interpretin minimalistisch-elektroakustischer Musik, zusammen mit einer beeindruckenden Gruppe von Musikern und Interpreten neun erweiterte Kompositionen für Kammerensemble und Pfeifenorgel solo (darunter mit einer seltenen italienischen Traktororgel aus dem Jahr 1742). Die erweiterte Instrumentierung umfasst Glockenspiel (das drittgrößte der Welt samt einer 12 Tonnen schweren Glocke), Chor, Streichquartett, tiefe Holzbläser, Posaunenquartett, Sinustöne und elektronische Drones. Der konzeptionelle Faden der Kompositionen ist die ewige Balance von Zurückhaltung als Lust und Notwendigkeit. Das Album ist durchzogen von gespiegelten Klang- und Strukturbildern, die sich auch in der Ikonographie des Covers widerspiegeln: der Satyr und das Subjekt, der gemeinsame Blick von Kopf und Körper, der Dialog zwischen zerebraler und physischer Reaktion, wie oben so unten. Es ist, als gäbe es zwei Schwestern des Glaubens und des Zufalls."Two Sisters" erscheint als 2CD im Hardcover mit 24-seit. Booklet und als 2LP im Gatefold-Sleeve mit 20-seit. Booklet und DL-Code.

Auf ihren neuen Album 'Two Sisters' präsentiert Sarah Davachi, Komponistin und Interpretin minimalistisch-elektroakustischer Musik, zusammen mit einer beeindruckenden Gruppe von Musikern und Interpreten neun erweiterte Kompositionen für Kammerensemble und Pfeifenorgel solo (darunter mit einer seltenen italienischen Traktororgel aus dem Jahr 1742). Die erweiterte Instrumentierung umfasst Glockenspiel (das drittgrößte der Welt samt einer 12 Tonnen schweren Glocke), Chor, Streichquartett, tiefe Holzbläser, Posaunenquartett, Sinustöne und elektronische Drones. Der konzeptionelle Faden der Kompositionen ist die ewige Balance von Zurückhaltung als Lust und Notwendigkeit. Das Album ist durchzogen von gespiegelten Klang- und Strukturbildern, die sich auch in der Ikonographie des Covers widerspiegeln: der Satyr und das Subjekt, der gemeinsame Blick von Kopf und Körper, der Dialog zwischen zerebraler und physischer Reaktion, wie oben so unten. Es ist, als gäbe es zwei Schwestern des Glaubens und des Zufalls."Two Sisters" erscheint als 2CD im Hardcover mit 24-seit. Booklet und als 2LP im Gatefold-Sleeve mit 20-seit. Booklet und DL-Code.

VALBORG haben seit ihrer Gründung im Jahr 2002 mit jedem Album eine große Lust zu musikalischen Experimenten und Grenzüberschreitungen gezeigt. Dabei ist das Trio aus Bonn trotz aller Geschicklichkeit bei der Vermeidung von musikalischen Schubladen jedoch seinem ebenso dunklen wie harten musikalischen Markenkern stets treu geblieben. Entsprechend schwer haben sich Kritiker mit der Einordnung ihres Sounds getan und es unter anderem mit Etiketten wie "Doom", "Blackened Death Metal" und "Industrial" versucht. Fest steht, dass VALBORG auf ihrem neuen Album mit dem Titel "Der Alte" einen bewusst reduzierten Ansatz verfolgen. Die brutalen neuen Tracks kommen kurz und bündig auf den Punkt, nutzen einfache Strukturen und setzen auf extremen Gesang. Dazu kommt der typische, unerbittliche Schlagzeugbeat als Markenzeichen der Band. Unterstützt von LANTLOS-Schöpfer Markus Siegenhort, der für die gesamte Produktion verantwortlich zeichnet, haben sich VALBORG für einen rohen, ungeschliffenen Sound entschieden. Dieser stützt sich ganz auf die Gitarren, da dieses Album ohne Keyboards auskommt. Zu ihren hörbaren Metal-Einflüssen fügt das Trio weitere Elemente, zum Beispiel aus Punk und Wave, hinzu. Unter dem Strich bringt die Vereinfachung knallharte Tracks, die dennoch VALBORGs cineastische Qualitäten aufweisen und passend zu ihren lyrischen Themen bedrohliche Albtraum-Szenarien in kosmischen Dimensionen konstruieren. In den Texten lauern Schrecken und Wahnsinn der Abgründe des Weltraums, ebenso wie xenomorphe Manipulationen und apokalyptische Visionen, die sich oft auf kanonische Werke der modernen Science Fiction Literatur beziehen. VALBORG wurden 2002 in der deutschen Stadt Bonn gegründet. Kritiker haben das Trio unter anderem mit Künstlern wie GODFLESH, CELTIC FROST und TRIPTYKON sowie TYPE O NEGATIVE verglichen, doch VALBORG sind ihre eigenen Wege gegangen, die sich einfachen Kategorisierungen entziehen. Die Deutschen wurden bereits zum zweiten Mal vom trendigen Roadburn Festival in die Niederlanden eingeladen und haben auf weiteren renommierten Festivals und Touren mehrmals Europa durchquert. Die letzten Tournee spielte die Band im Vorprogramm von MANTAR und HEMELBESTORMER. Mit "Der Alte" bieten VALBORG weit mehr als nur einen bittersüßen Ohrenschmaus für ihre treue Fangemeinde: Das präzise, hart einschlagende Album ist für alle gedacht, die sich nach ebenso brutaler und dunkler wie intelligenter neuer Musik sehnen!

VALBORG haben seit ihrer Gründung im Jahr 2002 mit jedem Album eine große Lust zu musikalischen Experimenten und Grenzüberschreitungen gezeigt. Dabei ist das Trio aus Bonn trotz aller Geschicklichkeit bei der Vermeidung von musikalischen Schubladen jedoch seinem ebenso dunklen wie harten musikalischen Markenkern stets treu geblieben. Entsprechend schwer haben sich Kritiker mit der Einordnung ihres Sounds getan und es unter anderem mit Etiketten wie "Doom", "Blackened Death Metal" und "Industrial" versucht. Fest steht, dass VALBORG auf ihrem neuen Album mit dem Titel "Der Alte" einen bewusst reduzierten Ansatz verfolgen. Die brutalen neuen Tracks kommen kurz und bündig auf den Punkt, nutzen einfache Strukturen und setzen auf extremen Gesang. Dazu kommt der typische, unerbittliche Schlagzeugbeat als Markenzeichen der Band. Unterstützt von LANTLOS-Schöpfer Markus Siegenhort, der für die gesamte Produktion verantwortlich zeichnet, haben sich VALBORG für einen rohen, ungeschliffenen Sound entschieden. Dieser stützt sich ganz auf die Gitarren, da dieses Album ohne Keyboards auskommt. Zu ihren hörbaren Metal-Einflüssen fügt das Trio weitere Elemente, zum Beispiel aus Punk und Wave, hinzu. Unter dem Strich bringt die Vereinfachung knallharte Tracks, die dennoch VALBORGs cineastische Qualitäten aufweisen und passend zu ihren lyrischen Themen bedrohliche Albtraum-Szenarien in kosmischen Dimensionen konstruieren. In den Texten lauern Schrecken und Wahnsinn der Abgründe des Weltraums, ebenso wie xenomorphe Manipulationen und apokalyptische Visionen, die sich oft auf kanonische Werke der modernen Science Fiction Literatur beziehen. VALBORG wurden 2002 in der deutschen Stadt Bonn gegründet. Kritiker haben das Trio unter anderem mit Künstlern wie GODFLESH, CELTIC FROST und TRIPTYKON sowie TYPE O NEGATIVE verglichen, doch VALBORG sind ihre eigenen Wege gegangen, die sich einfachen Kategorisierungen entziehen. Die Deutschen wurden bereits zum zweiten Mal vom trendigen Roadburn Festival in die Niederlanden eingeladen und haben auf weiteren renommierten Festivals und Touren mehrmals Europa durchquert. Die letzten Tournee spielte die Band im Vorprogramm von MANTAR und HEMELBESTORMER. Mit "Der Alte" bieten VALBORG weit mehr als nur einen bittersüßen Ohrenschmaus für ihre treue Fangemeinde: Das präzise, hart einschlagende Album ist für alle gedacht, die sich nach ebenso brutaler und dunkler wie intelligenter neuer Musik sehnen!

Das zweite Album von Master, aufgenommen von Scott Burns in den Morrissound Studios! Klassischer Death Metal der 1990er Jahre!
Eines der Probleme beim Rückblick auf ein Musikgenre aus einer Perspektive, die Jahre oder Jahrzehnte vom Kern der Bewegung entfernt ist, dass spätere Entwicklungen dazu neigen, sowohl die Ursprünge eines Genres als auch die Fäden innerhalb einer Tradition zu verwischen, die ohne Nachkommen ausgestorben ist. Das Ergebnis ist, dass interessante und verdienstvolle Alben oft untergehen, wenn Kritiker über die Alben nachdenken, die den größten Einfluss auf spätere Errungenschaften hatten.

Die Death-Metal-Pioniere Master gehören zu denjenigen, die aufgrund dieses Phänomens zu kurz gekommen sind, und ihr 1990er Meisterwerk "On The Seventh Day, God Created... Master" bleibt eine faszinierende Erkundung sowohl der Wurzeln des Genres als auch der Räume, die es hätte einnehmen können, wenn andere Wege eingeschlagen worden wären.

Es gibt ein paar Dinge, die selbst dem Gelegenheitshörer sofort ins Auge springen. Das erste ist der scheinbare Primitivismus der Musik, mit Songs die aus relativ kurzen, knüppelnden Stücken bestehen, die von unerbittlichen Rhythmen, zyklischen Riffs und einfachen melodischen Hooks angetrieben werden. Das zweite ist die Erkenntnis, dass jemand einige wirklich verrückte, brillant konstruierte Leads spielt. In diesem Fall ist das Paul Masvidal, der damit alles übertrifft, was er jemals mit Cynic erreicht hat.

Hinter der oberflächlichen Einfachheit verbirgt sich ein kreativer Geist, der gleichzeitig an die ursprüngliche Geburt des Death Metal erinnert (bei der Master sowohl anwesend war als auch eine treibende Kraft war) und der den Weg zu dem weist, was aus dem Genre hätte werden können.

Ganz offensichtlich sind die Hardcore-Wurzeln des Genres,
Master meidet hier die von Slayer abgeleitete technische Architektur, die den meisten "modernen" Death Metal dominierte, zugunsten von
Strukturen, die auch auf einem Discharge's Meilenstein "Hear Nothing See Nothing Say Nothing" nicht fehl am Platz gewesen wären (es gibt sogar ein paar Auftritte des berüchtigten D-Beats). In dem unerbittlichen Sturm brutaler Wiederholungen ist die Kernaussage der Musik verschlüsselt, eine schiere Urwut, die aus den donnernden Zyklen der Powerchords tropft und dem offenkehligen Gebrüll (wieder der Hardcore-Einfluss) von Sänger und Hauptsongwriter Paul Speckman. Dazu kommen Momente des Nachdenkens, in denen die Songs in einer Art High-Dezibel-Gedudel kollabieren, und ein angeborenes Gespür dafür, wie man Melodien aus den infernalischen Tiefen der Dissonanz herauskitzelt, und die bereits erwähnten Masvidal-Soli (und es kann nicht genug betont werden, wie sehr diese Leads zerreißen). Was dabei herauskommt, ist etwas, das über
seine eigene scheinbare Rohheit hinwegtäuscht und nicht so sehr eine Aussage über blinde Wut, oder gestörte Entfremdung, sondern eine meisterhafte Erklärung von Gewaltbereitschaft.

