Search:ti es

Elephant9 begründeten ihren Ruf als Live-Powerhouse schon lange vor ihrem Albumdebüt im Jahr 2008 und haben seitdem sechs weitere Studioalben sowie die beiden Doppel-Live-Alben Psychedelic Backfire I und II im Jahr 2019 veröffentlicht, letzteres mit Gastgitarrist Reine Fiske, dessen Lieblingsgitarrist zufällig Terje Rypdal ist. Da beide Alben vergriffen sind, ist Catching Fire eine höchst willkommene Ergänzung ihrer Diskografie. Aufgenommen bei einem bemerkenswerten Konzert von 2017 in Oslo - Rypdal würde in diesem Jahr 70 Jahre alt werden. Catching Fire hat Gemeinsamkeiten mit klassischen Live-Alben von Mahavishnu Orchestra, ELP und King Crimson, vor allem, was das Energieniveau und den Sinn für ungezügelte Intensität angeht. Dennoch gibt es auch ruhige Passagen, vor allem im 22-minütigen Opener, in dem sich Rypdal mit einigen typischen, gletschermelodischen Linien vorstellt. Rypdal ist die ganze Zeit über Feuer und Flamme für Lead-Action, heftige Rhythmusarbeit und abstrakte Akrobatik aus seinem Werkzeugkasten.Terje Rypdals Hauptwerk ist bei ECM erschienen, zunächst als Mitglied des Jan Garbarek Quartetts (Afric Pepperbird, 1970) und mit seinem ersten Soloalbum Terje Rypdal (1971), das bis zu Conspiracy (2020) insgesamt etwa 30 Veröffentlichungen umfasst.Ståle und Terje teilen ein gemeinsames musikalisches Verständnis, das daher rührt, dass Ståle seit fast 30 Jahren die ,rechte Hand" des Gitarristen ist, sowohl im Studio als auch auf der Bühne. Torstein und Nikolai sind die solideste aller Rhythmusgruppen, ein gut geölter Motor, der Finesse und Kraft vereint. Ståle Storlokken - Hammond, Rhodes, Mellotron Nikolai Hængsle - Electric bass Torstein Lofthus - Drums Terje Rypdal - Electric guitar.

Insanely good almost completely unreleased Jazz funk LP from Roland Haynes Jr. (They released just a single 45 included here from the tapes). Think undiscovered James Mason, and you'll be half way there, even by our high standards, this LP is HUGE.

Until now, that 1983 single has been the sole material trace of both band and artist. But like many dedicated musicians who follow their own path outside of the music industry, Haynes understood his musical worth, and the quality of his band. He had documented his work at key moments, laying down carefully worked out studio sessions and recording packed-out live gigs. The recordings that we present here are drawn from Haynes' personal archive of studio recordings that were for the most part unreleased.

"The Night The Zombies Came is Pixies’ tenth album, if you count their classic 1987 4AD mini LP Come On Pilgrim, and first new music since 2022’s acclaimed Doggerel LP. 13 new songs that find Pixies looking ahead to the most cinematic record of their career. Songwriter, vocalist and guitarist Black Francis explains: “Fragments that are related and juxtaposed with other fragments in other songs. And in a collection of songs in a so-called LP, you end up making a kind of movie.” Druidism, apocalyptic shopping malls, mediaeval themed restaurants, 12th century poetic form, surf rock, gargoyles, bog people, and the distinctive dry drum sound of 1970s era Fleetwood Mac are just some of the disparate wonders that inform the new songs. For the new album recording sessions the band returned to work with producer Tom Dalgety, who drummer David Lovering refers to as “a fifth Pixie” after producing 2016’s Head Carrier, 2019’s Beneath the Eyrie and 2022’s Doggerel. Early on in the recording process at Guilford Sound studio in Vermont, the band noticed the new songs were dividing into two camps: what they came to call the “Dust Bowl Songs” - country-tinged, ballad-esque numbers such as ‘Primrose’ and ‘Mercy Me’, and on the other side, the album’s furious punk numbers such as ‘You’re So Impatient’ and ‘Oyster Beds’. Only ‘Jane (The Night the Zombies Came)’ keeps its feet in both camps — reminiscent of early 60s Phil Spector, the band hitting the sweet spot between mushy and abrasive, it’s a track that Black Francis allegedly likened to being chased by a swarm of bees.
The Night The Zombies Came sessions also saw Pixies welcoming new bass player Emma Richardson (Band Of Skulls) to the line up; the first British band member to join the group. There’s also an expanded role for guitarist Joey Santiago. After contributing his first-ever Pixies lyrics on Doggerel, for the new record Santiago wrote the words to ‘Hypnotised’ by completing a complex lyrical riddle of sorts, known as a sestina.
The Night The Zombies Came is released via BMG on CD, black vinyl"

Atemberaubend, wie die zierliche Pianistin konzentriert Ton an Ton setzt, den zarten Klängen ausreichend
Raum und Zeit lässt. Souverän webt Gary Peacock seine Basslinien ein, und Paul Motian schafft jenseits
aller Beats einigende Strukturen. So gerät Amaryllis zu einem beeindruckenden Manifest musikalischer
Freiheiten: In blindem Verstehen entfaltet sich ein mild changierendes Feuerwerk brillanter Ideen, die bei
aller Ernsthaftigkeit doch herrlich unbeschwert erklingen. – Sven Thielmann, Stereoplay
Mit Amaryllis folgte die Rückkehr jenes großartigen amerikanischen Jazz-Trios, das 1997 mit Nothing Ever
Was, Anyway in Spitzenpositionen zahlreicher internationaler Jazz-Polls geführt worden war. Das Material
auf dem Album ist abwechselnd nachdenklich, berührend, ausgelassen und spannungsgeladen. Einige der
Stücke sind wohlbekannt – fast schon Klassiker des neuen Jazz –, darunter Crispells ”Rounds”, Peacocks
”Requiem” und ”December Wings“, Motians ”Conception Vessel”. Es gibt auch eine Reihe von inspirierten
frei improvisierten Balladen. Marilyn Crispell, die Bandleaderin, meint: ”Die Kommunikation ist profund
und von seltener Raffnesse.,” und die Interaktion zwischen den Musikern ist tatsächlich außergewöhnlich.
Das Magazin The Wire nannte die Gruppe in seiner Besprechung zum Album von 2001 „sicherlich eines
der großen Klaviertrios von heute.“ Amaryllis erscheint mit dieser Luminessence Reissue erstmals auf LP
und wird in einem 2-LP Tip-on Klappcover präsentiert.

Englabörn & Variations ist ein berührendes posthumes Zeugnis der eindringlichen Tonsprache des Komponisten. Auf dem Doppelalbum hat sich Jóhannsson selbst mit seinem ersten Solo-Album aus dem Jahr
2002 auseinandergesetzt und diesem neue Variationen hinzugefügt. So enthält es eine Klavierversion des
Titeltracks von DG-Kollege Vikingur Ólafsson und ergreifende Chorstücke. Aber auch andere international
bekannte Musiker, die Jóhannsson bewunderte, haben ihre Interpretationen hinzugefügt: u.a. Ryuichi
Sakamoto, Ambient-Duo A Winged Victory for a Sullen, Komponist und Produzent Paul Corley. ”Seine
Musik ist herausragend in ihrer intensiven Klangfülle und lyrischen Dichte. Und sie ist für meine Ohren
sehr isländisch”, so Sakamoto.
Jóhann Jóhannsson hat in seinen Werken einen ganz eigenen Kosmos an Klängen erschaffen, Musik
voll melodischer Eleganz und tiefer Melancholie. Sein faszinierend dichtes und soghaftes Debutalbum
“Englabörn” legte den musikalischen Grundstein für zahlreiche weitere Projekte. Sein erstes Album hat
auch nach vielen Jahren nichts an Kraft und Tiefe verloren und Jóhannsson wollte das Alte neben dem
Neuen erklingen lassen.
Das Album ist seit langer Zeit nun wieder auf Vinyl erhältlich.

Unite, released in 1992, marks the return of co-founder Khalis Bayyan, bringing a renewed energy to the album with a more R&B-oriented sound. This work combines romantic ballads and danceable grooves, while maintaining sophisticated arrangements. It reflects the group’s musical essence, with tracks like “Better Late Than Never” and “My Search Is Over,” blending funk and soul with elegance and emotion, offering a refined and energetic fusion of their influences.

First time vinyl reissue of Univers Zero's legendary Crawling Wind, originally released in 1981 on the Japanese 'Chaos International Series' label, with the original cover artwork has been beautifully redesigned by Thierry Moreau.

