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Locke also known as Dermaptera presents his first album. All tracks written and produced between 2006 - 2008 by Christian Schildger except D1written and produced by Matthias Schildger aka Matt Star

with speech from the one and only stoiber

Dina Summer is the Berlin-based collaborative project of Greek-German dark-disco couple Local Suicide and Bavarian electronic producer Kalipo. The supergroup began working together in 2019 and have since been refining their combined sound. It is a unique blend of their influences, drawing from 80s italo disco, new wave, EBM and early 00s electroclash for a dark retro-futuristic synth/wave pop sound that stands out with club-ready basslines, epic melodic hooks, and lyrics ranging from dadaist abstractions to empowering, thought-provoking themes.

The trio will return with their new mini album, “Children Of The Night”, bringing together all the elements that have defined their sound so far. From the disco infused synth pop of “Burning Heart” and “Bats In Paris,” recalling their debut album Rimini (2022), to the dark club driven tracks “Fuel”, “Komodo 3000”. and the title track “Children Of The Night,” which echo the atmosphere of Hide & Seek (2024), and the dark wave influenced indie songs “Rat Race” and “On The Road”, which would have felt right at home on “Girls Gang” (2025), the release showcases the full spectrum of the band's musical identity. The nine track record takes its title from and pays homage to Bela Lugosi's iconic line in Dracula (1931): “Listen to them. Children of the night… what music they make”.

Format: Ltd transparent clear vinyl

Dina Summer ist das in Berlin ansässige Gemeinschaftsprojekt des griechisch deutschen Dark Disco Duos Local Suicide und des bayerischen Elektronikproduzenten Kalipo. Die Supergroup begann 2019 gemeinsam zu arbeiten und hat seitdem ihren gemeinsamen Sound kontinuierlich weiterentwickelt. Dieser verbindet auf einzigartige Weise ihre Einflüsse und schöpft aus Italo Disco der 1980er Jahre, New Wave, EBM und Electroclash der frühen 2000er. Das Ergebnis ist ein dunkler, retro futuristischer Synth Wave Pop Sound, der sich durch clubtaugliche Basslines, epische melodische Hooks und Texte auszeichnet, die von dadaistischen Abstraktionen bis hin zu empowernden und zum Nachdenken anregenden Themen reichen.
Das Trio kehrt nun mit seinem neuen Mini Album „Children Of The Night“ zurück, das alle Elemente vereint, die ihren Sound bisher geprägt haben. Von dem Disco geprägten Synth Pop von „Burning Heart“ und „Bats In Paris“, der an ihr Debütalbum „Rimini“ (2022) erinnert, über die düsteren, cluborientierten Tracks „Fuel“, „Komodo 3000“ und den Titelsong „Children Of The Night“, die die Atmosphäre von „Hide & Seek“ (2024) aufgreifen, bis hin zu den von Dark Wave beeinflussten Indie Songs „Rat Race“ und „On The Road“, die ebenso gut auf „Girls Gang“ (2025) hätten erscheinen können, zeigt die Veröffentlichung die gesamte Bandbreite der musikalischen Identität der Band.
Das Album mit seinen neun Tracks trägt seinen Titel in Hommage an Bela Lugosis ikonische Zeile aus dem Film Dracula (1931): „Listen to them. Children of the night… what music they make.“

20/20 Vision continues to flourish even well into its third decade. For its next trick, the Leeds label welcomes back Brett Johnson, who was last here 20+ years ago. Releases on Classic Records, DJ Heather collaborations and Derrick Carter championing his work all make him a bona fide house hero and 'Broken Machine' confirms it. 'Unstuck' opens with a mutating disco bassline that refuses to settle, while 'Juiced' dives deep into his signature boompty swing with a drop designed for pure devastation. The title track is the centrepiece - a trippy trip that stretches time entirely before 'iRemember' closes with starry-eyed ambient pads laced above a deep, slow, gorgeous groove. Sophisticated, playful and musical as always.

Cameron Winter kündigt sein erstes Live-Album "Live at Carnegie Hall" an. Das Album dokumentiert Winters historischen Auftritt im Dezember 2025, bei dem er als einer der jüngsten Solokünstler überhaupt als Headliner im Hauptsaal der legendären Konzerthalle auftrat. Ganz allein, über sein Klavier gebeugt und mit dem Rücken zu einem ehrfürchtigen, ausverkauften Publikum, interpretierte der Frontmann der Band "Geese" Songs aus seinem gefeierten Debütalbum "Heavy Metal" neu. Ein Album, das von GQ in ihrem ausführlichen Bericht über diesen Abend in der Carnegie Hall als "eine der kühnsten und selbstbewusstesten Singer-Songwriter-Platten dieses Jahrhunderts bisher, ein Fiebertraum voller Gefühle von jemandem, der die Regeln gut genug verstand, um zu wissen, dass sie ihm kaum etwas bedeuteten" beschrieben wurde.

Auf dieser berühmten Bühne präsentierte er zudem drei bisher unveröffentlichte Kompositionen, von denen jede einen Einblick in seinen Fundus an Material bot. Die gesamte Darbietung war von einem unbestreitbaren Gefühl der Einmaligkeit geprägt, das die Bedeutung des Augenblicks einfing: Zeuge zu sein, wie ein Künstler, wie er nur einmal in einer Generation vorkommt, die Bühne eines der ehrwürdigsten Veranstaltungsorte der amerikanischen Musikszene beherrscht.

2024 feiern die Broilers ihren runden Geburtstag: 1994 - 2024, 30 Jahre Broilers. 30 gemeinsame Jahre bedeuten Wachsen und Zusammenwachsen. Auch miteinander streiten und zusammen streiten – für die gute Sache. Zusammen feiern und zusammenstehen, in den Besten aller Zeiten und den Schlechtesten aller Zeiten. Und weil es für jede gute Geburtstagsparty auch die passende Musik geben muss, hat die Band zum ersten Mal alle ihre Hits und Lieblingslieder auf einem Album versammelt. Und nicht nur das, die Broilers machen sich selbst ein Geschenk: Zehn der 22 enthaltenen Songs, nämlich alle, die vor 2011 eingespielt wurden, haben sie noch einmal komplett neu aufgenommen. So erstrahlen legendäre Broilers-Klassiker in zeitgemäßem Glanz, ohne ihre Wurzeln zu verleugnen. Die Broilers sind ein Phänomen: Seit über einem Jahrzehnt gehören sie konstant zu den erfolgreichsten Rockbands im deutschsprachigen Raum. Millionen verkaufter Konzertkarten, Nummer- 1-Charts-Platzierungen, Edelmetallauszeichnungen in Folge, kaum ein Superlativ, den die Gruppe sich noch nicht zu eigen gemacht hätte. Ein paar Schulfreunde aus den Vierteln am Stadtrand von Düsseldorf gründeten 1994 eine Band, die sich am ruppigen Sound einer Streetpunk-Variante orientierte, der schon Anfang der 80er-Jahre unter der Bezeichnung „Oi!“ auf der britischen Insel das Licht der Welt erblickte. Die bedingungslose Liebe, die ihnen bis heute von vielen ihrer Anhängerschaft entgegengebracht wird, hat ihren Ursprung in dieser Zeit. Neben den Liedern, mit denen sie über die Jahre ihren Hörern stets aufs Neue aus dem Herzen sprachen, führte aber auch die Kombination der individuellen Charaktere der einzelnen Musiker an die Spitze: Wie fünf Superhelden aus einer Comicserie bündeln sie als Team ihre Kräfte, begeistern so die Fans und können aus dieser Unterschiedlichkeit Kraft schöpfen und spenden. Die Broilers haben keine Angst vor Pathos, Emotionen und Kontrasten: In ihrer Musik sind wuchtige Bläsersätze, Offbeats, da ist Soul und Rocksteady, da sind Flirts mit Power-Pop und Kitsch und das alles, als wäre es das Logischste und Normalste auf der Welt. Diese eklektische Mischung trauen sich nicht viele. Die Broilers wollen es sich anders gar nicht mehr vorstellen. »Jolly Good Fellas – Best of Broilers 1994 - 2024« legt davon eindrucksvoll Zeugnis ab!

,BETHLEHEM" ist eine Zusammenarbeit, die über Grenzen hinweg entstanden ist, die nicht überschritten werden konnten. Das Stück vereint die Stimme von Lawrence Sammour - der seit mehr als fünf Jahrzehnten den Chor der Geburtskirche leitet - mit der elektroakustischen Sprache der Beiruter Komponisten Sary Moussa und Abed Kobeissy. Entstanden als Reaktion auf die Entscheidung der Geburtskirche, die Weihnachtsfeierlichkeiten während des Völkermords in Gaza auszusetzen, verwandelt das Werk traditionelle liturgische Hymnen in eine weitläufige und tief bewegende Komposition, in der Stimme, Elektronik, Buzuq und Atmosphäre ohne Hierarchie nebeneinander existieren. Weder Neuinterpretation noch Bewahrung - ,BETHLEHEM" ist ein Akt des Zuhörens über Entfernungen hinweg: ein Werk der Trauer, das auf der fortbestehenden Präsenz von kulturellem Gedächtnis, Hingabe und menschlicher Verbundenheit besteht.

Mit "Autosmile", ihrem Debüt für das Label 4AD, schärft das US-Duo @ (At) sein unverwechselbares Profil zwischen psychedelischem Folk, Indie-Rock und experimentellem Pop. Die Songwriter:innen Victoria Rose und Stone Filipczak entwickelten ihre Musik zunächst über Jahre hinweg aus der Distanz. Auf dem Nachfolger ihres vielbeachteten Debüts Mind Palace Music bündeln sie diese Arbeitsweise zu einer ebenso verspielten wie ausgereiften Klangsprache. Die elf Songs von Autosmile verbinden klassische Songstrukturen mit komplexen Arrangements, ungewöhnlichen Harmonien und einer ausgeprägten DIY-Ästhetik. Obwohl Stone während der Albumarbeiten nach Philadelphia zog und beide erstmals in derselben Stadt lebten, blieb der kreative Prozess bewusst unkonventionell. Unterstützt von befreundeten Musiker:innen, die Cello, Violine und Schlagzeug beisteuerten, entstand ein überraschend üppiger Sound, der dennoch seinen intimen Charakter bewahrt. Inhaltlich bewegt sich das Album zwischen Verlust, Selbstreflexion und Hoffnung. Der Opener "Bird" verbindet düstere Folk-Klänge mit eingängigen Pop-Momenten, während der knapp siebenminütige Titeltrack "Autosmile" eine Trennungserfahrung in eine poetische Reise voller mystischer Bilder und existenzieller Fragen verwandelt. Songs wie "I Know You Are (But What Am I Thinking)" feiern die Schönheit von Veränderung und Vergänglichkeit, während "Punish My Mind" das Spannungsfeld zwischen Selbstbestrafung und Selbstfürsorge auslotet. Trotz der oft dunklen Grundstimmung bleibt Autosmile von einer spielerischen Experimentierfreude geprägt. Prog-Einflüsse treffen auf Indie-Sensibilität, Melodie auf Komplexität. Victoria Rose und Stone Filipczak verzichten bewusst auf eindeutige Botschaften und schaffen stattdessen offene Deutungsräume, in denen sich persönliche Krisen und neue Möglichkeiten begegnen. Das Ergebnis ist ein Album, das Schönheit und Schmerz gleichermaßen umarmt und selbst in seinen melancholischsten Momenten einen leisen Optimismus bewahrt.