Pendragon veröffentlichen ihr letztes Album in akustischer Form auf Doppelvinyl. Viele der Songs wurden neu strukturiert und mit Orchestrierungen und zusätzlichen Abschnitten versehen, um eine äußerst begehrte Vinyl-Veröffentlichung dieses phänomenal beliebten Albums zu schaffen.

- Atemberaubendes Artwork von Liz Saddington auf einer Klappkarte in Stucco-Optik mit farbigem Extra-Artwork und Fotos auf den Innenhüllen der Karten.
- Abgemischt von Nick Barrett und Karl Groom.
- Alles auf 180gm farbigem Vinyl.
- Dies ist ein Album, das alle Vinylfans lieben werden!

Das Debütalbum des ehemaligen Little Cub Sängers!

Nach der Auflösung des Südlondoner Trios Little Cub hat Gore den elektronischen Synthie-Pop der Band in seinem Solowerk umgestaltet und neu interpretiert, um zusätzliche akustische Instrumente einzubauen, die für einen strukturierteren und gemäßigteren Sound sorgen. "All These Things" überlagert auf gekonnte Weise fantastische dystopische Bilder mit funkelnden Elektronik-Teppichen und treibenden Beats. Es ist eine ähnliche Entwicklung wie bei den Pet Shop Boys zwischen Introspective und Behaviour: von hellem, tanzflächenorientiertem Pop zu melancholischen Mini-Symphonien.

Kontinuierlich hat sich Wolfgang Haffner weiter in das Vorderfeld der Top-Schlagzeuger gearbeitet. Deutschlands einziger Jazz-Superstar mit Pop-Anklängen, der Trompeter Till Brönner mag genauso wenig auf ihn verzichten wie Nils Landgren, wenn er Abba den Funk verordnet.
Norwegens aufregendste aktuelle Stimme im Jazz, Rebekka Bakken holt ihn immer wieder in ihre Band und selbst die No Angels riefen ihn an, als es an die Produktion ihrer Konzert-DVD ging. Die letzten Veröffentlichungen des Schlagzeugers waren aus den Jazz-Charts vieler Länder nicht wegzudenken.
Neben der Virtuosität des Instrumentalisten Haffner darf man aber nicht vergessen, dass er ein ausgezeichneter Songwriter, Arrangeur und Produzent ist. Auf seinen eigenen Alben hat er diese Fähigkeiten bereits zur Genüge angedeutet, mit dem vorliegenden Album jedoch liefert Haffner sein Meisterstück ab. Durchaus seinen Helden wie Pat Metheny, Esbjörn Svensson oder auch Dhafer Youssef verpflichtet, gelingt es ihm, eine überzeugende Mischung aus innovativen Sounds, tragfähigen Melodien und brillantem Gruppensound zu erzeugen, die erstmals rein europäische Züge hat.
Dabei hat er die Creme de la Creme europäischer Jazz-Musiker wie selbstverständlich zu einem Sound geformt, der das Zeug zum Klassiker hat. Die flirrenden Gitarrensounds von Martin Koller (Rebekka Bakken Band), elektronische Effekte, die an die besten Momente aktueller skandinavischer Produktionen erinnern, hier und da kompromisslose Rocksounds (»Corazon«) und natürlich auch immer wieder Jazz Soli auf höchstem Niveau. Trompeter Till Brönner trägt mit seinem Flügelhorn – Solo dazu bei, dass »Shape Of Peace« zu einem atmosphärischen Highlight gerät.
Der magische Sprechgesang von Rebekka Bakken macht »Somewhere Else« zu einem andachtsvollen Moment des Albums, in »Momo's Dance« werden die Basslinien von Tim Lefebvre spielerisch leicht von Nils Landgren an der Posaune umtanzt, »Seventy Five« glänzt durch Reminiszenzen an Krimis der 70er Jahre. Immer wieder sind es aber auch die elektronisch verfremdeten Sounds z. B. von Saxofonist / Bass Klarinettist Johannes Enders, die »Zooming« so zeitlos und aktuell erscheinen lassen. Andererseits hat noch kein Album des Nürnbergers derart facettenreiche Schlagzeug-Sounds eingefangen, man staune nur über die intelligente Einbettung seines Solos in dem Stück »Metropolis«, die in keiner Weise aufgesetzt sondern einfach nur organisch wirken.

Musikexpress:
"Statt der Zurschaustellung seiner Trommelkünste steht hier das Bemühen um einen homogenen Gesamtsound im Vordergrund. Dabei zeigt sich Haffner hier sowohl als cleverer musikalischer Architekt, der getragene Themen und flächige Strukturen effektvoll mit lebendigen Clubgrooves kontrastiert, als auch als sensibler Klangmaler. Elemente aus Ambient, Elektronik, Fusion, Drum'n'Bass und gelegentliche Worldmusic-Tupfer addieren sich hier zu einem eleganten und sehr europäi- schen Nu-Jazz-Entwurf (…) Wahrlich coole Musik, die dem Hörer ihre Brillanz nicht sofort an den Kopf schmeißt, sondern ihre subtile Kraft und Klasse nach und nach offenbart"

Stereoplay:
"Aktuelle Euro-Sounds statt abgenudelter US-Fusion - so lautet hier das Programm von Deutschlands bestem Allround-Drummer. Mit Tim Lefebvre, Bass, und vier wechselnden Keyboardern legt Wolfgang Haffner eine fabelhafte Basis für Johannes Enders' oft elektronisch verfremdetes Gebläse und die E-Gitarre von Martin Koller. Nils Landgren, Till Brönner und Rebekka Bakken setzen schöne Akzente in den Tracks, die Electro-Jazz mit HipHop poetisch verschmelzen."

Die zweite Split-Veröffentlichung des Jahres von 20 Buck Spin bietet den ersten Output von TERMINAL NATION seit der krachenden "Holocene Extinction"-LP, die im düsteren Pandemie-Sommer 2020 veröffentlicht wurde. Mit von der Partie auf der Split sind die japanischen Ultra-Heavy-Könige KRUELTY, die nach der Veröffentlichung der furiosen Alben "A Dying Truth" und "Immortal Nightmare" im Jahr 2020 gerade auf Tour in den USA und Europa waren.

TERMINAL NATION unterstreichen ihren Status als eine der härtesten Bands auf dem Planeten mit drei neuen Tracks auf der A-Seite, die allen Imperialisten, die die Fäden der Welt ziehen, den Krieg erklären. Die Düsternis des Death Metal, die Panzerartige Gewalt im Stile BOLT THROWERs, gepaart mit der wilden Kraft des Hardcore-Breakdowns; sind die Songs voll von der Wut einer Nation, die kurz davor ist, im totalen Chaos überzukochen.

KRUELTY haben ebenfalls den richtigen Punkt gefunden, an dem Hardcore auf stampfenden Death und Doom Metal der alten Schule trifft. "Suppression" und "Under Your Pressure" offenbaren einige der druckvollsten, strukturerschütternden Riffs und blutigen Beatdowns, die die Band bisher hervorgebracht hat.

Außerdem hat jeder Sänger von TERMINAL NATION und KRUELTY einen Gastauftritt auf einem Track des jeweils anderen, wobei Tatami von KRUELTY auf "Sacrificial Capital" von TERMINAL NATION und Stan von TERMINAL NATION auf "Under Your Pressure" von KRUELTY zu hören sind. Die drückendste Split des Jahres 2022? Aber sicher!

Die zweite Split-Veröffentlichung des Jahres von 20 Buck Spin bietet den ersten Output von TERMINAL NATION seit der krachenden "Holocene Extinction"-LP, die im düsteren Pandemie-Sommer 2020 veröffentlicht wurde. Mit von der Partie auf der Split sind die japanischen Ultra-Heavy-Könige KRUELTY, die nach der Veröffentlichung der furiosen Alben "A Dying Truth" und "Immortal Nightmare" im Jahr 2020 gerade auf Tour in den USA und Europa waren.

TERMINAL NATION unterstreichen ihren Status als eine der härtesten Bands auf dem Planeten mit drei neuen Tracks auf der A-Seite, die allen Imperialisten, die die Fäden der Welt ziehen, den Krieg erklären. Die Düsternis des Death Metal, die Panzerartige Gewalt im Stile BOLT THROWERs, gepaart mit der wilden Kraft des Hardcore-Breakdowns; sind die Songs voll von der Wut einer Nation, die kurz davor ist, im totalen Chaos überzukochen.

KRUELTY haben ebenfalls den richtigen Punkt gefunden, an dem Hardcore auf stampfenden Death und Doom Metal der alten Schule trifft. "Suppression" und "Under Your Pressure" offenbaren einige der druckvollsten, strukturerschütternden Riffs und blutigen Beatdowns, die die Band bisher hervorgebracht hat.

Außerdem hat jeder Sänger von TERMINAL NATION und KRUELTY einen Gastauftritt auf einem Track des jeweils anderen, wobei Tatami von KRUELTY auf "Sacrificial Capital" von TERMINAL NATION und Stan von TERMINAL NATION auf "Under Your Pressure" von KRUELTY zu hören sind. Die drückendste Split des Jahres 2022? Aber sicher!

Ehrlicher, epischer Doom der Marke Candlemass, Solitude Aeturnus und Trouble aus Deutschland steht als kommender Release der italienischen Metal-Schmiede Cruz Del Sur an.
Echte Drums und echte Gitarren; keine "Plug-Ins" oder "Schummeleien", die Band wollte den Geist der Auftritte einfangen, ohne sich auf Technik zu verlassen. Aufgrund der weltweiten Pandemie wurde das Album in verschiedenen Sessions von Herbst 2019 bis Sommer 2020 aufgenommen und landete schließlich in den Händen von Dennis Koehne für Mixing und Mastering. Koehne hatte mit WHEEL bereits an ihrer Coverversion von Roky Erickson's 'Night Of The Vampire' gearbeitet, die auf ihrem selbstbetitelten Debütalbum von 2010 zu finden war. Die neuen Songs konzentrieren sich mehr auf eine gute Struktur und eingängige Refrains. Der Sound ist viel härter und druckvoller als noch beim Vorgänger 'Icarus'.
'Preserved In Time' erscheint wahlweise als CD im Jewelcase oder LP (Black Vinyl).

