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Denver Cuss presents her first 7" single release and her debut with UK independent label LRK Records.

'Crossed My Mind' backed with 'You Don't Get It' is out on streaming services on the 30 January, with the 7" out on the 27th February. It follows her 2024 album 'Leaving Me', which was described as "a nostalgic masterpiece" - Sommer Zeit magazine, earning a feature in Rolling Stone Germany, and a series digital singles, which have been played on the Craig Charles Funk & Soul Show on BB6 Music as well as Noble & Heath's Soho Radio show.

Denver is an Irish, London-based musician and producer, who makes classic R&B and Soul-influenced music, having graduated as the prize-winning jazz vocalist from the London College Of Music. She has since stepped into a world of live and session singing, alongside her solo project, delving deep into girl-group harmony, Northern Soul and classic Rhythm and Blues.

For this release, she captures the essence of '60s record-making, working with collaborator/producer PM Warson and engineer Ed Deegan at the all-analogue Gizzard Recording in East London. Backed by some of London's finest young musicians, she cut her vocal live, bypassing the trend for layered productions and imitation, in favour of a direct, live and soulful approach, direct to tape. The result is two of the most authentic '60s Pop/Soul sides you're likely to hear this year

Mit „You“ veröffentlichte Boytronic 1983 einen der prägendsten Synth-Pop-Klassiker der frühen 80er Jahre. Der Song steht exemplarisch für den elektronischen Zeitgeist seiner Ära: melancholische Melodien, klare Synthesizer-Sounds und emotionale Vocals verbinden sich zu einem zeitlosen Werk, das bis heute nichts von seiner Faszination verloren hat.

Endlich ist „You“ wieder erhältlich – und zwar als streng limitierte Vinyl-Edition auf farbigem Vinyl. Diese Neuauflage richtet sich gleichermaßen an langjährige Fans, Sammler und Liebhaber klassischer elektronischer Musik, die den authentischen Sound der frühen Synth-Pop-Ära in hochwertiger analoger Form erleben möchten.

Lebanon Hanover kehren mit Songs zurück, welche die Zeit bis zum nächsten termin mit der Lieblingstherapeut*inn überbrücken können. Fast fünf Jahre nach der Veröffentlichung ihres letzten Werkes "Sci-Fi Sky" hat Lebanon Hanover nun mit "Asylum Lullabies" einen Soundtrack für einen Besuch in einer psychiatrischen Klinik kreiert. Das neue Album ist die Weiterentwicklung eines noch kälteren, noch bissigeren Sounds einer Band, die seit über einem Jahrzehnt die Nu Wave/Post-Punk-Szene dominiert, es ist ein sehr schweres Album, das sich mit psychischen Problemen, einer Trennung, andauernden Kriegen und dem aktuellen Horror der Welt befasst, der einen letztendlich mit Angst, Furcht und einem ständigen Gefühl der Erdrückung zurücklässt. Alles bricht gleichzeitig zusammen. Die Mitglieder Larissa Iceglass und William Maybeline schrieben diese Songs aus polarisierenden Perspektiven, haben dabei ein schlüssiges Album produziert. Für Fans von Twin Tribes, Ash Code, Selofan, Cold Wave, Independent, Postpunk

666 ist eines der originellsten Progressive-Rock-Alben aller Zeiten. Komponiert vom verstorbenen Maestro
Vangelis, mit Texten von Costas Ferris, ist es ein konzeptionelles Doppelalbum, das bei seiner Veröffentlichung als „ein Werk von atemberaubender Komplexität und Originalität“ gepriesen wurde und die
Krönung in der Karriere von Aphrodite’s Child darstellt.
Mit Stücken wie „The Four Horsemen“, „Aegian Sea“, „Babylon“, „Do It“, „The Beast“ und „All the
Seats Were Occupied“ hat das Album im Laufe der Jahrzehnte stetig an Ansehen gewonnen und nachfolgende Generationen von Musikern beeinflusst.
Diese Box enthält remasterte Audio-Versionen des Original-Album-Mixes und der seltenen griechischen
LP-Version von 1974 (die einen deutlich anderen Mix als die Original-LP-Veröffentlichung aufwies) sowie
eine Blu-ray-Disc mit 96 kHz / 24-Bit-Atmos- & 5.1-Upmixen & Stereo-Mix, die alle von Vangelis betreut
wurden. Die Disc enthält außerdem als Bonus eine 28-minütige Episode der französischen Fernsehsendung
Discorama vom Juni 1972, in der Vangelis über das Album spricht (mit englischen Untertiteln).
Die Box enthält ein reich bebildertes Buch mit einem neuen Essay und Originalinterviews mit der Band
sowie vielen bisher unveröffentlichten Fotos, die Vangelis kurz vor seinem Tod im Mai 2022 in seinen
verschiedenen Archiven in Europa aufgestöbert hat.

Sleater-Kinney feiern das 30-jährige Jubiläum ihres zweiten Albums ,Call the Doctor" mit einer neuen Vinyl-Ausgabe auf "Northern Light"-farbenem Vinyl. Sleater-Kinney ist eine gefeierte amerikanische Rockband, die 1994 in Olympia, Washington, gegründet wurde. Die Kernbesetzung der Band besteht aus Corin Tucker (Gesang und Gitarre), Carrie Brownstein (Gitarre und Gesang) und Janet Weiss (Schlagzeug). Sleater-Kinney waren bekannt für ihre feministische, linksgerichtete Politik und waren ein fester Bestandteil der Riot-Grrrl- und Indie-Rock-Szene im pazifischen Nordwesten. Call the Doctor ist Sleater-Kinneys zweites Studioalbum. Es wurde von John Goodmanson produziert und ursprünglich am 25. März 1996 bei Chainsaw Records veröffentlicht. Das Album wird oft als Sleater-Kinneys erstes richtiges Album angesehen, da Tucker und die Co-Sängerin und Gitarristin Carrie Brownstein zum Zeitpunkt der Aufnahmen ihre früheren Bands, Heavens to Betsy und Excuse 17, verlassen hatten. Die Besetzung bestand aus Corin Tucker (Gesang, Gitarre), Carrie Brownstein (Gitarre, Gesang) und Lora Macfarlane (Schlagzeug, Gesang). Call the Doctor landete 1996 auf Platz drei der ,Pazz & Jop"-Kritikerumfrage von The Village Voice. 2010 wurde das Album von der Redaktion des Rolling Stone auf Platz 49 der Liste der 100 besten Alben der Neunziger gewählt. ,Sleater-Kinney ist Amerikas beste Rockband" - Greil Marcus, Time (2001). ,Tauscht Sexarbeiterinnen-Rollenspiele, Puppenteile, Gender-Bending und andere gängige Female-Rock-Klischees gegen Geschichten vom alltäglichen Kampf ... Sleater-Kinney beweist, dass Punk immer noch neue Wege bietet, Nein zu sagen" - Johnny Ray Huston, SPIN

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

Das akustische Instrumental-Album "Daniel" erweitert die Welt jenseits der Betonschluchten und Überführungen von LA hin zum pulsierenden, brodelnden Meer des Lebens, das Mexiko-Stadt ist, bis hin zur kargen, hügeligen Landschaft von Red Cloud, Nebraska. An jedem dieser Orte war der ständige Begleiter eine Nylonsaiten-Akustikgitarre - mit einer eigenen, weitgereisten Geschichte. "Es war die Gitarre meines Vaters", erinnert sich Danny Garcia, der Mann hinter dem Reverend. "Vor ein paar Jahren habe ich herausgefunden, dass sie auch meinem Großvater gehörte." Seit seiner Kindheit allgegenwärtig, hat die mexikanische Akustikgitarre für Garcia mit jedem Jahr an Bedeutung gewonnen. Stunden um Stunden des Spielens, Reisens und des Einhauchens von Leben in ihr Griffbrett haben sie sowohl zu einem Werkzeug als auch zu einem Talisman gemacht. "Da ist diese offensichtliche Abstammungslinie, die Familie und die Verbindung_ diese Verbindung durch die Geschichte", vertraut Garcia an. "Es ist sozusagen das einzige Familienerbstück, das ich habe." In der letzten Zeit hat all dieses Spielen (oder Herumklimpern, wie Danny es nennt) Reverend Baron dazu gebracht, einem Klang nachzujagen - einem, der die Ursprünge der Gitarre Lügen straft. Es ist ein Klang, den er von Zeit zu Zeit hörte, und als es darum ging, "Daniel" aufzunehmen, war dieser Klang sein wahrer magnetischer Nordpol (oder Südpol, sozusagen). Wenn du dich durch "Daniel" hörst, wirst du Anklänge an die Gitarrentöne von Antonio Bribiesca und Luiz Bonfa hören. Wenn du tiefer gräbst, wirst du auch die Grundzüge der Gitarrentexturen von Townes Van Zandt und Nick Drake erkennen. Ohne deren Virtuosität in seinem Spiel für sich zu beanspruchen, ergänzen die Seele und die Verletzlichkeit, die zu Markenzeichen der ersten beiden Reverend-Baron-Alben geworden sind, diese Einflüsse. Es liegt eine Wärme in "Daniel", die in diesen akustischen Meditationen im Mittelpunkt steht. Von kurzen, fließenden Momenten wie "El Monte" und "How Glad" bis hin zum hoch-einsamen "Muchacho" schweben die Songs wie Cumuluswolken über einem tiefblauen Himmel.

Mit The Drum "n" Bass Session erweitert Wagram die renommierte Electronic Music Anthology um ein weiteres zentrales Kapitel der elektronischen Musikgeschichte. Auch diese Ausgabe wurde von FG Radio, einer der wichtigsten Plattformen für elektronische Musik in Frankreich, kuratiert und widmet sich ganz den energiegeladenen, bassgetriebenen Facetten von Drum "n" Bass. Die Compilation vereint wegweisende Künstler wie Goldie, Roni Size, Calibre, Nookie, DC Breaks, Souljah und DJ Gilb"R - Namen, die das Genre von seinen frühen Jungle-Wurzeln über soulful, deepen Drum "n" Bass bis hin zu modernen, clubtauglichen Produktionen entscheidend geprägt haben. Rasende Breakbeats treffen auf massive Basslines, atmosphärische Flächen und eine unverwechselbare Mischung aus Präzision und Energie. The Drum "n" Bass Session richtet sich gleichermaßen an DJs, Sammler und Liebhaber elektronischer Subkultur. Eine sorgfältig kuratierte Anthologie, die den Stil nicht historisiert, sondern seine zeitlose Dynamik und Relevanz eindrucksvoll hervorhebt - kompromisslos, direkt und absolut dancefloor-erprobt.

Mit Vol. 04: Happy Music For Happy Feet präsentiert Wagram einen weiteren Höhepunkt der beliebten Electronic Music Anthology-Reihe. Auch dieses Kapitel wird von FG Radio, einer der einflussreichsten Stimmen der französischen Electronic-Music-Szene, sorgfältig kuratiert und vereint ein erstklassiges Line-up an House- und Dance-Produzenten, deren Tracks über Jahrzehnte hinweg die Dancefloors geprägt haben. Die Kompilation spannt einen weiten Bogen zwischen zeitlosen Club-Klassikern, funkigen House-Grooves und elektrisierenden Dance-Anthems. Mit einer Mischung aus bekannten Hits, DJ-Lieblingen und stilprägenden Signature-Tracks liefert Happy Music For Happy Feet genau das, was der Titel verspricht: pure, positive, hochgradig tanzbare Energie. Perfekt für DJs, Sammler und für alle, die elektronische Musik in ihrer fröhlichsten, ansteckendsten Form lieben, steht diese Ausgabe für das, was House und Dance seit jeher ausmacht - Leichtigkeit, Euphorie und die Freude am rhythmischen Ausbrechen aus dem Alltag.

Die Vintage Sounds Vinyl Collection präsentiert eine sorgfältig kuratierte Ausgabe ganz im Zeichen der House Music. Der Sampler vereint zeitlose, hochgradig tanzbare Tracks von prägenden Szenegrößen wie Masters At Work, Bob Sinclar, Kings Of Tomorrow, St Germain, DJ Gregory, Joe Smooth und vielen mehr. Funkige Basslines, soulige Vocals und klassische Grooves treffen auf französischen House-Esprit und internationale Club-Anthems. Ein unverzichtbarer Vinyl-Sampler für DJs, Sammler und alle, die House als Lebensgefühl verstehen.

Vinylneuauflage von Mobys Sampler "Early Underground" (1993), einer Zusammenstellung seiner Frühwerke unter zahlreichen zusätzlichen Pseudonymen wie Barracuda, Brainstorm, UHF oder Voodoo Child. Mit Ausnahme einer limitierten Vinylausgabe 2022 gab es diese Kollektion nur als CD, nie flächendeckend auf Vinyl. "Early Underground" enthält auch seinen Techno-Klassiker "Go" in der Original Version, laut Rolling Stone "einer der besten Tracks aller Zeiten". Moby hat die Techno/Electronic-Szene massgeblich beeinflusst, später den Popmarkt erobert und Acts wie David Bowie, Public Enemy, Ozzy Osbourne, die Beastie Boys und Daft Punk produziert und geremixt.

D’Angelos bahnbrechendes Album „Voodoo“ mit den zeitlosen Songs „Untitled (How Does It Feel)“ und
„Devil’s Pie“ erhält dieses Jahr zum 25-jährigen Jubiläum eine besondere Hommage in Form von exklusiven
Designs in limitierter Auflage.
Anlässlich seines 25-jährigen Jubiläums ist diese Veröffentlichung auch eine Hommage an das Vermächtnis
von D’Angelo, der Anfang dieses Jahres verstorben ist, und ehrt seinen Geburtstag am 11. Februar, ein
Datum, das für Fans und die Musikszene weltweit nun noch bedeutungsvoller ist

Die legendäre Trance-Hymne „Traumwelten“ kehrt zurück – kraftvoll neu interpretiert von Talla 2XLC und Das Licht (aka DJ Dean). Diese farbige Maxi-Vinyl liefert zwei kompromisslose Club-Versionen eines absoluten Kulttracks.

Side A – Traumwelten (Recreate Mix): Mit einem pulsierenden Tempo von 140 BPM entfacht der Recreate Mix ein wahres Feuerwerk aus tiefen Basslines, treibenden Drums und schimmernden Melodien. Die gewagten Breakdowns steigern die Spannung und treiben die Energie bis zum Höhepunkt. Eine hypnotische, gesprochene weibliche Stimme sorgt für mystische Vibes, bevor er in einen euphorischen Rausch aus aufsteigenden, mitreißenden Melodien übergeht.

