Search:und

Nach dem überwältigenden Erfolg von 'Roller Coaster' nahm die musikalische Karriere
von Danny Vera enorm Fahrt auf. Der Song brach alle Rekorde, führte sämtliche Charts an
und wurde mittlerweile auf Spotify fast 100 Millionen Mal gestreamt. Zwanzig Jahre harte
Arbeit und geduldiges Touren zahlten sich schließlich in Platin-Auszeichnungen und
einem ausverkauften Ziggo Dome aus. Und das alles nach seinen eigenen Bedingungen,
ohne Zugeständnisse zu machen. Doch wer denkt, dass Danny Vera sich jetzt auf seinen
Lorbeeren ausruhen wird, der irrt. Die Musik liegt ihm im Blut, und dieses Blut fließt
dorthin, wo es nicht hingehört. Amerikanische Country-, Blues- und Rock 'n' Roll-Musik
gehört dazu.
Sein neues Album 'DNA' wurde von Vera auf eine andere Weise geschaffen als üblich.
„Normalerweise dauert es zwei bis drei Jahre, um zwanzig Songs zu schreiben, aber
diesmal habe ich sie in zwei Monaten geschrieben“, sagt er. „Alles kam einfach spontan
heraus.“ Die Stimmung auf dem Album unterscheidet sich erheblich von der auf seinem
vorherigen Album. „Ich habe schnell gemerkt, dass in den Songs im Vergleich zu meinem
vorherigen Album 'The New Now' eine andere Atmosphäre herrschte. Es war etwas
authentischer, mehr Rock 'n' Roll und Blues – und so sollten die Songs klingen, so
authentisch wie möglich.“ In einer Zeit, in der ChatGPT Ihnen innerhalb von Sekunden
komplette Texte ausspuckt und alle Unvollkommenheiten im Studio ausgebügelt werden
können, war es für Danny Vera sehr erfrischend, alles auf einmal aufzunehmen. „So hat
man es früher gemacht, und deshalb hat es so gut geklungen, voller Spaß. Die
Unvollkommenheiten sind Teil davon, die Unvollkommenheiten machen es perfekt.“
Letztendlich landeten sechzehn Songs auf dem neuen Album. 'DNA' ist ein Album, auf
dem Danny Vera zu seinen Wurzeln zurückkehrt, mit Songs, die ihre Wurzeln in der
amerikanischen Roots-Musik vergangener Zeiten haben. Ohne Klickspuren, Autotune
oder die Beteiligung eines Autorencamps. Solide Songs, die von klassischen Danny
Vera-Balladen bis hin zu frischem, uptempo Rock 'n' Roll reichen. Eine Platte mit Ecken
und Kanten, aber vor allem mit starker Musik.

Nach dem überwältigenden Erfolg von 'Roller Coaster' nahm die musikalische Karriere
von Danny Vera enorm Fahrt auf. Der Song brach alle Rekorde, führte sämtliche Charts an
und wurde mittlerweile auf Spotify fast 100 Millionen Mal gestreamt. Zwanzig Jahre harte
Arbeit und geduldiges Touren zahlten sich schließlich in Platin-Auszeichnungen und
einem ausverkauften Ziggo Dome aus. Und das alles nach seinen eigenen Bedingungen,
ohne Zugeständnisse zu machen. Doch wer denkt, dass Danny Vera sich jetzt auf seinen
Lorbeeren ausruhen wird, der irrt. Die Musik liegt ihm im Blut, und dieses Blut fließt
dorthin, wo es nicht hingehört. Amerikanische Country-, Blues- und Rock 'n' Roll-Musik
gehört dazu.
Sein neues Album 'DNA' wurde von Vera auf eine andere Weise geschaffen als üblich.
„Normalerweise dauert es zwei bis drei Jahre, um zwanzig Songs zu schreiben, aber
diesmal habe ich sie in zwei Monaten geschrieben“, sagt er. „Alles kam einfach spontan
heraus.“ Die Stimmung auf dem Album unterscheidet sich erheblich von der auf seinem
vorherigen Album. „Ich habe schnell gemerkt, dass in den Songs im Vergleich zu meinem
vorherigen Album 'The New Now' eine andere Atmosphäre herrschte. Es war etwas
authentischer, mehr Rock 'n' Roll und Blues – und so sollten die Songs klingen, so
authentisch wie möglich.“ In einer Zeit, in der ChatGPT Ihnen innerhalb von Sekunden
komplette Texte ausspuckt und alle Unvollkommenheiten im Studio ausgebügelt werden
können, war es für Danny Vera sehr erfrischend, alles auf einmal aufzunehmen. „So hat
man es früher gemacht, und deshalb hat es so gut geklungen, voller Spaß. Die
Unvollkommenheiten sind Teil davon, die Unvollkommenheiten machen es perfekt.“
Letztendlich landeten sechzehn Songs auf dem neuen Album. 'DNA' ist ein Album, auf
dem Danny Vera zu seinen Wurzeln zurückkehrt, mit Songs, die ihre Wurzeln in der
amerikanischen Roots-Musik vergangener Zeiten haben. Ohne Klickspuren, Autotune
oder die Beteiligung eines Autorencamps. Solide Songs, die von klassischen Danny
Vera-Balladen bis hin zu frischem, uptempo Rock 'n' Roll reichen. Eine Platte mit Ecken
und Kanten, aber vor allem mit starker Musik.

ON THORNS I LAY sind griechische Titanen. Während ihre Kollegen von Rotting Christ, Septic Flesh und Nightfall eher dem symphonischen und schwarzen Metal zugeneigt waren, setzte die Band aus Athen auf ihrem Debüt von 1994 auf einen Hauch von Gothic. Das macht Sinn, schließlich sind sie nach einem Sonett von Shakespeare benannt.

ON THORNS I LAY haben bisher 9 Alben veröffentlicht, darunter Orama, Crystal Tears, Aegean Sorrow und Threnos, die großartige Kritiken erhielten (Scream Norwegen, Album des Monats, Inferno Finnland 5/5, Metal Storm Top 5 Alben des Jahres 2020 und viele andere...). Sie teilten die Bühne mit großartigen Bands wie Dream Theater, In Flames, Anathema, Amorphis, Katatonia, Rotting Christ, Tiamat, The Gathering, Satyricon, Septic Flesh und vielen mehr.

Ihr Musikstil ist purer, atmosphärischer, melodischer Doom Death Metal!

Das letzte Album "Threnos" folgte dem Pfad des atmosphärischen, aber dennoch emotionalen Doom Death Metal - eine Hommage an die Wurzeln und ein weiteres Mal das Markenzeichen der Band. ON THORNS I LAY erzählen weiterhin dichte Geschichten von Verlust und Verzweiflung.

Dreißig Jahre und zehn Alben später veröffentlichen ON THORNS I LAY nun ihr erstes Album bei Season of Mist. Ihr selbstbetitelter Longplayer treibt den Death-Doom in epische Höhen und wirft einen neuen, gotischen Glanz auf die muskulösen Riffs und den höhlenartigen Gesang, der an die seligen Tage des Peaceville-Death-Dooms der frühen 90er Jahre erinnert.

ON THORNS I LAY sind griechische Titanen. Während ihre Kollegen von Rotting Christ, Septic Flesh und Nightfall eher dem symphonischen und schwarzen Metal zugeneigt waren, setzte die Band aus Athen auf ihrem Debüt von 1994 auf einen Hauch von Gothic. Das macht Sinn, schließlich sind sie nach einem Sonett von Shakespeare benannt.

ON THORNS I LAY haben bisher 9 Alben veröffentlicht, darunter Orama, Crystal Tears, Aegean Sorrow und Threnos, die großartige Kritiken erhielten (Scream Norwegen, Album des Monats, Inferno Finnland 5/5, Metal Storm Top 5 Alben des Jahres 2020 und viele andere...). Sie teilten die Bühne mit großartigen Bands wie Dream Theater, In Flames, Anathema, Amorphis, Katatonia, Rotting Christ, Tiamat, The Gathering, Satyricon, Septic Flesh und vielen mehr.

Ihr Musikstil ist purer, atmosphärischer, melodischer Doom Death Metal!

Das letzte Album "Threnos" folgte dem Pfad des atmosphärischen, aber dennoch emotionalen Doom Death Metal - eine Hommage an die Wurzeln und ein weiteres Mal das Markenzeichen der Band. ON THORNS I LAY erzählen weiterhin dichte Geschichten von Verlust und Verzweiflung.

Dreißig Jahre und zehn Alben später veröffentlichen ON THORNS I LAY nun ihr erstes Album bei Season of Mist. Ihr selbstbetitelter Longplayer treibt den Death-Doom in epische Höhen und wirft einen neuen, gotischen Glanz auf die muskulösen Riffs und den höhlenartigen Gesang, der an die seligen Tage des Peaceville-Death-Dooms der frühen 90er Jahre erinnert.

Stell dir vor, NITZER EBB, FRONT 242, NERO und THE PRODIGY spielen um Mitternacht in einem viktorianischen Friedhof, beleuchtet vom ultravioletten Mondlicht. DEAD LIGHTS präsentiert moderne EBM, geformt zu eingängigen Songs mit chirurgischer Präzision. Basslastige, summende Anziehungskraft mit dröhnenden, aber groovigen, mechanischen Rhythmen. All das wird geliefert mit einem 80er-Jahre UK Synth-Pop-Glamgoth-Flair und einer spürbaren Dringlichkeit. Die 11 Songs auf 'Glitterspit' sind gefüllt mit süchtig machenden Synth-Basslines und rohen Klängen, viralen Vocals und brutalen, industriellen Dance-Beats für die Tanzfläche, deine Kopfhörer und dein Wohnzimmer. Textlich tauchen DEAD LIGHTS in die dunklere Seite des Menschen ein und zeigen das Leben im Zeitalter der sozialen Medien mit bissigem Witz und poetischem Flair auf. Bereite dich auf Lieder über Verlust, Lust, Drogen und Tod vor. Mit 'Glitterspit' präsentiert DEAD LIGHTS eine viszerale und schlüpfrige Mischung aus druckvollen Dance-Beats, monumentalen Synth-Basslines und eingängigem Gesang. Das internationale Duo bietet energiegeladene, dunkle elektronische Songs mit mitreißenden Grooves, düsteren Industrial-Popsongs, die dafür gemacht sind, Tanzflächen in einer dystopischen Welt zu füllen.

Simon Goff ist Komponist, Ingenieur und Produzent und lebt in Berlin, DE. Er hat mit einigen der weltweit bekanntesten Musiker als Kollaborateur und Tontechniker zusammengearbeitet, darunter mit der oscarprämierte Komponistin Hildur Gudnadóttir für die Filme "Joker" und "Chernobyl", die ihm beide einen Grammy Award einbrachten, sowie Jóhann Jóhhansson und Apparat. Außerdem arbeitete er mit Katie Melua als Co-Autor und Produzent an ihrem 2022 erschienenen Album "Aerial Objects" zusammen. "Spark Like Living Mothers", der Nachfolger des von der Kritik gefeierten Albums "Vale" aus dem Jahr 2021, ist ein Projekt, das aus der Frage geboren wurde: Was passiert eigentlich in dem Moment, in dem alles aufhört und wieder neu beginnt? Zu diesem Zweck hat das gesamte Album seine Wurzeln in einem Arrangement, welches Goff für das extravagante Chorstück "If ye love me" von Thomas Talis erstellt hat. Das Album ist eine Sammlung von sechs Titeln mit eindringlicher, strukturierter und intuitiver Electronica und zeugt von Goffs vielseitiger Praxis. Zur Unterstützung der Veröffentlichung wird Simon Goff eine Reihe von Galerieshows in Deutschland spielen, darunter am 5. Oktober in der nüüd.berlin gallery und am 9. September in der Van Der Grinten Galerie in Köln.