Das neue Livealbum "Sutsche" in Red/Orange Vinyl: Zeitlose Perlen und humorvolle Hymnen wechseln mit sanften Balladen und hintergründigen Gesellschaftsbeobachtungen. Allen eigen die kauzige Cleverness der Monsters, mit der sie punktgenau die Pointen finden, die stets den hoffnungsvollsten Ausweg aus jeder Ohnmacht bieten. Ob Schokobusse oder vergessene Feierlichkeiten, alte Freunde oder kraftgebende Pommbären, der Wunsch zur Wahrheit trifft die Erkenntnis des Schicksals und der Mond strahlt dazu gütig. Die Welt der Monsters ist bunt und voller Melodie, und wer auch immer ihnen eine Chance gibt, wird schnell bemerken, wie der monströse Zauber auch den eigenen Alltag alsbald mit Farbe und Freude füllt. Der Weg ist schließlich das Ziel, und dieser hat den besten Soundtrack.

Rasante Gitarren, hämmernde Drums und eingängige, aber tiefgründige Texte. Das sind die Mittel, mit denen Pardoner seit über einem Jahrzehnt ihre ,Slacker"-Songs formen. Auf ihrem fünften Album ,Target Practice" verfeinern sie ihren Ansatz weiter, auf der Suche nach einem himmlischen Pop-Hit Ö. Da sie einen kulturellen Rückfall in Richtung Math-Rock und Prog spüren, ist dies ihr bisher geradlinigstes Album. Fehlende sind die überraschenden Blast Beats und Szenenwechsel, die die Markenzeichen von ,Came Down Different" (2021) und ,Peace Loving People" (2023) waren. Übrig bleiben 10 prägnante Songs, geprägt von verspielter Boshaftigkeit und Satire. Es ist schwer, inmitten der feindseligen Kräfte dieser Welt kein ,Blackpilled"-Doomer zu sein. Die Angriffe der Band auf pseudo-intellektuelle Hochkunst und Kollegen aus der Szene sind jedoch nicht frei von Selbstkritik. ,Driving across the country // Preaching bulls**t gospel" wird auf der Lead-Single ,Twisted" halb gesungen, begleitet von klirrenden Gitarrenklängen. ,Target Practice" - vom ,Record Store Final Boss" abgesegnet - ist eine moderne, spritzigere Interpretation des College-Rock der 80er/90er. Flying Nun, Smudge und die lautere Seite von Yo La Tengo sind alle im Geiste präsent. Die Single ,Don't Slouch" ist ein Versuch, einen Blessed-Virgins-Song auf Xanax-Art zu interpretieren. Wann wurde diese Band das letzte Mal auf einem One-Sheet erwähnt? Vor ihrem Album-Closer ,Changing Mags", bei dem die Band ihr Herz auf der Zunge trägt, covern sie die Nuggets-nahen The Barracudas, deren Text ,Target Practice" auf den Punkt bringt: ,Ich bilde mir das nicht ein, ich sehe die Zeichen. Wir leben in gewalttätigen Zeiten."

ADULT. kooperiert nicht. Seit über 25 Jahren verkörpert die dystopische Detroit-Synth-Punk-Institution, gegründet von Nicola Kuperus und Adam Lee Miller, unbeirrbare Frustration, Misstrauen und Beklemmung. Man könnte erwarten, dass sich die Kanten mit der Zeit abschleifen, doch ADULT. hat kein Interesse am Komfort eines Vermächtnisses. Noch nie klang die Musik des Duos so unmittelbar, so dringlich und so unverhohlen wütend wie auf dem abschließenden, kompromisslosen Kissing Luck Goodbye.Mit aufgerüstetem Equipment und einer neuen Klangbibliothek gebaut, ist das Material erdrückend dynamisch, lauter - und zugleich klarer. Kuperus' dominante Darbietung rückt im Mix stärker in den Vordergrund und skizziert ein Arsenal aus lebhaften, ätzenden Rufen, Sprechchören und Gedankensplittern. Lachen - ob in den Texten oder als besessene Präsenz - fungiert als Leitmotiv und verweist auf die bedrohliche Absurdität der modernen Zeit.,THE CHAOS IS WHAT THEY WANT", singt sie in ,R U 4 $ALE" - zugleich eine Absichtserklärung: einer brennenden Welt aus Gier und Unordnung mit trotzigem, meisterhaft zusammengebautem Chaos zu begegnen. ,Du hast in dieser Höllenlandschaft, in der wir gerade leben, zwei Möglichkeiten: kämpfen oder depressiv sein", sagt Miller. ,Beides ist okay. Aber, na ja, die Entscheidung war einfach."ADULT. ist bekannt für hochriskante Katharsis auf der Bühne und griff kürzlich auf seinen Backkatalog an Bassgitarren-Songs aus den 2000ern zurück, wobei sie die vorausschauende Anxiety Always-Ära erneut nachzeichneten - teils aus Notwendigkeit angesichts der heutigen politischen und technologischen Angsttemperatur. Die Reaktion war sofort spürbar: ,Wir waren in Paris, und die Kids sind von der Bühne gesprungen. Und ich dachte nur: Das ist großartig. Das ist irgendwie die Energie, in die ich wieder zurückwill", sagt Kuperus.Diese Erkenntnis fiel mit einer Reihe von Rückschlägen zusammen - Kuperus' Anfällen von chronischem Schwindel, dem Verlust ihres engen Freundes und Kollaborateurs Douglas McCarthy von Nitzer Ebb, dem das Album gewidmet ist - alles unter dem drohenden Regime noch einmal erheblich verschärft. ,Wir dachten nur: Alles zerbricht. Wir zerbrechen. Wir sind kaputt." Dieses Gefühl hielt jedoch nicht an, denn letztlich waren sie viel zu sehr von Wut aufgeladen, um stillzuhalten. Die Stimmung vor Kissing Luck Goodbye waren vier Mittelfinger, die kerzengerade nach oben zeigten.Anstatt sich zurückzuziehen, konzentrierten sie sich auf den Prozess und überarbeiteten ihr Setup - inklusive der ersten neuen Mikrofone seit 20 Jahren. Hält man das Album an irgendeiner Stelle an, zählt man wahrscheinlich ein Dutzend Dinge, die gleichzeitig passieren, in seltsamer, schwindelerregender und dissonanter Harmonie. ,No One Is Coming" attackiert Untätigkeit angesichts des Faschismus - ,NO ONE IS COMING TO YOUR RESCUE". ,None of It's Fun" feuert mit atemloser Dringlichkeit, rasenden Glissandi und pointierten Zeilen wie: ,OH I AM TEARING MY GUTS OUT / LOOK AT ME_ DO YOU THINK THAT THIS IS AMUSING?"Eine geradlinige Basslinie und Kickdrum prallen im Abschlusstrack ,Destroyers" auf pulsierende Mantras, werden dann vollständig gesättigt und kakophonisch. Ihre jüngeren Ichs hätten den Song vielleicht sich selbst zerstören lassen, doch hier gelang es ihnen, die Lautstärke durch alle Extreme hindurch zu stabilisieren und Raum für ein eindringliches, abschließendes A-cappella zu schaffen: WE PAY THE PRICE FOR THOSE IN POWER EXPLOITING YOU EXPLOITING ME CONSUMING YOU CONSUMING ME SICK SICK SICK SICKENING IT IS US THAT ARE DEVOURED BY EVERYTHING I WILL EAT YOUR HATE

Der Soundtrack zur Prime-Originalserie Spider Noir erscheint auf opak-silbernem Vinyl. Die Doppel-LP kommt im Gatefold-Cover mit exklusivem Artwork und enthält ein Sammlerposter als Beigabe. Spider Noir basiert auf der Marvel-Comicfigur Spider-Man Noir und spielt im New York der 1930er Jahre. Im Mittelpunkt steht Ben Reilly (Nicolas Cage), ein abgekämpfter Privatdetektiv, der nach einer persönlichen Tragödie mit seiner Vergangenheit konfrontiert wird - und zugleich als Superheld der Stadt agiert. Der Soundtrack umfasst den Titelsong "Saving Grace" von KIRBY, die Originalmusik von Kris Bowers und Michael Dean Parsons sowie weitere in der Serie verwendete Stücke.

Jan Garbareks kraftvolles Doppelalbum Rites, auf dem der Meistersaxofonist von seinen langjährigen
Weggefährten Rainer Brüninghaus und Eberhard Weber sowie der Perkussionistin Marilyn Mazur und
dem Elektronikkünstler Bugge Wesseltoft begleitet wird, galt bei seiner ursprünglichen Veröffentlichung
1998 gleichermaßen als Magnum Opus und als eindrucksvolle Retrospektive der künstlerischen Bandbreite Garbareks. Auch heute noch überzeugt es als gelungenes Kompendium und als völlig eigenständiges,
modernes musikalisches Statement. Über die weit gespannte stilistische Landschaft des Albums verteilen
sich Bezüge zu den unterschiedlichsten Musikkulturen der Welt – von Norwegen bis Indien. Hinzu kommen
eine Vertonung eines Gedichts der indigenen Bevölkerung Nordamerikas für Stimmen und Saxofon sowie die
überraschende Fassung von Jansug Kakhidzes „The Moon Over Mtatsminda“, gesungen vom Komponisten
selbst gemeinsam mit dem Tbilisi Symphony Orchestra.
Als Teil der ECM-Reihe Luminessence veröffentlicht, e rscheint R ites n un e rstmals a uf V inyl – i n einem
hochwertigen Tip-on Gatefold plus umfangreichem Booklet mit Texten, Fotografien s owie sämtlichem
Originalmaterial der ersten CD-Veröffentlichung.

Die langjährigen Freunde Bibio und Dorian Concept tun sich nach diversen Kollaborationen für das gemeinsame Instrumentalalbum "Answers" zusammen. Ein Großteil der Musik entstand aus der Ferne; Ideen wurden zwischen Wales und Österreich hin- und hergeschickt, was die Vorliebe beider Künstler für einen eher zurückgezogenen, prozessorientierten Schaffensprozess widerspiegelt. Der britische Produzent Bibio, bekannt für die Verbindung von Folk, Ambient und Lo-Fi-Tape-Texturen, steuert eine greifbare, von der Gitarre geprägte Wärme bei, während der Wiener Dorian Concept, Autodidakt am Keyboard und Improvisationskünstler am Synthesizer, seinen fließend-experimentellen Ansatz elektronischer Komposition einbringt. Auch an der visuellen Gestaltung arbeitete das Duo eng zusammen; Videos und Artwork entstanden gemeinsam, inspiriert von der geteilten Liebe zu Vintage-Kameras und visuellem Spiel. Das Ergebnis ist ein texturreiches Instrumentalalbum, das sich weniger wie eine erste Zusammenarbeit anfühlt, sondern vielmehr wie eine Fortsetzung: Zwei eigenständige Stimmen treffen in einer gemeinsamen Sprache aufeinander, die über Jahre gegenseitiger Inspiration und stillen Experimentierens gereift ist. Beide Formate enthalten ein Concertina-Booklet, gefaltet in Ziehharmonika-Form.

