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'Spring Board: The Early Unrecorded Songs" ist/war das letzte leidenschaftliches Projekt von Chills' Martin Phillipps vor seinem plötzlichen Tod. Es ist eine engagierte Neuinterpretation früher, unveröffentlichter Songs, die zu seinem künstlerischen Abschied, einem bleibenden Vermächtnis und einer Erinnerung an sein großes, unterschätztes Talent werden. Das Album wurde mit der Liebe und dem Enthusiasmus seiner Band, der Familie und Freunden abgeschlossen. Martin Phillipps, Sänger, Songwriter und Hauptmotivator der Chills hat in den 2000er Studio- und Live-Alben veröffentlicht, während er mit dem typischen Elan in sein sechzigstes Lebensjahr ging. Inmitten dieser Dynamik suchte er immer noch in alten (Demo-)Bändern nach den Ursprüngen, die 1987 zu seinem weltweiten Erfolg geführt hatten, der zwar über Nacht eintrat und doch sieben Jahre brauchte, um zu zünden. Diese frühen Songs und Skizzen wurden wieder aufgegriffen, überarbeitet und schließlich auf Album gebannt. Spring Board" ist somit das letzte Kapitel des unermesslich bedeutsamen Schaffens des Martin 'The Chills' Phillipps, ist alarmierend, persönlich, spröde und manchmal hoffnungslos optimistisch. Hier blickt ein Mann zurück auf eine wellenförmige Karriere, die zu nichts Geringerem als Kultstatus führte. Die Lieder eines Menschen, der seine Wurzeln und die innersten Gedanken, Hoffnungen und Ängste seines jungen Ichs wiederentdeckt und zum erstenmal. Spring Board" enthält Beiträge von Julia Deans von Fur Patrol, Elroy Finn und Split Enz, Neil Finn von Split Enz/Crowded House, Hollie Fullbrook von Tiny Ruins, Greg Haver von den Manics, Troy Kingi, Shona Laing, Tami Neilson, Dianne Swann (Everything That Flies) und Clementine Valentine von Purple Pilgrims. The Chills 2024 sind/waren Martin Phillipps, Oli Wilson, Erica Scally, Callum Hampton und and Todd Knudson. Doppel-LP, UV Spot Klappcover, klassisch schwarzes Vinyl mit dlc oder Digisleeve CD mit Lyric-Poster-Booklet

Nach mehr als 20 Jahren ist das gefeierte vierte Album von NIGHTINGALE, "Alive Again", wieder erhältlich, und zwar remastered (CD/LP) von Songwriter/Frontmann/Produzent Dan Swanö (Opeth, Katatonia, Oceans Of Slumber). Ursprünglich nur auf CD im Jahr 2003 veröffentlicht, beginnt mit "Alive Again" die Entwicklung der härteren Rock-Tendenzen von NIGHTINGALE, die eine Brücke zwischen 70er Jahre Rock, AOR, Prog und Metal schlagen. Das internationale Profil der Gruppe führte auch dazu, dass sie ihren Freund Arjen Lucassen (Ayreon, Star One) als Gastmusiker für "Falling" gewinnen konnten. "Alive Again" enthält die herausragenden Tracks 'Shadowman', 'The Glory Days', 'Shadowland Serenade' und die 11-minütige Saga 'Eternal'. Die defini-tive Re-Issue Edition von "Alive Again" ist jetzt als Ltd. Digipak 2CD (10 + 20 Bonustracks) mit O-Card und zum ersten Mal über-haupt auf Vinyl, als 180g LP (10 Tracks) erhältlich. Restauriert, erneuert und erweitert, werden die Fans von NIGHTINGALEs brillantem "Alive Again" noch einmal schwärmen.

In ihrer bisher zwölfjährigen Band-Historie veröffentlichten Nicolás Jaar und Dave Harrington, zusammen bekannt als DARKSIDE, die beiden Alben ""Psychic" (2013) und ""Spiral" (2021). Mit ihrem langjährigen Freund und Kollaborateur Tlacael Esparza als neues Bandmitglied und Schlagzeuger kommt jetzt ihr drittes Album ""Nothing". Das Ergebnis ist faszinierend und vielschichtig. DARKSIDE schmücken ""Nothing" mit prägnanten Rhythmen, verzerrten Vocals und kreieren eine ganz eigene, wie ungewöhnlichen Ästhetik.

Um die Entwicklung zu verstehen, muss man die Hintergrundgeschichte kennen: Jaar und Harrington lernten sich in den frühen 2010ern während ihrer Schulzeit in Providence kennen. Während der Tour zu Jaars Solo-Debütalbum fand eine spontane Aufnahmesession an einem freien Tag in einem Berliner Hotelzimmer statt. Die Session war wortwörtlich brandheiß, denn sie endete mit durchgeschmorten Lautsprechern. Der Raum füllte sich mit Rauch und der an diesem Tag entstandene Song wurde ihre erste gemeinsame Single ""A1", DARKSIDE war geboren.

Zwischen den ersten beiden Alben legte das Duo eine sechsjährige Pause ein. In dieser Zeit verfolgten Jaar und Harrington jeweils eigene kreative Wege: Jaar etablierte sich als Solokünstler und Produzent, während Harrington als innovativer Gitarrist und Experimentalmusiker die Underground-Szene in L.A. aufmischte und die Rock-Band Taper"s Choice gründete. Die Geschichte setzt sich dann im Herbst 2022 in Los Angeles fort als das Duo eine Reihe von Shows buchte, um sich nach acht Jahren erstmals wieder als Live-Band zu vereinen. Esparza kam als festes Mitglied hinzu und veränderte grundlegend den Klang und die Energie der Band. Die Idee von ""Nothing" entstand während der Suche nach Achtsamkeit und Harringtons stillen Momenten mit seiner neugeborenen Tochter, in denen er Schönheit im Nichtstun fand. Für Jaar wurde ""Nothing" zu einem Symbol für die allgegenwärtigen, wie überwältigenden Probleme, unausgesprochene Gefühle und den Stillstand in globalen Krisen wie Klimawandel, politischer Heuchelei und wiederkehrender Gewalt.

Wir feiern 20 Jahre Eminem’s Encore mit dieser exklusiven 20th Anniversary Edition, die Hits wie „Mockingbird“, „Like Toy Soldiers“ und „Just Lose It“ enthält. Gepresst auf atemberaubendem, blauem Vinyl ist
diese limitierte Ausgabe ein Muss für Fans und Sammler, da sie einer ikonischen Hip-Hop-Ära einen neuen
Anstrich verleiht. Encore gibt es das erste Mal auf farbigem Vinyl.
Ab dem 28. Februar überall erhältlich!

Mit "Rock "n" Roll Saviour" präsentieren The Deadnotes aus Freiburg ihr neues Studioalbum, das in Deutschland erstmals über Grand Hotel van Cleef erscheint. Darius Lohmüller und Jakob Walheim updaten die audiovisuelle Ästhetik von Künstlern wie Huey Lewis, Tom Petty und dem Rock"n"Roll der 80er-Jahre in unsere moderne Zeit. The Deadnotes begegnen auf dem Album der Härte des Alltags mit einer Romantik, die nicht naiv, aber die sich bewusst ist: Manchmal muss es schlimmer werden, bevor es besser wird. Aber besser wird es!

Neue Musik von Anton Newcombe von BRIAN JONESTOWN MASSACRE und DOT ALLISON (u.a. ONE DOVE, Solo, Sonic Cathedrals). Eine Zusammenarbeit zwischen den beiden Soundtüftlern. Während des Lockdowns in Berlin und Schottland aufgenommen, arbeiten Dot Allison und Anton Newcombe als All Seeing Dolls zusammen. Produziert von Anton Newcombe in Berlin, schickten er und Dot sich gegenseitig Gesangs- und Musikideen, um Dots eindringlichen Gesang mit ihren Fähigkeiten als Multiinstrumentalisten zu vereinen. Auf dem Album finden sich Gitarre, Ukulele, Klavier und Autoharp, gespielt von Dot, sowie zusätzliche Beiträge von Hakon Adalsteinsson (Gitarre) und Uri Rennert. Im Interview mit Clash Magazine sagte Dot über den Entstehungsprozess: "Wir haben unseren Weg gefunden... viele der Songs wurden während des Lockdowns geschrieben... wir sprachen über Musik, das Leben, was wir für wichtig halten und teilten Songs, die wir mögen und sprachen über Künstler, die wir mögen... wir beschlossen, Ideen auszutauschen... also schickte ich etwas mit Autoharp und Stimme oder Akustik und Stimme, und er schickte mir tolle Ideen zurück... wir haben uns gegenseitig unterstützt und gestärkt... und ich sagte zu ihm, dass es ein bisschen wie ein kleines Weihnachten ist, die Tracks zu hören, nachdem er sie zurückgeschickt hatte." Auf erstem hören musikalisch näher an DOT ALLISONs letzten Sonic Cathedral-Output, finden sich hier die eher BRIAN JONESTOWN MASSACRE-typischen Ideen in den klanglichen Tiefen wieder.

Neue Musik von Anton Newcombe von BRIAN JONESTOWN MASSACRE und DOT ALLISON (u.a. ONE DOVE, Solo, Sonic Cathedrals). Eine Zusammenarbeit zwischen den beiden Soundtüftlern. Während des Lockdowns in Berlin und Schottland aufgenommen, arbeiten Dot Allison und Anton Newcombe als All Seeing Dolls zusammen. Produziert von Anton Newcombe in Berlin, schickten er und Dot sich gegenseitig Gesangs- und Musikideen, um Dots eindringlichen Gesang mit ihren Fähigkeiten als Multiinstrumentalisten zu vereinen. Auf dem Album finden sich Gitarre, Ukulele, Klavier und Autoharp, gespielt von Dot, sowie zusätzliche Beiträge von Hakon Adalsteinsson (Gitarre) und Uri Rennert. Im Interview mit Clash Magazine sagte Dot über den Entstehungsprozess: "Wir haben unseren Weg gefunden... viele der Songs wurden während des Lockdowns geschrieben... wir sprachen über Musik, das Leben, was wir für wichtig halten und teilten Songs, die wir mögen und sprachen über Künstler, die wir mögen... wir beschlossen, Ideen auszutauschen... also schickte ich etwas mit Autoharp und Stimme oder Akustik und Stimme, und er schickte mir tolle Ideen zurück... wir haben uns gegenseitig unterstützt und gestärkt... und ich sagte zu ihm, dass es ein bisschen wie ein kleines Weihnachten ist, die Tracks zu hören, nachdem er sie zurückgeschickt hatte." Auf erstem hören musikalisch näher an DOT ALLISONs letzten Sonic Cathedral-Output, finden sich hier die eher BRIAN JONESTOWN MASSACRE-typischen Ideen in den klanglichen Tiefen wieder. Exklusiv für den Indie-Handel: Transparentes mit farbigen Splatter Vinyl

Seit sie 2007 mit ihrem Debütalbum A Guide to Love, Loss & Desperation zu den Vorreitern der späten 00er-Jahre in der Indie-Rock-Szene gehörten,
haben The Wombats aus Liverpool - Matthew „Murph“ Murphy, Bassist Tord Øverland Knudsen und Schlagzeuger Dan Haggis - einen unglaublichen
Aufwärtstrend hingelegt und 2,5 Milliarden Streams angehäuft. Mit ihrem elektrolastigen zweiten Album The Modern Glitch aus dem Jahr 2011
landeten sie regelmäßig in den Top Ten; mit ihrem dritten Album Glitterbug aus dem Jahr 2015 wurden sie Jahre später von der TikTok-Generation
umarmt, wobei „Greek Tragedy“ ein mehrfacher viraler Hit wurde. Mit „Beautiful People Will Ruin Your Life“ von 2018 traten sie in Arenen auf der
ganzen Welt auf, und „Fix Yourself, Not the World“ von 2022 war das erste #1-Album der Band in Großbritannien.
Nun beginnt die neue Ära von The Wombats sechstem Album Oh! The Ocean, einem Projekt, das von sozialen Ängsten, innerer Zerrissenheit,
zwanghaftem Verhalten und den Dilemmata und Schwierigkeiten des Lebens in Los Angeles handelt, wo Murph und seine Familie leben. Hinter der
täuschend kuscheligen Fassade der Band hat Murph schon immer offen über seine Ängste, Depressionen und Süchte geschrieben (er ist jetzt
„stocknüchtern“), aber mit dieser Sammlung gibt es ein Gefühl des Fortschritts in Richtung Konfrontation, Akzeptanz und Bewältigung seiner
Probleme. Neben vertrauten Klängen erkunden sie neue Genres, von glitzerndem Tech-Rock über Sci-Fi-Pop, futuristischen Fuzz-Rock bis hin zu
bluesigem Rock'n'Roll, mit einem Hauch von Disco und Hip-Hop-Einflüssen.

Nachdem er Mick Jones und Joe Idles als Support bei der Debüt-LP "Sikh Punk" (2020) holte, übernimmt Symren Gharial AKA Primitive Ignorant (ex-Bassist bei Piano Wire und Eighties Matchbox) beim "Psychic Cinema" den Grossteil der Vocals selbst. Auch verzichtet er auf Gitarren und gibt mit dem Bass das Tempo vor, untermalt von schmutzigen Samples und sparsamer Futurepop-Produktion, während der Sound um Ambient-, Hip-Hop- und kolossale Rockelemente angereichert wird. Zu den Einflüssen zählen Young Fathers, Yves Tumor, Nadine Shah, Ghostpoet, Ghost Town, Weatherall, Ashnikko, Warmduscher und Viagra Boys, und wie immer "Sandinista" und Iggy Pop (der als Inspiration für das Cover-Snap diente). Linker, basszentrierter Alt-Pop.

Bakermats neues Album "Grace Note" ist eine herzerwärmende Hommage an die kraftvolle Verbindung zwischen House-Musik und Gospel. Das Album feiert die Freude und die spirituelle Essenz dieser Genres und lädt die Zuhörer ein, die Magie der Tanzfläche neu zu entdecken, auf der Bakermats Musik seit über einem Jahrzehnt Momente der Freude und Verbundenheit fördert. 15 Tunes inklusive den Singles "Save My Soul feat. AMANZI", "Your Shine with Fly Disco Butter", "Joy feat. Ann Nesby" und "Praise Break".

Apocalypse Orchestra ist eine schwedische Metalband, die mittelalterliche Melodien meisterhaft mit der überwältigenden Kraft des Doom Metal verbindet und so eine epische und atmosphärische Klanglandschaft schafft, die die Zuhörer in eine ferne Vergangenheit versetzt. Traditionelle Folkinstrumente wie Drehleier, Dudelsack und Mandolen verschmelzen mit schweren, verzerrten Gitarren und donnernden Trommeln. Mit ihrem Debüt "The End Is Nigh" (2017) etablierte sich die Band schnell als einzigartige Kraft in der Metalszene. Auf ihrer zweiten LP "A Plague Upon Thee" graben sie neue Geschichten aus der Vergangenheit aus, mit Erzählungen über eingemauerte Eiferer, Religion und Wissenschaft im Mittelalter und die Plünderung der Hölle.