Toujours Plus à l'Est, as the title suggests, is heavily influenced by the traditional music of Eastern Europe, particularly Bulgaria., and paying tribute to the iconic catchphrase of Professor Calculus (Tournesol), the character from the Belgian comic series Tintin. Before The Heat, played live a few times, is an ambient composition by Andy Kirk, who is part of the EP's lineup alongside Daniel Denis, Guy Segers, Alan Ward, and Dirk Descheemaeker. Central Belgium in the Dark is a live improvisation from a period when Univers Zéro dedicated part of their concerts to complete improvisation. What makes this recording unique is that one of Andy Kirk's effects pedals picked up and emitted the sound of a mysterious radio signal, seemingly coming from "nowhere," especially noticeable at the end of the piece. The title of this improv is a nod to contemporary composer Charles Ives' work Central Park in the Dark. Central Belgium refers to the concert venue where the piece was recorded (Haine-St-Pierre).

Univers Zero represents one of the longest-living bands in Belgium. It was established in 1974. Drummer Daniel Denis had the brilliant idea to gather together a team of professionals sharing the same taste for music. The band has adopted an instrumental progressive style. Over the last couple of decades, the band has also implemented a series of influences from chamber music - most commonly, chamber music from the 20th century. Even if the line-up changes a lot over the years, the overall sound of UZ remained fairly consistent.

Thirty years after it was released on CD and cassette, Fuemana’s cult classic New Urban Polynesian album is finally available on vinyl. Born from the blood, sweat and tears of the late great Polynesian renaissance man Phil Fuemana and his family and friends, Fuemana’s music transports the listener back to the autumn and winter days of 1994 in the antipodes, where they turned love, loss, grief and acceptance into the finest R&B/street soul album ever recorded in Aotearoa New Zealand.

Fuemana spent several late nights tracking one-take sessions at The Lab Recording Studio with engineers Simon Taylor, Chris Sinclair and Mark Tierney. From there, New Urban Polynesian came together quickly. Across the album, Phil showed off his prodigious skills as a multi-instrumentalist and producer, playing most of the smooth, sophisticated, and heartfelt music himself. In the studio, he shared the lead with Christina and Matty J, supported by a cast of backing vocalists, musicians and guest vocalists, including a young Carly Binding.

From the lush openings of their soulful Roberta Flack, Donny Hathaway, and Stevie Wonder covers ‘Closer’ and ‘Rocket Love’ to the misty new jack swing serenade of his original ‘Seasons,’ Phil’s goal was to craft material that would let the music industry know the Fuemanas had arrived while also inspiring the next generation.

In 1995, the Fuemana family’s youngest sibling, Pauly, borrowed the initials from Ōtara Millionaires Club and began performing as OMC. Not long after, he changed everything for New Zealand music by recording the feelgood guitar-laced Polynesian pop global mega-hit ‘How Bizarre’ with producer Alan Jansson.

Consumed by a desire to do more musically, Phil established Urban Pacifika Records, where he launched the careers of a new wave of Pacific hip-hop and R&B talent, including Lost Tribe, Moizna, AKA Brown, and Sani Sagala, aka Dei Hamo.

In 2005, Phil tragically passed away from a heart attack aged 41. Five years later, Pauly, equally tragically, joined him after an extended battle with a rare neurological disorder, leaving Tony and Chirstina to grieve and make sense of their family’s extraordinary story.

When New Urban Polynesian first hit record store shelves in 1994, the Fuemanas dedicated the album to their father, Takiula Fuemana. Three decades later, it has expanded in meaning to become a remembrance of their youngest brother Pauly and a celebration of the life and times of their big-hearted big brother, Mr. Fuemana, Mr. Phil Fuemana.

Words by Martyn Pepperell in conversation with Tony & Christina Fuemana.

Gazebo Records feel honoured for the opportunity to share this important album for our inaugural release, now available for the first time on vinyl with remastering by Mikey Young.

All proceeds from this record flowing to the Fuemana family.

A RADICAL HORIZON is comprised of a series of duets between cellist Lori Goldston and pianist Stefan Christoff, recorded on a late Fall afternoon in Brooklyn, NY. A conversation between friends, these improvised excursions reflect a willingness to be open to the spirits in the space and between the notes; a spirit of communion that, as Stefan writes, "guides and dances with our dialogue together".

Stefan Christoff is a Canadian musician, community organizer, and journalist based in Montreal, Quebec. He has collaborated with artists such as Sam Shalabi and Adriana Camacho, performs with his brother Jordan as a duo in Anarchist Mountains, and has released music on labels such as Moon Villain, Shimmering Moods, and Aural Canyon.

A lifelong community activist, he helped establish the Musicians For Palestine project and has engaged in street-level solidarity work in Lebanon and The Philippines as well as closer to home in Montreal. This is his second appearance on Beacon Sound after 'In Sofia', an album of piano improvisations recorded in Bulgaria, was released on the label in 2023.

Classically trained and rigorously de-trained, possessor of a restless, semi-feral spirit, Lori Goldston is a cellist, composer, improvisor, producer, writer and teacher from Seattle. Her voice as a cellist, amplified or acoustic, is full, textured, committed and original. A relentless inquirer, her work drifts freely across borders that separate genre, discipline, time and geography.

Current and former collaborators and/or bosses include Earth, Nirvana, Mirah, Jessika Kenney, Ilan Volkov, Eyvind Kang, Stuart Dempster, David Byrne, Terry Riley, Jherek Bischoff, Malcom Goldstein, Steve Von Till, Lonnie Holley, Cat Power, Ellen Fullman, Maya Dunietz, Mik Quantius, Embryo, O Paon, Tara Jane O’Neil, Natacha Atlas, Broken Water, Ed Pias, Christian Rizzo and Sophie Laly, Threnody Ensemble, Cynthia Hopkins, 33 Fainting Spells, Vanessa Renwick, Mark Mitchell, Lynn Shelton, and many more.

Her work has been commissioned by and/or performed at the Kennedy Center, Sydney Festival, Cineteca Nacional de México, Tectonics Festival, Frye Art Museum, Time Based Art Festival (TBA), WNYC, The New Foundation, Paris Fashion Week, Northwest Film Forum, On the Boards, Seattle International Film Festival, Seattle Jewish Film Festival, Bumbershoot, Crossing Border Festival, Boston’s Museum of Fine Arts, Joe’s Pub, the Stone, University of Chicago, and venues large and small throughout North America, Mexico, Australia, and Europe.

Bobbi Lu is the moniker of Lucy Ryan, born and raised in Oxfordshire in the UK, now living in Bruges after following love a few years ago. As a DIY bedroom producer, she’s released a handful of singles and is now ready with a debut album – ‘Arrow, Four’ – that will be out on 25 October. Drawing inspiration from acts like Radiohead, FKA Twigs, Jockstrap and Saya Grey, Bobbi Lu intertwines piano melodies with deep crunchy bass, electronica and samples, coming together in a dystopian and mysterious sound. As Ryan started gigging, she quickly attracted attention and went from supporting acts like The Haunted Youth and Sylvie Kreusch to playing her own headline shows and amazing festivals like The Great Escape (UK).

‘Arrow, Four’ is a collection of ten songs, written over the course of a few years, the process of each one completely different. “I guess the individual tracks have their own story, but in my head each story is just a symptom of a bigger theme, mostly inspired by the book Future Shock by Alvin Toffler. In it he talks about people’s ability to adapt having essentially a limit, and with growth accelerating could we be overloaded and experience a 'future shock'. And maybe that’s already happening, most notably in the form of mental health struggles.” “It made me think of how progression creates new challenges, an arrow going one way is pulled back by another in the opposite direction. I feel like it’s a topic more relevant than ever, especially with AI most recently. I think I use this topic to fuel my lyrics mainly as a way of forgiving myself and others, in those moments where we struggle and make mistakes, that we're all just doing our best in trying to keep up with a rapidly changing environment.” This is also reflected in the artwork by Maarten Derous. “It ties everything together. He came to me after listening to it and said something that came out for him was fragility, which at the time I completely did not think of. But he nailed it. It’s like, yes do it, be fragile and take it easy, it’s a pretty good answer to stuff being pulled in all directions.”