Zum 50-jährigen Jubiläum der „Muppet Show“ singt und swingt Seth MacFarlane auf „Sings The Muppets“
beliebte Songs aus der „Muppet Show“, den Muppet-Filmen und der „Sesamstraße“ im Stil opulenter orchestraler Jazzstandards neu. MacFarlane, preisgekrönter Schöpfer von „Family Guy“ und gefeierter Sänger
im Bereich Swing und Jazz, verbindet dabei seine Leidenschaft für das klassische American Songbook mit
diesem legendären Repertoire. Mit Songs von Joe Raposo, Paul Williams und Jeff Moss sowie Arrangements von Andrew Cottee entstand das Album unter der Leitung von Dirigent John Wilson mit einem
erstklassigen Orchester im Studio der Skywalker Ranch. Inspiriert von legendären Arrangeuren wie Nelson
Riddle und Billy May, feiert das Album den warmherzigen Humor und die zeitlose Magie der Muppet-Songs.

GEORG DANZER - "JAHRESZEITEN" - Das Beste aus fünf Jahrzehnten Anlässlich des 80. Geburtstags des großen österreichischen Liedermachers GEORG DANZER veröffentlicht Sony Music eine von Georg Danzers langjährigem Wegbegleiter und Manager Franz Christian Schwarz liebevoll kompilierte Best Of mit dem Titel "Jahreszeiten". Das auf farbiger 2LP sowie auf 1CD erhältliche Album umfasst Lieder aus jeder Schaffensphase des 2007 verstorbenen Künstlers, dessen musikalisches Erbe die österreichische Musik nachhaltig prägte. Das Albumcover setzt sich aus vier Portraits Georg Danzers zusammen, die von Nina Maron, Tochter des unvergessenen Sigi Maron, gemalt wurden. Franz Christian Schwarz beschreibt die Zusammenstellung der Best Of mit folgenden Worten: "Alle meine Lieder sind wie Sonne Mond & Sterne" ist der Beginn eines Liedes auf der CD-Single "Sonne, Mond & Sterne", die anlässlich der gleichnamigen DVD-Veröffentlichung von Georg Danzer erschienen ist. Diese Liedzeile gab auch den Ausschlag, die vorliegende Doppel-LP "Jahreszeiten" zu nennen, um die Bandbreite von Danzers musikalischer Vielfalt unter Beweis zu stellen. Danzer schaffte es wie kaum ein anderer Beobachtungen, Erzählungen, Gedanken und Emotionen in Worte und Melodien zu fassen. Mit über fünfhundert veröffentlichten Liedern für sich selbst und andere Interpretinnen und Interpreten zählt Danzer zu den produktivsten Liederschreibern des Landes. Einige seiner Lieder hielten auch in Schul- und Notenheften Einzug. Die vorliegende Doppel-Vinyl und die um einen Titel verkürzte CD-Version wurden eine spezielle Zusammenstellung, auf der neben bekannten Liedern auch solche zu hören sind, die entweder bisher unbekannt oder dem Zuhörer nicht so geläufig sind, aber das musikalische Spektrum des großartigen Poppoeten widerspiegeln. Sie dient zur Auffrischung von Erinnerungen ebenso wie als Anreiz, sich mit dem Werk Danzers vertraut zu machen oder es neu zu entdecken. Der Frühling ist für viele Menschen ein Zeichen dafür, das

Das selbstbetitelte Debüt von South 1998 (ehemals South) ist vielleicht das, was dem alten Label Jagjaguwar jemals am nächsten kam, Musik zu veröffentlichen, die sich auch bei, sagen wir mal, ECM Records wie zu Hause anhören würde. Spitzt die Ohren, und ihr werdet es hören - Pat-Metheny-artige, klare, ausgefallene Gitarrenklänge, die geduldig zu trägen, hypnotischen, an Steve Reich erinnernden mathematischen Sackgassen geschichtet werden; ineinandergreifende Hackbretter und Vibraphone, die fallen und wogen wie an einem seltenen Tag mit starkem Schneefall in einer Stadt im Süden; die leisen und selbstbewussten Gesänge von Patrick Phelan und Nathan Lambdin, untermalt von den gleichmäßigen Rhythmen des Schlagzeugers Tod Parkhill. Bei der Erstveröffentlichung bezeichneten wir das Projekt aus Richmond, Virginia, als ,Exegese der großen Ambient-Rock-Momente des 20. Jahrhunderts". Daran halten wir fest. Doch bei näherer Betrachtung und mit dem Rückblick auf fast 30 Jahre seit der Veröffentlichung der LP sind ihre kleinen, kniffligen Schätze erst richtig zur Entfaltung gekommen. Es fällt schwer, keinen Vergleich zu einer zeitgenössischeren Künstlergeneration anzustellen, wenn man ,South 1998" wiederentdeckt, das nun aus SEO-Gründen umbenannt wurde (wer hätte das damals gedacht!?!?). Der experimentelle Slowcore-Experimentalismus von Escho Records aus Kopenhagen und ML Buch; ein bisschen von den Vorreitern der Cloudrock-Szene (und Jag-Labelkollegen) Chanel Beads; eine ganze Reihe von Veröffentlichungen des angesehenen (und unterschätzten) norwegischen Labels Hubro. Aber es verdient auch einen Platz im Regal neben seinen zeitgenössischen ,Post-irgendwas"- und ,Pre-irgendwas"-Kollegen von damals - Tortoise, Bark Psychosis, The Sea & Cake. ,South" von 1998, ein unbestrittener Jagjaguwar-Klassiker, war an sich nie verloren gegangen, aber wir haben es für euch wiederentdeckt - zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl, als Teil unserer Feierlichkeiten zum 30-jährigen Jubiläum.

Here we go! Ein echter 90er-Jahre-Kult-Hit ist zurück auf Vinyl! „Saturday Night“ von Whigfield, der legendäre Top-Hit aus dem Jahr 1994, ist endlich wieder als streng limitierte farbige 12“ Maxi Single erhältlich.
Mit seinem unverwechselbaren Dance-Sound, der eingängigen Melodie und dem legendären „Saturday Night“-Refrain eroberte Whigfield 1994 die internationalen Charts und wurde zu einem der großen Dance-Klassiker der 90er Jahre.

Jetzt gibt es den Hit endlich wieder auf hochwertigem, farbigem Vinyl – ein echtes Highlight für alle Fans der 90s, Dancefloor-Klassiker und Vinyl-Sammler.

Die Maxi Single enthält insgesamt 4 verschiedene Mixe und bietet damit gleich mehrere Versionen des unvergessenen Dancefloor-Hits.

EELS, eine der eigenwilligsten und beständig gefeierten Bands der Rockgeschichte, melden sich mit ihrem 16. Studioalbum zurück. COOKIE HAPPENED findet E (Mark Oliver Everett) dort, wo er am stärksten ist: in den kleinen Siegen des Lebens, den unvermeidlichen Enttäuschungen – und dem stillen Wunder, überhaupt hier gewesen zu sein.

Den Albumtitel erklärt E mit einem Zitat des großen Philosophen unserer Zeit, dem Cookie Monster: „Me no cry because cookie is finished. Me smile because cookie happened." Alles wird vergessen werden – aber war es nicht trotzdem etwas Schönes, dass es geschah?

Die erste Single 'Cap In Hand' gibt einen bittersüßen Vorgeschmack: ein abgeklärt-bewegender Song aus der Perspektive von jemandem, der seine Fehler endlich eingesteht und versucht, die Dinge wieder geradzubiegen.

COOKIE HAPPENED folgt auf das 2024 erschienene und vielgelobte EELS TIME! und beweist einmal mehr, dass kaum ein anderer Künstler so gut darin ist, im Chaos des Lebens Bedeutung zu finden.

EELS, eine der eigenwilligsten und beständig gefeierten Bands der Rockgeschichte, melden sich mit ihrem 16. Studioalbum zurück. COOKIE HAPPENED findet E (Mark Oliver Everett) dort, wo er am stärksten ist: in den kleinen Siegen des Lebens, den unvermeidlichen Enttäuschungen – und dem stillen Wunder, überhaupt hier gewesen zu sein.

Den Albumtitel erklärt E mit einem Zitat des großen Philosophen unserer Zeit, dem Cookie Monster: „Me no cry because cookie is finished. Me smile because cookie happened." Alles wird vergessen werden – aber war es nicht trotzdem etwas Schönes, dass es geschah?

Die erste Single 'Cap In Hand' gibt einen bittersüßen Vorgeschmack: ein abgeklärt-bewegender Song aus der Perspektive von jemandem, der seine Fehler endlich eingesteht und versucht, die Dinge wieder geradzubiegen.

COOKIE HAPPENED folgt auf das 2024 erschienene und vielgelobte EELS TIME! und beweist einmal mehr, dass kaum ein anderer Künstler so gut darin ist, im Chaos des Lebens Bedeutung zu finden.

Das 2016 erschienene "Teens of Denial" markiert einen entscheidenden Wendepunkt in der Karriere von Car Seat Headrest und insbesondere von Frontmann Will Toledo. Nach einer Reihe von lo-fi Bedroom-Produktionen, die Toledo größtenteils allein aufgenommen hatte, war es das erste Album, das mit voller Bandbesetzung und größerem Studioaufwand entstand. Veröffentlicht wurde es über das renommierte Indie-Label Matador Records, bei dem Toledo kurz zuvor unter Vertrag genommen wurde. Das Album verbindet introspektive Texte mit energiegeladenem Indie-Rock und greift Themen wie Selbstfindung, Angst, Isolation und Jugendkultur auf. Songs wie "Fill in the Blank", "Drunk Drivers/Killer Whales" und "Destroyed by Hippie Powers" wurden schnell zu Publikumslieblingen und halfen der Band, ein deutlich größeres Publikum zu erreichen. "Teen Of Denial: (Joe"s Story)" ist nun ein komplettes Remake dieses 10 Jahre alten Klassiker. Toledo, der seinen Songbook gerne neuinterpretiert, wechselt hier die Perspektive und erzählt die Geschichte aus der Sicht von Joe. Auf dem Originalalbum verwendete Toledo häufig den Namen "Joe" als Pseudonym - eine subtile Hommage an Daniel Johnston. Als er Teens im Vorfeld seines 10-jährigen Jubiläums erneut aufgriff, verspürte er den Drang, Joe eine eigene Hintergrundgeschichte zu geben, und begann, das Album entsprechend anzupassen, um diese Geschichte zu erzählen. Die Band kehrte gemeinsam mit dem Teens-Produzenten Steve Fisk ins Studio zurück, um das Werk zu überarbeiten - mit angepassten Texten, überarbeiteten Arrangements und neuen Aufnahmen im "Denial-Stil", darunter "Optimistic Son" und die hymnische Single "Joe Drives Again". Das Ergebnis bewahrt die düstere Note und den jugendlichen Zynismus von Teens, lässt aber zugleich eine Spur mühsam errungener Mitmenschlichkeit in den Gesamtklang einfließen.