Side B – Traumwelten (RRAW! Mix): Dunkler, härter, kompromisslos: Der RRAW! Mix startet als druckvolle TechnoTrance-Fusion, die mit massiven Basslines und satten Techno-Kicks beginnt. Dunkle, deutschsprachige Vocals und atmosphärische Effekte fügen dem Track eine immersive, mystische Tiefe hinzu. Der zweite Drop überrascht mit einer euphorischen Melodie, die von technoiden Rhythmen in ekstatische Trance-Elemente übergeht. Dieser Mix glänzt durchseine Vielseitigkeit und eignet sich sowohl für Techno-DJs als auch für Trance-Crowds.

Ein starkes Comeback eines Klassikers – zeitgemäß, druckvoll und ein Must-Have für alle Vinyl-Liebhaber.

Mit „Move On Baby“ landeten Cappella 1994 einen der prägendsten Eurodance- und House-Hits der 90er. Markante Piano-Riffs, treibende Beats und ein unverkennbarer VocalHook machten den Track zu einem weltweiten Club- und Chart-Erfolg.

Der Klassiker ist endlich wieder als farbige Maxi-Vinyl erhältlich. Neben den Originalversionen bietet dasRelease zwei hochkarätige Remixe: Mike Candys liefert ein energiegeladenes, modernes Club-Update, während Armand
van Helden dem Track mit seinem typischen Groove und House-Feeling einen zeitlosen, internationalen Floor-Charakter verleiht.

Ein Pflicht-Release für 90s-Fans, House-Liebhaber und Dancefloor-Enthusiasten

Ausdrucksstarke Gesänge in freien Versen, begleitet von gleitenden Violinen, gehämmertem Santouri, Gitarre und Oud - die hybriden Klänge des Mittelmeerraums zu Beginn des 20. Jahrhunderts. ,Aman Aman" rufen die Sänger auf diesen Aufnahmen, deren Stimmen auf 78-U/min-Schallplatten aus den Jahren 1911 bis 1935 verewigt sind. Der Ausdruck bedeutet in etwa ,Gnade" und ist ein Ausdruck der Verzweiflung, aber auch der Freude und Bewunderung. Auf vielen dieser Platten wird die ganze Bandbreite dieser Emotionen auf einmal vermittelt. Einige dieser Künstler sind Legenden, andere sind in Vergessenheit geraten. Fast die Hälfte sind Sängerinnen, die einen großen Teil der Tradition des Cafe Aman ausmachen, aber in zeitgenössischen Veröffentlichungen nicht so stark vertreten sind. Alle waren von den Konflikten betroffen, die zur Kleinasiatischen Katastrophe von 1923 führten, sowie von den Zwangsmigrationen zwischen Griechenland und der Türkei davor und danach. Ihre Werke spiegeln diese Reisen wider - erschütternde Gedichte über den Verlust der Liebe und der Heimat, begleitet von einigen der besten Musiker der damaligen Zeit. Nach jahrelanger intensiver Recherche hören wir die präzisen, einfühlsamen und überwältigend kraftvollen Stimmen von Künstlern wie Antonis ,Dalgas" Diamantidis, Sofrouniou und Stellakis Perpiniadis, zusammen mit aufschlussreichen Aufnahmen von weitgehend unbekannten Musikern, deren Werke hier zum ersten Mal veröffentlicht werden. Die LP wurde von Jordan McLeod im Osiris Studio sorgfältig remastered und restauriert und enthält detaillierte historische und diskografische Anmerkungen von Stavros Kourousis sowie poetische Übersetzungen der Texte von Tony Klein. Gepresst auf hochwertigem Vinyl bei Smashed Plastic in Chicago und gemeinsam mit dem großartigen Label Olvido Records veröffentlicht.

Das Album "One, Two" von der Reggae/Dancehall Legende Sister Nancy enthält „den meistgesampelten Reggae-Song aller Zeiten“ („Bam Bam“) sowie zwei weitere Hitsingles („One Two“ und „Transport Connection“). Produziert von Winston Riley und gemischt von Soldgie bei Channel One. Sister Nancy in ihrer Blütezeit mit einer erstklassigen Auswahl der besten Reggae-Rhythmen, originalem Artwork und einer Innenhülle mit Liner Notes des angesehenen Reggae-Historikers John Masouri.

Big Big Train, die preisgekrönte Progressive-Rock-Band, veröffentlicht ihr 16. Studioalbum. "Woodcut" ist ein Meilenstein für die internationale Gruppe, deren Mitglieder aus England, Schottland, Italien, den USA, Schweden und Norwegen stammen, da es ihr erstes Konzeptalbum in voller Länge ist. "Die Geschichte spielt nicht in einem bestimmten Zeitrahmen, sondern handelt von einem Künstler, der mit dem Leben zu kämpfen hat", beginnt Gründungsmitglied Gregory Spawton. "Er macht einen Spaziergang, findet dieses Stück Kernholz und schafft etwas, das er als schön und anders empfindet. Vielleicht ist es ein Traum oder vielleicht ist es das echte Leben, aber er findet sich in dieser Narnia-artigen Holzschnittwelt wieder."
"Woodcut" ist ein eher bandorientiertes Werk, zu dem alle sieben Mitglieder einen beeindruckenden Beitrag leisten, wobei Frontmann Alberto Bravin die Federführung als Produzent übernommen hat: "Dieses Mal ist es eine Art neues Statement für die Band. 'Woodcut' ist für uns ein großer Schritt nach vorne", kommentiert er. Mit 16 Titeln und einer Spielzeit von 66 Minuten wirkt "Woodcut" episch, ohne sich zu sehr in die Länge zu ziehen.
Das Album ziert ein auffälliges Cover-Design des in Dorset ansässigen Künstlers Robin Mackenzie - natürlich ein schwarz-weißer Holzschnitt, der von einem Holzschnitt abgeleitet ist, den die Band speziell für das Album bei ihm in Auftrag gegeben hat. Erhältlich als limitierte CD + Blu-ray-Edition, einschließlich ausführlicher Liner Notes sowie Dolby Atmos- und 5.1-Surround-Sound-Mischungen von Shawn Dealey von Sweetwater Studios, wird das Album auch als atemberaubende Gatefold-180g-2LP mit speziellem geprägten Cover, Standard-CD-Jewelcase und digital in Stereo- und Dolby Atmos-Versionen erhältlich sein.

Sie bevorzugen Ihren Lo-Fi-Dreamgaze so, wie Sie Ihre Partner bevorzugen: geboren in den 90er Jahren und mit ihrer College-Freundin in einem Schlafzimmer in einem Vorort zusammenlebend. Hier erstmals zusammengestellt: Shoulds Debütalbum ,Feed Like Fishes" aus dem Jahr 1998 plus 10 Bonus-Tracks aus dieser Zeit, zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich. Es klingt, als würde man den Kopf aus dem Autofenster hängen, während man drei Stunden nach der Ausgangssperre an einem Schultag mit hoher Geschwindigkeit eine Landstraße entlangfährt. Bitte schalten Sie die Scheinwerfer aus.

a1 FISH FOURTEEN
a2 SARAH MISSING
a3 ASIDE
a4 SPANGLE
a5 IT STILL WOULD
a6 LULLEN
b1 MEMDRIVE
b2 ITS PULL IS SLIGHT
b3 INST2
b4 IN NINE
b5 BOTH EYES OPEN
c1 THINGS ARE THE SAME (IN NINE)
c2 FADED
c3 THIS HOUSE I'M LIVING IN
c4 MYSELF
c5 SINGE
d1 FEED LIKE FISHES
d2 OCEAN WARM
d3 SOOTHED (RERECORDED)
d4 MERGER
d5 THESE DAYS

Mit Money landete Mozzart 1987 einen echten Euro-DiscoHit, der bis heute als Club- und Genreklassiker gefeiert wird.

Treibende Beats, eingängige Synthesizer-Melodien und der typische 80er-Jahre-Disco-Sound machen diesen Track zu einem zeitlosen Highlight der europäischen Dance-Ära.

Jetzt ist „Money“ endlich wieder erhältlich – als limitierte Maxi Single auf farbigem Vinyl. Neben der originalen Version aus dem Jahr 1987 enthält diese Veröffentlichung brandneue Remixe, die dem Klassiker einen frischen, modernen Twist verleihen, ohne seinen ursprünglichen Charme zu verlieren.

Diese Maxi Single ist ein Muss für Sammler, DJs und alle Fans von Euro- und Italo-Disco.

The Womack Sisters – Kucha, Zeimani und BG Womack – sangen schon, bevor sie laufen konnten. Ihr gleichnamiges Debütalbum „The Womack Sisters“ aus dem Jahr 2026 ist der musikalische Höhepunkt der langen und kurvenreichen Reise der drei Schwestern auf der Suche nach sich selbst. In einer Sammlung von Stücken voller intensiver Soul-Power, die an eine Zeit erinnert, als Popmusik noch Substanz, Atmosphäre und Sinn hatte, kommt jede ihrer unverwechselbaren Stimmen im Rampenlicht zur Geltung.
Die Schwestern wuchsen auf der Straße auf. Ihre Schulen waren Bühnen und Studios auf der ganzen Welt, wo sie hinter ihren Eltern, Zekkariyas & Zeriiya (ehemals Womack & Womack), zusammen mit ihren vier Geschwistern sangen. Nirgendwo waren sie lange zu Hause. Egal, wo sie lebten – London, Thailand, Amsterdam, Kenia, Paris, Sydney, Zürich, Wien, Tansania, New York, Miami, West Virginia, die Bahamas – sie waren immer von Musik und Familie umgeben.
Als Enkelinnen des legendären Sam Cooke und Nichten von Bobby Womack stammen die Schwestern aus einer Soul-Dynastie, die tief in ihrem musikalischen Wesen verwurzelt ist. Das Album „The Womack Sisters“, das am 14. August bei Daptone Records erscheint, blickt nach vorne, indem es zurückblickt: Es ist eine Hommage an die Tradition ihrer Familie und schafft gleichzeitig einen Sound, der ganz und gar ihr eigener ist.

The Womack Sisters – Kucha, Zeimani und BG Womack – sangen schon, bevor sie laufen konnten. Ihr gleichnamiges Debütalbum „The Womack Sisters“ aus dem Jahr 2026 ist der musikalische Höhepunkt der langen und kurvenreichen Reise der drei Schwestern auf der Suche nach sich selbst. In einer Sammlung von Stücken voller intensiver Soul-Power, die an eine Zeit erinnert, als Popmusik noch Substanz, Atmosphäre und Sinn hatte, kommt jede ihrer unverwechselbaren Stimmen im Rampenlicht zur Geltung.
Die Schwestern wuchsen auf der Straße auf. Ihre Schulen waren Bühnen und Studios auf der ganzen Welt, wo sie hinter ihren Eltern, Zekkariyas & Zeriiya (ehemals Womack & Womack), zusammen mit ihren vier Geschwistern sangen. Nirgendwo waren sie lange zu Hause. Egal, wo sie lebten – London, Thailand, Amsterdam, Kenia, Paris, Sydney, Zürich, Wien, Tansania, New York, Miami, West Virginia, die Bahamas – sie waren immer von Musik und Familie umgeben.
Als Enkelinnen des legendären Sam Cooke und Nichten von Bobby Womack stammen die Schwestern aus einer Soul-Dynastie, die tief in ihrem musikalischen Wesen verwurzelt ist. Das Album „The Womack Sisters“, das am 14. August bei Daptone Records erscheint, blickt nach vorne, indem es zurückblickt: Es ist eine Hommage an die Tradition ihrer Familie und schafft gleichzeitig einen Sound, der ganz und gar ihr eigener ist.

Rotes Vinyl, limitiert auf 1000 Exemplare. 4x A6-Postkarten mit Bandfotos Exklusives Interview auf den Innersleeves. Wir feiern das 30-jährige Jubiläum des legendären Albums ,The Bridge" von Ace of Base - jetzt als limitierte Auflage auf rotem Vinyl, in einem Gatefold-Sleeve und mit 4 exklusiven Postkarten mit Bandfotos. Das ursprünglich 1995 veröffentlichte Album markierte einen neuen Abschnitt für das schwedische Pop-Phänomen und verband unwiderstehliche Melodien mit einem reiferen und introspektiveren Sound. Mit Hits wie ,Beautiful Life", ,Lucky Love" und ,Never Gonna Say I'm Sorry" fing ,The Bridge" den Geist der 90er Jahre ein und bewies gleichzeitig die zeitlose Anziehungskraft der Band. Remastered und auf exklusivem rotem Vinyl gepresst - eine unverzichtbare Sammleredition für jeden Ace-of-Base-Fan.

Der aus Wyoming stammende Troubadour Jeb Loy Nichols kehrt mit ,This House is Empty Without You" zu Timmion Records zurück, einer zeitlosen Sammlung von Songs mit Soul-Wurzeln, die Wärme, Weisheit und stille Intensität ausstrahlen. Erneut unterstützt von Timmions Hausband Cold Diamond & Mink, liefert Jeb ein Album in voller Länge, das sich nahtlos in die Reihe der besten Veröffentlichungen des Labels einreiht - geprägt von den Traditionen des Southern Soul, aber getragen von seiner unverwechselbaren Stimme und seinem lyrischen Touch.Vom sanft dahinschreitenden Opener ,First Night Away from Home" bis zum Schlussstück ,Time On My Hands" entfaltet sich das Album wie ein gutes Sommerbuch, das man am besten mit einer warmen Brise im Gesicht genießt. Nichols hat die Fähigkeit, alles mühelos klingen zu lassen - als würde er nur für Sie singen, von der Veranda oder aus dem Hinterzimmer -, aber wenn man genau hinhört, entdeckt man Songwriting voller Tiefe, subtil arrangiert mit Orgelklängen, knackigen Drums und tiefen Grooves.Neben dem luftigen Midtempo-Romantikstück ,Here With You" gehören zu den weiteren Höhepunkten der rootsige Southern Shuffle ,Good Morning Monday", das herzergreifende ,Coming Home Love" und ,Step In", ein sanfter Groove über Wiederentdeckung und Wiedersehen. Zusammen mit Nichols - und Emilia Sisco, deren gospelartige Hintergrundharmonien mehrere Titel zieren - haben sie ein Album geschaffen, das sich an klassischen Einflüssen orientiert, aber unverkennbar persönlich und präsent klingt. ,This House is Empty Without You" ist eine Meisterklasse in zurückhaltendem Soul und beweist, dass Jeb Loy Nichols nicht nur immer noch da ist - er wächst weiter, strahlt und findet neue Wege, die Wahrheit zu sagen.