Limited LEMON Vinyl Edition

The Post-Punk Synth Alchemists return with new album ‘Strange Loops’. With blistering rhythms and searing bass, AK/DK return with their highly anticipated fourth album, ‘Strange Loops’. It builds on the momentum of their previous release; Shared Particles, which sold out of the Dinked edition even before its release and achieved no. 7 in the Indie Record Store charts. Known for their trademark motorik energy and riotous joy, AK/DK are back, and for the first time, they’ve introduced guest vocalists into the fray. This new release sees the drum and synth duo collaborate with three exciting artists: the musician TVAM, punk poet - Thick Richard, and I Am Fya; sound artist. The angular guitars and spaced-out vocals of TVAM intertwine with the duo’s driving beats and convulsing synths, resulting in the pulsating Devo-esque powerhouse of ‘Square Route’. The two bands have been crossing paths on festival line ups for a while now and it seemed inevitable that they should join forces. I Am Fya’s usual experimental textures and sound-collage is temporarily put to one side on ‘Pull Up’. For this deep and heavy sub-rattling cut; I Am Fya and AK/DK lean heavily into sound system bass and dancehall style. Her febrile and powerful vocals interweave with tectonic sub bass and stuttering rhythms, sounding like Missy Elliot jamming with a modular synth. Manchester’s very own Thick Richard adds his lyrical, jet-black humour to the track ‘Nobody Shouts’. Their collaboration began when the band invited the punk poet up for an impromptu improvisation during their set at Beatherder festival 2020. It went down so well that they had to record it; learning the track from fan footage online. This is nothing new for AK/DK, creating powerful improvised moments for those lucky enough to be in the audience. Strange Loops presents two distinct halves of music. The A side offers sure-fire bangers that will linger in your ears and have you pounding the dance floor, while the B side delves into more experimental and ambient territories with completely live takes from the studio, reflecting the duo’s love of ‘70s German Kosmische bands. “We always had more ambient experimental tracks on our records, and wanted to give them a spotlight on this release” says the band’s Gee Sowerby. Their previous releases have earned accolades such as BBC 6 Music’s ‘Album Of The Day’ and impressed judges on Steve Lamacq’s Roundtable, solidifying their reputation as pioneers in their genre. It’s on stage where AK/DK truly come to life. Their electrifying performances, characterised by joyous live-looping of keyboards, drums, and distorted whoops, have made them a fervent fan favourite for over a decade. They’ve left an indelible mark on audiences at festivals like End Of The Road, Blue Dot, and Green Man, winning over new audiences wherever they play. With Strange Loops, AK/DK continue to push boundaries and defy expectations, reinforcing their status as one of the most dynamic and innovative acts in the scene

It has been three and a half long years since Parisian four piece Alvilda released the Negatif 7” on Alien Snatch. They have been playing gigs but there has been no sign of recorded material. Now they finally return with their debut album for Static Shock Records and without doubt it’s a stonewall classic. Every minute, every inch and every song is lean, locked in and upbeat with a tight and bright production. If you love 60’s girl pop but with a late 70’s power pop edge or Indie pop that has been raised on a diet of tuneful punk rock, then Alvilda will be your new favourite band, just like Dolly Mixture were, just like Chin Chin were and just like Les Calamités were. The album is just under 30 minutes and it never lets up with quality and tunes that get stuck in your head. Not being able to speak a word of French is not a hindrance, as all the songs are instant and catchy. Alvilda are here to stay, and it's time already.

Neue grün-rot-blau gestreifte Vinylausgabe des 2020er Debütalbums "Everything Seems Better Now" der Emo/Screamo-Punker Vs Self aus Los Angeles. Die Band konnte sich im kalifornischen DIY-Bereich schnell eine Fangemeinde aufbauen und sich mit dieser Debüt-LP, Tracks wie "Homesick", "Leave Everything", "Mourn" oder "Yesterday By Beatles Or: Imagine By Yoko Ono As Sung By John Lennon" sowie Millionen von digitalen Streams in den gesamten USA bekannt machen.

Onsloow burst onto the Norwegian indie scene in 2022 with their self-titled debut album. They quickly transitioned from obscurity to performing concerts nationwide, garnering rave reviews, playing at festivals, and receiving increasing radio play with each new single. As is the case for many passionate amateurs with families and day jobs, this couldn’t last indefinitely. Vocalist Johanne Rimul became busy with her master’s degree and growing family, Mathias Nylenna returned to his regular job at national radio, and drummer Morten Samdal and bassist Lasse Berg pursued their own musical projects. But Onsloow wasn’t finished. They soon returned to their practice space in Trondheim, working tirelessly on new songs for over two years. The result is their second album, aptly named Full Speed Anywhere Else.

With Rimul’s commitments making further band activity impossible, Onsloow had to search for someone who could continue the band's signature sound—distinctive, melodic vocals atop jangly pop guitars and driving drums. Fortunately, Helene Brunæs, frontwoman of the emo/pop-punk sensation Lille Venn, jumped on board without hesitation. Despite her busy schedule with regular releases, a US tour, and gigs alongside pop stars like Sigrid, she found time to join Onsloow's ambitious plans. Her warm, airy vocals perfectly match Onsloow's universe of catchy power pop, quirky indie rock, and energetic pop-punk. The new album even features hints of country and Americana. Over several sessions with producer Marius Ergo, the album took shape, with the band focusing more on details and arrangements than ever before. The goal was to elevate their music beyond their self-titled debut album.

Full Speed Anywhere Else’s ten meticulously crafted tracks form a cohesive unit, allowing the band to explore various directions, moods, and expressions without losing their essence: straightforward, catchy power pop that sticks, with plenty of nuances for those who appreciate the finer points.

Especial is a label always on a mission to unearth left-of-centre perspectives on club music. This new EP, Be Honest, is just that from long-time friends Lipelis and Arsenii, who are based in Belgrade and New York but seek inspiration in the New York sounds of the 80s and hook up with Gayana for some woozy and lovelorn vocal additions. 'Be Honest' is a dubbed out and swaggering deep disco groove that comes as long, dub and cappella versions on the A-side.

The 12" dance mix brings some superb house drums into the picture and the Dubplate VIP is a fresh jungle rhythm. This is an EP with something for all.

The next installment of MFM's popular multi-artist compilation Virtual Dreams: 'Virtual Dreams - Ambient Explorations In The House And Techno Age, Japan 1993-1999'. As with Part One, released in 2020, 'Virtual Dreams II' shines a light on house and techno-adjacent music that helped redefine the definition of ambient music during the 1990s.

The focus of Part One heavily fell on music from techno and house producers in Europe, eagerly exploring new soundtracks for chill-out rooms and re-imagining the potential future of club culture from new perspectives. For Part Two, we narrow the lens to focus on a unique time and place, namely Japan between 1993-1999. Despite missing out on the 'Acid House Fever', club culture was beginning to take shape in Japan during the early '90s. In contrast to the rest of the world, where ambient techno / IDM emerged as a by-product or response to the scene, 'listening techno', as it is known in Japan, was a central pillar of the culture right from the start.

'Virtual Dreams II' aims to shine a light on this unique moment in time where the thread of ambient music weaved its way through the music of an emerging club culture. This period saw the birth of many great Japanese techno labels such as Sublime Records, Transonic Records, Syzygy Records, Frogman Records, and Form@ Records, following in the late '90s. 'Virtual Dreams II' features ambient, chill-out, and intelligent techno from these leading labels alongside other lesser-known but equally influential imprints, as well as ambient deviations from Japanese house producers. Much of the music featured has only ever been released on CD.

'Virtual Dreams II' is compiled by Eiji Taniguchi and Jamie Tiller, who have worked closely together on previous Music From Memory releases such as 'Heisei No Oto' and 'Dream Dolphin - Gaia'. It is also the final project Jamie Tiller worked on before his tragic passing in 2023. Jamie had been researching, planning, and compiling this version of Virtual Dreams even before the first chapter was released, believing that there were many great tracks in Japan that fit the concept of the series. Knowing how much love and energy he put into compiling it gives it an extra special place in our hearts.

Compiled by Jamie Tiller and Eiji Taniguchi with artwork by Kenta Senekt, design by Steele Bonus and liner notes by Itaru W. Mita,

Reloading, revamping, reinstalling - we've peered under the hood of last year's singles, Your Life and Take It, and decided they required the peak-time-remix-alignment. While Your Life's refix was self-inflicted by Patrick, Take It required the expertise of frequent collaborator Physical Therapy. Both reworks maintain the originals' essence, while bringing higher BPMs, weightier subs, and jacked up percussion to the table. Test driven during the summer of '24, this package is ready to rip.

Selection of all winners from the Music Team label - mid 80s to early 90s gems on here!

One of South Africa’s biggest independent labels for more than a decade, Music Team offered working musicians a shot at fame via access to top studios, producers, songwriters and session musicians, as well as distribution via a number of imprints: CTV, Red Label, Solid, Spinna, Mambo Music and others. Artists in the stable who tasted success would typically release a few albums over as many years before moving on to other labels or falling off the radar as times changed. At their peak, according to label boss Maurice Horwitz, Music Team was selling a million records a month, and was at the forefront of South African pop music as it evolved from soul to disco and beyond.