Die Welt war nie bereit für The Monsters, und The Monsters waren nie bereit für diese Welt. Nach vierzig Jahren, in denen sie zu einem echten Monster aus Fleisch und Blut herangereift sind, präsentieren sie ihr neuntes Album: gut ein Dutzend kompromissloser, wilder, lärmiger und fuzz-geladener Tracks. Ein Mix aus Ein-Riff-Beat, Trash, Garage, "Bern Metal", Boogie, Punk und Grunge - Songs, die einen von innen nach außen stülpen, aufgenommen mit "Miracle" Robert "Worker" Butler und abgemischt von Jim "Dirtbomb" Diamond - ein echtes Garage-Punk-Dreamteam. Vor vierzig Jahren, 1986, war die Jugendkultur-Revolution in Bern (Schweiz) in vollem Gange, Jugendliche und junge Erwachsene wollten sich aus den konservativen Fesseln befreien. Die Straßen brannten, Clubs entstanden und eine neue Schweizer Musikkultur wurde geboren. Dies markierte auch den Beginn von The Monsters. Vierzig Jahre später hat sich der Zustand der Musikkultur - oder vielmehr der Welt im Allgemeinen - wohl eher verschlechtert. Individuelles Denken und Schaffen sind nach wie vor nicht sonderlich anerkannt oder gar erwünscht (Hey KI!). Im März 2026 blieb der Band also nichts anderes übrig, als ihre Instrumente, das Aufnahme-Equipment und ihre Ideen in den Proberaum zu verfrachten. Sie verbrachten einen Monat mit Robert Butler (u. a. The Miracle Workers) und seinem mobilen "Two Cent Recording Studio". Sie schrieben Texte (insgesamt etwa 100 Wörter - mal sinnvoll, mal unsinnig, über das ganze Album verstreut), tüftelten am Sound und nahmen Gitarren in allen erdenklichen Variationen auf. Das Ganze wurde gewürzt mit Percussion, Schlagzeug, Bass sowie obskuren Orgeln und Synthesizern, die sie auf Flohmärkten oder in den Kellern von Freunden aufgetrieben hatten. Nach diesem vierwöchigen Trip schickten sie das gesamte Chaos an Jim Diamond (Ghetto Recorders Studios in Detroit, Dirtbombs, White Stripes, Gories, André Williams... klar, worum es geht, ne?!), um es einem umwerfenden Mix-Abenteuer zu unterziehen. Das Ergebnis ist ein Dutzend Songs ohne Kompromisse, Schwächen oder Stärken. Einfach nur roher, ungeschliffener Lo-Fi-Garage-Punk'n'Roll voller Energie - und das mit vierzig Jahren "Nicht-Erfahrung". Erhältlich sind schwarzes Vinyl und eine pinke Picture-Disc (beide mit Insert & DLC), eine höchst audiophile CD sowie Kassette, die bei doppelter Geschwindigkeit leiert! Für Fans von Reverend Beat-Man, VRR, The Mummies, Oblivians, Billy Childish, Damaged Goods, Monks, very early Hives, Garagepunk, Lo-Fi-Roll, Alternative Beat

Die Welt war nie bereit für The Monsters, und The Monsters waren nie bereit für diese Welt. Nach vierzig Jahren, in denen sie zu einem echten Monster aus Fleisch und Blut herangereift sind, präsentieren sie ihr neuntes Album: gut ein Dutzend kompromissloser, wilder, lärmiger und fuzz-geladener Tracks. Ein Mix aus Ein-Riff-Beat, Trash, Garage, "Bern Metal", Boogie, Punk und Grunge - Songs, die einen von innen nach außen stülpen, aufgenommen mit "Miracle" Robert "Worker" Butler und abgemischt von Jim "Dirtbomb" Diamond - ein echtes Garage-Punk-Dreamteam. Vor vierzig Jahren, 1986, war die Jugendkultur-Revolution in Bern (Schweiz) in vollem Gange, Jugendliche und junge Erwachsene wollten sich aus den konservativen Fesseln befreien. Die Straßen brannten, Clubs entstanden und eine neue Schweizer Musikkultur wurde geboren. Dies markierte auch den Beginn von The Monsters. Vierzig Jahre später hat sich der Zustand der Musikkultur - oder vielmehr der Welt im Allgemeinen - wohl eher verschlechtert. Individuelles Denken und Schaffen sind nach wie vor nicht sonderlich anerkannt oder gar erwünscht (Hey KI!). Im März 2026 blieb der Band also nichts anderes übrig, als ihre Instrumente, das Aufnahme-Equipment und ihre Ideen in den Proberaum zu verfrachten. Sie verbrachten einen Monat mit Robert Butler (u. a. The Miracle Workers) und seinem mobilen "Two Cent Recording Studio". Sie schrieben Texte (insgesamt etwa 100 Wörter - mal sinnvoll, mal unsinnig, über das ganze Album verstreut), tüftelten am Sound und nahmen Gitarren in allen erdenklichen Variationen auf. Das Ganze wurde gewürzt mit Percussion, Schlagzeug, Bass sowie obskuren Orgeln und Synthesizern, die sie auf Flohmärkten oder in den Kellern von Freunden aufgetrieben hatten. Nach diesem vierwöchigen Trip schickten sie das gesamte Chaos an Jim Diamond (Ghetto Recorders Studios in Detroit, Dirtbombs, White Stripes, Gories, André Williams... klar, worum es geht, ne?!), um es einem umwerfenden Mix-Abenteuer zu unterziehen. Das Ergebnis ist ein Dutzend Songs ohne Kompromisse, Schwächen oder Stärken. Einfach nur roher, ungeschliffener Lo-Fi-Garage-Punk'n'Roll voller Energie - und das mit vierzig Jahren "Nicht-Erfahrung". Erhältlich sind schwarzes Vinyl und eine pinke Picture-Disc (beide mit Insert & DLC), eine höchst audiophile CD sowie Kassette, die bei doppelter Geschwindigkeit leiert! Für Fans von Reverend Beat-Man, VRR, The Mummies, Oblivians, Billy Childish, Damaged Goods, Monks, very early Hives, Garagepunk, Lo-Fi-Roll, Alternative Beat

Die Welt war nie bereit für The Monsters, und The Monsters waren nie bereit für diese Welt. Nach vierzig Jahren, in denen sie zu einem echten Monster aus Fleisch und Blut herangereift sind, präsentieren sie ihr neuntes Album: gut ein Dutzend kompromissloser, wilder, lärmiger und fuzz-geladener Tracks. Ein Mix aus Ein-Riff-Beat, Trash, Garage, "Bern Metal", Boogie, Punk und Grunge - Songs, die einen von innen nach außen stülpen, aufgenommen mit "Miracle" Robert "Worker" Butler und abgemischt von Jim "Dirtbomb" Diamond - ein echtes Garage-Punk-Dreamteam. Vor vierzig Jahren, 1986, war die Jugendkultur-Revolution in Bern (Schweiz) in vollem Gange, Jugendliche und junge Erwachsene wollten sich aus den konservativen Fesseln befreien. Die Straßen brannten, Clubs entstanden und eine neue Schweizer Musikkultur wurde geboren. Dies markierte auch den Beginn von The Monsters. Vierzig Jahre später hat sich der Zustand der Musikkultur - oder vielmehr der Welt im Allgemeinen - wohl eher verschlechtert. Individuelles Denken und Schaffen sind nach wie vor nicht sonderlich anerkannt oder gar erwünscht (Hey KI!). Im März 2026 blieb der Band also nichts anderes übrig, als ihre Instrumente, das Aufnahme-Equipment und ihre Ideen in den Proberaum zu verfrachten. Sie verbrachten einen Monat mit Robert Butler (u. a. The Miracle Workers) und seinem mobilen "Two Cent Recording Studio". Sie schrieben Texte (insgesamt etwa 100 Wörter - mal sinnvoll, mal unsinnig, über das ganze Album verstreut), tüftelten am Sound und nahmen Gitarren in allen erdenklichen Variationen auf. Das Ganze wurde gewürzt mit Percussion, Schlagzeug, Bass sowie obskuren Orgeln und Synthesizern, die sie auf Flohmärkten oder in den Kellern von Freunden aufgetrieben hatten. Nach diesem vierwöchigen Trip schickten sie das gesamte Chaos an Jim Diamond (Ghetto Recorders Studios in Detroit, Dirtbombs, White Stripes, Gories, André Williams... klar, worum es geht, ne?!), um es einem umwerfenden Mix-Abenteuer zu unterziehen. Das Ergebnis ist ein Dutzend Songs ohne Kompromisse, Schwächen oder Stärken. Einfach nur roher, ungeschliffener Lo-Fi-Garage-Punk'n'Roll voller Energie - und das mit vierzig Jahren "Nicht-Erfahrung". Erhältlich sind schwarzes Vinyl und eine pinke Picture-Disc (beide mit Insert & DLC), eine höchst audiophile CD sowie Kassette, die bei doppelter Geschwindigkeit leiert! Für Fans von Reverend Beat-Man, VRR, The Mummies, Oblivians, Billy Childish, Damaged Goods, Monks, very early Hives, Garagepunk, Lo-Fi-Roll, Alternative Beat

Reissued Rise Against: Revolutions Per Minute (2026) anlässlich der aktuellen Feierlichkeiten zum 35-jährigen Jubiläum von Fat Wreck auf violettem Vinyl gepresst! Ursprünglich 2003 über Fat Wreck Chords veröffentlicht, entstand das zweite Album von Rise Against "RPM" inmitten von Tourneen durch die USA, Kanada und Europa. Nach einigen Wochen im Studio Blasting Room Studio, wo sie gemeinsam mit Bill Stevenson (Descendents) und Jason Livermore die Aufnahmen einspielten, präsentierte sich das Quartett mit diesem von der Kritik gefeierten zweiten Studioalbum. Revolutions Per Minute verbindet auf meisterhafte Weise die rasante Energie des Punk mit scharfen, eingängigen Melodien. Tim McIlraths leidenschaftlicher Gesang transportiert gesellschaftskritische Texte in herausragenden Songs wie "Like the Angel" und "Black Masks & Gasoline". Das Album prägte den Punk der 2000er Jahre maßgeblich, schlug die Brücke zwischen rohem Underground-Hardcore und Mainstream-Rock und gilt heute als Meisterwerk des Genres sowie als das definitive Underground-Werk der Band. Band credited with creating a new sound - branch of melodic hardcore and political punk Rise Against's sophomore breakout album, produced by Bill Stevenson and Jason Livermore at Blasting Room Band has amassed 2 platinum records and 5+ gold records in multiple countries and 5+ Top-Charting Alternative Rock Radio hits Features hit singles "Heaven Knows", "Black Masks & Gasoline" and "Leaving Jesusland" Known for their progressive politics, veganism, and outspoken views

Georg Danzer war eine Lichtgestalt der Austropop Szene. Wie kein anderer hat er mit seinen Songs und Texten ins Schwarze der österreichischen Seele getroffen. Die Anekdoten auf "13 schmutzige Lieder" sind schlüpfrig, verwegen und oftmals herrlich unkorrekt. Danzers lässiger Dialekt macht den Reiz aus, er gibt den schmutzigen Liedern den Charme, der sie so unverwechselbar macht. Am 7. Oktober hätte Georg Danzer seinen 80. Geburtstag gefeiert. Zu diesem Anlass veröffentlicht Sony Music eine Neuauflage seiner "13 schmutzigen Lieder" auf "schmutziger Vinyl" - als Spezialpressung auf Black Dust Vinyl mit Orange & Schwarz. GEORG DANZER - "13 schmutzige Lieder" - ab 2.10.26 auf schmutziger Vinyl erhältlich! Tracklist: New Orleans Alptraum Stomp | Murphy's Law | Sado-Maso | Swinging Prostata | Rosarode Gummihandschuach | Gnädige Frau in Malaga | Eigentlich bin ich ein Schwein | Der imaginäre Vibrator-Walzer vom 22. Juli 1998 | Karibik in Unterhosen | Olle Weiber san G'frassta | A alte Drecksau | Strandbrunzer-Tango | Ballade vom versteckten Tschurifetzen | Ruaf die Zeitansage an | Leck Mich | Ich denk an Sex | Suche nette Partnerin zum Bumsen ... | Kreuzritter | Tanz Erotisch

Mutant präsentiert in Zusammenarbeit mit WaterTower Music und DC Studios stolz die erste physische Veröffentlichung von Claudia Sarne’s Original-Soundtrack zu „Supergirl“. Die Komponistin Claudia Sarne sagte über die Entstehung der Musik für „Supergirl“: „Die Vertonung von ‚Supergirl‘ war wie ein wilder Fiebertraum. Ich habe mich besonders mit der Unordnung und Komplexität ihrer Figur identifiziert und liebte die Bandbreite, die der Film erforderte. Die Möglichkeit, von dreckigen Synth-Basslinien und -Sequenzen zu großen thematischen Orchesterstücken und traurigen Solo-Klavierpassagen zu wechseln, war eine unglaubliche Reise. Craig wünschte sich Musik, die das Gefühlsleben der Figuren zum Ausdruck bringt – von Ruthyes Herzschmerz und Idealismus über Karas Verzweiflung und Rebellion bis hin zu Lobos Nihilismus und Krem’s Schrecken; all das verbunden durch die Liebesgeschichte zwischen Kara und Krypto.“ Mit einem Cover-Artwork von Bilquis Evely, gepresst auf 2x 140 gm Farbvinyl, mit einer im Siebdruckverfahren bedruckten D-Seite.

Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

Auf den Alben der “Verve Remixed”-Reihe war Nina Simone stets die unbestrittene Favoritin. Jetzt wird
die “High Priestess of Soul” auf “Verve Remixed // Nina Simone” mit acht brandneuen Mixen gefeiert. Die
Gelegenheit zu dem Projekt ergab sich, als Verve Records Anfang 2026 die Feierlichkeiten zu seinem 70-
jährigen Jubiläum einläutete. Unter dem Titel “Year of Nina” begann man damit, jeden Monat einen brandneuen Remix eines Nina-Simone-Klassikers als digitale Single zu veröffentlichen. Das Echo der Musikfans
war überwältigend. Der universelle Appeal von Ninas Musik wird dadurch verdeutlicht, dass mit Solomun,
DESIREE, Supershy, Mochakk, HAAi, Austin Millz, Dublon und Antdot acht der derzeit angesagtesten
DJs, Remixer und Produzenten aus unter anderem den USA, Brasilien, Südafrika und Großbritannien für
das Projekt gewonnen werden konnten.
Purple color LP, 140g, Single Sleeve

Gold Colored Vinyl LP Edition zum 25jährigen Jubiläum des Jan Delay Solo Debüt Albums! Zusammen mit der Sam Ragga Band produzierte der Beginner-Frontmann Jan Delay ein Album, das die deutsche Pop-Landschaft nachhaltig veränderte. Noch nie war Reggae mit deutschen Texten so authentisch, so fett und so erfolgreich. Mit der Interpretation des Nena-Hits "Irgendwie, Irgendwo, Irgendwann" schaffte Jan Delay den Durchbruch auch außerhalb der HipHop-Community und legte 2001 mit "Searching For Jan Soul Rebels" weiter nach. Jan Delay zeigt sich als scharfzüngiger Kritiker und Zyniker, Songs wie "Ich Möchte Nicht, dass Ihr Meine Lieder Singt" und "Vergiftet" polarisieren, wurden aber trotz aller textlichen Radikalität zu veritablen Hits.

Das dritte Studioalbum von Holy Motors, ,Heaven's Night", verbindet die für die Band typischen westlichen Traumlandschaften mit eingängigen Pop-Melodien und New-Wave-Klängen, die für die estnische Band Neuland darstellen. Bemerkenswert ist vor allem eine neue Sanftheit in den Songs auf ,Heaven's Night", in denen Figuren vorkommen, die sich von den düsteren Sonnenuntergängen und der Outback-Melancholie des 2020 erschienenen Albums ,Horse" lösen. Wie die Band selbst sagt, ist ihr neuer Sound ,süß wie tropfender Honig, traurig wie Sommerregen". Zweifellos ist ,Heaven's Night" das bisher abwechslungsreichste Album von Holy Motors. Vom rasanten Galopp von ,The Last Ones" bis zum poppigen Herzstück ,Hellishly Hot" verleiht ,Heaven's Night" der Welt der Band eine neue Wendung - eine, die etwas weniger gespenstisch und dafür etwas gefährlicher ist.

Das dritte Studioalbum von Holy Motors, ,Heaven's Night", verbindet die für die Band typischen westlichen Traumlandschaften mit eingängigen Pop-Melodien und New-Wave-Klängen, die für die estnische Band Neuland darstellen. Bemerkenswert ist vor allem eine neue Sanftheit in den Songs auf ,Heaven's Night", in denen Figuren vorkommen, die sich von den düsteren Sonnenuntergängen und der Outback-Melancholie des 2020 erschienenen Albums ,Horse" lösen. Wie die Band selbst sagt, ist ihr neuer Sound ,süß wie tropfender Honig, traurig wie Sommerregen". Zweifellos ist ,Heaven's Night" das bisher abwechslungsreichste Album von Holy Motors. Vom rasanten Galopp von ,The Last Ones" bis zum poppigen Herzstück ,Hellishly Hot" verleiht ,Heaven's Night" der Welt der Band eine neue Wendung - eine, die etwas weniger gespenstisch und dafür etwas gefährlicher ist.

Eine auf 500 Stück limitierte 7"-Single auf NEONGRÜNEM VINYL von DERIK & THE DISASTERS! MIT DEN PUNK-ROCK-LEGENDEN CHARLIE HARPER (U.K. SUBS) UND DEL GREENING (PETER AND THE TEST TUBE BABIES) Die A-Seite stammt von ihrem selbstbetitelten Debütalbum! Die B-Seite gibt's exklusiv auf dieser Veröffentlichung! Eine wunderbare neue Punkrock-Partnerschaft! Charlie Harper ist ein langjähriger Bewunderer von Del Greenings Gitarrenspiel und beide leben in Brighton. Da Del nicht mehr mit Peter And The Test Tube Babies auf Tour war und Charlie ,etwas" weniger Gigs mit den U.K. Subs spielte, hatten beide Zeit, etwas Neues und Frisches zu starten. Das Ergebnis ,Derik & The Disasters" besteht aus vierzehn Songs, die sowohl an Charlies als auch an Dels musikalisches Erbe anknüpfen und gleichzeitig einen einzigartigen, lebendigen Sound schaffen - mit Texten, die sich nicht scheuen, die vielen Probleme anzusprechen, mit denen die Welt heute konfrontiert ist. Das ist Punkrock im Jahr 2026. Laut abspielen.

Proto-Jackin'-Hip-House/Punk-Funk von der ,Third Coast". Ursprünglich erschienen im Jahr 1984 auf dem für die Chicagoer Szene prägenden Mitchball-Label: Das ,Dance Party Album" von Z-Factor ist das Werk, mit dem die Kindheitsfreunde Jesse Saunders und Vince Lawrence die 909 für das Warehouse, WB MX und darüber hinaus neu erfanden. Kommen Sie wegen der spacigen, Lo-Fi-Italo-Synths, bleiben Sie wegen der mit minimalem Budget produzierten, vier-auf-den-Boden-Drum-Machine-Klänge.

GERBlair / Huber - ECLIPSE ist das eindrucksvolle Debut eines der spannendsten neuen Jazz-Duos Europas. Der preisgekronte Frankfurter Saxophonist Darius Blair und Gitarrist Niko Huber entwickeln in reduzierter Besetzung einen eigenstandigen, modernen Sound zwischen Jazz, Hip-Hop-Asthetik und improvisierter Musik. Entstanden aus ihrer langjahrigen Freundschaft und intensiven Zusammenarbeit seit der Pandemie, lebt das Album von intuitiver Interaktion, klanglicher Prazision und emotionaler Tiefe. Die neun kompakten Stucke verbinden subtile Grooves, atmospharische Weite und starke melodische Ideen. Aufgenommen im Berliner Funkhaus mit einem Grammy-pramierten Produktionsteam, steht ECLIPSE fur die kraftvolle Verschmelzung zweier musikalischer Personlichkeiten - reduziert, innovativ und zeitlos.ENGBlair / Huber - ECLIPSE marks the striking debut of one of Europe's most exciting emerging jazz duos. Award-winning Frankfurt saxophonist Darius Blair and guitarist Niko Huber craft a distinctive and modern sound from a minimalist setup, blending jazz, hip-hop influences, and improvisation. Rooted in a long-standing musical partnership, the album thrives on intuitive interplay, sonic clarity, and emotional depth. Across nine concise tracks, the duo balances subtle grooves, open textures, and strong melodic ideas. Recorded at Berlin's renowned Funkhaus with a Grammy-winning production team, ECLIPSE captures the powerful alignment of two artistic voices-refined, innovative, and timeless.

Das Aufeinandertreffen zweier Pop-Ikonen: Madonna und Kylie Minogue veröffentlichen mit "Love Sensation" eine gemeinsame Nu-Disco-Hymne. Die Kollaboration erscheint als limitierte 7"-Single auf Coloured Vinyl und kombiniert pulsierende Synth-Basslines mit glamourösen Vocals. Neben der Main Version auf der A-Seite enthält das Release einen Extended Club Mix auf der B-Seite und kommt in einem veredelten Sleeve mit exklusivem Artwork auf den Markt.

Nach ersten limitierten Singles veröffentlicht The Operator Sound INC. sein Debütalbum "Esoteric Audio For Space Age Witchcraft" innerhalb der "21st Century Library Music"-Reihe des englischen Labels Library Of The Occult. Die Aufnahmen erfolgten direkt auf Tonband unter Verwendung modularer Synthesizer, einer alten elektronischen Orgel und einfacher Rhythmusmaschinen und liefern den klassischen Space-Age-Lounge-Vibe der 1960/70er Jahre, jedoch auf eine düstere und okkulte Weise verfremdet, die aus einem Planetarium der 70er Jahre zu stammen scheint.

Coke Bottle Clear Vinyl. Babe Haven ist eine queere Punkband, bekannt für ihre Riot-Grrrl-Attitüde und ihren Nu-Metal-Einschlag. Gegründet in Boone, North Carolina, von Lillie Della Penna und Naomi Poesel, kreiert die Band Hymnen über Selbstermächtigung und Widerstand, die vor roher Aggression nur so strotzen.Die Band hat sich schnell zu einem ikonischen Bestandteil der modernen Punkszene entwickelt, bringt Bühnen zum Brennen, spielt ausverkaufte Shows in den gesamten USA und stand bereits mit Acts wie Die Spitz, Mannequin Pussy, Soft Play und Pup auf der Bühne.Ihr zweites Album ,Nuisance" zeigt eine mutige Weiterentwicklung ihres Sounds - eine Mischung aus Nu Metal, Thrash und Punk, die sich zu einem intensiven, genreübergreifenden Statement verbindet und ihren Platz als eine der wichtigsten aufstrebenden Stimmen des Punk festigt.,Nuisance" erschien ursprünglich im Juni 2024 und wird nun im Oktober 2026 erstmals physisch über Hassle Records veröffentlicht.