Toni Braxton, veröffentlicht 1993, stellte der Welt Braxtons warme, samtige Stimme vor und etablierte sie als prägende Figur des R&B-Genres. Mit ikonischen Tracks wie dem Smash-Hit "Another Sad Love Song" und dem kraftvollen "Breathe Again" verbindet das selbstbetitelte Album mühelos sanften Soul, gefühlvolle Balladen und zeitgenössische R&B-Einflüsse. Die opulenten Produktionen, geprägt von komplexen Melodien und raffinierten Arrangements, zeigen das Talent namhafter Produzenten wie Babyface und Antonio Reid.

Secrets ist das zweite Studioalbum der US-amerikanischen Sängerin Toni Braxton und wurde ursprünglich 1996 veröffentlicht. Das Album markierte einen entscheidenden Moment in Braxtons Karriere, indem es R&B-, Soul- und Pop-Einflüsse miteinander verband und einen Sound schuf, der sowohl zeitlos als auch modern ist. Mit kraftvollen Tracks wie dem Grammy-prämierten "Un-Break My Heart" und dem sinnlichen "You're Makin' Me High" präsentiert Secrets Braxtons unvergleichliche stimmliche Stärke und ihre charakteristische emotionale Erzählkunst.

Toni Braxton, veröffentlicht 1993, stellte der Welt Braxtons warme, samtige Stimme vor und etablierte sie als prägende Figur des R&B-Genres. Mit ikonischen Tracks wie dem Smash-Hit "Another Sad Love Song" und dem kraftvollen "Breathe Again" verbindet das selbstbetitelte Album mühelos sanften Soul, gefühlvolle Balladen und zeitgenössische R&B-Einflüsse. Die opulenten Produktionen, geprägt von komplexen Melodien und raffinierten Arrangements, zeigen das Talent namhafter Produzenten wie Babyface und Antonio Reid.

Fresh out of Skudge HQ, we witness a return to home base after a few releases on other labels.

Coming back in strong form, SKUDGE 015 opens with "Corrosion", pulsing around at 143 BPM and accompanied by warm synth work.



Steadily pacing on, A2 brings us "Source", which captures a haunting vibe with a funky twist. A tune that echoes memories of the past but framed in the zeitgeist.

Flipping over to "Code", we're instantly thrown into a tension-ridden force, built from compact and steady sonic machinery.



Finally, "Distressed" provides the counterweight, keeping the pace and rhythm steady with sharp sonic directions, revealing itself as a hidden peak-time monster disguised as a closing track.

Die Welt wird immer verrückter. Gut, dass es Musik gibt, die uns in eine positive, optimistische Welt gleiten lässt. SCHILLER präsentiert mit dem neuen Studioalbum "Euphoria" ein kraftvolles musikalisches Gegengewicht zur Unberechenbarkeit unserer Zeit: voller Energie, positiver Schwingungen und cineastischer Klangwelten. Musik zum Abschalten, Auftanken - und zum Eintauchen in eine hypnotische Atmosphäre.
Die limitierte Color Vinyl im Gatefold beinhaltet das "Euphoria"-Album auf 2 audiophilen 180g Vinyls in den Farben Neonpink und Carouso - jeweils in einer gepolsterten Innentasche verpackt
"Euphoria" ist ein mitreißendes Klangabenteuer - episch, bildgewaltig und berührend.

About SCHILLER
Hinter SCHILLER steht der deutsche Elektronik-Künstler Christopher von Deylen, der seit über zwei Jahrzehnten internationale Maßstäbe in der elektronischen Musik setzt. Seine Werke verbinden elektronische Sounds mit orchestralen Elementen, packenden Rhythmen und atmosphärischer Tiefe. SCHILLER ist weltweit bekannt für ausverkaufte Live-Tourneen, hohe Chartplatzierungen und musikalische Kooperationen mit internationalen Top-Künstlern.
Mit zahlreichen Gold- und Platinauszeichnungen sowie unzähligen Nummer-1-Erfolgen gilt SCHILLER als einer der erfolgreichsten deutschen Elektronik-Acts - und als musikalischer Grenzgänger zwischen Pop, Ambient, Klassik und Klangkunst.

Natalie Imbruglia ist Millionen von Menschen mit ihrem weltweiten Hit "Torn" bekannt, einer der bis heute prägendsten Songs der Neunziger. Damit begann eine außergewöhnliche Erfolgsserie, die u.a. 2 BRIT Awards, 3 Grammy-Nominierungen, 8 ARIA Awards und 7 Mio. verkaufte Exemplare ihres Debütalbums "Left Of The Middle" umfasst. In jüngerer Zeit stand sie durch Auftritte an der Seite von Olivia Rodrigo erneut im Rampenlicht. Jetzt ist der perfekte Moment für ein neues Kapitel: ihr neues Album Algorithm mit der Lead-Single "Upside Down".

Algorithm zeigt Natalie Imbruglia in einer neuen Ära – geprägt von Selbstermächtigung, Freiheit und kreativer Erfüllung. Das erste Album der australisch-britischen Pop-Ikone seit fünf Jahren ist eine echte Tour de Force: ein zutiefst persönliches Werk, das eindrucksvoll daran erinnert, warum wir uns ursprünglich in ihre Musik verliebt haben. Es erscheint in einer Zeit, in der sich der kulturelle Zeitgeist wandelt und Popmusik wieder stärker zur Tanzfläche tendiert – mit einer Ausrichtung, die sich an den eleganten Pop-, Disco- und House-Elementen von Robyn orientiert.

Nach dem UK-Top-10-Comeback mit Firebird (2021) meldet sich Natalie Imbruglia auf Algorithm voller Energie und Tatendrang zurück. Sie ist Co-Produzentin und -Autorin jedes Songs, neben namhaften Kollaborateur:innen wie MyRiot (London Grammar), David Sneddon (Lana Del Rey), Fraser T Smith (Adele, Stormzy, Sam Smith), Gary Lightbody von Snow Patrol, Anu Pillai (Lewis Capaldi), Tobie Tripp (George Ezra), Mark Crew (Bastille, James Arthur) und Dan Priddy (Rag’n’Bone Man, Bastille). Im Anschluss an die Veröffentlichung des Albums wird Natalie Imbruglia ausgewählte Festivaltermine spielen und auf Tour gehen.

Natalie Imbruglia ist Millionen von Menschen mit ihrem weltweiten Hit "Torn" bekannt, einer der bis heute prägendsten Songs der Neunziger. Damit begann eine außergewöhnliche Erfolgsserie, die u.a. 2 BRIT Awards, 3 Grammy-Nominierungen, 8 ARIA Awards und 7 Mio. verkaufte Exemplare ihres Debütalbums "Left Of The Middle" umfasst. In jüngerer Zeit stand sie durch Auftritte an der Seite von Olivia Rodrigo erneut im Rampenlicht. Jetzt ist der perfekte Moment für ein neues Kapitel: ihr neues Album Algorithm mit der Lead-Single "Upside Down".

Algorithm zeigt Natalie Imbruglia in einer neuen Ära – geprägt von Selbstermächtigung, Freiheit und kreativer Erfüllung. Das erste Album der australisch-britischen Pop-Ikone seit fünf Jahren ist eine echte Tour de Force: ein zutiefst persönliches Werk, das eindrucksvoll daran erinnert, warum wir uns ursprünglich in ihre Musik verliebt haben. Es erscheint in einer Zeit, in der sich der kulturelle Zeitgeist wandelt und Popmusik wieder stärker zur Tanzfläche tendiert – mit einer Ausrichtung, die sich an den eleganten Pop-, Disco- und House-Elementen von Robyn orientiert.

Nach dem UK-Top-10-Comeback mit Firebird (2021) meldet sich Natalie Imbruglia auf Algorithm voller Energie und Tatendrang zurück. Sie ist Co-Produzentin und -Autorin jedes Songs, neben namhaften Kollaborateur:innen wie MyRiot (London Grammar), David Sneddon (Lana Del Rey), Fraser T Smith (Adele, Stormzy, Sam Smith), Gary Lightbody von Snow Patrol, Anu Pillai (Lewis Capaldi), Tobie Tripp (George Ezra), Mark Crew (Bastille, James Arthur) und Dan Priddy (Rag’n’Bone Man, Bastille). Im Anschluss an die Veröffentlichung des Albums wird Natalie Imbruglia ausgewählte Festivaltermine spielen und auf Tour gehen.

Flanked by a team of collaborators - including Nick León, more eaze, Ultrafog and Kissen - Ben Bondy captures the Kwia-pop zeitgeist on 'XO Salt Lif3', sluicing down dappled emo and downtempo grooves with log drum thwacks, tempered field recordings and sandblasted shoegaze guitars.

Forget what you think you know about Ben Bondy; like Naemi's fuzzy 'Breathless Shorn', ‘XO Salt Lif3’ is a decisive shift away from the ambient world and towards contemporary underground pop. Last year's amapiano-tinted loosie 'Bend' serves as the album's opener and is the best taster, its slick DSP squelches, granulated drones and sub rumbles immediately swapped out for breezy acoustic guitar riffs, tuned log drum hits and Bondy's own Autotuned vocals. When Bondy turns down the temperature a little, letting the orchestral synth arrangements slip into fuller view on 'Halfmoon', a collaboration with Nick León and Aussie producer Lovefear, it's tempered by low slung emo riffs and mumbled sweet nothings.

By the time we hit 'Dreamseed', Bondy's in full swing, offsetting slow breaks and multi-tracked vocal harmonies with full-spectrum shoegaze power chords that cut into the mix like a chainsaw, with crunchy amp crackle foreshadowing the Bark Psychosis-like drop. Bondy hits a cruise when More Eaze helps out on 'There Is A Place'. Maurice's unmistakable pedal steel draws us in, used by Bondy to add an Americana accent to his euphoric fusion of amapiano and indie pop. It's music that'll make perfect sense if you've caught one of Bondy's notorious DJ sets, where you might hear anything from American Football and Jessica Pratt next to Gwen Stefani, Skinny Puppy or Sneaker Pimps. It’s this chaotic, open-hearted approach - which also plays a part in the Shineteac material - that makes 'XO Salt Lif3' so effortlessly enjoyable.

Sylvan Esso ist eine Band aus Durham, North Carolina. Im Laufe ihrer Karriere haben Amelia Meath und Nick Sanborn vier hochgelobte Alben veröffentlicht, wurden für zwei GRAMMYs nominiert und haben mit einer breiten, vielseitigen Gemeinschaft von Künstlern zusammengearbeitet, darunter Arooj Aftab, Maggie Rogers, Tyler Childers, Reyna Tropical, Califone und viele weitere. ,WDID" ist die erste neue Musik der Band seit 2022. Der Track sowie seine hypnotische, wellenförmige B-Seite ,KEEP ON" entstanden beide aus einer intensiven Phase des Schaffens und Experimentierens der Band. Meath und Sanborn haben das letzte Jahr damit verbracht, mit einer Reihe neuer Mitwirkender an neuem Material zu arbeiten und ohne Zeitdruck in den üppigen Wäldern von Chapel Hill, North Carolina, aufzunehmen. Der Song ist auch der erste, den Sylvan Esso über ihr eigenes Plattenlabel Psychic Hotline veröffentlichen. ,WDID" ist ein komplexer, eindringlicher Track; ein manisches Summen, das sich irgendwo zwischen einem Doom-Scroll um 3 Uhr morgens und der Tanzfläche abspielt. Er sprudelt vor Angst, einer alles verschlingenden, endlosen Kaskade von Krisen. Der ausgefallene, elektrisierende Pop der Band hat sich schon immer aus einem zentralen Spannungsfeld entwickelt - Meath und Sanborn scherzen schon lange, dass das Songwriting von Sylvan Esso aus einem Streit entsteht, einem Hin und Her der Möglichkeiten. Das Songwriting hier - und in der neuen Musik im Allgemeinen - ist locker und verletzlich, eine disparate Collage, die mit Klebeband zusammengehalten wird und etwas hervorbringt, das letztlich sowohl magisch als auch seltsam ist, ein dyspnoischer, schattenhafter Sound, der die Menschen an der Spitze von Sylvan Esso mit einer neuen Unmittelbarkeit zeigt. ,WDID" wurde in Betty's, dem Studio von Sylvan Esso in Chapel Hill, North Carolina, aufgenommen und wurde zusätzlich von Jake Luppen (Hippo Campus, Samia) produziert. ,KEEP ON" entstand aus einer Woche Improvisation mit dem Bassisten Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). Diese limitierte 12"-Single verfügt über eine speziell angefertigte, ausgestanzte Hülle, die als Malvorlage verwendet werden kann.