Agnetha Fältskog, weltbekannte Sängerin, Songschreiberin, Mitglied der Kultgruppe ABBA und eine der bekanntesten Stimmen der Musikgeschichte, hat 'A+' angekündigt, eine neu aufgenommene Version ihres gefeierten Solo-Albums "A" aus dem Jahr 2013, das am 13. Oktober 2023 über BMG veröffentlicht wird.

Das Originalalbum erschien vor 10 Jahren und wurde nun für das Jahr 2023 komplett neu aufgelegt. Neben der Albumankündigung hat Agnetha auch die atemberaubende Single 'Where Do We Go From Here?" in diesem Jahr neu aufgenommen; einen brandneuen Song, der dem Album hinzugefügt wurde und damit die erste neue Musik seit 10 Jahren von Agnetha als Solokünstlerin darstellt.

Das Album wurde speziell für sie von dem gefeierten Songwriter und Produzenten Jörgen Elofsson geschrieben.

Im Vorfeld des 10-jährigen Jubiläums des Albums diskutierten Agnetha und Jörgen darüber, wie das wie das Album klingen würde, wenn es im Jahr 2023 entstanden wäre, und beschlossen, diese Idee gemeinsam zu verfolgen. Sie arbeiteten mit ihrem Produzenten Anton 'Hybrid' Mårtensson zusammen und überarbeiteten das Album, jeden einzelnen Song, wobei sie den Originalgesang von 2013 beibehielten, die alte Musik wegwarfen und für 2023 völlig neue Produktionen und damit auch eine neue Tracklist schufen.

Das 2013 erschienene "A" war Agnethas erstes Album seit ihrem 2004 erschienenen Coveralbum "My Colouring Book" und das erste Originalmaterial seit "Stand Alone" von 1987.

Agnetha Fältskog, weltbekannte Sängerin, Songschreiberin, Mitglied der Kultgruppe ABBA und eine der bekanntesten Stimmen der Musikgeschichte, hat 'A+' angekündigt, eine neu aufgenommene Version ihres gefeierten Solo-Albums "A" aus dem Jahr 2013, das am 13. Oktober 2023 über BMG veröffentlicht wird.

Das Originalalbum erschien vor 10 Jahren und wurde nun für das Jahr 2023 komplett neu aufgelegt. Neben der Albumankündigung hat Agnetha auch die atemberaubende Single 'Where Do We Go From Here?" in diesem Jahr neu aufgenommen; einen brandneuen Song, der dem Album hinzugefügt wurde und damit die erste neue Musik seit 10 Jahren von Agnetha als Solokünstlerin darstellt.

Das Album wurde speziell für sie von dem gefeierten Songwriter und Produzenten Jörgen Elofsson geschrieben.

Im Vorfeld des 10-jährigen Jubiläums des Albums diskutierten Agnetha und Jörgen darüber, wie das wie das Album klingen würde, wenn es im Jahr 2023 entstanden wäre, und beschlossen, diese Idee gemeinsam zu verfolgen. Sie arbeiteten mit ihrem Produzenten Anton 'Hybrid' Mårtensson zusammen und überarbeiteten das Album, jeden einzelnen Song, wobei sie den Originalgesang von 2013 beibehielten, die alte Musik wegwarfen und für 2023 völlig neue Produktionen und damit auch eine neue Tracklist schufen.

Das 2013 erschienene "A" war Agnethas erstes Album seit ihrem 2004 erschienenen Coveralbum "My Colouring Book" und das erste Originalmaterial seit "Stand Alone" von 1987.

Für ihr neuestes bzw. drittes vollständiges Studioalbum 'Sanguivore' haben die fünf Briten von Creeper einen Blutpakt geschlossen, um sich voll und ganz auf die Dinge zu konzentrieren, die sie wirklich ausmachen; um mit einer brennenden Fackel in die eher schwach beleuchteten Nischen des stets fruchtbaren Geistes von Frontmann Will Gould vorzudringen.

Das Ergebnis: Über 40 Minuten Musik, die das Grandiose und Epische mit dem Punkrock-Geist verbindet, der seit ihrem Debüt von 2017 ein Eckpfeiler des Creeper-Sounds ist: eine zerrissene Lederjacke, eingewickelt in einen plüschigen Samtmantel - ein Mantel, der mit rotem Satin gefüttert ist, versteht sich. Inspiriert von Folklore und Mythos, der eher schattigen Seite der Populärkultur, haben Creeper einen eigenen Raum abgesteckt; eine neblige Welt der Gothic-Bilder und dunklen Romantik, der Krypten und Burgruinen, des Unerwiderten und der Untoten - eine Welt, in der die Liebe ihren Preis hat und die Schönheit mit geschärften Zähnen lächelt.

Vom Eröffnungsstück 'Further Than Forever', einer neunminütigen, vielschichtigen Tour-de-Force, die dem verstorbenen Jim Steinman ein Lächeln ins Gesicht zaubern würde, bis zum Schlussstück 'Spook And Mercy', einer nächtlichen Geschichte über die kleine Mercy und ihre gefräßigen Taten, ist 'Sanguivore' eine äußerst beeindruckende, lose konzeptionelle Reise durch das Glorreiche und Grafische.

Für ihr neuestes bzw. drittes vollständiges Studioalbum 'Sanguivore' haben die fünf Briten von Creeper einen Blutpakt geschlossen, um sich voll und ganz auf die Dinge zu konzentrieren, die sie wirklich ausmachen; um mit einer brennenden Fackel in die eher schwach beleuchteten Nischen des stets fruchtbaren Geistes von Frontmann Will Gould vorzudringen.

Das Ergebnis: Über 40 Minuten Musik, die das Grandiose und Epische mit dem Punkrock-Geist verbindet, der seit ihrem Debüt von 2017 ein Eckpfeiler des Creeper-Sounds ist: eine zerrissene Lederjacke, eingewickelt in einen plüschigen Samtmantel - ein Mantel, der mit rotem Satin gefüttert ist, versteht sich. Inspiriert von Folklore und Mythos, der eher schattigen Seite der Populärkultur, haben Creeper einen eigenen Raum abgesteckt; eine neblige Welt der Gothic-Bilder und dunklen Romantik, der Krypten und Burgruinen, des Unerwiderten und der Untoten - eine Welt, in der die Liebe ihren Preis hat und die Schönheit mit geschärften Zähnen lächelt.

Vom Eröffnungsstück 'Further Than Forever', einer neunminütigen, vielschichtigen Tour-de-Force, die dem verstorbenen Jim Steinman ein Lächeln ins Gesicht zaubern würde, bis zum Schlussstück 'Spook And Mercy', einer nächtlichen Geschichte über die kleine Mercy und ihre gefräßigen Taten, ist 'Sanguivore' eine äußerst beeindruckende, lose konzeptionelle Reise durch das Glorreiche und Grafische.

Für ihr neuestes bzw. drittes vollständiges Studioalbum 'Sanguivore' haben die fünf Briten von Creeper einen Blutpakt geschlossen, um sich voll und ganz auf die Dinge zu konzentrieren, die sie wirklich ausmachen; um mit einer brennenden Fackel in die eher schwach beleuchteten Nischen des stets fruchtbaren Geistes von Frontmann Will Gould vorzudringen.

Das Ergebnis: Über 40 Minuten Musik, die das Grandiose und Epische mit dem Punkrock-Geist verbindet, der seit ihrem Debüt von 2017 ein Eckpfeiler des Creeper-Sounds ist: eine zerrissene Lederjacke, eingewickelt in einen plüschigen Samtmantel - ein Mantel, der mit rotem Satin gefüttert ist, versteht sich. Inspiriert von Folklore und Mythos, der eher schattigen Seite der Populärkultur, haben Creeper einen eigenen Raum abgesteckt; eine neblige Welt der Gothic-Bilder und dunklen Romantik, der Krypten und Burgruinen, des Unerwiderten und der Untoten - eine Welt, in der die Liebe ihren Preis hat und die Schönheit mit geschärften Zähnen lächelt.

Vom Eröffnungsstück 'Further Than Forever', einer neunminütigen, vielschichtigen Tour-de-Force, die dem verstorbenen Jim Steinman ein Lächeln ins Gesicht zaubern würde, bis zum Schlussstück 'Spook And Mercy', einer nächtlichen Geschichte über die kleine Mercy und ihre gefräßigen Taten, ist 'Sanguivore' eine äußerst beeindruckende, lose konzeptionelle Reise durch das Glorreiche und Grafische.

Für ihr neuestes bzw. drittes vollständiges Studioalbum 'Sanguivore' haben die fünf Briten von Creeper einen Blutpakt geschlossen, um sich voll und ganz auf die Dinge zu konzentrieren, die sie wirklich ausmachen; um mit einer brennenden Fackel in die eher schwach beleuchteten Nischen des stets fruchtbaren Geistes von Frontmann Will Gould vorzudringen.

Das Ergebnis: Über 40 Minuten Musik, die das Grandiose und Epische mit dem Punkrock-Geist verbindet, der seit ihrem Debüt von 2017 ein Eckpfeiler des Creeper-Sounds ist: eine zerrissene Lederjacke, eingewickelt in einen plüschigen Samtmantel - ein Mantel, der mit rotem Satin gefüttert ist, versteht sich. Inspiriert von Folklore und Mythos, der eher schattigen Seite der Populärkultur, haben Creeper einen eigenen Raum abgesteckt; eine neblige Welt der Gothic-Bilder und dunklen Romantik, der Krypten und Burgruinen, des Unerwiderten und der Untoten - eine Welt, in der die Liebe ihren Preis hat und die Schönheit mit geschärften Zähnen lächelt.

Vom Eröffnungsstück 'Further Than Forever', einer neunminütigen, vielschichtigen Tour-de-Force, die dem verstorbenen Jim Steinman ein Lächeln ins Gesicht zaubern würde, bis zum Schlussstück 'Spook And Mercy', einer nächtlichen Geschichte über die kleine Mercy und ihre gefräßigen Taten, ist 'Sanguivore' eine äußerst beeindruckende, lose konzeptionelle Reise durch das Glorreiche und Grafische.

Nachdem VARG mit ihrem letzten und bis dato erfolgreichsten Album Zeichen (2020, Platz #16 der Deutschen Albumcharts) den thematischen sowie musikalischen Fokus komplett auf ihre Pagan Wurzeln gelegt haben, gehen die Wölfe diesen Pfad mit ihrem neuesten Werk unbeirrt weiter und manifestieren ihre Reinkarnation eindrucksvoll.

Ehrlich, authentisch und roh – das neue Album Ewige Wacht erscheint am 13.10.2023 via Napalm Records. Neben elf brandneuen Songs enthält das 2-CD Digipac eine spannende Bonus-CD, auf der alle Songs von verschiedensten, namenhaften Gästen dargeboten werden – darunter etwa Rotting Christ, Kanonenfieber, Alestorm, Nachtblut, Korpiklaani, Obscurity, Tyr, Forndom, Harpyie und Robse.

Das achte Studioalbum transportiert nordische Mythologie, sowie Werte wie Ehrlichkeit und Loyalität. VARG zeigen sich einmal mehr als unbesiegbare Einheit, – davon zeugt bereits der Opening-Track „Immer Treu“.

Schon hier zeichnet sich ab, wie verstärkt Sängerin Fylgja diesmal in die einzelnen Songs einbezogen wurde.

„Schildmaid“, „Fylgja“ und „Eisenseite“ stehen als Sinnbild für dieses Zusammenspiel und den Weg, den VARG seit Zeichen beschreiten.

Die folkigen Melodien in „Morgenrot“ führen zum epischen „Siegreiches Heer“, das noch mal den Einheitsgedanken schärft, der sich wie ein roter Faden durch Ewige Wacht zieht.

Der Titeltrack bildet den finalen Höhepunkt und vereint heidnische Thematik, eindringliche Melodien und die einnehmende Kraft der Wölfe.