"Girl Missing" ist das zweite Album von Albertine Sarges, der einzigartigen Berliner Künstlerin, die bereits mit Holly Herndon, Colin Self, Kat Frankie und B O D I E S zusammengearbeitet hat und Teil des italienischen Synthwave-Duos Ostia ist, und folgt auf Albertines gefeiertes Debüt von 2021, "The Sticky Fingers". "Girl Missing" lädt die Zuhörer zu einer intimen Erkundung der Schwesternschaft, der Widerstandsfähigkeit und der Überwindung von Trauer ein und geht dabei mit einer großen Portion Positivität und Ermutigung für das hervor, was vor uns liegt. Die Entstehung des Albums fand in einer Zeit persönlichen Verlusts statt. Als eine enge Freundin vermisst wurde, schrieb Albertine unveröffentlichte Skizzen, überarbeitete sie und baute langsam ein musikalisches Mosaik auf, das ihr Verständnis von Abwesenheit zum Ausdruck brachte. "Ich habe eine klingende Biografie der Liebe geschaffen", überlegt sie und verwebt dabei die Themen weiblicher Freundschaft. "Girl Missing" entstand zwischen ihrem Aufnahmestudio in Ostberlin und Margate und ist sowohl nachdenklich als auch verspielt, geprägt von Sarges' flinker Stimmakrobatik. Mit ihrem langjährigen Partner Lo Selbo beschäftigte sich Albertine mit komplizierten Klanglandschaften, arrangierte luftige Flötenstimmen und Chöre, "um Platz für Verletzlichkeit zu schaffen", und nahm dann Vintage-Orgeln und E-Pianos auf, um Wärme und Seelenfülle zu erzeugen, "um den Schmerz zu lindern". Albertines Arbeit wird von einem anhaltenden Gefühl der Sehnsucht angetrieben, einer Kraft, die ihrer Musik poetische Lebendigkeit und eine ansteckende Anziehungskraft verleiht. "Girl Missing" oszilliert zwischen dem Philosophischen und dem zutiefst Emotionalen und vermischt Launen mit Schatten. Das Album endet mit einer verspielten Note ("Wie nennt man einen Fisch ohne i? A fsh."), doch im Kern erzählt es eine lebendige, zutiefst menschliche Geschichte über monumentalen Verlust und die Hoffnung auf Erneuerung. Durch das Nebeneinander scheinbar widersprüchlicher Gefühle entsteht ein Hörerlebnis, das noch lange nachklingt, nachdem die Musik verklungen ist.

im Gatefold mit Prägecover, 8-seitigem Booklet
Kurz vor der Jahrhundertwende legten spontane Jam-Sessions zwischen Freunden den Grundstein für eine außergewöhnliche 25-jährige Karriere. Killswitch Engage aus Western Massachusetts - Adam Dutkiewicz (Gitarre), Joel Stroetzel (Gitarre), Mike D'Antonio (Bass), Justin Foley (Schlagzeug) und Jesse Leach (Gesang) - zeichneten sich durch ihre technische Präzision und zugleich unbändige Energie auf der Bühne aus. Sie vereinten kraftvolle Riffs mit mitreißenden Songs und sprachen Headbanger, Hardcore-Fans und gebrochene Herzen gleichermaßen an. 2002 löste ihr Album Alive Or Just Breathing eine kulturelle Welle aus und wurde zu einem der "Top 100 Greatest Metal Albums of All Time" gekürt. Mit über 3 Milliarden Streams, Gold- und Platin-Auszeichnungen für The End of Heartache und As Daylight Dies sowie drei GRAMMY®-Nominierungen gehören sie zu den bedeutendsten Metal-Bands. 2019 erreichte Atonement neue Höchstwerte mit Lob von Forbes, Revolver und NME, das es als "eines der spannendsten Alben von Killswitch Engage" bezeichnete. Sie füllten Hallen und teilten Bühnen mit Iron Maiden, Slipknot und My Chemical Romance. Mit ihrem neunten Album This Consequence perfektionieren sie ihre Markenzeichen und liefern ein brutales, aber zugleich strahlendes Werk ab.

corrupt blood infusion - crimson red marbled Vinyl

Kurz vor der Jahrhundertwende legten spontane Jam-Sessions zwischen Freunden den Grundstein für eine außergewöhnliche 25-jährige Karriere. Killswitch Engage aus Western Massachusetts - Adam Dutkiewicz (Gitarre), Joel Stroetzel (Gitarre), Mike D'Antonio (Bass), Justin Foley (Schlagzeug) und Jesse Leach (Gesang) - zeichneten sich durch ihre technische Präzision und zugleich unbändige Energie auf der Bühne aus. Sie vereinten kraftvolle Riffs mit mitreißenden Songs und sprachen Headbanger, Hardcore-Fans und gebrochene Herzen gleichermaßen an. 2002 löste ihr Album Alive Or Just Breathing eine kulturelle Welle aus und wurde zu einem der "Top 100 Greatest Metal Albums of All Time" gekürt. Mit über 3 Milliarden Streams, Gold- und Platin-Auszeichnungen für The End of Heartache und As Daylight Dies sowie drei GRAMMY®-Nominierungen gehören sie zu den bedeutendsten Metal-Bands. 2019 erreichte Atonement neue Höchstwerte mit Lob von Forbes, Revolver und NME, das es als "eines der spannendsten Alben von Killswitch Engage" bezeichnete. Sie füllten Hallen und teilten Bühnen mit Iron Maiden, Slipknot und My Chemical Romance. Mit ihrem neunten Album This Consequence perfektionieren sie ihre Markenzeichen und liefern ein brutales, aber zugleich strahlendes Werk ab.

Mit MORPH legt die Ellis Mano Band ein facettenreiches, in sich schlüssiges Opus vor. “MORPH ist für uns mehr als nur ein Album – es ist unser
nächster großer Schritt, unser musikalisches Reifezeugnis,“ so die Band. Mit Tracks wie dem epischen „Countdown To Nothing“ und der rockigen
Hymne „For All I Care“ lädt die multinational besetzte Blues-Rock Institution die Hörer auf eine intensive Reise durch moderne Interpretation des
Classic Rock ein. Dabei treffen energiegeladene Riffs auf überraschende, ruhige Momente – alles verpackt im Artwork der Grafiker Legende Hugh
Syme (Rush, Aerosmith, Bon Jovi…), das den Spirit von MORPH perfekt widerspiegelt. „Wir freuen uns, diese Klangwelten mit unseren Fans zu teilen,
sowohl auf Platte als auch live!“
Mit zahlreichen Top-2-Platzierungen in den Schweizer Albumcharts und hervorragenden Kritikerreaktionen schreitet die Ellis Mano Band weiter voran
und wird auch in Zukunft Musik vom Allerfeinsten liefern - zeitlos und 100% handgemacht!

Der Einstieg in die Musik von Q Lazzarus erfolgte für fast alle über „Goodbye Horses“. Der Song tauchte erstmals 1988 in Jonathan Demmes „Married to the Mob“ auf, aber er sollte sich erst dann vollständig im Bewusstsein der Menschen verankern, als er 1991 in Demmes „The Silence of the Lambs“ wieder auftauchte. „Goodbye Horses“ fühlte sich an wie ein in sich geschlossenes Universum - traumhaft und völlig ungewöhnlich, ein sofortiger Klassiker, der die Zuhörer fesselte und neugierig auf die geheimnisvolle Stimme dahinter machte. Diese Stimme gehörte Diane Luckey, einer einzigartig talentierten Künstlerin, deren Musik ihrer Zeit voraus war und die letztlich zu Lebzeiten weitgehend unerkannt bleiben sollte. In Verbindung mit der Veröffentlichung des Dokumentarfilms „Goodbye Horses: The Many Lives of Q Lazzarus“ von Aridjis Fuentes veröffentlicht Sacred Bones eine Sammlung von Songs, die die gesamte Karriere von Q abdecken und die verschiedenen Epochen ihres Schaffens und die ganze Bandbreite ihrer Persönlichkeit zeigen. „Goodbye Horses“ ist die erste Musiksammlung, die den Segen von Qs verbliebener Familie erhalten hat, und hat die Besonderheit, ihre erste und einzige Albumveröffentlichung in voller Länge zu sein. Aufgenommen zwischen 1985 und 1995, spiegelt diese Fundgrube bisher unveröffentlichter Musik einige der interessantesten Facetten der Popmusik der letzten vier Jahrzehnte auf eine Weise wider, die sowohl versiert als auch wild eklektisch wirkt Das titelgebende „Goodbye Horses“ bleibt ein einzigartiges Stück gespenstischer New-Wave-Perfektion, und man könnte sich ein ganzes Q-Lazzarus-Album vorstellen, das sich um diese Ästhetik dreht, aber ähnlich den Gesangsikonen Alison Moyet, Annie Lennox oder Lisa Gerrard eignet sich Qs chamäleonhafte Stimme perfekt für eine Vielzahl von Stilen und Settings. Ihre Coverversion von Talking aHeads' „Heaven“ verwandelt den Song in eine aus voller Kehle gesungene Power-Ballade mit klimpernden Klavierverzierungen, während ihre Interpretation von Gershwins „Summertime“ wie eine dubbige Club-Reduktion klingt, die zu einem Grace Jones Stück der Nightclubbing-Ära hätte passen können. Tracks wie „My Mistake“ und „Hellfire“ flirten mit House-Musik und zeigen, wie frech und glockig Qs Stimme sein kann, wenn sie sich richtig austobt, während „Don't Let Go“ wie eine bombastische Radiosingle klingt, die Cher vor einigen Jahrzehnten hätte veröffentlichen können. Andere Songs wie „Bang Bang“ und „I See Your Eyes“ sind von einer gitarrenbetonten Alt-Rock-Sensibilität, die in einem Paralleluniversum auch auf MTVs 120 Minutes Show hätte laufen können. „Goodbye Horses“ verkörpert das Potenzial für so viele verschiedene Arten von Karrieren, die, aus welchen Gründen auch immer, nie vollständig verwirklicht wurden. Dass wir jetzt diese Songs in der Welt haben und ein klareres Bild von der Person dahinter, ist nichts weniger als ein Segen.

Auf der Basis von Drone, Doom, Sludge, Noise und Postrock erschafft die Band um Markus E. Lipka (EISENVATER, ROSSBURGER REPORT), Johann Victor Wientjes (MELTING PALMS) und Teresa Matilda Curtens (MELTING PALMS) monolithische und hypnotisierende Tracks, die 2023 komplett in Eigenregie aufgenommen wurden und es tatsächlich schaffen, eigentlich so unversöhnliche Stile wie Sludge Doom und DreamPop zusammenzubringen. Vielleicht liegt es an der familiären Konstellation: Markus und Johann sind Vater und Sohn, Teresa Ehefrau von Johann und damit Schwiegertochter von Markus. Die Beats und Riffs tonnenschwer, der Gesang glockenhell, fragil und eindringlich. KARLA KVLTs Musik ist dicht, immersiv aber auch schön - wie eine Pflanze, die sich selbst durch eine Betondecke kämpft, wie die Gezeiten, die präzise und unaufhaltbar dem immer gleichen Rhythmus folgen und dabei ebenso zerstörerisch sein können, wie sie im nächsten Moment Schönheit offenbaren und den Blick auf Neues freigeben. Während EISENVATER in den Neunziger Jahren ähnlich wie MELVINS, SWANS, LIVE SKULL oder UNSANE und lange vor z.B. BORIS, SUNN0))) oder MONOLORD die Grenzen von Hörgewohnheiten hinterfragten, sind MELTING PALMS die Antithese zur musikalischen Zerrissenheit, thematisch aber artverwandter als es auf den ersten Blick scheinen mag. Beide Entwürfe fügen sich bei KARLA KVLT in brutaler Schönheit zusammen. Exile On Mainstream ist überglücklich mit Thunderhunter das erste Album der neuen Band zu veröffentlichen.

Kyle Falconer, prämierter Songwriter und Kopf der schottischen Indieband The View, bringt auf "The One I Love The Most" neue Acoustic-Versionen von Songs aus dem umfangreichen The View- und Solokatalog aus fast zwei Jahrzehnten (vom No.1 Debütalbum "Hats Off To The Buskers" (2007) bis zum Top-10-Comebackalbum "Exorcism Of Youth" (2023)), die alle nach Frauen benannt sind. Immer schon von der weiblichen Muse inspiriert, erzählt Kyle von guten Zeiten der Liebe und Lust, von schlechten Zeiten der Reue und des Kummers, von überlebensgrossen Charakteren ("Madonna") und fiktiver Verspieltheit. Bei dem ansonsten reduzierten "Lucy" fügt Rapper PROSE aus Manchester seine messerscharfen Reime hinzu.

Mit Rio 1 setzte Rio Reiser ein kraftvolles musikalisches Statement. Das Album vereinte persönliche Geschichten und gesellschaftskritische Themen mit Melodien, die zwischen Eingängigkeit und Tiefgang balancierten. Reisers markante Stimme und seine unverwechselbare Art, Emotionen in Musik zu übersetzen, machten Rio 1 zu einem eindrucksvollen Werk, das seine künstlerische Vision eindrucksvoll unterstrich.

VETO aus Süddeutschland starteten Anfang der Achtziger als Hardrockband mit deutschen Texten. Nach einigen Besetzungswechseln und einer Neuausrichtung in Richtung englischsprachigem Heavy Metal, bekam man einen Plattenvertrag bei der Firma GAMA (Label: Scratch). Mangels Schlagzeuger übernahm diesen Posten einer der beiden Labelbosse persönlich: Peter Garattoni.

Das Debüt “Veto“ erschien 1986 und wurde von den Fans und der Presse wohlwollend aufgenommen. In Folge spielte man unter anderem mit Bands wie Saxon, Vengeance, Lee Aaron, Warlock, Sinner und Grave Digger. Das zweite Album „Carthago“ wurde im Stuttgarter Zuckerfabrik-Studio aufgenommen und gehört heute zu den absoluten Geheimtipps der German Metal Szene. Nicht nur, dass die Band an sich mit überdurchschnittlichen Fähigkeiten ausgestattet war, sie konnten auch mit packenden Songs zwischen Hardrock und Speed Metal überzeugen. Dazu eine knackige und druckvolle Produktion, die so manch Majorlabel damals nicht geboten hat.

Mit dem Titelstück “Carthago“ gelang VETO zudem ein episches Meisterwerk. Die Ankündigung einer wertigen Wiederveröffentlichung von “Carthago“ auf Golden Core hat in der Metalszene bereits Staub aufgewirbelt und in den sozialen Medien für positive Reaktionen gesorgt. Die remasterte CD enthält als Bonus das gesamte Debütalbum “Veto“, sowie das rare und spannende Drumsolo “Thunderstorm“ von Peter Garattoni, welches als Veto-Song auf einer heute raren Metal-Compilation aus den Neunzigern zu finden ist. Die LP, separat für Vinyl gemastert, enthält als Bonus zwei Songs vom Debüt und ebenso “Thunderstorm“. Beide Formate beinhalten Liner Notes und viele rare Abbildungen.

Die Schweizer Rockband The Young Gods kündigt die Wiederveröffentlichung ihres hochgelobten akustischen Studioalbums 'Knock on Wood' auf Vinyl an. Das ursprünglich 2008 erschienene Album stellt eine fesselnde Abkehr vom typischen elektronischen Sound der Band dar. Die Wiederveröffentlichung, remastered von den originalen 96kHz/24-bit Files, wird am 21. Februar 2025 über Two Gentlemen auf Vinyl erhältlich sein.
Mit 'Knock on Wood - The Acoustic Sessions' bietet die Band neben atemberaubenden Neuinterpretationen von Klassikern anderer Künstler auch akustische Wiedergaben einiger ihrer beliebtesten Stücke, darunter 'Gasoline Man' und 'Skinflowers'.
Dieses einzigartige Projekt wurde mit akustischen Gitarren und Percussions aufgenommen, was der Musik eine rohe und intime Energie verleiht.
Dank der neu gemasterten Audioaufnahmen können die Fans diese Auftritte jetzt in unvergleichlicher Klarheit erleben. Die satte Klangqualität, kombiniert mit der eindringlichen Wärme des Vinyls, macht diese Wiederveröffentlichung zu einem Muss für Sammler und Neueinsteiger gleichermaßen.

“SEPARATE THE SKIN FROM BONE / IN DISMAY WE’LL CALL THIS HOME” – Craig Johns Jr, The Dark, “Chemicals”.
Aus der verschmutzten, korrupten und moralisch bankrotten Metropole Los Angeles kommt eine weitere unglaubliche Rockband. Dies ist: The Dark. Craig Johns Jr tat sich mit Alan Ashby zusammen (besser bekannt als der Saitenvirtuose der RIAA-goldzertifi zierten kalifornischen Metal-Band Of Mice & Men), um ein Projekt zu starten, das das moderne Leben in LA wirklich widerspiegelt. Zusammen mit Drummer Derek Vautrinot und Bassist
Nick Goins sind The Dark bereit, ihre Debüt-EP "The Dark" über Arising Empire zu veröffentlichen.