"Goodbye Horses: The Many Lives of Q Lazzarus (Music From The Motion Picture)". Purple + Black & White Splatter Vinyl. Der Einstieg in die Musik von Q Lazzarus erfolgte für fast alle über "Goodbye Horses". Der Song tauchte erstmals 1988 in Jonathan Demmes "Married to the Mob" auf, aber er sollte sich erst dann vollständig im Bewusstsein der Menschen verankern, als er 1991 in Demmes "The Silence of the Lambs" wieder auftauchte. "Goodbye Horses" fühlte sich an wie ein in sich geschlossenes Universum - traumhaft und völlig ungewöhnlich, ein sofortiger Klassiker, der die Zuhörer fesselte und neugierig auf die geheimnisvolle Stimme dahinter machte. Diese Stimme gehörte Diane Luckey, einer einzigartig talentierten Künstlerin, deren Musik ihrer Zeit voraus war und die letztlich zu Lebzeiten weitgehend unerkannt bleiben sollte. In Verbindung mit der Veröffentlichung des Dokumentarfilms "Goodbye Horses: The Many Lives of Q Lazzarus" von Aridjis Fuentes veröffentlicht Sacred Bones eine Sammlung von Songs, die die gesamte Karriere von Q abdecken und die verschiedenen Epochen ihres Schaffens und die ganze Bandbreite ihrer Persönlichkeit zeigen. "Goodbye Horses" ist die erste Musiksammlung, die den Segen von Qs verbliebener Familie erhalten hat, und hat die Besonderheit, ihre erste und einzige Albumveröffentlichung in voller Länge zu sein. Aufgenommen zwischen 1985 und 1995, spiegelt diese Fundgrube bisher unveröffentlichter Musik einige der interessantesten Facetten der Popmusik der letzten vier Jahrzehnte auf eine Weise wider, die sowohl versiert als auch wild eklektisch wirkt. Das titelgebende "Goodbye Horses" bleibt ein einzigartiges Stück gespenstischer New-Wave-Perfektion, und man könnte sich ein ganzes Q-Lazzarus-Album vorstellen, das sich um diese Ästhetik dreht, aber ähnlich den Gesangsikonen Alison Moyet, Annie Lennox oder Lisa Gerrard eignet sich Qs chamäleonhafte Stimme perfekt für eine Vielzahl von Stilen und Settings. Ihre Coverversion von Talking aHeads' "Heaven" verwandelt den Song in eine aus voller Kehle gesungene Power-Ballade mit klimpernden Klavierverzierungen, während ihre Interpretation von Gershwins "Summertime" wie eine dubbige Club-Reduktion klingt, die zu einem Grace Jones Stück der Nightclubbing-Ära hätte passen können. Tracks wie "My Mistake" und "Hellfire" flirten mit House-Musik und zeigen, wie frech und glockig Qs Stimme sein kann, wenn sie sich richtig austobt, während "Don't Let Go" wie eine bombastische Radiosingle klingt, die Cher vor einigen Jahrzehnten hätte veröffentlichen können. Andere Songs wie "Bang Bang" und "I See Your Eyes" sind von einer gitarrenbetonten Alt-Rock-Sensibilität, die in einem Paralleluniversum auch auf MTVs 120 Minutes Show hätte laufen können. "Goodbye Horses" verkörpert das Potenzial für so viele verschiedene Arten von Karrieren, die, aus welchen Gründen auch immer, nie vollständig verwirklicht wurden. Dass wir jetzt diese Songs in der Welt haben und ein klareres Bild von der Person dahinter, ist nichts weniger als ein Segen.

Warsaw 480km ist das Debütalbum des irisch/portugiesischen Quintetts pôt-pot, das die treibenden Grooves des Krautrock mit einer phosphoreszierenden Psych-Rock-Ausstrahlung verbindet, unterstrichen von Harmonium-Drones, hypnotischen männlich-weiblichen Gesangsharmonien und tiefen Schichten rauer Texturen. Das Album entstand in erster Linie aus Demos des Multiinstrumentalisten und Leadsängers Mark Waldron-Hyden während einer Zeit der Trauer und des persönlichen Umbruchs und wurde durch eine Reihe von Live-Studio-Sessions in voller Besetzung zum Leben erweckt, die ein außergewöhnliches Spektrum an Talenten dokumentieren, die sich in einer Umarmung der rohen Katharsis mit einer süßlich düsteren Kante vereinen. Ein entscheidendes Element von Warsaw 480km ist die beeindruckende Bandbreite an Einflüssen und atmosphärischen Landschaften. Waldron-Hyden beschreibt: ,Ich habe die ersten Songs geschrieben, als ich noch nicht wirklich an einem Ort lebte, daher denke ich, dass sie sich irgendwie vergänglich anfühlen - sie mit der Band zu entwickeln half mir, eine Zeit zu verarbeiten, in der ich emotional frei war, daher erinnern sie mich gleichermaßen an die schönen Erfahrungen, die wir als kreative Einheit teilten, und an die schwierigen Zeiten, die sie inspirierten." Die Leadsingle ,WRSW" ist ein Beispiel für diese Komplexität, denn ihr robustes rhythmisches Rückgrat trägt Tremolo-Gitarren, ein wummerndes Harmonium und eine halb gesprochene, an Lou Reed erinnernde Gesangslinie, in der Strophe und Refrain wunderbar miteinander verschmelzen. Vor allem ist Warsaw 480km ein Album, das seinen Reichtum und seine Aura durch bewusste Sparsamkeit erreicht, wie Waldron-Hyden erklärt: "Ollie Oliver Smith und Sara Sara Leslie sind Experten darin, das Beste aus einem Pedal, einem beschissenen Verstärker und einer geliehenen Gitarre herauszuholen, ein Ergebnis von angeborenem Talent und jahrelanger Erfahrung; sie verwenden einige Modulationen für dröhnende Passagen, aber es sind ihre Spielstile und ihr Verständnis für ,den Vibe`, die die geheimen Zutaten sind." Diese Art von intuitiver Verbindung und Zusammenarbeit ist unglaublich selten, und mit diesen zehn Stücken vollbringen pôt-pot etwas wahrhaft Entrücktes, indem sie tiefen Schmerz in eine leuchtende Träumerei alchemisieren. Für Fans von Lewsberg, Spacemen 3, Spiritualized, Brian Jonestown Massacre, Velvet Underground, The Oh Sees, Ty Segall, Uranium Club, Night Beats, Goat, Black Lips.

Black Midi war von Anbeginn der Band ein illustres wie kreatives Tummelbecken für die Mitglieder der britischen Band - nun löst sich Geordie Greep mit seinem am 4. Oktober bei Rough Trade Records erscheinendem Solo-Debüt noch mehr von jeglichen Einschränkungen und Kompromissen! Eines der Hauptthemen von Anthony Powells Roman "A Dance to the Music of Time" ist der Kontrast zwischen jenen Charakteren, die nur von Macht getrieben werden, und jenen, die mehr mit den sinnlichen Freuden des Lebens in Einklang stehen. Unweigerlich holen die Zeit und das Schicksal jeden Protagonisten ein, und der Leser kann darüber nachdenken, ob ihr Schicksal gerechtfertigt ist oder nicht. "The New Sound" wirkt oft wie eine Wiederholung von Powells Thema, untermalt von einem schrägen - und völlig verkabelten - Palm Court Orchestra. Das Album ist mit Sicherheit eines, das den Hörer über die gesamten elf Tracks hinweg voll in seinen Bann zieht. Greep: "Ich war besorgt wegen der Länge, um nicht zu viel zu verraten. Aber ich bin es auch verdammt leid, Musik zu hören und im Voraus zu wissen, was sie bedeutet oder was sie zu tun versucht. Bei all meiner Lieblingsmusik geht es darum, dass der Hörer sich mit dem auseinandersetzt, was vor sich geht. Meine Lieblingssänger, wie Peter Hammill oder Nat King Cole, sind buchstäblich einmalig. Das liebe ich. Vor allem bei Texten, bei denen man nicht genau weiß, worum es geht, aber man weiß, dass es nicht nur abstrakte Gedanken sind."

,Psychic 9-5 Club" schlägt ein neues Kapitel HTRK auf. Es ist ein Album, das zurückblickt auf eine Zeit der Traurigkeit und der inneren Kämpfe und das in diesen Kämpfen auf Hoffnung, Humor und Liebe stößt. Es ist das erste Album, das Jonnine Standish und Nigel Yang komplett als Duo aufgenommen haben - ihr ehemaliger Bandkollege Sean Stuart starb mitten in den Aufnahmen zu ihrem letzten Album ,Work (Work, Work)" von 2011. Obwohl ,Psychic 9-5 Club" von den ersten Tönen an nach HTRK klingt - der Gesang von Standish ist noch immer das Hauptaugenmerk des HTRK Sounds, während die Produktion charakteristisch schlank und dubbig ist - lässt sich die Band ausreichend Raum für Experimente. Verschwunden sind die in Hall und Verzerrung aufgehenden Gitarrenexperimente der 2009er Platte ,Mary Me Tonight" und die zerfuzzten Growls, die sich durch ,Work (Work, Work)" zogen. An ihre Stelle tritt etwas zärtlich-samtig Poliertes. Dies ist HTRK, doch ihr Sound wurde entfettet und richtet das Rampenlicht auf die nackten Arrangements und minimalistisches Sound Design. Das Album wurde mit Nathan Corbin von EXCEPTER in den Blazer Sound Studios in New Mexiko aufgenommen, der bereits Regisseur des Videoclips zum Track ,Bendin von ,Work (Work, Work)" gewesen war. Anfang 2013 wurde ,Psychic 9-5 Club" in Australien fertiggestellt und schließlich über den Sommer des Jahres in New York auf Hochglanz poliert. Das Kernthema des Albums ist die Liebe. Das Wort webt sich durch die Texte und Songtitel; die Liebe als Ablenkung, die Eigenliebe und die Liebe zu anderen. ,Psychic 9-5 Club" ist ein Album für den Körper und die Seele.

Der legendäre Frank Sinatra (1915 - 1998) war zweifellos einer der größten Sänger aller Zeiten. Diese großartige Sammlung präsentiert 75 Highlights aus seiner Karriere begleitet von herausragenden Orchestern unter der Leitung von wichtigen Persönlichkeiten wie unter anderem Nelson Riddle, Gordon Jenkins, Billy May, Sy Oliver und Don Costa. Die erste CD zeigt The Voice in seiner schwungvollsten Stimmung, während sich die zweite einigen seiner besten Balladeninterpretationen widmet und die dritte schließlich Songs aus berühmten Filmen kompiliert, von denen er in vielen auch die Hauptrollen spielte.

Das Werk von JJJJJerome Ellis bewegt sich mühelos zwischen Stille und Möglichkeiten. Der schwarze, behinderte Künstler mit grenadischen, jamaikanischen und amerikanischen Wurzeln schafft mit Saxophon, Orgel, Hackbrett, Elektronik und Stimme atmosphärische Klanglandschaften. Improvisation ist der Kern - oft werden große Teile von Aufnahmen bearbeitet, um das Werk wie ein Marmorbildhauer freizulegen. Es ist eine expansive und interdisziplinäre Praxis, die es JJJJJerome ermöglicht, sich an jedes Medium und jede Form anzupassen, darunter aufgezeichnete Musik, Live-Theater und Performance-Kunst, Filmmusik, Spoken Word und Storytelling sowie multimediale/visuelle Werke, die Klang integrieren. Als Mensch, der stottert, fiel es ihm in der Kindheit schwer, sich mit dem Mund auszudrücken. Den Künstlernamen ,JJJJJerome" zu buchstabieren, rührt von der Erkenntnis her, dass das am häufigsten gestotterte Wort der eigene Name ist. Trotz einer kurzen Sprachtherapie als Kind - als er in der siebten Klasse zum Saxophon griff, machte es plötzlich Klick. ,Ich stottere immer noch beim Saxophonspielen, aber es ist anders." Als Künstler dreht sich sein kreatives Ethos nun um die Erforschung des Stotterns durch Musik, wobei er die Fähigkeit jedes Einzelnen, Zeit zu gestalten, näher erläutert. Er ehrt das Stottern durch Kunst. Er begann damit, zu CDs von John Coltrane und Billie Holiday auf dem Horn zu improvisieren. Aber als jemand, der sich gerne mit Grenzen auseinandersetzt, hat sich JJJJJerome seitdem zu einem versierten Multi-Instrumentalisten entwickelt, wobei jedes Instrument einen Wendepunkt darstellt, der neue Wege zu potenziellen Klangwelten ebnet. Seine Stimme wird zusätzlich von einer Ehrfurcht vor der Erde und den Vorfahren - sowohl menschlichen als auch anderen - geleitet. Aufgrund der familiären Verbindungen seiner Mutter zur Kirche und den unvergesslichen Geschichten seiner Großmutter, die als Pianistin und Organistin auftrat, hat JJJJJeromes jüngste Affinität zu Tasteninstrumenten eine bedeutende Gewichtung. Das kommende zweite Album ,Vesper Sparrow" (Shelter Press) ist aus dieser Verbindung zur schwarzen religiösen Tradition und zum Erbe entstanden. Es ist eine Fortsetzung der fortlaufenden Auseinandersetzung des Künstlers mit den Schnittstellen zwischen Musik und Klang, Stottern und Schwarzsein aus der Perspektive der Zeit. Das Album besteht aus zwei vollständigen Gedanken und dreht sich um ein aufgezeichnetes Stottern. JJJJJerome teilt die vierteilige Komposition ,Evensong" auf, indem er das Stottern in Teil zwei ausblendet und die Tracks drei und vier (,Vesper Sparrow" und ,Black-Throated Sparrow") dazwischen einfügt. ,Das Stottern wird zu einem strukturierenden Moment", erklärt er in Bezug auf die Möglichkeit, die entstandene Zeit zu füllen. Die Aussetzung wird somit zu einem integralen Bestandteil der musikalischen Sprache von JJJJJerome. Sowohl Stottern als auch Granularsynthese können Momente in der Zeit aussetzen und ,zu vielfältigen Arten des Verweilens, Durchquerens und Verbindens mit anderen in diesen Momenten einladen". Der Künstler greift auch auf Elemente der Pop-Produktion zurück - elektronische Texturen und Verzerrungen, die teilweise vom Indie-Rock inspiriert sind, sowie Spoken Word, Sampling und Audiomanipulationen, die aus der karibischen und afroamerikanischen Musik stammen.

Moody and Zeitgeist have had the utmost privilege to bring onboard a team of some of the most accomplished musicians/wordsmiths India has to offer for this album. Working out of Island City Studios in Khar West, Mumbai, the duo assembled a team of musicians including acclaimed and awarded vocalists Vinay Sugatha Ramadasan and Anuja Zokarkar. The pair bring a lyrical depth to the music informed by millennia of North-Indian classical poetry and melody. Metaphor and imagery is intermingled with EX GENERATION's unapologetic rhythm and production style to form something that is profound and complex, whilst also accessible and innate in the way it confronts the listener.