JOACHIM WITT ist eine Lichtgestalt der deutschen Kulturszene. Seit über 40 Jahren steht der erfolgreiche Musiker auf der Bühne. In diesen Jahrzehnten hat er eine enorme Wandelbarkeit bewiesen. 17 Alben veröffentlichte Joachim Witt seit 1980. Beginnend mit "Silberblick" und der Auskopplung "Der Goldene Reiter" (Gold-Status) in der Zeit der NDW, über das 1998 erschiene Comeback-Erfolgsalbum "Bayreuth I", das Platin Status erreichte, bis "DOM" in 2012 mit der Singlekopplung "Gloria" und dem kontrovers diskutierten Video, seinen Auftritten beim Wacken Open-Air oder auch seiner jüngst entdeckten TikTok-Karriere: Der 74-Jährige gebürtige Hamburger ist ein Garant für Vielseitigkeit, Genre Wechsel und Stil-Mischungen.

Sein neues Album trägt den Titel "Der Fels in der Brandung" . Keine Metapher passt zu JOACHIM WITT persönlich besser: Der Ausnahmekünstler hat im Laufe seines Lebens immer wieder Veränderungen unternommen, unzählige Herausforderungen gemeistert, Höhen und Tiefen durchlebt und dabei seine künstlerische
Integrität fortwährend bewahrt.

JOACHIM WITT nimmt sich immer wieder neuer Visionen an und verwirklicht diese konsequent.

"Der Fels in der Brandung" ist ein Album, das seine Zuhörer auf vielen Ebenen überraschen wird. In enger Zusammenarbeit mit dem Flensburger Gold-Produzenten Hardy Krech (Elephant Music), hat JOACHIM WITT wieder einen neuen und eigenen Sound kreiert, der seine Stärken und seine Botschaften in eindrucksvoller Weise mit elektronischen Klängen und Gitarrenmelodien verwebt

Limitierte Auflage Neon Violet Vinyl! Kari Faux ist nicht zu bremsen. Die aus Arkansas stammende Künstlerin kehrt mit ihrem dritten Album REAL B*TCHES DON'T DIE! zurück, einer 12-Track-Ode an ihre Südstaaten-Wurzeln. Die LP verwebt Karis knackige Produktion mit ihrem lässigen und herrischen Flow, gleitet mit Leichtigkeit durch ihre Dirty South-Wurzeln und verweist auf Outkast und UGK als Einflüsse, während die Femcee ihre Macht behauptet. Die Rapperin und Singer-Songwriterin hält den regionalen Vibe mit ihrer unverschämt dominanten Energie im Herzen ihres neuesten Werks authentisch. Karis Exzentrik wurde auf ihrem 2020 erschienenen Album Lowkey Superstar hervorgehoben, auf dem sie die Hörer mit ihrem verführerischen, aus Arkansas stammenden Akzent und ihren schwungvollen Arrangements faszinierte. Auf REAL B*TCHES DON'T DIE! hat sich Karis einzigartiger Blick auf die Welt und ihre Vision nur noch erweitert, was die Künstlerin auf die Verfeinerung ihres Handwerks zurückführt. "Lowkey Superstar felt very Southern - it was me getting super-immersed back into southern rap and gospel music," sagt sie und fährt fort "Since I've been in this space for over two years now, it's like, Let me keep refining this and making it better." In der gegenwärtigen Hip-Hop-Landschaft stehen weibliche Rapperinnen unangefochten an der Spitze. Methodisch in ihrer Herangehensweise an die Musik - und selbstbewusst in ihrem Ansatz, authentisch zu leben - fühlt sich Kari in der wachsenden Wiederauferstehung von Frauen im Rap zu Hause. Auf REAL B*TCHES DON'T DIE! erinnert Kari Faux die Hörer an eine unbestreitbare Wahrheit: Der Süden hat etwas zu sagen.

Ríoghnach Connolly und Stuart McCallum sind das kreative Herz von The Breath, und bei ihnen dreht sich alles um den Song.
Connolly schreibt auf die einzige Art und Weise, die sie kennt: ein poetischer Bewusstseinsstrom, aus dem ehrliche, persönliche und zu Herzen gehende Songs entstehen, die von Sommern in der Kindheit und der ersten Liebe ebenso handeln wie von kultureller Entwurzelung, postkolonialen Ungerechtigkeiten und Trauer. Aber es ist ihre zutiefst gefühlvolle, äußerst einnehmende Stimme - ob zart und leise oder kraftvoll und ausdrucksstark - gepaart mit Stuarts unaufdringlicher ...

Im Anschluss an ihre zweite LP "The Rest Is Distraction" hat die Band auf "Die Leere" einige der atonalen, lärmenden Elemente ihres Sounds zurückgenommen und durch eine intensive Sparsamkeit, gläserne Klarheit und einen zusätzlichen melodischen Touch ersetzt. Die für die Band typischen Tribal-Drums und der treibende Bass sind immer noch vorhanden, zusammen mit verzerrten, vom Deathrock beeinflussten, modulierten Gitarrenfiguren, die allesamt ein erfrischendes Update ihres wahrhaft experimentellen Post-Punks darstellen. "Die Leere" wurde von Girls In Synthesis produziert und gemischt. Aufgenommen wurde in London in der Gun Factory und dem S.I.C.K. Studio. Die Besetzung besteht aus John Linger (Leadgesang und Bass), James Cubit (Gesang und Gitarre) und Nicole Pinto (Schlagzeug).

Das kommende zweite Album CrazyMad, For Me führt Popstar CMAT durch eine Neufindung: Es ist das große Statement eines ehrgeizigen, reifen Sounds, eines texturierten Klangbilds und Details einer komplexen emotionalen und metaphorischen Landschaft. "Es ist etwas abstraktes, was passiert, wenn man immer noch wütend über etwas ist, das vor 10 Jahren passiert ist. "Es ist großartig, voller Hooks und malerischer Texte, die von ihrer einzigartigen Stimme projiziert werden. Es ist der Mainstream-Indie, den CMAT als Teenager liebte, gefiltert durch Country-Musik des 20.Jahrhunderts und durch die Kenntnis der Pop-Hits der 80er und 90er Jahre mit einer Slide Gitarre und einem Camp-Twist erweitert.Komplex, intim und mit Einflüssen, die weit über Zeit und Ort verstreut sind, ist CrazyMad, For Me ein sofortiges klassisches Album für ein breites Publikum.

FOR FANS OF: Eisbrecher, In Extremo, Hämatom, Die Apokalyptischen Reiter

„Todsünde 8" Der Schwan von Unzucht kehrt zurück - in Schwarz! Weißer Schwan vor weißem Hintergrund: Das Cover zum Album „Todsünde 8“ von Unzucht war 2012 Offenbarung und optische Täuschung zugleich. Hinter der unschuldigen Fassade verbarg sich ein dunkler, alles verschlingender Abgrund. Von brachial („Das belgische Inferno“) bis kolossal („Während wir uns verlieren“) entfaltete die Vierer-Formation aus Hannover schon auf ihrem Album Debut eine atemberaubende Bandbreite. „Das ist erst der Anfang!“ Die Worte von Unzucht-Sänger Der Schulz waren damals sowohl Drohung als auch Verheißung. Und sie sollten sich bewahrheiten.

Heute kommen Jünger des Dark-Rock ebenso wenig an Unzucht vorbei wie Industrial- und Gothic-Fans. „Engel der Vernichtung“, „Deine Zeit läuft ab“ und natürlich „Unzucht“ – die Songs von „Todsünde 8“ haben längst Hymnen-Status. Der mittlerweile sechste Unzucht-Streich „Jenseits der Welt“ fegte 2020 durch die Top 10 der deutschen Album-Charts. Nun ist es an der Zeit, „Todsünde 8“ zu feiern als das, was es schon am Tag des ersten Erscheinens war: ein düsterer Geniestreich, schön wie ein Schwan – aber ein schwarzer. Im 13.10.2023 erscheint „Todsünde 8“ als Re-Release bei NoCut Entertainment. Remastered, mit schwarzem Cover und erstmals auch auf Vinyl. „Unzucht waren 2012 unsere ersten externen Vertragskünstler“, sagt Label-Chef Kalle Engler. „Ich war und bin unzüchtig verliebt.“ Gitarrist De Clercq ergänzt: „Auch über 10 Jahre nach Release legt die Todsünde 8 noch alles in Schutt und Asche. Remastered schiebt Sie Euch freudig strahlend an den Rand des Abgrunds und springt zusammen mit euch ab!“ Nehmt euch in Acht, der Schwan kehrt zurück – in Schwarz!

Gegründet 1980 in München, spielt die Band noch immer in Original-Besetzung: Justin Hoffman, Thomas Meinecke, Michaela Melián und Wilfried Petzi. Seit 1990 gibt es als fünftes festes Mitglied den Schlagzeuger Carl Oesterhelt. Von Anfang an verstand sich die Band in der Tradition von Art School Bands: nicht Virtuosität, sondern Haltung spielt die zentrale Rolle. F.S.K. machen Musik über Musik, was sowohl ihre eigenen Stücke als auch zahlreiche Cover-Versionen betrifft, die besonders seit dem häufigen Auftreten und Aufnehmen in U.K. (für John Peel) und U.S.A. (mit David Lowery) in den 1980ern und 1990ern ins Programm genommen wurden. Das neue Studio Album, TOPSY-TURVY, greift in mancherlei Hinsicht auf Arbeitsweisen aus vergangenen Band-Perioden zurück. So gibt es, wie auf den ersten Alben, Streicher- und Bläser-Overdubs, die mitunter ins spätromantisch Orchestrale lappen, aber auch improvisatorischer Natur sind (Cello, vierhändiges Klavier, Trompete). Die acht Stücke wurden in dem von der befreundeten Band The Notwist zur Verfügung gestellten Alien Research Center in Live Takes produziert und von Mario Thaler gemischt.

Das fünfte Album der Emo-Punk-Band Free Throw aus Nashville beginnt mit einem fünfsekündigen Dunst geigenartigen Feedbacks, bevor es im Sprint auf dem Boden aufschlägt: eine dicke, übersteuerte Gitarre, Schlagzeug und der Bass knallen zusammen mit knackigen Ausbrüchen und einem lebhaften Gitarren-Lead hinter einer Wall Of Sound herein. 'Es ist so verrückt, dass die Dinge mit zunehmendem Alter irgendwie so kompliziert werden', stöhnt Sänger und Gitarrist Cory Castro zu Beginn der ersten Strophe des Albums. In wahrer Free Throw-Manier ist die Platte mit Videospiel- und TV-Referenzen versehen – Castros geliebtes Pokémon (Cinnabar Island), Outer Worlds (Spacer's Choice) und Trailer Park Boys zum Beispiel. Aber während sich frühere Releases auf ein zusammenhängendes Thema konzentrierten, das für Dramaturgie und Erzählung bereit war, geht es in 'Lessons That We Swear To Keep' um etwas noch Unmittelbareres und Prägenderes, aber weniger Diskutiertes: die Grauheit des Alltags.

Soul und Weihnachten gehören zusammen wie Lebkuchen und Zuckerguss. Raphael Wressnig veröffentlicht ein Weihnachtsalbum, welches in dieselbe Kerbe schlägt. So begibt sich Wressnig in der Boogaloo Version von „Santa Claus is Coming to Town” auf eine flotte Fahrt entlang des Jimmy-Smith-Highways und das traditionelle Weihnachtslied „Leise rieselt der Schnee” kommt als Soul-Ballade via Muscle Shoals in Alabama auf den Plattenteller! Weil die Quintessenz des Funk in New Orleans liegt, schickt das Christkind den „Little Drummer Boy” zu einer „Crawfish Fiesta” mit Professor Longhair und Eddie Bo.