Afrosynth Records’ ‘Music Team Sampler’ dusts off six rare and long-forgotten gems from the Music Team catalogue, originally released between 1986 and 1992. Four are typical of the label’s take on the popular ‘bubblegum’ sound of the day — Isaac ‘Cool Cat’ Mofokeng’s ‘Candy’, ‘I Won’t Let You Go’ by Linda Oliphant, Jappie Lebona’s ‘My Love is Yours and ‘Instant Love (Eyami Lendoda)’ by Thandi Zulu (aka TZ Junior). Two instrumentals — Mr. Ace’s ‘Ace 1’ and ‘Axe Chop’ by The Hard Workers, a studio project by Music Team’s in-house producer Tom Mkhize — meanwhile hint at the imminent rise of kwaito and house.

Forged in the fire of a cruel and volatile political system that was gradually unraveling, instead of addressing political realities these indelible pop songs sought to provide an escape to a world where love and music were all that mattered.

"Disco Crash" wird zum allerersten Mal auf Vinyl veröffentlicht und um die Klangdynamik zu maximieren, wird es auf einer Doppel-LP sein! Dieses Album aus dem Jahr 2012 enthält Beiträge von Snoop Dogg, Pitbull, Sophie Ellis-Bextor und Sean Paul. (Wieder-)Entdecken Sie die weltweiten Hits "Far l"Amore", "Rock The Boat" und "Tik Tok" ...

Having established a legacy as one of the most highly regarded contemporary UK Jazz musicians of the past decade, Newham-based pianist Alfa Mist’s discography boasts such stone cold classics as ‘Antiphon’ ‘Bring Backs’ and ‘Nocturne’. Alfa is yet to be boxed into a specific genre as his music spans everything from hip-hop beat-making to producing for artists such as rapper Loyle Carner, composing neo-classical works for the London Contemporary Orchestra, and reworking tracks from composer Ólafur Arnalds and pioneering jazz label Blue Note, not to mention his collaborations with the likes of Jordan Rakei, Tom Misch and drummer Richard Spaven, producer Lester Duval and singer Emmavie.

Now unveiling his next offering, Alfa revisits his stellar 2024 performance with Manchester’s extraordinary string outfit Amika Quartet at heralded venue Kings Place (London), capturing the magic of the evening within this awe-inspiring live album. Featuring a handful of brand new, never-before-heard tracks (alongside a number of expansions of previous releases), ‘Recurring’ sees Alfa drawing inspiration from classic live Jazz recordings, capturing a unique moment in time that can never be replicated or replayed. Creating an authentic, unpolished and electric feel, feeding his long-running mission of real-time musical expressions that evolve with each performance. On the genesis of the record, Alfa says: ‘Some of my favourite albums are captured live performances. I came home from a long year of touring and decided to work on some music for Amika Quartet who I've been working with for years on a few different shows and projects. A lot of the music I release is recorded in whole takes, I think there's something nice about doing the best you can with the moments you have. I wanted to take that one step further by recording it as a live show and seeing what happens.'’

Due for release via Alfa’s own Sekito Records imprint, a potent, raw and spontaneous energy permeates the release. Marking his first project with a full string arrangement, the iconic Kings Place venue’s reputation for spectacular acoustics, as well as intimate setting made an ideal location for the live recording. The decision to record in a live venue rather than a studio was driven by Alfa’s desire to push beyond his comfort zone and explore new creative territories. On first single ‘Checkpoint’, Alfa also takes to the microphone, breaking away from his usual introspective lyrical style to make comments on the current state of the world. He explains: “ 'I've written lyrics before but this is the first time I've ever tried to write a poem and it ended up being about the double standards of violence we see in this world everyday”. This offering is a testament to Alfa’s continuous evolution as an artist, blending his introspective lyric with broader societal observations, all while maintaining the improvisational spirit of jazz.

SUBB Selections is back! The second in the series again features the best in bass bin shaking tweeter breaking modern day jungle sounds. Aeon Four's debut "Respect" gets a bouncy rework from Ark X & Duburban, while the duo themselves return a remix favour to Esc with "Black Tiles". Elsewhere, DJ Sofa delivers "Step Up", a dark & heavy nod to the classic jump up of mid-90s à la The Ganja Kru, while FFF takes it a few notches faster with a pure dance floor banger "The Limit".

Sol Power Sound returns with an EP of two blistering (and rare) island disco cuts remixed by Bosq and the Sol Power All-Stars that will make you forget that summer has come to a close. Officially licensed from the estate of Nappy Mayers, who wrote and produced both originals, both tracks capture Nappy’s exquisite sound that dominated the Trinidadian discotheques in the late 1970s and early 1980s but never received the international acclaim they deserved.

Bosq, a long-time friend of the label, leads things off on the A-side with his fiery dance floor flip of Nadie La Fond’s “Three Way Situation.” In his classic yet understated style, Bosq adds just enough, enhancing the captivating groove, while preserving the true essence and of the original. Using both vocal and dub parts Bosq turns up the funk and transforms the tune into a blistering modern disco cut that works equally well on the beach, in a dark club, or at your favorite underground afterhours.

On B1, the Sol Power All-Stars present an extended disco dub of the 1980 Nappy Mayers tune “Let Yourself Go.” The Sol Power crew opts to work with the b-side version of the original, which bypasses the lead vocal and instead focuses on the synth-bass led groove, an unforgettable chorus, and powerful disco horns. Toss in some chopped up flute, guitars, and synth and you’ve got yourself a party. And did we mention drums and perc? Don’t miss the massive soca break that will take you straight to a carnival jam in the islands.

Alongside remastered extended 12” versions of both original vocal cuts, Trini Disco Dubs highlights the genius of Nappy Mayers, a legendary Caribbean songwriter, producer, and performer, through the lens of modern producers who are at the top of their game.

The first edition of Era Specific Noise is both an ode to the early 2000s and the debut of a new alias by label founder Richardson. Having spent the better part of his recent memory scouring record stores and consuming more VG+ dance music than is medically recommended, this 12-inch marks a personal shift towards character-filled production without limitation.

Armed with a growing appreciation for the originality and love poured into old-school techno, ESPN001 is the first glimpse into Richardson's fast-growing stockpile of musical weaponry.

We kick things off with "Introductions", the first of two upbeat, vocal-laden pieces of DJ-friendly dance music that make up the A side. A new hardware-focused approach produces whirling, stabbing chords and a groovy baseline to meet the eponymous sample of this track. Up next, "Coming In Hot" which does just that - presenting a cohesion of warm, groovy techno littered with dubby synths and a throwback feel.

On the flip side is a pair of fresh takes reminiscent of the more functional sound of the era - the timeless, loopy techno that powers dancefloors worldwide. There’s nothing quite like finding a hidden gem on the B side! Robotic vocal loopings and a galloping low-end form “Notch”, a warehouse tune completed by a warmer feeling send-off littered with floating pads and a classic Reese bass. Closing out the release is “Synthetic Scream”, a synthesiser in anguish showcasing an almost mournful interpretation of the 909 era, complete with fast, driving percussion and classic break hits.

Welcome to Era Specific Noise - New school old school.

2024 Repress

All in that stark contrast between ethereal spaciousness and steely, martial rhythms out the industrial spectrum, 'Far Field' takes us on a voyage across the board, from breaks-heavy machine stunts to washed-out tapestries, via EBM-laced detours and junglistic maneuvers. Investigating the nexus zone between dance functionality and limitless escapology, it extrapolates both artists' blends to further immersive, hypnotic effect. Taking over the A side, .VRIL gets the ball rolling with 'Lost Together', which sets the tone on a low-slung, nostalgia-drenched note; combining the syncopated swagger of downtempo techno with ambient-oid stasis and static-filled opacity. Like watching an all-metal sun sinking past the blazing skyline. Revving up the engines, 'Fnord' feat. RAeYN conjures up a way more muscular arsenal of big-room-ready wares, from aggro snare salvos to anthemic synth kinetics, through that replicant-hunting kinda vibe. One to have the Saturn rings go hula hoop, with all woofers and brains in the vicinity melting in XTC. Shutting the A side off, 'We Believe' returns to a lighter, more vaporous mindset but sure implements that signature heavy swing of .VRIL, flush with textured kicks and FX-soaked arps. True monster prog swell. Flip it over and there's HVL dishing out a textbook example of his vortical electronic furls with the title-track, 'Far Field' - an oneiric drift that slowly rises from its heavy-lidded slumber, ascending towards bleepin' n bloopin' experimental effervescence as bars fly by. A number bound to hack your body and mind into two distinct facets, and while one dances its way frantically across the ever buzzing space/time continuum, the other shall reach a state of healing calm and transcending ubiquity. Smoothly shuttling us off to the upper layers of the ionosphere, 'Lancet Mxi' clenches it on a trippy note, taxiing us midway zero-G UK bass territories and eerie ambient abstraction. HVL's total, widescreen vision at its most unhindered, all set at expanding your mind to yet uncharted horizons of sound and closing the gap between two distant, estranged galaxies. A fractured headspace to both dance and dream to. *Dressed in a fine piece of artwork courtesy of Daniel M. Diaz, 'RYCL021' comes pressed on 180g audiophile black vinyl for optimal playing and listening experience.