Inspiriert von der Black Lives Matter Bewegung formuliert der britische Pianist und Komponist Alexis Ffrench seine Lebensaufgabe: Mit klassischer Musik möchte er für eine Gesellschaft der Vielfalt, Gleichheit und des gegenseitigen Respekts eintreten. Auf seinem Album "Truth" bringt er seine Vision zum Erklingen. "Was ist meine Aufgabe in der Welt" - diese grundlegende Frage versucht der britische Pianist und Komponist Alexis Ffrench mit seinem Album "Truth" für sich zu beantworten. Die Frage geht für den Sohn jamaikanischer Einwanderer auf den Tod von George Floyd zurück. Schockiert sah Alexis Ffrench das Video von Floyds Ermordung durch einen Polizisten am 25. Mai 2020. Ungläubig und überwältigt setzte er sich an sein Piano und begann zu komponieren. Musik zu schreiben, war der Weg für Alexis Ffrench mit den Bildern umzugehen. "Nach der Trauer kam die Wut, dann die Hilflosigkeit", erklärt er, "Ich fragte mich, wie ich als Musiker an den Protesten teilhaben könne, weil ich in dieser Zeit in der Pandemie isoliert war. Ich begann auf meine eigene, kleine Weise am Klavier. Es war Aktivismus für mich selbst, denn ich musste mich beteiligt fühlen, und es war mir wichtig, mit meiner Musik die Hoffnungen und Ängste zum Ausdruck zu bringen und andere zu ermutigen, ihre eigene Stimme zu erheben." Alexis Ffrench verfolgte die Berichterstattung über die weltweiten Demonstrationen der entstehenden Black Lives Matter Bewegung und untermalte die Szenen protestierender Menschenmassen mit Musik. Das Stück "Walk With Us (For Black Lives Matter)" veröffentlichte er bereits 2020 als Single. Andere Kompositionen aus dieser Zeit bilden die Grundlage für sein Album "Truth".Sein Engagement für mehr Vielfalt und Chancengleichheit durchzieht die Karriere von Alexis Ffrench wie ein roter Faden. Zusammen mit dem Princes Trust unterstützt er ein Programm, das Kindern aus besonders benachteiligten Familien Zugang zu Musikunterricht ermöglicht. Zudem hat Alexis Ffrench, der selbst aus finanziell bescheidenen Verhältnissen kommt, zusammen mit dem Sony Music UK Social Justice Fund ein jährliches Stipendium für People of Color an der Royal Academy of Music ins Leben gerufen. Auch er konnte nur dank eines Stipendiums dort studieren und war damals einer von nur zwei Schwarzen Studierenden in seinem Jahrgang. Alexis Ffrench vergleicht sich jedoch nicht mit einem Politiker, der Kraft seines Amtes Veränderungen herbeiführt. Sein Medium ist die Musik und sein Ziel, Menschen über alle Vorurteile hinweg zusammenzubringen, schlägt sich in seiner ganz eigenen Art des Komponierens nieder. "Meine Kompositionen sind kurz und wie ein Popsong strukturiert, weil ich so mit meinen Melodien die größte Wirkung erzielen kann", erklärt er. Seiner Vision, möglichst viele Menschen mit seiner Musik zu verbinden, ist er seit seinem Sony-Debütalbum im Jahr 2018 in großen Schritten nähergekommen. In Großbritannien ist Alexis Ffrench nicht nur ein Medienstar und kann Top 30 Charts-Erfolge feiern, er ist auch einer der meist-gestreamte Pianisten weltweit. Mit "Truth" hat Alexis Ffrench seine künstlerische Vision nun weiter gefasst. Das Album mag zwar aus Gefühlen der Trauer, Verzweiflung und Wut geboren sein, es ist jedoch von einer ungebrochen positiven Vision für eine Gesellschaft der Gleichheit, Vielfalt und des gegenseitigen Respekts getragen, die Alexis Ffrench mit den sanften Tönen seines Pianos in den Raum malt.

"Séparée" ist Umses erstes Projekt, bei dem er sich neben den lyrics auch für alle Beats verantwortlich zeichnet.

Wie bei seinen Vorgänger-releases handelt es sich hier um klassischen, zeitlosen Boom Bap und True School Rap. Hier treffen penibel ausgesuchte Samples sowie satte Drums und Bässe auf Umses gewohnten laid-back Flow und seine selbstreflektierenden, strukturierten lyrics.

Nach dem Kollabo-Album mit Beatmaker-Legende Nottz und den zuvor erschienenen Alben mit Tag-Team Partner Deckah, kommt hier also ein Projekt um die Ecke, das Umses Schaffen von einer weiteren Seite präsentiert und seine Leidenschaft und seinen Geschmack in voller Gänze abbildet.

Umse konnte sich hier außerdem einen weiteren Traum erfüllen: Mit US-Rapper Masta Ace ist eines seiner Vorbilder und eine seiner größten Inspirationen auf der Platte vertreten.

Im zwanzigsten Jahr ihres Bestehens freuen sich The Tangent, ihr 12. Studioalbum 'Songs From The Hard Shoulder' vorzustellen. Auf diesem Album konzentrieren sich The Tangent fast ausschließlich auf ihre langformatigen Songs oder 'Epen', wobei nur ein Song weniger als 16 Minuten lang ist. Das Album klingt sehr ausgereift, und die Band hat sich hörbar auf die kompositorische Struktur dieses Albums konzentriert, die im Falle der drei langen Stücke auch sehr komplex und 'durchdacht' ist. Von einem üppigen und erhebenden Song über die Einsamkeit in Covid Lockdown über ein 17-minütiges Jazz/Prog/Canterbury-Fusion-Instrumental bis hin zu einer düster-elektronischen Geschichte über eine obdachlose Frau, in der Nuancen von Nine Inch Nails, Po90, Japan und Van Der Graaf lauern. Das letzte Stück des Albums ist der 4-minütige, schwungvolle Motown-Song 'Wasted Soul', in dem die Band einen wunderbaren Tag in der Zukunft vorwegnimmt, an dem die Pandemie für immer vorbei ist. Die CD-Erstpressung und die Vinyl-Edition enthalten den Bonustrack 'In The Dead Of Night', der natürlich eine Coverversion des Klassikers von UK ist. Die Bandbesetzung bleibt von den letzten beiden Alben: Andy Tillison (Gesang/Keyboards), Jonas Reingold (Bass), Luke Machin (Gitarre/Gesang), Steve Roberts (Schlagzeug) und Theo Travis (Saxophon & Flöte).

„Worldwide Underground“ ist das dritte Studio-Album der amerikanischen Sängerin Erykah Badu und wurde erstmals am 16. September 2003 von Motown Records veröffentlicht. Das Album enthält HipHop- und Funk-Elemente und zeichnet sich durch eine unkonventionelle musikalische Struktur und ein minimalistisches Songwriting aus, dass sich mit der Hip-Hop-Kultur, der Liebe, dem Leben im Ghetto und der Gang-Kultur befasst. Auf dem Album treten die Rapper Dead Prez und Common sowie die Sängerinnen Queen Latifah, Bahamadia und Angie Stone auf.

Am 25. Februar erscheint „Worldwide Underground“ als Deep Purple Coloured 1LP.

wieder lieferbar Cluster boten live eine Art Performancekunst, die wesentlich aus Improvisation, Krach, bewusster Vermeidung von rhythmisch-harmonischen Strukturen und dem zügellosen Einsatz elektronischer Klangerzeuger bestand. Dazu kamen Auftrittsdauern von bis zu sechs Stunden, in denen Künstler und Publikum nicht selten in rauschhafte Zustände gerieten. Clusters Musik war anfänglich roh, brutal, spontan und wurde mit einfachstem Equipment - keine Synthesizer, keine Sequencer, keine High-End-Verstärker - erzeugt. Hans-Joachim Roedelius und Dieter Moebius ließen keine mechanischen Prozesse ablaufen. Sie benutzten ihre Maschinen, aber verließen sich nicht auf sie. Vielmehr setzten sie auf Intuition. Das Experiment glückte nicht immer, aber oft. Dann spürte man tatsächlich so etwas wie Magie und hörte das Entstehen einer utopischen Klangwelt. Die zwei von Moebius und Roedelius autorisierten Mitschnitte dieses Albums geben eindrücklich die Atmosphäre und die Magie eines Cluster-Auftritts wieder. Der eine fand 1977 während eines Science-Fiction-Festivals in Metz statt, der andere entstand im Januar 1972 bei einem Auftritt in der Hamburger Fabrik. Die Tonqualität ist mäßig, weil damals das Gelingen der Performance wichtiger war als ihre perfekte Aufzeichnung. Wir heutigen Hörer sollten das akzeptieren.

"Second Skin" ist das zweite Album des Kölner Musikers Vomit Heat. Klang und Struktur dieses zehnteiligen Meisterwerks zeigen sich abstrakt betrachtet in einer überaus dichten Oberfläche, in dynamischen Rhythmen, in treibenden Bassläufen, flächigen Gitarren und Synthesizern, verbunden mit einer selbstsicheren und facettenreichen Stimme. Sie lassen eine Dichte erklingen, die Vomit Heat aus den zahllosen übereinanderliegenden Soundebenen erschaffen hat, die er in den letzten sechs Jahren aufnahm und immer wieder verwarf, bis er schließlich zu jener zweiten Haut gefunden hatte, die hier nun vorliegt. Die Produktion gelobt die teppichartigen, soghaften Soundflächen von My Bloody Valentine, der kluge und enthusiastisch auch an den Avantgarden geschulte Pop-Zugriff mahnt an Bradford Cox' Deerhunter, die Repetition zeigt sich inspiriert von Wolfgang Voigts frühem GAS.

Nach 'Speed Kills' das zweite Album der 5-köpfigen West Londoner Band um Charlie Manning Walker (aka Chubby Charles). Produziert von Jonah Falco von der Band Fucked Up.
Die 15 Songs auf 'The Mutt's Nuts' kombinieren das Tempo und die ungestüme Energie einer Punk- und Hardcore-Band mit einer aufregenden Mischung aus 50er-Jahre-Pop-Sounds, Doo Wop und Blues.
In den Texten geht es neben klassischeren Rock'n'Roll-Themen wie Liebe und Verlust vermehrt um Arbeiterrechte, Ungleichheiten, Polizeibrutalität, Regierungsversagen und Gentrifizierung - Probleme, die in der Struktur des Vereinigten Königreichs verankert sind und in der englischen Hauptstadt noch verstärkt werden.

Jetzt erhältlich auf schwarzem Vinyl.

It’s time for a new Reinhard Voigt EP on Kompakt? It doesn’t feel like it was that long ago since we last heard from him but then again, time is running! His latest release on Kompakt "Was wir spüren" (KOM 402) was released in May 2019. From there we encountered Reinhard's musical work mainly in the form of various digital reissues or in union with his brother Wolfgang together as Voigt & Voigt. Then in August of 2021, a glimmer of musical life from Reinhard reached his loyal fans in the form of a continuation of his RV ultra-minimalist concept series as "RV 05 / RV 06" via our KX imprint.

So that brings us to the present. Two new tracks that preach and spin on the classic Reinhard Voigt sound. Tracks that are as relentless as they are consistent to his signature stoic, radical, minimal techno. "Cha Cha Club" creaks and stomps along so mercilessly that they leave us impatient for the reopening of a dark, foggy club room and to have the bitter taste of gin and chemicals on our palates. Bass drum in, bass drum out - sometimes that's all it takes to be happy.