"For in My Way It Lies" ist nach geraumer Wartezeit endlich re-releaset. Das Debut-Album von Jesper Munk kommt punktgenau zur Yesterdaze-Tour die - der Titel verrät ist - die Versöhnung mit der eigenen Geschichte und Jugend feiert. "For In My Way it Lies" brachte in seinem Erscheinungsjahr 2013 den damals 21jährigen Musiker von ganz unten über Nacht nach ganz oben - Für Jesper Munk ist es das Album an dem er für immer gemessen wird; dem man alles verdankt und an dem man sich dann doch abarbeiten musste... Er nannte es einmal "im Auf und Ab des Lebens, das eine Dinge, dass ihn immer begleitetet hat und immer auf seiner Seite war"... Dieses unbedarfte Blues Album, das so jung wirkt, in manchem, und so alt in anderem, war der letzte Release des Künstlers auf einem Indie-Label, bevor Jesper Munk 2025 bei der Major Industrie signte. Seit 2024 ist Jesper Munk auf Glitterhouse Records - wir sind privilegiert, diesen wichtigen Re-Release von "For In My Way It Lies" machen zu dürfen!"

Nicht einmal ein Jahr war Sonny Rollins bei Blue Note unter Vertrag. Doch in dieser kurzen Zeit gelang es
ihm, drei exzellente Studioalben und ein atemberaubendes Live-Album für das Label aufzunehmen. Sein
im Dezember 1956 eingespieltes Blue-Note-Debüt mit dem schlichten Titel ”Volume 1” war ein klassisches
Rollins-Hardbop-Album. Das Repertoire bestand aus vier weniger bekannten Kompositionen des Tenorsaxofonisten, in denen er jedoch mit gewohnt atemberaubenden Soli brillierte. Und wie so oft überraschte
Sonny mit einer eigenwilligen Interpretation einer Broadway-Musical-Nummer

Einige nannten Studio, das Projekt der schwedischen Musiker Dan Lissvik und Rasmus Hägg, "das fehlende Glied zwischen The Cure und Lindstrom", Pitchfork hörte Durutti Column und Can, als das Duo sich als Teil einer sich locker entwickelnden Szene entfaltete - zunächst neben dem Label Service (Jens Lekman, The Whitest Boy Alive) und später Sincerely Yours (The Tough Alliance, jj) - und den Boom der 2010er Jahre an der Schnittstelle von elektronischer und psychedelischer Musik, angeführt von Indie-Größen wie Caribou, Four Tet und Darkside, vorwegnahm. "West Coast, ihr bahnbrechendes Debüt aus dem Jahr 2006, fängt eine ferne Romantik der Balearen ein, die auf Krautrock, Disco, Dub und Afrobeat trifft, mit Pop-Lyrik aus dem New Wave, modernisiert von zwei Göteborger Kunsthochschulabsolventen. Sie zitieren DJ Screw, J Dilla und Joy Division sowie fühe 80s Live-DJ-Sets von Beppe Loda, DJ Mozart und Baldelli. Damals auf Vinyl gepresst in limitierter Auflage über ihr eigenes Information-Label und bis heute auf den meisten Streaming-Diensten nicht zu finden. Im Nachglühen des Albums im Jahr 2007 verschwanden Studio hinter einem Berg von Remix-Anfragen (darunter ein Remix für Kylie Minogue, der veröffentlicht wurde) und der Bürokratie des Labels. Eine erweiterte Version des Albums erschien unter dem Titel "Yearbook 1" auf CD und erreichte Platz 23 der Pitchfork-Jahresliste der Top-Alben des Jahres 2007. "West Coast" landete schließlich auf Platz 57 auf der "Best Albums of the Decade"-Liste von FACT Magazine.

Seit der Veröffentlichung ihres gefeierten Debüts "Versions of Modern Performance" 2022 (u. a. mit Höchstwertung um US-Rolling Stone) hat sich vieles für Nora Cheng, Penelope Lowenstein und Gigi Reece verändert. Im Herbst desselben Jahres zog die junge Band von Chicago in die Ostküstenmetropole, wo Penelope und Nora an der New York University ihr Studium begannen und das erste Mal überhaupt Musik außerhalb des elterlichen Zuhauses schrieben. Der Einfluss der neuen Umgebung macht sich unmittelbar im Sound bemerkbar. Zugleich wendet sich der Blick in Zeiten beispielloser Veränderungen nach innen. Im Januar 2024 kehrten Horsegirl nach Chicago zurück, um die neuen Songs aufzunehmen. Im "The Loft" Studio stellten sich dort ein Fokus und eine Intimität ein, wie sie wohl nur entstehen können, wenn es schlicht zu kalt ist, das Gebäude zu verlassen. Cate Le Bon führte die Band derweil in neue, helle und klare Sound-Gefilde, die Raum und Textur gegenüber den dichten Soundflächen des Debüts in den Vordergrund rücken und das charakteristische Songwriting von Horsegirl betonen. Dazu zählt auch der erstmalige Einsatz von Violinen, Synths und Gamelan. Die Leadsingle "2468" ist ein Beispiel für die offenkundige Experimentierlust auf "Phonetics On and On". Mit seinen Raincoats-artigen Streichern und energischen Drums verdreht einem der Song in seinem fortlaufenden Crescendo immer mehr den Kopf. Das dazugehörige Video stammt von der Schriftstellerin und Regisseurin Eliza Callahan und wurde von Alexa West choreographiert. Es ist schwer vorstellbar, dass Songs wie die auf "Phonetics On and On" augenblicklich von irgendwem anderes stammen könnten als von diesem Trio bester Freundinnen. Nora, Penelope und Gigi schreiben mit ungefilterter Aufrichtigkeit über Szenen ihrer Jugend als Momentaufnahmen des Lebens. Die Liebe zueinander ist dabei in jedem Augenblick spürbar und resoniert durch und durch im Zusammenspiel auf ihrem zweiten Album. Horsegirl gründeten sich 2019 in der umtriebigen DIY-Szene Chicagos. Die damals 17- und 18-jährigen Schülerinnen zählen Yo La Tengo und Pavement zu ihren erklärten Vorbildern. Ihr Debüt, auf dem Steve Shelley und Lee Ranaldo als Gäste zu hören sind, nahm die Band in Steve Albinis Studio mit John Agnello (Sonic Youth, Dinosaur Jr.) auf. Zuletzt tourten Horsegirl u. a. mit The Breeders.

There are very special records that achieve mythical status amongst collectors and vinyl diggers. THE SHARPEES GO ON AND LAUGH is top of that tree.

Welcome to the strange world of Nothern Soul…

The story began some years ago when legendary UK record dealer John Anderson discovered an acetate in Chicago with the record title GO ON AND LAUGH scrawled on it but no artist name.

He sold it to cutting edge Northern Soul DJ John Vincent who credited the track to THE JUST BROTHERS when playing out.

The acetate, by now popular amongst the Rare Soul cognoscenti, was traded back to John Anderson who passed it on to Mark Dobson, aka Butch. His DJ sets around the World made it an in-demand dance floor filler and a subject for many years of much conjecture as to the ID of the mystery artist who had recorded this masterpiece which was not just a one-off uber rarity but also the epitome of Nu-Northern Soul cool.

Fast forward to 2016 when USA record label Secret Stash gained access to 200 plus master tapes recorded in the 1960’s by the Windy City’s ONE-DER-FUL set up.

They were forwarded to UK Soul entrepreneur Mark Bicknell who to his amazement found GO ON AND LAUGH in the haul. And finally the whodunit mystery was over with the artist identified as THE SHARPEES, who far from being obscure unknowns aee fondly well known in Soul circles for their much loved DO THE 45 and TIRED OF BEING LONELY singles. Secret Stash promptly issued GO ON AND LAUGH in America but demand far outstripped simply and it quickly sold out with copies now fetching northwards of £150.

ANORAX - living up to its #eatsleepcollect mantra - have snapped up the rights and are delighted to issue it as a 500 run limited edition 7”.

GO ON AND LAUGH is coupled with the timeless classic TIRED OF BEING LONELY. It follows the release by ANORAX of gems from DRIZABONE, JAY. J Feat. BIG BROOKLYN RED and DON CARLOS

Max Richter, der gefeierte Komponist, der dafür bekannt ist, traditionelle Orchestrierung nahtlos mit modernen elektronischen Elementen zu verbinden, bereitet sich darauf vor, sein mit Spannung erwartetes Album
zu veröffentlichen. Dieses Album markiert eine bedeutende Entwicklung in Richters musikalischem Werdegang, da er sich intensiver mit Themen wie Optimismus und der Polarität des Lebens und menschlicher
Emotionen auseinandersetzt, begleitet von einer tieferen Erkundung elektronischer Klänge und Feldaufnahmen.
Mit seiner jahrzehntelangen Karriere und prägenden Projekten wie SLEEP oder Vivaldi Recomposed kann
Max Richters Einfluss auf Musik und Kultur gar nicht hoch genug eingeschätzt werden. Seine unvergleichliche Fähigkeit, tiefgreifende menschliche Erfahrungen in musikalische Kompositionen zu übersetzen, hat
ihm weltweit eine treue Anhängerschaft eingebracht.
Seither begeisterte Max Richter weltweit ein Millionenpublikum und berührte damit nicht nur bewährte
Kenner, sondern auch völlig neue Generationen von Hörern, sei es in Filmen wie Ad Astra, oder Serien, wie
zuletzt in den Netflix-Erfolgsformaten Bridgerton oder The Crown.

"Wien - die Stadt mit dem wahrscheinlich schönsten Namen. Allein der Klang ist schon Musik." (Andreas Dorau) Grund genug, der österreichischen Hauptstadt ein ganzes Album zu widmen. Die Idee dafür entstand, als Dorau gemeinsam mit zwei Freunden an einem Stadtplan Lübecks arbeitete und dessen brachliegende Geschichten abseits der üblichen Attraktionen erforschte. In Dorau entflammte die Faszination für das Porträtieren einer Stadt aus der Sicht des unvoreingenommenen Touristen, des Besuchers und Außenstehenden. Musikalisch spannt das Album einen weiten Bogen und bietet sowohl wunderschöne Pop-Momente ("Der Regen in Wien"), knarzigen Kawaii-Minimalismus zusammen mit der Kölnerin Stefanie Schrank ("Lass uns spazieren gehen") aber auch Stücke, die sich in ihrem Charakter jeder Einordnung entziehen ("Alles ist gleich"). "Wien" ist somit nicht das erwartbare Album, das der Titel zunächst vermuten lässt. Vielmehr bietet die Platte Einblicke in Andreas Doraus" persönlichen Zugang zur Stadt, die zuweilen auch ein schwierig-schmieriges Verhältnis offenbaren. Und während Popmusik aus und über Österreich im Grunde schon bei Mozart und Schönberg begann, ist Pop aus Deutschland über Österreich vermutlich eher eine Neuerung. Wenn es dann auch noch ein norddeutscher Musiker ist, der ein monothematisches Album über die österreichische Hauptstadt macht, drängt sich fast zwangsläufig die Frage auf: Ist das schon Austro-Pop?

"Wien - die Stadt mit dem wahrscheinlich schönsten Namen. Allein der Klang ist schon Musik." (Andreas Dorau) Grund genug, der österreichischen Hauptstadt ein ganzes Album zu widmen. Die Idee dafür entstand, als Dorau gemeinsam mit zwei Freunden an einem Stadtplan Lübecks arbeitete und dessen brachliegende Geschichten abseits der üblichen Attraktionen erforschte. In Dorau entflammte die Faszination für das Porträtieren einer Stadt aus der Sicht des unvoreingenommenen Touristen, des Besuchers und Außenstehenden. Musikalisch spannt das Album einen weiten Bogen und bietet sowohl wunderschöne Pop-Momente ("Der Regen in Wien"), knarzigen Kawaii-Minimalismus zusammen mit der Kölnerin Stefanie Schrank ("Lass uns spazieren gehen") aber auch Stücke, die sich in ihrem Charakter jeder Einordnung entziehen ("Alles ist gleich"). "Wien" ist somit nicht das erwartbare Album, das der Titel zunächst vermuten lässt. Vielmehr bietet die Platte Einblicke in Andreas Doraus" persönlichen Zugang zur Stadt, die zuweilen auch ein schwierig-schmieriges Verhältnis offenbaren. Und während Popmusik aus und über Österreich im Grunde schon bei Mozart und Schönberg begann, ist Pop aus Deutschland über Österreich vermutlich eher eine Neuerung. Wenn es dann auch noch ein norddeutscher Musiker ist, der ein monothematisches Album über die österreichische Hauptstadt macht, drängt sich fast zwangsläufig die Frage auf: Ist das schon Austro-Pop?

Deluxe-Reissue des zweiten Albums "Bats" (2017) der australischen Indie-Pop-Band Cub Sport, das einen Wechsel von der normativen, die Radiowellen beherrschende Indie-Musik hin zum verletzlichen, Pop-gefilterten Sound einleitete, der bis heute vorherrscht. Die Baby Blue Vinyl-LP ist ergänzt um eine Black Purple Vinyl-7" mit 3 zusätzlichen, unveröffentlichen Bonussongs und erscheint samt Print-Einleger im Gatefold. Cub Sport haben die Fähigkeit, Gefühle von Verliebtsein über Herzschmerz bis zum Nachdenken über Leben und Entscheidungen auf eine Platte zu bringen, die voller eingängiger Hooks und emotionaler Grooves steckt, die im Kopf haften bleiben und die Füsse bewegen.

Das aufstrebende "Death Pop"-Trio Corlyx wird sein bisher ambitioniertestes Projekt veröffentlichen: Purple Pain. Das Doppelalbum, das am 14. Februar 2025 via Out Of Line Music erscheint, ist eine tiefgreifende, 19 Tracks umfassende Erkundung von allem, was die Band an der dunklen Seite der Musik liebt. Mit Einflüssen, die von 80er Jahre Synthpop und Post-Punk bis hin zu Darkwave und Alt-Rock reichen, ist Purple Pain ein spannendes Mosaik des Goth Genres. Ursprünglich aus Los Angeles stammend, leben Corlyx heute zwischen Großbritannien und Italien und bestehen aus der Singer-Songwriterin Caitlin Stokes, dem Gitarristen/Produzenten Brandon Ashley und dem Bassisten Davide Rocco. Über Touren in Europa, Großbritannien und den USA mit Blutengel, Twin Tribes, Double Echo und Unzucht sowie die Zusammenarbeit mit Künstlern wie Lord Of The Lost, Massive Ego und Ashbury Heights haben sich Corlyx schnell eine solide Fan Base erspielt. Mit ihrem 3. Studioalbum "Purple Pain" werden Corlyx die Welt der dunklen Musik im Sturm erobern und die Band in ihrer kreativsten und gewagtesten Form präsentieren. “Purple Pain - ja, eine Anspielung auf Prince - ist der Höhepunkt jahrelanger Experimente mit den Gothic-Genres, die wir so lieben", sagt Sängerin Caitlin Stokes. "Es ist emotional, sinnlich und kreativ, aber auch ein bisschen gruselig, kitschig und lustig. Goth kann all diese Dinge auf einmal beinhalten." Das Album enthält sowohl sehr persönliche Stücke wie Death Is The Beginning - eine ergreifende Reflexion über Caitlins Verlust ihrer Mutter - als auch ansteckende Dancefloor-Hymnen und entfaltet sich wie ein Film, der den Hörer durch seine dramatischen Höhen und melancholischen Tiefen trägt. Für Gitarrist Brandon Ashley war der kreative Prozess für Purple Pain ebenso natürlich wie aufregend. "Als wir mit dem Schreiben anfingen, sprudelten die Songs einfach aus uns heraus, wir konnten nicht aufhören. Caitlin schlug vor, noch weiter zu gehen und ein Doppelalbum zu kreieren. Diesmal haben wir mehr von meinen 70er-Jahre-Rock-Einflüssen aufgenommen und unserem typischen Sound eine gewisse Blues-Note hinzugefügt." Die auf 12 Tracks limitierte Vinyl-Edition komprimiert das Album zu einem einzigartigen Meisterwerk aus Goth-Hits, während die Doppel-CD den vollständigen Umfang des Albums offenbart. Merkt Euch also den 14. Februar vor und macht Euch bereit für Purple Pain - eine genreübergreifende, dunkle und gleichzeitig unterhaltsame Reise von Corlyx; einer Band, die neu definiert, was es bedeutet, Goth zu sein.