Das Debütalbum des Künstlers Andrzej Steinbach „Portal“ enthält zwei Musikstücke, „Wartehalle“ und „Behörde“, die er Anfang 2024 in Mono im Leopold-Hoesch-Museum Düren aufgenommen hat. Dafür hat Steinbach ein Objekt („Ohne Titel (Zarge aus einer ehemaligen Behörde), 2020“) aus seiner Sammlung zu einem Instrument umfunktioniert. An den metallischen Türrahmen wurde ein Kontaktmikrofon angebracht, das die Eigenschwingungen der Zarge durch einen Verstärker und einen Schallwandler in einer Feedbackschleife zurückgibt. Mit einem zwischengeschalteten Mixer war es Steinbach möglich diese Aufladungen direkt anzusteuern und den Türrahmen in einer Art „Free Industrial Jazz“ zu spielen. In situ entstanden die beiden experimentellen Tracks „Wartehalle“ und „Behörde“, deren klanglichen Charakter Waltraud Blischke u.a. so beschreibt: „Was auf Vinyl mit Glockengeläut von außen und vibrierendem Crescendo durch Schwingungen im Inneren beginnt, diffundiert bald als Feedback, verwandelt stehende Wellen in Klänge von Nebelhörnern. (...) Eine Art rudimentäre Sprache steigt über verschiedene Stimmlagen hinauf, wirkt über Distanzen hinweg drohend, mal launisch wie ein durchnässter Kontrabass, verweilt im rhythmischen, elektrostatischen Knistern, rattert wie ein Relikt frühindustrieller Maschinerie mit Schlagzeug im Gedärm.“ Und damit rüttelt auch „Portal“ – wie alle Arbeiten Steinbachs, die im Rahmen seiner Ausstellung „Unkenntliches Metall“ vom 29.9.2024 - 19.01.2025 im Leopold-Hoesch-Museum Düren gezeigt werden – an den Festschreibungen und Sicherheiten unseres durchstrukturierten Alltags.

Slow paced drums with offbeats softly phased with the guitar, misty takeoffs from the synthesizer: a hazy idyll is starting off on the road to the rocket festival (bun bang fai). Answering each other on the responsive mode of the lam soeng, Sothipong engages in a flirt but Oulay Vanh is not ready to trifle with just anybody.

As a stylistic variation of a popular Lao musical genre, the lam soeng was the source of several themes among which the “bang fai” - which is part of the Lao conciliatory festivities preceding the rainy season - remains one of the most renowned.

However, the producer and composer of these songs, Sothy, created an unusual arrangement: the instrumental introduction separates from the sang canon, the synthetic mix is stripped down of the traditional organology - everything here becomes unsettling for a listener familiar with the genre.

Everything comes with a reason: the record was edited in 1981 under the title Sothy Productions yet produced in France by the Parisian label Oxygène (famously known for its unforgettable first French punk compilation 125 grammes de 33 1/3 tours). Chansons Laotiennes still remains hard to classify.

And then who’s Sothy? Along with the unverifiable identity of the seemingly Laotian singers, skepticism gains ground concerning the man behind the pseudonym. Is he an escaped musician from one of the first Cambodian rock bands of the 1960s? A surviving producer from the 1980s Paris? Or a composer in transit in one of the many places of the Laotian diaspora? Sothy eludes any researches and disappears behind his numerous homonyms.

The second track is just as enigmatic: a beat box, a lightly reverberated voice as well as a guitar solo and a small synthesizer break, “Tuei” or “Tawai” offering (as the writing on the record suggests) makes way to dancing step and a truly joyful melody. Twisted and lively steps on a romantic background tune turn this second track into a genuine paslop - a program recommended by therapists to relieve muscular pains due to seated positions: you will unlock your pelvis with some synchronized Laotian choreographies.

For their first edits, Akuphone called on a young Parisian producer. Shelter, aka Alan Briand, mingles his own mixes and electro productions with a large variety of influences and styles: krautrock, disco, traditional music, psychedelic, synth pop, ambient, bossa nova, Japanese funk. He produces both original compositions and remix.

« A Fantastic mixture of Brakka, Reggae & Afrobeat Recorded between 1980 and 1984 from the underground Afropean boxer Mushapata »

“Saba-Saba Fighting” or fighting for peace, is the message that Mushapata, a legend of the African reggae underground scene in Paris with an extraordinary destiny, has fought for all his life.

Born in Bukavu, a city nowadays located in the Democratic Republic of Congo at the border with Burundi, Mushapata arrived in France at the end of the 1970s to pursue his career as a boxer. A few years later, revolted by the professional sports industry, he became a personal protection agent on the advice of his manager. He escorted many celebrities among whom Bob Marley during his legendary French tour of 1980. This encounter awakened the musician hidden behind the boxing champion. Mushapata had stepped out of the ring but he kept fighting with music, lyrics and his band Saba-Saba Fighting.

Ignored by the record labels of the time, his first self-produced recordings reveal a rough mix of lo-fi reggae, afrobeat rhythms accompanied by a brass section close to Free jazz. The nonchalant sounding voices of Mushapata and Tshayi complete this explosive cocktail and carry, in Swahili language, the Pan-African ideas of Lumumba and other great figures of African-American struggles.

This maxi single, conceived as a mini-compilation tribute, includes 4 titles from the first two albums recorded between 1980 and 1984. Limited edition!

"One of the most iconic groups of the late 20th century, Dire Straits established their timeless sound from the
moment they first appeared on the London gig circuit, in 1977. With faultless musicianship and memorable songs
that quickly connected with music lovers, it was clear the group would set their own path, proving that, even amid
the new-wave era, classic songwriting would never go out of fashion.
After three years of relentless hard work, touring, writing and recording their music, the group entered the 1980s
well on their way to becoming the biggest-selling band in the world. That year’s Making Movies album would also
make its presence felt on the silver screen, thanks to the inclusion of the UK No.8 single ‘Romeo And Juliet’ – later
used in films such as Empire Records, Hot Fuzz and I, Tonya – and live favourite ‘Tunnel Of Love’, which featured in
the 1982 Richard Gere film, An Officer and a Gentleman. Dire Straits’ frontman, Mark Knopfler, would later explain
to The Times how satisfying it was to write ‘Tunnel Of Love’: “It’s the moment when you know you’re really on to
something,” he said. “There’s a certain part of the song that I call the breakdown and when I got there I could feel
the drums, the piano, all the things that I wanted all the instruments to do. When you get to that state, there’s a
strange sense of one thing following another, of elements falling into place quite naturally.”
Paying extra attention to those elements, this half-speed master of Making Movies has been overseen by Miles
Showell at Abbey Road Studios, in London, resulting in a cut that has a superior high-frequency response (treble)
and very solid and stable stereo images. Pressed on 180g vinyl, it comes with alternative artwork that swaps the
red and the blue of the original album sleeve, plus a printed inner sleeve, a “Half-Speed Master”-branded obi-strip
and an Abbey Road certificate of authenticity.
"

"The acclaimed 2007 album reissued on 1LP clear vinyl. Taken from the original 2007 masters when Pete Doherty was at the pinnacle of his creative powers, ‘Shotter’s Nation’ followed in the footsteps 'Down In Albion’, the band’s debut album, and Doherty’s first album outside of his first band - the era-defining Libertines. Both were met with commercial and critical acclaim, breaking into the top 10 of the album charts.

‘Shotter’s Nation’ is unmistakably Doherty. Melodic, stark, catchy, raw, brilliantly unique - his music has always created an unflappable loyalty from his many fans, remaining timeless, yet still sending a nostalgic excitement through its listeners. The album also features four songs co-written by Doherty’s then-girlfriend Kate Moss who also regularly performed live with them.

The approach to the recording and release of the album was an escape from Doherty’s previous methods. Stephen Street (The Smiths, Blur, Morrissey, The Cranberries) took over producer duties from The Clash's Mick Jones, and it was and his first album released by a major label, Parlophone."

"Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me", das vierte Album von Porridge Radio, wurde Anfang 2024 in Somerset vom langjährigen Big Thief- und Laura Marling-Tontechniker Dom Monks aufgenommen und ist ein Moment des Erwachsenwerdens, inspiriert von Burnout, der Musikindustrie, Herzschmerz und der zunehmenden Vertiefung der Bandleaderin Dana Margolin in ihr eigenes Handwerk als Künstlerin. Margolins rücksichtsloser, sich selbst hinterfragender Schreibstil wird auf dem gesamten Album durch die bisher ergreifendste Musik der Band ergänzt, die sich geduldig aufbaut und tragisch intensiv ist. "Alle Songs begannen als Gedichte, ich wollte mich selbst herausfordern", sagt Dana Margolin über das Werk, aus dem "Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me" wurde. "In einem Song kann sich der Autor immer hinter den Tricks der Musik und altbekannten Techniken wie Wiederholungen verstecken. In einem Gedicht hingegen sind es nur Worte und das war's." "Vieles auf diesem Album handelt von einer frenetischen und verzweifelten Art von Liebe, es geht um den völligen Verlust meines Selbstbewusstseins in einer Beziehung und um den tiefen Rest von Unsicherheit und Schmerz, der eine neue Beziehung trübte." Lieder, die als Liebeslieder geschrieben wurden - wie "In A Dream I'm A Painting" - bekamen neue Bedeutungen, als Margolin die Lieder mit einer neuen Distanz betrachtete. "Es gab eine Menge Liebe und Verwirrung, alles durchsetzt mit Erschöpfung und Schmerz." Die Clouds-Sessions fanden in Frome statt, als der Winter zu Beginn des Jahres 2024 in den Frühling überging. "Es gab ein paar Zusammenbrüche", grinst Dana, eine faire Einschätzung der Aufnahme solch intimer und persönlicher Songs, "nach einigen Takes brach ich einfach auf dem Boden zusammen, so aufgebracht war ich." Es wurde ein Umfeld geschaffen, in dem Dana sich ausdrücken konnte und in dem sie gefördert wurde. "Wir hatten jeden Abend diese großen gemeinsamen Mahlzeiten", sagt sie, "es fühlte sich sehr eng und fürsorglich und warm und besonders an. Unser kleines Haus lag auf einem großen Hügel, ein Fluss floss hindurch, es war groß und hell und schön", erinnert sich Dana. Das Studio selbst war hell - voller strahlendem natürlichem Licht aus den großen Fenstern, ein Segen für Musiker, die an die abgeschottete Welt der meisten Aufnahmestudios gewöhnt sind, und zum ersten Mal konnten alle im selben Raum wie der Produzent aufnehmen. "Es fühlt sich an, als hätten wir zum ersten Mal etwas gemacht", erklärt sie und freut sich hörbar über das Album, "es hat etwas von unserer Freundschaft eingefangen und von der Art und Weise, wie wir gelernt haben, zusammen zu spielen. Ich liebe die Songs, ich liebe es, sie zu spielen, sie sind nicht alt geworden und es fühlt sich an, als wäre es etwas Besonderes." Eine Pause. "Es hat mich so viel gelehrt. Deinem Bauchgefühl zu folgen, auf deine Freunde und ihre Loyalität zu vertrauen, darauf zu vertrauen, dass du mit Leuten richtig kämpfen kannst. So will ich leben, so will ich Platten machen, denn Platten machen ist mein Leben, denn meine Arbeit ist mein Spiel, mein Job ist mein Leben. Alles ist in dieser Sache miteinander verbunden, und es gibt Wege darin, die mich nicht umbringen."

"Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me", das vierte Album von Porridge Radio, wurde Anfang 2024 in Somerset vom langjährigen Big Thief- und Laura Marling-Tontechniker Dom Monks aufgenommen und ist ein Moment des Erwachsenwerdens, inspiriert von Burnout, der Musikindustrie, Herzschmerz und der zunehmenden Vertiefung der Bandleaderin Dana Margolin in ihr eigenes Handwerk als Künstlerin. Margolins rücksichtsloser, sich selbst hinterfragender Schreibstil wird auf dem gesamten Album durch die bisher ergreifendste Musik der Band ergänzt, die sich geduldig aufbaut und tragisch intensiv ist. "Alle Songs begannen als Gedichte, ich wollte mich selbst herausfordern", sagt Dana Margolin über das Werk, aus dem "Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me" wurde. "In einem Song kann sich der Autor immer hinter den Tricks der Musik und altbekannten Techniken wie Wiederholungen verstecken. In einem Gedicht hingegen sind es nur Worte und das war's." "Vieles auf diesem Album handelt von einer frenetischen und verzweifelten Art von Liebe, es geht um den völligen Verlust meines Selbstbewusstseins in einer Beziehung und um den tiefen Rest von Unsicherheit und Schmerz, der eine neue Beziehung trübte." Lieder, die als Liebeslieder geschrieben wurden - wie "In A Dream I'm A Painting" - bekamen neue Bedeutungen, als Margolin die Lieder mit einer neuen Distanz betrachtete. "Es gab eine Menge Liebe und Verwirrung, alles durchsetzt mit Erschöpfung und Schmerz." Die Clouds-Sessions fanden in Frome statt, als der Winter zu Beginn des Jahres 2024 in den Frühling überging. "Es gab ein paar Zusammenbrüche", grinst Dana, eine faire Einschätzung der Aufnahme solch intimer und persönlicher Songs, "nach einigen Takes brach ich einfach auf dem Boden zusammen, so aufgebracht war ich." Es wurde ein Umfeld geschaffen, in dem Dana sich ausdrücken konnte und in dem sie gefördert wurde. "Wir hatten jeden Abend diese großen gemeinsamen Mahlzeiten", sagt sie, "es fühlte sich sehr eng und fürsorglich und warm und besonders an. Unser kleines Haus lag auf einem großen Hügel, ein Fluss floss hindurch, es war groß und hell und schön", erinnert sich Dana. Das Studio selbst war hell - voller strahlendem natürlichem Licht aus den großen Fenstern, ein Segen für Musiker, die an die abgeschottete Welt der meisten Aufnahmestudios gewöhnt sind, und zum ersten Mal konnten alle im selben Raum wie der Produzent aufnehmen. "Es fühlt sich an, als hätten wir zum ersten Mal etwas gemacht", erklärt sie und freut sich hörbar über das Album, "es hat etwas von unserer Freundschaft eingefangen und von der Art und Weise, wie wir gelernt haben, zusammen zu spielen. Ich liebe die Songs, ich liebe es, sie zu spielen, sie sind nicht alt geworden und es fühlt sich an, als wäre es etwas Besonderes." Eine Pause. "Es hat mich so viel gelehrt. Deinem Bauchgefühl zu folgen, auf deine Freunde und ihre Loyalität zu vertrauen, darauf zu vertrauen, dass du mit Leuten richtig kämpfen kannst. So will ich leben, so will ich Platten machen, denn Platten machen ist mein Leben, denn meine Arbeit ist mein Spiel, mein Job ist mein Leben. Alles ist in dieser Sache miteinander verbunden, und es gibt Wege darin, die mich nicht umbringen."

1974 erscheint Georg Danzers Konzeptalbum "Der Tätowierer und die Mondprinzessin", begleitet von einem Buch mit Texten und Illustrationen von Georg Danzer. Die zehn darauf enthaltenen tiefsinnigen Lieder, die unter anderem unter der Mitwirkung von Willi Resetarits und seinen "Schmetterlingen" sowie Robert Ponger, Christian Kolonovits und "Supermax" Kurt Hauenstein entstanden, haben bis heute Relevanz. Georg Danzers Manager und guter Freund, Franz Christian "Blacky" Schwarz, initiierte und leitete die Wiederveröffentlichung dieses künstlerischen Schatzes.Für die Neuauflage wurden die Original-Mischbänder aus dem Jahr 1974 verwendet und von Othmar Eichinger von TON Eichinger, Wien aufwändig restauriert, digitalisiert und gemastert. Die Reihenfolge der Lieder stimmt nicht mit der Original-LP überein, sondern wurde dem Ablauf der Geschichte angepasst. Die Liedtexte wurden auf die tatsächlich gesungenen Versionen umgeschrieben. Die Geschichte selbst ist die Originalversion. Franz Christian Schwarz über die Entstehung des Albums:Es war 1974, es war Februar und es war kalt. In Peter Müllers Tonstudio herrschte reger Betrieb. Georg Danzer saß auf einem Sessel und klimperte auf der Gitarre und sang leise den Text dazu. Vor sich auf einem schon in die Jahre gekommen Tisch lagen einige mit Maschine beschriebene Blätter. Ab und zu hielt er beim Spielen inne und korrigierte den zur Melodie passenden Text. Zwischendurch machte er auch kleine Zeichnungen mit Wachskreide, die das gleichnamige Buch illustrieren sollten. Nach und nach waren die Musiker wie vereinbart mit ihren Instrumenten gekommen. Es herrschte eine fast familiäre Stimmung. Es wurde Kaffee getrunken, geplaudert, gescherzt und gelacht. Peter mahnte zu Disziplin und wies den Herren - denn die Schmetterlinge, der Chor mit Dame, waren erst für den nächsten Tag eingeplant - ihre Plätze zu. Das Klavier hatte seinen fixen Platz und rundherum wurde nun postiert. Peter hatte einen genauen Plan, wer wo stehen sollte und aus tontechnischen Gründen auch musste. Das Schlagzeug kam in ein abgeschirmtes Kammerl mit einem Glasfenster, der Bass mit Verstärker kam nach links hinten, gegenüber wurde das Gitarren-Set ebenfalls mit Verstärker aufgebaut. Die Orgel musste auch noch Platz finden und die Percussion wurde hinter einem halbhohen Paravent platziert, damit der Musiker Sichtkontakt mit den Kollegen und dem Tontechniker halten konnte. Jetzt noch Mikrofone aufstellen, verkabeln, justieren und dann Tonproben. Nun war alles bereit. So in etwa hat Georg gerne vom ersten Studiotag zu den Aufnahmen für die nun in einer Spezialversion zum 50 Jahre-Jubiläum vorliegenden Vinyl-Schallplatte erzählt. Und er war sehr stolz auf sein erstes Konzeptalbum.Georg Danzer - "Der Tätowierer und die Mondprinzessin"Ab 18.10. als LP im Gatefold mit 12seitigem Booklet