With "Die Frau, die nach Deutz ging" Reinhard discloses a small tale in the title...that this is the continuation of "Der Mann, der nie nach Deutz kam", a track from “Was wir spüren”. Elements recall Reinhard Voigt's SPEICHER tracks; sovereign, modern techno, monotonous in principle, but here and there interrupted and structured by unexpected signals and sounds in such a way that the track will also work on larger dance floors.

Eine reguläre, brandneue Reinhard Voigt 12inch? Das ist nicht nur gefühlt schon eine ganze Weile her. Time ist ja bekanntlich running. Seit “Was wir spüren” (KOM 402), erschienen im Mai 2019, begegnete uns Reinhards musikalisches Schaffen vor allem in Form diverser digitaler Wiederveröffentlichungen oder im Duett mit seinem Bruder Wolfgang als Voigt & Voigt. Im August letzten Jahres erreichte die treue Fangemeinde dann wenigstens ein kleines Lebenszeichen in Form der “RV 05 / RV 06”, der Fortsetzung seiner ultra-minimalistischen Konzeptreihe auf KX.

Nun also zwei neue Tracks, die so unerbittlich wie konsequent den klassischen Reinhard Voigt-Sound predigen und weiterspinnen – stoisch, radikal, minimal. “Cha Cha Club” knarzt und stampft dabei so gnadenlos voran, dass wir die Wiedereröffnung von geschlossenen Räumen voller Nebel und Dunkelheit und mit dem bitteren Geschmack von Gin und Chemikalien an unseren Gaumen kaum erwarten können. Bassdrum rein, Bassdrum raus, mehr braucht es manchmal nicht zum glücklich sein.

Mit “Die Frau, die nach Deutz ging” erzählt uns Reinhard zumindest im Titel die Fortsetzung von “Der Mann, der nie nach Deutz kam”, einem Track von “Was wir spüren”. Hier erinnert manches an Voigts SPEICHER-Tracks, souveräner, moderner Techno, vom Grundsatz her monoton, aber hier und da von unerwarteten Signalen und Tönen so unterbrochen und strukturiert, dass er auch auf größeren Tanzflächen funktioniert.

Seit jeher ist die Natur für den Künstler Dominik Eulberg eine Quelle für Inspiration, ein Ort der Kraft und des Rückzugs. Nun veröffentlicht der studierte Naturschützer sein sechstes Album: Avichrom. Dieses Kunstwort bedeutet soviel wie "Vogelfarben". Denn Eulberg widmet sich diesmal den Farben im Gefieder von Vögeln, von deren über bordenden Vielfalt es elf in die deutschen Namen heimischer Vogelarten geschafft haben, von Grünfink, Goldregenpfeifer über Blaumeise bis hin zu Purpurreiher und Schwarzhalstaucher. Sie dienen ihm als Führer auf seiner musikalischen Expedition in die Ornithologie. Eulberg zeigt sich hier als ein hart arbeitender Handwerker, als jemand, der alle Schritte der Produktion von Grund auf beherrscht und versessen an kleinsten Details feilt. Avichrom ist in dieser Hinsicht konsequent für den im Westerwald lebenden DJ und Produzenten: ein Werk, das im besten Sinne des Wortes zeitlos ist. Es läuft nicht Trends der Gegenwart hinterher, sondern schreitet auf dem eigenen Weg voran, den Eulberg seit frühester Karriere eingeschlagen hat und der ihm zahlreiche Preise und Chartplatzierungen eingebracht hat. Entstanden ist mit Avichrom ein Album, das schon beim allerersten Hören berührt, das aber dennoch bei jedem weiteren Mal neue Details offenbart. Ähnlich wie bei einem Gang durch die Natur zeigen sich immer neue Strukturen, immer andere elaborierte Verästelungen denjenigen, die genau hinhören: erst mit der Zeit zeigt sich die wahre Schönheit, die sublime Komplexität.

Night Cobra aus Texas, USA sind die neue, geschmackssichere Entdeckung auf High Roller Records - hier vermischt sich Heavy Metal mit Punk, Darkwave, Thrash Metal und einer gehörigen Portion Science Fiction!

Night Cobra sind eine neue traditionelle Metal-Band aus Houston in Texas, bestehend aus Christian Larson (Vocals), Brandon Barger (Gitarre), Bill Fool (Gitarre), Trevi Biles (Bass) und Cheech (drums). Im Jahre 2020 legten sie ihre selbst finanzierte EP namens "Praise Of The Shadow" vor, die sich im Nu ausverkaufte und letztendlich zu einem Vertrag mit High Roller Records führte, wo jetzt das Debütalbum "Dawn Of The Serpent" in den Startlöchern steht. Ganz bewusst hat die Band darauf verzichtet, Tracks von der EP noch einmal neu aufzunehmen und präsentiert stattdessen neun brandneue Kompositionen.

"Im Kern spielen wir Heavy Metal", beschreibt Sänger Christian Larson den Stil von Night Cobra. "Aber es sind auch ein paar Einflüsse dabei, die nicht ganz so offensichtlich sind, eben auch aus den Bereichen Punk, Darkwave und Thrash Metal. Ich bin gespannt, was die Leute daraus machen ..." Laut Larson handelt es sich bei "Dawn Of The Serpent" nicht um ein Konzeptalbum: "Aber viele Stücke setzen sich mit einer dystopischen Zukunft auseinander, auf die sich unsere Welt hinzu zubewegen scheint. Das Stück 'Run The Blade' ist beispielsweise vom Film "Blade Runner" inspiriert, und auch ansonsten atmet die Platte eine Menge Science Fiction. Einige Songs, die ich herausheben würde, sind 'The Serpent's Kiss', 'In Mortal Danger' und das bereits erwähnte 'Run The Blade'. Ansonsten denke ich allerdings, dass "Dawn Of The Serpent" seine volle Wirkung erst als Ganzes entfaltet."

Wenn man sich "Dawn Of The Serpent" aufmerksam anhört, wird schnell deutlich, dass das Material von seiner Struktur her doch einigermaßen europäisch klingt und zudem deutliche Einflüsse aus der NWOBHM erkennen lässt. "Da haben dich deine Ohren nicht getäuscht", lacht Sänger Christian Larson. "Ich würde sagen, dass ein Großteil unserer Einflüsse europäisch ist, ganz oben auf der Liste stehen Angel Witch, zusammen mit Mercyful Fate und den frühen Iron Maiden."

Wenn es um deutschen Speed- und Thrash Metal geht, dann
dauert es nicht lange bis der Name Living Death fällt. Alte
Fans reagieren ebenso euphorisch wie die junge Generation,
die die Band vielleicht erst durch Wiederveröffentlichungen,
sicher aber durch das Internet kennengelernt haben. Die
ersten beiden Alben sind dem frühen Speed Metal zuzuordnen
und bieten eine ebenso hohe Dosis an traditionellem Heavy
Metal. Die folgende EP und das Album „Protected From
Reality“ zeigen die Band im Thrash Metal verwurzelt,
was auch durch den von Violent Force zu Living Death
gewechselten Drummer Atomic Steif möglich war. „Worlds
Neuroses“ war dann die letzte Scheibe mit Sänger Toto und
wurde bei Veröffentlichung 1989 nicht flächendeckend positiv
aufgenommen. Ein Phänomen, denn im Grunde bündelt diese
Platte die besten Eigenschaften der genannten Phasen der
Band und bietet zudem eine wesentlich abwechslungsreichere
Gesangsarbeit. Schon wenige Monate später änderte sich das
Gesicht des Heavy Metal ganz empfindlich, doch in veränderter
Besetzung gibt es 1991 doch noch ein letztes Album. Über
die Jahre hat sich gezeigt, dass „Worlds Neuroses“ trotz klar
strukturierter Songs einfach etwas länger gebraucht hat, um
sich einen gewissen Status in der deutschen Metalhistorie
zu erarbeiten und dass die Scheibe mehr zu bieten hat als
die beiden Thrash-Leckerbissen „Last Birthday“ und den
Titelsong. Intelligent arrangierte, sehr kraftvolle Metalstücke
wie „The Testament Of Mr. George“ bieten zudem auch noch
unterhaltsame Geschichten als Lyrics. Dazu handelt es sich
ganz klar um die bestklingendste LP/CD von Living Death.
Die längst überfällige Vinyl-Wiederveröffentlichung kommt
mit einer Bonus CD (anstatt einem Download-Code) und
mit einem bedruckten Inlay. LP und CD bekamen ein jeweils
separates Remastering.

Düster-sphärischeAlbum der Post-Hardcore-Experimentierer La Dispute voll morbider Poesie. Panoramaist - gute zehn Jahre nach deren Debütalbum - die neueste Veröffentlichung derUS-amerikanischen Post-Hardcore-Band La Dispute. Die fünfköpfige Gruppe ausMichigan steht für einen komplexen, kompromisslosen und experimentellen Stil undwird ihrem guten Ruf auch mit Panorama wieder mehr als gerecht. Mit ihrerVermischung und Weiterentwicklung von Elementen des Jazz und Blues, Screamound Progressive Rock steht die Band stilistisch niemals still und bleibt dochimmer charakteristisch. Tragendes Element auch des jüngsten Albums sind dieanspruchsvollen Texte und der unverkennbare Gesang von Frontman Jordan Dreyer,der Spoken Word Passagen, Gesang und Screaming nahtlos ineinander übergehenlässt. Auf "Panorama" erzählt er von einer düster-morbiden und zugleichzutiefst persönlichen Reise, einer Autofahrt von seinem Heimatwort in denseiner Freundin die an verschiedenen Unglücks- und Unfallorten vorbei führt. Zudiesen intensiven Inhalten passt der musikalische Stil des Albums, der die energiegeladeneDynamik des Hardcore-Punks mit den introspektiven Elementen des Emo mischt undmit melodischen, zuweilen fast sphärischen Strukturen verbindet, die Panoramaätherischer und entrückter als frühere Veröffentlichungen der Band klingenlassen. Das Album erscheint als CD und LP, sowie als limitierte Sonderpressungin farbigem Vinyl.