R.i.O. welcomes a new member. Straight in full length. An album created by Dorsten,North-Rhine-Westfalia based producer Aroma Von Troisdorf - a man who refuses to be putin a box. Unlike others, who politely stay in one lane, he is a tuneful shape shifter. Alreadyhis 2021 debut on the Cologne based label Papercup Records smashed Krautrock, Synthpop,Electro, Ambient, and dub together. His 2023 and 2024 Papercup Ep's "Buttergolem"and "Rodeln am Rhein" added Italo-Disco, Synth-pop and a drop of experimental Electroto his versatility. Now eight new creations, brilliantly composed, yet - even in odd flashes -effortlessly catchy. They bring once more a stylistic melting pot, now enlarged with TheCure-ish dreamscapes, stretching over guitar riffs and bass grooves, like in the closingambient-folk star "Zeiten" or the dreamy opening track "Fog Frog Green". There is themotorik krautrock pulse of "Osmopower", that boogies heavy in drum machine hypnosisunder Aroma's entrancing new-wave vocals. Tunes like "Dreams Unfold" or "AmplifyShrooms" are likewise propulsive, each one psyching in its very own rhythmic sector. Morevoices are present too. In the two-minute manic preacher "Colas", were Togolese rapperand political activist Yao Bobby chants edgy. Or in "Closer", where singer Aprico sendsspoken-word trances echoing through the cosmic jacking. And there is "Lovers Lake", ahypnotic drift of witchy vocals, bluesy chords, and endless synthscapes, that makes youswim on your feed. Shift the shapes, "Blaumilch" opens the gates.

Mit TechnoBase.FM Vol. 5 erscheint eine weitere Ausgabe der beliebten Compilation-Reihe auf Vinyl – ein Muss für Fans elektronischer Musik und Sammler hochwertiger DanceReleases. Die limitierte Pressung bringt den charakteristischen Sound von TechnoBase.FM direkt auf den Plattenteller und vereint aktuelle Club-Tracks mit zeitgemäßem HandsUp-, Dance- und Electro-Flair.

Ein echtes Highlight für alle, die elektronische Musik nicht nur hören, sondern erleben wollen – in bester Soundqualität und stilvollem Format

Das Avant-Rock-Sextett aus Beirut verschmilzt auf diesem großartigen Nachfolger seines gefeierten 2023er Debüts "Mais Um" Psych/Kraut, Improv/Skronk, Elektronik, Gothic und Jazzelemente mit traditionellem ägyptischem Gesang und moderner arabischer Poesie. Produziert von Radwan Moumneh (Matana Roberts, Sarah Davachi, Jerusalem In My Heart). Der Titel des zweiten SANAM-Albums ist ebenso vielversprechend wie die Musik der libanesischen Band. "Sametou Sawtan" bedeutet aus dem Arabischen übersetzt "Ich habe eine Stimme gehört". Spukhaft oder spirituell, wie auch immer man die Phrase liest, sie spricht von der Fähigkeit von Klang und Sprache, innezuhalten, Aufmerksamkeit zu stehlen und uns für den Moment zu öffnen. In ähnlicher Weise vermischt die Musik von SANAM zarte Rasereien und feuerverbrannte Balladen, indem sie frei fließende Rock- und Jazzgerüste mit der tief verwurzelten arabischen Tradition verbindet. Sie in vollem Flug zu hören bedeutet, in der Gegenwart gehalten zu werden und sich neu zu orientieren, um einen offenen Horizont zu eröffnen. Die Arbeit an "Sametou Sawtan" begann im Frühjahr 2024. Die ersten Ideen, die in den Tunefork Studios in Beirut entstanden, wurden im April während eines Aufenthalts in Beit Faris, einem mittelalterlichen Haus in der Küstenstadt Byblos, weiter ausgearbeitet. Das Sextett: Sandy Chamoun (Gesang), Antonio Hajj (Bass), Farah Kaddour (Buzuq), Anthony Sahyoun (Gitarre, Synthesizer), Pascal Semerdjian (Schlagzeug) und Marwan Tohme (Gitarren), wurde vom Produzenten Radwan Ghazi Moumneh (Jerusalem In My Heart) unterstützt. Die letzten beiden Tracks des Albums sind Aufnahmen aus den Beit Faris-Sessions, während der Rest in den La Frette Studios in Paris während der Europareise der Band im Sommer 2024 aufgenommen wurde. Die Platte verarbeitet Gefühle der Distanz und der Entwurzelung. "In den letzten fünf Jahren hatte ich das Gefühl, dass jeder den Libanon verlässt", erklärt Chamoun. "Das Album handelt nicht wortwörtlich davon, sondern von der Vorstellung, dass dich etwas verlässt. Eine Distanz zu den Ereignissen, obwohl du in ihnen lebst, eine Distanz zu deinem Haus, obwohl du in ihm wohnst." Ob in der sehnsüchtigen Ballade "Goblin" oder dem langsam brennenden, autotune-überladenen Freakout von "Habibon", Sametou Sawtan fängt das Streben nach festem Boden in einer Welt ein, die diesen nur selten bieten kann . Das Album hat die hypnotisierende Intensität des SANAM-Live-Erlebnisses, während es der Musik Nuancen, Tiefe und eine enorme dynamische Bandbreite verleiht. Wie bei ihrem Debüt sind die Texte vieler Tracks entliehen, Worte, die in neue Kontexte gestellt werden, um die Gegenwart zu verarbeiten. "Hamam" interpretiert ein ägyptisches Volkslied neu. In "Hadikat Al Ams" treibt der krachende Hardrock-Stampfer den Text des zeitgenössischen libanesischen Schriftstellers Paul Shaoul an. Und sowohl "Sayl Damei" als auch der Titeltrack verwenden Gedichte des iranischen Dichters und bahnbrechenden Mathematikers Omar Khayyam aus dem zwölften Jahrhundert. "Wenn man etwas von Omar liest, fühlt man eine Verbindung zur Gegenwart", sagt Chamoun. "Das Gefühl, dass es keinen klaren Weg gibt." "Sametou Sawtan" enthält auch zwei Lieder mit Chamouns eigenen Texten, darunter den Opener "Harik". Es war die Keimzelle des Albums, geschrieben von Chamoun im Februar 2024, wobei die Band den Track um ihre Worte herum aufbaute. Es beginnt mit einem Schauder, zerfetzter Elektronik und einer keuchenden Stimme, die das Schlagzeug durchdringt, bevor sich die Band zu einem triumphalen Aufstieg aufschwingt. Es geht um Eintauchen in "ein unendliches Feuer", verrät Chamoun. Den Text zu "Tatayoum" schrieb sie allein, bevor sie ihn der Band vorlegte. Er spiegelt eine andere Art von Intensität wider, "eine Schleife, eine Besessenheit", wie sie sagt. Buzuq webt durch schwebende Elektronik und drängende Trommeln, während Chamoun arabische Worte rezitiert, die die Liebe beschreiben. Die unaufhörlichen Energien, die in diesen Tracks erforscht werden, sind nicht unbedingt negativ. Sie vergleicht deren Intensität mit der eines Schriftstellers, der in einem Gedankengang gefangen ist, im Guten wie im Schlechten. "Es geht nicht darum, deprimiert oder traurig zu sein", sagt Chamoun. "Es ist eine Falle, aber sie kann auch magisch sein." "Sametou Sawtan" wurde von Farah Fayyad mit ikonischen Grafiken und Design versehen.

Für einige ist Pavement die vielleicht größte Band der Welt, oder zumindest Nordamerikas, ganz sicher aber die beste Band der amerikanischen Westküste. Nun veröffentlicht die mindestens mal Kultband ein "Best of"- Album für alle die, die sich immer noch Fragen wer zur Hölle eigentlich Pavement sind. "Hecklers Choice", so der Name des "Best of" leistet dabei Aufklärung und führt den Hörer aus dem Tal der Ahnungslosen in einen Garten Eden voller blühender Gitarren-Feedbacks und sprießender Indie-Riffs. "Hecklers Choice" ist die bereits zweite "Best of"-Kompilation der Band. Es ist schließlich mehr als ein Jahrzehnt vergangen und man kann nie genug gute Pavement-Songs kompakt in der Sammlung besitzen. Als "Quarantine the Past" 2010 erschien, gab es TikTok noch nicht. Diese neu überarbeitete Titelliste berücksichtigt alle viralen Seltsamkeiten der letzten Jahre ("Harness Your Hopes"), und repräsentiert gleichzeitig die zeitlosen Stücke, die über Generationen hinweg fester Bestandteil von Playlisten und Mixtapes für Liebhaber der Band geblieben sind.

Der Jazz-Saxophonist Kamasi Washington liefert einen Teil des energiegeladenen Soundtracks zur Anime-Serie "Lazarus" von Shinichir\u014D Watanabe. Die elf Tracks von Kamasi Washington verbinden auf einer Spielzeit von 80 Minuten kraftvolle Jazz-Fusion mit cineastischer Dramatik und begleiten die actionreichen Szenen rund um Axels Wettlauf gegen die Zeit. Diese 2 x LP-Sammleredition erscheint auf opak grauem Vinyl. Auch auf Vinyl erhältlich sind die Soundtracks zur Serie von Elektro-Koryphäe Bonobo und Produzent Floating Points.

The 9th instalment in the Clergy 10 years series; featuring tracks from Pierce, Temudo, Zisko, Arkane, Lindsey Herbert and Cleric.


b A2 Temudo - Live Extract 2.11 Edit



Cleric 9/10 Remix

Geese kehren mit ihrem dritten Album „Getting Killed“ zurück. Die Aufnahmen mit Kenneth Blume fanden in zehn temporeichen Tagen statt. Mit wenig Zeit für Overdubbing entstand eine chaotische Komödie, chaotisch in der Struktur, aber leidenschaftlich vorgetragen, geprägt von einer präzisen Vision. Kräftige Riffs überlagern Chorsamples; leise pulsieren zischende Drum Machines hinter kreischenden Gitarren. Sie balancieren entwaffnende Zärtlichkeit mit gesteigerter Wut und tauschen ihre Liebe zum Classic Rock gegen eine Verachtung der Musik selbst.

Der legendäre Club-Klassiker “Distant Planet” aus dem Jahr 1998 kehrt zurück – in einer exklusiven 12“ Maxi Single für Sammler und Liebhaber elektronischer Musik.

Neben den originalen Mixen von Saccoman enthält dieses streng limitierte Release brandneue, moderne Remixe von:
Talla 2XLC

Carl Clarks x Tom Franke

Kalr8 + Andrea Monta

Jeder Remix verleiht dem zeitlosen Track eine frische Energie, perfekt für heutige Dancefloors – und gleichzeitig eine Hommage an den unverkennbaren Sound der späten 90er.

Gepresst auf hochwertigem, farbigem Vinyl in streng limitierter Auflage – ein Must-Have für DJs, Vinyl-Fans und alle, die elektronische Musikgeschichte in neuem Glanz erleben wollen

Auf ".5: The Gray Chapter" zeigen die Maskenmänner aus Iowa, was sie drauf haben, und präsentieren gleichzeitig ihren aktuellen Drummer Jay Weinberg.

Musikalisch orientiert sich das Album weniger an seinem Vorgänger "All Hope I Gone" als vielmehr an Slipknots musikalischen Wurzeln zur Zeit von "Iowa" (2001) und "Vol. 3: The Subliminal Verses" (2004).

Mit hohen Chaftplatzierungen und guten Reviews reiht sich ".5: The
Gray Chapter" deshalb in die Liste der Slipknot Klassiker ein.

Der Grammy-nominierte Schlagzeuger, Produzent, MC und Sänger KASSA OVERALL definiert die Grenzen zwischen Jazz und Hip-Hop neu. Verehrt von lebenden Ikonen und Underground-Trendsettern, begann er seine Karriere hinter dem Schlagzeug. Seine bahnbrechenden Soloprojekte haben ihn zu einer treibenden Kraft in der US-Jazzszene und darüber hinaus gemacht und ihn mit Unterstützung von Visionären wie Thom Yorke, Iggy Pop, Virgil Abloh, u.a. belohnt. Mit dem renommierten Doris Duke Artist Award 2025 hat Kassa seinen Status als führende Stimme des zeitgenössischen Jazz gefestigt.

Auf CREAM, seinem vierten Solo-Studioalbum, zollt Kassa seinen beiden Leidenschaften seiner Jugend Tribut – Hip-Hop und Jazz-Schlagzeug. Mit diesen Instrumentals verwandelt der visionäre Schlagzeuger und Produzent klassische Rap-Songs in zeitlose Standards, indem er das Kontinuum zwischen Jazz und Hip-Hop aus jedem Blickwinkel und ohne Abkürzungen erkundet und eine neue Interpretation des "Great American Songbook" bietet – eine Hommage an das reiche Erbe der afroamerikanischen Musik.

CREAM unterstreicht Kassas künstlerisches Können durch meisterhafte Arrangements, eine durchdachte Songauswahl und einen Sound, der seine Entwicklung nachzeichnet. Unterstützt von einer herausragenden Band mit generationsübergreifender Jazztradition verkörpert das Projekt seinen genreübergreifenden Ansatz und sein Engagement, den Jazz voranzutreiben.

Von Newport bis North Sea hat seine Band für ihre Live-Auftritte, die Gilles Peterson als "völlig surreal" bezeichnete, große Anerkennung erhalten. Er trat in der Tiny Desk Concert-Reihe von NPR auf und veröffentlichte mehrere von der Kritik gefeierte Mixtapes, die von der New York Times, NPR Music, The Guardian, Afropunk und anderen gelobt wurden.

Zum ersten Mal werden Klassiker dieser Compilation auf Zoetrope-Vinyl veröffentlicht, darunter ein brandneuer Remix von „Rapper’s Delight“, dem meistverkauften Track in der Geschichte der Sugarhill Gang.
„Rapper’s Delight“ gilt als einer der erfolgreichsten, wenn nicht sogar als der erfolgreichste kommerzielle
Hip-Hop-Track überhaupt. Er gilt als einer der einflussreichsten Hip-Hop-Tracks aller Zeiten und hat Rap
einem breiten Publikum zugänglich gemacht. Zu den von diesem Track beeinflussten Künstlern zählen
unter anderem Jay-Z & Nas, Dr. Dre & Snoop Dogg und Run DMC.

Uncertainty about and confidence in the future, melancholia and euphoria, tears and hope: The 5th Mollono.Bass album resonates with a zeitgeist that is a complex, highly divergent, sometimes even opposing state of thoughts and emotions. Deep and heady groove structures create compelling drive, emotive human voices add introspective fragility, free flowing harmonies unfurl as intense collective ecstasy. Vocals reflect pensively on issues like falling apart, yet the tracks themselves are magnificent examples of what happens when creative minds come together. MAZ’N contributed to several titles on Tear & Hope, in one of them we also hear the voice of Margret. The song-oriented approach of these tunes is another very contemporary aspect – one that will find expression in a special live show this year. Andy’s Echo adds to the signature vibe of friendship and co-creation on this Mollono.Bass album with a mutual production, as well. With many different expressions of its main theme, Tears & Hope has everything it takes to make a powerful, electrifying impact - on major dancefloors and in intimate listening settings alike.