Dies ist die LP-Version der sehr erfolgreichen CD-Einspielung des Arrangements für vier Klaviere von Mike Oldfi elds Kultstück "Tubular Bells".
"Tubular Bells", veröffentlicht 1973, ist das bahnbrechende Debütalbum des britischen Multiinstrumentalisten Mike Oldfi eld. Die Mischung aus progressivem Rock, Klassik und Volksmusik machte das Album für seine experimentelle Struktur berühmt, die zwei Teile erstrecken sich über insgesamt fast eine Stunde. Die Musik ist vollständig instrumental. Was "Tubular Bells" so einzigartig macht, ist die vielschichtige Komposition, bei der Oldfi eld alle Instrumente – insgesamt über 20 – selbst spielt, darunter Gitarren, Keyboards, Schlagzeug und natürlich die Röhrenglocken, die
"Tubular Bells". Das eröffnende Klaviermotiv, das im Film "Der Exorzist" von 1973 eine wichtige Rolle spielte, wurde zur Ikone und trug zum kommerziellen Erfolg des Albums bei

Ein verspieltes Album mit klangschönen Träumereien, komponiert für Mandoline und Akkordeon, poetisch und unbändig zugleich. Es ist das erste Mal, dass der stets kreative Komponist speziell für die Mandoline geschrieben hat. Auf dem Album ist auch Vincent Beer-Demander zu hören, dessen Mandoline zu einem Orchester multipliziert wird, um eine einzigartige Klangpalette zu schaffen, die sorgfältig mit dem Akkordeon von Grégory Daltin kombiniert wird.

Mike Patton, der mit Vannier an dem 2019 erschienenen Album 'Corpse Flower' gearbeitet hat, sagt über die Veröffentlichung seines neuen Albums auf Ipecac: „Jean Claude ist ein guter Freund, Mentor und ein wunderbar talentierter und exzellenter Komponist. Eine Legende. Es ist eine große Ehre, mit ihm gearbeitet zu haben. Seine Texte und Arrangements haben eine Vielzahl von Künstlern beeinflusst, und ich kann mich zu den Glücklichen zählen, die seinen Weg gekreuzt haben. Er hat schon bahnbrechende Sachen geschrieben, bevor ich überhaupt geboren wurde. Er hat mich tief beeinflusst und ich bin ihm für immer dankbar und voller Ehrfurcht“.

Jean Claude Vannier, der von der Presse als „the rare bird“ bezeichnet wird, hat in den letzten 60 Jahren unter anderem mit Serge Gainsbourg und Jane Birkin sowie mit Künstlern wie Beck und Sean Lennon zusammengearbeitet. Er hat an unzähligen Soundtracks mitgewirkt, sechs Soloalben veröffentlicht und ist eine Ikone der französischen Popkultur, die für den Eurovision Song Contest komponiert, Videos gedreht, Gemälde ausgestellt, Radiosendungen moderiert und Kurzgeschichten veröffentlicht hat.

Seit der Veröffentlichung ihres gefeierten Debüts "Versions of Modern Performance" 2022 (u. a. mit Höchstwertung um US-Rolling Stone) hat sich vieles für Nora Cheng, Penelope Lowenstein und Gigi Reece verändert. Im Herbst desselben Jahres zog die junge Band von Chicago in die Ostküstenmetropole, wo Penelope und Nora an der New York University ihr Studium begannen und das erste Mal überhaupt Musik außerhalb des elterlichen Zuhauses schrieben. Der Einfluss der neuen Umgebung macht sich unmittelbar im Sound bemerkbar. Zugleich wendet sich der Blick in Zeiten beispielloser Veränderungen nach innen. Im Januar 2024 kehrten Horsegirl nach Chicago zurück, um die neuen Songs aufzunehmen. Im "The Loft" Studio stellten sich dort ein Fokus und eine Intimität ein, wie sie wohl nur entstehen können, wenn es schlicht zu kalt ist, das Gebäude zu verlassen. Cate Le Bon führte die Band derweil in neue, helle und klare Sound-Gefilde, die Raum und Textur gegenüber den dichten Soundflächen des Debüts in den Vordergrund rücken und das charakteristische Songwriting von Horsegirl betonen. Dazu zählt auch der erstmalige Einsatz von Violinen, Synths und Gamelan. Die Leadsingle "2468" ist ein Beispiel für die offenkundige Experimentierlust auf "Phonetics On and On". Mit seinen Raincoats-artigen Streichern und energischen Drums verdreht einem der Song in seinem fortlaufenden Crescendo immer mehr den Kopf. Das dazugehörige Video stammt von der Schriftstellerin und Regisseurin Eliza Callahan und wurde von Alexa West choreographiert. Es ist schwer vorstellbar, dass Songs wie die auf "Phonetics On and On" augenblicklich von irgendwem anderes stammen könnten als von diesem Trio bester Freundinnen. Nora, Penelope und Gigi schreiben mit ungefilterter Aufrichtigkeit über Szenen ihrer Jugend als Momentaufnahmen des Lebens. Die Liebe zueinander ist dabei in jedem Augenblick spürbar und resoniert durch und durch im Zusammenspiel auf ihrem zweiten Album. Horsegirl gründeten sich 2019 in der umtriebigen DIY-Szene Chicagos. Die damals 17- und 18-jährigen Schülerinnen zählen Yo La Tengo und Pavement zu ihren erklärten Vorbildern. Ihr Debüt, auf dem Steve Shelley und Lee Ranaldo als Gäste zu hören sind, nahm die Band in Steve Albinis Studio mit John Agnello (Sonic Youth, Dinosaur Jr.) auf. Zuletzt tourten Horsegirl u. a. mit The Breeders.

Wer Lacuna Coil kennt, weiss, dass jedes Album ihrer beeindruckenden Karriere mehr als nur einen typischen Bandsound liefer-te: Jedes Album ist ein reichhaltig strukturierter Soundtrack zur jeweiligen Epoche und zu einem bestimmten Ort. Bei "Sleepless Empire" ist dieser Ort düster, cineastisch und verströmt unverkennbar die Stimmung, die Lacuna Coil zu einem so gefeierten Eintrag in die Chronik der harten Musik gemacht haben. Ohne ihre spezielle Art von Gesang, Gitarrensound oder Schlagzeugarbeit wäre "Sleepless Empire" - der orchestrale Teil - ein cineastischer Soundtrack. Von den kolossalen Refrains des Album-Openers "The Siege" über das verrucht eingängige "I Wish You Were Dead" bis hin zum unbändig klassischen Feeling des Titeltracks von "Sleepless Empire" - die Souveränität von Lacu-na Coils neuestem Werk ist unüberhörbar, und doch hat es auch einige Überraschungen zu bieten. Sie erscheinen in Form zweier ganz besonderer Gastauftritte von niemand Geringerem als der New Years Day-Banshee Ash Costello auf ihrem Epos "In The Mean Time" und einem ohrenbetäubend überdrehten Beitrag von Lamb of God-Sänger Randy Blythe auf "Hosting the Sha-dow". Und wenn "Sleepless Empire" etwas Besonderes ist, dann ist es mehr als nur diese gesangliche Kreuzbefruchtung. Wie Sänger Andrea Ferro erklärt, liegt der Schlüssel zu Lacuna Coils ewig jugendlicher Ausstrahlung in ihrer Neugier und ihrer Fähigkeit, kreativ auf neue Inspirationen zu reagieren, ohne dabei die langjährigen Qualitäten aus den Augen zu verlieren, welche die Band zu dem machen, was sie ist - und er zählt Sleep Token, Spiritbox, Bad Omens und Bring Me The Horizon als Beispiele für andere Bands auf, die dasselbe tun, um die Szene und ihren eigenen Sound lebendig zu halten. Dieser unabhängige Geist ist der Schlüssel, um Lacuna Coils künstlerisches Vorrecht gegen das Gewicht der Erwartungen abzuwägen, und Ferro beschreibt mit Nachdruck, wie diese seltsamen Zeiten eine Fülle an Material hervorgebracht haben, die die gewichtigen Texte und die Stimmung von "Sleepless Empire" beeinflusst haben. Der Sound von Lacuna Coil ist düster, er spiegelt die Gesellschaft wider, in der wir leben - er ist ein Porträt unserer Zeit. Er zeugt von der Veränderung unserer Gesellschaft, dem "Sleepless Empire", in dem jeder immer am Handy ist, immer scrollt, immer et-was tut - von morgens bis abends, es hört einfach nie auf. Eine Philosophie, die sich in jedem Aspekt von "Sleepless Empire" widerspiegelt.

Wer Lacuna Coil kennt, weiss, dass jedes Album ihrer beeindruckenden Karriere mehr als nur einen typischen Bandsound liefer-te: Jedes Album ist ein reichhaltig strukturierter Soundtrack zur jeweiligen Epoche und zu einem bestimmten Ort. Bei "Sleepless Empire" ist dieser Ort düster, cineastisch und verströmt unverkennbar die Stimmung, die Lacuna Coil zu einem so gefeierten Eintrag in die Chronik der harten Musik gemacht haben. Ohne ihre spezielle Art von Gesang, Gitarrensound oder Schlagzeugarbeit wäre "Sleepless Empire" - der orchestrale Teil - ein cineastischer Soundtrack. Von den kolossalen Refrains des Album-Openers "The Siege" über das verrucht eingängige "I Wish You Were Dead" bis hin zum unbändig klassischen Feeling des Titeltracks von "Sleepless Empire" - die Souveränität von Lacu-na Coils neuestem Werk ist unüberhörbar, und doch hat es auch einige Überraschungen zu bieten. Sie erscheinen in Form zweier ganz besonderer Gastauftritte von niemand Geringerem als der New Years Day-Banshee Ash Costello auf ihrem Epos "In The Mean Time" und einem ohrenbetäubend überdrehten Beitrag von Lamb of God-Sänger Randy Blythe auf "Hosting the Sha-dow". Und wenn "Sleepless Empire" etwas Besonderes ist, dann ist es mehr als nur diese gesangliche Kreuzbefruchtung. Wie Sänger Andrea Ferro erklärt, liegt der Schlüssel zu Lacuna Coils ewig jugendlicher Ausstrahlung in ihrer Neugier und ihrer Fähigkeit, kreativ auf neue Inspirationen zu reagieren, ohne dabei die langjährigen Qualitäten aus den Augen zu verlieren, welche die Band zu dem machen, was sie ist - und er zählt Sleep Token, Spiritbox, Bad Omens und Bring Me The Horizon als Beispiele für andere Bands auf, die dasselbe tun, um die Szene und ihren eigenen Sound lebendig zu halten. Dieser unabhängige Geist ist der Schlüssel, um Lacuna Coils künstlerisches Vorrecht gegen das Gewicht der Erwartungen abzuwägen, und Ferro beschreibt mit Nachdruck, wie diese seltsamen Zeiten eine Fülle an Material hervorgebracht haben, die die gewichtigen Texte und die Stimmung von "Sleepless Empire" beeinflusst haben. Der Sound von Lacuna Coil ist düster, er spiegelt die Gesellschaft wider, in der wir leben - er ist ein Porträt unserer Zeit. Er zeugt von der Veränderung unserer Gesellschaft, dem "Sleepless Empire", in dem jeder immer am Handy ist, immer scrollt, immer et-was tut - von morgens bis abends, es hört einfach nie auf. Eine Philosophie, die sich in jedem Aspekt von "Sleepless Empire" widerspiegelt. Sleepless Empire ist erhältlich als Ltd. Deluxe CD Box mit Symbolwürfel-Orakel, als Ltd. CD Digipak, als schwarze LP + LP-Booklet, als limitierte farbige LP + LP-Booklet sowie als digitales Album.

Ein prächtiges Doppelalbum (2x LP) im Gatefold welches die besten Beispiele eines bis vor kurzem sehr unterschätzten Genres enthält.
Jetzt ist es natürlich der angesagteste Sound überhaupt.
Aus dem umfangreichen Nippon Columbia-Katalog hat Cunimondo Takiguchi die heißesten Stücke der innovativsten Schöpfer des City Pop-Genres zusammengestellt.
Wenn man dann noch die berühmte hohe Produktionsqualität und Qualitätskontrolle von Gearbox hinzunimmt, hat man einen frühen Anwärter auf die Compilation des Jahres!

Einige werden diesen Moment kennen: Plötzlich ist alles klar. Als sich Lulu (Electric Moon) und Oli (ex-Urlaub in Polen) bei einem Konzert im legendären Vortex Surfer Musikclub in Siegen über den Weg laufen, wissen beide noch am selben Abend: Wir sind eine Band. Sie erzählen es Falko, der gerade mit seiner instrumentalen Post-Metal-Band Sarkh den Club verwüstet hat. Wenige Monate später entstehen bei den ersten Proben die ersten Songs - von Oli geschriebene Gedichtfragmente und Wortspiele, Melodielinien und Ideen, die von der Band aufgegriffen und an den jeweiligen Instrumenten verfeinert wurden. Das Debüt WHITE CLOUDS entstand in weniger als einem Jahr - aufgenommen, gemischt und gemastert in Falkos Underground-Tonstudio Institut Für Angewandten Krach. Während dieser Zeit besucht die Band eines der letzten Konzerte der wunderbaren Noise-Post-Math-Rock-Band Shellac in Amsterdam. Alle drei sind gleichermaßen tief beeindruckt und bewegt von dieser Show und lassen den Geist von Steve Albini in ihr Debüt einfließen, dass sie ihm schließlich widmen. Hinzu kommt ihr ganz eigener Drift - Schmerz und Hoffnung, der unbedingte Wille zum Rock'n'Roll, Tiefgang und Steilflug, hochdynamische, verspielte, hypnotisch treibende Passagen und immer wiederkehrende Melodien mit Nachhall sowie die Verbindung zwischen den drei Musikern versprechen ein Debüt und Live-Konzerte mit Yeah-Faktor.

Shirley Holmes sind entweder die ernsteste lustige Band oder die lustigste ernste Band. "Wehrhafte Ironie" beschreibt dabei wohl am besten den Umgang des Trios mit dem immer lauter werdenden Hintergrundrauschen des aktuellen Weltgeschehens. Bereits der Titel des neuen Albums "Mein bestes Selbst" ist, wenig überraschend, "zu 87 Prozent ironisch" gemeint. Den Songs selbst wohnt gleichzeitig aber auch irgendwie das ganz unironische Versprechen inne, dass man als Mensch quasi schon ab Werk genau richtig ist und diese Richtigkeit höchstens noch in die entsprechenden Kanäle lenken muss.

Shirley Holmes sind entweder die ernsteste lustige Band oder die lustigste ernste Band. "Wehrhafte Ironie" beschreibt dabei wohl am besten den Umgang des Trios mit dem immer lauter werdenden Hintergrundrauschen des aktuellen Weltgeschehens. Bereits der Titel des neuen Albums "Mein bestes Selbst" ist, wenig überraschend, "zu 87 Prozent ironisch" gemeint. Den Songs selbst wohnt gleichzeitig aber auch irgendwie das ganz unironische Versprechen inne, dass man als Mensch quasi schon ab Werk genau richtig ist und diese Richtigkeit höchstens noch in die entsprechenden Kanäle lenken muss.

Das neue Album von Rizzle Kicks,Competition Is For Losers, enthält eine dynamische Sammlung von 14
Titeln, darunter die Singles „Javelin“, „Gumdrops“ und „New Sport“, die den neu verfeinerten Sound des
Duos präsentieren. Auf dem ersten Album seit über einem Jahrzehnt vertiefen sie sich in Themen wie
Entwicklung, Wachstum und Reife.