Das japanische Quartett CHAI veröffentlicht mit "Wink" ihr drittes Album und ihr erstes für Sub Pop. Es enthält CHAIs sanfteste und minimalistischste Musik, aber auch ihr mit Abstand bewegendstes und aufregendstes Songwriting. "Wink" ist zudem ein extrem passender Titel: eine subtile, aber kühne Geste. Ein Zwinkern ist ein unbefangener Akt der Überzeugung. CHAI besteht aus den eineiigen Zwillingen Mana (Gesang und Keyboard) und Kana (Gitarre), Schlagzeugerin Yuna und Yuuki. Nach der Veröffentlichung von "Punk" im Jahr 2019 führten CHAIs Abenteuer sie rund um die Welt, sie spielten ihre hochenergetischen und beschwingten Shows auf Musikfestivals wie Primavera Sound und Pitchfork Music Festival und tourten mit Indie-Rock-Größen wie Whitney und Mac Demarco. Wie alle Musiker waren CHAI im Jahr 2020 gezwungen, die Struktur ihrer Arbeit und ihres Lebens zu überdenken. CHAI nahmen dies als Gelegenheit, ihren Arbeits-Prozess durchzuschütteln und ihre Musik an einen aufregend neuen Ort zu bringen. Hatten CHAI zuvor ihre maximalistischen Aufnahmen genutzt, um die Ausgelassenheit ihrer Liveshows einzufangen und die Reaktionen des Publikums im Auge zu behalten, konzentrierten sie sich nun darauf, die etwas subtileren und introspektiveren Arten von Songs zu entwickeln, die sie gerne zu Hause hören - wo sie zum ersten Mal die gesamte Musik aufgenommen haben. Inmitten des globalen Shutdowns arbeiteten CHAI quasi als Garage-Band und tauschten ihre Songideen - für die sie mehr Zeit als je zuvor hatten - über Zoom und Telefonanrufe aus, wobei sie ihre Einschränkungen in eine Stärke verwandelten. Während sich die Band an einen persönlicheren Sound anlehnte, ist "Wink" auch das erste CHAI-Album mit Beiträgen von externen Produzenten (Mndsgn, YMCK) sowie einem Feature des Chicagoer Rappers und Sängers Ric Wilson. CHAI ziehen R&B und HipHop in ihre Mischung aus Dance-Punk und Pop-Rock, während sie unbestreitbar CHAI bleiben. Ob in Bezug auf diesen neu entdeckten Sinn für Offenheit oder ihre Art, zu Hause zu komponieren, das Thema von "Wink" ist, sich selbst herauszufordern.

Von Annie Mac, Bonobo und Gorillaz bis hin zum Billboard, NME, Crack, Mixmag oder DJ Mag wird TSHA als eines der aufregendsten Talente aus Großbritannien gehandelt. Ihre kommende EP, „OnlyL“, die am 27. August 2021 auf Ninja Tune erscheint, zeigt eine selbstbewusste Kreative, die ihr eigenes Gefühl und ihren Sound ständig weiterentwickelt und verfeinert.

Die Veröffentlichung folgt auf einen fulminanten Lauf der jungen Künstlerin, zu dem auch der Start ihrer neuen, zweimonatlich erscheinenden „Jackfruit Radio“-Show auf Apple Music gehört, die Ausstrahlung ihres ersten BBC Essential Mix’ sowie die Ernennung zum „Future Artist“ von BBC Radio 1 im Januar 2021 und zum „Star of 2020“ durch BBC Introducing. Ihre letzte EP, „Flowers“, vom letzten Jahr, schaffte es auf mehrere Jahresendlisten und wurde von Billboard, NME, NPR, Resident Advisor, Mixmag, DJ Mag und vielen mehr gelobt.
Auf dem Titeltrack der EP, „OnlyL“, zeigt sich TSHAs angeborenes Talent, genreübergreifenden, stilvollen elektronischen Pop zu produzieren. Die Vocals von NIMMO alias Sarah Nimmo und Reva Gauntlett sind ein sofortiger Ohrwurm, wobei TSHA die düsteren Lyrics einem Upbeat-Instrumental des Tracks gegenüberstellt. „Power“ spielt mit einer weiteren Liebe von TSHA: Clubmusik. „I Know“ zeigt eine weitere Facette von TSHAs außergewöhnlichen Produktionsfähigkeiten. Die hier vollzogene perfekte Verbindung von Live-Musik und Elektronik ist ein wunderschön strukturiertes und melancholisches Werk, das um ein wunderschönes Hang-Trommel-Motiv herum aufgebaut ist.

- Lilafarbenes Standardvinyl im Disco Sleeve. Artwork von Felicity Marshall.

Über den Zeitraum von mehreren Wochen während des Lockdowns entstanden, präsentieren Nick Cave & Warren Ellis in dieser Woche ihr neues Gemeinschaftsalbum: Carnage – was zu Deutsch so viel wie Blutbad oder Gemetzel heißt. Cave beschreibt das Gemeinschaftswerk denn auch als „eine brutale, aber wunderschöne Aufnahme, eingebettet in eine gemeinschaftliche Katastrophe.“ Obwohl die beiden schon viele Soundtracks zusammen komponiert und aufgenommen haben, und Ellis zudem seit geraumer Zeit Mitglied von The Bad Seeds ist, handelt es sich bei Carnage tatsächlich um den ersten Longplayer, den sie auch offiziell als Duo eingespielt haben.

„Die Arbeit an Carnage war eine komprimierte Phase intensivster Kreativität“, sagt Ellis, „denn es dauerte gerade mal zweieinhalb Tage, bis diese acht Songs in irgendeiner Form standen. Dann erst sagten wir uns: ‘Ach komm, lass uns doch ein Album machen!’ Das alles war also nicht sonderlich geplant.“

Das Klangspektrum der neuen Aufnahmen reicht vom düsteren, elektronischen Puls des Stücks „Old Time“ bis hin zum sehnsuchtsvoll-wunderschönen „Albuquerque“, einer klassischen Ballade, die auf einer kreisförmigen Klavierfigur basiert, überzogen mit hypnotischen Streicherparts. Insgesamt hat das Album eine etwas rastlose Energie, die Perspektive ist im Vergleich zum gefeierten Nick Cave & The Bad Seeds-Vorgänger Ghosteen eher nach außen gerichtet – wobei die beiden auch dieses Mal versuchen, die Grenzen des Songformats zu verschieben, immer wieder neu auszuloten, was ein Song eigentlich alles sein kann…

Während die eigentlichen Aufnahmen in recht kurzer Zeit stattfanden, waren die Songs von Carnage schon davor länger herangereift, in den ersten Lockdown-Wochen, die Cave damit verbracht hatte, „zu lesen, regelrecht zwanghaft zu schreiben und einfach nur auf meinem Balkon zu sitzen und über die Dinge nachzudenken.“ An ein Album dachten die beiden denn auch gar nicht, als sie zusammen ins Studio gingen, um zu jammen. „Das Album“, so Cave, „ist dann einfach so vom Himmel gefallen. Es war ein Geschenk.“

Carnage ist die Fortsetzung jenes kollektiven Improvisationsansatzes, auf den die beiden schon für Ghosteen gesetzt hatten – was Cave zugleich erlaubte, das klassische, eher narrativ strukturierte Songwriting hinter sich zu lassen. Als Rohmaterial dienen ihnen Textideen, die Cave zuvor über einen längeren Zeitraum verfasst und verfeinert; sie handeln zumeist von wenigen Kerngedanken und -themen, einzelnen Bildern und Metaphern, die er mit Worten umkreist. Die eigentlichen Songs entstehen dann in ausgedehnten Improvisations-Sessions im Studio: Anfangs sehe das so aus, wie Ellis berichtet, dass „da zwei Menschen im Raum sitzen und sich etwas trauen, indem sie erst mal einfach passieren lassen, was gerade passiert“. Ihre endgültige Form bekommen die Stücke daraufhin erst durch intensives Editieren und Filtern, wenn Musik und Text zu einer Art Klangcollage zusammenkommen. Das Element der Überraschung spielt bei jedem dieser Schritte eine zentrale Rolle, und mal geht alles ganz schnell – „Shattered Ground“, zum Beispiel, sei, so Ellis, „gleich im ersten Take fertig“ gewesen, während andere, wie beispielsweise der Titelsong, „sich erst kurz vor dem Abschluss der Mixing-Phase zu erkennen geben sollten.“

Wenn man bedenkt, dass Carnage in relativ kurzer Zeit entstanden ist, wirkt die enorme Bandbreite an Themen und Stimmungen um so beeindruckender, denn das Resultat klingt einerseits absolut eindringlich („Old Time“), andererseits auch zutiefst kontemplativ („Lavender Fields“). Wie sich die Stimmungen und Energien verschieben und überlagern, erkennt man auch daran, wie die beiden gewisse Zeilen, Refrains und flüchtige Bilder auf immer neue Weise in den verschiedenen Songs wieder auftauchen lassen, was dem Album insgesamt etwas Kaleidoskopisches gibt. In Songs wie dem aufrüttelnd-aufgebrachten „White Elephant“ und dem fast schon fiebrig-psychedelischen „Balcony Man“ kollidieren surreale Bildwelten, so dass die Zeilen nicht mehr wörtlich zu verstehen sind und an ihre Stelle etwas Suggestives, Impressionistisches tritt.

Die einzigartige kreative Chemie zwischen Cave und Ellis basiert auf einer langen gemeinsamen Geschichte, die sie als Kollegen und Solokünstler verbindet: Erstmals begegneten sich die zwei schon 1993, als Ellis die Geigenparts für einige Songs von Let Love In einspielen sollte, das achte Album von Nick Cave & The Bad Seeds. Wenig später schaute Cave bei einem Konzert von Ellis’ Band Dirty Three in Brisbane vorbei – und landete schließlich auch selbst auf der Bühne, wo sie gemeinsam Interpretationen von Neil Youngs „Helpless“ und Roy Orbisons „Running Scared“ zum Besten gaben. „Damit fing das alles an“, erinnert sich Ellis, der schließlich selbst festes Mitglied von The Bad Seeds wurde. Auch beim 2006 gegründeten Bandprojekt Grinderman arbeiteten sie zusammen, was laut Nick Cave ein Ventil für „die beste Midlife-Krise war, die sich ein Mann wünschen kann“. In dieser Konstellation sollten sie zwei Alben aufnehmen, Grinderman 1 und 2, bis sie die Band dann 2011 wieder auflösten.

Seit 2005 haben Cave und Ellis zudem an etlichen Soundtracks für Film, TV und Theater gearbeitet – u.a. für The Road (2009) und Lawless (Die Gesetzlosen; 2012), beide entstanden unter der Regie von John Hillcoat, sowie für David MacKenzies Hell or High Water (2016) und Taylor Sheridans Wind River (2017). Das gemeinsame Erschaffen derart atmosphärischer Instrumental-Scores, wobei oftmals elektronische Loops von Ellis als Ausgangspunkt fungierten, über denen Cave am Klavier improvisieren sollte, hat ihre Arbeitsweise und ihr Songwriting nachhaltig geprägt.

Mit Carnage legen sie das nächste Kapitel ihres musikalischen Abenteuers vor: Ein Album, das quasi aus Versehen entstehen sollte, während des langen, weltweiten Stillstands der Pandemie-Monate. Die verschiedenen Stimmungen und auch das Rastlose an diesen Aufnahmen spiegelt die existentielle Ungewissheit wider, aber zugleich flackern auch immer wieder Momente der Ruhe auf, Augenblicke der meditativen Selbstbesinnung. Unterm Strich ist es ein Album, entstanden in und gemacht für diese unbeständigen Zeiten, das durchsetzt ist mit Augenblicken konzentrierter Schönheit. Aufnahmen, die ihre unumstößliche Zuversicht fast schon trotzig zum Ausdruck bringen.