Weihnachten macht mit Groove und New Orleans-Funk deutlich mehr Spaß: Raphael Wressnig an der WeihnachtsOrgel und das auserlesene Ensemble zeigen wie viel Soul und Groove in Weihnachtsmusik stecken kann!

Soul and Christmas belong together like gingerbread and sugar glaze. Raphael Wressnig releases a Christmas album like this. In the boogaloo version of „Santa Claus is Coming to Town“, Wressnig takes a jaunty ride along the Jimmy Smith highway, and the traditional Christmas carol „Leise rieselt der Schnee“ (The snow is falling softly) hits the turntable as a soul ballad via Muscle Shoals in Alabama! Because the quintessence of funk resides in New Orleans, the Christ Child sends the „Little Drummer Boy“ to a „Crawfish Fiesta“ with Professor Longhair and Eddie Bo.

Christmas is much more fun with groove and New Orleans funk: Raphael Wressnig on the Christmas organ and the superb ensemble show how much soul and groove can be found in Christmas music!

Ein Jahr nach Veröffentlichung des letzten GOAT-Albums "Oh Death" kündigen die maskierten Schwed*innen nun den Nachfolger "Medicine" an, der am 13. Oktober auf Rocket Recordings erscheint. In der ersten Single "Unemployment Office" ergänzen sie ihren Psych-Rock um Elemente aus dem 70s-Progressive. Nicht nur die neue Single, sondern auch das gesamte Album hat eine durchgängig zurückhaltendere, warme Ausstrahlung, und die Band deutet an, dass das übergreifende Thema des Albums die Vergänglichkeit im Leben ist - in all seinen verschiedenen Facetten: "It's about the impermanence of life in different ways: sickness, relationships,love, death and how our time is finite." Es ist schwer zu sagen, wie oft die Mythologie und das Geheimnis von GOATs Hintergrundgeschichte neugeschrieben werden kann, aber das neue Album macht Schluss, nur in der Vergangenheit zu schwelgen, und präsentiert einem etwas sanfteren Psych-Folk-Sound, der immer noch Goat ist. Die einzelnen Identitäten, die an den drei Alben der Band beteiligt sind, bleiben geheimnisumwittert: GOAT-Sprecher behaupten, dass die Gruppe lediglich ein fortlaufendes Mehrgenerationen-Kollektiv von Musiker*innen aus dem isolierten schwedischen Ort Korpilombolo ist. Nördlich des Polarkreises gelegen, ist die Stadt ein Knotenpunkt zwischen samischen Ureinwohnern, skandinavischen Siedlern und dem seltenen Eindringen von Wanderern von außerhalb. Darüber hinaus geben GOAT nur sehr wenig preis. Die Geheimhaltung der einzelnen Mitglieder und der Mangel an Informationen über Korpilombolo tragen wenig dazu bei, die Behauptungen von GOAT zu untermauern oder zu widerlegen. So "unnahbar" auch ihre Gerschichte klingt, so mysterös beschreib die Band auch ihre Musik: "We often talk about how all music is world music and all other genres are old fashioned. All you can hear is the universal similarity between all music. The music from some old cult in northern Sweden can be the same as the music from wherever." Der Sound des neuen Albums ist die klangliche Manifestation aus nigerianischen Afrobeat, deutschen Krautrocks, Funk und düsteren, halluzinatorischen Rock. Passend zum Titel "Medicine" muss dieses Medikament also sehr stark sein. Unabhängig von Dosierung und Art der "Medicine" - es ist Zeit sie jetzt einzunehmen. Limitiertes Wavy Cap Colour Vinyl-LP (Purple-Clear Colour-In-Colour)

Black Sabbath wurde 1968 in Birmingham von Ozzy Osbourne (Leadsänger), Tony Iommi (Gitarre), Geezer Butler (Bass) und Bill Ward (Schlagzeug und Percussion) gegründet. Ursprünglich als Heavy-Blues-Rock-Band namens Earth gegründet, begann die Band, okkulte und Horror-inspirierte Texte mit heruntergestimmten Gitarren einzubauen, änderte ihren Namen in Black Sabbath und veröffentlichte in den 1970er Jahren mehrere Gold- und Platinplatten.

Die Ultimate Collection wurde von den Bandmitgliedern zusammengestellt. Das Ergebnis ist eine 17-Track-Sammlung mit den Klassikern der Band wie "Paranoid", "Iron Man", "War Pigs", "N.I.B." und "The Wizard" sowie ausgewählten Ausschnitten aus ihren klassischen Alben. Remastered von dem renommierten Toningenieur Andy Pearce (Motörhead, Deep Purple, Lou Reed, Iggy & The Stooges) im Jahr 2009.

Die Sammlung ist die ultimative Begleitung für alle Sabbath-Fans und alle, die Hardrock lieben.

Das selbstbetitelte Debütalbum von Dirty Talons fasst die ersten beiden Aufnahmesessions zusammen, die die Band in den Jahren 2021 und 2022 abgeschlossen hat. Alle grundlegenden Instrumentalstücke sowie die meisten Lead-Vocals wurden in nur wenigen Tagen live im Radiokulturhaus in Wien, Österreich, aufgenommen. Während die Gitarristen Marco und Zock sowie der Bassist Bernie während ihrer Zeit bei ASTPAI in der Vergangenheit mehrere Platten gemeinsam veröffentlicht haben, markiert dieses Album das bemerkenswerte physische Debüt der Sängerin Jess Howells.Jess' Texte erforschen intra- und zwischenmenschliche Kämpfe und Zusammenhänge aus verschiedenen Perspektiven
und berühren Themen wie Angst, Liebe, Unsicherheit, Narzissmus, Wut, Einsamkeit und Bedauern

Die britische Singer-Songwriterin Holly Humberstone veröffentlicht ihr Album ”Paint My Bedroom Black”!

Das Album ist geprägt von der lyrischen und klanglichen Dualität einer Künstlerin, die zu neuen Erfahrungen und wechselnden Identitäten aufbricht.

Humberstone, die bereits für zwei Ivor Novellos nominiert wurde, 2022 den BRIT Rising Star gewann und beim BBC Sound Of 2021 den zweiten Platz belegte, ist das Herzstück ihres Handwerks, das Geschichtenerzählen. Sie ist zu einer der beliebtesten Künstlerinnen geworden, die mit ihrer unverwechselbaren Stimme und ihrem bemerkenswerten Songwriting letztes Jahr vor 5000 Fans ihre Headline-Tournee in Großbritannien beendete. Fanfavoriten wie „Scarlett“ und „Overkill“ wurden bereits über 242 Millionen Mal global gestreamt.

Das Album wird als 12” Vinyl und als CD erhältlich sein.

The Cranberries wiederveröffentlichen eine Deluxe Version ihres dritten Albums „To The Faithful Departed“ aus dem Jahr 1996!

Tracks von „To The Faithful Departed“ wurden über 80 Millionen Mal auf Spotify gestreamt.

Das Album verkaufte sich weltweit über 6 Millionen Mal, erreichte in sechs Ländern Platz 1 und wurde das meistverkaufte Album der Band in den US-Billboard 200.

Bei dieser Deluxe-Wiederveröffentlichung wurde das Originalalbum von John Dent neu gemastert und bei den 2LP-Versionen auf drei Vinylseiten aufgeteilt, wobei die vierte Seite Bonustracks enthält, darunter drei unveröffentlichte Albumdemos, die mit dem Produzenten Tim Palmer (Tears for Fears, H.I.M., The Mission) in Paris aufgenommen wurden.

Das Digital- und 3CD-Set enthält unveröffentlichte Outtakes und frühe Mixe des Studioalbums sowie zwölf seltene Live-Tracks, die auf der ”Free to Decide”-Tour der Band 1996 aufgenommen wurden. Die 2LP- und 3CD-Versionen enthalten eine 4000-seitige Sleevenote über die Entstehung des Albums, die auf Interviews mit den verbliebenen Mitgliedern basiert, die von Bandarchivar Eoin Devereux geführt wurden.

Das Album erscheint als 1LP, 2LP und als 3CD.

The Cranberries wiederveröffentlichen eine Deluxe Version ihres dritten Albums „To The Faithful Departed“ aus dem Jahr 1996!

Tracks von „To The Faithful Departed“ wurden über 80 Millionen Mal auf Spotify gestreamt.

Das Album verkaufte sich weltweit über 6 Millionen Mal, erreichte in sechs Ländern Platz 1 und wurde das meistverkaufte Album der Band in den US-Billboard 200.

Bei dieser Deluxe-Wiederveröffentlichung wurde das Originalalbum von John Dent neu gemastert und bei den 2LP-Versionen auf drei Vinylseiten aufgeteilt, wobei die vierte Seite Bonustracks enthält, darunter drei unveröffentlichte Albumdemos, die mit dem Produzenten Tim Palmer (Tears for Fears, H.I.M., The Mission) in Paris aufgenommen wurden.

Das Digital- und 3CD-Set enthält unveröffentlichte Outtakes und frühe Mixe des Studioalbums sowie zwölf seltene Live-Tracks, die auf der ”Free to Decide”-Tour der Band 1996 aufgenommen wurden. Die 2LP- und 3CD-Versionen enthalten eine 4000-seitige Sleevenote über die Entstehung des Albums, die auf Interviews mit den verbliebenen Mitgliedern basiert, die von Bandarchivar Eoin Devereux geführt wurden.

Das Album erscheint als 1LP, 2LP und als 3CD.

Sigrid Horns drittes Album ist ein düster-liebevoller Dialekt-Liederzyklus mit Streichquartett. Die erdrückende geopolitische Situation im Zusammenspiel mit Isolation, Rückzug aufs Private durch die Geburt ihres Kindes sind das Biotop, in dem diese Lieder gewachsen sind. Über allem steht die Hoffnung, das Überkommen, das Überstehen. "Wenn Sigrid Horn Klavier spielt, dann streichelt oder donnert sie, ihre Ukulele wiederum klingt manchmal spindelig, dann wieder frenetisch aber nie niedlich." (Robert Rotifer) Begleitet wird sie erstmals vom unüblich besetzten Streichquartett "das Nest": Stefanie Kropfreiter, Marlene Herbst (Bratschen), Ulla Obereigner (Geige) und Anna Aigner (Cello) bilden das wohlige Nest, in das sich Sigrid Horn zurückziehen kann und sich vulnerabler als je zuvor zeigt. Die Arrangements kommen von Felipe Scolfaro Crema, der an der Bruckner Uni Komposition und Jazz-Klavier studiert hat und sonst als Live-Musiker und Produzent umtriebig ist. Die Gewinnerin des Protestsongcontests präsentierte ihr letztes Album in der Elbphilharmonie Hamburg, das vom Falter unter die wichtigsten 50 Austropop-Alben der letzten 50 Jahre gewählt wurde. Sie war Künstlerin des "New Austrian Sound of Music" Förderprogramms und erhielt den Hubert von Goisern Kulturpreis.

Wien, Porgy&Bess. Am vorletzten Tag des letzten Vor-CoronaJahres stehen, singen, jubeln, shaken wir, dichtgedrängt. Wir wissen nicht, dass es, für eine gefühlte Ewigkeit, das letzte Mal ist. Fast forward: Kaum 19 Monate später…

Alle – Ausführende und Zuhörende und Veranstaltende – haben die erste Covid-Krise hinter sich. Und irgendwie spüren wir das aus diesem live-Mitschnitt heraus. Die Energie ist nicht ungebrochen, aber unbeugsam. Die Spielfreude ist nicht versiegt, aber mit ein paar melancholischen Pinselstrichen ein wenig dunkel gefärbt. Es wird mit einem lauten „trotzdem!" musiziert. Die ursprünglichen Qualitäten des Projektes sind durch die Erfahrungen der vergangenen Monate noch gereift.