GRAMMY-Gewinnerin Alessia Cara bringt ihr mit Spannung erwartetes Album “Love & Hyperbole” am
14.02 heraus! In ihrem vierten Studioalbum beweist die Ausnahmekünstlerin mit Hits wie “Dead Man”
oder “(Isn´t It) Obvious” erneut ihr Songwriting Talent. “Love & Hyperbole” markiert nach ihrem letzten
Album “In the Meantime” (2022) ein neues Kapitel in ihrer musikalischen Karriere.
Bereits 2015 gelang der charismatischen Sängerin aus Kanada mit der Anti-Party-Hymne “Here” der Durchbruch, die weltweit die Charts stürmte. Seither begeistert die 28-Jährige Pop & RnB Künstlerin mit Hits wie
“Scars To Your Beautiful” die Musikwelt. Alessia Cara hebt sich in der Popwelt durch ihre reflektierenden
Songtexte über Selbstliebe und ihre bodenständige Persönlichkeit als authentische Künstlerin hervor.

Die Doves melden sich nach über 4 Jahren zurück mit ihrem neuen Album „Constellations For The Lonely“,
ein neues, intensives, filmisches und doch klassisches Doves-Album. Es enthält zehn neue Tracks des
mehrfach für den Mercury-Award nominierten Trios aus Manchester, die mit ihrer akribischen Stimmungsmanipulation in die Zukunft blicken.

Skrjabins »Poème de l’extase« steht heute stellvertretend für alles, was er als Komponist hervorgebracht
hat. Die Überdimensionierung seiner Kompositionen überfällt den Hörer geradezu. Der Schriftsteller Boris
Pasternak bekennt: „Ich konnte diese Musik nicht ohne Tränen hören“.
Sehr viel irdischere Freuden und Schmerzen beschreibt Tschaikowsky in seiner Fantasie-Ouvertüre »Romeo
und Julia«. Balakirew hatte den Komponisten auf Shakespeares Tragödie aufmerksam gemacht. Aus
Dankbarkeit widmete ihm Tschaikowsky die Partitur.
Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre
in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen Vier- und
Achtspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich
weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie
nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons.

Das selbstbetitelte Debütalbum von Creedence Clearwater Revival aus dem Jahr 1968 machte die Welt mit
den gitarrenspielenden Brüdern John und Tom Fogerty, dem Schlagzeuger Doug Clifford und dem Bassisten Stu Cook bekannt, vier jungen Männern aus El Cerrito in der San Francisco Bay Area. Obwohl sie
an einem Ort und in einer Zeit auftauchten, in der trippige psychedelische Visionen an der Tagesordnung
waren, widersetzten sich CCR den Trends und stießen stattdessen auf eine reiche, traditionelle Nahtstelle
der amerikanischen Musik, die mit Blues, Country, Rockabilly, Gospel, Folk und R&B verbunden war.
Während ihrer kurzen Zeit als Band erlebten Creedence eine beispiellose Kreativitätsphase, zwei ihrer sieben
Studioalben landeten auf Platz 1, sie spielten über 150 Tourneen in der ganzen Welt, einschließlich eines
Auftritts als Headliner in Woodstock, und erzielten 14 Top Ten-Singles. Jetzt erscheinen alle grandiosen,
sieben Studioalben auf farbenfroher Colour Vinyl.

Das selbstbetitelte Debütalbum von Creedence Clearwater Revival aus dem Jahr 1968 machte die Welt mit
den gitarrenspielenden Brüdern John und Tom Fogerty, dem Schlagzeuger Doug Clifford und dem Bassisten Stu Cook bekannt, vier jungen Männern aus El Cerrito in der San Francisco Bay Area. Obwohl sie
an einem Ort und in einer Zeit auftauchten, in der trippige psychedelische Visionen an der Tagesordnung
waren, widersetzten sich CCR den Trends und stießen stattdessen auf eine reiche, traditionelle Nahtstelle
der amerikanischen Musik, die mit Blues, Country, Rockabilly, Gospel, Folk und R&B verbunden war.
Während ihrer kurzen Zeit als Band erlebten Creedence eine beispiellose Kreativitätsphase, zwei ihrer sieben
Studioalben landeten auf Platz 1, sie spielten über 150 Tourneen in der ganzen Welt, einschließlich eines
Auftritts als Headliner in Woodstock, und erzielten 14 Top Ten-Singles. Jetzt erscheinen alle grandiosen,
sieben Studioalben auf farbenfroher Colour Vinyl.

Das selbstbetitelte Debütalbum von Creedence Clearwater Revival aus dem Jahr 1968 machte die Welt mit
den gitarrenspielenden Brüdern John und Tom Fogerty, dem Schlagzeuger Doug Clifford und dem Bassisten Stu Cook bekannt, vier jungen Männern aus El Cerrito in der San Francisco Bay Area. Obwohl sie
an einem Ort und in einer Zeit auftauchten, in der trippige psychedelische Visionen an der Tagesordnung
waren, widersetzten sich CCR den Trends und stießen stattdessen auf eine reiche, traditionelle Nahtstelle
der amerikanischen Musik, die mit Blues, Country, Rockabilly, Gospel, Folk und R&B verbunden war.
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den gitarrenspielenden Brüdern John und Tom Fogerty, dem Schlagzeuger Doug Clifford und dem Bassisten Stu Cook bekannt, vier jungen Männern aus El Cerrito in der San Francisco Bay Area. Obwohl sie
an einem Ort und in einer Zeit auftauchten, in der trippige psychedelische Visionen an der Tagesordnung
waren, widersetzten sich CCR den Trends und stießen stattdessen auf eine reiche, traditionelle Nahtstelle
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den gitarrenspielenden Brüdern John und Tom Fogerty, dem Schlagzeuger Doug Clifford und dem Bassisten Stu Cook bekannt, vier jungen Männern aus El Cerrito in der San Francisco Bay Area. Obwohl sie
an einem Ort und in einer Zeit auftauchten, in der trippige psychedelische Visionen an der Tagesordnung
waren, widersetzten sich CCR den Trends und stießen stattdessen auf eine reiche, traditionelle Nahtstelle
der amerikanischen Musik, die mit Blues, Country, Rockabilly, Gospel, Folk und R&B verbunden war.
Während ihrer kurzen Zeit als Band erlebten Creedence eine beispiellose Kreativitätsphase, zwei ihrer sieben
Studioalben landeten auf Platz 1, sie spielten über 150 Tourneen in der ganzen Welt, einschließlich eines
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sieben Studioalben auf farbenfroher Colour Vinyl.

Das selbstbetitelte Debütalbum von Creedence Clearwater Revival aus dem Jahr 1968 machte die Welt mit
den gitarrenspielenden Brüdern John und Tom Fogerty, dem Schlagzeuger Doug Clifford und dem Bassisten Stu Cook bekannt, vier jungen Männern aus El Cerrito in der San Francisco Bay Area. Obwohl sie
an einem Ort und in einer Zeit auftauchten, in der trippige psychedelische Visionen an der Tagesordnung
waren, widersetzten sich CCR den Trends und stießen stattdessen auf eine reiche, traditionelle Nahtstelle
der amerikanischen Musik, die mit Blues, Country, Rockabilly, Gospel, Folk und R&B verbunden war.
Während ihrer kurzen Zeit als Band erlebten Creedence eine beispiellose Kreativitätsphase, zwei ihrer sieben
Studioalben landeten auf Platz 1, sie spielten über 150 Tourneen in der ganzen Welt, einschließlich eines
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sieben Studioalben auf farbenfroher Colour Vinyl.

Das selbstbetitelte Debütalbum von Creedence Clearwater Revival aus dem Jahr 1968 machte die Welt mit
den gitarrenspielenden Brüdern John und Tom Fogerty, dem Schlagzeuger Doug Clifford und dem Bassisten Stu Cook bekannt, vier jungen Männern aus El Cerrito in der San Francisco Bay Area. Obwohl sie
an einem Ort und in einer Zeit auftauchten, in der trippige psychedelische Visionen an der Tagesordnung
waren, widersetzten sich CCR den Trends und stießen stattdessen auf eine reiche, traditionelle Nahtstelle
der amerikanischen Musik, die mit Blues, Country, Rockabilly, Gospel, Folk und R&B verbunden war.
Während ihrer kurzen Zeit als Band erlebten Creedence eine beispiellose Kreativitätsphase, zwei ihrer sieben
Studioalben landeten auf Platz 1, sie spielten über 150 Tourneen in der ganzen Welt, einschließlich eines
Auftritts als Headliner in Woodstock, und erzielten 14 Top Ten-Singles. Jetzt erscheinen alle grandiosen,
sieben Studioalben auf farbenfroher Colour Vinyl.

I’m Not In Love“ ist der unverkennbare Song von 10cc. Innovativ, unverwechselbar und der Katalysator, der
die Band zu internationalen Superstar machte. Der Song stand 1975 zwei Wochen lang an der Spitze der
britischen Single-Charts und erwies sich als der Durchbruch von 10cc außerhalb des Vereinigten Königreichs.
Er erreichte die Spitze der Charts in Kanada und Irland sowie die Top 10 der Charts in mehreren anderen
Ländern, darunter Australien, Westdeutschland, Neuseeland, Norwegen und die Vereinigten Staaten, wo er
auf Platz 02 landete.
Der Song erfreut sich anhaltender Beliebtheit und wurde seit seiner Veröffentlichung über drei Millionen Mal im US-Radio gespielt. 1976 wurde er mit drei Ivor Novello Awards für den besten Popsong, den
internationalen Hit des Jahres und das meistgespielte britische Werk ausgezeichnet. Der Song wurde in
zahlreichen Filmen und Fernsehsendungen gespielt, darunter The Virgin Suicides und Guardians of the
Galaxy.
Nun hat die BBC „I’m Not In Love“ zum „größten Liebeslied aller Zeiten“ gekürt, das nächstes Jahr
sein 50-jähriges Jubiläum feiert. Die 7“ erscheint am Valentinstag auf passend romantischem rotem Vinyl
und enthält die Single in voller Länge, sowie die Original-B-Seite ”Good News”.

Das Allstar-Projekt des King Of Jazz - Miles Davis .ist gewiss die erfolgreichste alles Jazz-Legenden. Auch wenn seine Aufnahmen gelegentlich umstritten waren - bei einem war man sich stets einig: In den Sixties hat Davis einige der anrührendsten Jazz-Stücke der vergangenen Jahrzehnte geschaffen. Wer sich davon überzeugen möchte, ist mit "In A Silent Way" (1969) bestens bedient. Zu den Mitstreitern bei diesem Projekt seien nur deren Namen erwähnt: Joe Zawinul, Wayne Shorter, Dave Holland, Tony Williams, John McLaughlin, Chick Corea und Herbie Hancock.

The music of Green Cosmos makes us realize that our never- ending quest for love can find fulfillment. You take a long, slow breath and feel the magic of transcendent wisdom. There is not one note too many, and everything gets to the heart of the matter. A saxophone that sails ahead on a world- map of sound, driven by the beat of Kalimba and drums, sometimes fraternizing with a bass that‘s now insistent and then shy, and closely listens to a reassuringly omniscient piano until the music merges into a unit that‘s greater than its parts and sees us through the night.

"Blackbirds and the Sun of October" von Pianist und Komponist Federico Albanese ist inspiriert von seiner Heimat Monferrato im Norden Italiens, wo das Album vollständig geschrieben und aufgenommen wurde. "Es ist ein Album über Heimkehr, vor allem aber über Herkunft und Erbe", sagt der Pianist, Komponist und Produzent.Nachdem er mehrere Jahre in Berlin gelebt hatte, kehrte Federico Albanese mit seiner Familie im Herbst 2022 in seine Heimat zurück - in eine malerische Landschaft und mit der Empfindung, wie er sagt, "tief mit diesem Ort verbunden zu sein". Dies erwies sich auf vielerlei Weise als inspirierend. "Es ist ein Gefühl der Freiheit, das mit der Rückkehr einhergeht und in alles einfließt, was man tut - auch in die Musik." Seine Kompositionen spiegeln die tiefe, natürliche Schönheit seiner Umgebung wider - die Farben, die Tierwelt, den Wechsel der Jahreszeiten, aber auch die reiche Geschichte und die vielen Mythen und Legenden, die über Jahrtausende hinweg von Generation zu Generation weitergegeben wurden. "Dieser Ort atmet Geschichte", fügt er hinzu. "Es ist sehr romantisch in diesem Sinne."Während seine früheren Alben sich oft um Erinnerungen, innere Welten und imaginäre Landschaften drehten, schöpft "Blackbirds and the Sun of October" aus der konkreten, physischen Welt um ihn herum - aus der Geschichte, der Natur und der Schönheit. "Ich spüre die Freiheit in dieser Musik", sagt er, "und es steckt mehr Positivität darin. Ich merke, dass etwas anders ist als zuvor."

Der Pianist Louis Philippson begeistert seine Generation mit emotionalen und virtuosen Videos auf Social Media für die klassische Musik. Für sein Debütalbum "Exposition" verfolgt er die gleiche Idee und verbindet eigene Kompositionen mit neuen Arrangements bekannter Melodien klassischer Werke, sowie von Anime- und Pop-Songs. Selbstgeschriebene, epische Stücke wie "Supernova" und das groß-orchestrierte "C'est toi" stellt er seinen reduzierten Klavierminiaturen wie "Paulette", "Memories of Moldau" und "Dragon's Lullaby" gegenüber. Seine Eigenkompositionen ergänzt Louis Philippson durch frische, farbenfrohe Arrangements von Melodien aus verschiedenen Genres. Nach dem Motto von Duke Ellington, dass es "nur gute oder schlechte Musik" gibt, vereint er eine poetische Klavierversionen von "OMG" der K-Pop-Band NewJeans mit einer dynamischen Bearbeitung von Tschaikowskys Klavierkonzert, kreiert elegische Klavierversionen über Melodien aus Mahlers Symphonie der Tausend oder "In Trutina" aus Carl Orffs Carmina Burana, und spielt Puccinis "O mio babbino caro" begleitet von einem Cello. Auch Anime-Klassiker wie "A Town with an Ocean View" und "Lover's Oath" spielt er am Konzertflügel.Über sein Debüt-Album sagt Philippson: "Die Entstehung von 'Exposition' war eine unglaubliche Reise. Ich wollte ein Album schaffen, in dem ich alle Genres verbinden kann, die mich inspirieren. Es gibt so viele großartige Melodien, die man neu auf dem Klavier entdecken kann. Mein Ziel ist es meine Generation für die Schönheit der Klaviermusik auf neue Weise zu begeistern."Lange vor seiner TikTok-Karriere wurde Louis Philippson im Alter von sieben Jahren auf YouTube von seinem zukünftigen Klavierlehrer entdeckt, einem Professor an der Robert Schumann Hochschule in Düsseldorf. Dort wurde er später Jungstudent und nahm an zahlreichen nationalen und internationalen Klavierwettbewerben teil, darunter der prestigeträchtige Bach-Wettbewerb, den er gewann. Während der Pandemie im Jahr 2022 startete Louis Philippson seinen TikTok-Kanal und begeistert seitdem die Gen Z mit Vlogs, Humor und eindrucksvollen Klavierdarbietungen. Seine Posts haben inzwischen über 750.000 Follower erreicht. Philippson hat bereits mit einer Vielzahl von Künstlern aus unterschiedlichen Genres zusammengearbeitet. Unter anderen dem Konzertpianisten Martin Stadtfeld, der Geigerin und Influencerin Esther Abrami sowie dem italienischen TikTok-Pianisten Gabriele Bagnati. Ein besonderes Highlight seiner Kooperationen war die Zusammenarbeit mit der Sängerin Teya Dora für eine akustische Version ihres weltweiten Top-50-Hits "Dzanum".