Erstpressung auf "Red, White & Blue hi-melt on clear" Vinyl! Das japanische Quartett CHAI veröffentlicht mit "Wink" ihr drittes Album und ihr erstes für Sub Pop. Es enthält CHAIs sanfteste und minimalistischste Musik, aber auch ihr mit Abstand bewegendstes und aufregendstes Songwriting. "Wink" ist zudem ein extrem passender Titel: eine subtile, aber kühne Geste. Ein Zwinkern ist ein unbefangener Akt der Überzeugung. CHAI besteht aus den eineiigen Zwillingen Mana (Gesang und Keyboard) und Kana (Gitarre), Schlagzeugerin Yuna und Yuuki. Nach der Veröffentlichung von "Punk" im Jahr 2019 führten CHAIs Abenteuer sie rund um die Welt, sie spielten ihre hochenergetischen und beschwingten Shows auf Musikfestivals wie Primavera Sound und Pitchfork Music Festival und tourten mit Indie-Rock-Größen wie Whitney und Mac Demarco. Wie alle Musiker waren CHAI im Jahr 2020 gezwungen, die Struktur ihrer Arbeit und ihres Lebens zu überdenken. CHAI nahmen dies als Gelegenheit, ihren Arbeits-Prozess durchzuschütteln und ihre Musik an einen aufregend neuen Ort zu bringen. Hatten CHAI zuvor ihre maximalistischen Aufnahmen genutzt, um die Ausgelassenheit ihrer Liveshows einzufangen und die Reaktionen des Publikums im Auge zu behalten, konzentrierten sie sich nun darauf, die etwas subtileren und introspektiveren Arten von Songs zu entwickeln, die sie gerne zu Hause hören - wo sie zum ersten Mal die gesamte Musik aufgenommen haben. Inmitten des globalen Shutdowns arbeiteten CHAI quasi als Garage-Band und tauschten ihre Songideen - für die sie mehr Zeit als je zuvor hatten - über Zoom und Telefonanrufe aus, wobei sie ihre Einschränkungen in eine Stärke verwandelten. Während sich die Band an einen persönlicheren Sound anlehnte, ist "Wink" auch das erste CHAI-Album mit Beiträgen von externen Produzenten (Mndsgn, YMCK) sowie einem Feature des Chicagoer Rappers und Sängers Ric Wilson. CHAI ziehen R&B und HipHop in ihre Mischung aus Dance-Punk und Pop-Rock, während sie unbestreitbar CHAI bleiben. Ob in Bezug auf diesen neu entdeckten Sinn für Offenheit oder ihre Art, zu Hause zu komponieren, das Thema von "Wink" ist, sich selbst herauszufordern.

For Böser Herbst, Thomas Fehlmann returns to the sediment of ages, drawing from a similar lexicon of sounds to that used on 2018’s ‘1929 – Das Jahr Babylon’. Like that album, Böser Herbst was produced as the soundtrack to a documentary made by Volker Heise, ‘Herbst 1929, Schatten Über Babylon’, which offers historical insight to the third season of the television series Babylon Berlin. It adds yet another string to the bow of this most forward-thinking and creative artist, whose history takes in NDW (Palais Schaumburg), techno (3MB) and psychedelic ambience (The Orb), plus a clutch of gorgeous solo albums that explore wide terrain, from the dancefloor through supine home listening to compelling soundtrack work. Fehlmann’s approach here was to ‘capture’ samples of contemporaneous music, “picking up the dirt and dust of original 1920s archive sound and music excerpts and shaping the essence into this selection of tunes,” he recalls. After delivering the material to the editing room, Fehlmann “threw all the pieces up in the air, deliberately lost the overview in consequence, researched the atmospheric thread and assembled it for this album.” That explains the singular nature of the material here, and its ability to sit together so neatly and discretely, as its own entity. For Böser Herbst is a music box of possibilities, shadowed by its historical provenance, but never crudely beholden to it, rather “keeping the references only as a distant nod, a scent.”

It’s certainly an evocative listen, a cornucopia of textural pleasure and sensual, tactile assemblage. The spiralling, psychedelic cycle of “Karnickel” winds its way between the ears like thread to the needle; “Mit Ausblick” immerses the listener in deep, gaseous tones, only to be lifted into the air by the glassy drones of “Umarmt”. “Wunschwechsler” crackles with the unpredictability of weather systems while a guitar-like loop unspools across the horizon. Throughout, you can catch tiny tastes of the source material, but they’re pressed into greater service, Fehlmann using these sources for their evocative capacity and then saturating them with grain and rumble, abstracting outwards. It’s a music of temporal disjuncture and clairvoyant resonance, “speaking with the past – alert, distant and quixotic.”

Für “Böser Herbst“ schürft Thomas Fehlmann tief in den Sedimenten der Zeit und schöpft dabei aus ganz ähnlichen Klangquellen wie auf dem 2018 erschienenen Album “1929 - Das Jahr Babylon“. Auch “Böser Herbst“ wurde als Soundtrack zu der von Volker Heise gedrehten Dokumentation “Herbst 1929, Schatten über Babylon“ produziert, die den historischen Background der dritte Staffel der deutschen Fernsehserie “Babylon Berlin“ beleuchtet und dabei Archivmaterial mit Stimmen unterschiedlichster Zeitzeugen verknüpft. Das neue Album fügt eine weitere Saite zum Bogen dieses überaus voraus denkenden und kreativen Künstlers hinzu, dessen Geschichte NDW (Palais Schaumburg), Techno (3MB) und psychedelischen Ambient (The Orb) umfasst, plus eine Reihe von großartigen Soloalben, die ein weites Terrain erkunden, von der Tanzfläche über entspanntes Hören bis hin zu Soundtracks.

Fehlmanns Herangehensweise auf diesem Album war es, Samples aus jener Zeit "einzufangen", "den Schmutz und Staub der originalen 1920er Archiv-, Sound- und Musikaufnahmen zu sammeln und als Essenz in die einzelnen Tracks einfließen zu lassen", erinnert er sich. Nachdem Fehlmann das Material im Schnittraum abgegeben hatte, "warf er alle Teile in die Luft, verlor dabei absichtlich den Überblick, suchte sich dann einen atmosphärischen roten Faden und setzte alles wieder zusammen." Das erklärt die Einzigartigkeit des vorliegenden Materials und dessen Eigenschaft, sich fein säuberlich und gänzlich unangestrengt zu einer Einheit zusammenzufügen. “Böser Herbst“ ist eine Spieldose voll unbegrenzter musikalischer Möglichkeiten, umspielt von düsteren historischen Quellen ohne darin zu ertrinken – Fehlmann ging es stattdessen darum, "die Referenzen nur wie eine flüchtige Geste, wie eine Ahnung von etwas zu behandeln."

“Böser Herbst“ löst eine Vielzahl an unterschiedlichen Vorstellungen beim Hörer aus, es ist ein wahres Füllhorn an lustvollen Texturen und sinnlicher, taktiler Assemblage. Der spiralförmige, psychedelische Kreisel von "Karnickel" dreht sich in die Ohren wie ein Faden ins Nadelöhr; "Mit Ausblick" lässt den Hörer in tiefe, gasförmige Töne eintauchen, um anschließend von den transparenten Drones von "Umarmt" in die Luft gehoben zu werden. "Wunschwechsler" knistert mit der Unberechenbarkeit eines aufziehenden Unwetters, während sich ein gitarrenartiger Loop am Horizont abzeichnet. Überall kann man winzige Spurenelemente des Ausgangsmaterials erhaschen, aber sie werden in einen größeren Kontext gesetzt; Fehlmann benutzt seine Quellen nur als Mittel zum Zweck, um eine bestimmte Wirkung hervorzurufen, die einzelnen Teilchen werden angereichert mit Struktur und Körper und schließlich abstrahiert wieder ins Außen gesendet. Es ist Musik, an der die Zeit sich bricht und in die Zukunft schaut wie in einen Resonanzraum: Musik, "die mit der Vergangenheit spricht - hellwach, mit aller gebotenen Distanz und voller Rätsel".

Entwickelt über einen Zeitraum von zwei Jahren, in den auch die Veröffentlichung des 2019 erschienenen Albums ,Stray Fantasies" fiel, liefert das Ehepaar Hollie und Keith Kenniff mit ,In A Deep And Dreamless Sleep" nun ein deutlich schemenhafteres Kapitel ihres Technicolor-Pop-Projekts MINT JULEP ab. Wo das erste Album ein kristallines Gitterwerk definierter Pop-Strukturen trug, stumpft das zweite diese Schärfe ab und macht den Glanz weicher, indem es ein Gleichgewicht zwischen Songkunst und Hollies Solomaterial sowie Keiths Output als Goldmund herstellt. ,In A Deep And Dreamless Sleep" nimmt eine luftigere Form an und verströmt einen schweren Nebel von Shoegaze-Sensibilität, obwohl das ansteckende Pop-Know-How seines Vorgängers fest intakt bleibt. Im Gegensatz zu seinem Titel ist ,In A Deep And Dreamless Sleep" voll von Traumwelt-Neigungen, in denen Wachen und Schlafen, Lieben und Verlassen, Leben und Sterben austauschbar sind. Das Album ist durchdrungen von der sanften Betäubung der aufkommenden Liebe - oder vielleicht ist es die Trauer einer Liebe in ihrem Zwielicht. Oder es ist das Gefühl eines Ehepaares, das seine Liebe vor dem Hintergrund seines geschäftigen Lebens pflegt. ,In A Deep And Dreamless Sleep" ist ein Fenster in eine berauschend romantische Parallelwelt, die die Kenniffs aus analogen Synthesizern, meisterhaftem Sounddesign, nektargetränkten Hooks und luftigen Vocals, die weit in ein Meer von Texturen hinauswaten, erschaffen haben. Sie haben es geschafft, den Wert jahrelanger Rendezvous-Nächte in eine 46-minütige Sammlung von phosphoreszierendem Ambient-Pop zu verwandeln, der ein Gefühl von gekonnter Konsistenz vermittelt, das die beiläufige Entstehung des Albums widerlegt.

We are happy to presend you some of the labels best releases back on vinyl! Starting with one of the most wanted produced by Roland Casper and Rob Acid from 1995! Re-mastered and highly recommended!

Tangerine Dreams Livekonzerte waren in ihrer 1970er Hochphase improvisierte Klangerlebnisse, die mit geringem oder gar keinem Bezug auf ihre ebenfalls esoterischen Hitalben Abend für Abend anders klangen. In den 1980ern konkretisierte sich ihr Sound zu erkennbaren Strukturen, wodurch die Band Soundtrack-Erfolge für einige der grössten Filmproduktionen des Jahrzehnts (Risky Business, Firestarter, Near Dark, Thief, Sorcerer) erzielen konnte. Heutzutage kehren die bestehenden Mitglieder Thorsten Quaeschning, Ulrich Schnauss, Paul Frick (Brandt Brauer Frick) und Hoshiko Yamane zur Improvisationsmethode der frühen Tage zurück und spielen Livesessions als Konzert oder per Stream, von denen die besten Aufnahmen in der "Sessions" Albenserie erscheinen, die im Herbst 2020 mit Vol. II und III fortgesetzt wird. Beide neuen Veröffentlichungen wurden vom prämierten Vinyl-Toningenieur Miles Showell (The Beatles, Queen, ABBA, Amy Winehouse, The Rolling Stones, The Who, Lana Del Rey, Dido, Underworld) in den Londoner Abbey Road Studios gemastered.