Der Vorhang hebt sich wie zu einem düsteren Kriminalfilm, ein exquisiter roter Teppich wird ausgerollt, bevor das Manifest der Achterl erklingt, wovon sie singen wollen und wovon nicht, wie sie leben und sterben wollen.

Wenn sich Deutschlands umtriebiger Vorzeige-Growler Marc Grewe (ex-Morgoth, Insidious Disease) anschickt hinter ein Mikrofon zu treten, kann man sich darauf verlassen mit astreinem Death Metal beschallt zu werden … bis jetzt! Denn mit Deimos’ Dawn steht das Szene Urgestein erstmals einer THRASH METAL Band klassischer Prägung voran. Bands wie Kreator, Slayer, Sodom und Sepultura haben offensichtlich tiefe Spuren bei den Bandgründern Andy Doé (Gitarre), Matthias Lange (Bass) und Mathias Schmidt (drums)
hinterlassen.

Die 12 Songs, denen Grewe mit der wohl vielfältigsten Gesangsleistung seiner Karriere die schwarzgoldene Krone eines Gift und Galle speienden Königs der Unterwelt aufsetzt, warten darauf einen frischen Wind der Verwüstung durch eure Gehörgänge zu blasen. Der ehemalige Sodom-Gitarrist und Tausendsassa Andy Brings war derart begeistert von Konzept und Songs, dass er (fast) alle Texte schreiben und Grewes Vocals produzieren musste. Ja, musste!

Tear Gas wurde 2009 veröffentlicht und ist das vierte und wohl bemerkenswerteste Studioalbum von The Jacka. Das 19- Track-Album erreicht Platz 93 der Billboard Top 200 und ist vollgepackt mit Features aus der Bay Area und nationalen Legenden wie Andre Nickatina, Matt Blaque, E-40, Mistah F.A. B., Cellski, Zion I, AP.9 , Dubb 20, J. Stalin, Devin The Dude, Paul Wall, Masspike Miles, Planet Asia, Cormega, Ampichino und Freeway. Das Album enthält die Hitsingles „All Over Me feat. Matt Blaque“ und „Glamorous Lifestyles feat. Andre
Nickatina“.

Liberty Awaits ist das 2. Studioalbum von The Trouble Notes und wirft ein positives Licht auf Migration durch die Vereinigung unterschiedlicher Kulturen als musikalische Einheit. Das Album ist eine Erkundung von World-Folk-Stilen und ein Versuch, die komplexen Nuancen des reichen kulturellen Gewebes unserer Welt weiter zu erforschen.

Aufgrund der aktuellen und historischen Migration von Menschen über Land und Meer, ist ein zentrales Thema des Albums, der Einfluss interkultureller Integration.

Das stabile Fundament, für das die Gruppe über fast ein Jahrzehnt international bekannt geworden ist, wird durch neue Instrumente und melodischen Gesang erweitert. Jede Komposition des Albums widmet sich einer spezifischen Geschichte eines Archetypen oder eines Ortes, der verschiedene Kulturen miteinander verbindet. Der Kern der Band wird musikalisch durch die wunderbare ecuadorianische Sängerin Carola Zerega, dem französischen Pianisten Freddy Dubois und dem belgischen Bassisten Olivier van Betsbrugge erweitert

Kaum eine deutsche Band legt so viel Wert auf ihren Sound, während sie gleichzeitig so gehaltvolle und doch zugängliche Songs schreibt. Und wer nimmt es schon freiwillig auf sich, bei den Album-Aufnahmen auf Taschenlampen und WalkieTalkies angewiesen zu sein? Ohne die ist es einfach nicht möglich, sich in dem langsam zerfallenden, ehemaligen Rundfunkgebäude des MDR und seinen vielen Studios
zurechtzufinden.

In diesem Lost Space in Weimar haben YUUN sich für die Dauer der Aufnahmen häuslich eingerichtet.

Möbel dafür finden sie im ganzen Haus verteilt. Ein Tisch aus dem großen ehemaligen Tanzsaal; ein Stuhl aus dem Untergeschoss, in dem der Schimmel zentimenterdick und pelzig von den Wänden wächst, sodass es nach 10 Minuten schon schwerfällt zu atmen. Wenn sie nachts in den riesigen, gruseligen Gängen des Gebäudes, das noch aus der NS-Zeit stammt, unterwegs sind, verständigen Basti, Jannis und Max von YUUN sich mit Hilfe von drei kleinen bunten Spielzeug Walky-Talkies, um sich nicht zu verlieren.

Zwar ging das New Yorker Trio einst in den Indierock-Kindergarten und wurde gar von Sonic-Youth-Schlagzeuger Steve Shelley entdeckt, vom Noise der frühen Tage findet sich in seinen letzten Arbeiten aber herzlich wenig. Von Album zu Album entwickelte man sich beständig weiter. Nach dem melancholischen "Misery Is A Butterfly" überraschten sie beim 2007er-Longplayer "23" mit faszinierend-hypnotischen und höchst elektronischen Sounds. Auf ihrer mittlerweile dritten Veröffentlichung für das Label 4AD betören Kazu Mazino und die italienischstämmigen Zwillingsbrüder Amedeo und Simone Pace mit einer weiteren Soundvariante in ihrem opulenten Klangkosmos, welche die elektrisierende Atmosphäre ihrer Stücke auf den Punkt bringt. "Penny Sparkle" entstand 2009 mithilfe des Produzentenduos Van Rivers & The Subliminal Kid (Glasser, Fever Ray) in New York und Stockholm. Die wundersame Stimmung eines tiefen schwedischen Winters prägte das Album nachhaltig. "Penny Sparkle" ist schillernd, dunkel und schön.

Die Wiederveröffentlichung zum 50zigen Jahrestag von Fela Kutis Album 'Shakara' von 1972.

'Shakara' ist ein hauptsächlich instrumentales Stück mit einem kurzen, auf Yoruba gesungenen Text, der vor Prahlern und Angebern warnt. In 'Lady' hebt Fela die Übernahme europäischer sozialer Gewohnheiten zum Nachteil der afrikanischen Kultur hervor. Das Album ist der Sound der Reifung des Afrobeat zu einer globalen Musik. Felas Texte in Pidgin-Englisch erweitern das Publikum seiner Musik über Yoruba-Sprecher:innen hinaus und machen seine Worte in der gesamten anglophonen Welt verständlich. Wie schon bei seinen anderen Veröffentlichungen in den frühen 70er Jahren hat Fela jede Seite seiner LPs genutzt, um einen intensiven Groove zu kreieren, der die Hörer:innen in seinen Bann zieht und von metaphorischen Texten begleitet wird, die den korrupten Kolonialismus kritisieren.

Auf pinkes Vinyl gepresst und mit einer zusätzlichen gelben 7" enthält die Jubiläumsversion auch ein kurzes Essay über das Album und Fela Kutis globalen Einfluss auf die Musikwelt. Darüber hinaus gibt es zwei Remixes des Ezra Collective aus UK.

ODESZA veröffentlichen eine gemeinsame EP mit dem Yellow House, dem Songwriter, Produzenten und Instrumentalisten Emile van Dango aus Kapstadt in Südafrika. Die verträumte „Flaws In Our Design“-EP wird ab dem 29. September 2023 auf himmelblau-transparentem Vinyl erhältlich sein.

„‚Heavier‘ war eine Zusammenarbeit, die vor fünf Jahren begann.“, so Harrison Mills & Clayton Knight von ODESZA. „Wir entdeckten Emile/ Yellow House auf Soundcloud und waren sofort von seiner Stimme und seiner Performance angetan! Nachdem wir erfolgreich ein paar Demos produziert hatten, flogen wir ihn aus Südafrika ein, um mit uns in unserem Studio in Seattle zu arbeiten.

Die Musik hatte von Anfang an diese unverwechselbare Energie, als hätten wir etwas Besonderes entdeckt. Wir fühlten uns zu einer einzigartigen Mischung aus elektronischer Produktion und Emiles unglaublicher Fähigkeit, nostalgische Melodien und erzählende Texte zu kreieren, hingezogen.“ Emile van Dango/ Yellow House sagte über „Heavier“, dass der Track „die Idee war, die vor fünf Jahren den Anstoß für die gesamte Zusammenarbeit gab. Von Anfang an hatte der Track diese unverwechselbare Energie, etwas Besonderes entdeckt zu haben. Er fängt genau den Moment ein, in dem sich unsere beiden Welten trafen."

Als sich The Damned 1989 erstmalig trennten, gründete Leadsänger David Vanian die Phantom Chords. Ihre erste Single, ein Cover der John Leyton-Nummer 'Johnny Remember Me' erschien 1990 und ihre Version von 'Town Without Pity' folgte 1992. Erst 1995 wurde schließlich von Big Beat ein Phantom Chords-Album veröffentlicht, das gekonnt die Genres Rockabilly und Gothic Rock miteinander verschmolz. Zu den Tracks gehörten u.a. mit 'Voodoo Doll', 'Big Town', 'Fever In My Blood', 'Jezebel', 'Chase The Wild Wind' und 'Swamp Thing' eine Mischung aus Covern und Originalmaterial, die aufgrund zu geringer Verkaufserwartung der LP eine reine CD-Veröffentlichung war. Jetzt, fast drei Jahrzehnte später, wird dieser Fehler korrigiert und 'David Vanian And The Phantom Chords' endlich auf Vinyl als 2LP-Set (Black Vinyl) veröffentlicht - natürlich auf Ace Records!

Die legendäre Band "In Strict Confidence" läutet das gruseligste Datum des Jahres mit einem musikalischen Meisterwerk ein! Am Freitag dem 13. Oktober, veröffentlichen sie eine ganz besondere Kollektion, die ihre größten Hits in einem völlig neuen Licht erstrahlen lässt. Das Besondere daran? Alle Songs wurden komplett neu in einem faszinierenden orchestralen Filmmusik-Soundtrack aufgenommen. Klar erkennbar und doch in einer monumentalen Sinfonie neu erschaffen. "Zauberschloss", "Seven Lives", "Morpheus" oder "Forbidden Fruit" sind nur einige der Klassiker, die seit Jahren fest verankert in der Szene und bei den Fans sind. Als Bonus findet man auf der zweiten CD das komplette Werk nochmal als instrumentale Version, was einen weiteren Hörgenuss bietet. Insgesamt kommen so 24 Tracks hervor, die ein musikalisches Erlebnis und ein Muss für jeden Fan und Liebhaber von packender Musik sind.
Zwei Wochen zuvor, am 29. September wird das erste Video dazu veröffentlicht. Dabei handelt es sich um eine neue, beeindruckende Version des bei vielen Fans der ersten Stunde als "all-time-favorite" geltenden Songs "Zauberschloss". Dieser Vorgeschmack auf das kommende "Best of"-Album verspricht, die Herzen der treuen Anhänger von "In Strict Confidence" höher schlagen zu lassen.
Save the dates: Fr. 29. September für "Zauberschloss" und Fr. 13. Oktober 2023 für das epische "Mechanical Symphony"-Album als Doppel-CD, Doppel-Vinyl im Gatefold Cover!

Das bereits 6. Album des mit dem Schwedischen Grammy ausgezeichneten Jazz-Acts -
dem Projekt von Dan Berglund = Bassist des legendären E.S.T. - Esbjörn Svensson Trios!
Die vierfach mit dem Grammy (Schwedischer Grammy) ausgezeichnete Gruppe
Tonbruket wird ihr sechstes Studioalbum "Light Wood, Dark Strings" veröffentlichen. Für
eine so vielfältige Band wie Tonbruket, die sich intensiv mit den Weiten des Jazz
beschäftigt und ständig die Grenzen dieses Genres erweitert, ist es kaum überraschend,
dass die Band erneut nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten sucht. Die Freude an der
Entdeckung manifestiert sich auch auf dem kommenden Album, das für die Band einen
Schritt in eine neue Richtung darstellt. Im Gegensatz zu den bisherigen fünf Alben (alle auf
ACT), die eine Menge Synthesizer und Effektgeräte enthielten, ist "Light Wood, Dark
Strings" fast vollständig organisch. Jetzt haben sie die natürlichen Klänge auf das Album
einwirken lassen und ihr bisher ruhigstes und sanftestes Werk geschaffen. Die
Bandmitglieder sind: Bassist Dan Berglund (E.S.T., Rymden), Keyboarder/Violinist Martin
Hederos (The Soundtrack of Our Lives, Hederosgruppen), Gitarrist/Pedal Steel-Gitarrist
Johan Lindström (Rebecka Törnqvist, Elvis Costello) und Schlagzeuger Andreas Werliin
(Fire!, Wildbirds & Peacedrums).