Mit "Nobody Loves You More" veröffentlicht Kim Deal am 22.11.24 auf 4AD ihr erstes Soloalbum. Die elf Songs umfassende Sammlung ist das erste Album der in Dayton, Ohio lebenden Künstlerin unter ihrem eigenen Namen. "Nobody Loves You More" ist Kim Deals Debütalbum, obwohl es nicht das erste Mal ist, dass sie einen Alleingang unternimmt - 2013 veröffentlichte sie im Eigenverlag eine fünfteilige Reihe von zehn Songs, die limitiert als 7" erschienen. Im Einklang mit Deals akribischer Herangehensweise an ihre Kunst, wurde das Album über mehrere Jahre hinweg verfeinert. Die ältesten Songs, "Are You Mine?" und "Wish I Was", wurden 2011 geschrieben und aufgenommen, kurz nachdem Deal von der "Lost Cities Tour" der Pixies zurückkam und nach Los Angeles umzog (frühe Versionen dieser Songs waren in der besagten Vinyl-Serie enthalten). Die letzten Aufnahmen für "Nobody Loves You More" fanden im November 2022 mit dem legendären Tontechniker und engen Freund Steve Albini statt, der den letzten Track "A Good Time Pushed" in seinem Electrical Audio Studio in Chicago einspielte. Auf dem Weg dorthin hat sie eine Vielzahl von Mitstreitern aus der Vergangenheit und Gegenwart hinzugezogen, von den Breeders (Mando Lopez, Zwillingsschwester Kelley Deal, Jim Macpherson, Britt Walford) oder auch Raymond McGinley (Teenage Fanclub), Jack Lawrence (Raconteurs) sowie Fay Milton und Ayse Hassan von den Savages. "Nobody Loves You More" wurde von Marta Salogni gemischt und von Heba Kadry gemastert. Zu jedem Song gibt es eine persönliche Geschichte. Sie handeln von den Winterferien mit ihren Eltern auf den Florida Keys ("Summerland"), einem Hochzeitsband-Cover von "Margaritaville" ("Coast") oder auch der Demenz ihrer Mutter ("Are You Mine?"). Die Platte zelebriert Deals unvergleichliche Kunstfertigkeit, die nicht nur auf die Höhepunkte ihrer Karriere mit gefeierten Bands der Alternative-Landschaft (Pixies, The Amps, The Breeders) verweist, sondern auch auf ihr unverrückbares kulturelles Gewicht, das über Generationen hinweg Musiker und Musikerinnen wie Kurt Cobain und Olivia Rodrigo beeinflusst hat.

Faye Webster hat heute ihr neues Album “Underdressed At The Symphony” für den 01. März 2024 bei Secretly Canadian angekündigt und teilt gleichzeitig ihre neue Single “Lego Ring (feat. Lil Yachty)”.

Eine Art Unbeschwertheit, allerdings mit melancholischem Rückgrat, ist die treibende Kraft hinter dem Song, auf dem Atlanta-Multikünstler Lil Yachty zu hören ist.

Im zugehörigen Musikvideo spielen Faye und Yachty ein Videospiel, bei dem Fans die Möglichkeit haben, über diesen Link mitzuspielen.


Faye Webster - “Lego Ring (feat. Lil Yachty)” (Official Video)


Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.



“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

2006
"GlaubeLiebeTod"Wenn ein Album so erfolgreich war wie "Wahrheit oder Pflicht" wächst die Erwartungshaltung ins Unermessliche! Doch OOMPH! haben die schwierige Aufgabe mit Bravour gemeistert!"GlaubeLiebeTod" ist das mit Abstand abwechslungsreichste Werk des Trios. OOMPH! haben sich deutlich weiter entwickelt und ihr Spektrum um etliche neue Elemente bereichert. Beispielsweise sticht der dramatische Stampfer "Spiel mir das Lied vom Tod" heraus. Völliges Neuland betritt die Band auch mit der morbiden Piano-Bombast-Ballade "Eine Frau spricht im Schlaf". Die unverzerrten, sehnsüchtigen Gitarren in "Das letzte Streichholz" sowie die düsteren Doom-Riffs in "Land in Sicht" hat man in dieser Form ebenfalls noch nicht bei OOMPH! gehört. Nicht neu, aber dennoch überraschend ist die phasenweise Rückbesinnung auf die EBM-Anfänge des Trios in den frühen Neunzigern, die u.a. bei der ersten Auskopplung "Gott ist ein Popstar" deutlich wird. Abgesehen davon gibt es natürlich noch genügend Nummern, die die bisherige Linie weiterführen und mit hymnischen Hooklines und fantasievollen Sounds auftrumpfen. Dazu zählen vor allem der wunderschöne "Träumst Du" und der mächtige Metaller "Mein Schatz".

Die Debüt-LP der Londonerin Nia Wyn ist ein fesselndes Soulwerk, inspiriert von der Musik aus Detroit, Philadelphia und Memphis der 1960/1970er Jahre, das ihren selbstbewussten Produktionsstil, ihre Begabung für authentisches und introspektives Geschichtenerzählen und ihre unverwechselbar kraftvolle Stimme offenbart. Thematisch deckt die LP ein breites Spektrum ab, von Nias Erfahrung, als Erwachsene mit Autismus diagnostiziert zu werden, über psychische Probleme bis zu den Kulturkriegen gegen die Queer-/Trans-Communities. Der Albumtitel ist eine Anspielung auf schulische Erfahrungen ängstlicher (nicht diagnostizierter neurodivergenter) Kinder der Millennial-Generation.

"Porœs" ist das erste gemeinsame Album des Elektronikmusikers und No-Input-Mixing-Universalgelehrten Simon Grab und des Schlagzeugers und Komponisten David Meier, Mitglied der renommierten Avantgarde-Minimal-Rockband Schnellertollermeier. Der Sound von Grab & Meier ist roh und unbeständig und wechselt zwischen messerscharfen, rollenden, bröckelnden, unberechenbaren und wilden Zuständen. Er balanciert zwischen Meiers organischem Schlagzeugspiel und Grabs pulsierenden Pieptönen und Geräuschen, knurrenden Basslines und Dubbed-Feedbacks, die er aus seinem individuell angeschlossenen No-Input-Mixing-Setup extrahiert. Keines der Instrumente übernimmt die Führung, die beiden Musiker treten in einen ständigen Dialog. Als leidenschaftliche Improvisatoren haben sie dieses Album mit sieben Tracks in mehreren Studiosessions aufgenommen, was zu einem Ergebnis führte, das selbstbewusst und präzise ist, aber die Dringlichkeit einer Live-Improvisation beibehält.

- "Unser gemeinsamer Spielplatz ist das Grooven auf dem Risiko des Auseinanderfallens, wie das Surfen auf einem Unterwasser-Seil durch Wellen von Frequenzen, auf gebrochenen Rhythmen." – Simon Grab & David Meier

Die amerikanische Rockband Eels, um Mastermind Mark 'E' Everett, veröffentlicht zum ersten Mal überhaupt die Liveaufnahmen von 'Live at Largo 2019' auf Vinyl! Die vier Songs sind aus unterschiedlichen Phasen der Band.

Im Rahmen der limitierten Emscherkurve 77-Vinyl Collectors Reissue-Serie, jetzt erstmals überhaupt auf LP erhältlich: "Zweite Wahl" beinhaltet gesuchte Songs von teils längst vergriffenen Releases wie bspw. "Religion" vom beschlagnahmten "Tribute to Slime"-Sampler, die Dritte Wahl Cover-Version "Zeit bleib stehen" und unveröffentlichte Demo-Versionen und Outtakes, die oftmals punkig-rauher eingespielt wurden ("Dreck und Lügen"), einen ganz anderen Charme wie die "finished Version" haben ("Vergangenheit") oder nie erschienen sind wie "Sterne". Die gewohnt sich nicht in den Vordergrund drängenden Gentlemen aus dem Ruhrpott nennen das ganz bescheiden "Demos und anderer Kram". Wir nennen das eine der besten Zusammenstellungen von inoffiziellen Aufnahmen und alles andere als "Auschussware", die oftmals lieblos von Bands unters Volk geschmissen werden, 13 Songs aus der "Dat soll Punkrock sein?!" und "Buch des Lebens"-Ära, inkl einer fetten Live-Aufnahme von "Genug zu tun" in Paderborn mitgeschnitten! Vinyl kommt wie alle Teile der Serie limitiert auf je 77 Stück in verschiedenen Farben.

Im Rahmen der limitierten Emscherkurve 77-Vinyl Collectors Reissue-Serie, jetzt erstmals überhaupt auf LP erhältlich: "Zweite Wahl" beinhaltet gesuchte Songs von teils längst vergriffenen Releases wie bspw. "Religion" vom beschlagnahmten "Tribute to Slime"-Sampler, die Dritte Wahl Cover-Version "Zeit bleib stehen" und unveröffentlichte Demo-Versionen und Outtakes, die oftmals punkig-rauher eingespielt wurden ("Dreck und Lügen"), einen ganz anderen Charme wie die "finished Version" haben ("Vergangenheit") oder nie erschienen sind wie "Sterne". Die gewohnt sich nicht in den Vordergrund drängenden Gentlemen aus dem Ruhrpott nennen das ganz bescheiden "Demos und anderer Kram". Wir nennen das eine der besten Zusammenstellungen von inoffiziellen Aufnahmen und alles andere als "Auschussware", die oftmals lieblos von Bands unters Volk geschmissen werden, 13 Songs aus der "Dat soll Punkrock sein?!" und "Buch des Lebens"-Ära, inkl einer fetten Live-Aufnahme von "Genug zu tun" in Paderborn mitgeschnitten! Vinyl kommt wie alle Teile der Serie limitiert auf je 77 Stück in verschiedenen Farben.

Das Debut-Album "Eerie Nostalgia" der Band Fotokiller aus Berlin versetzt die Hörer*innen direkt in die Post-Punk-Ära der 80er-Jahre, ohne dabei sowohl musikalisch als auch textlich den Aktualitätsbezug zu verlieren. Nachdenkliche, ja sogar zuweilen mit dem Tenor der Trostlosigkeit versehene Texte mit hohem Sehnsuchtsfaktor werden kontrastierend mit tanzbaren, catchy Melodien kombiniert. Fotokiller begleiten die Hörer*innen dabei mal sanft, mal aufbrausend, wecken nostalgische Erinnerungen, Gedanken an die unausweichliche Zukunft und den Wunsch nach Beständigkeit in einer Welt, die außer Kontrolle scheint. Nicht zu überhören ist der Einfluss großer Bands wie The Cure oder Joy Division, aber auch Soft Kill, Wipers oder Pink Turns Blue haben die Inspiration für diese LP geliefert.

Im Rahmen der limitierten Emscherkurve 77-Vinyl Collectors Reissue-Serie, jetzt erstmals überhaupt auf LP erhältlich: "Zweite Wahl" beinhaltet gesuchte Songs von teils längst vergriffenen Releases wie bspw. "Religion" vom beschlagnahmten "Tribute to Slime"-Sampler, die Dritte Wahl Cover-Version "Zeit bleib stehen" und unveröffentlichte Demo-Versionen und Outtakes, die oftmals punkig-rauher eingespielt wurden ("Dreck und Lügen"), einen ganz anderen Charme wie die "finished Version" haben ("Vergangenheit") oder nie erschienen sind wie "Sterne". Die gewohnt sich nicht in den Vordergrund drängenden Gentlemen aus dem Ruhrpott nennen das ganz bescheiden "Demos und anderer Kram". Wir nennen das eine der besten Zusammenstellungen von inoffiziellen Aufnahmen und alles andere als "Auschussware", die oftmals lieblos von Bands unters Volk geschmissen werden, 13 Songs aus der "Dat soll Punkrock sein?!" und "Buch des Lebens"-Ära, inkl einer fetten Live-Aufnahme von "Genug zu tun" in Paderborn mitgeschnitten! Vinyl kommt wie alle Teile der Serie limitiert auf je 77 Stück in verschiedenen Farben.

„Michael Tilson Thomas’ Aufnahme von Tschaikowskys erster Sinfonie galt lange Zeit als die beste, weil
sie die Partitur ‚ballettartig‘ behandelt. Und in der Tat gibt es ein Element der Tanzbarkeit in seinen Tempi
sowie einen unwiderstehlich natürlichen Fluss in seiner Handhabung der Übergänge. Thomas lässt den
träumerischen zweiten Satz wie ein gefühlvolles Wiegenlied klingen, wozu das reich strukturierte Streicherspiel des Boston Symphony nicht wenig beiträgt.“ – Classics Today
Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre
in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen Vier- und
Achtspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich
weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie
nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die
Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons.

2025 feiert THE OCEAN das 15-jährige Jubiläum ihrer Alben ,Heliocentric" und ,Anthropocentric". Aus diesem Anlass werden die Instrumentalversionen dieser Alben zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl veröffentlicht, mit neuem Artwork von Martin Kvamme. Konzeptionell sind ,Heliocentric" und ,Anthropocentric" eine umfassende Kritik am Erbe des Christentums: Während ,Heliocentric" sich dem Thema historisch-chronologisch nähert, liegt der Schwerpunkt von ,Anthropocentric" auf dem ,Großinquisitor"-Kapitel in Dostojewskis weltberühmtem Roman ,Die Brüder Karamasow", das sich über drei Tracks des Albums erstreckt. Andere Songs wie das heitere ,TheThe Almightiness Contradiction" greifen Ideen von Richard Dawkins auf, der Speerspitze des modernen Ästhetizismus. Seit 2001 hat das Berliner Musikerkollektiv THE OCEAN zehn von der Kritik hochgelobte Studioalben und eine Split-EP mit den japanischen Post-Rock-Legenden Mono veröffentlicht. Mit einer ständig wechselnden Besetzung aus verschiedenen Musikern und bildenden Künstlern auf und abseits der Bühne ist die unermüdlich tourende Gruppe für ihre gewaltigen, bewusstseinserweiternden Liveshows bekannt geworden, die sie in die entlegensten Winkel der Welt getragen haben, von sibirischen besetzten Häusern bis zu kolonialen Theatern in Ecuador. Schwarze oder farbige 2LP erhältlich, 9mm Rücken-Gatefold & Metallic-Farben, bedruckte Innenhüllen. Insert sowie Etching auf der D-Seite

2025 feiert THE OCEAN das 15-jährige Jubiläum ihrer Alben ,Heliocentric" und ,Anthropocentric". Aus diesem Anlass werden die Instrumentalversionen dieser Alben zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl veröffentlicht, mit neuem Artwork von Martin Kvamme. Konzeptionell sind ,Heliocentric" und ,Anthropocentric" eine umfassende Kritik am Erbe des Christentums: Während ,Heliocentric" sich dem Thema historisch-chronologisch nähert, liegt der Schwerpunkt von ,Anthropocentric" auf dem ,Großinquisitor"-Kapitel in Dostojewskis weltberühmtem Roman ,Die Brüder Karamasow", das sich über drei Tracks des Albums erstreckt. Andere Songs wie das heitere ,TheThe Almightiness Contradiction" greifen Ideen von Richard Dawkins auf, der Speerspitze des modernen Ästhetizismus. Seit 2001 hat das Berliner Musikerkollektiv THE OCEAN zehn von der Kritik hochgelobte Studioalben und eine Split-EP mit den japanischen Post-Rock-Legenden Mono veröffentlicht. Mit einer ständig wechselnden Besetzung aus verschiedenen Musikern und bildenden Künstlern auf und abseits der Bühne ist die unermüdlich tourende Gruppe für ihre gewaltigen, bewusstseinserweiternden Liveshows bekannt geworden, die sie in die entlegensten Winkel der Welt getragen haben, von sibirischen besetzten Häusern bis zu kolonialen Theatern in Ecuador. Schwarze oder farbige 2LP erhältlich, 9mm Rücken-Gatefold & Metallic-Farben, bedruckte Innenhüllen. Insert sowie Etching auf der D-Seite

2025 feiert THE OCEAN das 15-jährige Jubiläum ihrer Alben ,Heliocentric" und ,Anthropocentric". Aus diesem Anlass werden die Instrumentalversionen dieser Alben zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl veröffentlicht, mit neuem Artwork von Martin Kvamme. Konzeptionell sind ,Heliocentric" und ,Anthropocentric" eine umfassende Kritik am Erbe des Christentums: Während ,Heliocentric" sich dem Thema historisch-chronologisch nähert, liegt der Schwerpunkt von ,Anthropocentric" auf dem ,Großinquisitor"-Kapitel in Dostojewskis weltberühmtem Roman ,Die Brüder Karamasow", das sich über drei Tracks des Albums erstreckt. Andere Songs wie das heitere ,TheThe Almightiness Contradiction" greifen Ideen von Richard Dawkins auf, der Speerspitze des modernen Ästhetizismus. Seit 2001 hat das Berliner Musikerkollektiv THE OCEAN zehn von der Kritik hochgelobte Studioalben und eine Split-EP mit den japanischen Post-Rock-Legenden Mono veröffentlicht. Mit einer ständig wechselnden Besetzung aus verschiedenen Musikern und bildenden Künstlern auf und abseits der Bühne ist die unermüdlich tourende Gruppe für ihre gewaltigen, bewusstseinserweiternden Liveshows bekannt geworden, die sie in die entlegensten Winkel der Welt getragen haben, von sibirischen besetzten Häusern bis zu kolonialen Theatern in Ecuador. Schwarze oder farbige 2LP erhältlich, 9mm Rücken-Gatefold & Metallic-Farben, bedruckte Innenhüllen. Insert sowie Etching auf der D-Seite