Der Multi-Instrumentalist und Produzent hat sich mit fein strukturierten und enthusiastischen Kompositionen bereits einen Namen gemacht. Sein 2016 erschienenes Album „Forms“ zog mit seiner spielerischen Verwebung von Rhythmen und Samples die Aufmerk-samkeit der elektronischen Musikszene auf sich. In diesem Jahr veröffentlicht The Micronaut nun Olympia (Summer Games) – ein Album, das seinen sorgfältigen Produktionsstil weiterführt und dem Geist der Olympischen Sommerspiele gewidmet ist. Denn auch wenn diese abgesagt wurden, so sind die damit verbundenen Tugenden wie Durchhaltevermögen und Zusammenhalt zeitlos und gerade in diesen Wochen um so wichtiger. Solch grundlegende Prinzipien, die den Geist der Olympischen Spiele ausmachen, sind es auch, die The Micronaut umgetrieben haben. Und so war es kein Zufall, dass Summer Games entstanden ist: „Ich habe bisher immer Konzept-Alben veröffentlicht. Dieses Mal habe ich Olympia gewählt, weil es nicht nur Wettkampf, sondern auch eine Friedensbewegung ist, bei der es um die Menschen geht, ganz egal welcher Nation sie angehören.“ Diesen vielfältigen und stets vitalen, lebhaften Geist spiegelt das Album wider: Das verspielt-zarte Uneven Bars oder das träumerisch-sphärische Table Tennis, sie alle erzählen von den besonderen Momenten, von Siegen und Niederlagen und all den Facetten, die dem Sport innewohnen. Dadurch ist eine Reise entstanden, eine schwungvolle, aber auch turbulente Achterbahnfahrt, die den künstlerischen Anspruch The Micronauts abbildet: „Lebhaft, expressiv, dramatisch, manchmal ruhig, manchmal kraftvoll – ich versuche immer die Vibes von Wanderlust, Hoffnung und individuellen Momenten in meiner Musik einzufangen“ – erzählt der in Leipzig lebende Künstler. Und dieses Mal liegt das Spannungsfeld zwischen sportlichen Disziplinen – in dem sich The Micronaut musikalisch ausdrückt. Wobei seine Musik keinesfalls zum Sich-Messen anregt, vielmehr sind viele Tracks mit ihrem übermütigen, optimistischen Vibe für die Tanzflächen der Clubs geeignet, um sich die Anspannung der zuweilen olympischen Herausforderungen des Alltags von der Seele zu tanzen. Dazu hat The Micronaut anspruchsvolle Arrangements mit fließenden Melodien und unaufgeregtem Gesang kombiniert und den Weg für ein neues, collagenartiges musikalisches Genre geebnet. Bisweilen dreht Summer Games sogar in Richtung Elektro-Pop ab, dann wieder ist es inspiriert von old-schooligem Hip Hop and in anderen Momenten mündet und explodiert es förmlich in intelligent gesetzten musikalischen Hochsprüngen. Die Messlatte liegt hoch – doch bei allem Auf und Ab scheint immer durch, dass The Micronaut ein begeisterter Musikliebhaber ist, der Ideen und Inspirationen von überall her sammelt und sie unter Einsatz seines ganz eigenen emotionalen Prismas übersetzt.

"Civis Jams" ist eine brodelndes Werk aus schlummernden Strukturen und ruhigen, kraftvollen Songs. Die Vocals haften an den Rändern der Mixes, was ihnen einen intimen und zugleich kryptischen Klang verleiht. Dieses Gefühl wird nochmal verstärkt durch Darkstars nachtaktive Produktionsweise von Drums und Synths. Zu den Highlights gehören die Tracks "Wolf" in bester Mount Kimbie-Manier der "Cold Spring Fault Less Youth"-Phase sowie "Jam", ein potentieller Peaktime-Banger, den Darkstar aber sanft und mit der Schärfe eines Jai Paul interpretieren. Nach ihrem Hyperdub-Debüt "North" (2010) und den beiden Warp-Nachfolgern "News From Nowhere" (2013) und "Foam Island" (2015) haben Darkstar mit "Civic Jams" ein Album mit grandiosen Unterwasser-Nachtsongs erschaffen.

In den späten neunziger Jahren war Wien Welthauptstadt der elektronischen Musik - Namen wie Kruder & Dorfmeister, Pulsinger & Tunakan, Waldeck, Electric Indigo oder Fennesz künden davon. Danach kam lange Zeit nichts, bis eine neue Generation - von HVOB bis Parov Stelar, von Dorian Concept bis Elektro Guzzi - sehr nachdrücklich eigene markante Sound- und Leuchtspuren setzte. Und nun kündigt sich abermals ein Zeitsprung an.
Zu große Töne gespuckt? Nein. Selbst Christian Fennesz zieht schon den Hut. Vor Drahthaus. Einer Band, die eigentlich keine Band ist. Noch nicht einmal eines der vielen Projekte, die immer und überall rasch entstehen und noch rascher wieder vergehen. Hier ist etwas radikal anderes im Kommen. Das 2015 gegründete Kollektiv Drahthaus ist ein Zusammenschluss diverser in Wien lebender Kreativer (Musiker, Künstler, Designer, Filmemacher, Techniker, Programmierer, Handwerker, Veranstalter und Kreativer jeglichen Geschlechts) mit der Vision, alte Strukturen in Frage zu stellen. Und Raum für gänzlich Neues zu schaffen.
Die Faktoren Lust, Neugier, Fachwissen und künstlerische Vernetzung sind mit im Spiel. Auch wenn Drahthaus den anarchischen Freiraum der Kunst mit präzisen, systematischen, analytischen Fragestellungen vermessen. Im April erscheint das erste Album - es trägt keinen Titel. Aber es wird die Elektroniksphäre aus den Angeln heben. Lokal, national, international. Willkommen im Drahthaus.

Die Gruppe Automat - Jochen Arbeit (u.a. Einstürzende Neubauten, Die Haut), Achim Färber (Phillip Boa & The Voodooclub, Skip McDonald) und Georg Zeitblom (wittmann/zeitblom) - funktioniert wie eine gut geölte Maschine: Sie surrt, sie schnurrt, sie geht unbeirrt ihres Weges. Gemeinsam mit dem Modular-Magier Max Loderbauer sowie Paul St. Hilaire alias Tikiman, Lydia Lunch und Mika Bajinski am Mikrofon präsentieren sie nun mit »Modul« auf Compost Records ihr abwechslungsreichstes und konzeptionell stimmigstes Album.

Die Gruppe Automat funktioniert wie eine gut geölte Maschine: Sie surrt, sie schnurrt, sie geht unbeirrt ihres Weges. Auf seinem vierten Album allerdings schaltet das Trio einen Gang herunter, differenziert seinen musikalischen Ansatz weiter aus und geht fruchtbare Kollaborationen mit anderen Figuren aus der Musikwelt ein. Neben Max Loderbauer, dem Bandnachbarn aus den Candy-Bomber-Studios in Berlin-Tempelhof, mit dem Jochen Arbeit, Achim Färber und Georg Zeitblom bereits im Jahr 2015 für eine gemeinsame EP zusammenarbeiteten, sind das am Mikrofon die Dub-Legende Paul St. Hilaire alias Tikiman, die Königin der Gossenpoesie Lydia Lunch und die Newcomerin Mika Bajinski. Sie alle tragen ihren Teil nach dem Leitprinzip bei, welches »Modul« seinen Namen verleiht: Die acht Stücke entstanden gemeinschaftlich nach einem Baukastensystem, das den Kompositionsprozess dynamisch in Bewegung setzte und gleichmäßig auf alle Beteiligten verteilte. Das Resultat ist ein musikalisches Perpetuum Mobile - ein Album mit dem gemäßigten Ruhepuls einer Dub-Produktion, das unablässig in Bewegung bleiben.
»Modul« bildet als Album einen ständigen Veränderungsprozess ab, der erstmals im Jahr 2018 im Rahmen eines Auftragswerks für das Berliner Festival Pop-Kultur live erfahrbar gemacht wurde. Auf Einladung des kuratorischen Teams erarbeiteten Zeitblom, Färber und Arbeit gemeinsam mit ihren musikalischen Gästen St. Hilaire, Lunch und Gemma Ray ein Live-Set, das konsequent aus dem Studio auf Grundlage einzelner Passagen entstand, die nach dem Prinzip eines Resonanzmoduls miteinander (re-)kombiniert wurden: es geht zwischen den einzelnen Mitgliedern hin und her, die Strukturen morphen und der Sound nimmt immer andere Formen an. Eben dieser Ansatz bedingt auch die ständige Weiterentwicklung der Stücke, die gemeinsam mit dem Produzenten Ingo Krauss zu einem Album geschliffen wurden, das seinen nahbaren improvisatorischen Charakter keinesfalls verloren hat. Im Vergleich zu den drei thematisch ausgerichteten Vorgängeralben »Automat«, »Plusminus« und »Ostwest«, die sich jeweils explizit mit Berliner Flughäfen, dem Genre Dub und der europäischen Flüchtlingskrise befassten, setzt »Modul« auf eine inhaltliche Durchlässigkeit, welche die musikalische Offenheit der Platte widerspiegelt.
Nachdem »Modul 15« das Album mit satten Dub-Sounds und einer rollenden Bassline eröffnet, hebt »Easy Riding« passend zu St. Hilaires vor Fernweh triefenden Lyrics das Tempo mit dezenten Riddims an. Schon im nächsten Song, »Ghost«, debütiert Bajinski mit distanziertem Stimmeinsatz über einem melancholischen Stück, dessen Klangbild von den modularen Beigaben Loderbauers geprägt ist. So geht es weiter über die verzahnten Rhythmen von »Ankaten«, die von den verhallten Stimmen Lydia Lunchs und St. Hilaires begleitet werden, hin zum balladesken »Nothing Strange« mit St. Hilaire über das fiebrige Vocoder-Stück »Who For Eyes« schließlich zu den beiden abschließenden Stücken, »Pavo« und »Modul 11«, welche eine tiefenentspannte Coda zu den vorigen Tracks bilden. »Modul« durchläuft so eine Reihe von Stimmungen, ständig wechselnden Klangfarben und musikalischen Ideen, die sich in immer neuen Konstellationen zusammenfinden. Der erweiterte künstlerische Ansatz ebenso wie das vergrößerte Personal machen das Album nicht allein deshalb zur abwechslungsreichsten, sondern auch konzeptionell stimmigsten Platte Automats, die sich darauf in bester Form präsentieren: Als gut geölte Maschine, die surrt, schnurrt und unbeirrt auf dem Weg ist -
immer in Richtung neuer, unerhörter Sounds.