Mit Hurra! Hurra! So nicht. veröffentlichte Gisbert zu Knyphausen 2010 den Nachfolger seines vielbeachteten Debüts und festigte damit seinen Ruf als eine der prägendsten Stimmen des deutschsprachigen Singer-Songwriter-Genres. Das Album wirkt gegenüber dem Erstling reifer, melancholischer und musikalisch ausgearbeiteter, ohne dabei die unmittelbare emotionale Kraft seiner Songs zu verlieren. Entstanden im renommierten Electric Avenue Studio von Tobias Levin und eingespielt mit seiner damaligen Liveband, profitiert die Aufnahme von der Erfahrung zahlreicher Konzerte und einer außergewöhnlich eingespielten Besetzung. Mit der Wiederveröffentlichung auf dem bandeigenen Label Rastplatz Krachgarten wird ein zentrales Werk im Katalog von Gisbert zu Knyphausen erneut verfügbar gemacht und richtet sich sowohl an langjährige Hörer als auch an eine neue Generation von Songwriter-Fans.

Die 12 Songs des neuen Giant Rooks Albums „IF HEAVEN EXISTS, THIS MIGHT BE IT“ erzählen von
Liebe, Verlust, Einsamkeit und der Suche nach echter Verbindung.
Der Titel ist dabei weniger Versprechen als Perspektivwechsel: Was, wenn das, wonach wir suchen, nicht
irgendwo vor uns liegt, sondern längst da ist? In den Menschen um uns herum. In den kleinen Momenten.
In dem, was uns verbindet.
Ein Album über das Gefühl, in einer lauten Welt nach Nähe zu suchen. Und über die Möglichkeit, dass
das Hier und Jetzt schon mehr enthält, als wir manchmal sehen.
Mit ihrem charakteristischen Indie-Pop-Sound, der längst international etabliert ist,
bespielen und besingen Giant Rooks das Himmlische im Irdischen.

Orphée schildert einen Weg von der Dunkelheit ins Licht, inspiriert durch die verschiedenen Versionen des
antiken Orpheus-Mythos, von Ovid bis Cocteau. Die vielschichtige Erzählung über Tod, Wiedergeburt,
Wandel und die Kurzlebigkeit der Erinnerung lässt sich auch als Metapher für künstlerische Kreativität
deuten. Orphée bietet eine vielseitige Klangpalette: Es gibt akustische Instrumente solistisch oder im Ensemble kombiniert mit Elektronik und den geheimnisvollen Lauten der “Nummernsender” auf Kurzwelle.
Sie ist angelehnt an viele Facetten seiner vorangehenden Werke und bindet Musik für Solocello, Orgel,
Streichquartett, Streichorchester und A-cappella-Gesang mit ein.
10 Jahre nach dem Debut wird das gefeierte Album Orphée erstmals als Crystal Clear Vinyl veröffentlicht.

Marlon von der Band Scherben sagt folgendes zur Platte: marode aus Düsseldorf legen drei Jahre nach ihrem Debüt mit ihrem zweiten Studioalbum ordentlich nach. Das elf Songs starke Album "Strukturen", verpackt in ein stimmiges Schwarz-Weiß-Cover, arbeitet sich mit einer Mischung aus Resignation, Frust und kämpferischem Optimismus am Irrsinn der postkapitalistischen Gesellschaft ab, ohne dabei in Phrasendrescherei zu verfallen. Persönlich hab ich mich besonders über die schallende Erkenntnis "Ich bin zu dumm für Turbostaat" aus dem Lied "Angekommen" gefreut. Musikalisch bleiben marode sich treu: Tempowechsel, gute Breaks und der harmonierende Wechselgesang sorgen dafür, dass keine Langeweile aufkommt. Insgesamt ist das zweite Album noch einmal runder und fetter als das erste. Wer musikalisch irgendwo zwischen Razzia und Dackelblut zu Hause ist, wird hieran sicherlich Freude haben. Schönes Ding!

Ein echter Dance-Klassiker ist zurück auf Vinyl! „2 Times“ von Ann Lee, der große Superhit aus dem Jahr 1998, erscheint endlich wieder als farbige, streng limitierte 12“ Maxi Single.

Mit seinem unverwechselbaren Eurodance-Sound, der eingängigen Melodie und dem legendären Refrain gehört „2 Times“ zu den unvergessenen Dance-Hits der späten 90er Jahre. Jetzt gibt es den Kult-Track endlich wieder als besonderes Vinyl-Release – ein Highlight für Nostalgiker, DJs und alle Vinyl-Liebhaber.

Die 12“ Maxi Single bietet insgesamt 5 verschiedene Mixe und lädt damit zu einer musikalischen Zeitreise zurück in die große Ära des 90er-Jahre-Dance ein.

Das farbige Vinyl und die streng limitierte Auflage machen diese Veröffentlichung zu einem besonderen Sammlerstück, das in keiner Dance- und Vinyl-Sammlung fehlen sollte.

Three decades since Global Underground began defining what a superstar-DJ mix album could sound like, this anniversary release breaks from the format entirely. Instead of just one artist focus, the focus is on the decadal number: here there are 30 artists, 30 new exclusive tracks - and no mixing. Guy J, Rodriguez Jr., Quivver & Dave Seaman and an unexpected Nadia Ali/Frankey & Sandrino pairing headline the tracklist, compiled to represent the current state of the progressive-house lineage. Collector's edition aside, the standard triple-vinyl set on purple, orange and aqua vinyl is the one you wanna own.

Global Underground ist stolz darauf, diese wegweisende Veröffentlichung anlässlich unseres 30-jährigen Jubiläums präsentieren zu dürfen. Dreißig Künstler, dreißig brandneue, exklusive Tracks – zur Feier von dreißig Jahren, in denen wir euch die allerbeste elektronische Musik präsentieren. Auf „THIRTY“ sind einige der dynamischsten Künstler der Dance-Musik vertreten: Guy J, Rodriguez Jr., Quivver & Dave Seaman, Nicky Elisabeth, Yulia Niko, HotLap, Spencer Brown, eine ganz besondere Zusammenarbeit zwischen der legendären Nadia Ali und Frankey & Sandrino sowie viele weitere.

Mit"Lach doch mal" legen Bärchen und die Milchbubis ihr zweites Studioalbum seit ihrer viel beachteten Rückkehr vor. Die Band, die bereits Anfang der 1980er-Jahre mit ihrer eigenwilligen Mischung aus Punk, Pop und scharfem Humor Kultstatus erlangte, knüpft dabei an ihre Stärken an und präsentiert zwölf neue Songs voller Energie, Haltung und Alltagsbeobachtungen. Zwischen humorvollen Seitenhieben, gesellschaftspolitischen Themen und persönlichen Geschichten entstehen Stücke, die gleichermaßen wütend, nachdenklich und verspielt wirken. Produziert von Tobias Levin (u.a. Tocotronic, Ja, Panik, Rocko Schamoni), verbindet das Album den charakteristischen Charme der Band mit einer zeitgemäßen Perspektive. Gastbeiträge von Bela B, Stefanie Schrank und den Feigen Flittchen unterstreichen die kreative Offenheit dieser Veröffentlichung. Lach doch mal zeigt eine Band, die auch Jahrzehnte nach ihrer Gründung unverwechselbar geblieben ist.

Mit"Lach doch mal" legen Bärchen und die Milchbubis ihr zweites Studioalbum seit ihrer viel beachteten Rückkehr vor. Die Band, die bereits Anfang der 1980er-Jahre mit ihrer eigenwilligen Mischung aus Punk, Pop und scharfem Humor Kultstatus erlangte, knüpft dabei an ihre Stärken an und präsentiert zwölf neue Songs voller Energie, Haltung und Alltagsbeobachtungen. Zwischen humorvollen Seitenhieben, gesellschaftspolitischen Themen und persönlichen Geschichten entstehen Stücke, die gleichermaßen wütend, nachdenklich und verspielt wirken. Produziert von Tobias Levin (u.a. Tocotronic, Ja, Panik, Rocko Schamoni), verbindet das Album den charakteristischen Charme der Band mit einer zeitgemäßen Perspektive. Gastbeiträge von Bela B, Stefanie Schrank und den Feigen Flittchen unterstreichen die kreative Offenheit dieser Veröffentlichung. Lach doch mal zeigt eine Band, die auch Jahrzehnte nach ihrer Gründung unverwechselbar geblieben ist.

Locust, das Projekt des legendären englischen Elektronikmusikers Mark Van Hoen, freut sich, das neue Album „Spectral+“ über TODO Records zu veröffentlichen. „Spectral+“ ist eine vielseitige, einzigartig ausgefallene Sammlung, die klassische Einflüsse wie Giorgio Moroder, Brian Eno, My Bloody Valentine und Boards of Canada als Ausgangspunkte für neue Wege nutzt. Mit dabei sind Musiker wie Neil Halstead von Slowdive, Olive Kimoto, Natasha Morrow, Nick Holton von Black Hearted Brother und Griff Spex, dessen industriell-elektronischer Touch dem Album eine unerwartete und mitreißende Dimension verleiht.


Die Ankündigung des Albums folgt auf große Vorfreude seitens der Fans, seit Van Hoen eine neue Live-Besetzung zusammengestellt hat, mit der er seit September an ausgewählten Terminen in den USA neues Material uraufführt – darunter als Headliner beim „Elsewhere“-Takeover von Perfectly Imperfect, beim „And Always Forever Festival“ und beim „Flower Moon Festival“ –, was ihre ersten Live-Auftritte seit ihrer Zeit als Vorband von Massive Attack in den 90er Jahren markiert.


In den letzten Jahren hat das Projekt eine beeindruckende Kult-Anhängerschaft aufgebaut. Das Publikum besteht nicht nur aus denen, die sich an seine Tourneen mit Autechre und Aphex Twin erinnern, sondern auch aus einer aufstrebenden jüngeren Generation, die Locust durch das Trip-Hop-Revival und die Präsenz in den sozialen Medien entdeckt hat.

Father John Mistys bahnbrechendes zweites Album aus dem Jahr 2015, ,I Love You, Honeybear", ist zurück auf Vinyl, remastered und neu verpackt als Einzel-LP. Ursprünglich wurde es als Doppel-LP veröffentlicht. Das Album wird mittlerweile als Klassiker angesehen und enthält die Fan-Favoriten ,Chateau Lobby #4 (in C for Two Virgins)" und den Titelsong ,I Love You, Honeybear". Bei der Veröffentlichung erhielt ,I Love You, Honeybear" viel Kritikerlob, u.a. Pitchfork Best New Music, eine perfekte Bewertung von Exclaim! und begeisterte Kritiken von NME, Mojo, Q, Spin und anderen. Es wurde als eines der besten Alben des Jahres 2015 von Pitchfork, Billboard, The A.V. Club, NME und Stereogum gefeiert. ,I Love You, Honeybear" wurde von Josh Tillman und Jonathan Wilson produziert und von Phil Ek gemischt. Diese Ausgabe wurde 2024 von Adam Ayan bei Ayan Mastering neu gemastert. Diese zweite Ppressung kommt auf schwarzem Vinyl.