Seit ihrer Gründung im Jahr 2016 haben die Londoner High Vis ihre Palette an progressivem Hardcore mit Nuancen von Post-Punk, Brit-Pop, Neopsychedelia und sogar Madchester-Groove verfeinert und einen Mittelweg zwischen Hooks und Wut, Melodien und Moshpits gefunden. Sänger Graham Sayle beschreibt ihr drittes Album Guided Tour als eine Achse der konkurrierenden Kräfte: "Es versucht, eine hoffnungsvolle Platte zu sein, während es gleichzeitig wütend macht." Die Band, die von Schlagzeuger Edward 'Ski' Harper, Bassist Jack Muncaster und den Gitarristen Martin MacNamara und Rob Hammaren komplettiert wird, ist tief in der britischen und irischen DIY-Hardcore-Szene verwurzelt und wird von Rastlosigkeit und rechtschaffener Wut gleichermaßen inspiriert. Sayle sagt: "Jeder kratzt sich, jeder arbeitet die ganze Zeit, und die Vorstellung von Entspannung ist es, sich zu ficken und der Realität zu entgehen. Dieses Album ist eine Flucht vor dieser Realität." Von den ersten Sekunden an, in denen eine Kabinentür zuschlägt, ein Auto aufheult und ein sackartiger Rhythmus zum Leben erweckt wird, klingt Guided Tour wie eine Band, die nach neuen Höhen strebt und vor Energie strotzt. Das Ergebnis der mehrwöchigen Aufnahmen in den Holy Mountain Studios in London mit Produzent Jonah Falco und Tontechniker Stanley Gravett fühlt sich dynamisch und einstudiert an, wie Hymnen, die sich durch Schweiß und Wiederholung in das Gedächtnis der Sinne eingebrannt haben. Harper bringt es auf den Punkt: "Wir hatten eine klare Idee, jeder Moment wurde genutzt. Wenn wir 60 sind, können wir uns vielleicht hinsetzen und einen Schlagzeugsound hinbekommen, aber im Moment geht es darum, die Dinge zu erledigen." Die 11 Songs des Albums umfassen das gesamte Spektrum zeitgenössischer Gitarrenmusik, die durch Erfahrung, Kameradschaft und gesellschaftliche Frustrationen geschärft wurde. Von schwungvollem Streetpunk ("Drop Me Out", "Mob DLA") über schrillen Indie-Spott ("Worth The Wait", "Deserve It") bis hin zu Heavy Alt ("Feeling Bless", "Fill The Gap") und shoegazeartigem Spoken Word ("Untethered") - die Chemie der Gruppe verwandelt jeden Stil in ihre einzigartige Intensität. Sayle setzt sich für diese sich entwickelnde Verschmelzung ein: "Jahrelang hatten wir, die wir aus dem Hardcore kamen, ziemlich klare Grenzen - andere Szenen waren getrennte Welten. Jetzt vermischen sich die Dinge immer mehr, wir schöpfen aus verschiedenen Quellen."

Emma Anderson, Mitbegründerin von Lush und Sing-Sing, veröffentlicht Spiralée: Pearlies Rearranged. Es besteht aus neuen Versionen aller 10 Tracks ihres letztjährigen Solo-Debütalbums Pearlies, die von Julia Holter, LoneLady, The Orielles, deary, Daniel Hunt (Ladytron), Lorelle Meets The Obsolete, MEMORIALS, Concretism, Masal und dem Produzenten des Originalalbums, James Chapman alias Maps, neu interpretiert wurden. Wir nennen es nicht Remix-Album, denn es ist so viel mehr als das - alles wurde neu arrangiert, von den Tracks über die Reihenfolge bis hin zum anagrammatischen Titel (der zu Stuart Jones' atemberaubendem Spirograph-meets-Saul Bass-Artwork führte), und das Ergebnis ist im Grunde eine brandneue Platte. ,Es war eine Chance, einige wirklich einfallsreiche Leute zu finden, die die Tracks auf den Kopf stellen, und genau das ist passiert", erklärt Emma. ,Wir haben eine interessante Reihe von Künstlern ausgewählt und ihnen die Stems ohne Vorgaben gegeben, um zu sehen, was sie sich einfallen lassen würden. Das Ergebnis ist absolut brillant und eine Platte, die für sich allein steht, ohne dass man weiß, wie die Originale sind." Tracklisting: 1. Willow And Mallow (Daniel Hunt Mix) 2. The Presence (Concretism Mix) 3. Clusters (LoneLady Lost Minds Mix) 4. For A Moment (deary Dub Mix) 5. Xanthe (Witching Time Version) 6. Inter Light (MEMORIALS Mix) 7. Taste The Air (Julia Holter Mix) 8. Tonight Is Mine (Lorelle Meets The Obsolete 84-86 Mix) 9. Bend The Round (The Orielles Blend The Round Mix) 10. I Was Miles Away (Masal Spectral Mix)

Emma Anderson, Mitbegründerin von Lush und Sing-Sing, veröffentlicht Spiralée: Pearlies Rearranged. Es besteht aus neuen Versionen aller 10 Tracks ihres letztjährigen Solo-Debütalbums Pearlies, die von Julia Holter, LoneLady, The Orielles, deary, Daniel Hunt (Ladytron), Lorelle Meets The Obsolete, MEMORIALS, Concretism, Masal und dem Produzenten des Originalalbums, James Chapman alias Maps, neu interpretiert wurden. Wir nennen es nicht Remix-Album, denn es ist so viel mehr als das - alles wurde neu arrangiert, von den Tracks über die Reihenfolge bis hin zum anagrammatischen Titel (der zu Stuart Jones' atemberaubendem Spirograph-meets-Saul Bass-Artwork führte), und das Ergebnis ist im Grunde eine brandneue Platte. ,Es war eine Chance, einige wirklich einfallsreiche Leute zu finden, die die Tracks auf den Kopf stellen, und genau das ist passiert", erklärt Emma. ,Wir haben eine interessante Reihe von Künstlern ausgewählt und ihnen die Stems ohne Vorgaben gegeben, um zu sehen, was sie sich einfallen lassen würden. Das Ergebnis ist absolut brillant und eine Platte, die für sich allein steht, ohne dass man weiß, wie die Originale sind." Tracklisting: 1. Willow And Mallow (Daniel Hunt Mix) 2. The Presence (Concretism Mix) 3. Clusters (LoneLady Lost Minds Mix) 4. For A Moment (deary Dub Mix) 5. Xanthe (Witching Time Version) 6. Inter Light (MEMORIALS Mix) 7. Taste The Air (Julia Holter Mix) 8. Tonight Is Mine (Lorelle Meets The Obsolete 84-86 Mix) 9. Bend The Round (The Orielles Blend The Round Mix) 10. I Was Miles Away (Masal Spectral Mix)

Emma Anderson, Mitbegründerin von Lush und Sing-Sing, veröffentlicht Spiralée: Pearlies Rearranged. Es besteht aus neuen Versionen aller 10 Tracks ihres letztjährigen Solo-Debütalbums Pearlies, die von Julia Holter, LoneLady, The Orielles, deary, Daniel Hunt (Ladytron), Lorelle Meets The Obsolete, MEMORIALS, Concretism, Masal und dem Produzenten des Originalalbums, James Chapman alias Maps, neu interpretiert wurden. Wir nennen es nicht Remix-Album, denn es ist so viel mehr als das - alles wurde neu arrangiert, von den Tracks über die Reihenfolge bis hin zum anagrammatischen Titel (der zu Stuart Jones' atemberaubendem Spirograph-meets-Saul Bass-Artwork führte), und das Ergebnis ist im Grunde eine brandneue Platte. ,Es war eine Chance, einige wirklich einfallsreiche Leute zu finden, die die Tracks auf den Kopf stellen, und genau das ist passiert", erklärt Emma. ,Wir haben eine interessante Reihe von Künstlern ausgewählt und ihnen die Stems ohne Vorgaben gegeben, um zu sehen, was sie sich einfallen lassen würden. Das Ergebnis ist absolut brillant und eine Platte, die für sich allein steht, ohne dass man weiß, wie die Originale sind." Tracklisting: 1. Willow And Mallow (Daniel Hunt Mix) 2. The Presence (Concretism Mix) 3. Clusters (LoneLady Lost Minds Mix) 4. For A Moment (deary Dub Mix) 5. Xanthe (Witching Time Version) 6. Inter Light (MEMORIALS Mix) 7. Taste The Air (Julia Holter Mix) 8. Tonight Is Mine (Lorelle Meets The Obsolete 84-86 Mix) 9. Bend The Round (The Orielles Blend The Round Mix) 10. I Was Miles Away (Masal Spectral Mix) Limitierte Summer Wine LP Edition