2025 feiert THE OCEAN das 15-jährige Jubiläum ihrer Alben ,Heliocentric" und ,Anthropocentric". Aus diesem Anlass werden die Instrumentalversionen dieser Alben zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl veröffentlicht, mit neuem Artwork von Martin Kvamme. Konzeptionell sind ,Heliocentric" und ,Anthropocentric" eine umfassende Kritik am Erbe des Christentums: Während ,Heliocentric" sich dem Thema historisch-chronologisch nähert, liegt der Schwerpunkt von ,Anthropocentric" auf dem ,Großinquisitor"-Kapitel in Dostojewskis weltberühmtem Roman ,Die Brüder Karamasow", das sich über drei Tracks des Albums erstreckt. Andere Songs wie das heitere ,TheThe Almightiness Contradiction" greifen Ideen von Richard Dawkins auf, der Speerspitze des modernen Ästhetizismus. Seit 2001 hat das Berliner Musikerkollektiv THE OCEAN zehn von der Kritik hochgelobte Studioalben und eine Split-EP mit den japanischen Post-Rock-Legenden Mono veröffentlicht. Mit einer ständig wechselnden Besetzung aus verschiedenen Musikern und bildenden Künstlern auf und abseits der Bühne ist die unermüdlich tourende Gruppe für ihre gewaltigen, bewusstseinserweiternden Liveshows bekannt geworden, die sie in die entlegensten Winkel der Welt getragen haben, von sibirischen besetzten Häusern bis zu kolonialen Theatern in Ecuador. Schwarze oder farbige 2LP erhältlich, 9mm Rücken-Gatefold & Metallic-Farben, bedruckte Innenhüllen. Insert sowie Etching auf der D-Seite

Die amerikanische Rockband Eels, um Mastermind Mark 'E' Everett, veröffentlicht zum ersten Mal überhaupt die Liveaufnahmen von 'Gentle Souls 2021 KCRW Session' auf Vinyl! Die fünf Tracks sind hauptsächlich Songs vom Album 'Earth To Dora'.

Erste remasterte Reissue des Black Uhuru-Klassikers BRUTAL von 1986, gleichzeitig die erste Vinylreissue überhaupt. Das Album entstand in einer Traumbesetzung mit u.a. Sly & Robbie, Junior Reid und Tyrone Downie (Roots Radics), wurde von Arthur Baker co-produziert und von RAS Records-Engineer Jim Fox co-gemischt. Es enthält die Kultsingle 'Great Train Robbery' und war als Best Reggae Recording für den Grammy 1987 nominiert.

Imagine Dragons sind zurück! Die mit über 160 Milliarden Streams und dem GRAMMY Award ausgezeichnete Rockband veröffentlicht ihr sechstes Studioalbum ”LOOM”. LOOM wurde komplett von Imagine Dragons und ihren langjährigen Kollaborateuren Mattman und Robin produziert. Die Band hat ihren klassischen Dragons-Sound mit frischen Einflüssen aufpoliert und ein Projekt geschaffen, welches stilistische Grenzen gekonnt hinter sich lässt. Das Album enthält 9 brandneue Tracks, inklusive der Hit-Single ”Eyes Closed”.

This is Music: The Singles, ist ein Kompilationsalbum der englischen Alternative-Rock-Band The Verve:
Richard Ashcroft (Gesang), Pete Salisbury (Schlagzeug), Simon Jones (Bass) und Nick McCabe (Gitarre).
Ursprünglich wurde das Album im November 2004 veröffentlicht und enthielt zwei Nicht-Singles, die aus
den Aufnahmen zu ihrem dritten Album Urban Hymns stammten: „This Could Be My Moment“ und
„Monte Carlo“.
2024 markiert den 20. Jahrestag der Veröffentlichung eines Albums, das nie auf Vinyl gepresst wurde,
und unter der Leitung der Gruppe ersetzt diese längst überfällige Neuauflage die Bonustracks durch die
kraftvollen Singles aus dem 2008er Reunion-Album Forth - ’Love is Noise’ und ’Rather Be’ - und enthält
auch die zweite Single ’She’s A Superstar’ (1992) in ihrer ursprünglichen, achteinhalbminütigen Form (statt
der fünfminütigen Bearbeitung). Somit repräsentiert das Album nun die komplette Geschichte der Singles
von The Verve.
Benannt nach der sechsten Single der Band, der ersten aus ihrem zweiten Album A Northern Soul, dokumentiert es auf brillante Weise die Kraft der relativ kurzen, aber epochemachenden Reise von The Verve
durch den musikalischen Kosmos.

(2018 Remix)

30. Juni 2022 – Im Januar 1977 veröffentlichten Pink Floyd ihr zehntes Studioalbum „Animals“. Das Werk eroberte Platz 1 der deutschen Charts, gilt als eines ihrer besten – und es wird nun, 45 Jahre später, als Deluxe Gatefold, CD, LP und Blu-ray wiederveröffentlicht. Zum ersten Mal überhaupt wird das Album in 5.1 Surround-Sound zu hören sein. Die einzelnen Versionen werden ab dem 16. September 2022 erhältlich sein, die Deluxe-Version folgt am 7. Oktober.

Pink Floyd – David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters und Richard Wright – nahmen „Animals“ 1976 und Anfang 1977 in den bandeigenen Britannia Row Studios in London auf und produzierten auch selbst.

„Animals 2018 Remix“ wird als CD, LP (mit Klapphüllen-Artwork), Blu-Ray und als Deluxe-Gatefold-Format veröffentlicht. Die Deluxe-Gatefold-Version beinhaltet eine LP, CD, Audio-Blu-Ray, Audio-DVD und ein 32-seitiges Booklet. Die Audio-Blu-Ray und -DVD enthalten den Remix von 2018 in Stereo, in 5.1 Surround (beide von James Guthrie) und den ursprünglichen Stereo-Mix von 1977. Das 32-seitige Booklet gewährt mit selten gezeigten Fotos einen Blick hinter die Kulissen des Shootings für die Plattenhülle sowie Live-Bilder und Memorabilia. Das Album-Artwork wurde für diese Veröffentlichung mit einem zeitgemäßen Motiv neu interpretiert.

„Animals“ ist ein Konzeptalbum, das sich kritisch mit den sozialpolitischen Verhältnissen im Großbritannien der mittleren 1970er-Jahre auseinandersetzt und damit eine Abkehr vom Stil der früheren Arbeiten der Band markierte. Aus einer Ansammlung ursprünglich nicht miteinander zusammenhängender Songs entwickelten Pink Floyd ein Konzept, das den offenkundigen sozialen und moralischen Verfall der Gesellschaft beschreibt. Inspiriert von George Orwells „Farm der Tiere“, verbildlichen sie die menschliche Natur mit einer Analogie zum Tierreich und teilen die Menschen in drei Klassen von Tieren ein: Die Schweine stehen an der Spitze der sozialen Kette, die Schafe tun als hirnlose Herde, was man ihnen sagt, und die Hunde sind die Geschäftsbosse, die sich am Profit und ihrer Macht über andere schamlos bereichern. Seit 1977 ist viel Zeit vergangen – und dann wieder gar nicht, denn die Erzählung des Albums hat als Kommentar auf unsere gesellschaftliche und wirtschaftliche Situation nichts von ihrer Aktualität verloren.

Das berühmte Cover von „Animals“ zeigt ein aufblasbares Schwein (heute bekannt als Algie), das in luftigen Höhen zwischen zwei Schornsteinen der Battersea Power Station in London schwebt. Die Idee für das Cover kam von Roger Waters, die Umsetzung übernahm der langjährigen Kreativpartner der Band, Storm Thorgerson von Hipgnosis Studios. Für die jetzige Neuveröffentlichung wurde das Artwork von Storms Hipgnosis-Partner Aubrey „Po“ Powell für die heutige Zeit neu gestaltet. Basierend auf neuen Aufnahmen des Gebäudes während der jüngsten Umgestaltungsarbeiten (das ehemalige Kraftwerk wird für die kulturelle und gewerbliche Nutzung umgebaut, gestaltet von Frank Gehry und Norman Foster), experimentierte Po mit neuen Blickwinkeln und erschuf einige beeindruckende neue Varianten des berühmten Originals. Po dazu: „Das Original-Albumcover von 1977 ist ikonisch und steht so sehr für sich, dass ich eine Menge Respekt davor hatte, ihm ein Update zu verpassen. Doch Hipgnosis nahm die Gelegenheit zum Anlass, das Motiv neu zu fotografieren und damit eine sich verändernde Welt widerzuspiegeln. Durch den Einsatz moderner digitaler Färbetechniken konnte ich Pink Floyds düstere Botschaft des moralischen Verfalls beibehalten, und auch die Orwellsche Tier-Analogie in Form des Schweins Algie lebt in dem neuen Artwork fort.“

Pink Floyds „Animals 2018 Remix” kann ab jetzt hier vorbestellt werden.

The long-awaited new full-length from legendary electronic pioneers THE ORB with cover design from iconic graphic wizards THE DESIGNERS REPUBLIC • A fascinating sonic journey over four epic tracks, constantly switching between psychedelic flourishes and beat-driven focus

Veritable pioneers of electronic music, iconic act THE ORB returns to Kompakt with the new full-length MOONBUILDING 2703 AD - another major slice of psychedelic synth bliss, obscure loops and deep ambient textures tossed in swinging breakbeats and powerful basslines. Installing a forward momentum rather unusual for a genre-defying project like this, the latest effort from masterminds Alex Paterson and Thomas Fehlmann follows their 2005 album success on Kompakt, the cheekily named "Okie Dokie It's The Orb On Kompakt" (KOMPAKT CD 45), as well as several contributions to our Speicher and Pop Ambient series - but more importantly, it finds the legendary duo at the peak of its creativity, ringing in another essential phase in what can only be called a ground-breaking career.

True to form, the new offering MOONBUILDING 2703 AD features a small track list, but turns each one of its four cuts into a mini epic in its own right. Opener GOD'S MIRRORBALL hits the ground floating, employing a handful of cozy statics to great effect before finally discharging into an intricate mosaic of atmospheric melodic sketches and gripping rhythms. With a hypnotic runtime of more than 14 minutes, it immediately establishes a blueprint for the other album tracks to follow, perfectly illustrating the vast extent of the artists' vision and their impressive skills in luring in listeners - welcome to THE ORB's sonic labyrinth, where nothing is what it seems and the unexpected waits just around the corner.

Likewise, follow-up track MOONSCAPES 2703 BC presents itself as a uniquely versatile affair sitting comfortably between ambient flourishes and beat-driven focus, holding as many twists and turns as a caper movie, but carefully grounding every single one of its cliffhangers in its impeccable flow. With a runtime of approximately 9 minutes, LUNAR CAVES is the shortest jam of the bunch - and also the most ethereal, keeping its rhythmic content to a bare, pulse-like minimum and opting for enticing, freewheeling synth textures instead. Album closer and title cut MOONBUILDING 2703 AD introduces a surprisingly jazzy vibe mingling rather well with the wealth of electronic tricks up its sleeve - even indulging in abrasive bass sweeps and a breathtaking multitude of different rhythm sections constantly switching places. It's a fitting closing act for a full-length as multifaceted as this, as idiosyncratic as possible and as muscling as needed.


• Das langerwartete neue Album der legendären Elektronikpioniere THE ORB mit einem Coverdesign der gefeierten Graphikschmiede THE DESIGNERS REBUBLIC • Eine faszinierende Klangreise über vier epische Tracks hinweg, permanent zwischen psychedelischen Schlüsselreizen und beatgetriebenem Fokus changierend

Mit THE ORB kehren echte Pioniere der elektronischen Musik zu Kompakt zurück - der Langspieler MOONBUILDING 2703 AD präsentiert erneut einen grossen Wurf in Richtung psychedelischen Synthie-Segens, obskurer Loops und porentiefer Ambient-Texturen, geschwenkt in schwungvollen Breakbeats und wirkmächtigen Basslines. Mit einem für genresprengende Projekte wie diesem hier eher unüblichen Vorwärtsdrang beerbt das neue Album von den Großmeistern Alex Paterson und Thomas Fehlmann ihren 2005er Erfolg auf Kompakt, das augenzwinkernd benannte "Okie Dokie It's The Orb On Kompakt" (KOMPAKT CD 45), sowie einige Beiträge zu unseren Speicher- und Pop-Ambient-Serien - viel wichtiger allerdings, daß wir das legendäre Duo auf der Höhe ihrer Schaffenskraft antreffen, eine neue wesentliche Phase einläutend in einer Laufbahn, die nur als bahnbrechend bezeichnet werden kann.

In bekannter Manier hat das neue Werk MOONBUILDING 2703 AD eine eher kleine Tracklist vorzuweisen, baut dafür aber jeden seiner vier Tracks zu Mini-Epen von eigenem Recht um. Der Eröffnungsakt GOD'S MIRRORBALL schwebt einem da vor Ohren, zuerst nur mit einer Handvoll gemütlichen Rauschens bewaffnet, später dann in ein feingliedriges Mosaik von atmosphärischen Melodieskizzen und mitreissenden Rhythmen explodierend. Mit einer hypnotisierenden Lauflänge von über 14 Minuten etabliert das Stück die Blaupause für die folgenden Ereignisse, perfekt die enorme Reichweite der künstlerischen Vision und ihre Fähigkeit zur massenhaften Verführung nichtsahnender Tänzer illustrierend - willkommen in THE ORB's Klanglabyrinth, wo nichts ist wie es scheint und das Unerwartete um jede Ecke lauert.

Ähnlich präsentiert sich der Folgetrack MOONSCAPES 2703 BC als einzigartig vielseitige Angelegenheit, bequem zwischen ambienten Ornamenten und beatgetriebenem Fokus sitzend und mit sovielen Drehungen und Wendungen wie ein Gaunerfilm - doch stets seine Cliffhanger im makellosen Flow erdend. Ein wenig über 9 Minuten lang, ist LUNAR CAVES der kürzeste Entwurf in der Gruppe - und auch der ätherischste, hält er doch die Rhythmusanteile auf einem puls-ähnlichem Minimum und optiert stattdessen für freilaufende Synthie-Texturen. Das letzte Kapitel des Albums schließlich ist auch der Titeltrack: MOONBUILDING 2703 AD besitzt eine überraschend jazzige Note, die sich ziemlich gut in den Reichtum an elektronischen Tricks einfügt, welche hier aus dem Ärmel geschüttelt werden - sogar in rauem Bass schwelgend und eine atemberaubende Vielfalt an Rhythmussektionen aufrufend, die ständig die Plätze tauschen. Es ist ein passender Abschluss für ein derart facettenreiches Album, so idiosynkratisch wie möglich und so anschiebend wie nötig.