Französisches und spanisches Gefühl für Nostalgie mit dem Pianisten Alexandre Tharaud "Ravels Konzert in G-Dur ist frisch und mozartisch in seinen Farben, während sein Konzert für die linke Hand von dunklen Schatten und unterdrückten Ängsten heimgesucht wird", erzählt Alexandre Tharaud. Ravels Musik liegt dem Pianisten besonders am Herzen. In Zusammenarbeit mit dem Orchestre National de France und dem Dirigenten Louis Langrée spielte er nun die beiden Klavierkonzerte des Komponisten ein.

Er kombiniert sie mit Noches en los jardines de España (Nächte in spanischen Gärten), Manuel de Fallas schwelgerischem Werk für Klavier und Orchester.

Zwei Physiker, die mit elektronischen Geräten Popmusik machen und über 600 Kilometer hinweg agieren, produzieren ein filigranes und poetisches Album, das überrascht.

FliederKind sind auf ihrem dritten Album auf eine besondere Art und Weise emotional. Die Maschinen bleiben präsent – auf Augenhöhe mit der Lyrik und der Komposition. "Zentrale Kreaturen“ schleicht sich technoid-subtil in die Gehörgänge und offenbart eine lyrische Dichte, die die ganze LP prägt. Nicht umsonst steht "ALLES ANALOG" auf dem Plattencover:
Das fliederKind-Studio steht voller klassischer Synthesizer, deren Signale in ein großes analoges Mischpult fließen. Über die großen Racks mit altbewährtem Studioequipment bis hin zur 2-Spur-Bandmaschine, bei der alles zusammenläuft:
fliederKind hat sich einer Arbeitsweise verschrieben, die perfekt zur Atmosphäre ihrer Musik passt. Die Texte entstehen mit Füller auf Papier, die Maschinen sind liebevoll gepflegte Oldtimer (dabei hilft es, Physiker zu sein!), der Output ist das eine Masterband.

"Ethik" kann man getrost als das bislang facettenreichste, modernste und frischeste ARTEFUCKT Album beschreiben. Ehrlich, echt und authentisch, wie bisher jedes Album der 2015 von André Doney in Rheinberg gegründeten Band.

Die Vorproduktion zu "Ethik" begann Anfang diesen Jahres. Durch den plötzlichen Tod des Schlagzeugers Uli wurde diese jedoch unterbrochen, da emotional vorerst nicht an eine Weiterarbeit zu denken war.
Nach der Beisetzung schrieb André in Gedenken den Song "Abendmahl", welch half die emotionale Brücke zu überwinden und die Arbeit am neuen Album wieder aufzunehmen.
"Ethik" entstand schließlich ab Juni diesen Jahres im "Illuminiated Music Studio" des Produzenten Jörg Wartmann, und dem "Soundart Recording Studio" von Alexander Lysjakow. Im letzteren wurden unter anderem die Drums eingespielt. Diesen Part übernahm nach Ulis Tod Martin Winde.
Wie auch alle bisherigen ARTEFUCKT Alben spiegelt auch "Ethik" quasi einen Lebensabschnitt, verarbeitet erlebtes, reflektiert, schaut nach vorn, träumt, lacht, weint, liebt, hasst, teilt aus, steckt ein, erfreut, trauert, macht Mut…steckt einfach voller Emotionen und Leben.

Der Score von Leonard Küßner zum neuen Wim Wenders-Film. Mit dem über einen Zeitraum von zwei Jahren entstandenen Werk in atemberaubender 3D-Qualität erschafft der Regisseur ein einzigartiges Porträt eines der größten zeitgenössischen Künstler und gewährt uns Einblicke in die Welt Anselm Kiefers, wie man sie sonst nie sehen könnte. Leonard Küßner ist ein preisgekrönter deutscher Komponist für Film, Theater und Konzertsäle und war für den Deutschen Filmmusikpreis (2018) und für die Beste Filmmusik in einem Dokumentarfilm beim Filmfestival des Max Ophüls Preises (2021) nominiert. Derzeit komponiert er seine erste Oper.

Die zweite LP des Duos und Internetphänomens THE FRENCH MADEMOISELLES aka Mademoiselle KT (Katia) und Mademoiselle L (Lexie) wurde mit Chansons von Annie Philippe, Jacqueline Taïeb, Katty Line und Liz Brady vervollständigt. Eine musikalische Momentaufnahme des Swingin' Paris für Liebhaber von süßem Pop und wilden Idioten. Lilafarbiges Vinyl.

Als 2017 Ilgen-Nurs Solo-EP No Emotions erschien, war die junge Songwriterin schnell in aller Munde. Ihr damaliger Slacker-Sound wurde als die neue Coolness im deutschen Indie-Pop gefeiert, es folgte eine Europa-Tour und Supports für Bloc Partys Kele Okereke und Tocotronic. Für Ilgen wurde ein Traum wahr, den sie von Kindheitstagen an geträumt hatte: Mit ihren eigenen Songs auf die Bühne!

Sie gewann Musikpreise, wurde zu Features eingeladen, ihre Songs wurden für erfolgreiche Netflix-Produktionen genutzt. Ilgen brach zwei Studiengänge ab, ging von Hamburg nach Berlin. 2019 kam dann ihr Debut Power Nap raus, das sie gleich auf dem eigens dafür gegründeten gleichnamigen Label selbst veröffentlichte. Die Kritik reagierte begeistert.

2022 dann also: Mit einer Handvoll Songs im Gepäck ging Ilgen schließlich mit ihrem Wahlproduzenten Jon Joseph in dessen Studio in San Pedro. Maximilian Barth, ihr neuer Gitarrist, flog über den großen Teich, Sessionmusiker wurden eingeladen. IT‘S ALL HAPPENING nun, das Resultat dieser Zeit, zeigt eine neue Ilgen-Nur, die herausgefunden hat, wer sie sein will, wer sie ist. Es klingt warm und melancholisch, gibt ihrem dunklen Timbre genau die Fläche, die
es verlangt. Und zeugt von gewonnener, hörbarer Reife.

30 Jahre nach seinem Boygroup-Senkrechtstart mit der 90er-Sensationsband Caught In The Act , fünf Jahre nach den ersten Soloerfolgen mit " Egal, was andere sagen " und dem #1-Auftaktalbum "Kopf aus, Herz an" steht Eloy de Jong mit seinem ultimativen Best-of-Album in den Startlöchern: " Viel mehr als das Beste " erscheint am 13. Oktober! Mit gleich 13 Bonustiteln und doppelt so vielen Meilensteinen aus den letzten Jahren vereint es tatsächlich sehr viel mehr als das Beste ?

Eloy de Jong hat dieses Jahr so einiges zu feiern! 50. Geburtstag, 30 Jahre Bühnenjubiläum und vor allem fünf Jahre ganz oben als Solokünstler, der nach seinen ikonischen 90er-Erfolgen nun auch ein paar der größten Hits der jüngeren Popschlagergeschichte verbuchen kann!

Zum fünften Jahrestag seines Durchbruchs mit der Sensations-Single "Egal, was andere sagen" präsentiert der sympathische Musiker aus den Niederlanden sein ultimatives Best-of-Album, für das er insgesamt gleich 13 Bonustitel eingesungen hat - "Viel mehr als das Beste"!

Dark Horse Records veröffentlicht das legendäre Live-Konzert von Joe Strummer & the Mescaleros in Acton Town Hall, neu gemastert vom Grammy-Preisträger Paul Hicks (The Beatles, The Rolling Stones, George Harrison) erhältlich auf 2LP-Vinyl und CD.

Das am 15. November 2002 aufgezeichnete Konzert war ein Benefizkonzert für streikende Feuerwehrleute und war einer von Joes letzten Auftritten (er verstarb einen Monat später). Teil des Auftritts eine Reunion mit Mick Jones, Strummers ehemaligem Bandkollegen von The Clash, der zum ersten Mal seit fast zwanzig Jahren für drei Songs wieder mit Strummer auf der Bühne zusammenkam. Es war auch das letzte Mal, dass sie gemeinsam auf der Bühne standen.

Die Vinyl ist in einer Gatefold-Hülle verpackt, inklusive bisher ungesehenen Fotos von der Show sowie neue Linernotes vom ehemaligen Feuerwehrsekretär Andy Gilchrist, der die Band bei der Show vorstellte und die Streiks anführte, die Joe unterstützte. Dies ist das erste Mal, dass das Konzert mit einer umfassenden Verpackung auf Vinyl veröffentlicht wird. Die extrem limitierte vorherige Version, die 2012 exklusiv zum Record Store Day erschien, hatte nur eine DIY-inspirierte Klarsichthülle und war das erste Mal, dass es auf CD
veröffentlicht wurde.

Der kanadische Sänger/Gitarrist JW-Jones, Billboard Top 10 Blues Artist, IBC-Gewinner 2020 und JUNO-Nominierter, ist mit seiner 12. Veröffentlichung zurück. Nachdem er bei der International Blues Challenge 2020 in Memphis als „Bester Gitarrist“ ausgezeichnet wurde, begann Jones mit der Arbeit an „Everything Now“, einem reinen Originalprojekt mit Special Guest Jimmie Vaughan und einer Produktion von Gordie Johnson (Big Sugar). "Lieder! Es dreht sich alles um die Songs!“ sagte der von JUNO nominierte Jones, dessen sengende Kunstfertigkeit in den letzten Jahren von den legendären Blueskünstlern Buddy Guy und Chuck Leavell (The Rolling Stones) gelobt wurde. „Während es viele brennende Leadgitarrensoli gibt, wollte ich mich öffnen und mit den Texten persönlicher denn je werden. Von der wahren Geschichte „Papa’s in the Pen“ bis „When You Left“, die ich mit Tränen über den Tod meiner Mutter gesungen habe, sind dies Geschichten, die ich endlich durch meine Musik teilen
kann.“

Viertes Album der griechischen Power/Prog Metal Band. Mitte der 90er Jahre gegründet, liefern Fortress Under Siege aus Athen Power/Prog Metal, der traditionellen Heavy Metal mit technischer und melodischer Power auf höchstem Niveau verbindet. 1996 gehörten FUS zu den ersten griechischen Bands die Power Metal mit Prog verbanden. Seitdem wurden 3 Alben veröffentlicht: "The Mortal Flesh of Love" (2011), "Phoenix Rising" (2014), "Atlantis" (2020). . "Envy", ihr bisher kraftvollstes Album, bietet modernen Power Metall, ohne die Verbindung zu ihrer Vergangenheit zu verlieren. Der Lyrics bieten wieder eine große Vielfalt, die sich mit sozialen, historischen, Science-Fiction- und mythologischen Themen befasst. Ein Original-Meisterwerk von Ioannis Koutrikas ziert das Cover der neuen Platte, eine Allegorie des Neids. Nachdem sie die Bühne mit Bands wie Accept, Hammerfall, Guano Apes, Serious Black und anderen geteilt haben, werden sie bald wieder auf Tour gehen. Das Power-Prog-Metal-Abenteuer geht weiter.