Die New-England-Extrem-Metal-Band Escuela Grind wird am 18. Oktober ihre neue LP „Dreams on Algorithms“ über MNRK Heavy veröffentlichen.
Aufgenommen im GodCity-Studio in Salem, Massachusetts, mit Produzent Kurt Ballou und gemastert von Nick Townsend (Dr. Dre, Betty Davis), ist die
Platte der mit Spannung erwartete Nachfolger von Escuela Grinds gefeiertem Debütalbum „Memory Theater“ aus dem Jahr 2022, das von der New
York Times als „ein Opus der Extremität“ gefeiert wurde.Escuela Grinds Reise durch die strafende Klanglandschaft des Grindcore war alles andere als
status quo. Ihr Mantra der Förderung von Inklusivität und Akzeptanz innerhalb extremer Musikgemeinschaften steht als Pfeiler des Fortschritts in
einer oft abgeschotteten und verschlossenen Subkultur. Sängerin Katerina Economou verbreitet den Geist und die Grundüberzeugungen der Band auf
jeder Bühne, auf der sie auftritt - sie verstärkt die Stimmen der Unterrepräsentierten und verbindet die Menschen auf einer Ebene, die tiefer geht als
die Musik.Dreams on Algorithms ist ein klanglicher Beweis für die Ideologien der Band - eine knüppelharte Darbietung von progressivem
Extrem-Metal, der die Genregrenzen überschreitet.

4 PROMILLE DRESCHEN WIEDER IN DIE SAITEN, SPUCKEN INS MIKRO, RUPFEN DEN BASS UND VERMÖBELN DIE FELLE! SEID IHR "BEREIT" FÜR ZEITGEIST-PUNKROCK?! Fasst genau zehn Jahre nach dem letzten Studioalbum veröffentlicht die Band jetzt ihr neues Werk "Zeitgeist", insgesamt das fünfte Album und das erste auf eigenem Label Vier Promille! 12 neue Tracks haben es auf die Platte geschafft und schon beim "Intro" wird klar, dass es hier ordentlich zur Sache geht, die Vorab-Single "Bereit", der Titeltrack selbst sowie "Lied Vom Rhein" und "Blackout" zeigen eine erstaunliche Bandbreite und Hitdichte. Dem reinen rumpeligen Oi! und räudigen Streetpunk haben 4 Promille schon spätestens mit Alte Schule 2006 abgeschworen, dennoch finden sich in ihrer Version von Punkrock, Deutschpunk oder einfach Punk immer noch derer Spuren. Die Promillos freuen sich höchstprozentig, dass es für sie unabhängig, DIY-mäßig und selbstgestaltet weitergeht! 4 PROMILLE 2024 sind Jason Kubke-Schlagzeug, Gesang - Martin Bayer-Gitarre, Gesang - Ralf (Basspromillo) Schmidt-Bass - Thomas (Pommes) Müller-Gesang, Gitarre. Neben Album Digital und CD gibt's natürlich LP, klassisch schwarzes Vinyl sowie limitiert in farbigen (u.a. Rot-Schwarz Marbled) Varianten.

4 PROMILLE DRESCHEN WIEDER IN DIE SAITEN, SPUCKEN INS MIKRO, RUPFEN DEN BASS UND VERMÖBELN DIE FELLE! SEID IHR "BEREIT" FÜR ZEITGEIST-PUNKROCK?! Fasst genau zehn Jahre nach dem letzten Studioalbum veröffentlicht die Band jetzt ihr neues Werk "Zeitgeist", insgesamt das fünfte Album und das erste auf eigenem Label Vier Promille! 12 neue Tracks haben es auf die Platte geschafft und schon beim "Intro" wird klar, dass es hier ordentlich zur Sache geht, die Vorab-Single "Bereit", der Titeltrack selbst sowie "Lied Vom Rhein" und "Blackout" zeigen eine erstaunliche Bandbreite und Hitdichte. Dem reinen rumpeligen Oi! und räudigen Streetpunk haben 4 Promille schon spätestens mit Alte Schule 2006 abgeschworen, dennoch finden sich in ihrer Version von Punkrock, Deutschpunk oder einfach Punk immer noch derer Spuren. Die Promillos freuen sich höchstprozentig, dass es für sie unabhängig, DIY-mäßig und selbstgestaltet weitergeht! 4 PROMILLE 2024 sind Jason Kubke-Schlagzeug, Gesang - Martin Bayer-Gitarre, Gesang - Ralf (Basspromillo) Schmidt-Bass - Thomas (Pommes) Müller-Gesang, Gitarre. Neben Album Digital und CD gibt's natürlich LP, klassisch schwarzes Vinyl sowie limitiert in farbigen (u.a. Rot-Schwarz Marbled) Varianten.

It's been nearly a decade since Montreal's PYPY (pronounced like 'π π'...with a long 'i' rather than long 'e', thank you very much) landed with their debut Pagan Day (Slovenly), but the same lunatics behind CPC Gangbangs, Red Mass and Duchess Says are back with Sacred Times on Goner Records. One might recall the thunderous pop of their banger "She's Gone" carving out a place for itself in the high-end fashion world, becoming the soundtrack to Yves Saint Laurent's 2016 show. If that album bounced, punched and clawed like Delta 5 covered in dirt and trying to get somewhere in a booted vehicle while dodging lightning rod guitar licks the whole way, Sacred Times takes things to somewhere far beyond the proverbial "next level."

Co-vocalist/founder/multi-instrumentalist Annie-Claude Deschênes' (Duchess Says) signature howl and vocal acrobatics are present but so is a tendency towards beautiful melodies. Bassist Philippe Clement's (Duchess Says) brings a nastier bottom end that locks onto Simon Besré's drumming with a death grip for the entire affair. And guitarist/co-vocalist Roy Vucino (Red Mass, CPC Gangbangs, Black Leather Rose, Les Sexareenos, a gazillion others) goes bonkers with wildass blown-out guitar that's like hornets caught in yr hair.

"Lonely Striped Sock" grooves along like "Earthbeat"-era Slits/ESG until the chorus transforms PYPY into something else entirely. Something huge. Something with monster riffs and wah wah that pins you to the back wall. So there is clearly a brilliance with dynamics here, and it proves to be a not-so-secret-weapon that repays the "ear-vestment" in dividends throughout. "Ear-vestment"? Yikes. Then it's time for "She's Back," a sort of part 2/continuation (maybe a trilogy is in the works?) of Pagan Day's best-known gem (the aforementioned "She's Gone"). This one packs a hook that'll make your brain take out a restraining order. Looking for lost keys? Jury duty? Underwater welding? Negotiating a hostage situation? It doesn't matter...nothing will stop it from invading your thoughts. They say the only way to get a song unstuck from the noodle is to listen to it from start to finish, but you'll be doing that anyway. A lot. "Erase" is a (synth) noise-punk nugget; revealing a need for Brainiac-meets-Blondie we didn't know we had...deceptively kicking off with a no-fi drum machine that is immediately lost in the massive pop din that seemingly includes everything within reach. "Poodle Escape" is two minutes of perfect (and perfectly distorted) synth-punk and "I Am A Simulation" – with lead vox from Vucino – is yet another hit that deviates from the noise a bit and pays homage to both Devo and classic late-70's (big) power-pop (ex: the first Cars LP), but with a manic nature that is 150% circa right now. "15 Sec" (actually 3:38 in duration, thankfully) serves up a stanky-brown bass line, Deschênes' gorgeous vocals, wonderfully combative white hot, pin-the-meters Oh Sees/early Comets on Fire guitar rips, and a stunning coda that seems to utilize everything great about this band over its final minute. The album's title track is a love letter to Hawkwind in the musical language already established here. "Vanishing Blinds" is like being chased through the rain-soaked streets in an unknown dystopian nightmare from 40+ years ago. The album closes with the brooding if not playful menace of "Poodle Escape,” which, like its predecessors, is completely unlike every track before it.