Nachdem sie auf ihrem gefeierten Debütalbum ein multidimensionales Klanguniversum definiert hatten, verlassen der Komponist und Filmemacher Chris Hunt und James ,Munky" Shaffer von Korn auf EXINFINITE das Vertraute und driften in ein Reich der Rekursion, wo sie auf ein Gewirr aus gespiegelten Wurmlöchern blicken, die mit unheimlicher Mehrdeutigkeit summen. Das zweite Album von VENERA ist düsterer, heavier und perkussiver als sein Vorgänger, aber es gibt etwas Intimeres in seinen Schaltkreisen, das schwer zu definieren ist - etwas Mystisches, Geheimnisvolles und Melancholisches. Songs materialisieren sich aus dem Nichts, nur um von sauren Synthesizern aufgelöst oder von Hunts geschärften Beats durchbohrt zu werden, während Shaffers dichte, gequälte Riffs durch euphorische, zeitverzerrte Vocals von FKA twigs, Dis Fig und Chelsea Wolfe ausgeglichen werden. Nach ihrer Begegnung mit der Unendlichkeit haben VENERA nach innen geschaut, über die Grenzen der Existenz nachgedacht und ihre tiefsten Emotionen ausgegraben. VENERA entstand 2022, als Hunt und Shaffer nach Aufnahmen mit der albanischen Künstlerin Xhoana X. ihr eigenes musikalisches Terrain betraten. Das Duo improvisierte gemeinsam und experimentierte mit cineastischem, von Science-Fiction inspiriertem Sounddesign und erkannte, dass die Zusammenarbeit Potenzial hatte. So begannen sie, ihren Sound weiterzuentwickeln und zu verfeinern, wobei sie Unterstützung von Deantoni Parks, dem ehemaligen Schlagzeuger von Mars Volta, Alain Johannes von Queens of the Stone Age, dem Post-Punk-Duo VOWWS und den LA-Noise-Rock-Legenden HEALTH erhielten. Nachdem ihr Debütalbum 2023 auf Mike Pattons Label Ipecac erschienen war, setzten VENERA die Dekonstruktion und Neugestaltung ihres Songwritings fort, tauschten Eno-artige Ambient-Atmosphären gegen explosive Beats und dichte Texturen aus und fanden heraus, wie sie die von ihnen eröffnete Erzählung erweitern konnten, ohne alte Pfade zu beschreiten. Auf ,Tear" ist die neue Richtung des Duos deutlich zu hören, wenn Shaffers ursprüngliche Gitarrenklänge zu unheimlichen Widescreen-Expositionen umgestaltet werden, die Hunt mit pneumatischen Kick- und Snare-Zyklen untermalt. Unterbrochen von Luftschleusen-Zischen und leuchtenden Synthesizern, bietet der Track eine Kulisse, die VENERA kontinuierlich verwandelt und das Konzept im Laufe des Albums neu formt. Die Kult-Singer-Songwriterin Chelsea Wolfe gibt dem düsteren ,All Midnights" einen gotischen amerikanischen Touch, indem sie kraftvoll über VENERAs vakuumverpackte Rhythmen und gasförmige Synthesizer singt, und der in Berlin lebende Noisemaker Dis Fig, der bereits mit The Body und The Bug zusammengearbeitet hat, verleiht Shaffer und Hunts tape-verzerrten Industrial-Pops und -Whirrs in ,End Uncovered" hauchige, emotional vielschichtige Töne. Sie lassen squelchigen, verlangsamten Techno in okkulte Noise-Reflexionspools auf dem schlängelnden ,Asteroxylon" einfließen, und Hunt antwortet auf Shaffers hallende Zupftöne mit Nebelhorn-Stöhnen auf dem unheilvollen, nachdenklichen ,uuu773". ,EXINFINITE" baut sich kontinuierlich auf, bis es ,Caroline" erreicht, eine intensive Zusammenarbeit mit FKA Twigs, die ihre unheimlichsten Töne isoliert. Zunächst umspielt sie ihre Worte mit bedrohlichen elektrischen Verzerrungen und verstümmelten, geisterhaften Stimmen, bevor sie in einen aufgeladenen opernhaften Schrei ausbricht, dem Shaffer und Hunt mit flirrenden kybernetischen Beats und dichten Wänden aus Gitarrenlärm begegnen. Dieser Track bricht das Konzept von VENERA vollständig auf, verschmilzt das Synthetische mit dem Natürlichen und löst Dysphorie, Selbstverlust und unendliche Regression aus. So wirken der blutrünstige Lärm und die finstere Atmosphäre von ,Decreation" wie eine dissoziierte Coda. In ,EXINFINITE" werden Zerstörung und Tod nicht überwunden, sondern so lange intensiviert, bis sie sich vollständig verwandeln.

Seefeel - eine der visionärsten und experimentierfreudigsten Elektronik-Bands der frühen 1990er - formte in London einen Klang, der Brücken schlug zwischen Shoegaze und elektronischer Musik. Mit ihren schimmernden Soundlandschaften, hypnotischen Minimal-Rhythmen und einer einzigartigen Ambient-Sensibilität schufen sie einen völlig neuen Kosmos. Die neu erweiterte Ausgabe von Pure, Impure vereint drei ikonische EPs der Band zu einem faszinierenden Gesamtwerk. In den legendären Abbey Road Studios von Geoff Pesche neu gemastert, umfasst die 11 Tracks starke Sammlung zudem ein frisch interpretiertes Artwork. Erhältlich als Doppel-LP oder CD, erscheint diese Edition als wahres Sammlerstück. Die enthaltenen EPs - More Like Space, Plainsong und Time to Find Me - präsentieren nicht nur Mixe von Aphex Twin, sondern auch ein bislang unveröffentlichtes Demo des Stücks "Moodswing". Bereits 1993 markierte Pure, Impure, erschienen auf Too Pure, einen Wendepunkt in der Entwicklung von Seefeel: reduzierter, intensiver, hypnotischer als das Debüt Quique. Die Tracks entfalten sich in endlos kreisenden Loops, sanften melodischen Verschiebungen und einem atemberaubenden Zusammenspiel von organischen Gitarrentexturen und maschineller Präzision. Sie spiegeln die wachsende Faszination der Band für Dub, Ambient Techno und Post-Rock wider. Mit Pure, Impure legten Seefeel den Grundstein für ihre weitere Reise - ein Werk von zeitloser Schönheit, das sich jeder Genregrenze entzieht und bis heute als Schlüsselstück ihres Ouvres erstrahlt.

Anfang 2021 standen die Bandmitglieder von Lankum hoch über Dublin, den Winden der irischen Ostküste zugewandt, mit einem wundervollen Blick auf die Stadt, in der sie über 10 Jahre lang gemeinsam Musik gemacht hatten und dennoch spürten sie ein Gefühl der Unverbundenheit. Sie hatten die Stadt noch nie aus diesem Blickwinkel betrachtet, da sie immer fest in ihr verwurzelt waren und die Schönheit von Dublin immer aus dem Blickwinkel ihres Alltags sahen. Der kleine Perspektivwechsel half der Band bei den Aufnahmen in den Hellfire-Studios, wo sie nach der langen Stille der Pandemie begierig mit den Aufnahmen zu ihrem vierten Studioalbum "False Lankum" begannen. Wer jemals bei einem Lankum-Gig war, kennt die Energie, die diese Band erzeugen kann. Der unverwechselbare Drone-Sound, der sich durch ihre Arbeit zieht, wie bei ihren bekanntesten Stücken "The Wild Rover" (von "The Livelong Day", 2019) und "What Will We Do When We Have No Money" ("Between the Earth and Sky", 2017) hat die Kraft, einem den Boden unter den Füssen wegzuziehen und erzeugt dabei einen einmaligen Klang. "The Livelong Day" war das Album, mit dem Lankum aus der Schublade der "irisch traditionellen" oder "Folk"-Musik herausbrachen. Es ebnete ihnen den Weg zu medialem wie kommerziellem Erfolg, der ihnen 2019 den RTE Choice Music Prize einbrachte und dazu führte, dass sich ihre Shows in der traditionsreichen Konzerthalle Vicar Street in Dublin in nur 20 Minuten ausverkauften. Die neue Musik bringt auch neue Stimmen und so ist es das erste Mal, dass Cormac Dermody einen kompletten Song auf einem Lankum-Album singt. In Kombination mit seiner besonderen Tonlage erzeugt er eine poetische Kraft, die den Sound von Lankum bereichert. Mit "False Lankum" bewegt sich die Bands ins Unbekannte, ein Album getrieben von der wilden und oftmals seltsamen Schönheit des Schmerzes und der Freude, von Himmel und Hölle. Es ist gleichermaßen ein Album der Widersprüche und des Einklangs und sicherlich eine der spannendsten Produktionen, die in letzter Zeit aus Irland kamen. Nur wer mutig wagt, wird Herzen gewinnen - "False Lankum" ist der Schlüssel dazu.

‘When The 2000s Clashed: Machine Music For A New Millenium’ is the story of how, 25 years ago, a new form of electronic music – known as electroclash - reignited a tired clubland and gave the indie scene and mainstream pop a shot in the arm in the process. Over this 3LP highlights set, carefully curated from the 5CD box of the same name (also released, 3rd October) the collection showcases the back-to-basics electronic beats that heralded in a new generation of exciting and innovative new artists - Hot Chip, Peaches, LCD Soundystem, and Ladytron, to name a handful. It also shows how the sound and attitude of electroclash plugged into the decade’s cutting-edge indie bands, (Franz Ferdinand, Bloc Party), and became intrinsic to the way chart pop would sound in the first decade of the 2000s (Kylie, Goldfrapp).

The collection also shows how the scene’s underground DIY ethos evolved and inspired the next generation of electronic buccaneers (Simian Mobile Disco, Justice Vs. Simian). ‘When The 2000s Clashed’ brings together a dazzling, diverse selection of artists, producers and remixers from right across the 2000s zeitgeist – from The Chemical Brothers and Daft Punk, from M.I.A. to Soulwax and many points in-between. For good measure, there’s also one side of LP3 given over to the original post punk and electronic sounds (including Kraftwerk, The Human League and Cabaret Voltaire) who’d played such a big influence on the electroclash sound. ‘

When The 2000s Clashed’ was compiled and sequenced for Demon / Edsel by Jonny Slut, founder of London’s electroclash citadel Nag Nag Nag. Established in 2002, in a small Soho venue called Ghetto, ‘Nag’ quickly became THE hottest club, first in London and then in the whole world. A glorious mess and hedonists’ hotspot, a night at ‘Nag Nag Nag’ (if you could get in!) saw the capital’s club kids, students and creatives rub up alongside names from the fashion and music worlds - Björk, Pet Shop Boys, Kate Moss, Boy George, Alexander McQueen, and Pam Hogg were among the regulars. Madonna visited, so did John Peel, Yoko Ono asked to perform and did, Throbbing Gristle’s Chris and Cosey DJ’d, so did Marc Almond, and Too Many DJ’s.

Justin Timberlake was refused entry (too many bodyguards)… even Cilla Black was spotted getting down! Jonny shares these reminisces – and many more - in the collection’s sleevenotes. Named after the 1979 Cabaret Voltaire classic, ‘Nag, Nag, Nag’ became the first place to hear the seemingly endless flow of thrilling new tunes coming from every direction during that decade of dance. Many of them are included on this collection.

Eric Broucek war der Ur-Ingenieur der fruchtbarsten Ära der DFA Studios, etwa von 2003 bis 2008 (niemand weiß genau, wie es damals war, da alles im Nebel des Chaos verloren gegangen ist). Er hatte seine Hand im Spiel bei allen Remixen, LPs und Dance-12s. Er war fast jeden Tag in diesem überladenen Equipment-Keller, nahm auf, mixte und bemühte sich, Tim und mir nicht die Augen zu verdrehen. Und irgendwo in diesem Nebel veröffentlichte er still und leise drei limitierte 12-Inch-Veröffentlichungen auf seinem eigenen Label Stickydisc Recordings - zwei unter dem Namen Babytalk und eine als Watussi zusammen mit einem weiteren DFA-Stammgast, Morgan Wiley. Damals wollte Eric seine Musik nicht auf DFA veröffentlichen. Er wollte seine eigene Identität entwickeln, was ihm auch gelang, indem er Musik herausbrachte, die mit ihrer einzigartigen schrägen, umgekehrten und zurückhaltenden Kraft vom DFA-Pfad abwich. Seine Musik ist so anders als alles andere aus dieser Zeit, so einzigartig, dass sie immer noch völlig zeitlos klingt. Vor ein paar Jahren begann ich wieder, die Tracks aufzulegen, und sah, wie die Welt immer noch von dem überrascht war, was Eric geschaffen hatte, und so entstand die Idee zu dieser Compilation. Also, Eric, am Ende haben wir deine Platten doch veröffentlicht. Wir lieben dich, Mann. - James Murphy