Lizzie Powell, kreative Kraft hinter der kanadischen Band Land Of Talk, hat mit bisher vier unanfechtbaren Alben die Grenzen des Indie-Rock gesprengt. Ihre fünfte LP 'Perfomances' ist die eindringlichste, kathartischste und persönlichste ihrer bisheriger Karriere, auf der sie kräftigen Gitarrenrock gegen dezentes Klavier eintauscht. Mit diesem Album findet die Band die perfekte Gelegenheit, ihre lebenswichtigen Sensibilitäten zu verdoppeln. Sie begleiten die Songs bei jedem Schritt vom Demo bis zur Produktion und verleihen jedem Track große Sorgfalt und ungefiltertes Gefühl.

For more than a decade, Bert Dockx has been one of the most prolific and versatile musicians in Belgium. A masterful guitarist, gifted songwriter, and innovative composer, crossing boundaries between avant-garde rock, customized blues, and instrumental jazz, with bands such as Flying Horseman, Dans Dans, and Ottla, singing in his native Dutch as Strand, or solo under his birth name, and now as the Bert Dockx Band. Ghosts is his fifteenth (!) album on the Ghent-based label Unday Records.

Two years after the crash, Bert Dockx presents his new Bert Dockx Band and Ghosts, an album of rebirth and transgression, one of many firsts. Dockx never dedicated this much time to meticulously crafting each song. For the first time, he entrusts a finished record to a complete outsider. Never before has he reached out so far into the outside world.

The relaxed and positive atmosphere during the recordings is magnified in what Dockx calls 'my best guitar playing ever', and the deep, powerful use of his voice in its natural range. 'I had fun making this album,' says Dockx, 'and I really hope it shows'.
'There's no escape now/ I'm inside of the storm', Bert Dockx sings on his new album, the first with the Bert Dockx Band. 'I smile, I cry/ I die, I'm born/ I'm in love'. Ghosts is the culmination of a two-year odyssey, from hitting rock bottom to flourishing into new heights. An album of rebirth and transgression, a record of milestones and many firsts. Never before has Dockx turned so deep inside in order to reach out to a world beyond himself.

The album is mastered by US producer Philip Weinrobe. Weinrobe previously worked with Arianne Lenker, Indigo Sparke, and Kings of Convenience, and is praised by Dockx for his 'infallible intuition and great inventiveness'. This occasion marks the first time he hands over a finished record, permitting an outsider's perspective during the final mix.

Wax Legs reihen sich in die aufregend wachsende Riege der internationalen Delinquenten von Bretford Records ein und veröffentlichen mit "Horny Tears From Hell" eine Fusion von Klängen bedrohlicher Genres, die auf eine dunkle, eindringliche und liebenswerte Weise aufeinander prallen. Hardrockige, eskalierende Elektro-Riffs lassen dich zurück auf dein Kindheitssofa gleiten, die Guitar-Hero-Gitarre auf deiner Brust, während du deinen Kumpel 'Through The Fire And Flames' auf dem Schwierigkeitsgrad 'Experte' spielen hörst. Die düstere Metal-Ästhetik führt dich in die verschwitzten, urkomischen Death Pits deiner örtlichen Headbanger-Bude mit schwarzer Fassade. Wax Legs schlugen ihre Zelte im O'tool Studio vor den Toren Berlins auf, um etwas zu erschaffen, das nach musikalischer Integrität strebt. Das natürliche Brummen und Zischen des Verstärkers wird beibehalten, während unheimliche Geräusche aus Welten hinzugefügt werden, die wir nicht finden wollen

Formed by Monster Magnet’s John McBain and Soundgarden’s Matt Cameron & Ben Shepherd in 1993 during some downtime from their day jobs and side project Hater (who released a self-titled album in 1993), Wellwater Conspiracy set about immersing themselves in the dayglo world of sixties psychedelia, channelling the vibrations of Syd Barrett’s Pink Floyd and the 13th Floor Elevators to produce the garage lo-fi-lysergic assault on the senses that is their debut album ‘Declaration of Conformity’. Originally issued on Mudhoney’s Steve Turners Super Electro label in 1997, the album was met with critical acclaim upon its release, and Rolling Stone magazine said, “Declaration’s tinny, fuzzed-out sonics decidedly evoke the Summer of Love.” God Unknown Records are proud to be welcoming the album back into print and on all digital platforms, and this coming September 22nd will see the release of a remastered vinyl pressing with extra tracks and new artwork taking influence from Blue Note Records’ fabled artwork. From start to finish, ‘Declaration Of Conformity’ is a loving homage to the true beginnings of psychedelic rock, long before the music got harder and heavier. Songs like ‘Green Undertow’ and ‘Sleeveless’ hark back to the time when The Beatles were spinning the world on its axis with ‘Tomorrow Never Knows’, Syd Barrett was the piper at the gates of dawn and Roky Erickson was introducing the world to his Texan psychedelic sounds. Wellwater Conspiracy’s music exists at that moment when pop music started to fracture and go far further out. It was still pop music, but the edges were starting to blur and the sounds were starting to fracture. This is where ‘Declaration of Conformity’ sits; at the dawn of one of the biggest cultural shifts in musical history. The Bandcamp link will also feature two bonus download-only tracks, a cover of ‘Akka Ragga’ by Shocking Blue and ‘Late Night’ by Syd Barrett. Both tracks feature Josh Homme on guitar and bass. Tracklisting A1 Sleeveless A2 You Do You A3 Trowerchord A4 Green Undertow A5 I Love You Every Day Sandy A6 Nati Bati Yi A7 Far Side Of Your Moon B1 The Ending B2 Space Travel In The Blink Of An Eye B3 6-6-5-4-3-2-1 B4 Shel Talmy B5 Lucy Leave B6 Declaration Of Conformity B7 Palomar Observatory

Am National Album Day (NAD), der nun schon zum sechsten Mal stattfindet, kommt die UK-Musikszene jedes Jahr zusammen, um die Albumkultur zu feiern und zu fördern. Das diesjährige Thema der 90er Jahre soll ein Licht auf ein äußerst reichhaltiges Musikjahrzehnt werfen, das sich zwischen Pop, Trip Hop und Hip Hop bewegte: NAD-Release: Nas "It Was Written" - gold & black marbled Vinyl. "It Was Written" war Nas' zweites Album, das 1996 veröffentlicht wurde. Es war ein sehr erfolgreiches, millionenfach verkauftes Album mit Beteiligung von Lauryn Hill, Dr. Dre, Foxy Brown und Mobb Deep. Seit seiner Veröffentlichung war es außerhalb der USA nicht auf Vinyl erhältlich.

SNOW3, der dritte Teil in der Kollektion unverzichtbarer Referenzen der Serie „Secret Nuggets of Wise“ präsentiert: Soundtracks. Wie schon die beiden Vorgänger-Alben aus dem Hause Le Chant du
Monde, „Northern Soul“ und „Reggae“, taucht die neue Folge tief in die Geschichte des Themas ein und präsentiert neben Titeln von Michel Legrand auch solche von Michel Magne, Bernard Gérard,
Michel Colombier und Serge Gainsbourg sowie von Riz Ortolani.

BMG freut sich, die Veröffentlichung der Doppel-LP von Uriah Heep's Your Turn To Remember: The Definitive Anthology 1970-1990 auf gelbem Vinyl in limitierter Auflage zu veröffentlichen. Die Songs erinnern an eine Ära, in der Prog, Hard Rock und Heavy Metal nebeneinander existierten, und zeigen die Entwicklung von Heep von unerfahrenen Studiomusikern, die noch alles zu beweisen hatten, bis hin zu echten, in Limousinen lebenden Rockstars. Die Anthology enthält eine Auswahl von Titeln aus einigen der berühmtesten Alben von Heep, darunter Demons and Wizards, Look At Yourself, Return To Fantasy, Equator, Conquest und The Magician's Birthday.

TufStuf Records is a Jungle, Hardcore & Jungle Techno vinyl and digital record label from London UK. Run by head honcho Arkyn. The sounds of the label are heavily influenced by the authentic 1992 - 1994 rave vibes. But have a modern and cutting edge take on the original energy of the early 90's. Expect raw and hard hitting drum breaks, low pressing sub bass and ravey and emotive synths.

Stabbing The Drama“ ist vielleicht das beste Stück Melodic Death Metal, das die schwedische Band je geschaffen hat!
Äußerst straff und dynamisch mit melodischen Elementen an genau den richtigen Stellen sind die Markenzeichen dieses Werks;
Jede einzelne Note, jeder präzise Break und jeder stechende Beat ist in purer Perfektion getimt.

Das Problem ist doch im Endeffekt, dass immer irgendwas passiert… Und deshalb heißt Juse Jus neues Album „Das Problem, dass immer irgendwas passiert.“ Die Frage, ob das noch Rap ist oder schon Pop, braucht man sich bei diesem Album nicht stellen. Es ist schnell, es ist düster, es ist kompromisslos. Juse Ju schmettert der Gegenwart mit all ihren Zwängen, Süchten, Normen und Feindseligkeiten Rap entgegen. Das Album erscheint als LP auf minz-grünem 12-inch Vinyl.

"Endlich Vernunft" war gestern. Heutzutage ist der Fuzzman von diesem frevelhaften Ansinnen gänzlich befreit und drängt schon wieder Richtung neuer Platte: "Willkommen im Nichts" soll diese heißen und im späteren Verlauf des Jahres erscheinen. Man könnte meinen, er sei Nihilist geworden, nur wäre hier zu viel hineininterpretiert. Denn nach der Vernunft kann erst mal nur NICHTS sein. Alles andere wäre unvernünftig."

SEVENDUST is an American rock band from Atlanta, Georgia, formed in 1994 consisting of members Lajon Witherspoon (lead vocals), Clint Lowrey (lead guitarist), Vince Hornsby (bassist), Morgan Rose (drummer), and John Connolly (rhythm guitar). Since formation, SEVENDUST have attained success with three consecutive RIAA gold-certified albums, a Grammy nomination, and have sold millions of records worldwide. The group has released a total of thirteen studio albums, and this compilation features 7 incredible records from their catalog

Limited Grey Vinyl 2xLP. 18 klassische Songs aus dem Katalog von Velvet Underground, gespielt von The Feelies in der White Eagle Hall/ Jersey City, NJ - 13. Oktober 2018. Enthalten sind die VU-Standards "Sweet Jane", "Rock & Roll" und "I'm Waiting for the Man" sowie selten gecovertes Material wie "I Heard Her Call My Name" und "That's the Story of My Life".

Since forming in 1999, Suishou No Fune (A Ship Of Crystal), the vehicle for long-term musical collaborators Pirako Kurenai (guitar, voice) and Kageo (guitar), have been one of the most compelling groups in the Japanese underground. Their long, languorous songs are devastating in their simplicity, as though the gently sung ballads of the Velvet Underground’s third album were re-scored by the legendary Japanese free-rock gang, Les Rallizes Denudes. Their new album, 風は春、空は虹、愛は波間に隠れている (The wind is spring -. There is a rainbow in the sky - Love is hiding in the waves.), documents a live performance from May 2021, at Silver Elephant, where the duo are joined by Matsuedo Hideo on bass, and Mark Anderson (Greymouth, Mysteries Of Love) on drums.
The duo of Pirako Kurenai and Kageo have come a long way since their early performances and self-released CD-Rs – in the intervening decades, they’ve released albums on P.S.F., Holy Mountain, Important, Archive, 8mm and Essence, amongst others, each album another manifestation of the duo’s ever-changing same. You can hear them patiently toiling over these beauteous songs, with their choral melodies and lush waves of tonology, Kageo’s guitar radiating bejewelled chimes and dense passages of texture, pulling the songs into a black hole of quietude and sadness. And as Kurenai once told journalist Phil Kaberry, “Suishou No Fune’s songs, sounds and words are often born from heartrending feelings like sadness and pain”.
The wind is spring. There is a rainbow in the sky. Love is hiding in the waves begins with the deep blues of “Cherry”, a drawn-out drift-song that pivots on a most elegant two-chord mantra, as Kurenai sings, siren-like, amidst the sheets of noise Kageo peels from six strings. There’s something painterly about the duo’s playing here, and indeed, Kageo was a painter and Kurenai was a doll maker and watercolour painter when they met in the late ‘90s. On the flip side, a spare, spaced-out improvisation, “A Rainbow Is Floating”, acts as a prelude to “Endless Descent”, one of Suishou No Fune’s most remarkable songs, where a mesmeric guitar line endlessly coils and twines around the flicker and toll of Kurenai’s hypnotic one-chord strum. It’s a bruised, quietly desperate ending to an album that has an achroamatic air, as though the songs were transmitting to a cabal of lost spirits.