Unter Evolution versteht man gemeinhin die allmähliche Veränderung der vererbbaren
Merkmale einer Population von organischen Strukturen von Generation zu Generation.
Überträgt man diesen Gedanken aus der biologischen Welt in die musikalische von Northern
Lite, so trägt jedes neue Album die signifikanten Merkmale seiner Vorgänger in sich, aber erfindet
dennoch den typischen Northern Lite Sound auf spielerische Art neu.
Evolution, das 13. Studioalbum von Northern Lite, gibt ihrem unstillbaren Drang nach Härte und
Geschwindigkeit Raum, ohne jedoch die existenzielle Notwendigkeit von Liebe zu verleugnen.
Sich ihrer eigenen Vergänglichkeit bewusst geworden, gehen Kubat, Bohn und Rödel, nun jenseits
der vierzig, schonungslos mit sich ins Gericht. Weder textlich noch musikalisch werden
Gefangene gemacht. Von zärtlich quecksilbrigen Pop Balladen, bis hin zu neuen Hymnen, die die
Kraft haben, ganze Generationen im Herzen zu verbinden, nimmt jeder Song des neuen Albums
seine Hörer mit auf eine Reise zu sich selbst.
Im Ergebnis bilden hier Inhalt und Form eine rauschhafte Koexistenz, die nur durch die
meisterhafte Präzision der musikalischen Ausführung noch Steigerung erfährt.

Die 13 Tracks auf "Polymer", darunter energiegeladene Banger, helle, melodische, viszerale Rhythmen und hypnotische Strukturen, bilden das vielleicht kompakteste Album von Plaid. Das Duo ging Anfang der 1990er aus der Formation The Black Dog hervor und zählt neben Acts wie Aphex Twin, Autechre oder Nightmares On Wax zu den Eckpfeilern des Warp-Labels. In ihrer langjährigen Karriere arbeiteten Plaid zusammen mit Björk, London Sinfonietta und den Southbank Gamelan Players und füllten Venues vom Sydney Opera House über das Londoner Bloc bis zum Berliner Berghain. "Polymer" trägt all die Emotionen, Einflüsse und Inspirationen in sich und funktioniert als ihr Statement in modernen Zeiten.

Regen, Sonne, Bogenlampe - Fern Aller Entgeisterung Schwebt
Euphorie Übers Parkett. Kaum Faerlezt Und Seicht Ent¢ammt
Verbiegen Sich Vergangene Räume. Leise Und Voller Durst
Entgleist Die Struktur Hinzu Frohlockender Ekstase.
Charismatisch Windet Sich Carlotta Aus Den Trümmern Der
Ideenlosigkeit - Die Sanftmütigkeit ¢attert Elektrisierend Wie
Eine Lockenpracht Vor Dem Inneren Auge Des Ersten Eindrucks.
Lag Er Direkt Am Fuße Ihres Berges, So Hat Er Doch Vergessen
Ihr Wesen Ohne Reue Einzufangen. Ungebändigt Gestikuliert Der
Letzte Moment Trauter Unverbindlichkeit Wie Ein Morsezeichen
Und Ohne Jeden Titel In Eine Gestanzte Leere. Heiser Legt Eine
Bekannte Versuchung Wärmend Und Voll Von Wahrhaftigkeit
Die Kühle Hand Auf Des Treibenden Schulter. Es Scheint Wie Ein
Werk Der Analogen Entfaltung - Episch Knacksend Und Mühelos
Rudernd.

Jeder Song Auf Bayonnes Neue Album - drastic Measures Ist Eine Geniale Orchestrierung In Sachen Sound Und Struktur. Mit Dem Gewissen Händchen Für Details Ist Es Dem In Austin Texas Lebende Künstler (mit Richtigem Namen Roger Sellers) Gelungen Seine Samples Und Akkustisch Komplexen Songstrukturen Zu Perfektionieren. Drastic Measures Ist Eine Grandiose Verbindung Von Klassischen Pop Inspirierten Kompositionen, Die Auf Vertrackte, Überlagerte Und Geloopte Sounds Treffen. Das Album Ist In Seinen Größten Momenten Purer, Klarer Pop Versetzt Mit Sounds, Die Auch Mal An Frühe Animal Collective Erinnern. Gemischt Wurde Das Album Von Beatriz Artola (fleet Foxes, A$ap Rocky, Adele) Gemastert Von Josh Bonati (mac Demarco, !!!, Zola Jesus). Produziert Und Aufgenommen Hat Sellers Hauptsächlich Selbst, Unterstützt Von Einigen Musikerfreunden, Die Dem Album Mit Ihren Eingespielten Instrumenten Noch Mehr Energie Verpassten. Mit Seinem Sound, Gerne Verglichen Mit Panda Bear, Tory Y Moi Oder Auch Caribou, Schaffte Er Es, Auf Sich Aufmerksam Zu Machen, Was Schließlich Dazu Führte, Dass Plötzlich Shows Mit Two Door Cinema Club, Caribou, Neon Indian, Chairlift, Thundercat Und Battles Gespielt Wurden.

- Cd Gatefold
- Limitierte Erstauflage Im Orangen Vinyl

Nach Releases Auf Going Good, Jinn, Lovers Rock, Gravity Grafitti Und Moscomans Disco Halal-label Veröffentlicht Der Japanische Produzent Yoshinori Hayashi Nun Sein Debütalbum Auf Smalltown Supersound. Als Schüler Des Avantgarde-komponisten Mica Nozawa Besitzt Sein Werk "ambivalence" Einen Kosmischen, Hypnotischen, Fast Rituellen Ansatz Und Wird Von Resident Advisor Als "komplexes Patchwork Aus Studiogeräten, Live-instrumenten, Verstaubten Jazz-platten Und Clever Geschnittenen Library-sounds Mit Weichen Und Einladenden Strukturen" Bezeichnet.

Ein Schlussakt voller Dissonanzen, Spannungen und Unklarheiten mit süchtig machendem Potenzial.

Der aus Kanada stammende und in Europa lebende Pianist, Entertainer und Grammy-Gewinner Chilly Gonzales ist für den innigen Klavierklang seiner Erfolgsalben "Solo Piano" (2004) und "Solo Piano II" (2012) ebenso bekannt wie für seine Selbstdarstellung auf der Bühne und Kompositionen für preisgekrönte Stars wie Jarvis Cocker, Feist und Drake. "Gonzo", wie ihn engste Weggefährten nennen, strebt stets danach, ein Mann seiner Zeit zu sein. Er nähert sich dem Klavier auf der Basis einer klassischen und jazzmusikalischen Ausbildung - aber mit der Haltung eines Rappers. Wie die beiden vorangegangenen "Solo Piano"-Alben findet auch die dritte Folge ein glückliches Ende in C-Dur, doch auf dem Weg dorthin finden sich mehr Dissonanzen, Spannungen und Unklarheiten als früher. Denn mittlerweile ist es Chilly Gonzales egal, ob seine Musik gefällt oder nicht, und damit werden falsche Noten auch nicht mehr glattgebügelt. Dadurch erhalten seine geheimnisvollen Akkorde und seltsamen Strukturen einen solchen Suchtfaktor, dass sie schließlich wie unvermeidlich klingen. Im Gegensatz zu den ersten beiden Editionen ist die musikalische Reinheit von "Solo Piano III" kein Gegengift für unsere Zeit, sondern reflektiert all das Schöne wie auch Hässliche, das uns umgibt.

Jon Hassell Hatte Mit Seinem Visionären "fourth World" Konzept Vor 40 Jahren, Das Überlieferte Ur-weisheiten Mit Modernster Technologie Fusionierte, Einen Massgeblichen Einfluss Auf Musiker Wie Brian Eno ("my Life In The Bush Of Ghosts"), Talking Heads (remain In Light"), Peter Gabriel, David Sylvian, Björk Und Neuerdings Oneohtrix Pojnt Never, Huerco S Und Visible Cloaks. Nach Zwei Alben Ende Der Nullerjahre Auf Ecm Und Diversen Retrospektiven Seitdem Erscheint Nun Mit "listening To Pictures (pentimento Volume One)" Sein Erstes Neues Material Seit Fast Einer Dekade, Auf Dem Jon Hassell Seine Lebenslange Erkundung Der Möglichkeiten Der Rekombination Und Recodierung Musikalischer Fragmente Fortführt, Die Gesampled, Gelooped, Overdubbed Und In Betörende Neue Formen Neu Arrangiert Werden. Dabei Überträgt Er Die Maltechnik Des Pentimenti, Bei Der Teile Eines Gemäldes Während Der Produktion Übermalt Werden, Auf Die Musik Und Erzeugt Mit Überlagerten Sounds Völlig Neue Strukturen.

Nordische Minimal Electronica, gefühlvoll instrumentiert. Inkl. Tale Of Us Remix. Nach ihrer "Looped EP", die zum Record Store Day im April 2015 veröffentlicht wurde, bringen sich Kiasmos kurz vor Jahresende noch einmal mit drei neuen Titeln und einem Remix von Tale Of Us in Erinnerung. Kiasmos besteht aus dem isländischen Komponisten Ólafur Arnalds, der für seine Mischung aus minimalistischen Klavier- und Streicher-Kompositionen und elektronischen Sounds bekannt ist, und dem Färöer Janus Rasmussen, zugleich Kopf des Elektro-Pop-Projekts Bloodgroup. Die EP wird vom vierminütigen Track "Drawn" eröffnet, einem perkussiven Titel mit seichten Klavier-Motiven.

"Gaunt" begeistert mit Ambient-Synthies, einem Drum Loop und langsam sich bewegenden Akkorden. Der Titelsong "Swept", den das Duo bereits bei Konzerten als Überraschungsgeschenk in Form von Download-Karten an Fans verteilte, stellt eine clubtaugliche Beat-Struktur in den Vordergrund - einhergehend mit der von Kiasmos bekannten gefühlvollen Instrumentierung. Abgeschlossen wird die EP durch einen Remix des in Berlin ansässigen Duos Tale Of Us.

Dieses stattet den Downbeat-Charakter des Titelsongs mit einer sehr dunklen Ästhetik aus. Pulsierende Hi-Hats und ein treibender Bass-Loop geben dem Track mehr Tempo, während er sich zu einem epischen Ende auftürmt.

Wir wissen wirklich nicht, was alles im dänischen Trinkwasser landet, doch irgendetwas muß verantwortlich sein für den reißenden Talentstrom, der diesem Land entspringt. Man denke an WhoMadeWho, Jatoma, When Saints Go Machine oder Kenton Slash Demon: sie alle teilen einen ähnlichen Sinn für strukturale Komplexität, erlebbar gemacht durch Emotion und puren Willen zum Floor. Diese Leute haben ihre Scheren im Kopf schließlich schon vor längerer Zeit im Altmetall entsorgt und lassen nun umso befreiter die Hookline kreisen. Tatsächlich gehören zwei der oben genannten Acts bereits zur Kompakt-Familie, die anderen beiden sind Klassiker der täglichen Bürobeschallungsmaßnahmen, da war es nur
eine Frage der Zeit, bis wir die nächste Trüffel im skandinavischen Unterholz aufspüren. Womit wir zu Taragana Pyjarama kommen, dessen Output als gleichermaßen raffiniert wie chaotisch wahrgenommen und von manchen schlicht als Märchen mit Bass beschrieben wird.