Father John Mistys bahnbrechendes zweites Album aus dem Jahr 2015, ,I Love You, Honeybear", ist zurück auf Vinyl, remastered und neu verpackt als Einzel-LP. Ursprünglich wurde es als Doppel-LP veröffentlicht. Das Album wird mittlerweile als Klassiker angesehen und enthält die Fan-Favoriten ,Chateau Lobby #4 (in C for Two Virgins)" und den Titelsong ,I Love You, Honeybear". Bei der Veröffentlichung erhielt ,I Love You, Honeybear" viel Kritikerlob, u.a. Pitchfork Best New Music, eine perfekte Bewertung von Exclaim! und begeisterte Kritiken von NME, Mojo, Q, Spin und anderen. Es wurde als eines der besten Alben des Jahres 2015 von Pitchfork, Billboard, The A.V. Club, NME und Stereogum gefeiert. ,I Love You, Honeybear" wurde von Josh Tillman und Jonathan Wilson produziert und von Phil Ek gemischt. Diese Ausgabe wurde 2024 von Adam Ayan bei Ayan Mastering neu gemastert. Diese zweite Ppressung kommt auf schwarzem Vinyl.

Die hochgeschätzte Sängerin, Songwriterin und Produzentin Mary Bragg aus Nashville legt ihr erstes neues Album seit über vier Jahren vor, das in den FAME Studios in Muscle Shoals zusammen mit dem Grammy-Gewinner John Paul White und dem gefeierten Produzenten, Toningenieur und Keyboarder Ben Tanner aufgenommen wurde. Jeder Song ist im Grunde ein Geheimnis, das man einem Fremden anvertraut. Wenn die Wahrheit klar wird, erkennt sich der Fremde darin wieder. Mit ihrem sechsten Album in voller Länge präsentiert Bragg der Außenwelt eine Sammlung zutiefst persönlicher Geschichten. Mary Bragg wird von einer Begleitband aus Größen des Southern Rock unterstützt, darunter Chad Gamble (Jason Isbell & the 400 Unit), Zac Cockrell (Alabama Shakes) und Jay Gonzalez (Drive-By Truckers), und liefert ein Album, das zugleich weitreichend und intim ist. Secrets to Strangers" ist ihr eindrucksvollster Beweis für Seele, Verletzlichkeit und hart erkämpftes Selbstbewusstsein, getragen von prägnantem Songwriting und unbestreitbarer Kunstfertigkeit. Auch wenn frühere Beiträge in Rolling Stone, NPR und Forbes bereits für sie gesprochen haben, zeigt sich Bragg hier in absoluter Bestform.

J NOIREs Debüt-EP „Prometheus“ entfacht ein Feuer, ganz wie der Titan, nach dem sie benannt ist. Sechs Songs voller Härte, Melodie, Groove und Emotion entführen den Hörer in eine gotische Höllenlandschaft, die Noire selbst erschaffen hat. „Prometheus“ verbindet die Atmosphäre von BAD OMENS und SLEEP TOKEN mit der industriellen Dunkelheit von NINE INCH NAILS und RAMMSTEIN und schafft so einen Ausgleich zwischen erdrückender Wucht und eindringlicher Melodie. Die EP gipfelt in einer Neuinterpretation von COLDPLAYs „Fix You“, die den bekannten Hit in etwas Dunkleres, Schwereres und unverkennbar J NOIRE-Typisches verwandelt.

TV Star aus dem Raum Seattle-Tacoma präsentieren mit ,Music For Heads" ihr Debütalbum und verbinden darin Psychedelic Rock, Jangle Pop, Garage Rock, Shoegaze und klassischen Indie-Rock zu einem warmen, zeitlosen Sound. Inspiriert von Bands wie The Brian Jonestown Massacre, Mojave 3 sowie der alternativen Gitarrenmusik der 1990er Jahre, vereint die Band eingängige Melodien mit atmosphärischen Gitarrenlandschaften und treibenden Rhythmen. Die fünfköpfige Gruppe entwickelte ihren Sound über mehrere Jahre hinweg und schafft auf den zehn Songs eine gelungene Mischung aus psychedelischer Tiefe, Pop-Sensibilität und roher Garage-Energie. Mit ,Music For Heads" liefert TV Star ein ebenso nostalgisches wie eigenständiges Debüt, das klassische Indie-Einflüsse in einen frischen, modernen Kontext setzt.

FAKOMA aus Köln spielen Hardcore Garage Punk und verwandeln politischen Frust, Freiheitsverlust und den Druck des Alltags in rohe, kompromisslose Energie. Ihr zweites Album Life Sucks... Then You Die" umfasst zehn Tracks in 20 Minuten und ist eine wütende, anti-totalitäre Abrechnung. Stilistisch bewegt sich die Band zwischen AMERICAN NIGHTMARE, SOME GIRLS und ANTITAINMENT. Songs wie Never Out For Good" und Pain" verbinden Aggression mit Egg-Punk-Einflüssen, während Likes" die düstere Seite der Band zeigt. Der Titelsong und das Finale Warning!" stehen für ungefilterte, pure Härte.

,The Impossible Kid" ist das 2016 erschienene Album von Aesop Rock und gilt als eines seiner persönlichsten Werke. Der Indie-Hip-Hop-Veteran verarbeitet darin Themen wie Depressionen, familiäre Beziehungen und die Veränderungen in seinem Leben, die ihn schließlich aus San Francisco in die Abgeschiedenheit des ländlichen Raums führten. Musikalisch und textlich verbindet das Album Aesops komplexe Reimstrukturen mit mehr Offenheit und Selbstreflexion als je zuvor. Gleichzeitig zeigt er auch seine humorvolle Seite. Wie bereits beim Vorgänger ,Skelethon" übernahm Aesop Rock die Produktion selbst und schuf damit eines der stärksten und zugänglichsten Alben seiner Karriere.

Mit Music From The Films Of Francis Ford Coppola erscheint eine sorgfaltig kuratierte Doppel-LP, die die unverwechselbare Klangwelt eines der einflussreichsten Regisseure des modernen Kinos wurdigt. Von Der Pate uber Apocalypse Now bis hin zu The Conversation und The Outsiders vereint diese Sammlung Musik aus Filmen, die das amerikanische Kino seit den 1970er Jahren nachhaltig gepragt haben. Die Zusammenstellung zeigt eindrucksvoll, wie entscheidend Musik fur die emotionale Wirkung von Coppolas Filmen war. Neben den Kompositionen von Carmine Coppola finden sich Aufnahmen von Kunstlern wie Buddy Holly, The Beach Boys, Elvis Presley oder Richard Wagner. Die Doppel-LP beleuchtet das Zusammenspiel von Bild und Ton und richtet sich gleichermaßen an Filmfans, Soundtrack-Sammler und Liebhaber klassischer Filmmusik.

Alles spaltet sich. le_mol loopen. Was bleibt? SPLIT SPLIT - ihr 6. Post-Rock-Album (Noise Appeal Records). Während manche Spaltungen unvermeidlich ("Splitsville"), erzwungen ("Splitter") oder sogar pathologisch ("Split Brain") sind, wirken viele Spaltungen vermeidbar und durch bestimmte diskursive Kräfte vorangetrieben ("Split The Rich"). Würde man Spaltungen jedoch immer weiter aufspalten, käme es dann nicht zu einer Rückkehr von Nuancen, Meinungspluralität und Gemeinschaft? SPLIT SPLIT. Da bei den Instrumentalstücken von le_mol Wort und Musik getrennt sind, dienen die Titel jedoch ohnehin bestenfalls als Interpretationshinweise. Eine Ausnahme bilden die existentialistischen Lyrics von The Zew ("Split Tongue") - einer selbsternannten Cyborg Folk Musikerin aus Wien. Das Konzept setzt sich fort in den Collagen und Monotypien der wienerischen Künstlerin Hanna Hollmann. Musikalisch bietet 'SPLIT SPLIT' eine Mischung aus melancholischem Post-Rock und Shoegaze ergänzt durch Elemente aus Post-Punk, Ambient und Industrial. Der Einsatz mehrerer Loop-Stations ermöglicht es den beiden Multiinstrumentalisten wie eine fünfköpfige Band zu klingen und sorgt für überrasche Wendungen im Songwriting, die gängige Hörgewohnheiten herausfordern. Loops stick together - they never split! FFO: Mogwai, Radiohead, Godspeed You! Black Emperor, Sigur Ros Marketing Hardfacts: - begleitende Konzerte 2026/27 (bestätigte Daten bis hierhin): TBA - eine Vorabsingle (splitter!)

Altsaxofonist Jackie McLean war 1959 bereits seit fast einem Jahrzehnt eine feste Größe der New Yorker
Jazzszene, als er für Blue Note als Bandleader aufzunehmen begann. Die gesamten 1950er-Jahre hindurch
hatte er sich an der Seite von Bebop-Legenden wie Miles Davis und Charles Mingus seine Sporen verdient.
Sein zweites Blue-Note-Album ”Swing, Swang, Swingin’” hält das schwungvolle Versprechen des Titels
voll und ganz ein. Mit Energie und Spielfreude führt McLean durch ein mitreißendes Programm. Als
einziger Bläser des Quartetts steht sein unverwechselbarer Sound ganz im Mittelpunkt: Sein markanter,
leicht herber Ton und sein ausgeprägtes Gespür für moderne Harmonik verleihen seinen leidenschaftlichen
Improvisationen eine besondere Strahlkraft. Neben Standards von Irving Berlin, Johnny Mercer oder Cole
Porter präsentiert McLean eine beschwingte Interpretation von Benny Golsons ”Stable Mates”, bevor das
Album mit seiner eigenen Blues-Komposition ”116th and Lenox” seinen Abschluss findet.

„Once Upon A Time“ ist ein Schlüsseldokument des britischen Modern Jazz um 1970. Alan Skidmore
stellte das Quintett für das Montreux Jazz Festival 1969 zusammen, wo es gleich drei Preise gewann –
darunter als beste Gruppe und Skidmore als bester Solist. Der Erfolg führte zur Zusammenarbeit mit
Deram-Produzent Peter Eden. Mit Kenny Wheeler, John Taylor, Harry Miller und Tony Oxley vereinte
Skidmore einige der später wichtigsten Stimmen des europäischen Jazz. Das 1969 aufgenommene und
1970 auf Deram Nova (SDN 11) erschienene Album verbindet Skidmores Coltrane-geprägtes Tenorspiel
mit Modal Jazz und freien Formen.

“High Spirits” zeigt eine ungewöhnliche, nicht minder faszinierende Seite des jamaikanisch-britischen Altsaxophonisten Joe Harriott, eines der großen Originale des britischen Jazz. Nach seinen bahnbrechenden
Free-Form-Experimenten widmete sich Harriott hier acht Songs aus dem gleichnamigen Musical von Hugh
Martin und Timothy Gray. Mit Shake Keane an Trompete und Flügelhorn, Coleridge Goode am Bass
und Bobby Orr am Schlagzeug ist Harriotts klassisches Quintett in Bestform zu hören. Aufgenommen
im September 1964 und 1965 als Teil der von Denis Preston betreuten Lansdowne Series veröffentlicht,
verbindet das Album melodische Zugänglichkeit mit souveränem Post-Bop und brillanten Improvisationen.

„Nature’s World“ taucht noch tiefer in das Universum ein, das durch die gefeierte 2025er-Compilation
„Dream a Dream“ mit Studio G erschlossen wurde, und präsentiert die synthielastigen Melodien des LibraryMusic-Kollektivs, die für Naturdokumentationen komponiert wurden und zwischen der grandiosen Ehrfurcht
vor einer Vulkanexplosion und der psychedelischen Ruhe eines Insekts, das auf einem Seerosenblatt ruht,
hin- und herpendeln. Nach vier Jahrzehnten kehrt diese Neuauflage von Jazz Dispensary auf Vinyl zurück
und erscheint als Splatter-Vinyl-LP.