Black vinyl, in 3 colour variations of silkscreened jacket with obi in black or kraft, with inserts and a postcard Liner notes by Jon Dale Printed by Alan Sherry

Das Electro / Synthwave - Trio LSSNS aus Leipzig und Helsinki nimmt nach der 'Tempest EP' und tollen Collabs u.a. mit Adam Port oder Magdalena endlich den Faden wieder auf. Im Oktober erscheint das erste Full-Lenght-Album 'Transit'.

'Transit' erzählt in 10 düster-flimmernden Synthiepop-Songs vom Ausharren im Ungewissen, von Brüchen, von Reisen ohne Ziel. Aber auch von der Schönheit, die sich irgendwo in der Dunkelheit finden lässt.

Have you heard of the Nurse With Wound List? If you are a fan of creative-experimental-unlikely music, certainly. You would therefore be aware that amongst the recommendations that Steven Stapleton slipped into the first album of his group Nurse With Wound, were to be found a few restless frogs: Jef Gilson, Luc Ferrari, Jacques Thollot, Urban Sax, Horde Catalytique and last but not least Jean-Jacques Birgé and Francis Gorgé. Stapleton admired their album Défense de. The two Frenchmen just had to conceive of a fabulous precursor to the channel tunnel (check out the inside of the record, you’ll see) to enable Stapleton to come to France in 1980. The Englishman was looking for contributions to a compilation to be released on his United Dairies label that he had created with John Fothergill, and he naturally called on Birgé and Gorgé, who were then playing with Bernard Vitet in ‘Un drame musical instantané’.

It was a done deal and the compilation would be named In Fractured Silence. Alongside Nurse With Wound and Un drame musical instantané, could be heard Hélène Sage (whom Birgé introduced to Stapleton) and Sema, a project from the experimental British musician Robert Haigh who had participated in key records in the Nurse With Wound discography, such as Homotopy to Marie and Spiral Insana.

The curtain is raised and it is Un drame musical instantané who start the ball rolling. Mystery abounds; synthesisers lurk, percussion clatters and the sounds (creaks, whistles, vocal insertions...) fire in all directions. For the piano, it’s a debacle, the Drame won, Hélène Sage can take over. Heading up a quintette including Gorgé and Vitet, she creates a cushioned chamber music with strings and many silences.

On the B side, it’s the other side of the channel. Sema’s piano first off, which dares everything, even melody, before spilling out its darkest ideas in a raucous requiem. Finally, Stapleton appears, delving into his collection of female voices to devote himself to an iconoclastic transformation and concoct a song which collapses under the assault like Marianne at Agincourt. After having listened to In Fractured Silence, you will simply have to choose sides.

Have you heard of the Nurse With Wound List? If you are a fan of creative-experimental-unlikely music, certainly. You would therefore be aware that amongst the recommendations that Steven Stapleton slipped into the first album of his group Nurse With Wound, were to be found a few restless frogs: Jef Gilson, Luc Ferrari, Jacques Thollot, Urban Sax, Horde Catalytique and last but not least Jean-Jacques Birgé and Francis Gorgé. Stapleton admired their album Défense de. The two Frenchmen just had to conceive of a fabulous precursor to the channel tunnel (check out the inside of the record, you’ll see) to enable Stapleton to come to France in 1980. The Englishman was looking for contributions to a compilation to be released on his United Dairies label that he had created with John Fothergill, and he naturally called on Birgé and Gorgé, who were then playing with Bernard Vitet in ‘Un drame musical instantané’.

It was a done deal and the compilation would be named In Fractured Silence. Alongside Nurse With Wound and Un drame musical instantané, could be heard Hélène Sage (whom Birgé introduced to Stapleton) and Sema, a project from the experimental British musician Robert Haigh who had participated in key records in the Nurse With Wound discography, such as Homotopy to Marie and Spiral Insana.

The curtain is raised and it is Un drame musical instantané who start the ball rolling. Mystery abounds; synthesisers lurk, percussion clatters and the sounds (creaks, whistles, vocal insertions...) fire in all directions. For the piano, it’s a debacle, the Drame won, Hélène Sage can take over. Heading up a quintette including Gorgé and Vitet, she creates a cushioned chamber music with strings and many silences.

On the B side, it’s the other side of the channel. Sema’s piano first off, which dares everything, even melody, before spilling out its darkest ideas in a raucous requiem. Finally, Stapleton appears, delving into his collection of female voices to devote himself to an iconoclastic transformation and concoct a song which collapses under the assault like Marianne at Agincourt. After having listened to In Fractured Silence, you will simply have to choose sides.

Ein paar Monate nach digitalem Release schieben wir 300 streng limitierte, kristallklare Vinyl vom softboy ivo und b&dbbb (aka Young Meyerlack) Album "Kids Auf Nix" nach. Irgendwo zwischen 80er Pop und Untergrund Lofi Rap bewegt sich diese Kollaboration zweier alter Freunde, die zeitgleich quasi das Debüt Album von softboy ivo darstellt, der unter diesem Namen seit Dezember '22 agiert. Das Artwork stammt von Johnny Basse. Von diesem Album wird es keine weitere Vinyl-Auflage geben!

Rewind Forward, die neueste EP der Schlagzeuglegende Ringo Starr, enthält vier neue Songs, die von einem All-Star-Team eingespielt wurden, darunter Sir Paul McCartney, Joe Walsh, Steve Lukather, Benmont Tench, Matt Bissonette und Bruce Sugar. Mit eingängigen Melodien, peppigen Texten und viel Peace and Love ist diese Sammlung ein Muss für jeden Ringo-Fan.

Ab dem 13.10 als 1CD oder 1LP verfügbar.

Ein europäischer Jazzklassiker - zum ersten Mal auf LP!

Jean-Jacques Milteau gilt seit den 1980er Jahren als der beste Blues Harp-Spieler Frankreichs. 2001 reiste er in die oft als Wiege des Blues bezeichnete Stadt Memphis in Tennessee, um dort mit international bekannten Größen der lokalen Szene dieses erstaunliche Album einzuspielen. Neben eigenen Stücken und Songs seiner Mitspieler erfahren hier auch Neil Youngs “Heart Of Gold” und Stings “If You Love Somebody Set Them Free” soulig-bluesige Überarbeitungen.

Ein europäischer Jazzklassiker - zum ersten Mal auf LP!

Auf “Over The Years” (erschienen im Jahr 2000) zog die damals 70 jährige Abbey Lincoln ein beeindruckendes Zwischenresümee ihrer Karriere. Dafür stellte sie ein reizvolles Programm mit Stücken aus den 1940er Jahren, Traditionals, romantischen Standards und eigenen Kompositionen zusammen, das selbst für eine notorische Bilderstürmerin wie Abbey eher ungewöhnlich war. Begleitet wurde sie bei der Aufnahme des Albums, das als eines ihrer besten gilt, von einem jungen New Yorker Begleittrio sowie Tenorsaxophonist Joe Lovano und Trompeter Jerry González als prominenten Gästen.

Two x Grammy nominated band Code Orange return with their highly anticipated fourth studio album, The Above, their first for Blue Grape Music. The Above is the follow up to 2020's critically lauded album Underneath, which earned the band their second Grammy nomination.

Underneath closed out 2020 on multiple year-end lists including NPR, The New York Times, Billboard, Noisey and Revolver.

The band has major global touring planned in support of the new album and have shared the stage with $UICIDEBOY$, Deftones, Slipknot, Korn, System of a Down, Loathe, Power Trip and many more.

The new album features the single "Take Shape" featuring Billy Corgan of The Smashing Pumpkins.

Am National Album Day (NAD), der nun schon zum sechsten Mal stattfindet, kommt die UK-Musikszene jedes Jahr zusammen, um die Albumkultur zu feiern und zu fördern. Das diesjährige Thema der 90er Jahre soll ein Licht auf ein äußerst reichhaltiges Musikjahrzehnt werfen, das sich zwischen Pop, Trip Hop und Hip Hop bewegte: NAD-Release: Wu-Tang Clan "Enter the Wu-Tang (36 Chambers)" - Gold Marbled Vinyl.

ltd Edition transparent red Vinyl

Canadian psyche/garage gem Underworld has been a best kept secret for decades. In early 1968
they released their one and only single, Go Away/Bound, but since it was too much for radio at the
time any future plans were ruined. Today the single is one of the rarest Canadian 60’s 45’s. On this
exclusive single we present two other amazing tracks that were recorded at the same three-hour
session. Both songs are previously unreleased – until now.

Le Chant du Monde präsentiert den zweiten Teil seiner Serie „Secret Nuggets of Wise“ (SNOW), die zu einer Referenzsammlung für jede Diskothek ausgebaut wird. Der Reggae trat Dank Bob Marley,
Peter Tosh u. v. a. seinen Siegeszug von Jamaika um die Welt an. SNOW2 dringt jedoch viel tiefer in die Geschichte ein und präsentiert Künstler, wie The In Crowd, Lloyd Jones, Azul und Horace Denton. Alle Titel wurden sorgfältig remastert

In den schwierigen Jahren der Pandemie nutzten Finnlands Dark-MetalMeister AMORPHIS die Zeit zu Hause, um dieses energiegeladene LiveAlbum "Queen Of Time (Live At Tavastia 2021)" aufzunehmen - jetzt erhältlich als grüne Blackdust-2LP im Gatefold mit Insert und als Digipak inklusive Live-Audio-CD und Live-BluRay.

Es ist ein seltenes Glück, auf ein Album zu stoßen, das weit herausragt aus dem Meer der wöchentlichen Veröffentlichungen. Das als Kunstwerk so schlüssig und selbstverständlich dasteht, als hätte es schon immer existiert.

Das emotional sofort andockt, Song für Song für Song. INSTINCTIVE TRAVELS ON THE PATHS OF SPACE AND TIME ist eines dieser Ausnahmewerke: von erhabener Schönheit, unmittelbar relevant. . Ein Klassiker? Vielleicht.

Wird die Zukunft zeigen. Womit wir schon beim Thema wären. INSTINCTIVE TRAVELS ON THE PATHS OF SPACE AND TIME ist der musikalische Teil einer Trilogie, mit der sich Florian Kreier als Angela Aux an die Grenzen des Vorstellbaren wagt. „Nach dem Ende der Zeit“ heißt die zugehörige SciFiNovel, „Introduction To The Future Self“ das transmediale und alles verbindende Theaterstück - uraufgeführt in den renommierten Münchner Kammerspielen vor einem Publikum,
das diesen Abend wohl nicht vergessen wird.

Am National Album Day (NAD), der nun schon zum sechsten Mal stattfindet, kommt die UK-Musikszene jedes Jahr zusammen, um die Albumkultur zu feiern und zu fördern. Das diesjährige Thema der 90er Jahre soll ein Licht auf ein äußerst reichhaltiges Musikjahrzehnt werfen, das sich zwischen Pop, Trip Hop und Hip Hop bewegte: NAD-Release: Bob Dylan "Time Out Of Mind" - crystal clear & solid gold Vinyl.