Die Cinematic-Funk-Visionäre The Diasonics liefern mit ihrem neuen Album ,Ornithology", das am 3. Oktober über Record Kicks veröffentlicht wird, ein weiteres solides Set aus östlich angehauchtem Psychedelic, Cinematic und Disco-Funk. Nach ihrem 2022 von der Kritik gefeierten Debütalbum ,Origin of Forms", das von PopMatters zum Library Music Album of the Year gekürt wurde, kehren die in Moskau ansässigen Instrumentalisten The Diasonics mit ,Ornithology" zurück, einem zweiten Album, das ihre klanglichen Grenzen erweitert und gleichzeitig ihrem unverwechselbaren Stil treu bleibt. Aufgenommen in ihrem eigens errichteten Studio 23, das sich in einer umgebauten Lampenfabrik aus der Sowjet-Ära befindet, ist das Album das Ergebnis von zwei Jahren intensiver kreativer Erkundungen und Experimente. Mit ihrer ganz eigenen Mischung aus cineastischem Funk, östlich angehauchten Melodien, instrumentalem Hip-Hop und analogem Soul haben sich The Diasonics einen einzigartigen Platz in der globalen Funkszene geschaffen. ,Ornithology" markiert ein neues Kapitel: Inspiriert von wiederkehrenden Vogelmotiven in ihrer Umgebung, von Zügen und Bahnhöfen bis hin zu lokaler Folklore und den Schreien der Vögel, die über ihrem Studio kreisen, kanalisiert die Platte Ideen von Bewegung und Freiheit, sowohl thematisch als auch musikalisch. ,Das Thema Vögel und Ornithologie ergab sich ganz von selbst - wir fingen einfach an, überall um uns herum vogelähnliche Namen zu bemerken: Züge und Bahnhöfe, Geschäfte, Orte, Nachnamen von Menschen, Bücher und Filme", sagt die Band. "Wir besorgten uns ein paar alte Synthesizer und stimmten die Oszillatoren, während wir den Schreien der Möwen lauschten, die um die Fabrik flogen, in der sich unser Studio befand. Die Ideen von Flug, Freiheit und Raum wurden zentral für die Musik des neuen Albums." Klanglich gehören zu den wesentlichen Merkmalen von Ornithology nicht nur die Synthesizer, sondern auch Diana Grebs hypnotischer Gesang, der sich nahtlos in die Klangpalette einfügt und dem instrumentalen Funk Leben und Seele einhaucht. ,In unserer Vorstellung balancieren wir wie Vögel zwischen der Erde und dem Himmel und haben versucht, unsere eigene musikalische Sprache innerhalb des Konzepts der Ornithologie zu erschaffen, die den Wunsch eines jeden Menschen widerspiegelt, den Vögeln näher zu kommen und frei zu schweben, jenseits von physischen oder mentalen Grenzen." Die 2019 gegründete vierköpfige Band, bestehend aus Daniil Lutsenko (E-Gitarre), Kamil Gazizov (Keyboards), Maksim Brusov (Bass) und Anton Moskvin (Schlagzeug & Perkussion), erlangte durch eine Reihe von begehrten 45er-Scheiben auf Mocambo Records und Funk Night Records schnell Kultstatus. Ihr von der Kritik hochgelobtes Debütalbum Origin of Forms,, das von Henry Jenkins, dem Produzenten der australischen Kultband Surprise Chef, gemischt wurde, erschien 2022 auf Record Kicks und wurde von PopMatters (US) zum Library Music Album" des Jahres und von FIP (Radio France) zum Album des Monats gekürt. Das Vinyl war innerhalb weniger Wochen ausverkauft und ist nun in der internationalen Cinematic-Funk-Szene sehr gefragt. ,Origin of Forms" erhielt begeisterte Kritiken von Zeitschriften wie Wax Poetics, Mojo, Rolling Stone FR, Clash, Uncut und wurde von Jamie Cullum (BBC2), KEXP, Radio France und Huey Morgan, Don Letts, Cerys Matthews und Tom Ravenscroft von BBC 6 Music, um nur einige zu nennen, unterstützt und gespielt. Mit dem neuen Album Ornithology tauchen The Diasonics in üppige Synthesizer, stripped-down Grooves und rohes instrumentales Zusammenspiel ein, schöpfen aus der Library-Musik der 1970er Jahre, sowjetischer Jazz-Fusion und Disco-Funk und liefern eine weitere supersolide Veröffentlichung, die all die Einzigartigkeit bestätigt und vorantreibt, die ,Origin of Forms" so verlockend machte. Unverzichtbar für Fans von Khruangbin, Surprise Chef und instrumentalen Funk-Grooves.

"Later Than You Think" erscheint bei seinem neuen Label YOUNG und beschäftigt sich mit Themen wie Trauer, Gerechtigkeit, Wiedergeburt, Transformation und spirituellem Kampf. Es ist ein Werk von Bekenntnis und Konfrontation, für das sich Affekt, Intellekt und Geist auf der Suche nach dem Schönen, der Wahrheit und dem Realen zusammenschließen. Entstanden ist das Album in den Ozarks von Missouri. Die 16 Tracks vereinen Elemente und Gegensätze wie Üppigkeit und rohe Reduziertheit, das Heilige und das Profane, minimalistische Disziplin und maximale Schwelgerei, Kontrapunkt und simple Popharmonien. Im Kern unterstreicht das Album aber vor allem Maus" Hingabe an radikale Aufrichtigkeit und emotionale Wahrhaftigkeit in einem Zeitalter der Entfremdung - angetrieben von Konfrontation, Glauben und der tiefen Überzeugung, dass Sinn und Bedeutung noch immer etwas meinen. Maus, der einen Abschluss in Experimental Music und einen Doktortitel in Politikwissenschaft hat, wurde für die Art und Weise, auf die er akademische Sorgfalt und Lo-Fi Synthpop-Ästhetik verbindet, mal als "philosopher pop star" mal als "analog futurist" bezeichnet. Sein Wirken zieht sich dabei quer durch die Popkultur - von der Grime-Ikone Skepta, der seinen Track "I"m Only Human" sampelte bis zum Gen-Z-Rapper nettspend, von Filmemacher Josh Safdie ("Uncut Gems") bis zum Fotografen Wolfgang Tillmans. Sein Track "Cop Killer" ist im 2025er Film "Friendship" mit Tim Robinson und Paul Rudd enthalten. Mit exzessiven Liveshows und seinen bislang erschienenen Alben, auf denen Ironie, Trauer, Freude und Absurdität stets dicht beieinander liegen, hat Maus einen einzigartigen Weg beschritten und sich eine ergebene Fanbase erspielt.

Das windgepeitschte Leben an der Ostküste Schottlands, die gemächlichen Klänge und das warme Gefühl, dass am Ende doch alles gut wird, vereinen sich auf Gulps drittem Album zu einem betörenden Erlebnis, auf dem die Band um das Duo Lindsey Leven und Guto Pryce (Super Furry Animals) ihren ätherisch-folkigen Psych-Pop zelebriert. "Beneath Strawberry Moons" ist ein hyperlokales Album mit minimalem CO2-Fußabdruck, basierend auf dem zart aufgeladenen Gefühl des Paares für das schottische Erbe und die erfrischende Nähe zum Meer. Eine Feier von Raum, Liebe, Verbindung und Zeit, durchzogen von einem zugrunde liegenden Bewusstsein für die Zerbrechlichkeit dieser Schönheit.

Zum Jahresjubiläum zu ”Alligator Bites Never Heal” veröffentlicht Doechii ihr Album im neuen Look.
Mit Doechiis neuem Mixtape „Alligator Bites Never Heal“ liefert die Rapperin, Sängerin und visionäre
Künstlerin Doechii 19 Tracks, die an die wöchentlichen „Swamp Session“-Folgen anknüpfen, die das Internet mit auffälligen Visuals und ebenso fesselnden Bars in Brand setzten. Mit einem aussagekräftigen Mix
aus Boom Bap, Rap und RnB zeigt Doechii wie vielseitig sie ist und überzeugt damit auch die größten
Künstler ihrer Zeit:

Im Januar 1977 veröffentlichten Pink Floyd ihr zehntes Studioalbum „Animals“. Das Werk eroberte Platz 1 der deutschen Charts, gilt als eines ihrer besten – und es wird nun, 45 Jahre später, als Deluxe Gatefold, CD, LP und Blu-ray wiederveröffentlicht. Zum ersten Mal überhaupt wird das Album in 5.1 Surround-Sound zu hören sein. Die einzelnen Versionen werden ab dem 16. September 2022 erhältlich sein, die Deluxe-Version folgt am 7. Oktober.

Pink Floyd – David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters und Richard Wright – nahmen „Animals“ 1976 und Anfang 1977 in den bandeigenen Britannia Row Studios in London auf und produzierten auch selbst.

„Animals 2018 Remix“ wird als CD, LP (mit Klapphüllen-Artwork), Blu-Ray und als Deluxe-Gatefold-Format veröffentlicht. Die Deluxe-Gatefold-Version beinhaltet eine LP, CD, Audio-Blu-Ray, Audio-DVD und ein 32-seitiges Booklet. Die Audio-Blu-Ray und -DVD enthalten den Remix von 2018 in Stereo, in 5.1 Surround (beide von James Guthrie) und den ursprünglichen Stereo-Mix von 1977. Das 32-seitige Booklet gewährt mit selten gezeigten Fotos einen Blick hinter die Kulissen des Shootings für die Plattenhülle sowie Live-Bilder und Memorabilia. Das Album-Artwork wurde für diese Veröffentlichung mit einem zeitgemäßen Motiv neu interpretiert.

„Animals“ ist ein Konzeptalbum, das sich kritisch mit den sozialpolitischen Verhältnissen im Großbritannien der mittleren 1970er-Jahre auseinandersetzt und damit eine Abkehr vom Stil der früheren Arbeiten der Band markierte. Aus einer Ansammlung ursprünglich nicht miteinander zusammenhängender Songs entwickelten Pink Floyd ein Konzept, das den offenkundigen sozialen und moralischen Verfall der Gesellschaft beschreibt. Inspiriert von George Orwells „Farm der Tiere“, verbildlichen sie die menschliche Natur mit einer Analogie zum Tierreich und teilen die Menschen in drei Klassen von Tieren ein: Die Schweine stehen an der Spitze der sozialen Kette, die Schafe tun als hirnlose Herde, was man ihnen sagt, und die Hunde sind die Geschäftsbosse, die sich am Profit und ihrer Macht über andere schamlos bereichern. Seit 1977 ist viel Zeit vergangen – und dann wieder gar nicht, denn die Erzählung des Albums hat als Kommentar auf unsere gesellschaftliche und wirtschaftliche Situation nichts von ihrer Aktualität verloren.

Das berühmte Cover von „Animals“ zeigt ein aufblasbares Schwein (heute bekannt als Algie), das in luftigen Höhen zwischen zwei Schornsteinen der Battersea Power Station in London schwebt. Die Idee für das Cover kam von Roger Waters, die Umsetzung übernahm der langjährigen Kreativpartner der Band, Storm Thorgerson von Hipgnosis Studios. Für die jetzige Neuveröffentlichung wurde das Artwork von Storms Hipgnosis-Partner Aubrey „Po“ Powell für die heutige Zeit neu gestaltet. Basierend auf neuen Aufnahmen des Gebäudes während der jüngsten Umgestaltungsarbeiten (das ehemalige Kraftwerk wird für die kulturelle und gewerbliche Nutzung umgebaut, gestaltet von Frank Gehry und Norman Foster), experimentierte Po mit neuen Blickwinkeln und erschuf einige beeindruckende neue Varianten des berühmten Originals. Po dazu: „Das Original-Albumcover von 1977 ist ikonisch und steht so sehr für sich, dass ich eine Menge Respekt davor hatte, ihm ein Update zu verpassen. Doch Hipgnosis nahm die Gelegenheit zum Anlass, das Motiv neu zu fotografieren und damit eine sich verändernde Welt widerzuspiegeln. Durch den Einsatz moderner digitaler Färbetechniken konnte ich Pink Floyds düstere Botschaft des moralischen Verfalls beibehalten, und auch die Orwellsche Tier-Analogie in Form des Schweins Algie lebt in dem neuen Artwork fort.“

Pink Floyds „Animals 2018 Remix” kann ab jetzt hier vorbestellt werden.

Backspin's new release comes from Obscure Shape, delivering a deep and versatile techno EP that lives up to its title: 'Zwei Gesichter' (German for 'Two Faces'). Across five tracks, the EP explores the tension between raw force and emotional depth, marrying the label's Hardgroove roots with a more introspective edge.

The A-side presents Obscure Shape's first face: It opens with 'Zwei Seiten', a no-frills banger that hits with immediacy and drive. 'Im Angesicht Der Zeit', the single, leans into groove and movement, offering a more fluid, time-aware flow. 'Die Haut In Der Ich Wohne' pares things back into a minimalistic, loopinghypnosis, evoking the idea of inhabiting one's own skin. On the B-side, presenting the producer's second face, 'Spuren Des Werdens' features producer AMIYE and introduces more melody and saw synths, a reflection on growth and transformation. The closer, 'Von Hoffnung Getragen' - also a collaboration with AMIYE - lifts off with ethereal vocals and a bouncing rhythm, embodying the hope that carries us forward.

With the 'Zwei Gesichter' EP, Obscure Shape crafts a powerful narrative through groove, form and feeling, perfectly aligned with Backspin's evolving reinterpretation of early 2000s techno.

Der Kult-Track ist zurück – und schöner denn je!

Elisir (Your Love), einer der hypnotischsten und eingängigsten Dance-Hits von Gigi D‘Agostino, erscheint endlich als farbige 12“ Maxi-Single – in einer streng limitierten Sammlerauflage.
Der im Jahr 1998 veröffentlichte Track gilt als Meilenstein des Italo Dance und ist bis heute ein fester Bestandteil auf Retro-Partys, in Clubs und in den Herzen der Fans. Diese Sonderedition enthält mehrere Mixe, darunter rare Versionen und Club Edits, die lange Zeit nur auf CD oder in digitalen Formaten verfügbar waren.

Autechre setzen ihre chronologische Reihe von LP-Neuauflagen mit den Alben Untilted (2005) und Quaristice (2008) fort. Keines der beiden wurde seit seiner Erstveröffentlichung neu aufgelegt, beide sind über 15 Jahren kaum erhältlich. Die Nachfrage hat in der Zwischenzeit für begehrte Wiederverkäufe unter Fans gesorgt, die diese Musik auf Vinyl hören möchten. Die Neuauflagen erscheinen zu einem besonders aktiven Zeitpunkt für Autechre, die sich auf eine ihrer bisher umfangreichsten Live-Tourneen vorbereiten, darunter eine komplett ausverkaufte Serie mit 25 Konzerten in 29 Tagen durch die USA, Kanada und Mexiko im Oktober sowie Tourneen in der EU (August) und Großbritannien (November). Autechre veröffentlichten zuletzt im November 2024 neue Musik im Rahmen des laufenden digitalen Projekts AE_2022–. Weitere erhältliche LP-Neuauflagen: Incunabula (1993), Amber (1994), Tri Repetae (1995), Chiastic Slide (1997), LP5 (1998), Confield (2001), Draft 7.30 (2003).

Für die 100. Eccentric Soul 45 widmet sich Numero Group ihren Wurzeln in Ohio mit drei Replika 45s aus dem Capsoul-Universum. Eine dieser Singles, Marion Blacks zeitloser Two-Sider ,Who Knows" b/w ,Go On Fool`, wurde bei Veröffentlichung 1970 fast übersehen, hat aber ein Eigenleben entwickelt und wurde nach 65 Jahren Soundtrack für prestigeträchtige Fernseh- und Autowerbung rund um den Globus wiederentdeckt. Eccentric Soul from the heart of it all.