Als das selbstbetitelte Debütalbum von Gisbert zu Knyphausen im Jahr 2008 erschien, entwickelte es sich schnell zu einem der prägenden Werke des deutschsprachigen Singer-Songwriter-Genres. Presse und Publikum reagierten gleichermaßen begeistert auf die besondere Mischung aus poetischer Beobachtungsgabe, persönlicher Verletzlichkeit und einer stets hoffnungsvollen Grundhaltung. Heute gilt das Album längst als moderner Klassiker, dessen Songs über die Jahre nichts von ihrer Relevanz und emotionalen Kraft verloren haben. Die Wiederveröffentlichung auf dem bandeigenen Label Rastplatz Krachgarten macht dieses wichtige Werk erneut verfügbar und richtet den Blick auf den Beginn einer außergewöhnlichen Karriere. Für den Handel bietet das Re-Release die Gelegenheit, einen zentralen Katalogtitel eines der bedeutendsten deutschen Liedermacher seiner Generation erneut prominent zu platzieren.

Erdgeschoss (The ground floor) makes no distinction between old and new. And certainly not between old and young.

On the new record, two generations of KöPi uninhibitedly indulge in a brand of dirty minimal purism between Schranz and Glanz (glamour) between bouncing and banging.

Romance for everyone, you revelers.

Purity and dirt - from 133 1/3 bpm upwards, things really take off, and another door opens and closes again. Because. Bass drum on, bass drum off.

Kölsch meets Pils.

Trance meets Kraut - Haspel Haze goes loud.

So what. Your backpack is about to burst open.
Erdgeschoss unterscheidet nicht zwischen alt und neu. Und schon gar nicht zwischen alt und jung.

Auf der neuen Scheibe frönen zwei Generationen KöPi hemmungslos dem Dirty-Minimal-Purismus zwischen Schranz und Glanz - zwischen hämmern und pimpern.

Romantik für alle ihr Jecken.

Reinheit und Dreck - ab 133 1/3 bpm plus geht die Post ab und eine andere Tür auf und wieder zu. Denn. Bassdrum an Bassdrum aus .

Kölsch trifft Pils.

Trance trifft Kraut - Haspel Haze goes laut.

Na und. Da geht dir gleich der Rucksack auf.

Zwei Jahre, nachdem das Debütalbum "Was für ein Glück" (2024) die deutschsprachige Indie-Szene aufwirbelte, Konzerte quasi über Nacht ausverkauft waren und sich noch vor der Veröffentlichung eine innige Fangemeinde bildete, ist es endlich soweit: das zweite Album von ENDLESS WELLNESS, "Domino Days" (2026), ist da! Musikalisch bleiben sich Milena Klien, Adele Ischia, Patrick "Pata" Huter und Philipp Auer treu, von mitreißenden Tanznummern bis feinfühliger Gesellschaftskritik ist alles dabei - und das nicht selten klug im selben Song vereint. Aber auch einige klangliche Überraschungen hält die Band diesmal bereit. ENDLESS WELLNESS entwerfen auf "Domino Days" (2026) andere, bessere Zukünfte und geben mit ihrem Album einen musikalischen Vorgeschmack darauf, wie sich diese anfühlen könnten. Sicher ist: Diese Zukünfte sind ein Ort für uns alle und sie haben die Musik von ENDLESS WELLNESS als Soundtrack.

2026 Repress

Rotterdam Electronix continues their journey in the realm of Electro teaming up with profound producer and city inhabitant Versalife. The Crack City EP contains four versatile Electro tracks with each a distinct mood that covers the different elements of the harbour city in presents times. hard, rough to playful and joyful. inspired by the likes of E.R.P. and Ectomorph, and for lovers of Der Zyklus and DJ Stingray.

The year was 1989, and Derrick May was at a creative peak as both a DJ and producer. Under his Rhythim Is Rhythim moniker, he released a string of landmark records on Transmat, while his residency at Detroit's The Music Institute showcased the distinctive DJ style that would soon take him onto the international stage. Around the same time, he hosted a weekly radio show on Detroit radio station WJLB, alongside influential programs by The Electrifying Mojo and The Wizard (Jeff Mills).

For one of these broadcasts, May assembled a 15-minute megamix in his studio during the week leading up to the show. He opened his radio set with this continuous mix, blending his own tracks and versions into a seamless introduction that reflected his approach to DJing at the time. It includes unreleased versions of classics such as ‘Nude Photo 88’ and ‘Strings Of Life’.

‘All of this is unreleased because I made it as I was playing it on the spot as a special Mayday Mix for my show on the radio station WJLB in 1989, edited together straight from the keyboards live to tape. There is no other recording of these tracks in this form, only here’.

The original WJLB master tapes have since been lost, and no official recording is known to survive. Fortunately, many listeners recorded the broadcasts at home. One such cassette, preserved by Richie Hawtin, eventually made it our way. It has been carefully restored and mastered, with the artist’s approval.

To highlight this remarkable document of techno history, the recording is now available as a limited-edition, one-sided 12-inch release. The mix has been cut as a continuous side, visually divided into eight sections, while the reverse features a custom engraving.

* long version / previously unreleased on vinyl
** exclusive / previously unreleased
Felix Laband's highly acclaimed electronica masterpiece album "Dark Days Exit" (2005) is now available as an Extended Version 2LP vinyl. Originally planned for last year's 20th anniversary, this special edition features a new design by Felix Laband and includes a double-sided DIN A2 art print. Dark Days Exit features four exclusive tracks, alongside five vinyl-only tracks available for the first time in their original long versions. Listening to the key track, Sleeping Household, on Dark Days Exit is unsettling: like being an impostor rambling around an uncanny house, a Lynchian leitmotif in the form of a young girl divulging secrets that you probably shouldn't hear. Dark Days Exit is an album that paints an interior landscape, an invitation to transgress private thresholds. Made with old-school production tools that require hands-on application, Dark Days Exit is a sound-production tour de force. The music is as wide as the savannah and microscopic at the same time, a lesson in what can be achieved when 'music' is placed on an equal footing with sound as a phenomenon, by an artist who decides to apply themselves without reserve. The masterful manipulation of reverb and delays and hyper-detail was a generation ahead of its time, and Dark Days Exit is preferred by audiophiles for testing their systems. Dark Days Exit is intimate, demanding, and a masterclass in tension, and Laband's ability to use all sound without hierarchy to paint a detailed personal vision — one that is less overtly political and streetwise than on subsequent albums — is unsurpassed. Most discerning listeners are into music because, in the hands of a master, it can manipulate our mood and transport us. Felix Laband opens with a sonic portrait of spring happiness and gradually dismantles the atmosphere in front of our ears, as epitomised by the haunting track Black Shoes. No sooner are we afraid than the artist drops us off where we started. In many ways, the intimacy derives from the tight group of friends and believers whom Laband corralled as contributors: Mark van Niekerk (xylophone, "Miss Teardrop"), Jane Rademeyer (clarinet, "Black Shoes," "Radio Right Now"), Brendon Bussy (mandolin, "Black Shoes"), and Derek Gripper (sampled violin, used throughout) and Alex van Heerden on Minka. The difficulty in categorising Dark Days Exit is probably due to Laband listening mostly to ambient and classical music at the time, and consequently registering the album at the lush, cinematic end of the electronic spectrum. There is poise and restraint in the spare use of beats, and when they do appear, they hit hard. Forged in the optimistic post-apartheid years, Dark Days Exit is music about life and death, spanning hope, despair, terror, tension, with humour and empathy. Twenty one years on, the album's gravity endures, due to its almost perverse authenticity, its timeless themes of hope and despair, and its apex level of technical mastery. The additional, immaculately produced tracks add new rooms to the uncanny house we are invited into.

Transmitting after a short signal break, the Detroit operatives of Luke Hess and Brian Kage reactivate on Michigander with the Northward EP. Voltage modulations derived from intensive analog lab sessions, these four precision-engineered cuts yield high-density, sub-bass heavy propagations. Built to transport body, mind, and soul northward into a higher dimensional frequency, this is pure sonic utility for deep-space technicians across techno, house, and dub coordinates.

Axis Expressionist Series

A collection of vinyl and limited digital releases, curated by Millsart, an alias of Jeff Mills, of his most eclectic and transcendent compositions that derive from his Every Dog Has Its Day project as well as new unreleased works. Vernacular creations that fall off from the "other side" of the Electronic Music tree, this project is designed for the experienced Techno music listeners, and its goal is to reflect upon the pure artistry of the craft of storytelling. A realization between music and life. Whereas "dancing" is the goal of Dance Music, the goal of this music is about "reflecting on the complexity and simplification of life".Soundtracks for people in their evolutionary process.

This release 'Drifter' is about 'Hype'.



Hype

An animal that prowls on the vulnerable - it excites those who might be looking the other way or with their eyes and minds wide shut.

What is life without hype?

As a transitional tool, hype can be most effective especially when impulse reactions are at play. Something of a psychological currency, there is a lot to gain by giving people what they want - the rush that comes with taking part in a process of making something bigger, more successful and more preferred. Even if there is nothing there.

What's wrong with getting exciting about something?

There are only a few rare masterclass cases that have lasted a lifetime.

As Andy Warhol proclaimed that "everyone will be World famous for 15 minutes" rings darkly true in an era when each one of us can be the talent scout, artist, critic, audience.......and then a revisionist, hoping to bring hype back again by reminding people how great the first round felt.

We are all free to use our attention and time anyway we please. This is the freedom we have, right?

In most cases, we wake up and at some point, the question of justification becomes a debate between those who found unconditional solace and those who re-discovered the subject of substance and "kicked the tires".

Should I care if others like or dislike something?

For some, the hype of something never ends. It hardens and becomes part of a foundation like a cement podium. Something to be stood on to speak over all dissenting voices.

In a blizzard of crushed breaks and dissonant tones, Shelley Parker lands on Sneaker Social Club with her third album, Screed. Taking a forensic approach to noise sculpture and harmonic interference, the UK-based artist maintains a fringe perspective on the legacy of hardcore-derived dance music, extrapolating the renegade spirit of the earliest innovators into unexplored zones where sound art and sound systems collide.

Parker's path through the underground has been informed by her art school background, equally at home in the parallel world of galleries, installations and institutions as she is in the club. This dualistic dimension to her practice charges her music with an outsider spirit that manifests across 10 striking new productions on Screed. Focusing on the sound over an umbrella concept, it's an album that rejects comfortable, functional formulae in favour of original expression.

There are plenty of forthright structures for DJs and dancers to lock onto, from the militaristic techno thrust and tightly clipped breakbeat loop of 'Relentless' to the splayed boom bap guiding the giddy string sequences of 'Stargazer Lily'. The insistent pulse of 'April' meanwhile offers only the faintest of paths to navigate dense thickets of jerky, swinging static and metallic clamour. 'Georgian Wire' closes the record out on dissembled drum licks with a brittle patina - a scooped out closer with the skeletal remains of a rave dialect that's second nature to someone with as much skin in the game as Parker.

In amongst those tracks lies a wide-ranging tapestry of rhythmic, textural and emotional approaches, from head-knocking beatdowns to billowing clouds of dub techno, angular stabs and industrial smudges. On Screed, Parker proves herself to be peerless and purposeful in her quest to find new forms within the well-worn canon of hardcore and rave.