Repress 2026

THE WORLD OF HANS ZIMMER - PART II: A NEW DIMENSION ist die mit Spannung erwartete Fortsetzung des Erfolgsalbums The World of Hans Zimmer - A Symphonic Celebration von 2019. Dafür hat Hans Zimmer neue, klangmalerische Orchestersuiten komponiert, die auf vielen weiteren seiner ikonischen Soundtracks basieren. Höhepunkte des über zwei Stunden Musik umfassenden Doppelalbums sind die wie ein Cellokonzert angelegte Suite von No Time to Die, das elegische A Time of Quiet Between the Storms aus Dune II oder die epische Orchestersuite von The Prince of Egypt. Darüber hinaus können sich Fans über eine einzigartige neue Version von The Rock freuen - einem der großen Hans Zimmer Klassiker aus den 90er Jahren. Auf THE WORLD OF HANS ZIMMER - PART II: A NEW DIMENSION versammelt Hans Zimmer ein herausragendes Ensemble von Solist*Innen. Darunter die Sänger*Innen Lebo M, Lisa Gerrard, Gan-ya Ben-gur Akselrod und Nokukhanya Dlamini, der Multi-Holzbläser Pedro Eustache, Bassist Juan García-Herreros, Gitarrist Alexios Anest, Pianistin Eliane Correa, Cellistin Mariko Muranaka, Violinistin Rusanda Panfili sowie die Percussionisten Aleksandra Šuklar, Luis Ribeiro und Lucy Landymore. Diese spielen gemeinsam mit dem Odessa Orchestra & Friends und dem Nairobi Chamber Choir unter der Leitung von Dirigent Gavin Greenaway.Part 1 Man of Steel SuiteDriving (Miss Daisy) SuiteThe Rock SuiteNo Time To Die Suite Interstellar Suite Dune II SuiteThe Prince of Egypt SuiteWonder Woman SuiteSherlock Holmes SuiteInception SuitePart 2The Dark Knight SuiteGladiator SuitePearl Harbor SuiteKung Fu Panda SuitePower of One: Mother AfricaThe Lion King SuitePirates of the Caribbean Suite

Ocean Blue/Black Vinyl. Limited to 200 copies. Gegründet im Jahr 2014 als Hüter der gestohlenen Riffs in ihrem Bestreben, den Metalcore in der Galaxie wiederherzustellen, erklärten sich ChuggaBoom umgehend zur wichtigsten Metalcore-Band der Welt. Die Band schöpft aus einem breiten Spektrum an Einflüssen, darunter Upon A Burning Body, Devin Townsend, Funeral For A Friend & Attack Attack! und hat sich noch nie gescheut, das aufzunehmen, was sie will. Während die Welt durch die Pandemie im Jahr 2020 zum Stillstand kam, fand die Band die Inspiration, sowohl die "Chugg Wars: The Covid-19 Saga"-EP als auch das 22 Titel umfassende "Christmas Number Ones"-Album aufzunehmen und zu veröffentlichen, das Platz 3 der iTunes U.K. Metal Albums Chart erreichte. Mit der Unterstützung ihrer engagierten Chuggalo-Community haben sie über 10 Millionen Spotify-Streams und über 2,5 Millionen Views auf ihrem YouTube-Kanal erreicht. Werde ein Chuggalo, oder bleibe zurück.

Auf 12“-Vinyl ab dem 31.01.2025 und digital ab dem 14.02.2025 auf allen Streaming Plattformen.

Paula Carolina steht wie kaum eine andere Künstlerin für die neue Rebellion des Indie Pop: roh, ungeschliffen, laut und doch voller Feingefühl. Ihre Erfolge sprechen für sich: Mit über 30 Millionen Streams als Künstlerin und Hits wie „Schreien“ (15 Millionen Streams, über 9.000 TikTok-Creations) hat sie sich längst vom Geheimtipp zu eine der wichtigsten Stimmen ihrer Generation entwickelt. Sie trift den Zeitgeist, ohne ihm hinterherzulaufen.

Ihre Musik ist ein Spagat aus NDW, Punk und Indie, der live noch intensiver wirkt – ein Sound, der in den Moshpit treibt und gleichzeitig eine Hand ausstreckt, um festzuhalten, was sonst verloren geht.

2024 hat sie nicht nur Clubs ausverkauft, sondern auch die großen Festivalbühnen bespielt: Hurricane, Southside, und mehr. Vor Tausenden von Menschen war sie die, die den Lärm machte – und alle Stimmen zusammenführte. Dieses Live-Album ist genau das: ein Stück Gemeinschaft, ein Mitschnitt der Nächte, in denen die Bühne zum Safe Space wurde, für all jene, die mehr suchen als nur Pop. Es ist ein Reisetagebuch ihrer wilden Tour, ein rohes, ungeschliffenes Dokument voller schreiender Gitarren, treibender Drums und dieser Stimme, die mal schreit, mal flüstert und in jedem Ton die Gegenwart einfängt.

Es gibt Musik, die berührt, und es gibt Musik, die aufrüttelt. Paula Carolina macht beides - und live erst recht. Ihre "Willkommen in der Realität"-Tour 2024 war nicht nur ein lauter, treibender Zug durch die Clubs des Landes, sondern ein greifbares Bekenntnis zu echten Momenten. Nächte, die nachhallen, in denen aus Fremden eine Gemeinschaft wurde, die zusammen tanzte, lachte und schrie. Genau dieses Gefühl ist jetzt konserviert auf Vinyl.

Wehe, wenn sie losgelassen: Ein beißender, rennender und wuselnder Schwarm bösartiger Nagetiere flutet unaufhaltsam heran. RATS OF GOMORRAH lassen ihr Debütalbum "Infectious Vermin" auf eine schockierte Welt los. Wem das Bild einer Horde Ratten keine Gänsehaut verursacht, den mag der Hinweis schrecken, dass "Infectious Vermin" auch aufgrund der Frustration des deutschen Duos über die Aversion der Metal-Szene gegen jegliche Veränderung herangezüchtet wurde. Aber keine Sorge: Obwohl es RATS OF GOMORRAH satt haben, wenn einfach nur die müden Klischees eines durchschnittlichen Death Metal-Albums wiedergekäut werden, sind sie nicht einfach vom sinkenden Schiff gesprungen. Ihr Sound wurzelt noch immer im Todesmetall, aber er sprießt nun auch in Richtung von Heavy- und Speed Metal. Der Stimmeinsatz ist auf "Infectious Vermin" besonders abwechslungsreich gehalten und die Härtesuppe wurde obendrein mit scharfen Gewürzen wie Crust-angehauchten Riffs und eingängigen Refrains veredelt. Inhaltlich verwandeln die Deutschen aktuelle Themen in finstere Geschichten im Stil von H. P. Lovecraft, in denen es vor Rattenplagen nur so wimmelt. RATS OF GOMORRAH haben eine viel längere Geschichte hinter sich, als es ihr Erscheinen unter diesem Namen vermuten lässt. Streng genommen kam das deutsche Duo zwar erst im Jahr 2023 mit dem neuen Nager-Namen aus seinem Loch gekrochen, och die Band hat bereits über ein Jahrzehnt Death Metal auf dem Buckel. Gitarrist und Sänger Daniel Stelling war ebenso wie Moritz Paulsen am Schlagzeug seit dem Jahr 2009 ein Teil des international operierenden norddeutschen Death Metal Trios DIVIDE, das sich bereits im Jahr 2016 in ein Duo verwandelte. Wem es nun auf der Haut juckt und kribbelt, während aus den Wänden kriechende und raschelnde Geräusche dringen, der findet ein perfektes Gegenmittel zum aufkeimenden Gefühl des Grauens in "Infectious Vermin": Einfach den Lautstärkeregler auf 10 gedreht und es ist keine Ratte mehr zu hören. Dafür hämmern vielleicht ein, zwei oder auch vier Nachbarn an die Wohnungstür. Egal, lasst es alle wissen: RATS OF GOMORRAH sind nicht aufzuhalten!

Wehe, wenn sie losgelassen: Ein beißender, rennender und wuselnder Schwarm bösartiger Nagetiere flutet unaufhaltsam heran. RATS OF GOMORRAH lassen ihr Debütalbum "Infectious Vermin" auf eine schockierte Welt los. Wem das Bild einer Horde Ratten keine Gänsehaut verursacht, den mag der Hinweis schrecken, dass "Infectious Vermin" auch aufgrund der Frustration des deutschen Duos über die Aversion der Metal-Szene gegen jegliche Veränderung herangezüchtet wurde. Aber keine Sorge: Obwohl es RATS OF GOMORRAH satt haben, wenn einfach nur die müden Klischees eines durchschnittlichen Death Metal-Albums wiedergekäut werden, sind sie nicht einfach vom sinkenden Schiff gesprungen. Ihr Sound wurzelt noch immer im Todesmetall, aber er sprießt nun auch in Richtung von Heavy- und Speed Metal. Der Stimmeinsatz ist auf "Infectious Vermin" besonders abwechslungsreich gehalten und die Härtesuppe wurde obendrein mit scharfen Gewürzen wie Crust-angehauchten Riffs und eingängigen Refrains veredelt. Inhaltlich verwandeln die Deutschen aktuelle Themen in finstere Geschichten im Stil von H. P. Lovecraft, in denen es vor Rattenplagen nur so wimmelt. RATS OF GOMORRAH haben eine viel längere Geschichte hinter sich, als es ihr Erscheinen unter diesem Namen vermuten lässt. Streng genommen kam das deutsche Duo zwar erst im Jahr 2023 mit dem neuen Nager-Namen aus seinem Loch gekrochen, och die Band hat bereits über ein Jahrzehnt Death Metal auf dem Buckel. Gitarrist und Sänger Daniel Stelling war ebenso wie Moritz Paulsen am Schlagzeug seit dem Jahr 2009 ein Teil des international operierenden norddeutschen Death Metal Trios DIVIDE, das sich bereits im Jahr 2016 in ein Duo verwandelte. Wem es nun auf der Haut juckt und kribbelt, während aus den Wänden kriechende und raschelnde Geräusche dringen, der findet ein perfektes Gegenmittel zum aufkeimenden Gefühl des Grauens in "Infectious Vermin": Einfach den Lautstärkeregler auf 10 gedreht und es ist keine Ratte mehr zu hören. Dafür hämmern vielleicht ein, zwei oder auch vier Nachbarn an die Wohnungstür. Egal, lasst es alle wissen: RATS OF GOMORRAH sind nicht aufzuhalten!

2025 Repress

DJ Quik is a giant of West Coast hip-hop. With 1995’s Safe + Sound, he scaled new levels of musical magnificence with his signature new age P-Funk/laconic G-Funk. A quintessential, sun-scorched LA album, this is pretty much essential. Typical for mid-90s albums the original vinyl copies are now rare so here’s the Be With re-issue, complete with “Tanqueray”, the hidden track from the original CD release.

A preternaturally gifted producer/rapper, DJ Quik has produced scores of LA gangsta rap classics. He’s released platinum and gold records of his own, as well as helped craft them for the likes of Tupac, Snoop Dogg, and Dr Dre. Quik has always been quirkier and more interesting than his gangsta rap peers, both musically and lyrically. An old-school funk producer at heart, he’s also incredibly nice on the mic. His raps often deal in boasts, jokes and good times but also cover his beefs, his trials and his trauma. Partying and pain, all mixed up. DJing and producing hype beat tapes from age 14, Quik’s tracks blended the languid funk and rubbery synths of Zapp and George Clinton with a gangsta aesthetic, creating a more danceable foil to Compton’s more typical nihilistic hedonism. Ultimately, his records sound custom engineered to drift out over sun-soaked barbecues.

By the time of his third album DJ Quik was a household name on the West Coast - California’s premier rapper/producer not named Andre Young. Released on Profile in 1995, Safe + Sound was certified gold. Less reliant on samples and more focused on live instruments, it elevated him from producer to fully-fledged composer. This sound — the quick, winding basslines, tinny high hats, smooth instrumental solos, soulful pipes, and Roger Troutman’s talkbox — defined him. This is an album of full-blown masterpieces. Rich soundscapes and masterfully arranged orchestrations with dense layers of sounds, intricate rhythms, and well-balanced songwriting.

The first track proper, “Get At Me” samples Cameo whilst Quik takes aim at the Judases in his life, the horn-laced chorus providing a triumphant feel. On the horizontal “Diggin’ U Out”, the soulful electric piano of Warryn Campbell lays a relaxed groove for Quik to talk over about one of his favourite topics: sex. Title track “Safe + Sound” chronicles Quik’s formative years over a slick instrumental. The moody bass locks a laidback infectious groove, the hook is catchy and Quik’s delivery is in fine form. On the uber-chilled “Somethin’ 4 Tha Mood”, Quik cooks up a breezy, feel good track of sparkly keyboards, syncopated claps, shuffling hi-hats, woozy synths and a floating two-minute flute solo courtesy of Robert “Fonksta” Bacon. Analysing the highs and lows of an average day in the hood, it echoes Cube’s “It Was a Good Day”.

“It’z Your Fantasy” is a silky smooth soundtrack to Quik’s detailed retelling of a sexcapade with a young lady and whilst “Tha Ho In You” is musically perfect for that midsummer family BBQ, its lyrical content is unsurprisingly decidedly less family-friendly. A real highlight, the infamous “Dollaz + Sense” is one of the most ruthless diss tracks of all time. The brutal lyrics ride a laidback West Coast beat, flipping a sample from Young & Company’s “I Like (What You’re Doing To Me)” as Quik fires lyrical shots at his arch Compton nemesis, MC Eiht. On the loping, hazy “Let You Havit”, Quik is again in gangsta mode, with more bars of barbs aimed at Eiht, rhyming over sun-kissed synthy-rollerskate funk.

Some of the finest tracks on Safe + Sound are those designed to de-stress. The evocative “Summer Breeze” is a classic warm-weather jam, anchored by a twangy funk guitar, breezy string arrangement, and a soulful hook delivered by Dionne Knighton. Quik’s nostalgic lyrics are not far from DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince’s “Summertime”, reminiscing over barbecues at the park, young love, and the brevity of halcyon youth. The relaxed and jazzy “Quik’s Groove III” is another highlight, as bass, guitar, piano and flute combine to create a smooth, soulful instrumental.

The swaggering “Shack Up”-sampling “Sucka Free” features a cameo from Playa Hamm, all funky braggadocio and over much too quikly (pun thoroughly intended). The jazz-flavoured “Keep Tha ‘P’ In It”, again featuring Playa Hamm but this time extending the cameo invitations to Hi-C, 2nd II None and Kam, is pure laidback P-Funk. The deep bass and industrial drums make sure the groove hits hard.

“Tanqueray” was originally a hidden track on the CD version of the album, but it’s too good to hide. This wild party samples Brass Construction’s gigantic “Get Up To Get Down” and soars in its drunk-ebullience. An apt way to close this party-driven set.

This 2022 Be With double LP re-issue has been mastered for vinyl by Simon Francis, cut by Pete Norman and pressed at Record Industry. Unusual for the time, Safe + Sound was originally pressed as a double, so all that was missing was the CD’s hidden bonus track “Tanqueray”, so we’ve fixed that. The original vinyl release never got a picture sleeve, so we’ve recreated the original’s promo-style silver-sticker and plain black jacket. A subtle cover for a wonderfully unsubtle record.

Was wird aus uns, wenn wir anfangen, über die Dinge zu schweigen, die wichtig sind?
Flash Forward sind seit Jahren nicht mehr aus der deutschen Musiklandschaft wegzudenken. Ausverkaufte Shows in ganz Deutschland, Support Touren mit (inter)nationalen Größen wie Enter Shikari, You Me At Six, Deaf Havana oder Emil Bulls und Slots auf den größten Deutschen Festivals wie dem Hurricane, Southside, Highfield oder dem Open Flair, zeichnen die Vita der Band.
Im neuen Album RENEGADE (VÖ: 31.01.2025) steckt viel. Viel Angst, viel Vertrauen, viel Wut, viel Hoffnung. Sich nicht zugehörig zu fühlen und sowohl den subjektiven als auch objektiven Transformationen und Herausforderungen zu stellen, bedeutet sich zu erheben, Blindheit abzulegen und die Augen zu öffnen. Selbstbestimmung, Gleichberechtigung, Toleranz und Nächstenliebe sind Werte, welche die Band nicht erst auf dem neuen Album, sondern seit jeher auf ihren Konzerten und mit ihrer Haltung vermittelt. Das Album ist also weniger ein neues Kapitel als vielmehr die Fortführung der essenziellen Tugenden von Flash Forward.
Genauso wie die Musik der Band, die sich durch ihre Vielseitigkeit auszeichnet und moderne Pop-Elemente mit harten Gitarren und intensiven Drums miteinander verschmilzt, ist das neue Album RENEGADE etwas für JEDE:N der sich mit diesen Werten identifiziert.

Weisses Vinyl
ltd. auf 250 Stück
Bedrucktes Innersleeve mit Lyrics
Hochwertiges LP-Jacket, Inside Out bedruckt