Mustard Yellow Vinyl. Eine der umfangreichsten Instrumental-Hip-Hop-Reihen aller Zeiten, MF DOOMs gefeierte Special Herbs"-Serie versammelt eine riesige Sammlung seiner Beats, von exklusiven Tracks bis hin zu leicht überarbeiteten Favoriten, die er für sich selbst und andere produziert hat. Unter dem Pseudonym Metal Fingers veröffentlicht, gelingt es Special Herbs", DOOMs äußerst einflussreichen Sound einzufangen, der immer wieder die Regeln des Spiels zugunsten des Super-Bösewichts bricht und neu interpretiert. Super-Villain. Die Welt ist eine Fundgrube für Sounds, und der Metal-Fingered DOOM kennt keine Grenzen: 70er-Jahre- Soul-/Funk-Klassiker, 80er-Jahre-R&B-Hits, Rap-Nostalgie und sogar Soundbites aus Kinderplatten und dem Fernsehen finden ihren Platz in den Zutaten, die er für seine perfekten Rezepte benötigt.

For us, dubstep has always been more than music; it's creative freedom to express emotions and to connect with a global family. Paradox, Absurd, Doppelganger, and Zeitgeist are bilingual reflections of identity, contradiction, and culture - resonating across languages and borders. Thank you all for being part of our journey releasing on DEEP MEDi after 9 years collaborating!
Chris & Sebastian (Sebalo & Roklem)

Techno Club Retro Vol. 1 – Vinyl Edition

Sechs legendäre Trance-Tracks aus den 90ern & 2000ern – in den erfolgreichen Talla 2XLC Reworks – auf exklusiv farbiger, streng limitierter Vinyl!

Mit seinem Label Technoclub Retro! lässt Talla 2XLC unvergessene Trance-Klassiker mit viel Liebe zum Detail kraftvoll und emotional neu aufleben.

Techno Club Retro Vol. 1 ist eine Zeitreise durch die Trance-Geschichte, präsentiert durch die ersten sechs erfolgreichen Veröffentlichungen des Labels. Perfekt für Liebhaber, DJs und Sammler gleichermaßen ein Statement auf Vinyl!

Side A:
• Dito – Shadows (Talla 2XLC Remix): Das Original aus 2000 – melancholisch und hypnotisch – erhält eine treibende Dynamik mit Gänsehautmomenten.
• Triple Concept – Tonetwister (Talla 2XLC Remix): Von 1998, bekannt für das ikonische NASA-Sample. Der Remix liefert eine wuchtige Bassline und modernes Clubfeeling.
• Alpha Breed – Epic Future (Talla 2XLC Remix): Ralphie B’s Meisterwerk von 1999, jetzt mit psytrancigen Akzenten – energetisch und atmosphärisch zugleich.

Side B:
• Talla 2XLC – Follow The Meteor: Ein Remake des Vectrex-Hits von 2004 – zwischen mystischem Drive und Adrenalinschub, perfekt für die Peak-Time.
• Plastic Angel – Schatten 2021 (Talla 2XLC & Para X Remix): „Schatten“ von 2001, neu aufgelegt von zwei Trance-Veteranen – emotional, druckvoll und voller Tiefe.
• Traveller – Bright Sign (Talla 2XLC Remix): Hardtrance trifft Psy – der 2002er Kulttrack bekommt fette Breaks, bunte Strings und kompromisslose Energie

Cleaning Out The Empty Administration Building ist Ross Farrars neuestes Werk aus rohem, gesprochenem Wort und experimentellem Sounddesign, hier präsentiert unter dem Namen R.J.F.. Der Frontmann der amerikanischen Bands Ceremony und SPICE begann dieses Soloprojekt zunächst als persönliche Herausforderung: Songs von Grund auf selbst zu schreiben, sich mit Instrumenten vertraut zu machen und dabei zugleich sein Unterbewusstsein freizulegen. Dabei ging es weniger um musikalische Virtuosität als um Verletzlichkeit - darum, etwas Ehrliches aus einem ungeschützten, unbearbeiteten, unpolierten Moment zu ziehen, kompromisslos amateurhaft und rein.Diese Sammlung zeigt Farrar im offenen, poetischen Dialog: mit Drumloops und gefundenen Klängen, durchbrochen von Gitarren, Bass und Tasteninstrumenten. Nach über zwanzig Jahren in der vertrauten wie chaotischen Welt von Band-Kollaborationen, legt Farrar all das ab - als Experiment. Das Ergebnis ist unverwechselbar und bewegend.Farrars Punk-Pathos ist in Spuren vorhanden, doch seine deutlichsten Einflüsse stammen von repetitiven Musikformen: Drone, No-Wave, Avant-Jazz und darüber hinaus. Seine nüchternen Texte erinnern an Lou Reed, Rowland S. Howard und andere große Exzentriker. Farrars Texte kreisen um Liebe, Sucht, Vaterschaft und das Leben in der heutigen Welt. ,Ich wollte Bilder schaffen, die die Menschen klar vor sich sehen können", sagt er. Farrar unterrichtete früher Schreiben und Literatur - und wendet hier ein einfaches Prinzip an, das er auch seinen Schülern mitgab: Nicht zu viel nachdenken. ,Ich habe mir einfach gesagt: Diese Songs sollen Spaß machen. Sie sollen nicht stressig sein. Zwei, drei Takes aufnehmen und dann gut ist. Nicht über jedes Geräusch den Kopf zerbrechen. Mach einfach das, was natürlich aus dir herauskommt - und wenn es sich gut anfühlt, dann nimm es."Aus hunderten freier Songs, die Farrar in den letzten Jahren mit geliehenem Equipment aufgenommen hat, kristallisierte sich dieses Album langsam heraus. ,Es kam einfach immer wieder."Der Ton von Cleaning scheint die Zeit zu verbiegen, versetzt die Hörer in eine Art Gang voller Songs, bei denen jede Tür in einen neuen Raum führt - Räume, die oft auf unheimliche Weise vertraut wirken. Der gurgelnde Bass des Openers ,Advance" taucht auch in anderen Stücken wieder auf, etwa im gespenstischen ,Ovidian", benannt nach Ovids Metamorphosen, in dem Farrar über das Wunder der Veränderung sinniert - begleitet von fernen Glockenklängen. Instrumentalstücke wie ,Gravity Hill" - ein Flattern aus Synth-Brummen und statischem Rauschen - oder ,Frogs", mit Saiteninstrumenten und perkussivem Topfschlagen, wirken wie tranceartige Zwischenspiele und verstärken die Wirkung der Texte drumherum.,Exile" blickt zurück auf Verluste, die sich nicht mehr reparieren lassen: ,So much of your heart caught in my exile", singt Farrar mit sanfter Resignation - über einer einsamen Klaviermelodie und schlingernden Gitarrenakkorden. Es ist das strukturierteste Stück der Sammlung und erinnert daran, dass Farrar ein Gespür für melodische Linien besitzt.Das Album endet mit ,Traveling Light From Afar", deutlich schneller als alle vorherigen Songs. Hier, über einem stoischen Motorik-Beat, spricht Farrar das zentrale Thema des Projekts direkt an:,I've been so young in my old age / Selfish & self-pitying / But that's just narcissism - man."Genau dieser Balanceakt - zwischen schonungsloser Selbstbefragung und der Klarheit, die mit dem Älterwerden kommt - schafft Raum für Entwicklung. Farrar leert das Gebäude - Zeile für Zeile.

PawPaw Rod präsentiert seine neue 7-Track-EP "Doobie Mouth". Der auf Hawaii geborene und in LA ansässige Singer-Songwriter ist für seine genreübergeifende Alternative-Fusion aus Rap, Soul, Funk und Pop bekannt, bei der er Sixties-Soul mit Hip-Hop, heiteren Melodien und anspruchsvoller Lyrik kombiniert und so das Erbe Motowns in die zeitgenössische Musik überführt.

Die „Volver“ EP ist Sofia Kourtesis’ erste neue Musik seit „Madres“, ihrem Debütalbum, das im Oktober 2023 erschien. Sofia Kourtesis hatte bereits mit einer Reihe von Singles und EPs den Durchbruch geschafft und die Veröffentlichung von „Madres“ markierte einen großen Moment für sie, der sich seither stetig weiterentwickelt hat: das Album wurde von Pitchfork als „die Art von Musik, die jede Kälte auftaut und dich an deine Lebendigkeit erinnert“ beschrieben und rangierte hoch in den Jahresendlisten von MSN, taz, Berliner Zeitung, Deutschlandfunk, Kulturnews, Plattentests und anderen.
Die Aufnahme der EP selbst beschreibt sie - passend zum Titel - wie einen Pedro-Almodóvar-Film: eine chaotische, schmerzhafte, aber letztlich freudige Erfahrung, da sie an ihren beiden Wohnsitzen in Deutschland und Peru arbeitete und sich dabei ständig dramatische Veränderungen ergaben. Während dieses Prozesses tourte Sofia Kourtesis durch die Welt, spielte immer größere Shows, arbeitete mit lokalen Gemeinschaften in Deutschland und Südamerika, kümmerte sich um die Pflege ihrer Mutter und beschloss sogar, ein Medizinstudium aufzunehmen. Das hat Sofia Kourtesis schon immer zu einer ganz besonderen Künstlerin gemacht - es steckt so viel Leben in jedem Zentimeter ihrer Musik. Auf der neuen EP baut sie genau darauf auf, ihr mitreißender Geist ist präsenter denn je.

Paul Weller meldet sich mit Find El Dorado zurück – einem neuen, sehr persönlichen Album voller Neuinterpretationen, das am 25. Juli erscheint. Inspiriert von einer lebenslangen Leidenschaft fürs Musikhören greift Weller auf Songs zurück, die ihn schon seit Jahren begleiten – nun gedacht, neu gehört, neu gefühlt. „Das sind Lieder, die ich schon lange mit mir herumtrage“, sagt er. „Im Laufe der Zeit haben sie sich verändert. Und jetzt schien mir die Zeit gekommen, sie mit anderen zu teilen.“
Die Veröffentlichung markiert gleichzeitig ein neues Kapitel in Wellers beeindruckender Karriere. Als prägende Figur der britischen Musik – mit rund 11 Millionen verkauften Alben allein in Großbritannien – kehrt Weller zu Parlophone Records zurück, dem Label, das seine von der Kritik gefeierten Alben zwischen 2015 und 2019 betreut hat.


Find El Dorado ist weit mehr als ein klassisches Coveralbum – es ist eine emotionale Landkarte seiner musikalischen DNA. Von der sanften Melancholie in Ray Davies’ „Nobody’s Fool“ bis zum flirrenden Schmerz von „El Dorado“: Diese Songs haben Wellers Innenleben geformt – und finden nun ihren Weg zurück nach außen. Mit intimen Arrangements und starken Kollaborationen – darunter Hannah Peel, Declan O’Rourke, Robert Plant, Seckou Keita, Amelia Coburn und Noel Gallagher – öffnet Weller die Tür zu seiner ganz persönlichen Songwelt.

Tauche ein in die glitzernde Welt des Italo Disco mit Alan Barry, einer wahren Ikone des Genres! Die limitierte Vinyl-Ausgabe Greatest Hits & Remixes präsentiert einen mitreißenden Überblick über die größten Erfolge und ausgewählte Remixe dieses Kult-Künstlers.

Mit Klassikern wie:
Tell Me The Reason
Ring The Bell
Come On
Good Vibrations

… diese Compilation ist ein Muss für Fans nostalgischer Tanzflächenmomente und für Sammler elektronischer Musikgeschichte.
Ob als klangstarke Zeitreise oder stilvolles Sammlerstück

– Alan Barry’s Greatest Hits & Remixes auf Vinyl bringt das goldene Italo Disco Feeling direkt in dein Wohnzimmer!

Mit Doechiis neuem Mixtape „Alligator Bites Never Heal“ liefert die Rapperin, Sängerin und visionäre Künstlerin Doechii 19 Tracks, die an die wöchentlichen „Swamp Session“-Folgen anknüpfen, die das Internet
mit auffälligen Visuals und ebenso fesselnden Bars in Brand setzten. Mit einem aussagekräftigen Mix aus
Boom Bap, Rap und RnB zeigt Doechii wie vielseitig sie ist und überzeugt damit auch die größten Künstler
ihrer Zeit:
„I love Doechii!” - Beyoncé (GQ)
„The hardest out” - Kendrick Lamar (Instagram)
Das Projekt fängt ein seltenes Talent in seiner rauesten Form ein und gibt den Hörern 19 verschiedene
Einblicke in ihre einzigartige Kunst. Am 18.Juli wird nun die Single Anxiety als 7Inch in grau veröffentlicht

Im Sommer 1968 traf sich der 18-jährige Genesis P-Orridge (damals Neil Andrew Megson) mit Freunden in einem bescheidenen Dachgeschoss, um mit Klängen zu experimentieren. Das Ergebnis war "Early Worm", eine Sammlung von Aufnahmen, die die aufkeimende Kreativität eines Künstlers einfing, der später eine Schlüsselfigur der Avantgarde-Musik werden sollte. Diese Sessions, die 1969 auf ein einziges Acetat gepresst wurden, zeigen eine furchtlose Erforschung von Geräuschen, Improvisationen und Tonbandexperimenten, die Einflüsse von Psychedelia, Fluxus, John Cage und Beatnik Bohemia widerspiegeln. "Early Worm" ist ein Zeugnis für P-Orridges frühes Engagement, musikalische Grenzen zu überschreiten. Die rohen und ungefilterten Klanglandschaften des Albums bieten dem Hörer einen seltenen Einblick in die Gründungsmomente, die schließlich zur Gründung von COUM Transmissions, Throbbing Gristle und Psychic TV führen sollten. Remastered und in einer limitierten Vinyl-Pressung, mit Linernotes geschrieben von Genesis Breyer P-Orridge, die den Zeitgeist des UK Undergrounds der späten 60er Jahre in Erinnerung rufen. "If nothing else, (Early Worm) revealed that P-Orridge's approach to music was defiantly left-field from the start: noise, improvisations and tape experiments that sounded a little like a more chaotic version psychedelic folkies the Incredible String Band." . The Guardian